Mi crimen

François Ozon está considerado un director "camaleónico" debido a su capacidad inigualable para cambiar de género, tono y estilo visual en cada película, sin perder una huella autoral distintiva. Su filmografía se caracteriza por una constante exploración de la condición humana, pasando con versatilidad desde el drama intenso hasta la comedia satírica o el thriller. Ha tenido el valor de dirigir musicales pop como 8 mujeres, que me dejaron descolocado, dramas psicológicos como Bajo la arena, thrillers eróticos como El amante doble,  comedias negras como Potiche y dramas sociales históricos como Frantz, cambiando de "piel" en cada proyecto.

A pesar de la variedad de géneros, todos sus filmes exploran temas comunes como la sexualidad humana, la muerte, la manipulación, el deseo y los secretos familiares. Sus películas pueden ser estéticamente bellas y coloridas, o oscuras y crudas, dependiendo de la historia que quiera contar, evidenciando su habilidad para adaptar la forma al fondo. A menudo manipula al espectador, cuestionando la verdad y la identidad, lo que crea una filmografía rica, juguetona y a veces perversa, manteniendo al público adivinando. Es un director que rehúye la repetición, buscando siempre nuevos desafíos narrativos y estéticos, lo que lo convierte en uno de los cineastas modernos más impredecibles y prolíficos de Europa. Es como señala un antropólogo que reside tras una cámara cinematográfica.

La película que me ha traído hasta aquó es Mon Crime es una película francesa del año 2023 dirigida y guionizada por el director francés François Ozon que adapta una olvidada obra de teatro parisina del año 1934 de título homónimo - Mon Crime.... de Georges Berr y Louis Verneuil, creada en 1934 en el Théâtre des Variétés . 

Para esta comedia de enredos al más puro estilo "screeball comedy" de la época dorada de Hollywood. La película cuenta con la producción de Éric Altmayer,Nicolas Altmayer y Geneviève Lemal para las productoras FOZ y Scope Pictures. Música Philippe Rombi Fotografía Manuel Dacosse Montaje Laure Gardette Vestuario Pascaline Chavanne  

Ozon parte del asesinato de un poderoso productor sin escrúpulos a manos de una joven actriz para elaborar una sarcástica, reivindicativa y teatral comedia llena de giros y guion. 

Estamos en el París de 1935 y Madeleine Verdier ( Nadia Tereszkiewicz ), que es una joven y bella actriz que lucha por encontrar trabajo y, por consiguiente, está en la ruina sale de una casa de la lujosa barriada de Neuilly sur Seine. Sale rápido con ganas de no querer saber nada de nadie. Parece ir a casa.

Comparte una buhardilla sin agua corriente con su amiga, Pauline Mauléon ( Rebecca Marder ), una joven abogada que busca clientes constantemente. 

Madeleine está enamorada de André Bonnard ( Édouard Sulpice ), hijo del dueño de una gran fábrica de neumáticos, quien recibe escaso apoyo económico de su padre ( André Dussollier ). Sabemos que ha acudido a una reunión con el productor teatral Montferrand, quien le ofrece un pequeño papel en una obra con la condición de que se convierta en su amante. Ella se niega. Él intenta violarla. Ella se defiende y logra escapar. 

Al llegar a casa, recibe la visita de su amigo André, quien le explica que, para solucionar sus problemas económicos, planea casarse con una rica heredera y convertirla en su amante. Madeleine, que había esperado que André se casara con ella y aceptara trabajar, se desespera. 

Poco después se persona en la casa, Brun ( Régis Laspalès ), inspector de policía, que toca el timbre del apartamento de las dos amigas. En ese momento nos enteramos que Montferrand ha sido asesinado y que Madeleine es sospechosa. 

El juez de instrucción, Gustave Rabuset ( Fabrice Luchini ), informado de la situación, se convence rápidamente de la culpabilidad de Madeleine, aunque ella inicialmente lo niega. Entonces, cuando Rabuset le dice que si puede alegar legítima defensa , no necesariamente será condenada, confiesa repentinamente y contrata a su amiga Pauline como abogada. 

Durante el juicio, Madeleine y Pauline utilizan el caso como símbolo de la opresión de las mujeres por los hombres, y Madeleine ofrece una interpretación muy conmovedora en el papel de la joven indignada escrita por Pauline. Es absuelta por un jurado compuesto exclusivamente por hombres  ante los aplausos de las numerosas mujeres que acudieron a asistir al juicio. 

Gracias al revuelo mediático que rodeó esta sorpresiva absolución, Madeleine es ahora una actriz famosa y Pauline una abogada muy solicitada. Dejan su miserable apartamento y se mudan a una gran mansión en Boulogne. André quiere romper su compromiso con la rica heredera para casarse con Madeleine, pero su padre se opone. 

Es entonces cuando reciben la visita de Odette Chaumette ( Isabelle Huppert ), una antigua actriz de cine mudo cuya carrera se ha estancado desde la llegada del sonido . Les explica que mató a Montferrand y que Madeleine le robó el crimen junto con la fama que le trajo. Exige dinero a las dos jóvenes, quienes se niegan. Por lo tanto, confesará, pero Rabuset, quien, gracias al caso Montferrand, ha sido ascendido y se ha convertido en el juez de instrucción principal, se niega a reabrir este caso que ya ha sido juzgado y le ordena que vuelva a verlo cuando pueda acusarse de un crimen que sí pueda imputar. 

Mientras Odette Chaumette sigue acosando a las dos amigas, Madeleine va a ver al arquitecto Palmarède, quien había contratado una renta vitalicia con Montferrand y, por lo tanto, había obtenido una considerable suma de dinero tras su muerte prematura. Ella lo convence de invertir parte de ese dinero en el negocio en apuros del padre de André. 

Madeleine y Pauline le explican a André que Madeleine no es la asesina, pero, lo que es más importante, le ofrecen la posibilidad de que Palmarède rescate su empresa: él acepta el matrimonio y le da a Odette el dinero que ella exige para no poner en peligro la inversión de Palmarède. 

Odette también consigue un papel importante en la exitosa obra de teatro en la que actúa Madeleine; ambas representan una escena que reinterpreta el asesinato de Montferrand, en la que Odette lo mata para salvar a Madeleine, quien es víctima de un intento de violación.

En los títulos de cr´çeditos nos vamos enterando del papel que van a jugar todos en el futuro. En los mismos nos enteramos que la película está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Isabelle Huppert, Dany Boon, Rebecca Marder, Fabrice Luchini, André Dussollier y Edourd Sulpice. Nadia Tereszkiewicz como Madeleine Verdier, la actriz. Rebecca Marder como Pauline Mauléon, abogada amiga y compañera de cuarto de Madeleine Isabelle Huppert como Odette Chaumette, actriz célebre del cine mudo Dany Boon como el arquitecto Palmarède Fabrice Luchini como el juez Gustave Rabusset André Dussollier como Sr. Bonnard, jefe de una empresa de neumáticos Félix Lefebvre como el periodista Gilbert Raton Édouard Sulpice como André Bonnard, hijo del señor Bonnard y novio de Madeleine Régis Laspalès como el inspector Brun Olivier Broche como Léon Trapu, , el escribano de Rabusset Evelyne Buyle la actriz Simone Bernard Lucia Sanchez como Madame Alvarez Jean-Claude Bolle-Reddat como Émile Bouchard Daniel Prévost como Parvot, el presidente del tribunalFue en junio de 2022 cuando supimos la composición de parte del elenco, incluyendo los nombres mencionados anteriormente pero también el de Dany Boon 

La inspiración de la película, inicialmente mantenida en secreto bajo el nombre en clave "Madeleine", proviene en gran medida de las comedias de Sacha Guitry . El director también admite apreciar "la moralidad de Sacha Guitry ". 

Dado que la película está ambientada en la década de 1930, François Ozon dice que inmediatamente pensó en Renoir y su cine, en particular en la película "La regla del juego" 

Se trata, por lo tanto, de una adaptación de una obra de teatro de 1934, lo que ofrece una interesante oportunidad para la adaptación. Ambientada en la década de 1930, el director puede respetar la atmósfera original de la obra al tiempo que aborda temas contemporáneos, pero con un toque más ligero, "debido a la distancia temporal y la reconstrucción histórica. Esto permite más libertad, quizás incluso más amoralidad, más transgresión ". Si la historia se hubiera trasladado a nuestros días, François Ozon cree que la película podría haberse convertido en un drama, algo en la misma línea que su película Por la gracia de Dios . Mi crimen según su director es la tercera parte de una trilogía sobre la condición femenina iniciada con su filme ocho mujeres al que siguió " Poti he, mujeres al poder".

La cinta temas como la zorro vida la coma las ansias de fama el poder de los medios de comunicación con la sociedad patriarcal todo ello desde la sátira y el humor agudo tal y como se refleja en los títulos de créditos finales. 

Para encontrar a las dos actrices principales de su película, François Ozon realizó un largo casting en el que participaron 200 personas. El cineasta aún no había visto las películas *Les Amandiers * y *Simone, le voyage du siècle* , protagonizadas por Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder, respectivamente. Sin embargo, esto resultó innecesario, ya que el director "inmediatamente (...) sintió una conexión entre ellas ", lo cual consideró importante dado el tema de la película. También sintió que las dos actrices tenían "un aspecto muy de los años 30". 

