Onoda, 10.000 noches en la jungla

Recuerdo la noticia en prensa en el Diario Córdoba, cuando todavía pertenecía a la Prensa del Movimiento. La noticia era que un soldado japonés, Hiroo Onoda , un oficial de inteligencia del Ejército Imperial Japonés, había salido de la espesura de la selva de una isla filipina y se había entregado a las autoridades locales poniendo fin a su participación en la Segunda Guerra Mundial. 

Hasta ese momento, no había noticia, aunque lo que sí importaba era la fecha de la rendición. No estábamos en septiembre de 1945, sino que la rendición había sido en 1933. Esa era la noticia, un japonés había asumido la lucha durante tres décadas más. 

El personaje protagonista era interesante. Onoda (Yuya Endo ) fue entrenado como oficial de Inteligencia por el comando Futamata de la Escuela Nakano, tras no haber sido capaz de convertirse en un aviador kamikaze, dado su deseo de vivir a toda costa, según se narra en la película. 

Tras un periodo de formación , el 26 de diciembre de 1944 lo enviaron a la Isla de Lubang en Filipinas. Las órdenes de Onoda eran realizar una guerra de guerrillas contra los estadounidenses, que estaban listos para invadir la isla, especialmente atacando las infraestructuras de la isla, especialmente, las pistas de aterrizaje y los muelles del puerto para evitar que fueran usados por el enemigo. Sus órdenes también incluían el no rendirse bajo ninguna circunstancia o suicidarse. 

Cuando Onoda desembarcó en la isla, se le destinó a un grupo de soldados japoneses que habían sido enviados allí con anterioridad. Los oficiales en el grupo sobrepasaban en rango a Onoda y le impidieron llevar a cabo su misión, lo que hizo más fácil para Estados Unidos y las fuerzas de la Commonwealth de Filipinas tomar la isla una vez desembarcaron el 28 de febrero de 1945. 

Poco tiempo después del desembarco, todos los militares japoneses, menos Onoda y otros tres soldados, habían muerto o se habían rendido. Para ese momento Onoda, era el único oficial pues era teniente, y ordenó a los hombres que ocuparan las colinas. Onoda continuó su campaña, viviendo inicialmente en las montañas con tres compañeros (el soldado Yuichi Akatsu, el cabo Shoichi Shimada y el soldado de primera clase Kinshichi Kozuka (Yuya Matsuura ). 

La primera vez que vieron un folleto que afirmaba que la guerra había terminado fue en octubre de 1945 y decía lo siguiente: "La guerra terminó el 15 de agosto de 1945. ¡Bajen de las montañas!", aunque en la película fue uno de los donkos - filipinos al que se enfrentaron- los que hablaron de que la guerra había terminado. Onoda, sin embargo, desconfió del folleto al pensar que se trataba de propaganda aliada y razonando que no lo hubieran lanzado si de verdad la guerra hubiera concluido. 

Hacia el final de 1945 se lanzaron desde aviones panfletos con una orden de entrega del general Tomoyuki Yamashita impresa en ellos. En este momento llevaban ya más de un año en la clandestinidad y este prospecto había sido la única prueba que tenían de que la guerra había terminado. El grupo de Onoda lo examinó para determinar si era auténtico o no, y decidió que era un engaño. 

Uno de los cuatro, el joven Yuichi Akatsu (Kai Inowaki  ), se alejó de los demás en septiembre de 1949 y se rindió a las fuerzas filipinas en 1950 después de seis meses de vagar por su cuenta. Esto les pareció al resto un problema de seguridad, por lo que se hicieron aún más cuidadosos. 

En 1952 se lanzaron desde un avión cartas y fotos de familiares instándoles a rendirse, pero los tres soldados llegaron a la conclusión de que se trataba de un engaño. Shimada (Shinsuke Kato) , uno de los soldados, recibió un disparo en la pierna durante un tiroteo con pescadores locales en junio de 1953, tras lo cual Onoda lo cuidó hasta que se curó. 

El 7 de mayo de 1954, Shimada murió por un disparo efectuado por un grupo de búsqueda que trataba de detener a los japoneses. En la película está historia no es así, ya que el japonés es herido en un enfrentamiento cuando iban a conseguir carne de una vaca. Kozuka, el otro soldado, murió por dos disparos de la policía local el 19 de octubre de 1972, cuando él y Onoda (Kanji Tsuda ), como parte de sus actividades de guerrilla, quemaban arroz recolectado por unos agricultores, por lo que Onoda se quedó solo. Tampoco se refleja así en la película ya que  un veterano Kozuka ( Tetsuya Chiba ) muere en un enfrentamiento junto al río y muere brutalmente cuando los filipinos le lanzaron unos arpones. Onodo había sido declarado oficialmente muerto en diciembre de 1959, pero el suceso sugirió que era probable que aún estuviera vivo y se enviaron grupos en su busca, aunque ninguno logró encontrarlo. 

El 20 de febrero de 1974, Onoda escuchó una canción que le remitía a su juventud. Siguiendo las ondas sonoras allí, junto a un río, conoció a un estudiante japonés que había abandonado la universidad, Norio Suzuki (Taiga Nakano ) , al que vemos al inicio de la película, portando una bandera de Japón y un radicassette , y que estaba viajando por el mundo en busca de "El teniente Onoda, un panda y el Abominable Hombre de las Nieves, en ese orden". Ambos se hicieron amigos, pero Onoda todavía se negaba a rendirse, afirmando que esperaba órdenes de un superior. 

Suzuki volvió a Japón con las fotografías en las que aparecía con Onoda como prueba de su encuentro y el gobierno japonés localizó al superior de Onoda, el comandante Yoshimi Taniguchi (Issey Ogata ) , que se había convertido en librero. 

Taniguchi, que, en principio, manifiesta no conocer a Obnoda, voló junto a Suzuki a Lubang el 9 de marzo de 1974 e informó a Onoda de la derrota de Japón y le ordenó deponer las armas. 

El teniente Onoda salió de la selva 29 años después del final de la Segunda Guerra Mundial y aceptó la orden de rendirse, con la entrega de su uniforme y su espada, junto a su fusil Arisaka Tipo 99, todavía en condiciones de funcionar, 500 cartuchos, varias granadas de mano y una daga que su madre le había obsequiado en 1944 para suicidarse en caso de ser capturado. Esto lo convierte en el penúltimo soldado japonés que se rindió después del final de la guerra, solo superado siete meses después por Teruo Nakamura. 

A pesar de que había matado a una treintena de habitantes de la isla filipina y participado en varios tiroteos con la policía, se tuvieron en cuenta las circunstancias y Onoda recibió un indulto del presidente Ferdinand Marcos. 

Después de encontrarse con Onoda, Suzuki encontró rápidamente un panda salvaje y, en julio de 1975, afirmó haber visto un yeti desde la distancia, caminando en la cordillera Dhaulagiri del Himalaya. Murió en la década de los ochenta. 

En su autobiografía , "Sin rendición: Mi guerra de treinta años" , que Onoda publicó en 1974 se narra su vida. En abril de 1975, siguió el ejemplo de su hermano mayor, Tadao, y salió de Japón con rumbo a Brasil, donde se dedicó a la cría de ganado. 

Se casó en 1976 y asumió un papel de liderazgo en la comunidad japonesa local. Onoda volvió a visitar la isla de Lubang en 1996, donando 10 000 dólares estadounidenses para la escuela local. En sus últimos años pasaba tres meses al año en Brasil. Le fue concedida la medalla al Mérito de Santos-Dumont por la Fuerza Aérea Brasileña el 6 de diciembre de 2004. 

Onoda falleció de insuficiencia cardíaca debido a complicaciones de una neumonía el 16 de enero de 2014 en el Hospital Internacional St. Luke's de Tokio , Japón . Tenía 91 años

Sobre más o menos esta historia es lo que nos narra la película del año 2021 dirigida por un francés, Arthur Harari, escrita por el director y Vincent Poymiro, con la colaboración de Bernard Cendron, inspirada libremente en la vida de Hiroo Onoda. El francés Arthur Harari, sin conocer el idioma, se fue a rodar la película a Japón con actores japoneses que hablan en su lengua natal, para ser fiel a la historia real en la que se basa. Es una coproducción internacional entre Francia, Japón, Alemania, Bélgica, Italia y Camboya. 

La película fue ganadora del César al mejor guión original entre otros muchos premios al narrar la sorprendente historia real de un soldado japonés para el que la segunda Guerra Mundial duró 30 años más que el resto del mundo prolongándo su soledad durante años, mucho después de que Japón capitulara. En cualquier caso, fue recibido como un héroe y vivió luego muchos años más, mostrando lo difuso que puede ser el juicio de la conducta, por muy extrema que parezca, de un súbdito cualquiera en tiempos de guerra. Está particularmente inspirado en la biografía de 1974 de Cendron y Gérard Chenu Onoda, seul en guerre dans la jungle y en los archivos de Cendron y las conversaciones de Harari con él. 

La película no se basa en las propias memorias de Onoda, y Harari considera que la película es una ficción inspirada en la historia más que una película biográfica. Es una producción de Nicolas Anthomé para Bathysphere productions aunque también participan To Be Continued, Pandora Film, Frakas Productions, Ascent Film, Rai Cinema, arte France Cinéma. Lo cierto es que Werner Herzog siempre quiso dirigir un film sobre Onoda, el soldado de las 10.000 noches en la jungla.En lugar de ello, escribió un libro sobre su historia "El crespúsculo del mundo", y su encuentro. La fotografía es de Tom Harari y el montaje de Laurent Sénéchal. 

En la misma salen los siguientes actores y una actriz: Yuya Endo como el joven Hiroo Onoda, Kanji Tsuda como el viejo Hiroo Onoda, Yuya Matsuura como el joven Kinshichi Kozuka , Tetsuya Chiba como el viejo Kinshichi Kozuka, Shinsuke Kato como Shimada, Kai Inowaki como Akatsu, Issey Ogata como el Mayor Taniguchi, Taiga Nakano como Norio Suzuki, Nobuhiro Suwa como Tanejiro Onoda, Mutsuo Yoshioka como Capitán Hayakawa, Tomomitsu Adachi como segundo Kuroda, Kyusaku Shimada como el teniente Suehiro, Angeli Bayani como Iniez y Jemuel Cedrick Satumba como el prisionero filipino  

Esta producción francesa rodada en japonés oscila entre los años de Onoda en la jungla filipina y la época en la que se formaba como oficial de inteligencia, explicando de donde procedía su fe inquebrantable y qué decisiones le hizo tomar. 

