Al limite

Siempre creo haber visto toda la filmografía de Scorsese pero cada día descubro que siempre tiene otra que no he visto y que por lo tanto me parece que la obra de Scorsese tiene huecos en mi conocimiento. 

En este caso la película es del año 1999 y se llama al límite, aunque su título en inglés es Bringing out The Dead. Una vez vista la película considero que la misma tiene muchos elementos de escoceses como esa adoración por la ciudad por su bajo fondo por la noche por aquello que nunca se ven por la cara B pero también tiene mucho de su guionista Paul Schrader con el que ya trabajó al fin y al cabo es un colaborador habitual en películas como La última tentación de Cristo; Toro Salvaje, Taxi driver, etc.

Hay mucho de este guionista en esta película por ejemplo en el carácter del protagonista principal de la historia un atormentado Nicolas Cage que aborda un papel dramático de gran entidad. De hecho este es uno de los mejores trabajos del actor ítaloamericano y integrante de la familia Coppola siendo uno de esos trabajos que combinan junto con otros mucho más comerciales aunque son estos los que les dan de comer les proporciona la fama son los otros los que le dan un mayor prestigio como es el caso de Leaving Las Vegas hechizo de amor, Birdy , Peggy su se casó, Arizona baby o La ley de la calle. La idea de contactar con Nicolas Cage para interpretar al personaje principal se le ocurrió a Scorsese tras una conversación con Brian De Palma, que había trabajado con el actor en Snake Eyes.En 2022, Nicolas Cage destacó Bringing Out the Dead como una de las mejores películas que jamás haya hecho. 

Junto a Cage, en esta producción de Scott Rudin y Barbara De Fina para la Touchstone Pictures, en el que inviertieron la friolera de 55 millones de dólares, intervienen dos intérpretes de renombre como son Patricia Arquette y John Goodman. Tanto uno como otro juegan un papel secundario en la historia aunque Patricia Arquette aparece como la protagonista femenina, Mary Burke. 

Junto a ellos se encuentran Ving Rhames, Tom Sizemore, Cliff Curtis como un traficante Cy Curtis, y sorprendentemente también aparece el cantante Marc Anthony como Noel, un latino algo pirado.

La historia se desarrolla en 1990, antes de la última renovación vivida por la ciudad de Nueva York. Por sus calles deambulan personas en la zona alta y en la zona baja pero sobre todo vivencias alguna de las cuales se mueven en ambulancia a toda velocidad. 

En una de ellas trabaja Frank Pierce ( Nicolás Cage) un paramédico que sufre de depresión, insomnio y agotamiento ocupacional y no ha salvado a ningún paciente en meses después de arruinar la reanimación de Rose, una adolescente sin hogar. Ha comenzado a alucinar al fantasma de Rose. Atiende las urgencias junto a sus compañeros Larry, Marcus o Tom Wolls ( John Goodman y Ving Rhames o Tom Sizemore, respectivamente), cada uno con una personalidad muy distinta. 

Rodeado de moribundos y heridos Fran se mueve en el mundo urbano nocturno y está quemado por los años que ha pasado salvando alguna vida pero sobre todo viendo morir a mucha gente. A lo largo de cincuenta y seis horas dos días y tres noches de trabajo Frank vivirá al borde de una crisis moral y espiritual pero también sentirá que puede ser un redentor. Los fantasmas de las personas que no ha podido salvar empiezan a atormentarle. No puede dormir por las noches e incluso intenta que le echen del trabajo. Al borde de la crisis vital, Frank conoce a Mary Burke (Patricia Arquette), la hija de un hombre al que ha tenido que asistir una noche, junto a su colega Larry, cuando responden a una llamada en la que se informa de que el padre de familia, el Sr. Burke, ha sufrido un paro cardíaco. 

Allí, en la casa familiar, del mismo barrio en el que se crió, Frank reconoce a Mary, la angustiada hija de Burke, una ex drogadicta, y descubre que Mary era amiga de Noel, un drogadicto y delincuente que es enviado con frecuencia al hospital.

Después de algunas llamadas,  Frank y Larry responden a las secuelas de un tiroteo, donde Frank nota que están relacionadas con una nueva droga derivada de la heroína como la "Red Death" que salen de la manga de una víctima sobreviviente. 

Mientras está en la parte trasera de la ambulancia con Frank y Noel, la víctima intenta arrepentirse de su forma de traficar con drogas, pero muere antes de que puedan llegar al hospital. 

Al día siguiente, Frank es emparejado con el carismático y ferviente religioso Marcus. Los dos responden a una llamada de un hombre que, según se informó, sufrió un paro cardíaco en un club. Cuando llegan, Frank diagnostica que, de hecho, sufre una sobredosis causada por la Muerte Roja. 

Mientras Frank le inyecta Narcan al hombre, Marcus comienza un círculo de oración con los desconcertados asistentes al club, y justo cuando su predicación llega al clímax, el hombre con sobredosis recupera la conciencia. 

En el camino de regreso al hospital, Frank visita el departamento de Mary para decirle que la condición de su padre está mejorando. 

Frank y Marcus luego responden a una llamada de un joven cuya novia está dando a luz a gemelos. Frank y Marcus llevan a los dos bebés y a la madre al hospital, donde Marcus lleva a la madre y al gemelo sano a la sala de maternidad, mientras Frank intenta revivir al otro gemelo con el personal del hospital. El hospital no puede revivir al gemelo más pequeño y Frank, consternado, comienza a beber antes de que Marcus se le una y estrelle la ambulancia contra un automóvil estacionado. Salen ilesos y se ríen del incidente. 

A la mañana siguiente, Frank ve a Mary salir del hospital y la sigue hasta un bloque de apartamentos; Mary le dice a Frank que está visitando a una amiga y él la acompaña a la habitación. 

Después de esperar un rato, Frank irrumpe y descubre que es un garito de drogas dirigido por un traficante llamado Cy Coates. Mary admite que ha vuelto a las drogas para hacer frente a la situación de su padre y, mientras Frank intenta que ella se vaya, Cy le ofrece algunas pastillas. En un momento de desesperación, Frank toma las drogas y comienza a alucinar, viendo más fantasmas de sus pacientes. 

Una vez sobrio, agarra a Mary y la saca del edificio. Mientras visita a un Burke en coma en el hospital, Frank comienza a escuchar la voz de Burke en su cabeza, diciéndole que lo deje morir, pero en su lugar resucita a Burke. 

En su tercer turno, Frank forma pareja con Tom Wolls, un hombre con tendencias violentas. La pareja responde a una llamada al antro de drogas de Cy, donde ocurrió un tiroteo, y encuentran a Cy empalado en una barandilla. Frank sostiene a Cy mientras los servicios de emergencia cortan la barandilla, pero ambos casi salen disparados por el borde antes de ser levantados nuevamente. Cy luego agradece a Frank por salvarle la vida y se convierte en el primer paciente que Frank salva en meses. 

Luego, Frank acepta ayudar a Tom a golpear a Noel y perseguirlo. Frank comienza a alucinar nuevamente y se recupera justo cuando se encuentra con Tom golpeando a Noel con un bate de béisbol. Frank salva a Noel. 

Cuando Frank visita a Burke nuevamente, la voz suplica por la muerte una vez más y Frank le quita el aparato respiratorio a Burke, lo que provoca que sufra un paro cardíaco fatal. Frank luego se dirige al apartamento de Mary para informarle que ha muerto. Alucina al fantasma de Rose por última vez y obtiene su perdón. 

Mary acepta la muerte de su padre, con el que tenía una malas relaciones, por eso se sentía mal. Frank es invitado a pasar y se queda dormido con Mary.

Al límite representó el regreso de Martin Scorsese a las calles de Nueva York pero esta vez desde otro punto de vista. El realizador de películas como New York New York, Taxi driver, Malas calles, El rey de la comedia, Uno de los nuestros, Jo qué noche, Historia de Nueva York o La edad de la inocencia, se acerca en esta ocasión a las avenidas de la Gran manzana a través de las ambulancias de los servicios de urgencias de la ciudad que se extiende por todos los distritos y en una dimensiones tales que resultan inabarcables. 

La película se inspiró en parte en una novela Bringing Out the Dead de Joe Connelly. La película contó con la música de Elmer Bernstein, la fotografía de Robert Richardson y el montaje de Thelma Schoonmaker. 