El director también mantuvo consigo a miembros del equipo técnico que eran habituales en sus rodajes, como la diseñadora de vestuario, Pascaline Chavanne , tres veces ganadora del premio César , o el director de fotografía Manu Dacosse . De igual modo, algunos actores ya han trabajado con François Ozon en el pasado. Así, veinte años después de 8 Women , se reencuentra con Isabelle Huppert, pero también con Fabrice Luchini ( In the House , Potiche ) y André Dussollier, con quien filmó Everything Went Well . 

Para el cineasta, dado el ritmo casi anual de sus producciones, trabajar "con gente con la que me llevo bien, a la que soy leal, es más sencillo, el trabajo es más rápido"  

La historia de la película se remonta a junio de 2022 cuando se anuncia que el rodaje. El mismo  comenzó en abril. La película se rodó en París (en la Maison de la Mutualité , la Brasserie Floderer y el Palais de Justice ), en el Tribunal Administrativo de Melun , en el Château de Vaugien , en las calles del centro de Burdeos y en la región de Île-de-France (en los estudios de Bry-sur-Marne ), así como en Bélgica en Charleroi y Bruselas , en particular en la Villa Empain (escenario del crimen). La escena en el baño de la mansión privada se filmó en el Hôtel Frugès de Burdeos. 

Reconozco que no tuvo grandes reconocimientos. Únicamente en los Premios César del 2024 se llevó el Premio al mejor diseño de vestuario para Pascaline Chavanne 

En cuanto a la crítica señalar que Olivier de Bruyn, escribiendo para Les Échos , habla de un «François Ozon, inspirado desde el primer hasta el último plano, [que] ofrece una ficción “ lubitschiana ” y amoral del mejor gusto. Una farsa que, lejos del academicismo habitual del cine popular francés, se distingue por su originalidad, su audacia y su incorrección » . 

El crítico Laurent Cambon, en su reseña para el sitio web aVoir-aLire , quedó completamente cautivado por la película. «En un relato barroco y alegre, el director, adorado por el público francés, se deleita mostrando todos los excesos de los que es capaz una actriz sin caer jamás en el mal gusto ». El crítico elogió las interpretaciones de las dos actrices protagonistas, así como las de los actores masculinos. Subrayó las sutilezas ocultas en el guion: «Detrás de esta historia aparentemente desenfadada se esconde una profunda defensa de la condición de la mujer, cuyas principales víctimas seguimos viendo hoy a manos de sus parejas violentas ». Concluyó su reseña de la película de la siguiente manera: «Pero no nos equivoquemos. Mi crimen no es una película política. Es un ejercicio cinematográfico completo donde la escenografía, el vestuario, los movimientos de cámara y la dirección de los actores alcanzan una especie de perfección » . 

Caroline Vié, para 20 Minutes , habla de una película con "constante buen humor" , que, según ella, sería uno de los "principales activos de una comedia tan sabrosa como un dulce del que uno sale encantado". 

Para Sophie Joubert, de L'Humanité , "Brillantemente escrita y dirigida, francamente divertida, Mi crimen deja, sin embargo, un sabor amargo: defensoras extravagantes de la causa de las mujeres, Madeleine y Pauline son también mentirosas y manipuladoras. Como si Ozon, al adaptar esta obra de teatro de bulevar anticuada, quisiera absolutamente dar garantías al bando contrario". 

En La Voix du Nord , Christophe Caron resume sus pensamientos de la siguiente manera: "Nos hubiera gustado un espectáculo de fuegos artificiales final más deslumbrante, pero la impresión de una fábula brillante permanece. Perfecto para el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer" .

Para Olivier Delcroix, de Le Figaro , «Sin ser militante, la película captura sutilmente el espíritu de la época, vistiéndolo con la ropa interior con volantes de la Francia de los años treinta. El ejercicio cinematográfico está bien filmado, controlado, tan ligero como serio. Con ese pequeño toque de astucia que conquista a los espectadores» . 

Antoine Desrues, para el sitio web Écran Large , resume su reseña de la siguiente manera: "Al abordar la comedia disparatada y adoptar la artificialidad teatral que hizo tan atractiva a 8 Women , François Ozon ha realizado su película más divertida en... demasiado tiempo con Mon crime . Una obra menor, pero encantadora". 

Para Mathieu Macheret, de Le Monde , "Desde su primer largometraje Sitcom , Ozon ha hecho costumbre de destrozar formas huecas para inocularlas con un fermento de subversión, lo que hace aquí con vodevil, bastante polvoriento, para hacer resonar un mensaje feminista. Pero la operación se convierte rápidamente en una alabanza de la falsedad que respira cinismo". 

Según Luc Chessel de Libération , "Mi crimen, obviamente, es 'cautivadora' y 'desnuda', va a toda velocidad, siguiendo o adelantándose a sus actrices y actores. El juicio de Madeleine Verdier es sin duda la pieza de bravura de la película, aquella en la que todo empieza a funcionar en conjunto: el tribunal como escenario, un estudio de cine y un espacio público de escándalo, donde los elogios de los medios al asesinato de hombres y lo ridículo de la indignación de los reaccionarios anti-woke pueden declararse con júbilo". 

En los Estados Unidos, Guy Lodge Variety "Es tan efervescente y fácil de olvidar como una botella de vino espumoso de marca blanca" 

Para bBeatrice Loayza del The New York Times "El prototipo de película de confort, adornada con la nostalgia del viejo Hollywood y que se desarrolla a ritmo de subasta" 

Moira MacDonald del Seattle Times comentó que la película era "Una deliciosa pieza del maestro François Ozon" 

Anthony Lane en The New Yorker sostuvo que "Ozon, como siempre, no sólo se divierte. También hace travesuras con la política sexual de la trama"

Sheri Linden del The Hollywood Reporter "Si no es tan divertida como pretende, es porque la mayoría de los personajes sólo tienen una nota que tocar. Pero lo hacen con un entusiasmo irresistible".

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian la película "Está bien rodada, interpretada con solidez y es entretenidamente superficial (...) 

En las páginas de Empire Miriam Balanescu escribe que "Una película camaleónica a la altura de un director camaleónico (...) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily escribió que "Varias generaciones de los mejores actores dramáticos de Francia claramente están pasándolo en grande en esta elegante historia (...) Comedia amoral sorprendentemente honesta" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País sostuvo que era "Una comedia gozosa con aire de vodevil que fluye como un manantial de la mano de un reparto sembrado, capaz de moverse entre diálogos brillantes y endiablados, y una trama con todos los ingredientes posibles" 

El crítico de ABC  Oti Rodríguez Marchante dijo que la película  "Es una pura golosina, una obra espumosa y desenfadada que se construye con el aire de una intriga criminal, un juicio pintoresco y unos personajes con un divertido toque estrambótico." 

Sergi Sánchez en La Razón dejó por escrito que la película "Es refrescante que el director de “Bajo la arena” parta de una premisa afín al discurso del #metoo quitando hierro al asunto (...) una película que se divierte de lo lindo corroborando que la vida es puro teatro. (...) " 

Nando Salvá en las páginas de El Periódico de España "Funciona a la vez como demostración involuntaria de ideología reaccionaria y como cínico argumento con el que convencernos de que todo es manipulación, falsedad y simulación. (...)" 

Philipp Engel desde el barcelonés diario La Vanguardia señaló que "A la banda sonora le faltan canciones reconocibles, el París de época queda demasiado acartonado y las jóvenes heroínas pueden resultar incluso irritantes. Con todo, hay que reconocer que funciona. (...)" 

Irene Crespo de Cinemanía destacó que "Ozon (...) se ha rodeado de un reparto brillante (...) Y los coloca (...) en unas secuencias tradicionales, casi teatrales que beben del mejor cine dorado americano (...). Un divertimento sensacional. (...) " 

Roger Salvans de Fotogramas comentó que tenía "Un título cargado de guiños a las screwball comedies del Hollywood dorado que, sin embargo, se siente rabiosamente actual. (...) divertimento que nos devuelve al Ozon más desenfadado. (...) " 

Por su parte, Marta Medina habitualñ en las páginas de El Confidencial destaca que "Es un alegre divertimento que funciona en su candidez (...) es un Ozon disfrazado de ligereza, divertido y sofisticado, rodeado de un elenco disfrutón, con un diseño de arte y una fotografía impecables. (...)".

Poco más, que ya es mucho. Un Ozon más. Y, únicamente un detalle. En relación a lo que presentaron en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba, la Facultad más bella de las de la capital,  el 1 de junio - aunque lo presentaron el 22 de mayo de 2025 en un programa diseñado por Cine Cercano, una asociación cultural sin ánimo de lucro que dice disfrutar de una programación de cine de actualidad, diversa y multicultural, con obras de calidad de lo mejor de la producción española, europea y mundial- me remite a que 36 años antes, en un mes de mayo pero del año 1989, y enmarcado en su fiesta de Primavera, con un Soler al frente del aula de Estudiantes, una de las películas que emitieron fue Senderos de Gloria, lo que fue un descubrimiento para mi. Pero es otra historia. 