La película inauguró la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes 2021 en julio de 2021. Consiguió grandes reconocimientos tanto en festivales como por parte de la crítica. En la 47 edición de los Premios César (Francia) se llevó el de Mejor guion original (Arthur Harari, Vincent Poymiro ), siendo nominada en los apartados de Mejor película, Mejor dirección (Arthur Harari) y Mejor fotografía (Tom Harari). 

La película ganó el Premio Louis-Delluc de 2021. En la 18 muestra del Festival de Sevilla de cine europeo en noviembre tuvo la nominación al Giraldillo de Oro a la Mejor película, siendo ganadora en el Premio Especial del Jurado y Mejor guión (Arthur Harari, Vincent Poymiro ) En la 27º edición de los Premios Lumières fue nominada a la Mejor película, Mejor director (Arthur Harari), Mejor guion (Arthur Harari, Vincent Poymiro ) y Mejor fotografía (Tom Harari). Y en los 11º Premios Magritte fue nominada a la Mejor película extranjera.

En cuanto a la crítica, en Francia Fabien Lemercier de Cineuropa comentó que "Una película de acción maravillosa y existencialista, que al mismo tiempo resulta cautivadora y trepidante, rigurosa y con buen ritmo: una diga heredera de los grandes clásicos de la historia del cine" 

En los Estados Unidos Ben Croll de The Wrap considera que "Es como un paseo más allá del tiempo, recreando el aspecto y la sensación diáfana del cine de los 70 y la robusta elegancia del John Ford de mitad de siglo" 

En la web cinematográfica de RogerEbert.com, Ben Kenigsburg escribe: "Técnicamente, 'Onoda'... es una película biográfica, pero nunca funciona como tal. Esta película austera, sombría y, en ocasiones, incluso oscuramente divertida es, en casi tres horas, más como una lenta y absurda de combustión lenta (...) Pero, por muy salvaje que sea la historia, 'Onoda' mantiene los pies en la tierra con una fuerza imponente". 

Para Jessica Kiang de Variety la película "Tiene algunos problemas con la duración y el ritmo, pero está muy bien hecha y es una saga potente y satisfactoria de cine muscular a la vieja usanza".

James Lattimer, escribiendo para Sight and Sound, lo llamó "... un drama bélico de aspirantes a existencialistas de casi tres horas de duración pensado como un ejercicio en el tipo de inmersión en la pantalla grande que ha sido imposible últimamente. . . [L]a dramatización monótona de la película carece de la delicadeza visual o narrativa necesaria para mantener a los espectadores absortos". 

Noel Murray de Los Angeles Times sostuvo que era "Un retrato perspicaz del fanatismo, que ilustra cómo las malas ideas pueden arraigar simplemente porque las personas son naturalmente resistentes al cambio" 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian consideró que era "Una epopeya antibélica realmente bien hecha, a la antigua, con un estilo franco y rotundamente agradable (…)" 

Amber Wilkinson de Radio Times la califica como "Un intenso análisis de la camaradería y el compromiso, que pone una nota melancólica sobre el poder de la propaganda y una vida 'perdida' al servicio de una guerra que hace tiempo que terminó (…) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily "Aunque hay algunos momentos meditativos de calma en esta aventura de 165 minutos (...) nunca se hace aburrida y su acumulación de detalles desemboca en una conclusión memorable y emotiva." 

Ya en España, Carlos Boyero en El País afirma que "Este insólito personaje y su demencial aventura están muy bien descritos (...) hay belleza visual (...) Junto a virtudes tan loables, la dirección del sensible Arthur Harari tiene un problema para mí. Y es que su película dure tres horas." 

Oti Rodríguez Marchante de ABC "La película necesita una grandísima cantidad de tiempo para resolverse, lo cual no mengua ni su calidad ni su interés, pero sí algo de paciencia para aguantarla. (…)" 

Quim Casas de El Periódico comentó que "La ha dirigido el francés Arthur Harari, sumamente respetuoso con los motivos, decisiones y actuaciones de Onoda. (...) cuenta muy bien los motivos estratégicos que llevan a Onoda a la isla filipina (…)" 

Paula Arantzazu Ruiz de Cinemanía afirma que la película "Es una de esas insólitas películas que desafían cualquier tendencia y nos recuerdan que el cine es la puerta de entrada hacia la aventura. (…)" 

Sergi Sánchez de Diario La Razón habla de que "Es interesante el modo en que Arthur Harari trabaja el tiempo narrativo (...) le falta, tal vez, una puesta en escena más subjetiva para que nosotros creamos que (...) una guerra sin enemigos es posible. (…)" 

Pablo Vázquez de Fotogramas sostuvo que "La última joya bélica indie (...) rebosa, cual cofre encontrado, cine con mayúsculas por cada uno de sus bordes. (…) " 

Marta Medina de El Confidencial comenta que "Rodada sin estridencias, 'Onoda' cala por lo extraordinario de los hechos que narra, pero también por la capacidad del director de encerrarnos (...) en la madeja impenetrable que es la cabeza del protagonista (…) 

Por último, podríamos decir que la película es una reformulación del conflicto tradicional entre el hombre y naturaleza, y entre el hombre consigo mismo, en un marco bélico como la Segunda Guerra Mundial en condiciones de asislamiento absoluto. Otro gran acierto de esta película es entonces su equilibrio entre ambas dimensiones: la interna del (anti)héroe y la externa, en su enfrentamiento con lo que le rodea. El metraje se acerca entonces a las tres horas, combinando flashbacks y elipsis al narrar varias décadas en la vida de este soldado y sus acompañantes. Con todo, es envidiable su ritmo, gracias a un montaje pausado y que recurre igualmente a transiciones clásicas, como los encadenados; y a una planificación ortodoxa, con posiciones muy precisas de cámara nos permiten disfrutar de esta historia triste, solitaria, casi devocionaria de un hombre que no quiere ver la realidad puesto que la misma no coincide con las órdenes recibidas, un hombnre que tiene miedo al fracaso y que se ve superado por unos acontecimientos imposibles de superar.

Chernóbil 1986

El 26 de abril de 1986,a la 1:23:45 am, el reactor número 4 de la Central nuclear de Chernóbil cerca de Pripyat, en la RSS de Ucrania (Unión Soviética), explotó. Una prueba de seguridad fallida, de baja potencia en la turbina, desactivaron los sistemas de seguridad críticos y permitieron que el reactor se volviera peligrosamente inestable. Esto unido a fallos de diseño en el reactor RBMK, en concreto, en la estructura de contención robusta en la que utilizaban barras de control con puntas de grafito que provocaban un aumento temporal de la reactividad al insertarlas y errores del operador provocaron una explosión masiva de vapor e incendio que liberó enormes cantidades de radiación a la atmósfera. Esta es la historia de la que nos fuimos enterando muy poquito a poco. 

Realmente fueron dos kas potentes explosiones que volaron el pesado techo del núcleo del reactor e incendiaron el grafito durante días, dispersando isótopos radiactivos por toda Europa.

Las autoridades soviéticas intentaron mantener el desastre en secreto, incluso cuando los monitores de radiación en Suecia registraron altos niveles de lluvia radiactiva días después.

Los residentes de las cercanías de Pripyat —más de 45.000 personas— no fueron evacuados hasta aproximadamente 36 horas después, y muchos sufrieron una exposición significativa a la radiación. 

Decenas de trabajadores de la planta y bomberos que acudieron en primera instancia fallecieron a causa del síndrome de irradiación aguda (SIA) en las semanas posteriores a la explosión. 

Esta es básicamente la historia que en el año 2021 se transformó en una película del género de catástrofes y dramas históricos que tanto gustan a los rusis y que aquí conocimos como Chernóbil 1986, , una película rusa del año 2021 dirigida por Danila Kozlovskiy - es un hombre, de hecho el actor principal- , y que contó como ayudante de dirección con Anna Filippova y que nos cuenta una historia inspirada en hechos reales pero no verdad inspirado en la tragedia real de la central nuclear de Chernóbil aquella que explotó el 26 de abril de 1986 cerca de la ciudad de Prípiat.

La película cuenta una historia de amor, realmente de un reencuentro, pero también el heroico trabajo de los liquidadores y las consecuencias del desastre soviético. Pero no recrea la cronología de esos trágicos hechos, y algunos de sus personajes, pese a estar inspirados en personas reales, son ficticios. 

En principal de ellos es el protagonista, Alexey Karpushin (Danila Kozlovski ) , un bombero en la central eléctrica, que natural de Kiev  se reencuentra vasualmente en la ciudad con una peluquera, Olga Savostina (Oksana Akínshina ). Este reencuentro revive en él una historia de juventud y de su pasado, pero en ella , además una historia de familia porque ella ahora no vive sóla, vive con un niño de 10 años, precisamente el tiempo en el que la pareja rompió y se separó. Ahora ambos se reencuentran en Pripiat.

Descubrimos que Alexey es uno de los más valorados bomberos de la central nuclear, conocedor de todos los rincones de la misma. El se siente culpable por lo ocurrido, aunque realmente parece que no cree en el compromiso. Con todo su único compromiso real es con el chico que se llama como el Alexey y que ha heredado de su abuela una vieja cámara de grabación. Alexey le regala al niño otra , algo más moderna, pero de segunda mano.

En la noche de 26 de abril , el chico y sus amigos salen de noche para grabnar las estrellas , pero casualmente el ruedo la explosión.

A partir de aquí comienza otra película que tiene más que ver con la heroicidad que con el amor. A partir de ahora el protagonista indiscutible es Alexei que conjuntamente con Valery Goncharuk (Filipp Avdeyev ) , un ingeniero nuclear, y Boris Nikonovich Bobylin (Nikolái Kozak ), un buzo militar, van a iniciar una peligrosa misión para drenar el agua del depósito debajo del rector en llamas. Esto es conocido por algunos como el escuadrón suicida. 

