Comenzó en el trópico

Swing High, Swing Low es una película dramática de comedia romántica estadounidense de 1937 dirigida por Mitchell Leisen , un productor, diseñador de vestuario que también, como en este caso fue director de cine, y protagonizada por Carole Lombard y Fred MacMurray. 

Fue la segunda de tres adaptaciones cinematográficas de la popular obra de Broadway de 1927 que se presentó con el título de Burlesque de George Manker Watters y Arthur Hopkins , después de The Dance of Life (1929) de John Cromwell con Hal Skelly y Nancy Carroll y antes de When My Baby Smiles at Me (1948) de Walter Lang (1948). 

Mitchell Lesen fue - como hemos ya señalado- diseñador de vestuario, decorador y diseñador de producción para películas de Cecil B. DeMille, y a comienzos de los años 1920 asimismo trabajó para Raoul Walsh - esta semana lo vimos a uno y a otro en El ladrón de Bagdad- , Allan Dwan o Ernst Lubitsch. Todo le proporcionó una gran experiencia —el dibujante de figurines pasó a dibujar escenas concretas—, asistente de dirección de Cecil B. De Mille en El signo de la cruz, así que todo esto hizo de trampolín para saltar a la dirección. 

Pero el inicio de Leisen como director no llegaría hasta el 1933 —en la Paramount Pictures—, con Canción de cuna, un drama protagonizado por Dorothea Wieck y Evelyn Venable; de todos modos, siguió trabajando como decorador y diseñador de vestuario. A partir de ese momento, el nombre de Leisen se empezó a relacionar con las grandes melodramas, las comedias románticas. 

En 1934 hizo la adaptación de la obra de Alberto Casella, La muerte de vacaciones con Fredric March y Evelyn Venable y al año siguiente rodó el brillante Compás de espera un año después. Luego, su film de humor desatado Una chica afortunada (1937), protagonizada por Jean Arthur y con guion de Preston Sturges fue otro gran éxito del director. Por aquí pasó por su filme, Arise, my love. 

Ese mismo año volvió al melodrama con Comenzó en el trópico, en este caso la película está dirigida por Mitchell Leisen siguiendo el guion escrito por Virginia Van Upp y Oscar Hammerstein inspirándose en la obra Burlesca de 1927 de Arthur Hopkins y George Manker Watters 

La película fue producido por Arthur Hornblow, hijo para la Paramount . La fotografía fue obra de Ted Tetzlaff , el montaje de Eda Warren y la música compuesta por Victor Boutelje . 

En otras campos intervienen  grandes técnicos tanto en la dirección musical, - la película tiene mucho de musical- como en otros aspectos como Al Siegel en la supervisión vocal,  Farciot Edouart en los efectos fotográficos especiales , Earl Haman y Don Johnson en la grabación de sonido , Travis Banton en el diseño de vestuario , AE Freudeman en la decoración de interiores y  Ernst Fegté comop director de arte.

 

La película está protagonizada Carole Lombard como Maggie King , Fred MacMurray como Skid Johnson , Charles Butterworth como Harry, Jean Dixon como Ella , Dorothy Lamour como Anita Álvarez , Harvey Stephens como Harvey Howell , Cecil Cunningham como Murphy,   Charles Arnt como Georgie , Franklin Pangborn como Henri , un jovencísimo Anthony Quinn como el joven de la cantina panameña,   Charles Judels como Tony.

La película comienza en mitad del canal de Panamá. Allí se encuentra en un barco trabajando como peluquera a bordo de un transatlántico que viaja a través de la Zona del Canal de Panamá , Maggie King (Carole Lombard) que ignora los comentarios de un joven y atrevido soldado, "Skid" Johnson (Fred MacMurray) , en su último día en el ejército. 

Sin embargo, él es persistente, y al día siguiente ella y su amiga Ella  (Jean Dixon ) salen de pasea para conocer el Panamá antigua y mientras negocian un taxi para la visita se persona Skid Johnson que con un sombrero irreconocible le ofrece una visita guiada, un free-tour por 1 dólar. Cuando descubre Maggie que es Skid no tiene ya remedio y este gestiona ante ella de mala gana, una cita doble con él y su amigo pianista Harry (Harvey Stephens ) en Balboa . 