Paris qui dort

Mi intención era ir a la Filmoteca, pero mi estado físico, por culpa de un gran enfriamiento me ha hecho desistir de esa idea. La película que hoy se emitía era Paris qui dort con la que, parece ser debutó René Clair. Lo llamativo es que lo hizo con una película de ciencia ficción, aunque en tono de comedia, y mudo, algo lógico si partimos que la película es de 1.924. Mi interés era la ver versión que se ha restaurado pero me he conformado con la que se presentó en 2018 en el Film Fest de Mantova que, al menos, tenía el interés de ver una película con "live orchestra" y música compuesta y dirigida por Alberto Piazza e interpretada por profesionales del Conservatorio de la ciudad.

Paris qui dort es el título original, aunque internacionalmente es conocida como The crazy ray o en Italia, Parigi che dorme. Paris qui dort (literalmente "París que duerme") es una película muda francesa de ciencia ficción del director René Clair estrenada en el año 1924, y una de las primeras manifestaciones cinematográficas de este género. Esta película pertenece a la vanguardia cinematográfica conocida como cine figurativo. La película también se conoce con otros nombres como At 3:25 en los Estados Unidos, aunque también Paris Asleep que dura normalmente de 55 minutos, aunque la versión que yo he visto, es la primera  pues dura 39 minutos y no la auténtica que duraba 65 minutos.  También fue estrenada como Le rayon de la mort (55 minutos). La película estuvo producida por Henri Diamant-Berger por medio de la Productora Films Diamant.

La película parte de un guion de René Clair- parece ser que la música fue compuesta por Jean Wiener, mientras que la fotografía fue de Maurice Desfassiaux y  Paul Guichard siendo el montador el mismo René Clair. La encargada del vestuario fue Claude Autant-Lara.

Como protagonistas aparecen Henri Rollan como Albert, Charles Martinelli como el científico, Louis Pré Fils como el detective, Albert Préjean como el piloto, Madeleine Rodrigue como Hesta, la pasajera del avión, Myla Seller como La sobrina  del científico, Antoine Stacquet como el hombre rico y Marcel Vallée como el ladrón 

Después de trabajar toda la noche, el guarda nocturno de la Torre Eiffel, Albert ( Henri Rollan) un día descubre que el campo de Marte bajo la torre eiffel están vacios y que las calles de la capital francesa están desiertas. 

Tras eso recorre las calles de París para encontrarse con que todas las formas de vida de la ciudad han quedado paralizadas por algo ( después sabremos que lo son por un un rayo inventado por un científico). 

Más tarde, Albert encuentra a un grupo de viajeros que han llegado esa mañana de Marsella en avión. Son las únicas personas aparte de él que siguen en movimiento, y juntos exploran la ciudad en busca de más personas que, al igual de ellos, hayan quedado exentos de esta paralización. 

Así empieza una aventura que los lleva por toda la ciudad, por sus calles, por sus garitos, por sus restaurantes mientras observan entre sorprendidos y aturdidos que la gente se ha quedado en el sitio ( un suicida no ha llegado a tirarse al Sena, un policía se ha quedado a punto de detener a un ladrón, los coches han quedado en las calles, donde todas las personas, coches y relojes de París están paralizados, congelados en el último movimiento que hicieron, como fotografías de lo que fueron. El mundo se ha detenido y él y esos pocos personajes que irá encontrando por ahí (...) , son los nuevos amos de la ciudad ya que el dinero deja de tener valor puesto que todo está a su mano.

Mientras se divierten cantando, comiendo, paseando se van conociendo, pero también descubren una nota de una persona que les dice dónde han de ir. 

Cuando llegan ven que es una chica que dice ser la sobrina de un científico, precisamente, el responsable de lo acontenido en París. Gracias a ella , y luego al científico descubren que el vigilante de la torre Eiffel se ha librado del destino general por haber pasado la noche a mayor altura que nadie en la ciudad y que los tripulantes de la avioneta que acaba de aterrizar se han librado por no ser afectados por el rayo.

Como quieren revertir la situación, y aunque tengan toda la ciudad para ellos, para hacer lo que quieran, bueno o malo: hacerse con las alhajas de las mejores joyerías, comer y beber en el mejor restaurante, o dejar dinero en el bolsillo del pobre desgraciado que se iba a lanzar al Sena de pura desesperación o incluso, de iniciar relaciones amorosas entre ellos, pero definitivamente deciden que el científico reactive la máquina y que lo codiano siga su rumbo.

Rene Clair orquesta con acierto esta simpática fantasía surrealista y consigue darle en ocasiones un gran lirismo, por encima del humor constante y el tono de aventurilla de los tebeos. La idea de la película se le ocurrió al propio René Clair en 1922, y fue filmada en tan solo 22 días el verano siguiente (1923). En la imagen siguiente vemos asl grupo de actores y actrices en una pausa del rodaje.

El proyecto lo financió Henri Diamant-Berger, que puso a disposición de Clair un equipo artístico y técnico, pero pocos recursos. Aunque no le suele asociar con esta película, hay evidencias de que Claude Autant-Lara, que se convertiría más tarde en un importante director de cine en Francia, participó como asistente de dirección en esta película.

Tras el rodaje y una vez montada, la película no consiguió distribuidor, por lo que Clair no pudo estrenarla inmediatamente. Sin embargo, el éxito de su película Entreacto en 1924 le permitió, finalmente, estrenar Paris qui dort por medio de la Agence Générale Cinématographique y bajo el nombre Le Rayon diabolique.

Este primer estreno en Francia fue de una versión más corta de la película, con un metraje de 1480 metros. Poco después, Astor Films distribuyó en Inglaterra una versión más larga, con un metraje de 1677 metros. Ambas versiones fueron aclamadas por la crítica y el público, pero criticadas por el propio René Clair, que acabó montando la película otra vez en 1971, dando lugar a una versión que , al menos, ya he visto de unos 39 minutos 

A pesar de ser una de las primeras muestras de ciencia ficción en el cine, no genera en el espectador miedo o tensión. La película es una celebración de la ciudad como ente individual, de la sensación de libertad absoluta. Además, hace un alarde de la tecnología más novedosa de la época: el avión y el automóvil eran entonces símbolos de modernidad y adelanto y la Torre Eiffel representaba el progreso y el genio francés. La película es, al fin y al cabo, parte de una vanguardia cinematográfica, cuyo objetivo esencial es ser una muestra constante de progreso. Más allá de una oda a la ciudad de París y al progreso y un relato de ciencia ficción, París qui dort es una reflexión sobre la libertad del ser humano. Cuando los personajes se ven en una ciudad que se encuentra a su disposición, tienen varias opciones. Podrían acudir a las autoridades o intentar descubrir las causas de lo que ha ocurrido. Sin embargo, deciden abusar de su poder para hacer lo que quieran en París, ya que el rayo paralizador hace que no tengan que responder a la ley aunque el incumplimiento de ciertas normas como robar, subirse a la torre Eiffel o comer sin pagar. 

Aunque no se conservan críticas contemporáneas al estreno de la película, el legado de Paris qui dort se puede observar en numerosas críticas más recientes. 

Jonathan Rosenbaum, del Chicago Reader, dice de la película que es «uno de los hitos del cine mudo francés».

James Travers escribe en FrenchFilms.org que se trata de una película «muy adelantada a sus tiempos en términos de técnica fotográfica y actuaciones cómicas» que además «consigue hacer algunas afirmaciones válidas sobre la naturaleza humana».

Tim Brayton, en Alternate Ending, llama a Paris qui dort «un ejemplo prístino de realismo poético antes de que existiera el realismo poético» 

En Fotogramas se comenta que "La primera realización de René Clair propuso una irónica fantasía basada en ìuna singular premisa: un científico proyecta un rayo paralizador sobre París, pero varios personajes escapan a su control y recorren una ciudad fantasma intentando romper el maleficio. Su frescura expositiva y su imaginación siguen sorprendiendo. "

Frontier(e)

Había leído cosas de esta película debido a su llegada a Prime. Me llamó la atención los comentarios sacásticos de algunos y críticos de otros. Los primeros hablaban de una película destinada al cine familiar- y, en cierto, modo hay que reconocer que la historia se mueve alrededor de una familia, extraña, pero familia-, otras sobre el contenido político de la misma , que , evidentemenete tiene. Pudiera parecer una distopía, pero hay elementos de la realidad política que vive actualmente el mundo occidental; pero lo que sí me esperaba de esta película francesa es que fuera de terror, aunque desconocía el toque y gore que la acercan a una Matanza de Texas, pero casi en la Picardie. 

El creador de esta hoy, sin duda, original película es Xavier Gens quien la ha escrito y dirigido por Xavier Gens. Siendo del momento que era , 2007, no es de extrañar que detrás de la misma estuviesa EuropaCorp, la productora de Luc Besson, el mayor productor de Europa por aquellos años aunque no está solo pues aparece acompañado de Laurent Tolleron, Rodolphe Guglielmi, Frederic Ovcaric, Teddy Percherancier, Hubert Brault, Eric Garoyan, Karim Guellaty, Bertrand Ledélézir y Noël Muracciole. 