La película fue un fracaso en pantalla . De los 55 millones invertidos apenas ganó 16 millones. Thelma Schoonmaker, la editora de la película, reflexionando sobre la misma, la elogió  y dijo: "Creo que es la única de las películas [de Scorsese] que no ha recibido su merecido. Es una película hermosa, pero creo que fue difícil para la gente aceptarla". Para ella la película  fue comercializada erróneamente, como una película de persecución de autos: "Lo que pasó fue que esa película trataba sobre la compasión, y creo que se vendió como una película de persecución de autos. Cuando vi el tráiler dije: "¡Espera un minuto! ¡De eso no se trata la película!" . 

En cuanto a la crítica señalar que no fue unánimemente valorada en positivo. Según el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, «El film sabiamente no tiene un argumento real, porque el día a día de los paramédicos no tienen un comienzo o un destino. (...) Contemplar Bringing Out the Dead —contemplar, de hecho, cualquier film de Scorsese— es recordar que el cine puede tocarnos de forma inmediata, profundamente».

Años más tarde, Scorsese le reflexionó a Ebert que Bringing Out the Dead "fracasó en taquilla y fue rechazado por muchos críticos". Sin embargo, agregó: "Tuve 10 años de ambulancias. Mis padres, entrando y saliendo de los hospitales. Llamadas en medio de la noche. Estaba exorcizando todo eso. Esos paramédicos de la ciudad son héroes, y santos, son santos". Crecí junto al Bowery, observando a las personas que trabajaban allí, el Ejército de Salvación, el Movimiento de Trabajadores Católicos de Dorothy Day, todos ayudando a las almas perdidas. Son el mismo tipo de personas". 

Janet Maslin The New York Times dijo de ella que es "Un intenso y volátil film lleno de tristeza y de salvaje y mordaz humor. (...) Cage, con la mirada de un angustiado santo medieval, ofrece una sutil y atormentada interpretación que hace la crisis espiritual de Frank muy real." 

Para  Emanuel Levy en Variety la película contiene "Humor negro, pirotecnia visual e interpretaciones valientes, ayudan a hacer más digerible una película intensa y llena de detalles sangrientos" 

Mike Clark del USA Today escribió que "En un papel tan hecho a medida para él, como la historia para su guionista y director, Nicholas Cage potencia la película con una de sus mejores interpretaciones" 

Al otro lado del país, Bob Graham de SFGATE consideró que "Scorsese y el guionista Paul Schrader regresan a lo que parece la otra cara de 'Taxi Driver'. Es igualmente impactante. También es sorprendentemente divertida y muy conmovedora" 

Retornando a la costa atlántico en las páginas del Boston Globe Jay Carr señaló que "Aunque sentida y bellamente realizada, está demasiado cargada con el fallido complejo de salvador de su protagonista y sorprendentemente, carece de impacto primario"

Y en la capital federal,  Rita Kempley en las páginas del The Washington Post afirmó, menos generosa,  que "Carece del impacto de las mejores colaboraciones de Scorsese y Schrader" 

De la prensa británica destacan las valoraciones de Ian Freer en Empire que señaló que "La apasionante maestría como director de Scorsese está a máxima potencia, encontrando una fantástica variedad en una película enfocada en el interior y exterior de una ambulancia (...); y la crítica de Time Out que dijo de ella que "Está muy bien realizada y tiene un ritmo trepidante, pero al final, nunca llega a implicarte emocionalmente como podría y debería" 

Ya en España, destaco dos críticas aparecidas en las dos revistas de cine especializadas, Cinemanía y Fotogramas. María Casanova que escribió en la revista que la película presentaba un "Extraordinario reparto y extraordinario Scorsese que, después de mojarse en cada plano, da una vuelta de tuerca en la escena más hermosa de la película: una eutanasia"; mientras que en la revista Fotogramas Jordi Costa señaló: «una de las más ásperas, incómodas y perturbadoras obras del único director americano de su generación que no ha perdido ni coherencia, ni atrevimiento». 

En cuanto a premios, el Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti. En los IV Premios Sattellite Awards Ving Rhames fue nominado a mejor secundario.

Para algunos críticos esta película se integraría en una no reconocida - o sí, realmente no lo sé- trilogía neoyorkina de la noche de Scorrsese junto a Jo, que noche! o Taxi Driver. 

Desde mi punto de vista la película vuelve a ser un canto a su ciudad, a sus bajos fondos, tras haber mostrado previamente a la alta sociedad a finales del XIX en La edad de la inocencia y volvería a los bajos fondos del XIX en 2002 con Gangs of New York. Tiene grandísimas actuaciones, pocas veces todos los que salen hacen un trabajo tan soberbio destacando sobremanera los papeles asumidos por Nicolas Cage, Patricia Arquette, Ving Rhames , Cliff Curtis, o el mismísimo Marc Anthony: una película que habla de lo que gusta a Schraeder, los traumas y la redención, magníficamente filmada y excepcionalmente dirigida, como sabe hacer siempre, maese Scorsese. 

El rey de la comedia

Una de las pocas películas que me quedaban pendientes de Martin Scorsese. Se trata de una comedia ácida y negra del año 1982 sobre el mundo de la televisión, el culto a las celebridades y la cultura mediática estadounidense. 

La película es una producción de Arnon Milchan de la productora de Embassy International para que fuese distribuida por la 20th Century Fox. 

La película presenta el guion de Paul D. Zimmerman, la música de Robbie Robertson, la fotografía de Fred Schuler , el montaje de Thelma Schoonmaker y el vestuario de Richard Bruno. La película contó con un presupuesto de 19 000 000 USD, que no se recaudó pues apenas llegó a recaudar apenas 2 5 millones de dólares.

Cuenta la historia de Rupert Pupkin (Robert De Niro, en su quinta colaboración con el director de Little Italy), un comediante - o aspirante a comediante- desesperado, que quiere trabajar en el mundo del espectáculo sobre todo en el televisivo y que intenta conseguir por cualquier medio una recomendación de su ídolo, el famoso cómico Jerry Langford (Jerry Lewis). 

Junto a De Niro y el mítico Lewis, participan Diahnne Abbott como Rita Keane, Sandra Bernhard como Masha, Shelley Hack como Cathy Long.

Lo dicho, Rupert Pupkin es un aspirante a comediante que pisa ya la treintena, que vive con su madre y que intenta lanzar su carrera. Cree que en este mundo son esenciales los "contactos" o tener un "padrino" para poder trabajar en este complejo medio por lo que semana tras semana está a las puertas de un exitoso programa de humor televisivo programa de comedia y entrevistas que lleva como comediante y que presenta Jerry Langford (Jerry Lewis) a la espera de habar con él. No está sólo en ese intento de ver a su ídolo, pues junto a él siempre hay una chica, Masha (Sandra Bernhard), una chica más desesperada que él por tratar con su héroe televisivo. Tan desesperada está que incluso entra en el vehículo privado de Jerry sin autorización. 

Después de conocer "casualmente " a Jerry Langford, cuando logra meterse en su vehículo para salvarlo de Masha, Rupert que lo acompaña a su hotel, cree que su "gran oportunidad" finalmente ha llegado. Aunque Jerry escucha la propuesta de Rupert educadamente, Rupert piensa que está dispuesto a escucharlo.

Desde el día siguiente, Rupert intenta contactar con Jerry con el fin de reservar un espacio en el programa de Langford y tener su oportunidad como cómico, pero el personal que trabaja para el programa lo rechaza continuamente, particularmente Cathy Long (Shelley Hack ). Insiste una y otra vez y lo único que consigue hablando con Cathy es , ya que no está trabajando en ningún local para verlo actuar, que le entrega otro día una cinta con lo que tendría que ser su actuación. Eso hace , y queda a la espera de que  el propio Langford lo llame. 

Mientras tanto vamos descubriendo que el número del coche que puso en contacto a Rupert con Jerry y en el que estaba implicado una chica, fue protagonizado por otra fan, Masha (Sandra Bernhard), vieja conocida suya y que intenta por activa y por pasiva pasarle un mensaje personal a Jerry. Ella, mujer con posibles, dado el dinero de su familia, vive enloquecida con la idea de entablar una relación con su héroe, Jerry.

En el camino, Rupert se entrega a fantasías elaboradas y obsesivas en las que él y Langford son colegas y amigos; así lo vemos en un bar cenando junto y ante una inmensa pared con mucho público. 

Con la esperanza de impresionar a una chica que trabaja en el bar al que él va de forma recurrente, Rupert invita a una cita, Rita Keane (Diahnne Abbott). Es más, tras cenar una noche con ella y enseñarle las múltiples firmas de famosos que tiene, desde Marilym hasta la suya, le pide que un día lo acompañe a la casa de campo de su ídolo, Jerry.

Cuando llegan sin previo aviso y dicen al mayordomo que están invitados por el mismo Langford, el mayordomo asiático llama a Jerry, que , evidentemente, no sabe nada. 