En un club nocturno, ella expresa su disgusto por la música de trompeta, tras lo cual él la impresiona con su asombrosa destreza con el instrumento. Mientras está tocando Maggie se pone a hablar con un chico que le habla  (Anthony Quinn) , que intenta ligar con ella en el bar, él y Skid terminan peleando, lo que lleva a Skid y Maggie a la cárcel. 

Como resultado, Maggie pierde su barco de regreso a Estados Unidos. Sin dinero después de ayudar a pagar la multa, se ve obligada a mudarse con Skid y Harry, buscándose la vida trabajando en lo que ella sabe hacer, cantar, como peluquera al inicio de la película es un desastre.

Ella convence a un escéptica Señora Murphy (la veterana Cecil Cunningham), la dueña del "Murphy's Café y Bar", para que contrate al poco ambicioso Skid y a ella como trompetista y corista, respectivamente, en el "Murphy's Café y Bar" diciéndole a Murphy que están casados. Allí la pareja tiene un éxito tremendo.

Allí ella choca con su compañera corista Anita Álvarez (Dorothy Lamour ), la ex novia de Skid, pero Anita pronto se marcha en busca de un trabajo mejor. 

Maggie , que hace un amago de marchar a los Estados Unidos, y Skid finalmente se enamoran y se casan. 

Tras esto, Maggie incita a Skid a ir a la ciudad de Nueva York a tocar en un club nocturno importante, El Greco dejándola atrás. Poco después descubre que Anita trabaja allí. Ambos tienen un gran éxito.

La fama y la fortuna se le suben a ambos la cabeza. Con la fama llega la diversión y el alcohol y sus excesos y estragos. Como nunca tiene dinero Skid se lo juega en los casinos y en las máquinas siempre o casi siempre sin suerte, así que nunca tiene dinero para pagar a Maggie el billete para que se reúna con él en Nueva York. Además él no responde a sus cartas. 

Finalmente, Maggie le pide prestado el dinero a Murphy para comprar un billete a los Estados Unidos. Anita intercepta su telegrama a Skid, diciéndole dónde encontrar su barco. Después de esperar en el muelle durante mucho tiempo, así que marcha al hotel en el que se hospeda e intenta contactar con él, pero no hay ocasión , ya que , como todas las noches, tras la actuación la antigua pareja de Panamá salen y , sobre todo él, bebe. 

Maggie adivina por una corazonada, que Skip puede estar con Anita y llama a su habitación del hotel y , efectivamente, es Skid el que responde borracho. Tras eso Maggie le anuncia su intención de divorciarse de él. Tras hablar con su antiguo novio, un  rico ranchero californiano Harvey Howell para rehacer su vida. Mary planea navegar a Francia para divorciarse y casarse con Harvey. 

Skid está tan devastado y se sienta tan culpable que multiplica su bebida exponencialmente y a perderse presentaciones, lo que le cuesta su trabajo y su carrera. 

Finalmente, intenta volver a alistarse, pero no pasa el examen físico. Luego, a la salida del centro de reclutamiento se encuentra con Harry, que ha estado buscándolo. Harry ha reunido una banda para una presentación de radio en vivo para trabajar en la orquesta para un patrocinador importante y (para ayudar a su viejo amigo) y quiere que Skid toque con ellos.

Georgie,  el antiguo agente de Skid, intenta que Maggie, que acaba de regresar de Francia, ponga a Skid en forma. Ella se apresura y hace lo mejor que puede. 

Durante la transmisión, Skid está terrible al principio con la trompeta, pero después una vez que Maggie le dice que se quedará con él "hasta que la muerte nos separe", recupera su antigua brillantez, acabando abrazados hasta el final.

Comentar que la película tiene sus virtudes. Me ha parecido muy interesante el inicio mostrando y combinando escenas documentales del Canal de Panamá, conjuntamente con la inclusión del modelo de esclusa en la primera conversación que tienen Maggie y Skip este como soldado, mientras la cámara su coloca en distintas posiciones para mostrar como sube y baja el barco.  