Protagonismo en la misma también tiene Olivier Afonso responsable de la dirección artística y del diseño de producción. Como responsables técnicos destacan igual Jean-Pierre Taieb en el apartado misucal, en el sonido Jérôme Aghion, Thomas Bernard, Christophe Bourreau,Lohengrin Braconnier, Jean De Sagey, Loïc Gourbe, Alexandre Hecker, Florent Lavallée, Jacques Sans, Yann Vernier y Jean-Noël Yven. En la fotografía destaca la labor de Laurent Barès y el montaje Carlo Rizzo. Igualmente importante fue la labor del vestuario realizada por Eléonore Dominguez. Por último, los efectos especiales en los que participaron Guillaume Castagné, Nicolas Herlin, Laetitia Hillion y Frédéric Lainé. 

La película la protagonizan Karina Testa, Aurélien Wiik, Samuel Le Bihan y Estelle Lefébure. 

La historia se desarrolla en el presente. Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. La banlieue ha estallado en protestas, y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo en el momento en que un candidato de extrema derecha llega a la segunda vuelta de las elecciones a la presidencia francesa , lo que desata disturbios en París . 

Con la esperanza de escapar de París, pero necesitados de dinero, una banda callejera compuesta por jóvenes árabes musulmanes (Alex, Tom, Farid, Yasmine, embarazada, y su hermano Sami) aprovecha el caos para cometer un robo. 

Uno de los chicos, Sami (Adel Bencherif ) el hermano de la protagonista, Yasmine, es herido al recibir un disparo siendo herido mortalmente y es llevado al hospital por ella y su novio, Alex (Aurélien Wiik) , mientras que Tom (David Saracino) y Farid (Chems Dahmani ) llevan el dinero y se dirigen hacia la frontera norte del país. 

Estos dos últimos deciden parar en un hostal aislado que parece ser el refugio perfecto para reunir al grupo. Allí son atendidos por Gilberte (Estelle Lefébure ) y Klaudia (Amélie Daure), aunque más tarde aparece Goetz (Samuel Le Bihan), su hermano. 

Gilberte y Klaudia afirman que sus habitaciones están libres y enrrollándose entre ellas  seducen a Tom, ya que Fariq alega que tiene novia. 

Mientras en el hospital, el personal de urgencias informa a la policía de la lesión de Sami. Sami insiste en que Yasmine huya antes de que la policía la atrape. Su último deseo es que Yasmine no aborte. Tras ser unciada por una sanitaria que llema a uno de seguridad, Alex y Yasmine huyen, dejando atrás a Sami, mortalmente herido. 

Por su parte Alex y Yasmine llaman a sus amigos para pedirles indicaciones sobre cómo llegar a la posada. Tom y Farid se las dan, pero poco después son brutalmente atacados por Gilberte, Klaudia y Goetz, así como otro hermano que aparece de la nada, Karl, tras una desagradable cena en la que también est´presente la madre. . 

Cuando Tom y Farid intentan escapar, Goetz hace que su coche se caiga por un precipicio, que es realmente una antigua mina abandonada. Los hombres heridos se adentran en el pozo de una mina, donde Tom es rápidamente recapturado. Farid debe valerse por sí mismo con unos extraños seres, que resultan ser - eso lo sabemos más tarde- los hijos rechazados de la familia que vive en la mina. 

Sin darse cuenta del peligro, Alex y Yasmine llegan a la posada y son capturados por la familia. Alex y Yasmine están encadenados en una pocilga con suelo de barro. Alex rompe las cadenas de Yasmine y la deja escapar. 

Cuando los captores descubren la fuga de Yasmine, el patriarca de la familia, von Geisler, corta brutalmente el tendón de Aquiles de Alex . 

Mientras tanto, en la mina, Farid encuentra el almacén de las víctimas. La familia se da cuenta de que algo anda mal en la mina, y el carnicero de la familia, Hans (Joël Lefrançois) persigue a Farid hasta una caldera donde lo cocina vivo. Yasmine huye de la posada, pero Goetz la rescata rápidamente al cruzarse en su camino. 

De vuelta en la pocilga, von Geisler concede personalmente el último deseo de Alex: ser sacrificada rápidamente. 

Inicialmente, von Geisler desea que Karl (Patrick Ligardes) se "case" con Yasmine para continuar el linaje familiar, pero cuando von Geisler se entera de que ya está embarazada, la confía a la humilde Eva, quien le dice a Yasmine que llegó a la familia de una manera muy similar y que es obediente porque la familia le prometió que sus padres volverían a buscarla algún día. Eva también le cuenta a Yasmine sobre los niños sin hogar rechazados que ella y Hans cuidan en la mina. Finalmente, Eva (Maud Forget) lleva a Yasmine a cenar, donde la familia la espera. 

Se revela que Von Geisler (Jean-Pierre Jorris) es un ex nazi (y aún practicante) que ha vivido en la posada desde el final de la Segunda Guerra Mundial . 

Von Geisler ofrece un brindis por la sangre nueva, y Yasmine rápidamente agarra un cuchillo grande y toma a von Geisler como rehén. Hans agarra una escopeta y dispara a von Geisler en la confusión; Karl dispara a Hans matándolo a su vez. Yasmine escapa y es perseguida por Karl y Goetz hasta la mina. 

Yasmine finalmente llega a una de las salas de almacenamiento de cadáveres, donde pelea con Goetz. Después de una lucha sangrienta, lo golpea repetidamente con un hacha antes de empalarlo en una sierra de mesa giratoria . Karl atrapa a Yasmine cuando intenta regresar a la superficie, pero Eva llega al rescate, volándole la cabeza a Karl con una escopeta. Yasmine busca las llaves del auto para escapar, pero es emboscada por Gilberte y Klaudia con metralletas. Yasmine alcanza un tanque de gasolina durante el tiroteo, haciendo estallar la habitación. 

Mientras Yasmine sale al exterior vemos que Gilberte ha sobrevivido a la explosión e intenta matar a Yasmine, pero esta le arranca la garganta. 

Con todos los demás miembros de la familia neonazi muertos, Yasmine intenta convencer a Eva para que se vaya con ella, pero Eva se queda para cuidar a los niños en la mina. 

En el camino, se escucha en la radio que el candidato de extrema derecha en las elecciones ha ganado la segunda vuelta, convirtiéndose así en el nuevo presidente francés. 

Yasmine se topa con un bloqueo policial cerca de la frontera, donde se entrega a las autoridades. 

Después de su estreno en Francia en el Festival de Cine de Agde en 2007, la película tuvo un estreno limitado en los Estados Unidos el 9 de mayo de 2008, como parte del After Dark Horrorfest .Fue presentada en España en el 40 Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2007, siendo nominada a Mejor película, al igual que al Méliès d'or 2008. 

Los estudiosos del cine francés han citado Frontier(s) como ejemplo de la Nueva Extremidad Francesa , películas de terror producidas en Francia desde inicios del siglo XXI que representan el horror visceral y la violencia extrema. 

Alexandra West señala que Frontier(s) trata "sobre la evolución de la extrema derecha en Francia" y que explora los "elementos desatendidos de la sociedad, los sectores a los que se les permite permanecer en realidades que ya no existen en los entornos urbanos". 

La crítica optó por extremarse. O se le ama, o se le odia. Entre los primeros destacan las de Manohla Dargis en el The New York Times cuando escribió que "Aunque a veces Gens se acerca peligrosamente a lo imperdonable, con imágenes que evocan el Holocausto con demasiada fuerza, Frontier(s) funciona finalmente porque sus escalofríos son tan verosímiles como indignantes". Y añadió que "Hay suficiente sangre en la película de terror francesa sin clasificar Frontier(s) para saciar incluso a los más voraces amantes del gore. La verdadera sorpresa es que esta película espeluznante y contemporánea también tiene algunas ideas, visuales y de otro tipo, encajadas entre sus gotas sangrientas, ganchos de carne oscilantes y sierra de mesa zumbante. ". 

De la misma opinion fue Maitland McDonagh en TV Guide al escribir sobre ella que Aunque no es ni sutil ni particularmente original, la vuelta de tuerca de Gens tiene energía de pesadillesca de sobra". 

También gustó en las páginas especializadas en cine de terror como Bloody Disgusting donde Brad Miska señaló "Estás a punto de entrar en una nueva frontera del horror"; o en Reel Film cuando David Nusair afirmaba que se trataba de "Una entretenida película de terror que se beneficia de la inclusión de varias secuencias de asesinatos alegremente exageradas". 

En Gran Bretaña , Peter Bradshaw, el habitual ncrítico de cine de The Guardian, la califico como «Una película solo para fanáticos incondicionales». 