Cuando Langford regresa a casa y encuentra a Rupert y Rita instalándose en la casa, les dice enojado que se vayan. Rupert continúa ignorando la conversación con Langford y ante la insistencia de éste y el cariz que va tomando la conversación hace que Rita le pida que se vayan. Pero Rupert está empecinado en hablar del programa, hasta que Langford finalmente responde que solo le había dicho a Rupert que podía llamarlo para que Langford se deshiciera de él. Rupert, en ese momento promete amargamente trabajar "50 veces más duro" hasta conseguirlo y, finalmente, se marcha. 

Enojado por el rechazo, Rupert trama un plan de secuestro, con la ayuda de Masha, su compañera acosadora, igualmente obsesionada con Langford; plan que ejecutan a la salida de Jerry del trabajo, a plena luz del día con una pistola, que descubriremos más tarde que es falsa. 

Tras instalarse en la mansión de Masha, Rupert llama al productor del programa, informando del secuestro del presentador estrella. Como rescate, Rupert exige que se le dé el primer lugar en el programa de esa noche d de Langford (que será presentado como invitado por el mismo Tony Randall) y que el programa se transmita de manera normal. 

Los jefes de la cadena, los abogados y el FBI acceden a sus demandas con la idea de que Langford será liberado una vez que se transmita el programa a todo el país a su hora, las 11 de la noche. Así que tras concretar mediante llamadas telefónicas el plan sigue su curso, dejando a Jerry maniatado por cinta de papel, inmovilizándolo

Entre la grabación del programa y la transmisión, Masha tiene la "cita de su sueño" con Langford, quien está pegado a una silla en la casa de sus padres en Manhattan. Langford la convence de que lo desate con el pretexto de seducirlo, momento en el que agarra el arma, solo para descubrir que es una pistola de juguete cargada con perdigones defectuosos. 

Tras quitarle la cinta, Jerry abofetea a una Masha que está en bragas y sujetador para someterla y huye al centro, donde en un televisor en la calle ve enojado la rutina completa de Rupert en una serie de televisores. 

Mientras tanto, el acto de Rupert es bien recibido por el público del estudio. En su actuación, describe su problemática educación y al mismo tiempo se ríe de sus circunstancias. 

Luego, Rupert cierra la misma confesando a la audiencia que secuestró a Langford para entrar en el mundo del espectáculo. Mientras el público todavía se ríe (pensando que todavía es parte de su acto), Rupert responde diciendo: "Mañana sabrán que no estaba bromeando y todos pensarán que estoy loco. Pero acaba afirmando que "es mejor ser rey por una noche que un idiota toda la vida". 

Después de salir de la grabación, Rupert junto a la policía, va a bar de Rita. A pesar de que al verlo, Rita lo rechaza le pide que vea la transmisión a Rita en su bar. Una vez terminado su monólogo, - siendo la primera vez que lo escuchamos al completo- se somete con orgullo a su arresto, mientras los agentes del FBI profesan disgusto por sus bromas. 

La película termina con un reportaje sobre el crimen de Rupert, su sentencia de seis años de prisión y su libertad condicional después de dos años, ambientado en un montaje de escaparates que exhiben su "tan esperada" autobiografía, Rey por una noche, que afirma que Rupert todavía considera a Langford su amigo y mentor y que actualmente está sopesando varias "ofertas atractivas", incluidas giras de comedia y una adaptación cinematográfica de sus memorias. 

Más tarde, Rupert sube al escenario para un especial de televisión con una audiencia en vivo, donde un locutor lo presenta con entusiasmo como el Rey de la Comedia, mientras el propio Rupert se prepara para dirigirse a su audiencia. 

El locutor repite "Damas y caballeros, Rupert Pupkin", o variaciones similares siete veces mientras el público aplaude continuamente y Rupert les sonríe, saluda y hace una reverencia. 

Después de que se completó Toro Salvaje (Raging Bull), Scorsese había pensado en retirarse del cine para hacer documentales porque se sentía "insatisfecho" y aún no había encontrado su "paz interior". 

Sin embargo, estaba interesado en hacer uno de sus proyectos favoritos, La última tentación de Cristo, y quería que De Niro interpretara a Jesucristo. De Niro no estaba interesado y prefirió que su próxima colaboración fuera una comedia. 

Había comprado los derechos de un guion del crítico de cine Paul D. Zimmerman. Michael Cimino fue anunciado como director de El rey de la comedia el 7 de marzo de 1979, pero fue reemplazado por Martin Scorsese el 10 de noviembre, debido a que la producción se detuvo debido al enfoque de Cimino en el proceso de edición de Heaven's Gate. 

Bob Fosse consideró brevemente dirigir la película y sugirió a Andy Kaufman como Rupert Pupkin, Sandra Bernhard como Masha y Sammy Davis Jr. como Jerry Langford. En el borrador original que leyó Fosse, el personaje de Langford iba a ser un presentador hipócrita y ensimismado de telemaratones de televisión de 24 horas con fines benéficos, muy parecidos a los teletones anuales del propio Jerry Lewis. Al final, Fosse rechazó la película y prefirió dirigir Star 80, y el personaje de Langford pasó de ser presentador de teletón a presentador de un programa de entrevistas nocturno. 

Scorsese se preguntó si podría afrontar el rodaje de otra película, particularmente ante la inminente huelga del Sindicato de Escritores de Estados Unidos. 

El productor Arnon Milchan pretendía mantener el proyecto alejado de la interferencia de Hollywood filmando íntegramente en locaciones de Nueva York y sintió que podría entregarlo a tiempo con la participación de una compañía cinematográfica más pequeña. 

Después de una fuerte apreciación crítica por la forma en que había filmado Toro salvaje, Scorsese sintió que El rey de la comedia necesitaba un estilo cinematográfico más crudo que tomara las señales del cine mudo temprano, utilizando más tomas de cámara estáticas y menos primeros planos dramáticos. Scorsese ha señalado que la película de Edwin S. Porter de 1903 La vida de un bombero americano influyó mucho en el estilo visual de El rey de la comedia. Scorsese filmó escenas varias veces y pasó quince días refilmando para perfeccionar una escena, lo que resultó en una gran cantidad de metraje que tuvo que ser editado. 

De Niro se preparó para el papel de Rupert Pupkin desarrollando una técnica de "inversión de roles", que consiste en perseguir a sus propios cazadores de autógrafos, acecharlos y hacerles muchas preguntas. 

Como recordó Scorsese, incluso aceptó reunirse y hablar con uno de sus acosadores de toda la vida:El chico lo estaba esperando con su esposa, una tímida mujer de suburbio que estaba bastante avergonzada por la situación. Quería llevarlo a cenar a su casa, a dos horas en coche desde Nueva York. Después de convencerlo de que se quedara en Manhattan, [De Niro] le preguntó: '¿Por qué me acosas? ¿Qué deseas?' Él respondió: 'Para cenar contigo, tomar una copa, charlar'. Mi mamá me pidió que la saludara. 

De Niro también pasó meses observando a los comediantes trabajar para lograr el ritmo y la sincronización adecuados de sus actuaciones. Completamente en sintonía con su personaje, llegó incluso a rechazar una invitación a cenar de Lewis porque "se suponía que estaba en su garganta y listo para matarlo por [su] oportunidad". 

En la biografía/resumen de su trabajo, Scorsese sobre Scorsese, el director elogió mucho a Jerry Lewis, afirmando que durante su primera conversación antes del rodaje, Lewis fue extremadamente profesional y le aseguró antes de rodar que no habría conflictos de ego ni dificultades. Scorsese dijo que sentía que la actuación de Lewis en la película estaba muy subestimada y merecía más elogios. 

En una entrevista con la revista People, Lewis afirmó que Scorsese y De Niro emplearon trucos de actuación durante el rodaje, como el uso de epítetos antisemitas para "inflar la ira de Lewis". Lewis describió hacer la película como una experiencia placentera y señaló que se llevaba bien tanto con Scorsese como con De Niro. 

Lewis dijo que lo invitaron a colaborar en ciertos aspectos del guion que tratan sobre la vida de las celebridades. Sugirió un final en el que Rupert Pupkin mata a Jerry, pero fue rechazado. Como resultado, Lewis pensó que la película, aunque buena, no tenía un "final". 

En una entrevista para el DVD, Scorsese declaró que Lewis propuso la breve escena en la que Langford rechaza cortésmente la petición de un autógrafo de una anciana, lo que la llevó a gritarle: "¡Sólo deberías tener cáncer!". La escena se basó en un incidente real de la vida de Lewis, y él dirigió a la actriz que interpretaba a la anciana para que acertara en el momento adecuado. 