Tres hombres que entraron en un sótano radiactivo para salvar a media Europa. En las primeras horas del 26 de abril de 1986, después de que el reactor de Chernóbil explotara, se formó bajo tierra un nuevo peligro aún mayor. Una masa enorme de corio radiactivo blanco y candente se estaba derritiendo lentamente a través del suelo de concreto directamente sobre millones de litros de agua. Si el corio alcanzaba esa agua, la explosión de vapor resultante podría haber destruido los reactores restantes y esparcido radiación por gran parte de Europa. La única forma de detenerlo era abrir manualmente las compuertas de inundación en el sótano inundado y completamente oscuro bajo el reactor. 

Los tres hombres se ofrecieron voluntariamente para lo que todos creían que era una misión suicida (sus verdaderos nombres eran Alexei Ananenko, Valeri Bespalov y Boris Baranov) vestidos solo con trajes de neopreno delgados y portando linternas, vadearon agua radiactiva hasta las rodillas. Sus contadores Geiger gritaban todo el tiempo. Encontraron las válvulas en la oscuridad, las giraron a mano y drenaron la piscina antes de que el corio - esa famosa pata de elefante-  pudiera alcanzar el agua. Su valentía evitó una segunda catástrofe potencialmente mucho peor.  

Los tres van  a vivir la tensión de desactivar los daños parcialmente, aunque Boris morira en el intentó por la radiación, quedando los otros dos muy afectados emocionalmente y físicamente, aunque Alexei consigue sacar a las autoridades soviéticas que el pequeño Alexei pueda ser tratado en Suiza. 

Al final Olga a pesar de estar expuesta a la radiación y dejar de lado la advertencia de no acercarse a Alexei, que estaba muy contaminado por la radiación, se quita toda la protección y se acuesta al lado de el en agradecimiento por lo que hizo.

Tres meses después aparece ella sin ningún tipo de problema y encontrándose con su hijo ya curado gracias al tratamiento recibido en Suiza. Spsèchamos que el protagonista falleció.

En la película aparece Oksana Akinshina, Filipp Avdeev, Ravshana Kuekova, Nikolay Kozsk, Danila Kozlovskiy, Olivia Castanho y Ren Hanami. 

El 17 de abril de 2021 en una entrevista con RIA Novosti, el director y actor Danila Kozlovsky respondió a una pregunta sobre el propósito principal de la película y dijo: «El rodaje tuvo lugar desde principios de junio hasta el 13 de agosto de 2019. Principalmente se usaron las instalaciones de la central nuclear de Kursk en la ciudad de Kurchátov, un estudio en Moscú, otro en Budapest y demás localizaciones fueron en Croacia». "

En la producción estuvo Alexander Rodnyansky siendo el diseñador de la producción Timur Shagiakhmedov para Non Stop Production, Central Partnership Productions y Group of Companies Gpm Kit . 

La película parte de un guion escrito por Elena Ivanova basándose en una historia de Alexey Kazakov, inspirándose en el accidente de Chernóbil. La pelícuyla contó con la música de Ala Pugachova, siendo el responsable del sonido Alexey Samodelko. Para el maquillaje la responsable fue Ekaterina Shakhvorostova siendo responsable de fotografía Ksenia Sereda, el montaje de Anton Toktonov, la escenografía de Irina Sereda, el vestuario Varvara Avdyushko y los efectos especiales de Vyacheslav Boltenkov. 

La banda sonora fue grabada por la cantante y compositora Ala Pugachova, quien el 8 de septiembre de 1986 dio un concierto al aire libre para 9.000 liquidadores enuna localidad cercana a Pripiat, de la que vemos al final de la película unas fotgrafías de ella, de la actuación y del público, como ya he dicho muy cerca de Prípiat y a pocos kilómetros del reactor aún no cerrado por el actual sarcófago. Posteriormente fue galardonada con el título honorífico de «Liquidadora del accidente de Chernóbil», pero esta actuación en la zona de alta radiación tuvo un impacto negativo en su salud y comprometió su voz. Incluye una interpretación por Alla Borisovna de la canción «Solo somos huéspedes en esta vida», escrita por la difunta compositora Tatyana Snezhina. 

El estreno en Rusia estaba programado para el 8 de octubre de 2020, pero se pospuso debido a la pandemia de COVID-19. Finalmente sucedió el 15 de abril de 2021 y terminó coincidiendo con el 35 aniversario de la tragedia. 

La película recibió valoraciones mixtas por parte de la crítica cinematográfica rusa, mostrando opiniones muy divididas respecto a si fue «una respuesta rusa» a la miniserie estadounidense y las compararon, generalmente a favor de la última. 

En una reseña para la revista Afisha, Yegor Belikov consideró: «Chernóbil como medio de comunicación con el espectador más bien falla. Pero al mismo tiempo, esta es una película cuidadosamente hecha que puede cautivar y noquear una lágrima con un gancho bien dirigido». 

Meduza, un periódico online de Letonia, escribió: «la mujer más fuerte de Chernóbil es la joven de 26 años Ksenia Sereda, la directora de fotografía». Nikolai Kornatsky estuvo de acuerdo con él, elogiando el trabajo de Sereda y además dijo sobre Kozlovsky: «nació otro director, de cualidades bastante raras, capaz de hacer películas de actuación». 

Vadim Bogdanov  elogió el filme al decir que «la película es definitivamente de alta calidad. Fuerte estilo visual, convincentes actuaciones de Kozlovsky y Akinshina, una banda sonora memorable, mucho trabajo realizado en accesorios, escenografía y efectos visuales». 

El diario oficial ruso Rossíiskaya Gazeta, publicó a dos autores con opiniones opuestas. Aleksey Litovchenko escribió: «la película definitivamente no puede llamarse ni más veraz ni más espectacular que la serie de HBO» y Andrei Maksimov la elogió: «Kozlovsky es un maestro. Es un actor maravilloso y un director que intenta seguir su propio camino» 

Por otro lado, la valoraciones en occidente han sido otras. Este es el caso de Abirbhab Maitra en el Ready Steady Cut que dijo que "Quizá no escape a los clichés de las películas de desastres, pero con sus escenas de acción bien diseñadas, sus emociones sinceras y su retrato de la psique humana, merece la pena (…) "  

Para Greg Wheeler de The Review Geek "Su romance no es especialmente interesante ni está bien escrito (...) Hazte un favor a ti mismo y en lugar de ver esto, ve la obra maestra de HBO" 

Ya en España, Fausto Fernández comenta que "Vergüenza ajena la supuesta aproximación "realista" que la cinematografía putiniana quiso vender al resto del mundo con saturación de CGI baldío y un guión ultranacionalista y lacrimógeno ". 

Santiago García en  Leer Cine sostuvo que "La película no conmueve en ningún momento, aun cuando tenga escenas impactantes. (...) no hay forma de que esta simple película del montón compita con la grandeza de la miniserie, que es emocionante, espectacular, compleja y poderosa en todos los aspectos." 

El argentino Ezequiel Boetti en OtrosCines.com comentó que "Una suerte de respuesta rusa a la exitosa miniserie de HBO sobre la misma catástrofe nuclear. (...) La película de Danila Kozlovskiy no es muy sutil. (…) "  

Su paisano Juan Pablo Cinelli de Página 12 comenta que "Donde la película se despega decididamente de la serie es en la cuestión política detrás del accidente. Ahí donde la serie ahondaba en negligencias y malas praxis derivadas de la crisis económica de la Unión Soviética, la película elige de forma abierta evitar el tema."

Guillermo Courau en La Nación señala que "La “respuesta oficial” a la miniserie de HBO se queda en la épica heroica, pasando por alto cualquier responsabilidad política o coyuntural." 

Las consecuencias del accidente no se ven pero son conocidas, Se estableció una zona de exclusión de 30 kilómetros con estrictas restricciones alrededor de la planta, que hoy en día permanece prácticamente vacía. 

Importante fue el tema que hemos visto en la película, el de los Liquidadores, ya que más de 500.000 militares y civiles ("liquidadores") trabajaron para limpiar los escombros, extinguir los incendios y construir un refugio temporal de hormigón sobre el reactor destruido. 

Por último, la estructura de confinamiento fue un proyecto de ingeniería de gran envergadura, finalizado posteriormente y gestionado internacionalmente, encerró los restos de la Unidad 4 en un moderno arco de confinamiento seguro para evitar nuevas fugas ambientales. 

Por mi parte, destacar que Chernóbil: La película (2021) ,dirigida y protagonizada porDanila Kozlovsky, es una producción rusa que funciona como una respuesta cinematográfica local al masivo éxito global de la miniserie estadounidense de HBO de 2019. A diferencia del enfoque político y científico de la versión occidental, este largometraje opta por el melodrama heroico y las convenciones del cine de catástrofes de Hollywood. Desplaza el foco de la negligencia institucional soviética para centrarse en la perspectiva humana y ficticia de Alexey, un bombero que se convierte en "liquidador". 

La primera mitad de la cinta desperdicia demasiado tiempo en un romance predecible y melodramático , restando fluidez y tensión al conflicto principal. 

El apartado visual es lo mejor de la película siendo el punto más fuerte de la producción. La dirección de fotografía de Ksenia Sereda es sobresaliente, entregando planos secuencias inmersivos, escenas subacuáticas de alta tensión y una recreación opresiva de la central en llamas que no le envidia nada a las grandes producciones internacionales. 

En cuanto a la crítica al poder la película se muestra sumamente tibia e institucional. La película ignora deliberadamente las responsabilidades políticas y los errores sistémicos del régimen soviético que provocaron el desastre, prefiriendo glorificar el sacrificio desinteresado y patriótico de los trabajadores.

La película es un largometraje técnicamente impecable, con un diseño de producción y efectos visuales de alta calidad. Sin embargo, naufraga en su intento de conmover debido a un guion blando que se apoya en clichés románticos y que evita hacer preguntas incómodas sobre el trasfondo histórico del desastre. Si buscas una espectacular película de acción y supervivencia, cumple su cometido; si buscas rigor histórico o el suspenso político que caracterizó a la serie de HBO, te resultará marcadamente inferior. Eso sí, no las veas en Cuatro, es un coñazo su sistema de inmersión publicitaria y no poderla pasar durante la punblicidad es un castigo.  