Menos amables fueron Scott Tobias de AV Club al describirla como una película en la que "No hay profundidad, sorpresas ni ingenio en el guión, que parece motivado por el único deseo de generar las personas y las imágenes más viles y repugnantes imaginables", añadiendo además que "Las comparaciones con La masacre de Texas , Hostel , The Descent y la larga tradición de películas de terror de "la última mujer en pie" son inevitables, pero Gens no parece tan interesado en la originalidad como en tratar de superar sus influencias" 

Peor opinión tuvo John Anderson en Variety al preguntarse sobre ella lo siguiente "¿Puede una película ser un viaje cargado de adrenalina y sangre y, a la vez, aburrida? Eso parece". Además la comparó con Hostel (2005) y Saw (2004), y agregó: " Frontier(s) es una hemorragia de 100 minutos que no aporta nada a la mesa de operaciones de la pornografía de tortura excepto más sangre, crueldad y miseria. Lo cual, para algunos, por supuesto, puede ser suficiente". 

Más o menos en esa línea están Jim Ridley de Village Voice cuando afirma que "Es tan implacable como odiosa, mal dirigida y derivada de la bazofia más lúgubre del cine de terror americano contemporáneo". ; y peor le parece a Ed Gonzalez de Slant cuando concluye que "En 'Frontiere(s)' está explícita la creencia de su creador de que no hay que dejar nada a la imaginación". Y añadió «Ah, el triunfo de la globalización: si se les da a los franceses una muestra de neofascismo, disturbios raciales y represión paramilitar, buscarán consuelo en el pasatiempo favorito actual del cine estadounidense: la pornografía de tortura con una dirección artística vigorosa». En fin para gustos , colores.

Le bonheur

La siempre sorprendente Agnes Varda dirige esta película que fue premiada en el Festival de Berlín con el oso de Plata en el año 1965 , llevándose igualmente el Premio especial del jurado en el festival de Berlín. 

La directora franco belga siguió con la felicidad el camino iniciado con su debut, "Cleo, de 5 a 7".

De espíritu de independiente y de fuertes convicciones feministas la directora intentó en sus primeros firmes dar muestras de las relaciones que se establecen entre el hombre y la mujer planteándolo de manera diferente en cada filme. 

Si su primera incursión narró dos horas en la vida de una mujer en clave documental con la felicidad producida por Mag Bodard Parc por medio de Film partió de un guion dramático escrito por ella en el que se explica una abierta infidelidad. Para dar mayor énfasis a la historia utilizó una familia real para que que representaran la familia que parece en pantalla. El resultado fueron diversos premios internacionales en la historia en la que François es un joven carpintero felizmente casado con su novia , Therèse, a la que conoce desde que hizo el servicio militar y con la que tiene dos hijos. 

Un día conoce un correos a otra mujer, Émilie, que se convertirá en su amante. Franços se convence de que puede vivir con su mujer y su amante de forma paralela. El verdadero problema es que no consigue aclararse con sus sentimientos: ama a su mujer y también a su amante, pero no sabe a cuál de las dos ama más.Los personajes de Thérèse (Claire Drouot), la esposa de François, y su hijo e hija, Pierrot y Gisou, son interpretados por la familia verdadera del actor Jean-Claude Drouot (François en la película). Fue la única vez que aparecieron en alguna película..

La película cuenta con Marcel le Fauré Berlín, Sulvie Saurel, Christian Riehl, Paul Vecchiali como Paul, Gregory Hoblit, Marc Euraud, Manon La dos y Marie France Boyer. 

La película está asociada con la Ola Nueva francesa y ganó dos premios en el 15.º Festival Internacional de Cine de Berlín, incluyendo el Gran Premio del Jurado. 

Comienzo sugestivo con varios planos y contraplanos de girasoles: uno luce radiante y erguido, es hermoso, en el otro aparecen girasoles mustios, y opacos. Fuera de foco a lo lejos se acerca un matrimonio con dos pequeños. El es François (Jean-Claude Drouot) un joven carpintero que trabaja para su tío, vive una vida cómoda y feliz, casado con su mujer Thérèse (Claire Drouot) , una modista. La pareja tiene dos niños: Pierrot (Olivier Drouot ) y Gisou (Sandrine Drouot). La familia suele pasear y hacer pícnic los días libres de primavera en un bosque a las afueras de la ciudad. 

A pesar de que François se siente feliz con su vida y ama a sus hijos y a su esposa, se enamora de Émilie Savignard (Marie-Francia Boyer), una mujer que trabaja en la oficina de correos, que lleva una vida independiente y tiene un apartamento propio. François es muy directo con Émilie y le dice la verdad sobre su familia, su felicidad y el amor que le profesa a su mujer y a sus hijos. Un fin de semana, mientras están en un día de campo, Thérèse le pregunta François por qué parece estar tan feliz últimamente. 

Al principio, él se niega a decirle por temor a herirla pero, tras la insistencia de ella, François explica que está feliz de estar con ella y con los niños, pero que se ha sentido más contento al encontrar a Émilie. Él explica que ella y los niños son como un campo de manzanos delimitado y que otro manzano externo se puede añadir a ese campo, complementándolos. Thérèse expresa su tristeza diciéndole a François que sólo lo quiere a él. 

Tras mantener un encuentro romántico, ambos quedan dormidos. Cuando François despierta, no encuentra a Thérèse y, tras buscarla desesperadamente con sus hijos, encuentra su cuerpo que unos pescadores han sacado del lago. Tiempo después de que algunos parientes se hayan hecho cargo de los niños, pasado el verano, François regresa para trabajar y busca a Émilie. 

Pronto, ella está viviendo en su casa, cuidándolo a él y a los niños, incluso recogiéndolos de la escuela. La nueva familia es muy feliz y salen juntos a pasear al bosque, ahora otoñal, de las afueras de la ciudad acabando así la película

Ella dijo de su película , según señala la Filmoteca de Cataluña "“Esta película es una excursión campestre en que el amor y las meriendas ocupan un gran lugar. Pero los niños también, puesto que se trata de una familia en que la felicidad no puede ser imaginada sin niños. Querría hacer la crónica feliz de cierto ambiente artesano que vive en los alrededores de París y hacerla de una manera cariñosa. Conozco personas que no son envidiosas ni reivindicativas. Finalmente, el amor físico, que ocupa un lugar tan importante en la vida, es tratado no con descripciones sino como elemento de equilibrio, en especial al final del film. Todos los personajes son abiertos y la imagen es coloreada por el verano. Me gustaría que hiciera pensar y suscitara la emoción que siento ante las fotografías de forofos y, en otro aspecto, ante la pintura impresionista” (Agnès Varda). ". 

En un tributo a la memoria de Agnès Varda en 2019, Sheila Heti, TAN Hamrah y Jenny Chamarette incluyeron a Le Bonheur entre sus películas favoritas de Varda, con Charmarette diciendo que era su favorita y describiéndola "como nada más: una película de horror envuelta en girasoles, una excoriante diatriba feminista que toca a la melodía de una balada de amor. Es uno de los filmes más aterradores que he visto." Hamrah llamó a Le Bonheur "la película más impactante de Varda", añadiendo "es profundamente subversiva y funciona como una película de horror [...] ¿Cuántos filmes son realmente impresionantes de la manera en que lo es Le Bonheur? No creo que haya muchos". Heti declaró "no tengo un favorito, pero en el que pienso más a menudo es probablemente Le Bonheur porque tiene un final tan devastador. Es quizás el más directo en cuestión de narrativa, y, al mismo tiempo, realmente radical – emocionalmente radical, llegado el final. [...] Es imposible dejar de pensar en el final y qué dice sobre el amor, la vida, el caos y el destino." 

Papel esencial en la película es su música de Jean-Michel Defaye y la bellísima fotografía -ahora restaurada- de Jean Rabier y Claude Beausoleil llena de encuadres fotográficos, primerísimos planos, insertos y planos detalle que juegan en favor de la estética congujándose con la representación del color, que no sólo está en la puesta en escena sino en la estructura técnica o gramática visual del filme, donde los fundidos a diversos colores, representan o están sujetos a los cambios dramáticos del largometraje. Gran valor merece su montaje labor de Janine Verneau. 

La crítica es unánimemente positiva en todos los lugares en los que se estrenó. En los Estados Unidos Richard Brody en las páginas de The New Yorker señaló que "Es una película en la que la vida emocional y el deleite sensual se ven a través del prisma de la sociología, la psicología y la reflexión filosófica." 

Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader escribió que es "Hermosa y perturbadora (...) Provocativa y adorable. Es una de las mejores películas de Varda." 

Andrew Chan de Slant sostuivo que "El poder de esta película reside en que sigue siendo deslumbrante incluso en nuestra época sabia, dejándonos con incertidumbre y sospecha como a los primeros espectadores." 