La película ser presentó en marzo de 1937 y Frank Nugent , crítico de The New York Times , escribió sobre ella que " Swing High, Swing Low , como la mayoría de las norias, no va a ninguna parte, al menos a ninguna parte donde tú no hayas estado. Sus protagonistas realmente merecen un mejor trato".

Se trata de una película melodramática, con toques musicales y la creación de una pareja romántica que naufraga en su relación más bien tormentosa. A destacar la siempre elegante y en este caso poco mostrada comediante, aquí frenada por la historia de ruptura y el alcoholismo del protagonista, y el papel de galán y músico de Frad MacMurray, tan distinto al duro hombre de negocios de Perdición vista y revisada hace unos días. 

El descubrimiento ha sido encontrar a un jovencísimo galán latino como Anthony Quinn, los equivocos que en la versión original tienen los protagonistas con el español, o la presencia de la bella cantante, exótica que muchas veces interpretó papeles de latina y "femme fatale" , cómica eterna, integrante permanente de los "Road to..." ,  junto, entre otros, Bob Hope o Bing Crosby y actriz de mítico nombre como Dorothy Lamour, No es Penélope, pero ¡qué nombre más sugerente!

Un día en las carreras

Película de la Metro Goldwin Mayer  que tenía pendiente desde que tenía conocimiento de los Hermanos Marx, y eso que hace ya años, cuando la televisión española apostaba por un mínimo de calidad cinematográfica y no se dedicaban a hacer política - la Primera de TVE es absolutamente imposible en sus programas, presuntamente informativos, o ridículos aquellos en los que responden a trabajos de encargos con productoras, y la 2, el único que se salvaba también está comenzando a politizarse. Lo mejor que tenía, como comprobé anoche en la madrugada, y que era lo único que merecía la pena de los especiales de fin de años, como era Cachitos, se dedica a mezcla presunto humor con política- se disfrutaban de grandes ciclos de directores, actores, actrices, o en géneros, y cuando de géneros se trataba y estaba presente la comedia, los que programaban humor tenían presentes a los Hermanos Marx. Desde entonces reconozco que soy Marxista, pero de Groucho, Chico y Harpo, básicamente. 

Un día en las Carreras era la séptima película de los Hermanos Marx, la segunda para la MGM, tras su glorioso paso por la Paramount—etapa en la que protagonizaron su inmortal ‘Sopa de ganso’ (‘Duck Soup’, Leo MaCarey, 1933)—, coincidiendo también con la marcha de Zeppo como destaca Alberto Abuín en lo que fue Blog de Cine. 

Es del año mil novecientos treinta y siete y perteneciente a los hermanos Marx dirigida por Sam Wood, que actúa como productor, con la compañía de Max Siegel,  y que en inglés se llamó A day at the races.

Basada en el guion de Robert Pirosh, George Seaton y George Oppenheimer, basada en la idea de los dos primeros. Aunque Alberto Abuín escribe que fueron unos ocho los que ,d e una u otra manera, intervinieron en la película. De entre ellos los más referenciales fueron " George Seaton —director que obtuvo un impresionante éxito con ‘De ilusión también se vive’ (‘Miracle on 34th Street’, 1947)— o Robert Pirosh —firmante de uno de los relatos antibélicos más sentidos de toda la historia, ‘Fuego en la nieve’ (‘Battleground’, William A. Wellman, 1949)—, y supone un no va más a lo ofrecido en el anterior films protagonizado por estos singulares hermanos". 

Franz Waxman es el director musical  aunque contando con las composiciones de Brinislaw Kaper y Walter Jurmann, con canciones escritas por Gus Kahn y los arreglos de Roger Edens. Contó con la fotografía de Joseph Huttenberg y el montaje Frank E. Hull.

El caos más absoluto se adueña de un hospital, Sanatorio Standish, propiedad de Judy Standish, una joven emprendedora (Maureen O" Sullivan)  que sufre una grave crisis financiera. El banquero J.D. Morgan, propietario de una pista de carreras, un hotel y un club nocturno cercanos, tiene la hipoteca sobre el sanatorio y está intentando ejecutar su hipoteca para convertir el edificio en un casino. 