Judas y el mesías negro

Los derechos civiles en Estados Unidos costaron Dios y ayuda para que se consiguieran. La guerra de secesión norteamericana que concluyó con la victoria del norte sobre el sur logr´ço poner fin a la esclavitud , pero no a la falta de igualdad y a la segregación por cuestiones de color de piel. Si tiramos de la memoria reciente, todos ponemos nombres y, en ocasiones cara, a muchos hombres y mujeres que lucharon contra el segregacionismo  y los derechos ciciles por  muy distintas vías. El cine y la televisión los ha hecho aparentemente conocidos a estos personajes y sus opticas para conseguir la igualdad real. Desde la visión humanista, encabezada por Martin Luther King, pasando por otras más contundenbtes como la que asumió Malcom X,  y pasando por otras que fueron símbólicas como la movilización o marcha de Selma a Motgomery en 1965, que hizo firmar al Presidente Johnson la ley sobre el derecho al voto de los ciudanos o al papel que jugó contra la segregación Sara Parks , o los políticos integrados en el sistema como el crecientemente fallecido Jessie Jackson.

Presentes o vinculados casi con todo hay muchos de los protagonistas, hombres y mujeres que he nombrado, pero también , por ahí, fluyen orgacizaciones que nacen y se desarrollan en ciudades como Oakland, Chicago o Washington que darán lugar a movimientos que serán la vanguardia en una lucha contra la desigualdad, incluso social como el que asumió el Partido Pantera Negra (1966-1982). 

Esta fue la fuerza política revolucionaria y de autodefensa armada que transformó la lucha por los derechos civiles en EE.UU. UU., pasando de la no violencia al "Black Power". fundado por Huey P. Newton y Bobby Seale en la californiana ciudad de Oakland, una organización que desafió la brutalidad policial y promovió el socialismo, el nacionalismo negro y los programas sociales comunitarios ñpor medio de acciones clave que iban desde la autodefensa Armada, cuyo objetivo inicial era patrullar vecindarios afroamericanos armados legalmente para protegerlos de la brutalidad policial, una respuesta directa a la violencia racista, hasta el político como el llamado Programa de los Diez Puntos, una plataforma en la que se pedía exigía vivienda digna, educación, justicia, exención del servicio militar para afroamericanos y el fin del asesinato policial. Junto a ello hubo defensa de los programas de "Supervivencia" para implementar servicios comunitarios esenciales, destacando el Desayuno Gratuito para Niños (que forzó cambios federales), clínicas de salud gratuitas y escuelas comunitarias. 

Entre sus influencias o postulados ideológicos estaba la ideología marxista-leninista y su postura desafiante los convirtieron en un objetivo prioritario del programa COINTELPRO del FBI, que, bajo J. Edgar Hoover, buscó desmantelar el grupo mediante infiltración y violencia. De todo ello, habrá en ocasiones resultando luctuosos y otros de duda legalidad como el que influyó en la muerte de líderes como Fred Hampton en en 1969. Y aunque el partido se disolvió en los 80, su influencia persiste en los movimientos contemporáneos de justicia social, autodefensa comunitaria y empoderamiento negro.

Pues bien, el Óscar del año 2021 al mejor actor secundario se lo dieron a Daniel Kaluuya por interpretar a uno de los líderes de los panteras negras, Fred Hampton, pero además le dieron el oscar a la mejor canción a este drama inspirado en hechos reales sobre la persona de Bill O' Neal, el hombre infiltrado por el FBI en las panteras negras en la década de los años sesenta para acabar desde dentro con el partido y sobre todo para poner fin o controlar a uno de sus más carismáticos líderes Fred Hampton.

Kaluuya, también ganador del globo de Oro y el Bafta por esta interpretación da vida a Hampton, un activista por los derechos de la comunidad negra que llegó a ser presidente del black panther party en Illinois y vicepresidente a escala nacional. Fue igualmente fundador de la organización multicultural coalición arcoiris y su carisma y su habilidad como orador pusieron en alerta al FBI que decidió desbaratar sus actividades con la ayuda de un infiltrado, O'Neal.

De todo esto va la película Un Judas y el Mesías negro, una filme dramático y biográfico  estadounidense estrenada en 2021, sobre los sucesos reales que llevaron al asesinato del presidente de la sección de Illinois del Partido Pantera Negra en Chicago, Fred Hampton (interpretado por Daniel Kaluuya), a manos del FBI y la policía de Chicago, utilizando al infiltrado William O'Neal (interpretado por Lakeith Stanfield), informante del FBI, a finales de la década de 1960, quien será el Judas  encargado de interpretar al traidor que no es otro que Lakeith Stanfield, mientras que Jesse Plemons es el agente del FBI Roy Mitchell. Además Martín Sheen da vida al primer director del FBI, John Edgar Hoover. Intervienen a demás en la película Dominique Fishback, Ashton Sanders, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Algee Smith, Dominique Thorne.

La película está dirigida y producida por Shaka King, quien escribió el guion con Will Berson, basado en una historia de la pareja y Kenny y Keith Lucas. Productores de la misma son Charles D. King, Ryan Coogler y que invierton 26 millones de dólares para que su directora y productora Shaka King tuvies el amparo de las productoras MACRO, Participant, Bron Creative y Proximity. Para ello contrataron la música Mark Isham y Craig Harris para componer su banda sonora, asóí como al fotógrafo Sean Bobbitt y a Kristan Sprague en las labores de montaje.  

La historia nos cuenta que a fines de la década de 1960, un delincuente de poca monta, William "Bill" O'Neal (Lakeith Stanfield) es arrestado en Chicago después de intentar robar un automóvil a punta de pistola mientras se hacía pasar por un oficial federal. 

Una vez detenido se le acerca el agente especial del FBI Roy Mitchell (Jesse Plemons), quien siguiendo los postulados de su jefe, primer director del FBI, John Edgar Hoover,  al que ha escuchado decir en una conferencia que el marxismo de los Panteras Negras es más peligroso que la Unión Soviética, por lo que le ofrece que se retiren los cargos - 15 meses de cárcel por robo de coche y cinco años por pasarse poragente federal- a O'Neal si él trabaja encubierto para la oficina. 

O'Neal es asignado entonces a infiltrarse en el Partido Pantera Negra (BPP) y reunir información sobre su líder, Fred Hampton (Daniel Kaluuya). 

O'Neal comienza a acercarse a Hampton, quien trabaja para formar alianzas con pandillas rivales y grupos de milicias mientras extiende el alcance comunitario a través del Programa Desayuno Gratis para Niños del BPP. 

Las persuasivas habilidades de oratoria de Hampton eventualmente ayudan a formar la multirracial "Rainbow Coalition". Además, Hampton se enamora de unb chica, Deborah Johnson (Dominique Fishback), miembro del BPP. 

O'Neal comienza a transmitir información a Mitchell, quien a cambio lo compensa con dinero. Cuando un miembro fugitivo, George Sams (Terayle Hill), se esconde en la oficina local del BPP, O'Neal se entera por parte de Mitchell de que Sams es un informante cuya presencia en las oficinas del BPP le permite al FBI obtener órdenes de registro. Después de que Hampton es arrestado y encarcelado, O'Neal comienza a ascender en las filas y es nombrado capitán de seguridad. 

Un día, tras un intenso tiroteo entre la policía de Chicago y el BPP, O'Neal se escapa antes de que la policía reduzca a todos y queme el edificio. 

Posteriormente, O'Neal intenta dejar de ser un informante pero es rechazado por Mitchell. Después de que Hampton es liberado de la prisión mientras apela sus cargos, se reúne con Deborah, ahora embarazada de su hijo. Un miembro del BPP, Jimmy Palmer (Ashton Sanders), que fue hospitalizado después de recibir un disparo de un oficial de policía, muere mientras lo trasladaban a otro hospital. 

Enfurecido al enterarse de la muerte de Jimmy, su compañero, Jake Winters (Algee Smith), se involucra en un tiroteo con la policía, matando a varios oficiales antes de ser asesinado a tiros. 

Después de que la apelación de Hampton es rechazada, el director del FBI, J. Edgar Hoover, ordena que Hampton sea "neutralizado" antes de que regrese a prisión, para evitar que se convierta en un "mesías". 

Mitchell acorrala a O'Neal para que ayude con el plan advirtiéndole que el BPP tomará represalias contra él si descubren que es un informante, y O'Neal accede a ayudar a regañadientes. 

Más tarde, a O'Neal se le entrega un frasco de sedantes y se le ordena drogar la bebida de Hampton. La noche siguiente, los miembros del BPP se reúnen en el apartamento de Hampton antes de que salga a prisión. Un líder de una banda aliada le ofrece dinero a Hampton para que él huya del país, pero él lo rechaza y ordena que se establezca un fideicomiso con el dinero a nombre de Jake para abrir un hospital en la empobrecida zona oeste de la ciudad. 

A medida que avanza la noche, O'Neal droga a Hampton y se marcha poco después. Horas más tarde, oficiales y agentes allanan el apartamento y matan a Hampton a tiros. 

Más tarde, O'Neal se reúne con Mitchell, quien le da dinero y un par de llaves de una gasolinera que ahora posee. O'Neal intenta renunciar nuevamente, pero a regañadientes acepta el dinero y las llaves y se las guarda en el bolsillo. 

Muy interesante la apostilla final que viene donde se combinan imágenes reales con un texto que explica qué pasó o qué ha pasado con los protagonistas de la película.La película termina con imágenes de archivo de los discursos de Hampton, de su procesión fúnebre y de la única entrevista que O'Neal concedió, en 1989.  

Tras el último encuentro entre la gente del FBI y el infiltrado O' Neal. Por lo pronto señalar que William O'Neal continuó siendo un miembro activo del Pantera negra parte y un informante a sueldo del FBI hasta principios de la década de 1970, ganando un equivalente actual de unos 200.000 dólares. 