David Pirie de Time Out la definió como "Pura elegancia visual y esplendor romántico" 

Noel Murray de AV Club nos pone a todos de acuerdo con su lacónico "Una gran película" 

Sofía Brucco en la revista digital Encuadra afirma que "Leí alguna vez que Agnes Varda dijo, en relación a Le Bonheur, que se trataba de árboles. De otras cosas también, pero sobre todo de árboles, porque los hombres se comportan como árboles" Y añade " El intenso amarillo de los girasoles, el verde de la vegetación de los jardines rurales. Los colores de la ropa que coincide con el ánimo de las estaciones: rojos, amarillos y naranjas en verano; ocre y marrón en otoño. El imperio del blanco en las escenas de intimidad. Los detalles en los interiores: fotos de estrellas de cine en las paredes, vasijas con enérgicos arreglos florales, ollas de cobre colgadas en la pared de la cocina, envases de perfume de vidrio,decoración al estilo casa Monet. La atmósfera que acompaña las representaciones de dulzura familiares la perfecta puesta en escena de los ideales burgueses, que no sólo se derrumban sobre sí mismos, sino que también arrasan y desgarran. La ingenuidad —y su eventual hundimiento— será el ocaso de la felicidad para esta familia primorosa." Y acaba su comentario con " El film finaliza con un escena que toma las dimensiones de una auténtica película de terror: en un bosque donde el otoño ya se hace presente en el color de los árboles, los cuatros miembros de la nueva familia caminan tomados de la mano, dando la espalda a la cámara, todos utilizando un suéter similar, de un llamativo amarillo pastel los adultos y de un rojo fuerte los niños. La imagen imita la forma, nuevamente, del idilio de la familia perfecta que se nos presenta al inicio de la película. 

La propuesta de Varda es osada y plena de ironía y de sensualidad frente a una sociedad aburguesada, incluso, la del proletariado. Hay una crítica a la familia tradicional y a la conciencia moral judeocristiana en esta historia de infidelidad, llevada a la idealización del amor y la felicidad del hombre, sin un tono moralista o aleccionador, sino más bien un cuento utópico donde el amor de un hombre por su mujer e hijos, es igual al que siente por la sensualidad de una nueva mujer, la felicidad como oda a la honestidad, a la pureza, a la sencillez. No hay gente malvada sino personajes inocentes aunque no exento de egoismo

Pickpocket

Años llevaba intentando ver esta película sobre un carterista, un pickpocket, se ve atrapado en una vida de crimen y aislamiento, mientras lucha con su propia moralidad y su relación con una joven llamada Jeanne.  

Pickpocket (1959) de Robert Bresson , es el primer verso cinematográfico del cine de verdad que crea un lenguaje autónomo y alejado de la teatralidad. Pretende dar autonomía y lenguaje propio a su cine por medio de sus actores amateur que no actúan, declaman más bien. Los actores usan dicción monocorde y con montaje lleno de insertos especialmente de manos también de miradas y objetos. Pickpocket es una película francesa de 1959 escrita y dirigida por Robert Bresson. Está protagonizada por el franco-uruguayo Martin LaSalle, en lo que fue su debut cinematográfico, en el papel principal, y cuenta con Marika Green, Pierre Leymarie y Jean Pélégri en papeles secundarios. Presenta a un carterista que se siente atraído por el crimen, a pesar de la intercesión de su familia, sus amigos e incluso un policía empático. 

Pickpocket es una adaptación de Crimen y Castigo, y está considerada como una de las mejores películas de Bresson. Junto con Una mujer dulce y Las cuatro noches de un soñador, es una de las tres películas de Bresson fuertemente influenciadas por las obras de Fiódor Dostoyevsky, el autor favorito de Bresson. Combina elementos de Rodion Raskolnikov de Crimen y castigo (que cuestiona si las reglas morales deberían aplicarse a los hombres superiores) con una trama de crimen callejero inspirada en la película Pickup on South Street (1953) de Samuel Fuller. Usa música clásica barroca del compositor Jean-Baptiste Lully. Agnès Delahaie fue la productora de este filme. Dos escenas con estilo Bresson: el robo inicial y el robo de la Garé du Nord. También es muy Bresson el uso de la voz en off, que le permite hablar de la espiritualidad pero nada convencional. Usa la palabra y el sonido como imagen. Junto a Dreyer, Ozú, Hitchcock y Welles fue uno de los renovadores del cine.

Bresson narra en imágenes que fueron filmadas por Léonce-Henri Burel y que posteriormente componen en la edición realizada por Raymond Lamy, mientras que la voz en off es el diario de su narración y de su espiritualidad; gusta de grandes elipsis como en su viaje a Londres o cuando deja la chaqueta de su amigo. Le gusta introducir sonidos añadidos de biblioteca de sonido (torno, caballos,...) aunque no es necesario verlo.  A eso le acompaña la música de Lully.

Es una película de miradas, manos, el dinero y objetos como es una película de carteristas y sobre la redención. El personaje central, Michel, es casi una figura cristica. 

Bresson comienza su película informando sobre lo que va a ocurrir. Le interesa más el camino y las acciones que el momento clímax. 

Michel (Martín LaSalle)  es un joven desempleado que vive en París. Sus amigos Jacques (Pierre Leymarie) y una joven que atiende a su madre (Dolly Scal), Jeanne ( Marika Green), tratan de ayudarlo, pero, aunque Jacques le encuentra varios trabajos, Michel los considera indignos de su suerte. Michel también tiene una relación distante con su madre enferma. A pesar de las súplicas de sus amigos, a menudo inventa excusas para evitarla. 

A Michel lo conocemos robando dinero a un espectador en el hipódromo de Longchamp. Para su sorpresa, la policía lo arresta. Sin embargo, el inspector jefe (Jean Pélègri) se ve obligado a liberarlo por falta de pruebas. 

En un bar, Michel le pide ayuda a Jacques para encontrar un trabajo. Jacques se muestra escéptico, pero acepta ayudarlo. Casualmente, el inspector jefe  también está en el bar. Michel cobra vida y se regodea sutilmente ante el inspector por su fuga. Como el Raskolnikov de Dostoyevsky, afirma que los hombres superiores no deberían estar sujetos a las mismas leyes que los demás. 

Un día, Michel se siente atraído por los elegantes movimientos de un carterista (Henri Kassagi ) del metro. Michel intenta copiar la técnica del carterista. 

Tras algunos éxitos iniciales, Michel le dice con orgullo a Jacques que ya no necesita un trabajo. Sin embargo, lo atrapan al cabo de una semana y se ve obligado a pasar desapercibido durante unos días. Ve a un hombre misterioso acechando fuera de su apartamento. 

Aunque Jacques y Jeanne le piden que visite a su madre, que está muy enferma, Michel persigue al hombre, un carterista que le propone una asociación rentable. La concentración de Michel en el crimen daña su relación con su familia y amigos. Va a un carnaval con Jacques y Jeanne, pero se va para robar el reloj de un hombre. Más tarde, le pregunta con resentimiento a Jacques si está enamorado de Jeanne. Además, se olvida de visitar a su madre hasta que está en su lecho de muerte; ella le dice amablemente que tiene suficiente talento para triunfar en la vida "cuando quieras". 

Después de que ella muere, Michel y Jeanne discuten sobre si irá al cielo. Michel afirma que las reglas morales no existen. Jeanne le pregunta a Michel si cree en algo. Michel responde: "Creí en Dios... durante tres minutos". 

Los dos cómplices de Michel son arrestados. Aunque Michel escapa, el inspector jefe visita su apartamento como advertencia. El inspector explica que, si bien esperaba que Michel se fuera directamente después del incidente en Longchamp, ya no cree que Michel cambie. Agrega que un mes antes de que Michel fuera arrestado en el hipódromo, Jeanne presentó una denuncia policial diciendo que alguien había robado dinero a la madre de Michel. Sin embargo, la denuncia fue retirada al día siguiente. No dice quién retiró la denuncia, pero da a entender que sabe que Michel era el ladrón. 

Después de una conversación con Jeanne, Michel se da cuenta de que su madre retiró la denuncia, lo que significa que su madre sabía que su hijo le había robado. Jeanne está consternada, pero lo abraza entre lágrimas. 

Para evitar a la policía, Michel huye a Londres, donde vuelve a robar. 

Dos años después, regresa a París, después de haber malgastado todas sus ganancias mal habidas en juegos de azar y mujeres. 

De nuevo en París visita a Jeanne y se entera de que, si bien tuvo un hijo con Jacques, decidió ser madre soltera porque no amaba a Jacques. Michel acepta conseguir un trabajo honesto para mantener al niño, pero las tentaciones persisten. 

Un día, Michel se encuentra siguiendo a un entusiasta de las carreras hasta Longchamp. Aunque Michel sospecha que le han tendido una trampa, no puede resistirse a robarle. Resulta que el hombre es un agente de paisano que lleva a cabo una operación encubierta. Esta vez, la policía envía a Michel a la cárcel. 

Jeanne visita obedientemente a Michel en la cárcel todas las semanas, pero cuando se ausenta tres semanas seguidas, Michel se siente apenado por su ausencia. Ella la visita la semana siguiente y Michel la besa. Michel se dice a sí mismo: "Oh, Jeanne, qué camino tan extraño tuve que tomar para llegar a ti por fin". 

Bresson se inspiró supuestamente en la película de Samuel Fuller, Pickup on South Street (1953), que también trata sobre carteristas, aunque Pickup on South Street no se estrenó en los cines franceses hasta 1961, pero fue bien recibida en el Festival de Cine de Venecia de 1954.