En el momento en que escribió su guion, Paul D. Zimmerman se inspiró en un programa de David Susskind sobre cazadores de autógrafos y un artículo de Esquire sobre un seguidor fanático de Johnny Carson. 

Scorsese se enteró por primera vez del guion de Zimmerman después de que Robert De Niro se lo presentara en 1974, pero rechazó el proyecto alegando que no sentía ninguna conexión personal con él. 

Impulsado por la alienación que sentía por su creciente estatus de celebridad, y la insistencia de De Niro en que la película podría hacerse "muy rápido" y que sería una "película de Nueva York" , el interés de Scorsese en el proyecto fue reavivado. 

La primera elección de Scorsese para el presentador del programa de entrevistas Jerry Langford fue Johnny Carson. Carson rechazó el papel y dijo: "sabes que una toma es suficiente para mí". También se consideraron a Joey Bishop, Orson Welles y Dick Cavett. También se consideró todo el Rat Pack, específicamente Frank Sinatra y Dean Martin, antes de tomar la decisión de seleccionar al antiguo socio de Martin, Jerry Lewis. 

La producción comenzó en Nueva York el 1 de junio de 1981, para evitar chocar con la citada  huelga de escritores, y se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 1983. 

Arnon Milchan sugirió que el rodaje comenzara un mes antes de lo previsto para evitar un posible paro laboral debido a la huelga de la DGA. Además, Scorsese no gozaba de buena salud, ya que fue hospitalizado debido al agotamiento y la neumonía. No se había recuperado cuando comenzó el rodaje a partir del 1 de junio de 1981 y duró más de veinte semanas, con Scorsese rodando de 4 p. m. a 7 p. m. todos los días. El propio Scorsese, así como varios integrantes de su familia, aparecen en la película, el como director del programa de Jerry. 

La película tras su estreno en 1983 en los Estados Unidos, aunque se estrenó en Islandia en primer lugar, recibió críticas en su mayoría positivas de los críticos, pero fue un fracaso de taquilla, recaudando sólo 2,5 millones de dólares frente a su presupuesto de 19 millones de dólares. Era la primera producción de Embassy International Pictures, más tarde Regency Enterprises.

La reputación de la película ha crecido con el tiempo, y algunos la clasifican entre las mejores películas de Scorsese. 

El director Todd Phillips cita con frecuencia el guion de la película Joker, de 2019, escrito por él mismo y el coguionista Scott Silver, como inspirado tanto en El rey de la comedia como en la película Taxi Driver, también de Scorsese, de 1976. 

Robbie Robertson produjo la música para la banda sonora de la película y contribuyó con su primer trabajo original después de dejar The Band titulado "Between Trains". Esta canción, un homenaje a un miembro del personal de producción que murió repentinamente, está en el álbum de la banda sonora pero no en la película en sí. 

La banda sonora de King of Comedy es una mezcla de música popular y música orquestal temática del compositor Bob James. La banda sonora incluye canciones de artistas como B.B. King, Van Morrison y Ray Charles. Este tipo de hibridación entre pop y música musical se utilizaría más tarde en Gangs of New York, The Aviator y The Departed. 

La película fue presentada en el Cannes Film Festival. En los BAFTA de fue nominada a la mejor dirección, al mejor actor Robert De Niro, al mejor actor de apoyo Jerry Lewis y mejor edición para Thelma Schoonmaker, aunque su único premio fue al mejor guion original para Paul D. Zimmerman. 

Para el Círculo de críticos de cine de Londres la consideró el mejor filme del año, y la National Society of Film Critics premio el trabajo de la actriz Sandra Bernhard como mejor actriz de apoyo. Aunque la película fue bien recibida por la crítica, fracasó en taquilla. 

De Niro dijo que la película "tal vez no fue tan bien recibida porque desprendía un aura de algo que la gente no quería ver ni saber". 

Time Out la llamó "la película más espeluznante del año en todos los sentidos y una de las mejores". 

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribió: "El rey de la comedia es una de las películas más áridas, dolorosas y heridas que he visto en mi vida. Es difícil creer que Scorsese la haya hecho". También escribió: "Scorsese no quiere risas en esta película y tampoco quiere la liberación. Toda la película trata sobre la incapacidad de los personajes para obtener algún tipo de respuesta positiva a sus intentos de reconocimiento". Concluyó que la película "no es, como ya habrás adivinado, una película divertida. Tampoco es una mala película. Es frustrante de ver, desagradable de recordar y, a su manera, bastante efectiva". 

El crítico Gene Siskel lo recomendó en su lista como parte de "Buried Treasures" en un episodio de 1986 de At the Movies. 

Dave Kehr, del Chicago Reader, le dio a la película una crítica favorable, calificándola de "claramente una extensión de Taxi Driver" y "el descentramiento de la película es irritante, aunque lo es de una manera ambiciosa y arriesgada". 

Joyce Millman de Salon la llamó "la segunda película menos popular de Martin Scorsese, después de La última tentación de Cristo. Lo cual es una pena, porque es la segunda mejor película de Scorsese, después de Taxi Driver". Sin embargo, no todos los críticos dieron críticas positivas a la película. 

David Ehrenstein, autor de The Scorsese Picture, notó la respuesta mixta de la película en su reseña de 1983. Afirmó que El rey de la comedia "llega demasiado al hueso para la aprobación masiva de la audiencia a gran escala o para la aclamación unánime de la crítica generalizada". Creía que la película presentaba un retrato muy crítico de la administración Reagan en contraste con otras películas realizadas durante los primeros años de la administración (aunque el guion fue escrito mucho antes de la elección de Reagan y el rodaje comenzó menos de cinco meses después de que Reagan asumiera el cargo). "En un momento en el que el mundo del cine acumula sentimientos ingenuos en espesas y pegajosas gotas, una película como El rey de la comedia parece un asalto frontal. El triunfo del 'pequeño' se revela como nada más que un lumpen neofascista. sed de sangre." 

Pauline Kael de The New Yorker fue una de las críticas a las que no les gustó la película y describió el personaje de Rupert Pupkin como "Jake LaMotta sin puños". Continuó escribiendo que "De Niro disfrazado niega un alma a sus personajes. La 'bravura' de De Niro actuando en Mean Streets, Taxi Driver y New York, New York colapsó en 'anti-actuación' después de que comenzó a convertirse en carne repugnante. efigies de personajes sin alma... Pupkin no es nada." Scorsese dice que "la gente se confundía con el Rey de la Comedia y veían a Bob como una especie de maniquí". Scorsese ha calificado el papel de De Niro como Rupert Pupkin como su favorito de todas sus colaboraciones. Gary Arnold en The Washington Post dijo de ella que era "Un estudio desagradable y mal concebido sobre el comportamiento delusivo" 

Vincent Canby del The New York Times comentó que era "muy divertida y termina por todo lo alto, algo que me ha sorprendido tanto como agradado. Pero también es aguda, algunas veces maníaca hasta el punto de la locura, además de ser siempre aterradora." 

Richard Brody del The New Yorker consideró que "Scorsese dota a su obra de la entusiasta energía callejera de Nueva York y de la mirada asombrada de un extranjero al conocer el poder de la industria del espectáculo." 

Para Philip Horne del británico Telegraph escribió que era "Una película perturbadora en la que el mundo de la televisión es visto como si de una 'realidad' superior se tratase" 

En otro lugar de la prensa británica, Adam Smith de Empire lo llamó "Ni lo suficientemente divertido como para ser una comedia negra eficaz ni lo suficientemente aterrador como para sacar provecho de sus elementos de suspenso y terror". 

Ya en España, en El País Miguel Ángel palomo la calificó como una "Demoledora crítica a las ambiciones humanas. Con desvergonzada crueldad, 'El rey de la comedia' propone una sátira del arribismo y del ansia de fama" 

El cineasta japonés Akira Kurosawa citó El rey de la comedia como una de sus películas favoritas. n una retrospectiva de 2010, Mark Kermode clasificó la película entre las mejores de Scorsese. 

Sandra Bernhard, quien interpreta a Masha en la película, indicó en una entrevista de 2013 que Jack Black estaba interesado en una nueva versión. Sin embargo, descartó la idea y dijo que era "demasiado tarde" para hacerlo. 

El actor Steve Carell y el director Bennett Miller, ambos fanáticos de la comedia negra, citaron El rey de la comedia como un favorito personal e inspiración para dar forma al personaje sociópata de John E. du Pont en Foxcatcher. 

Phillips cita con frecuencia el guión de la película Joker de 2019, que también contó con De Niro y escrito por el director Todd Phillips y el coguionista Scott Silver, como inspirado tanto en El rey de la comedia como en la película Taxi Driver de Scorsese de 1976. 