Todo ello provoca indebidamente la llegada del Doctor Hugo Hackenbush  ( Groucho Marx), un veterinario que se hace pasar por doctor para ayudar a mantener en el hospital a una hipocondriaca ricachona siendo el único que puede detener la salida de la paciente más rica y de la que el sanatorio depende de su dinero. Ella es millonaria y sólo con su aportación podría mantener abierta la clínica o ceder el negocio al magnate avaricioso. 

La compra de un caballo de carreras por parte del novio de Judy, el cantante de vodeviles Gil ( Allan Jones) que se gasta los últimos 1.500 dólares de la pareja, no solucionada nada.  Es cuando cuando llega este doctor y con la ayuda de Stuffy (Harpo) , un genial Hockey, y de Tony (Chico), el hombre para todo del sanatorio,  someten al encantamiento de Mrs. Emily Upjohn (la eterna Margaret Dumont). 

Cuando Tony le miente a la señora Upjohn y le dice que han contratado a Hackenbush para administrar el sanatorio, ella se alegra e informa a Judy de que considerará ayudarla económicamente. Tony contacta a Hackenbush en Florida por telegrama y cuando llega el Doctor, inmediatamente insulta al gerente comercial del Sanatorio, el Sr. Whitmore. Whitmore, que es un títere de Morgan, sospecha de los antecedentes médicos de Hackenbush. 

Como ya hemos señalado, el novio de Judy, el cantante Gil Stewart, que actúa en el club nocturno de Morgan, acaba de gastar los ahorros de toda su vida en un caballo de carreras llamado Hi-Hat. Espera que el caballo, que le compró a Morgan, gane una carrera y que el dinero le permita a Judy salvar el Sanatorio. Hi-Hat le tiene tanto miedo a Morgan que se asusta cada vez que escucha su voz. 

Gil ahora no tiene dinero para pagar la alimentación de Hi-Hat, y él, Tony y Stuffy, el jockey de Hi-Hat , es decir, Chistera, tienen que recurrir a engaños para defenderse del Sheriff que ha venido a cobrar dinero para la factura de alimentación. Tony recauda algo de dinero estafando a Hackenbush en la escena "Tutsi Fruitsy Ice Cream", dándole  información gratis sobre un caballo, pero todo en código, por lo que tiene que comprar libro tras libro para descifrarlo.

Whitmore intenta ponerse en contacto con la Junta Médica de Florida para obtener información sobre el Dr. Hackenbush. Hackenbush intercepta la llamada y, haciéndose pasar por el hombre a cargo de los registros médicos, fingiendo un huracán con un ventilador eléctrico, pretendiendo olvidar de qué se trataba la llamada y llamando repetidamente a Whitmore al dictágrafo, enfurece a Whitmore hasta que se da por vencido. 

Esa noche, en la gala Water Carnival, Gil actúa junto con Vivien Fay y su ballet, y Tony y Stuffy tocan el piano y el arpa respectivamente. 

Whitmore intenta que despidan a Hackenbush haciendo que la señora Upjohn lo atrape en su suite con Flo (Esther Muir), una rubia tentadora. Stuffy escucha la trama e informa a Tony, por lo que los dos intentan frustrar la cita de Hackenbush con la  rubia despampanante haciéndose pasar por detectives de la casa y luego como empapeladores. 

Cuando llegan Whitmore y la Sra. Upjohn, Flo no está por ningún lado, ya que ha sido metida apresuradamente debajo de los cojines del sofá. 

Al día siguiente, justo cuando Hackenbush ha convencido a la señora Upjohn de firmar un acuerdo para ayudar a Judy, Whitmore trae al eminente Dr. Leopold X. Steinberg de Viena, de quien espera que revele a Hackenbush como un fraude. 

Después de que la señora Upjohn acepta que Steinberg la examine, Hackenbush quiere huir por miedo a quedar expuesto; Gil, Tony y Stuffy le recuerdan que Judy todavía necesita su ayuda y lo convencen para que se quede. 

Después de arruinar el examen de la Sra. Upjohn, Hackenbush, Tony, Stuffy y Gil se esconden en el establo de Hi-Hat, donde Judy pronto se une a ellos. Está molesta por la luz negativa de la situación; Gil intenta levantarle el ánimo. 