Pickpocket comparte muchos elementos de la trama con la película de Fuller, incluida la madre moribunda, la noción del carterista como un extraño y "la interrelación entre el carterismo y la sexualidad". Además, en un momento de la película, Jacques lee y pide prestado a Michel el ejemplar de El príncipe de los carteristas: un estudio sobre George Barrington de Richard S. Lambert. 

Bresson escribió la película "en tres meses y la filmó en medio de una multitud en un tiempo mínimo". El desorden resultante resultó ser un desafío durante el rodaje, pero a veces se utilizó en beneficio del equipo, como en la secuencia del carterista en la Gare de Lyon. El carterista franco-tunecino Henri Kassagi actuó como asesor técnico en la película, además de aparecer como instructor y cómplice del personaje principal. Después de Pickpocket, el rostro y las técnicas de Kassagi eran demasiado conocidos como para que continuara con su antiguo oficio, y cambió de carrera para convertirse en un exitoso mago de teatro.

Pickpocket compitió por el Oso de Oro en el 10º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde perdió frente a El Lazarillo de Tormes. Cahiers du Cinema la nombró cuarta mejor película de 1959. La dirección de Bresson ha sido reconocida por su sensualidad material. Pickpocket ha sido llamada un ejemplo de "narración paramétrica", en la que el estilo "domina el argumento o aparentemente es igual en importancia que él". 

En cuanto a la crítica destacar el análisis realizado por Roger Ebert, columnista habitual del Chicago Sun Times hasta su fallecimiento y responsable de la web rogertebert.com quien escribió que "El Michel de Bresson, como el héroe de Dostoyevsky, Raskolnikov, necesita dinero para hacer realidad sus sueños y no ve ninguna razón por la que una persona común y corriente no brillante no deba verse obligada a proporcionárselo. El razonamiento es inmoral, pero los personajes reclaman privilegios especiales que van más allá de la moralidad común". Ebert sostiene que Michel en realidad no cree que esté por encima de la ley, y que se distingue por su deseo subconsciente de ser atrapado. Ebert comparó el encuentro de Michel con el carterista mentor con el ligue, diciendo que su enfrentamiento en un baño de hombres "no es una coincidencia". Dejó que el lector decida por qué "Michel no quiere ver a su madre, pero le da dinero a Jeanne para ella". 

Por su parte, Gary Indiana agregó que, al igual que en Crimen y castigo, "un hombre comete actos prohibidos, es atrapado y va a prisión, donde su sufrimiento se ve aliviado por el amor constante de una buena mujer". Además, el juego del gato y el ratón del inspector de policía con Michel tiene una subtrama paralela en Crimen y castigo. Sin embargo, Indiana advirtió que Pickpocket es diferente de una adaptación, señalando que Michel ofrece simplemente una "versión acuosa y débilmente afirmada del nietzscheanismo de Raskolnikov" para defender sus crímenes, y que "sus crímenes nunca superan el nivel de la transgresión común y de poca monta. Son ampliados a escala épica solo por su imaginación neurasténica". El mismo Gary Indiana señala que "robar tiene un significado psicosexual específico para [Michel], más allá de satisfacer la simple necesidad de comer... Michel roba porque es el único acto que lo hace sentir vivo en un mundo que se está volviendo muerto". Opina que, si bien Michel termina con Jeanne al final, la supervivencia de su relación no es una conclusión inevitable, y "mucho más románticos que sus tratos con Jeanne son los encuentros de Michel con el ladrón interpretado por el carterista de la vida real Kassagi". 

Ed Gonzalez de Slant concluyó que los temas religiosos y sexuales de Pickpocket están en diálogo entre sí, explicando que "Bresson comprendió tan completamente el espectro completo de nuestra condición humana que ignorar los elementos sexuales y espirituales que se desarrollan simultáneamente en sus películas es no entender a Bresson en absoluto". 

Armond White advierte que un enfoque excesivo en el subtexto gay puede distraer del hilo principal de la película, que es una parábola moral profundamente católica. Según White, "Bresson nunca niega el intercambio sensual, sigiloso y erótico de las rutinas de carterismo de Michel", pero White insiste en que "estos montajes fragmentan la intimidad" en lugar de transmitirla. 

Cosmo Bjorkenheim escribe que la "teoría nietzscheana-raskolnikoviana a medias de Michel sobre una élite de genios suena como algo citado libremente de La soga en lugar de algo profundamente sentido". 

Peter Labuza escribe que "al ver Pickpocket, es fácil atribuirle muchas cosas a la película: las posibles tendencias freudianas y homosexuales, la pesada culpa católica y las críticas de Bresson a la sociedad francesa". 

El Archivo de Cine de Harvard señala que un "erotismo difuso... impregna la película, apuntando hacia la sensualidad más abierta del Bresson posterior". Pickpocket es considerada a menudo una de las mejores películas de Bresson. 

Varios cineastas han votado por Pickpocket en la encuesta Sight and Sound de las mejores películas de todos los tiempos, incluidos y especialmente Paul Schrader, quien en dos de sus películas refleja momentos propios de Pickpocket. La película ejerció tanta influencia formativa sobre el trabajo de Schrader, quien la ha descrito como "una obra maestra absoluta" y "lo más cercano a la perfección que puede haber", y cuyas películas American Gigolo* (1980), Patty Hearst (1988), Light Sleeper** (1992), First Reformed (2017) y The Card Counter*** (2021) presentan finales similares al de Pickpocket. 

Además, el guion de Schrader para Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese tiene muchas similitudes, incluida la narración confesional y una mirada voyerista a la sociedad. 

Schrader se inspiró en el uso que hace Bresson de "una metáfora ocupacional" para destacar "un problema personal que también refleja un malestar social", y señaló que en Taxi Driver, el motivo de un taxi le permitió mostrar a Travis Bickle como "un niño encerrado en un ataúd amarillo, flotando por las alcantarillas abiertas de la ciudad, que parece estar absolutamente solo en medio de una multitud". La admiración de Schrader por Pickpocket lo llevó a proporcionar una introducción filmada para el lanzamiento en DVD de la película de The Criterion Collection en 2005. Como resumió Paul Schrader, "Pickpocket no trata realmente de ser un carterista". 

También influyó en otros directores como Theo Angelopoulos, Bertrand Bonello y László Nemes. En la encuesta Sight and Sound de 2012, Pickpocket ocupó el puesto número 63, pero cayó al puesto número 136 en la encuesta de críticos de 2022 (ocupó el puesto número 93 en la encuesta de directores). Werner Herzog elogió la película llamándola "fenomenal" y "tan intensa y tan hermosa... te hace doler". Yorgos Lanthimos eligió a Pickpocket como "la película más conmovedora que he visto en mi vida". 

Christa Lang y Richard Linklater incluyeron la película en sus diez mejores selecciones de The Criterion Collection. 

Además, el sitio web de transmisión francés La Cinetek enumera a Martin Scorsese, Chantal Akerman, Agnès Varda, Todd Haynes y Agnieszka Holland como fanáticos de la película, entre otros. 

Pickpocket ha sido parafraseada por otras películas, como Les Amants du Pont-Neuf (1991) de Leos Carax. También se ha dicho que la película L'Enfant (2005) de los hermanos Dardenne ha sido influenciada por la película. 

El mismísimo señor del tiempo, Christopher Nolan, dijo que estudió Pickpocket, junto con la película anterior de Bresson, A Man Escaped, cuando hizo su película Dunkirk (2017), para estudiar cómo Bresson creaba suspenso a través de los detalles.

La película es muy características del director por su minimalismo narrativo y estilístico con lo que Bresson emplea su característico estilo sobrio, con actuaciones contenidas y diálogos secos, eliminando cualquier elemento superfluo en la historia. También por la presencia del tema tan de Dostoyevski como la culpa y la posible redención del protagonista. Por supuesto el tema del uso de actores no profesionales debido a que Bresson creía en la idea de “modelos” en lugar de actores tradicionales, buscando interpretaciones más naturales y desprovistas de artificio; y por las secuencias de robos meticulosas especialmente la de carterismo, coreografiadas con precisión, casi como una danza, o el juego de las manos. 

Además la película trata sobre el tema del aislamiento y la alienación que sufre/ siente el protagonista Michel que se aleja de la sociedad, encontrando en el crimen una especie de propósito existencial, pero que retorno en su fe gracias a la redención.. A esto se suma el tema de la moralidad y la ya citada redención en una historia que cuestiona si alguien atrapado en una vida de crimen puede encontrar la salvación, o ese final en el que está presente el destino y el libre albedrío con el que Michel intenta justificar sus acciones aunque parece encaminado a un desenlace inevitable.

De repente, solos

Suddenly o Soudain seuls es una película francesa, aunque realmente se haga como una coproducción belga e islandesa, conjuntamente con Francia es del año 2023 y le dirige Thomas Bidegain. Responde el título en francés, Soudain seuls. 

Lo que en principio comienza como un viaje de pareja, una aparente última oportunidad para salvar la relación de la misma, por el Atlántico Sur, cercano a la Antártida en el área de Patagonia chilena y argentina marina, entre Argentina y Chile. Lo cierto es que Laura y Ben están navegando en su propio velero. Su siguiente puerto habitado habría sido Puerto Eden, pero deciden hacer un largo desvío para visitar una isla desierta cerca del "fin del mundo": en las proximidades de la Antártida. 