En mil novecientos ochenta y nueve dio su primera y única entrevista en pantalla para la serie documental " Eyes on The prize 2". En esa entrevista qué  fue emitida por el canal público PBS se le pregunta al infiltrado que le contaría a su hijo de su actuación pasada y este le contesta que " Creo que dejaré que tu codocumental ponga un final a esa historia. No lo sé. Yo fui parte de la lucha. No fue uno de esos revolucionarios del sillón y que se atreven a juzgar acciones o inacciones de las personas cuando estás al margen y no hicieron nada. Declaró que él fue parte de la organización y tuvo el coraje de salir de allí". 

Tras eso acaba la entrevista. Pero la información posterior de la película es terrible. El día que se se estrenó y se emitió el documental, el quince de enero de 1990, el día de Martin Luther King, esa misma noche, William O'Neal se suicidó. 

Cuando fue asesinado Fred Hamptom tenía tan solo 21 años. También fue asesinado y tenía 22. Durante la redada, la policía realizó 99 disparos frente al uno que tiró la pantera negra. Sin embargo los siete supervivientes se enfrentaron a numerosos cargos, incluido el intento de asesinato. 

El entierro de Hampton fue multitudinario allí participaron sus amigos y otros miembros del partido. Especialmente muchas mujeres. En mil novecientos setenta, los supervivientes de la redada, junto con las madres de Hampton y de Clark como presentaron una demanda de cuarenta y siete, siete millones de dólares alegando una conspiración entre el FBI, el departamento de policía de Chicago y la fiscalía del Estado para asesinar a Fred Hampton. Tras doce años luchando por la justicia, el caso fue sentenciado con uno, ochenta y cinco millones de dólares, siendo en aquel momento el juicio civil más largo de la historia de los Estados Unidos. 

25 días después del asesinato la mujer de Hampton Deborah Johnson dio a luz. Ella siguió siendo un miembro activo de las panteras negras hastas la disolución de la sección de Illinois en 1978. 

En la actualidad, Johnson, ahora conocida como Akua Njeri, forma parte del consejo asesor de los cachorros del partido Pantera negra,los "Black Panther Party Cubs", una organización revolucionaria que continúa la lucha para la autodeterminación del pueblo negro. 

Fred Hampton jr, es el presidente del partido. Y con una imagen de la madre y el hijo y e imágenes reales de Hampton acaba la película.

Will Berson y King Shaka, durante varios años de escritura del guion, tuvieron mucha libertad con la historia del activista William O’Neal (Lakeith Stanfield), el “Judas” que compartía información sobre las Panteras Negras al FBI y la razón por la que el líder del partido de los "Boinas Negras", Fred Hampton (Daniel Kaluuya), haya sido asesinado, según Smithsonian Magazine, revista de la red de museos estadounidenses. Hampton había salido recientemente de la cárcel y esperaba un hijo de la activista Akua Njeri (antes llamada Deborah Jonhson), la cual hoy aún hace vigilias para conmemorar el asesinato del hombre al que solo le gustaba la poesía revolucionaria, Fred Hampton. Pero nunca imaginó que un infiltrado en el Partido Pantera Negra iba a provocar su muerte. 

Si bien en taquilla se recuperó únicamente 2 millones de dólares en su estreno, lo cierto que los reconocimientos han sido múltiples desde su lanzamiento en el Festival de Sundance en febrero de 2021. 

En la  93 Edición de los Oscar (2021)  la película fue nominada en múltiples conceptos como al de Mejor película, Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) , Mejor actor de reparto (Lakeith Stanfield), Mejor guion original (Will Berson, Shaka King), Mejor fotografía (Sean Bobbitt) , donde sí ganó, y mejor canción (H.E.R. "Fight for You" ).

En la  78ª Globos de Oro (2021) fue  ganadora al Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya)  y nominada a Mejor canción original (D'Mile, H.E.R., Tiara Thomas “Fight for You”) 

En los BAFTA, los Premios de la academia de cine y TV británica , fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor actriz secundaria (Dominique Fishback) , Mejor fotografía (Sean Bobbitt) y Mejor casting.

Para el Sindicato de Guionistas (WGA)  la nominó al Mejor guion original (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas) 

En los 27º Premios del Sindicato de Actores (SAG) se llevó el premio a Mejor actor secundario  de un largometraje para Daniel Kaluuya.

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a Mejor película; mienbtras que la  National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) -la incluyó entre las Mejores películas del año (por orden alfabético)

En la  26 edición de los Critics Choice Awards  fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor reparto  y Mejor canción ("Fight for You") 

En la American Film Institute (AFI)  fue inlucida entre las Mejores películas del año  y en los Premios Image (2022) será nominada a Mejor película ganadora, Mejor dirección (Shaka King) , ganando el de Mejor actor (Lakeith Stanfield) , aunque no el de Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) ni Mejor actor de reparto (Algee Smith), ni Mejor actriz de reparto (Dominique Fishback)  ni Mejor reparto, aunque sí lo hará al de Mejor guión (Shaka King, Will Berson, Keith Lucas, Kenneth Lucas.

En cuanto a la crítica la valoración ha sido en general positiva. Desde los Estados Unidos la valoración fue bastante positiva. 

Para David Rooney del The Hollywood Reporter la película "Liderada por las sensacionales actuaciones de Kaluuya y Stanfield (...) esto es una crónica vibrante de opresión y revolución, coacción y traición, que resulta más impactante si cabe porque sus temas siguen siendo de actualidad" 

Leah Greenblatt de Entertainment Weekly escribió sobre ella que "Daniel Kaluuya incendia la pantalla en esta película feroz y obligatoria de ver (...) King le da un estilo teatral vistoso, lleno de composiciones artísticas y una energía incansable y vibrante" 

Peter Debruge de Variety comentó que la película era "Una poderosa película que pone el momento actual en un contexto histórico relevante y sugiere que la ambivalencia puede ser una forma de traición." 

Brian Truitt de USA Today sostuvo que "Satisface como thriller tenso y como obra de época reveladora, con dos de los actores más cautivadores de Hollywood (...) " 

Justin Chang en las páginas de Los Angeles Times sostuvo que era "Una película calmada y electrizante en la que no puedes apartar la mirada de Daniel Kaluuya" 

Por su parte, Karen Han de Slate señaló que era "Una de las mejores películas de 2021 (...) Los personajes no son meros portavoces o medios para un fin y tanto ellos como sus conflictos transmiten autenticidad" 

Carlos Aguilar de The Wrap destacó que la película "Está impecablemente concebida (...) Si el cine es algo político, Shaka King ha creado un manifiesto." 

En  IndieWire Kate Erbland alabó el trabajo de "Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield siguen demostrando que son dos de los mejores actores en activo (...) Aunque el legado de Hampton y los crímenes de O’Neal deberían inspirar más proyectos, la contribución de King no se olvidará pronto" 

Katie Rife de AV Club destacó "Por encima de todo, el hecho de que una película sea enfurecedora y relevante 50 años después dice mucho de lo acertado que estaba Fred Hampton. Puedes matar a la persona, pero no a la idea." 

Peter Travers antes en Rolling Stone, habitualmente, ahora en ABC News valoró positivamente "El debut de King como director convencional vibra con acción revolucionaria, retórica exaltada e intimidad poco común para aullar con rabia contra la injusticia y la brutalidad policial (...) Un nuevo clásico" 

Para Johnny Oleksinski del New York Post la película es "Electrizante, impactante y llena de verdad (...) La interpretación y dirección son sutiles, los personajes son ricos y complejos —y las repercusiones que tuvo este drama basado hechos reales fueron enormes (…) 

De lo pubnlicado en Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian escribe que se trata de "Un drama muy entretenido, interpretado con pasión, con actuaciones soberbias de Lakeith Stanfield y Daniel Kaluuya (...)  

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País destaca que "La película que merece el movimiento Black Lives Matter (...) Si Daniel Kaluuya contagia de proclamas revolucionarias al patio de butacas (...), Stanfield (...) logra arrastrar al espectador hasta su misma espantosa encrucijada." 

Luis Martínez de El Mundo lo que más le gustó fue la "Enérgica apología contra la impostura de los tonos medios (...) No anula los convencionalismos, los transmuta en su más violenta negritud (…) " 

Oti Rodríguez Marchante habitual de ABC valora que "El director tiene a su Mesías, y la aleación de explosivo y prudencia del personaje es lo mejor; y tiene a su discípulo (...) pero se le escapan 'los romanos', el dibujo del FBI es solo una mediocre caricatura (…) " 

La crítica habitual de El Confidencial, Marta Medina, destaca el papel de la directora, guionista y productora "King consigue imprimir un ritmo de 'thriller' que bebe de la mano de Scorsese. No sobreexplica, utiliza las elipsis y las sorpresas de forma muy inteligente y consigue atrapar al espectador y no soltarlo (…) " 

Ricardo Rosado en Fotogramas habla de "Su ambición histórica contrasta con un funcional apartado artístico que, apoyado en sus feroces intérpretes, se rinde antes de compararse con cineastas decididos a engalanar su narrativa. (…)" 

Por último, en  Cinemanía Irene Crespo valora el papel de "King , quien escribe y dirige este thriller político en el que maneja bien el ritmo entre las secuencias más íntimas, divulgativas y revolucionarias, casi de acción. (…)

Poco más que decir de la película y de los Panteras Negras, los míticos Black Panthers, que lo que sí lograron fue visibilizar la brutalidad policial contra la comunidad negra, desarrollando programas de servicio comunitario (desayunos para niños, clínicas de salud) y promoviendo la autodefensa y el orgullo racial.. Aunque buscaron un cambio radical, se enfrentaron una fuerte represión estatal tal y como se refleja en la película , y se muestra especialmente al final de la misma.

Fuera de la ley

Apache Junction es uuna ciudad que recibe su nombre de la unión del Apache Trail y la Old West Highway. Era el título de este western de medio pelo o neowestern del año 2021 con estética actual y que cuenta con alguna estrella rutilante venida a menos y con secundarios hiper desconocidos que intentan mantener como pueden una historia de venganza en el viejo oeste de Arizona. 