El estudioso del cine David Bordwell, escribiendo en Film Viewer's Guide, mencionó la (ir)realidad del final como tema de debate, ya que no hay una respuesta definitiva sobre si el final es realidad o fantasía. Al final de la película, la línea entre la fantasía y la realidad se vuelve borrosa tanto para el público como para el personaje. Scorsese no ofrece una respuesta clara pero obliga a cada espectador a tomar su propia decisión sobre cómo interpretar la película. 

En su comentario sobre el DVD The Criterion Collection de Black Narcissus, Scorsese afirmó que las películas de Michael Powell influyeron en El rey de la comedia en su concepción de la fantasía. Scorsese dijo que Powell siempre trató la fantasía como si no fuera diferente de la realidad, por lo que hizo que las secuencias de fantasía fueran lo más realistas posible. Scorsese sugiere que el personaje de Rupert Pupkin no logra diferenciar entre sus fantasías y la realidad de la misma manera. Scorsese buscó conseguir lo mismo con la película para que, según sus palabras, "la fantasía sea más real que la realidad". Rupert Pupkin ha sido comparado con Travis Bickle en Taxi Driver: ambos personajes tienen serios problemas con las pruebas de realidad que trazan la línea entre la realidad objetiva externa y la realidad subjetiva interna. 

En su reseña, la columnista de entretenimiento Marilyn Beck aprobó la negativa de Johnny Carson a participar en El rey de la comedia, supuestamente porque temía que la película pudiera inspirar a psicópatas como John Hinckley. Beck consideraba que El rey de la comedia era incluso más peligroso que Taxi Driver debido a su falta de sangre y sangre, así como al hecho de que los espectadores podían identificarse fácilmente con De Niro.

Objetivo conseguido, y con ella ver el tratamiento que Scorsese le da a esta comedia, desde una óptica oscura y satírica al mundo del espectáculo y la obsesión por la fama, rozando por momentos yuna atmósfera surrealista, la del sueño de Rupert Pupkin, que es más cercano a la pesadilla con el fin de alcanzar la notoriedad. 

El tren de Bertha

Fue el segundo largometraje de  Martin Scorsese y llevaba como título original Boxcar Bertha, aunque aquí se tradujo como El tren de Bertha.  La película era una adaptación libre de una obra importante en el mundo literario norteamericano , pues representaba aquella literatura de signo anarquista y libertario que pocas veces hemos conocido cuando se habla del mundo literario norteamericano.

La obra en cuestión se llamaba Sister of the Road , y era un aparente relato pseudo-autobiográfico de un personaje ficticio que llevaba por nombre Bertha Thompson. La obra había sido escrita por - para mi - un desconocido como Ben L. Reitman  (1879-1943) que , sin embargo, fue un anarquista y médico estadounidense que desarrollo su labor de atención centrándose en los muchos pobres que no lograron alcanzar el ansiado y difícil sueño americano.

A este escritor se le conoció con el pseudónimo de "el médico vagabundo" o como se le llamaba en el Chicago de 1907 , el "Rey de los Hobos" al abrir el mayor de los centros de la Asociación Internacional de Bienestar de la Hermandad para la educación de migrantes, una asociación política y asistencial para los marginados de la sociedad o años más tarde al fundar la Sociedad de Chicago para la Prevención de Enfermedades Venéreas en la década de 1930. 

Junto con su compañero Emma Goldman  viajaron por el país durante casi ocho años, trabajando por las causas del control de la natalidad , el amor libre , la libertad de expresión , los derechos de los trabajadores y el anarquismo .

Durante estos años de lucha social la pareja vivirá todo tipo de aventuras y desventuras como el secuestro por parte de una organización mafiosa, agresiones diversas, etc... o por la policía o siendo encarcelados en alguna ocasión como sufren los personajes como vemos a los  de este Tren de Bertha.

Gran parte de ese espíritu libertario del escritor y de su compañera ( o compañeras, en plural) es trasladado por Martin Scorsese a la pantalla, pues la esencia ácrata está presente en esta película. Lo cierto es que , al igual que el escritor Reitman, casi todo lo que se respira en la película es extravagante y excéntrico. 

Lo cierto es que Scorsese con el apoyo de Roger Corman como productor y amparado por la productora American International Pictures (AIP) así como James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff y una presupuesto de $ 600,000 se lanzó a montar .

Para ello Scorsese contó con el guion de los hermanos Joyce H. y John William Corrington que fueron los que adaptaron el libro de Ben L. Reitman. Igualmente contó con una banda sonora con música de Gilb Guilbeau y Thad Maxwell , con la fotografía de John M. Stephens y el montaje de Buzz Feitshans.

En cuanto al reparto la protagonista absoluta es Barbara Hershey como Bertha Boxcar Thompson que aparece acompañado por David Carradine como Big Bill Shelly . Junto a ellos está Barry Primus como Rake Brown , Bernie Casey como Von Morton , el veterano John Carradine como H. Buckram Sartoris , Harry Northup como Harvey Hall  y Victor Argo como First McIver.

"Boxcar" Bertha Thompson es una joven que ve , nada más comenzar la película , como su padre fallece en un accidente de aviación y queda sola y desamparada en un ambiente de pobreza absoluta que vive el país y especialmente el sur en estos años de la Gran Depresión.

La pobreza se ha extendido y el único medio para ir a buscarse la vida a otro lugar es el tren que es asaltado por cientos de vagabundos para buscar un situación que les permita salir de la pobreza. 

Esta situación de desamparo personal en el caso de Bertha (Barbara Hershey) y de pobreza generalizada en caso de la sociedad es el caldo de cultivo para que surja la picaresca más absoluta, el descontrol, pero también la represión total de aquellos que son unos mandados o defienden los intereses de sus amos.

Descubrimos que tras perder a su padre en el  accidente de aviación mientras este fumigaba un campo de labor Bertha se introduce en uno de esos trenes que nos llevan a ningún sitio en concreto y allí conoce e intima con una controvertido líder sindical de izquierdas, peón de la compañía ferroviaria local, llamado Bill Shelley (David Carradine). 

A la pareja se irán sumando otros personajes como el jugador Rake Brown ( Barry Primus) y Von Morton  ( Bernie Casey) , un hombre de color que conoce desde hace tiempo a los Thompson y con los que trabajó.

Lo cierto es que , en principio, Bertha se separa de Bill y se tropieza en una partida de cartas con un hombre que no quiere hablar para no delatar que es del este. Se trata de un jugador sin fortuna llamado Rake. Ambos se dan compañía hasta que vuelven a encontrarse con Bill mientras este da un  mitín. Poco después suman al equipo al extrabajador de los Thompson, el trabajador mecánico Von Morton y entre los cuatro inicias una ola de asaltos a entidades, personas y sobre todo a la compañía ferroviaria que se dedica a intimidar a todos aquellos que suben sin billetes al tren en este momento de la Gran Depresión.

La suma de la policía , más la actuación de un par de brutales agentes contratados por la Compañía ferroviario dan sus frutos y tanto Von Thompson, al que encuentran tras un arresto, como Bill son detenidos y encarcelados. Cuando Bertha junto  a Rake está implicada en el asesinato de un jugador rico, la pareja se convierte en fugitiva. Cuando , finalmente, se reúnen los cuatro prosigue su actividad delictiva de asaltos y los robos a la empresa ferroviaria y a sus dirigentes que no tienen como fin el enriquecimiento sino mejorar las condiciones de vida de los trabajadores. A veces estos fallan y algunos acaban en la cárcel.

Sin embargo, la presencia positiva de Bertha y su capacidad para eludir la justicia supone la liberación. Los cuatro formarán una banda que actúa en Arkansas y serán acusados por la policía y autoridades locales de comunistas  o serán perseguidos por la corrupta compañía de ferrocarriles que busca venganza contra Shelley.

Tras buscar refugio en casas abandonadas lograrán los cuatro dar un golpe. Sin embargo, todos irán cayendo bajo la presión policial. Tras la muerte de Rake el grupo se diluye, pasando Bertha a buscarse la vida.

Cuando Bertha se queda sola, sus compañeros son arrestados, entonces vagando por las calles de una ciudad una mujer de mediana edad le ofrece un trabajo bien remunerado, Bettha la acompaña a una gran casa, al entrar se da cuenta de que está en un burdel plagado de fulanas, y que la oferta laboral es la de integrarse como prostituta. Aunque inicialmente parece que va a rechazar la oferta , pero cuando va a salir se da la vuelta . Prostituirse es menos malo que las quedarse sola en la calle.