Han consultado el tiempo antes de llegar: se prevé que estará bien y adecuado para la navegación. Descubrimos que Ben lleva siempre el timón del barco, mientras que ella está en el interior dormitando o terminando de pulir su tesis doctoral. Por la noche intentan escuchar a los grandes  cetáceos que navegan por esas aguas.

Tras divisar la isla deciden anclar el barco y llegan a la playa con un pequeño bote inflable. Disfrutan de la belleza del lugar. Descubren una vieja factoría ballenera ya abandonada y, tras entrar en su interior, suben una colina escarpada para tener una mejor vista. Entonces notan que una tormenta en la distancia parece venir hacia ellos. 

Regresan a la orilla e intentan botar el bote para regresar a su barco, pero las olas que baten la playa ahora son demasiado altas y no pueden mantener el control; así que deciden buscar refugio y esperar a que pase la tormenta. 

Cuando la tormenta termina, ya no pueden ver su bote. Laura se pregunta si se hundió, pero Ben dice que los barcos no se hunden así como así. Por lo tanto, suponen que debe haberse alejado, en algún lugar cerca de la isla, aunque Ben duda que el ancla no haya podido mantenerlo en su lugar. 

Suben de nuevo a la colina más cercana, pero no la ven. Así que empiezan a preguntarse cuáles son sus opciones. 

Como han visto un cartel que declara que esta isla es una reserva natural, se preguntan si debería haber una estación de investigación en algún lugar de ella. Ben se propone subir más alto para ver si el barco se hace visible, o podría haber una ruta hacia otro lado de la isla, pero tras un intento de culminar la cima decide que las montañas son demasiado empinadas: al menos serían necesarios crampones. 

Como ya habían descubierto las ruinas de una antigua cabaña, que creen que puede haber sido una base para la caza de ballenas, tienen la esperanza de que alguien se persona por allí. Así que lo arreglan lo mejor que pueden, como refugio temporal. Ben piensa que en unos diez días algún barco se aproximara a la costa. 

La convivencia en esas condiciones se hace difícil ya que en realidad su relación antes de salir de Brest en Francia ya estaba tocada. Cuando ella piensa que tenía que haber entregado su tesis , le confiesa que ha estado en este tiempo previo centrada en ella para no tener que estar con él y evitar conversaciones profundas. Es más, ella reconoce que la presentación de su tesis sería  una oportunidad para irse a Ginebra, lo que era de facto una separación definitiva. En la discusión salen a la luz su falta de comunicación, algunas infidelidades y secretos, sus ambiciones profesionales.  

Tras esa conversación la relación entre ambos se tensa, y , únicamente, se normaliza cuando ella descubre que él se siente culpable y que quiere protegerla por encima de todo. 

Inicialmente sobreviven a base de mariscos pasando luego, tras transformar alguno de los hierros que hay en la vieja factoría en armas para cazar pingüinos. La alimentación sirve para amortiguar la tensión en la pareja, llegando incluso a tener relaciones sexuales.  

Pocas semanas Laura se da cuenta de que la regla no le ha bajado por lo que sabe que está embarazada. Cuando se lo dice a Ben, desconoce cómo será su reacción, pero lo cierto es que él decide alegrarse , pero también le abruma la historia de cómo sobrevivirán a un embarazo en esas condiciones.

Una noche pueden ver un barco en la distancia. Laura dice que deberían hacer una fogata para llamar la atención, pero Ben se va con el bote en un intento de alcanzar el barco. Está más lejos de lo que parece, y después de un rato, el combustible para el pequeño motor se agota. 

Durante días Laura está convencida de que Ben a muerto, pero una noche escucha ruidos en el exterior del refugio. Es Ben.

Cuando Ben finalmente regresa, tiene una herida abierta en un tobillo, que dice que se desgarró con unas rocas afiladas. Laura intenta cauterizar la herida. Sin embargo, la condición de Ben empeora en los días siguientes. 

Laura pasa algún tiempo tratando de hacer crampones con chatarra que hay por la zona no diciéndole nada a Ben, que , sin embargo, es consciente de ello. Él sabe que Laura lo va a abandonar para salvarse ella y a su feto, pero cree que él no sobrevivirá solo. Ben le dice que no se despida cuando se marche. 

Después de unos días de preparación, Laura comienza a caminar por las cuestas de un paisaje ahora invernal. Se protege del frío es los abrigos de la montaña. o haciendo pequeños refugios en la nieve. Sobrevive apenas, pero , primero, pierde la mochila, y , segundo, pierde al bebé. 

Con todo ella está convencida de que debe seguir adelante. Desde una de las alturas adivina unas construcciones. Finalmente, encuentra una estación de investigación, aparentemente construida con contenedores de carga. No hay nadie allí, pero está equipada con algo de comida, un equipo de radio de alta frecuencia y un generador en perfecto funcionamiento que activa Laura, una vez se ha lavado y ha comido algo. Prueba la radio brevemente, pero no puede escuchar ninguna señal. 

No conoce los procedimientos típicos de funcionamiento de la radio e intenta simplemente transmitir un mensaje simple: "hola, ¿hay alguien ahí?" . 

Eso sí, puede cocinar algo de comida en la cocina, darse un baño con agua caliente y descansar un poco. Luego encuentra un bote de plástico con un motor pequeño, almacenado en otro contenedor. Lo arrastra hasta la orilla con cierta dificultad y duda sobre lo qué hacer.

Encuentra en la base un mapa de la zona y descubre la posición en el mismo de Ben. Tras pensárselo se pone en camino para buscar a Ben. 

Encuentra a Ben en peores condiciones que antes y necesita arrastrarlo hasta el bote. Después de que regresan a la estación de investigación, necesita arrastrarlo adentro. Pero en este espacio cálido y cómodo, Ben comienza a recuperarse. Llegan a la conclusión de que tienen todo lo que necesitan y no hay prisa por irse hasta que, al menos, alguien vaya a por ellos. De pronto, un día escuchan y ven como un barco se aproxima... 

De repente, solos está basada en la novela francesa homónima de escrita por Isabelle Autissier que es transformada en guion por Thomas Bidegain, Valentine Monteil y Delphine Gleize. La película cuenta como productores con Alain Attal y Sandrine Paquot referentes de las productoras Artémis Productions, Trésor Films y Les Films du Camélia. 

En el apartado técnico destaca la labor del fotógrafo Nicolas Loir con el montador Laurence Briaud y la música de Raphaël Haroche. Únicamente aparecen dos actores Mélanie Thierry como Laura y Gilles Lellouche como Ben. Soudain seuls.

A principios de 2019, Vanessa Kirby y Jake Gyllenhaal fueron elegidos como los protagonistas del proyecto, que iba a ser el debut en inglés de Bidegain. Sin embargo, debido a un conflicto permanente entre Bidegain (el director) y Gyllenhaal mientras se iniciaba el rodaje en Islandia en plenoi Covid, ya que éste quiso reescribir el guion, quiso introducir un mensaje primero de un exsoldado superviviente y luego ecologista, tras escuchar un discurso de Greta Thunberg; y la Kirby quiso introducir un segundo marcadamente feminista exigiendo la muerte del protagonista masculino. Tras la ruptura de relaciones entre Bidegain y el actor norteamericano, Vanessa Kirby quiso comprar el guion para volver a trabajar con Jake... En fin, un desastre. Y mientras que  la película fue descartada y reestructurada como una producción francesa. Tuvo un presupuesto de 22.800.000 $. Fue estrenada en dociembre de 2023, y no fue un éxito de público. 

Como explicó su director Thomas Bidegain " el hecho de que estén en juego la vida, y la muerte y el amor"

El frío polar, la falta de equipamiento, el miedo, la desesperación, la ira y los sentimientos encontrados, todo ello dentro de un escenario hostil y en una situación límite, pondrán a prueba a esta frágil relación. 

En la revista CineEuropa en la que escribe Aurore Engelen la calificó la película como " un cruce visceral entre una historia de supervivencia y una de amor". La misma crítica señala que "Sin caer en los tópicos, Bidegain reproduce con gran habilidad la estructura de la clásica película de supervivencia ambientada en una isla desierta". 

Ya en España, Javier Ocaña en las páginas de El País comenta que "La idea es buena si se hubiera desarrollado con matices de mayor trascendencia. (...) La película es simplemente correcta. Lo es incluso en su puesta en escena, que nunca se sale del carril del convencionalismo" .  

Por mi parte señalar que la película es muy física, intensa, sentida y notablemente dramática. Esta totalmente aleja del heroísmo pues lo importante es este caso la supervivencia. Durante la película, hay mucho drama y la relación entre los protagonistas pasa por varias fases. Su confianza mutua se pone a prueba, se cuestiona y luego se reconstruye. Podía pecar la película de convertirse en una lucha por ir superando los hándicap diarios, sin embargo, la película es mucho más que eso. es un reencuentro y está magníficamente protagonizada por sus dos únicos actores Melanie Thierry  y  Gilles Lellouche, es decir, Laura y Ben.