Para desarrollarlo todo y supuestamente basada en las historias del oeste de George Hearst, la película producida en coproducción entre Tailandia-Estados Unidos participaron Justin Lee y Daemon Hillin como cabezas de las productoras Benetone Hillin Entertainment, Benetone Films, Origo Financial Services, TB Films contando con al distribución de Saban Films , dirigido por Justin Lee y con fotografía de Logan Fulton y con Eamon Long en el montaje mientras quela música la firman Christopher Cano y Eduardo Olguin, y que cuenta como actores y actrices con Stuart Towsend como Jericho Ford, Tracy Adams como el capitán Hensley,  Scott Taylor Crompton como Annabelle Angel , Victoria Pratt como Christine Williams y Thomas Jane como Al Longfellow, Danielle Gross como Mary Primm, Ricky Lee como el indio Wasco - fiel a un Jericho hasta su muerte, Ed Morrone como el malvado y vengativo Oslo Pike, entre otros. 

Apache Junction es un puesto fronterizo del Viejo Oeste en el que no hay ley, por lo que es un refugio para ladrones y asesinos. Cuando la reportera Annabelle Angel es enviada por el mismísimo George Hearst , el padre de William Randolph Hearts , el que fuera periodista, editor y magnate estadounidense conocido por su creación de la llamada prensa amarilla a finales del siglo XIX y principios del XX, creador de un imperio de prensa fue influyente, pero también famoso por el sensacionalismo y la invención de noticias para aumentar las ventas y promover sus propias agendas políticas. El magnate, que tras establecerse en San Francisco a principios de la década de 1860, se dedicó a la política, representando primero a San Francisco en la legislatura estatal durante un mandato y que mantuvo intereses mineros a través de su empresa, siendo nombrado senador de los Estados Unidos en 1886 para cubrir una vacante y fue elegido demócrata ese mismo año por su propia iniciativa y que actuará como senador californiano desde 1887 hasta su fallecimiento en 1891. 

Pues bien, éste le pide a Anabelle que escriba sobre el Oeste. La chica llega para escribir un artículo sobre la ciudad, corre peligro de convertirse en una posible víctima. Pero el famoso pistolero Jericho Ford decide acudir en su ayuda para salvarla de un grupo de criminales sin piedad. Anabelle como periodista se aventura en el Oeste para traer nuevas historias sobre estos forajidos. 

Tras entrevistarse con el capitán Hensley (Tracy Adams) que no le recomienda ir a la localidad decide marchar a Junction. La primera noche conoce en el bar la volencia que se vive con una pelea como apuesta y el asesinato de un jugador por parte de otro. 

Al día siguiente, Anabelle Angel (Scout Taylor-Compton) está en peligro , pues parece carne nueva sin probar lo que despertó los instintos primitivos de algunos soldados hambrientos dispuestos a violarla a cualquier precio. Entonces llega en su ayuda Jericho Ford (Stuart Towsend), un hombre blanco errante, criado entre los indios que vivía con su amigo nativo más cercano, Wasco (Ricky Lee), en una choza lejana. En el enfrentamiento, tres soldados murieron, uno de ellos era el hijo del Capitán Hensley (Trace Adkins), quien posteriormente ofreció una alta recompensa por obtener la cabeza de Jericho Ford en su escritorio, incluso de la chica. 

De ella escribió Joe Leydon en las páginas de Variety que "Stuart Townsend y Scout Taylor-Compton están bien elegidos como personajes arquetípicos del Oeste, mientras que Trace Adkins demuestra una vez más una presencia imponente en la pantalla. Stuart Townsend sabe transmitir una aspereza viril y una confianza de matón (...) Los valores de producción son impresionantes para ser una producción independiente que se paró con la pandemia". 

Si crees que este western se parece a la serie Deadwood de George Hearst, con sus innumerables escenas de desnudos, olvídalo. Parece una propuesta rígida que, de por sí, debilita la trama, que ya de por sí es débil. Por otro lado, algunos personajes pintorescos, como el nativo Ricky Lee, el despiadado villano Ed Morrone y el dueño del bar, Thomas Jane, refuerzan la película, aunque merece la pena verlo con menos rigor.

Al otro lado de la carretera

En septiembre de 2019  fui con mi mujer a un Concierto de Hombres G, un grupo del que nunca fui un gran seguidor, pero que con el paso del tiempo, y y sobre todo gracias a mi mujer he ido valorando el impacto que tuvo en la música española. Bien es cierto que su concierto estuvo muy bien, no es menos cierto que yo, personalmente, disfruté mucho más del de los teloneros que llevaban. No eran otros que los malagueños de Danza Invisible.  Su presencia en el escenario seguía viva, su directo magnífico y su capacidad para conectar con el público maravilloso.

Esta noche acabo de ver el documental "A este lado de la carretera" (2021) dedicado a la banda que ofrece un recorrido íntimo y vibrante por los 40 años de trayectoria de la banda malagueña Danza Invisible, una de las formaciones más longevas y queridas del pop español.

Danza Invisible nació en 1981 en Torremolinos (Málaga). Sus integrantes era Javier Ojeda - su voz principal que entró en la formación inicial y se convirtió en la imagen más reconocida del grupo; Manuel Rubio como guitarra; el malagueño nacido en Brenton, Chris Navas como bajo; Antonio Gil (alias "Noni") como guitarra rítmica y también compositor y el gran aglutinador de la banda y el que fuera tercer integrante de la banda Ricardo Texidó que era el batería y voz en los inicios. De hecho, Ricardo Texidó fue uno de los fundadores y en los primeros tiempos era el cantante, hasta que Javier Ojeda asumió ese rol principal.

Me enteré que el origen de la banda estaba en el encuentro en el instituto de Manuel Rubio y Chris Navas que venían de otras experiencias musicales en Málaga y formaron junto con el duro y trabajador Texidó el núcleo original del grupo. Antonio Gil se unió después, aportando más riqueza instrumental con su trabajo en los teclados y guitarras. Y el quinto componente lo llevó Ricardo como una apuesta personal suya.

Tras su éxito en el Festival Atalaya de Jerez de la Frontera la banda pudo grabar un maxi como Danza Invisible (1982) , pasando luego tras su éxito y rápido impacto en Madrid en la Sala Rock Ola y en La edad de Oro Contacto interior (1983). La producción estaba muy influenciada por el sello independiente Twins y el productor Julián Ruiz (muy conocido en aquella época por trabajar con grupos de la Movida Madrileña). Fue un sonido extraño y ajeno a la banda asi que realmente funciono muy poco. No así el siguiente, el álbum "Música de contrabando" (1986) —uno de los más importantes— producido por Carlos Martos, técnico de sonido y productor muy respetado en la música española. 

El siguiente "A tu alcance" (1988), que incluye el megahit "Sabor de amor", que dudaron - y mucho en sacarlo, pues poco tenía que ver con el sentido de grupo y que también contó con Carlos Martos como ingeniero y colaborador en la producción. 

Más adelante, cuando se volvieron más autónomos, muchos discos fueron coproducidos por los propios miembros de la banda (especialmente Antonio Gil y Javier Ojeda) junto a técnicos de confianza.

Pues bien la historia del grupo es lo que vemos en este documental titulado Al otro lado de carretera dirigido por José Antonio Hergueta y Regina Álvarez, un filme se estrenó en el Festival de Cine de Málaga, donde recibió una cálida acogida por parte del público, aunque también se presentó en el Festival de Cine de Almería, y posteriormente fue emitido en el programa Imprescindibles de RTVE y que yo he visto en canal Sur, que conjuntamente con RTVE ayudo a su producción, así como la Junta de Andalucía.

El documental narra la historia de cinco jóvenes autodidactas que, en 1981, fundaron un grupo musical en el sótano de un pub - tablao El Capote en Torremolinos. En menos de un año, lograron posicionarse en las listas de éxitos de la llamada Nueva Ola, dando origen a Danza Invisible . 

A lo largo de sus 40 años de carrera, la banda ha ofrecido más de 2.000 actuaciones, grabado 19 álbumes y obtenido 4 discos de oro y 2 de platino.

El documental fue emitido ayer noche en Canal Sur, mientras el común de los mortales veía la final de la Copa del Rey. 

Tras los dos primeros llegó Música de contrabando (1986), el de Directo (1987) – un álbum en vivo y que yo tengo en CD. Para explotar con sus éxitos en otros como A tu alcance (1988), Catalina (1990), Bazar (1991) y entrar en crisis literalmente con Clima raro (1993) , momento que supuso la salida de Ricardo Texido. El resto, y como señaló su director  cuando dijo que "Un documental también es un ejercicio de terapia”, ya es historia. 

Cazafantasmas; Más allá

Desconocía que Cazafantasmas, después del batacazo- a mi , al menos, me lo pareció- que se pegó cuando un grupo de chicas asumieron los roles de los actores que hicieron la primera y la segunda entrega había sido revivida allá por el año 2021. Pero lo cierto es verdad es que el hijo de Iván Reitman, Jason, se hizo con la dirección de la franquicia junto a Gil Kenan como productor por medio de Bron Creative (también involucrados en la producción de la película Joker), en conjunto con Ghost Corps, Right of Way Films, The Montecito Picture Company, Brillstein Entertainment Partners, con el patrocinio de Columbia Pictures y bajo distribución de Sony Pictures Entertainment.Todo ello para hacer una secuela directa de Los cazafantasmas de 1984. 

Esta comedia de género sobrenatural está ambientada en el universo original de Los cazafantasmas, sin tomar en consideración la película reboot de 2016. Esto hace que la película tenga un halo de nostalgia que la hace, de hecho, una película, desde mi punto de vista, preciosa. 

Por que Ghostbusters: Afterlife es un intento de descubrir el pasado pero salvando el futuro, y lo hace desde la sabiduría y desde el pedigrí que el director y guionista Jason Reitman para retomar la historia y hacer una especie de recomienzo o secuela de Los Cazafantasmas originales que recuperan el célebre coche Ecto -uno y otros muchos cachivaches que formaron parte de aquella genial le entrega de nuestra cultura de los años 80 como se comprueba utilizando a actores veteranos de aquella franquicias de los 80 como es el caso de Sigourney Weaver, Bill Murray, Dan Aykroyd y Ernie Hudson, el cuarto de la cuadrilla, Harrold Ramis,  que se une con la recreación digital del desaparecido actor, pues murió en 2014, al que precisamente le dedican la película. 