Tras ser acogida en una casa de prostitutas. Tras estar un tiempo en ella, un día al pasar por el club de blues y escuchar su voz y su armónica reconoce a Morton . Morton la informa de que Big Bill Shelly ha escapado de la cárcel, le sugiere ir a buscarlo, van juntos a las vías del tren, y viajan hasta donde está él.

Finalmente, Bill, que es igualmente perseguido como sindicalista, gracias a Von Morton da con Bertha . Pero la suerte está echada y, finalmente, la policía y los agentes ferroviarios dan con los tres. Ellos se toman la justicia por su mano, crucificando a Bill en un vagón.

Una vez realizada este brutal acto, Von Morton y Bertha reaccionan. Morton venga a Bill y libera a Bertha, acabando con varios de los agentes, aunque no puedan impedir que el tren marche con el cuerpo crucificado de Bill mientras las lágrimas de Bertha recorren sus mejillas.

Después del éxito de Bloody Mama , Roger Corman quería hacer otra película femenina de gángsters. Julie Corman investigó a gánsteres femeninos y se encontró con la historia de Boxcar Bertha. Hubo un rumor que decía que la esposa de Roger Corman, la citada Julie Corman, obtuvo los derechos cinematográficos de la historia de la propia Bertha Thompson después de localizarla en una habitación de hotel de San Francisco; en realidad pudo haber sido un truco publicitario previo al lanzamiento o tal vez incluso un truco diseñado por los Cormans . En el epílogo de la cuarta reedición del libro "Boxcar Bertha" se explica que el libro es una obra de ficción y que el personaje Bertha Thompson era una amalgama de al menos tres mujeres que el autor Reitman conoció, pero que se inspiraba en una mujer llamado Retta Toble. 

La película fue planteada después de trabajar en el documental ''Street Scenes'' y después de que Martin Scorsese se dio a conocer por su trabajo en Woodstock (1970) es entonces cuando Martin Scorsese fue asignado por el productor Roger Corman para dirigir su sehgundo largo tras "¿Quién golpea mi puerta?" (1967), "El tren de Bertha" una película, que resulta ser una alegoría sobre los años de la Depresión. Martin Scorsese dibujó personalmente alrededor de 500 guiones gráficos para esta película.

En su autobiografía, Martin Scorsese dijo que Roger Corman lo contrató para dirigir esta película, le dio el guión y le dijo que cambiara lo que quisiera, pero tenía que recordar incluir la desnudez cada 15 páginas. Corman se rió de eso en una entrevista. Dijo que Scorsese probablemente lo recordaba mal. Recuerda haberle dicho a Scorsese que incluyera la desnudez dos o tres veces a lo largo de la película, pero no cree haberlo dicho cada 15 minutos.

En ella Martin Scorsese introdujo una de sus preocupaciones temáticas centrales: los símbolos y metáforas religiosas. Así, el protagonista es literalmente crucificado en un vagón de tren representando la figura del pecador. Tan obsesionado estaba con la fe que durante el rodaje, Barbara Hershey, advirtiendo la obsesión religiosa del director, le dio a leer una copia de la novela ''La última tentación de Cristo'', que años después Scorsese llevaría a cine con la actriz en el personaje de María Magdalena.

Martin Scorsese  se encontró ya con el grupo de actores cerrado, incluidos Barbara Hershey, David Carradine - que eran pareja en el momento de la filmación- y Barry Primus, y un horario de rodaje de 24 días en Arkansas y parece ser que se amplió ligeramente, entre octubre y diciembre de 1971 en las localidades de Reader y Camden.

Después de que terminó esta película, Martin Scorsese la proyectó para John Cassavetes. Cassavetes, después de verlo, abrazó a Scorsese y dijo: "Marty, acabas de pasar todo un año de tu vida haciendo una mierda. Es una buena película, pero eres mejor que las personas que hacen este tipo de películas. . No siga por el camino del cine comercial, simplemente intente y haga algo diferente ". La siguiente película de Scorsese fue su tercer largometraje, Malas calles (1973).

Para el rodaje se uso el Reader Railroad se utilizó para las escenas del tren. Era un tren que inauguró su linea en 1889 y que todavía está en funcionamiento, se utiliza en diversos momentos para el transporte de mercancías, el turismo y el cine. En el momento de la filmación, todavía se usaba regularmente tiradas con locomotoras de vapor. Las secuencias del tren fueron filmadas en primer lugar y duraron aproximadamente una semana. Esto se hizo para quitar primero el elemento más complicado de la producción, trabajar con un tren en movimiento. La locomotora ahora está operativa en el ferrocarril Great Smoky Mountains.

Scorsese, como es habitual en él,  hace un cameo en la película como uno de los clientes de Bertha durante el montaje del burdel.

Más tarde, Hershey calificó la película como "muy divertida, a pesar de que Roger Corman y la violencia y el sexo la paralizaron terriblemente. Pero entre los actores y Marty Scorsese, el director, nos divertimos mucho. Realmente tuvimos personajes desgraciados, pero uno tiende a no ver todo eso, porque terminas viendo toda la sangre y el sexo ".

En 1972 American-International Pictures distribuyó esta película para un programa doble junto a Tres asesinos (1968) protagonizada por Robert Walker Jr.  Se estrenó en junio de 1972.

De la película Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, dijo que era "una película extrañamente interesante ... El director Martin Scorsese ha optado por el estado de ánimo y la atmósfera más que por la acción, y su violencia siempre es contundente y desagradable. nunca liberador y estimulante, como se supone que es la Nueva Violencia. Tenemos la sensación de que estamos habitando la noche oscura de un alma ".

En otro diario de Illinois, Gene Siskel del Chicago Tribune calificó el filme como una "película basura" con violencia que "no sorprende. Simplemente deprime".

Howard Thompson de The New York Times encontró que la película fue una "sorpresa interesante", con una actuación "excelente" de Carradine y una "hermosa" dirección de Scorsese, "que realmente entra en juego".

Arthur D. Murphy de Variety, por contra, fue negativo, escribiendo: "Cualesquiera que sean sus intenciones, 'Boxcar Bertha' no es mucho más que una excusa para matar a mucha gente ... El corte final ha eliminado cualquier estado de ánimo y motivación que pueda haber en el guión, dejando poco más que peleas, disparos de escopeta, palizas y movimientos sin rumbo ".

Kevin Thomas del Los Angeles Times escribió: "Lo más impresionante de 'Boxcar Bertha' ... es cómo el director Martin Scorsese, de 28 años, realiza en su primera aventura en Hollywood.

Tom Milne, de The Monthly Film Bulletin destacó el papel de "David Carradine, Barbara Hershey y Barry Primus en particular, el guión abrasivo, asombrosamente filmado y bellamente actuado por David Carradine, en particular, Boxcar Bertha es mucho más que una película comercial que ha sido descartada y compite dignamente con Bonnie y Clyde "

Ya en España  Miguel Ángel Palomo en El País dijo de ella que era "Un filme comprometido, contestatario, (...) rodado con furia, con dominio visual, y apoyado por una Barbara Hershey que desprende a la par dureza y sensualidad"

Para mi ha sido todo un descubrimiento. Desconocía que esta obra un drama que habla sobre el crimen,pero que intenta realizar un análisis social al mostrar el contraste entre la vida de los míseros "hobos" y la opulencia y el lujo de los magnates y de los grandes propietarios , dentro de la crónica histórica de la "Gran Depresión" . Este se sumará al "Universo Scorsese". Es cierto que hay en ella rasdos del director, el citado, elemento religioso, el gusto por representar a los que están al otro lado de la ley, mostrarnos - literalmente- esos bajos fondos. Hay en ella un regusto clasicista en la forma y en el fondo. No hay perspectivas distintas, alternativas que adivinen el posterior manejo de la cámara por medio de largos planos. Eso sí, técnicamente es un aviso de lo que está por llegar, así como hay un intento por reflejar desde las preocupaciones religiosas a las sociales, el regusto por el salvajismo, la violencia y presentar los postulados del autor al defender el amor libre.

Once upon a time in Little Italy

Erase una vez en Little Italy. Estuve en Nueva York en el verano de 2015 y no tenía duda sobre uno de los sitios que estaba interesado ir. Realmente eran dos , pero estaban uno junto a otro. Ese sitio era Little Italy en Manhattan con , las que esperaba yo, sus concurridas calles de Elizabeth, Mott y Mulberry llenas de italoamericanos. Pero no . Hoy ese barrio , aparte de restaurantes y pizzerias, construido en ladrillo rojo ha ido menguando en el sentido étnico siendo sustituido por población de origen asiático que ha transformado parte de Little Italy en lo que hoy es una parte más de Chinatown, que desemboca en los míticos Five Points. 