Harold Ramis, quien interpretó al Dr. Egon Spengler en las dos primeras películas de la serie, y aparece gracias a clips y fotos tomadas de esas películas. El director y guionista contó con la música de Rob Simonsen, la fotografía de Eric Steelberg y el montaje de Dana E. Glauberman.

En esta película además aparecen una atractiva Carrie Coonn, un divertido Paul Rudd, así como los jóvenes Finn Wolfhard y McKenna Grace. 

La recuperación de los míticos Dana Barreto, Peter Venkman, Ray Stant y Winston Zeddemore vienen al caso cuando descubrimos que el científico Spengler, que desapareció de las calles de Nueva York tras la segunda entrega y se refugió en una localidad de mala muerte de Oklahoma. Allí investiga y es conocido como el cutre granjero.

Lo cierto es que la historia comienza 37 años después del "cruce de rayos protónicos y la derrota de Gozer el Gozeriano en Nueva York en 1984", el miembro fundador de los Cazafantasmas, Egon Spengler, se mudó a Summerville, Oklahoma, donde él sospechaba que estaban ubicadas las operaciones mineras del cultista gozeriano Ivo Shandor. 

Egon, ya un hombre mayor,  captura una entidad espectral en una de las minas, con el objetivo de usarla para atraer a un fantasma más grande hasta su granja, donde le ha tendido una trampa. Cuando la trampa falla, corre dentro de su casa de campo y esconde la trampa fantasma que contenía al espectro en un lugar secreto del suelo. Egon coge un medidor PKE y se sienta en un sillón, como si hubiera aceptado su destino. De repente, una niebla se desliza en el interior de la casa y, poco a poco, se transforma en la sombra de una bestia. 

Cuando parece que va a atacar a Egon, la sombra se desvanece. Entonces, el medidor PKE se activa y unas garras salen del sofá y agarran a Egon, quien muere de un infarto. La sombra se marcha de la casa con la forma de un cometa. El medidor PKE, que yace debajo del sofá donde estaba sentado Egon, se enciende.  

Con su fallecimiento en un intento desesperado de reactivar sus aparatajes, la granja en la que vive el cutre científico  a u hija Callie, que junto a sus dos hijos adolescentes parece que recibiendo la herencia de su padre, un padre que la abandonó hace muchos años y que acaba de morir supuestamente de muerte natural llegan a un pueblo como Summerville, donde nuevamente los fantasmas alteran la vida de sus ciudadanos generando grandes movimientos sísmicos que no tienen que ver con ninguna placa tectónica ni con ninguna actividad volcánica subterránea  ni con fallas sísmicas ni con fracking sino con la presencia de espíritus del más allá. 

Mientras tanto, Callie (Carrie Coon ), la hija distanciada de Egon, y sus dos hijos, Trevor (Finn Wolfhard ) y Phoebe (Mckenna Grace ) , que acaban de ser desalojados de su casa y como no tienen otro lugar donde quedarse, no les queda otra opción que mudarse a la granja de Egon localizada en las afueras de Summerville. 

Una agente de la propiedad, Janine Melnitz (Annie Potts ) le informa a Callie que Egon dejó una montaña de deudas. En el pueblo, uno de sus hijos Trevor conoce a Lucky (Celeste O'Connor ), una chica local que trabaja en un restaurante (de quien se enamora). 

A su vez, Phoebe es inscrita en la escuela de verano del pueblo donde conoce y se hace amiga de Podcast (Logan Kim ), un chico al que le encanta lo paranormal y los misterios. Ambos quedan bajo el cuidado de Gary Grooberson ( Paul Rudd ), su excéntrico profesor de ciencias. 

Mientras revisa las pertenencias de Egon, Phoebe descubre que su casa está llena de extraños aparatos como un medidor PKE. También hay sensaciones paranormales que permiten que jueguen una partida de ajedrez. El responsable es un fantasma invisible que conduce a la chica hasta donde estaba escondida la trampa de fantasmas. 

A su vez, mientras indagaba por la propiedad, Trevor encuentra un pedazo de coche, el Ecto-1 en la cochera. 

Phoebe lleva la trampa fantasma a la escuela para mostrársela a Podcast, quien la trata de abrir sin éxito. Al ver la trampa, Gary se revela a sí mismo como un admirador de los Cazafantasmas y les revela a los dos muchachos que Summerville ha estado experimentando una serie de terremotos a pesar de no estar en un epicentro, sospechando que fue causado por algo sobrenatural. 

Debido a la curiosidad, Gary, Phoebe y Podcast abren la trampa fantasma con una pinza de la batería del coche y una entidad con forma de bestia escapa a la mina de Shandor. Gary se sorprende al ver a la entidad. Asustado y intrigado, Podcast le dice a Phoebe que su abuelo era un miembro de los Cazafantasmas. Avergonzado por poner a los chicos en peligro, Gary lleva a los jóvenes de vuelta a la granja, donde conoce  a Callie, con la que ya había coincido en la puerta de la escuela de verano.

El fantasma invisible lleva a Phoebe a una guarida subterránea donde Egon guardaba su equipo de Cazafantasmas. Al darse cuenta de que el fantasma es su abuelo, Phoebe repara un paquete de protones bajo su dirección y lo prueba junto a Podcast al día siguiente. 

En medio de la prueba, ambos escuchan ruidos, pero como a Phoebe y Podcast les intriga el uso de los distintos aparatos se hacen con sus viejas máquinas y deciden a experimentar en una vieja fábrica. Allí encuentran que hay fantasmas y en concreto uno que devorador del metal, Muncher. Intenta pillar a este , pero no lo consiguen, pero las evidencias, evidencias son. 

Ya saben que en la fábrica abandonada, donde han encontrado a Muncher, el fantasma devorador de metales, hay poderes y Phoebe consigue atraparlo, pero cuando Podcast va a lanzar la trampa para atraparlo, esta se voltea y le da a Muncher el tiempo suficiente para escapar y huir en dirección Summerville. 

Como trabajan en la misma hamburguesería, Lucky lleva a Trevor a una vieja mina en la cima de una montaña. Mientras tontean y se montan en un viejo montacargas ven algo que parece un ser similar al que  se ha escapado. 

En el garaje, Trevor consigue reparar el Ecto-1, y emocionado por tener un coche, recorre a toda velocidad los campos de cereales hasta salir a la carretera, donde se topa con Phoebe y Podcast. 

Cuando les dicen los del fantasma y dado lo ocurrido en la misma se inicia una larga persecución por todo el pueblo, que culmina cuando capturan con éxito a Muncher, pero la policía dirigida por el padre de Lucky, el sheriff Domingo (Bokeem Woodbine ) los arresta por daños a la propiedad, confiscando el Ecto-1 y el equipo de los Cazafantasmas. 

Phoebe usa la única llamada que tienen para contactar a Ray Stantz ( Dan Aykroyd ) . Stantz se enemistó con Egon cuando este no le creyó su teoría sobre el posible regreso de Gozer y le cuenta que al disminuir la actividad espectral en Nueva York, los Cazafantasmas tomaron caminos diferentes: él se quedó con la tienda de ocultismo, Peter Venkman se convirtió en profesor universitario de publicidad y mercadeo, mientras que Winston Zeddemore se convirtió en un acaudalado empresario. Ray le dice a Phoebe que Egon desapareció años atrás llevándose consigo el Ecto-1, los equipos de protones, los uniformes y las trampas antes de mudarse a Summerville para intentar evitar que Gozer regresase. Antes de que el tiempo se agote, Phoebe logra decirle a Ray que ella es nieta de Egon. 

Al tener que recogerlos de la cárcel, Callie regaña a sus hijos. Phoebe pregunta por su equipo, pero el sheriff (que causalmente es el padre de Lucky) les dice que no se lo devolverán. Phoebe les dice que pronto vendrán más fantasmas, pero los ayudantes del sheriff no la creen y encima se burlan de su abuelo. 

Harta, Phoebe agarra la pistola de protones y amenaza al sheriff. Callie logra quitarle el artefacto a su hija y la manda al coche. En casa, ambas discuten sobre los motivos de Egon para venir a ese pueblo. 

Mientras, Gary está en el supermercado comprando helado, cuando pasa por un pasillo, una bolsa comienza a moverse y de ella salen los muñequitos del que otrora fue un gigante neoyorkino, los Stay-puft, quienes empiezan a romper todo. Gary intenta escapar, pero se topa con un ser muy parecido a un perro, quién lo persigue hasta su auto y aparentemente, lo mata. 

Trevor, Phoebe, Lucky y Podcast regresan a la mina, donde encuentran un templo dedicado a Gozer. También encuentran el cuerpo de Ivo Shandor, una piedra con una secuencia de años donde ocurrieron tragedias importantes como la Erupción del Krakatoa , el fin de la Segunda Guerra Mundial o la batalla de los Cazafantasmas contra Gozer en 1984, lo que parece ser al mismo tiempo una cuenta atrás, debido a la presencia del presente 2021 en la secuencia, y una trampa que Egon había preparado para contener cualquier posible incursión de Gozer. 

Mientras esto pasa, en la granja, Callie descubre el medidor PKE y el fantasma de su padre la guía hasta la guarida subterránea, donde Callie descubre muchas fotos suyas, haciéndola entender que, aunque no estuviese a su lado, Egon siempre la tenía presente en su cabeza. En ese momento, un perro idéntico al que atacó a Gary se aparece y la ataca. 

Ahora, ambos están poseídos por los secuaces de Gozer, Vinz Clortho - el maestro de llaves- y Zuul - la guardiana de la puerta-, respectivamente, y corren hacia la mina de Shandor. El maestro de llaves, usando el cuerpo de Gary, destruye la trampa de Egon, lo que permite que Gozer (Olivia Wilde ) se manifieste y que Ivo Shandor ( J.K. Simmons)se despierte. Shandor suelta una diatriba sobre la dominación mundial, pero Gozer lo ignora, lo mata partiéndolo en dos y toma su trono en el templo. 

Phoebe, Trevor, Lucky y Podcast descubren el plan de Egon para atrapar a Gozer. Con el caos sobrenatural distrayendo a la ciudad, recuperan el equipo incautado y vuelven a entrar en la mina para ponerlo en práctica. 

Podcast atrapa a Zuul, lo que hace que la forma de Gozer se resquebraje. Callie se recupera y huyen de la mina a la granja de Egon para llevar a Gozer allí, pero la trampa que Egon construyó falla y Gozer saca a Zuul de la trampa fantasma. Zuul posee a Lucky, y Gozer es restaurada. 

Justo cuando Gozer se prepara para matar a Phoebe y Callie, Ray llega con Peter Venkman ( Bill Murray) y Winston Zeddemore (Ernie Hudson ) para ayudar a los Spenglers. Los Cazafantasmas intentar hacer lo mismo que hace 37 años, pero fallan cuando Gozer se libera al descruzar sus rayos. 

Antes de que Gozer mate a todos, Phoebe se pone el paquete de protones y le da a Gozer un disparo de advertencia. Esta usa sus rayos para atacarla, pero Phoebe contraataca. Los rayos de Gozer y el rayo de Phoebe se cruzan y se empujan mutuamente. La fuerza de Gozer hace que Phoebe empiece a resbalar debido a la arena. Cuando parece que Gozer va a matarla, el fantasma de Egon se materializa a su lado para ayudar a mantener firme su rayo. 

Los antiguos Cazafantasmas atacan de nuevo y atrapan a Gozer. Trevor alimenta el generador con su paquete de protones, y las trampas se activan. Callie pisa el pedal y las trampas se abren, atrapando a Gozer, Zuul, Vinz Clortho y el resto de fantasmas dentro de ellas. 

Tras ganar, Egon abraza a Callie, Trevor y Phoebe, y se reconcilia con sus antiguos colegas antes de partir al más allá. Posteriormente, los Cazafantasmas regresan a la ciudad de Nueva York con su Ecto-1. 

En las escenas en medio de los créditos, se revela que Venkman y Dana Barrett (Sigourney Weaver ) viven juntos y juegan con las tarjetas ESP de Venkman (y la máquina de choque); por su parte, en una escena final postcréditos, por su parte, Winston ahora posee el antiguo cuartel de los Cazafantasmas, patrocina la tienda de ocultismo de Ray y tras restaurar el Ecto-1, pretende revivir al grupo. Cuando regresa a su antiguo cuartel, la vieja unidad de contención debajo de la estación de bomberos comienza a reactivarse, parpadeando una luz en rojo, dando a entender que un nuevo peligro se acerca acabando así la primera entrega de reboot de Los Cazafantasmas. 

El 16 de enero de 2019, Entertainment Weekly reportó que Sony Pictures había estado trabajando secretamente en una secuela de la saga original de Los Cazafantasmas. 

La cinta está dirigida por Jason Reitman, y seguirá los eventos de las cintas originales de los años 80 dirigidas por su padre, Ivan Reitman y Dominique B. 

Para su estreno Sony Pictures estableció el verano de 2020 como fecha estimada para esta nueva entrega en el universo de la franquicia y Jason Reitman aclaró que la película de 2016 con Kate McKinnon, Leslie Jones, Kristen Wiig y Melissa McCarthy no tendría ningún tipo de conexión con la suya. Se confirmó el regreso de los actores de las películas anteriores:  Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bill Murray, Sigourney Weaver y Annie Potts. Otro miembro del reparto original, Rick Moranis, que interpretaba el papel de Louis Tully, no estaría en la película de Jason Reitman. 

En enero de 2021, Sony Pictures anunció que la tercera parte de la saga de Los Cazafantasmas se estrenaría en julio de 2020. Sin embargo, el estreno se retrasaría debido al COVID-19 hasta noviembre de 2021. 

El director declaró que "Siempre me ha gustado pensar en mí mismo como el primer fan de Los Cazafantasmas, cuando visitaba el set de rodaje con 6 años", decía Jason. "Quería hacer una película para el resto de fans. Este es el siguiente capítulo en la franquicia original. No es un reinicio. Lo que pasó en los 80 pasó en los 80 y esto estará ambientado en el presente". Y añadió que "Respeto mucho lo que Paul [Feig] creó con esas brillantes actrices y me gustaría ver más historias de ellas. Aun así, esta nueva película seguirá la trayectoria de la original", afirmaba. 

Tras su estreno llegó algun premio y muchas críticas la mayor parte positivas. Entre los primero señalar que en los BAFTA de 2022 fue nominadas a los Mejores efectos especiales visuales (Aharon Bourland, Sheena Duggal, Pier Lefebvre, Alex Ongaro); mientras que en los Saturn 2021/2022 obtuvo el de Mejor actriz de reparto (Carrie Coon), siendo nominada a Mejor película de género fantástico, al Mejor intérprete joven (Finn Wolfhard) y el de los Mejor efectos especiales (Sheena Duggal, Alex Ongaro). 

En cuanto a las críticas, reconociendo que a mi me ha gustado la películ, por la patrte nostágica e infantil que tiene, así como por el tono cómico reconozco que han sido mixtas. Algunas muy elogiosas, otras no.

En los Estados Unidos Johnny Oleksinski del New York Post "Ser conocida como la segunda mejor película de 'Ghostbusters' nunca había sido un honor. Hasta ahora (...) " 

Para  Rosie Knight de IGN "Reitman y su co-guionista, Gil Kenan, han creado un guion alegre, ingenioso, con buen ritmo y emotivo, que deleita constantemente (...) Prepárate para enamorarte de nuevo de los 'Ghostbusters'" 

Por su parte,  Christian Holub de Entertainment Weekly describe la película como "Un melancólico viaje de nostalgia a través de las ruinas de la cultura americana (...) Es difícil escapar de la sensación general de estar exhumando un cadáver" 

Sheri Linden del The Hollywood Reporter afirma que "Como actualización de franquicia, historia de orígenes, película iniciática, comedia e indulgente espectáculo de efectos especiales, consigue todos sus objetivos" 

Jesse Hassenger del AV Club muestra en su parecer que "Si siempre has querido un 'Ghostbusters' con la mayor reverencia y la mínima comedia, es para ti (...) El hijo de Ivan Reitman la ha convertido en 'Super 8'. Sólo que 'Super 8' tenía diálogos mucho más divertidos" 

Brian Truitt de USA Today consideró que "Durante la primera hora, más o menos, pisa sólidamente la línea entre lo nuevo y lo viejo y Reitman ofrece algunos grandes momentos (...) Pero (...) ningún aspecto se libera de la sobrecarga nostálgica (...) 

Para William Bibbiani de The Wrap la película "Sigue siendo 'Ghostbusters' con un sabor ligeramente diferente y el potencial para más sorpresas a medida que avanza (...) Los fans de la original probablemente queden satisfechos" 

En las páginas del The Washington Post Michael O'Sullivan sostiene que "Apelando desvergonzadamente a los fans de la original, al tiempo que no ofrece nada nuevo, su historia y su amor también están inexplicablemente pensados para un público más joven (...)" 

Para Peter Debruge, habitual de  Variety la película "Está diseñada para funcionar con aquellos que no hayan visto las encarnaciones previas de la franquicia (...) Adopta una energía inequívocamente 'amblinesca'" 

Phil de Semlyen de Time Out considera que el producto no deja de ser "Una película que sabe exactamente lo que quiere su público y lo reparte en grandes dosis de ectoplasma, se las arregla para estar llena de sorpresas y no sorprender en absoluto a la vez (…) " 

Para Christy Lemire de rogerebert.com se trata de "Un ejercicio cobarde de nostalgia vacía (…) ; y    Courtney Howard de IndieWire por contra es "Un producto bastante creativo y medianamente entretenido" 

Jake Cole de Slant considera que "Aunque es muy halagadora, la película se aleja irónicamente del encanto de la adorada original (...) Al convertir a los artistas en objetos, los estudios distancian aún más el arte de quienes lo hacen (…) 

Por último, Richard Roeper la persona que sustituyó brillantemente a Rogert ebert en el Chicago Sun-Times destaca que "Cuando redobla la nostalgia, lo que debería ser un momento triunfal resulta predecible, decepcionante y, en un caso concreto, más macabro y extraño que emocionalmente impactante (…) 

De Gran Bretaña dos muestras. La primera firmada por Olly Richards en Empire que nos dice que "No acaba de ser lo mismo que la 'Ghostbusters' que conocemos, pero parece totalmente 'Ghostbusters' (...) Establece sólidamente su propia nueva generación (...)"  y, por otra, la de  Charles Bramesco en la páginas del The Guardian que considera la película como "Un objeto de nostalgia, vacío de personalidad y encajado en un molde poco apetecible, hecho a medida para aquellos fans que adoran todo y no respetan nada (…)"

Ya en España Javier Ocaña en  El País la vio como un "Estupendo regreso al espíritu juvenil de los ochenta (...) es una película completamente autónoma gracias a la fina calidad de sus diálogos, a la fastuosa composición de las situaciones y al carisma juvenil de sus intérpretes" 

Por su parte, David Pardillos de Cinemanía considera que la película "Logra lo imposible: retomar los viejos elementos que deleiten a los fans y a la vez construir a partir de ellos una historia que se siente tan personal como lo eran las anteriores películas de Reitman. (…)" 

Nando Salvá desde las páginas de El Periódico dice que "Si el título de ‘Cazafantasmas: Más allá’ de por sí da a entender que la saga a la que pertenece ya está muerta, todo cuanto sucede a lo largo de su metraje no hace sino confirmarlo. (…) " 

Por último, Pablo Vázquez de Fotogramas considera que "Funciona como apéndice, tributo y, ante todo, amorosa misiva intergeneracional salpicada de dulces guiños (…) jamás una comedia sobrenatural había hablado con tanto dolor de lo efímero de la existencia (...).

A mi desde luego me ha gustado por cosas como las señaladas: el elementos nostálgico, la hibridación con las dos primeras entregas recuperando a los actores y actrices- una pena no haber visto a Rock Moranis, una de laos grandes aciertos de la primera entrega-, por el tono alegre y desenfadado, por la historia tan bien llevada. En fin , me ha gustado.