No , no vi tipos humano parecidos a John Gotti, ni a otros muchos italianos como los Badalamenti, Persico, Lorandini ni a los grandes de otros clanes como los Bonanno, Gambino, Colombo, Genovese o Lucchese o Profaci , herederos del modelo creado por Lucky Luciano ; salvo camareros que me ofertaban su menú en la calle Mulberry entre Broome y Canal. Tampoco grandes negocios o detalles , salvo algún letrero que te daba la bienvenida a Little Italy no había ni referencias a nada de la cultura italiana, salvo la gastronómica y , menos aún, a la religiosa como esa mítica "Fiesta de San Genaro" que tiene lugar en el mes de septiembre a lo largo de la calle Mulberry entre las calles Houston y Canal y que aparece en algún momento de la película de Martin Scorsese que acabo de ver, Malas Calles o Mean Street.

Dicen que Scorsese y De Niro vivieron su infancia y adolescencia a cuatro calles de distancia, y que realmente no se conocían, a pesar de vivir ambos en aquel Little Italy. Sería Brian De Palma quien les presentó años después. Pero ellos estaban seguros de haberse visto muchas veces por la calle. Pero mientras De Niro era de la banda callejera de Broome Street, Scorsese lo era de la de Prince Street. Eso implicaría que nunca hubieran podido ser amigos. Así eran esas Malas Calles en las que paseaban junto a la gente normal, la mayoría, también aprendices de mafioso, chicos que anhelaban el poder a cualquier precio. Por medio de la violencia, aunque en sus valores pudieran estar igualmente presentes la culpa y la redención. Fue el inicio de una relación de amistad que aún existe, y de una actividad profesional que se ha extendido a lo largo de , al menos, ocho largometrajes juntos.

Pero no fue la primera película de Martin Scorsese, aunque sí la primera en la que hace un trabajo al que añade su sello personal y su estilo propio.

La carrera oficial de Martin Scorsese comienza con el largometraje ‘Who’s That Knocking at my Door?’ ( 1967), una película que recibido algunos premios y alabanzas de la crítica, pero que no fue a más ni siquiera un pequeño trampolín para nada.

La segunda película del italoamericano fue ‘Boxcar Bertha’ ( 1972),una película de encargo concedida al director por otro mítico director, Roger Corman.

La tercera se iba a llamar inicialmente ‘Season of the Witch’, pero terminó convirtiéndose en ‘Mean Streets’. Es posible que gracias a su amigo el guionista Jay Cocks (responsable de algunas de las historias de Scorsese sobre Nueva York como ‘The Age of Innocence’ o ‘Gangs of New York’). La idea del nombre de Malas calles proviene de una frase del mismísimo Raymond Chandler: “Down these mean streets a man must go”.

Con ‘Malas calles’ Scorsese comenzó a ser Scorsese y lo hizo hablando y mostrando lo que mejor conocía: Little Italy insertando en ellos a personajes que en el fondo el había conocido de primera mano.

En este caso Scorsese pudo hacer lo que quiso y conocía gracias en parte por ser el propio productor de su película junto a Jonathan T. Taplin por medio de las productoras Taplin – Perry – Scorsese Productions y con el apoyo en la distribución de la Warner Bros. La película se hizo con un presupuesto aproximado de $500.000.

El guión partía de una Historia de Martin Scorsese trasformada en guión por el mismo Martin Scorsese y Mardik Martin. La película estuvo fotografía por Kent Wakeford y cuenta con el montaje de Sidney Levin y la aportación musical de Eric Clapton, Bert Holland , Mick Jagger , Keith Richards y Charlie Watts. Como narrador del mismo en la versión en inglés es el mismo Martin Scorsese.

El reparto lo integran unos jóvencísimos Robert De Niro como Johnny Boy, Harvey Keitel como Charlie y David Proval como Tony DeVienazo. Junto a ellos aparece Amy Robinson como Teresa Ronchelli, Richard Romanus como Michael Longo, Cesare Danova como Giovanni Cappa, Victor Argo como Mario y George Memmoli como Joey Scala . Aparece igualmente en papeles muy breves el mismo Martin Scorsese como Shorty o Jimmy Shorts, así como David Carradine como un borracho al que asesinara su hermano en la vida real, Robert Carradine como el pistolero que asesina al borracho.

La película se enmarca en el Nueva York del año 1972. El protagonista es Charlie (Harvey Keitel)  un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York. Charlie trabaja para su tío Giovanni, un poderoso capo que actúa como prestamista y conseguidor político, principalmente cobrando deudas.

Charlie, (Harvey Keitel) un mafioso italoamericano de las calles de Nueva York, pero con principios morales que lo llevan regularmente a la Iglesia y que se muestra como un chico conciliar , amable y encantador , intenta ayudar a su inestable e irresponsable amigo, Johnny Boy, (Robert De Niro), un jugador de poca monta que le debe dinero a muchos prestamistas con el fin de que pague sus deudas pendientes a los múltiples acreedores a los que les debe. Entre los deudores está un amigo común, Michael Longo ( Richard Romanus ) .

Todos se reúnen en el bar de oro amigo, el Bar de Tony DeVienazo, (David Proval) Charlie y Johnny Boy discuten el hecho de que éste último, aún no le ha pagado al prestamista Michael Longo (Richard Romanus). 

Charlie está dividido entre su devoto catolicismo y su trabajo ilícito para su tío. Pero , entre sus amigos, Johnny es el que más problemas le da, ya que cada vez más se va haciendo más autodestructivo e irrespetuoso con sus acreedores. Al no recibir la redención en la iglesia, Charlie la busca sacrificándose en nombre de Johnny.

Cuando Michael llega al lugar, encontrándose así con Charlie, John y Tony unos y otro llegan al consenso de saldar la cuenta a la semana siguiente. Sin falta.

Charlie se pasa la mayor parte del tiempo trabajando como cobrador para su tío Giovanni Cappa (Cesare Danova), un mafioso de alto rango que lo ayuda a escalar en el negocio y que le tiene dicha una máxima: "los hombres honorables van con hombres honorables".

También gusta de la compañía de sus amigos y de estafar a "pringaos" que se pasan por Little Italy y quieren comprarles drogas. Con ese dinero en ocasiones van al cine, una de las actividades preferidas de ese grupo de italoamericanos.

En paralelo, Charlie , además de proteger a su inestable e imprudente amigo Johnny boy, al que conocemos poniendo un artefacto en un contenedor de basura en una esquina del barrio, mantiene un historia de amor secreto con la prima de su amigo Johnny, Teresa Ronchelli (Amy Robinson). Charlie se preocupa tanto por su imprudente amigo del que se ha hecho responsable , pero además hace todo lo posible para que nadie conozca esa relación. Es más, Teresa comenta que se va a ir a vivir sola a otro barrio y le pide a Charlie que se marcha con él, aunque el joven mafioso es remiso a ello. 

Mientras tanto, Michael habla en repetidas ocasiones con Charlie para advertirle de que John no ha cumplido con lo pactado. Y exige que se le devuelvan , en principio, 2.000 $ . Por su parte, Charlie intenta convencerlo para darle un ultimátum a su amigo; después de la charla, ambos se van al bar de Tony para esperar a Johnny.

Johnny no llega al encuentro, por lo que Michael amenaza a Charlie con matar a su amigo. Ese día en el local, los amigos están celebrando la vuelta desde Vietnam de un chico del barrio cuando Michael se marcha dolido con Charlie por ello. El de Vietnam monta un "pollo" tremendo tras haber bebido al querer violar a una chica pensando que sigue en el país asiático.

Al poco rato, Teresa, llega para avisar a Charlie que su primo está disparando un arma desde lo alto de un edificio. Charlie logra convencer a John para que baje de la azotea, deje de disparar contra el Empire State y de saldar la cuenta con Michael en el bar de Tony al día siguiente.

Charlie, al que vemos de vez en cuando en locales de striptease pues tiene fijación por una chica de color que baila en el local y que quiere llevarla cuando él monte su propio negocio, pues sabe que su tío le va a conseguir uno que tiene deudas múltiples con éste. dado que uno de los socios no aparece por el mismo. El protagonista también es relativamente asiduo a la iglesia del barrio donde busca consuelo en los rezos privados, sin confesión.

Un día su tío Giovanni lo convoca a una cena en el local que en un futuro próximo debe ser suyo y le recomienda dos cosas: primero , que se aleje de Johnny Boy, pues sólo da problemas con sus locuras ( deudas con todo el barrio, disparos en la noche,...) y , en segundo lugar, con el resto de su familia, especialmente con Teresa pues tiene ataques epilépticos algo por lo que está condenada al ostracismo debido a enfermedad, muy grave para el tío de Charlie.

Johnny descubre la relación entre Teresa y Charlie, causando que éste último, tema que, a causa de ello, se estropeen los planes con su tío. Tras una breve discusión en las escaleras en la que Teresa sufre un ataque epiléptico que es atendido por una vecina ("Mamma" Scorsese) Charlie sale tras su amigo y logra persuadir a Johnny para terminar con el asunto de la deuda con Michael.

Al bar de Tony, llegan Johnny junto a Charlie. Aunque Johnny tiene sólo 20 $ de los muchos que debe se acerca a Michael y le dice que jamás le pagará ni un solo centavo, pues el nunca paga sus deudas ya que el que le presta dinero a él sabe que nunca lo hace y es un gilipollas; Michael lo ataca . Se abalanza sobre Johnny, pero este responde sacando un arma y amenaza con matarlo.

Michael, humillado tras ser insultado, después de un tenso enfrentamiento, se marcha del local. Por su parte, Charlie decide llevarse a John de la ciudad por unos días, para evitar las represalias contra él. Tras convencerlo , Teresa insiste en ir con ellos.

Charlie toma prestado un auto y se van, dejando el vecindario sin incidentes deciden abandonar la ciudad . Sin rumbo definido, Charlie, Johnny y Teresa pretenden tomar la salida de la ciudad cuando se le acerca otro coche que guiado por Michael y con uno de sus sicarios en el asiento trasero, Shorty o Jimmy Short ( Martin Scorsese) que , de inmediato comienza a disparar al coche de Charlie.

Tras alcanzar en el cuello a Johnny Boy , así como a Charlie que recibe un disparo en la mano. El coche que conduce Charlie se sale de la carretera y choca contra un inmueble.

Finalmente, Charlie,es rescatados por una ambulancia, mientras Johnny se desangra en mitad de la calle quedando Teresa malherida en el interior del vehículo acabando así la película. Este fue el primer largometraje de Scorsese con su propio diseño.

El director John Cassavetes le dijo después de completar su película anterior realizada para Corman con el título de Boxcar Bertha : "Acabas de pasar un año de tu vida haciendo una mierda".

Esto inspiró a Scorsese a hacer una película sobre sus propias experiencias. Cassavetes le dijo a Scorsese que debería hacer algo como Who's That Knocking At My Door , su primer proyecto, que a Cassavetes le había gustado, y el resultado es Mean Streets, que se basó en hechos reales que Scorsese veía casi regularmente mientras crecía en la Pequeña Italia de la ciudad de Nueva York .

El guión de la película comenzó inicialmente como una continuación de los personajes de Who's That Knocking . Scorsese cambió el título de Season of the Witch a Mean Streets esa referencia al ensayo de Raymond Chandler " The Simple Art of Murder ", en el que Chandler escribe: "Pero en estas calles malas debe ir un hombre que no es malo, que no está empañado ni tiene miedo ".

Scorsese envió el guión a Corman, quien aceptó respaldar la película si todos los personajes eran negros. Scorsese estaba ansioso por hacer la película, por lo que consideró esta opción, pero la actriz Verna Bloom organizó una reunión con el potencial patrocinador financiero Jonathan Taplin, quien fue el director de ruta del grupo musical The Band , del que Scorsese haría una película.

A Taplin le gustó el guión y estaba dispuesto a recaudar el presupuesto de $ 300,000 que Scorsese quería si Corman prometía, por escrito, distribuir la película. La sugerencia de realizar una blaxploitation fue abandona cuando apareció la Warner Bros. pues estos le permitieron hacer la película como pretendía con personajes italoamericanos.

Con la película regresaba el principal actor de su primer filme, Harvey Keitel, en un rol muy cercano al director, pero con algunos nuevos matices ya que Charlie es el vehículo de las ideas más primordiales de la juventud de Scorsese, que se debatió durante años entre ser cura, gangster o director de cine.

También contó con De Niro (Johnny Boy), un chico del barrio al que conocía de vista, pero sin tener relación. La combinación entre De Niro (Johnny Boy) y Keitel (Charlie) será el eje de esta historia.

Un relato que pese a estar ambientado en Nueva York, y sobre todo en Little Italy, fue filmado en su mayor parte en Los Ángeles por necesidades estrictas de producción, y que ha sido muchas veces considerada como una especie de borrador del futuro, y magistral, ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, 1990).

La película fue estrenada por Warner Bros. el 2 de octubre de 1973 y obtuvo una recaudación de $3.000.000.

Desde el principio la película funcionó siendo recompensada la misma y sus protagonistas.  De Niro ganó el premio otorgado por la National Society of Film Critics como mejor actor de reparto por su papel como John "Johnny Boy" Civello. La película obtuvo la nominación al premio del Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión original drama.

En 1997, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

La película fue bien recibida por la mayoría de los críticos; Pauline Kael fue una de las críticas más entusiastas, calificándola de "un verdadero original y un triunfo de la realización de películas personales" y "vertiginosamente sensual".

Dave Kehr, del Chicago Reader, dijo que "la actuación y la edición tienen una fuerza tan original y tumultuosa que la imagen es completamente apasionante". Añadiendo el crítico de Chicago Reader que "Su montaje y sus interpretaciones tienen una fuerza tan original y convulsa, que la película resulta completamente fascinante"

Vincent Canby de The New York Times reflexionó que "no importa cuán sombrío sea el entorno, no importa cuán desgarradora sea la narrativa, algunas películas son tan minuciosamente hermosas que se dan cuenta de que tienen un efecto tónico que no tiene relación con el tema ".

Roger Ebert del Chicago Sun-Times incluyó a Mean Streets en su lista de Grandes Películas y escribió: "De innumerables maneras, hasta el detalle de los programas de televisión modernos, Mean Streets es uno de los puntos de origen de las películas modernas". Añadiendo que era "Una de las fuentes principales del cine moderno (...) "

En la revista  Time Out se señalaba que , sin duda, era "una de las mejores películas americanas de la década".

En 2013, la revista Entertainment Weekly consideró la película como la séptima mejor de todos los tiempos. Y , dos años después, en 2015, ocupó el puesto 93 en la lista "Las 100 mejores películas estadounidenses" de la BBC .

Para James Gandolfini , el fallecido protagonista de Los Soprano , cuando se le preguntó en Inside the Actors Studio qué películas lo influenciaron más, citó Mean Streets entre ellos, diciendo "Lo vi 10 veces seguidas ..."

En Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian dejó por escrito que "Su abrasadora energía todavía resulta impactante: las realistas escenas callejeras son asombrosas y el uso pionero de Scorsese de la música popular es genuinamente emocionante"

Ya en España Javier Ocaña en Cinemanía señalaba que es una "Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad"

En Fotogramas se dice que "El primer largometraje importante de Scorsese se centró en la recreación de un microcosmos desquiciado y sórdido en el que se desarrollaba una historia llevada a extremos de paroxismo. A través de una historia un tanto enloquecida se articula un impecable discurso sobre la amistad como bloque compacto pero sometido a mil posibilidades de fisura. Viene a ser como un borrador de "Uno de los nuestros". "

En Espinoff, antes blog de cine,  Adrián Massanet describe que " Scorsese aportó a ese grupo su incontenible pasión y sinceridad, sus recuerdos compulsivos y sus caracteres atormentados y sin salida, rebotando contra un laberinto que ellos creen irrompible. Cristaliza así la primera de sus obras importantes, y muchos de sus futuros temas, que estarán presentes en las obras más logradas, arriesgadas y complejas del cineasta, ya se dan a conocer aquí, así como el deseo de Scorsese de emplear la concepción del tan manido clasicismo, homenajeándolo pero al mismo tiempo pervirtiéndolo, dotándolo de una nueva vida y energía, demostrando que las negras texturas del filme noir pueden adaptarse perfectamente a cada época y autor, pues es un género polimorfo e ilimitado. " 

Para el mexicano Leonardo D’Espósito en Noticias considera que es "Un film poderoso, donde Scorsese era libre de hacer y mostrar lo que pasara por su cabeza, lleno de ideas y con un drama muy fuerte."

En definitiva, una gran película que hay que ver sí o sí para entender como Scorsese fija su estilo ya en 1973 con su seguimiento de personajes a través de la cámara, con su iluminación rojiza, con su oscuridad, combinando el buen hacer de los principales protagonistas y secundarios que están, simplemente , magistrales.

Además, esta película muestra lo que me quedé con ganas de ver en Manhattan , esos bajos fondos de Nueva York descarnados en los que fluye la amistad , pero también la venganza o la traición. El deber y la imagen lo es todo si quieres sobrevivir a unas malas calles o a un mal barrio.