Cerca del establo, Stuffy comienza a simpatizar con una comunidad de negros pobres que creen que él es el Arcángel Gabriel. A medida que avanza el número, llegan Morgan, Whitmore y el Sheriff y Hackenbush, Tony y Stuffy intentan disfrazarse pintándose la cara con grasa y cara negra. El intento falla, todos salen corriendo y Whitmore finalmente expone a Hackenbush como veterinario con una carta que recibió de la Junta Médica de Florida. Pero Chistera o Hi-Hat escucha la voz de Morgan y sale disparado, saltando fácilmente varios obstáculos en el camino. Judy le sugiere a Gil que Hi-Hat es un saltador y Gil lo inscribe en la próxima carrera de obstáculos. 

Morgan, que fue testigo de la destreza de salto de Hi-Hat la noche anterior, intenta evitar que participe en la carrera, pero falla. Sabiendo que Hi-Hat le tiene miedo a Morgan, todos trabajan para que Hi-Hat se dé cuenta de su presencia antes de llegar a la valla. 

En la última vuelta, el caballo de Hi-Hat y Morgan caen en un obstáculo, la ría, y salen embarrados y  cuando llegan a la meta, parece que el caballo de Morgan ha ganado. 

Stuffy se da cuenta de que los caballos cubiertos de barro fueron intercambiados después del accidente, y el jinete de Morgan estaba montando Hi-Hat al final, lo que convirtió a Hi-Hat en el ganador. 

Los negros, que han apostado todos en Hi-Hat, llegan y comienzan a caminar con Gil, Judy, Hackenbush, Tony y Stuffy por la pista de carreras, todos cantando el número final.

Humor anárquico y disparado con los malvados de turno encabezados por el gestor Witmore (Leonard Ceeley),  Morgan (Douglas Dumbrille), el Doctor Steinherg (Sig Rumann) y sobre todo el malvado sheriff ( Robert Middlenass) o la despampanante Esther Muir , aquí "Flo". 

De la producción señalar que la película pasó por numerosos bocetos, tratamientos, borradores, revisiones y un total de dieciocho guiones diferentes antes de llegar a su versión final. Una parte importante del guion final fue escrita por Al Boasberg, quien también contribuyó a Una noche en la ópera, pero debido a un desacuerdo con MGM, decidió no recibir ningún crédito por su trabajo. Como lo habían hecho con Una noche en la ópera, los hermanos perfeccionaron el material cómico durante una gira de vodevil de preproducción. A esto se le suma su idea de ir improvisando para la desesperación de los guionistas. 

El personaje de Groucho originalmente se llamaba "Quackenbush", fue cambiado a "Hackenbush" debido a las amenazas de demandas por parte de varios médicos reales llamados Quackenbush. En Mi vida con Groucho: la visión de un hijo, Arthur Marx relata que en sus últimos años , Groucho se refería cada vez más a sí mismo con el nombre de Hackenbush.

Durante la producción, Irving Thalberg, que había llevado a los hermanos Marx a la MGM en 1934, murió repentinamente en septiembre de 1936 de neumonía a la edad de 37 años. La muerte de Thalberg antes del estreno de este filme, dejó a los Marx sin un defensor en la MGM, y el estudio nunca dio el mismo nivel. de cariño y atención al equipo que habían recibido bajo la dirección de Thalberg. Como resultado, las tres últimas películas de MGM de los hermanos Marx generalmente se consideran muy inferiores a las dos primeras producidas por Thalberg. 

El lanzamiento original de Un día en las carreras presentaba la secuencia del carnaval acuático en sepia marrón claro y la escena del ballet con un tinte azul. 

El parque Santa Anita en Arcadia, California, se utilizó como lugar de rodaje de algunas de las escenas del hipódromo. en uno de los filmes imprescindibles de la comedia cinematográfica norteamericana.

Importante, como en todas las películas de los Hermanos Marx, son los números musicales que aquí son "Tomorrow Is Another Day", "Cosi Cosa", "All God's Chillun Got Rhythm", "Nobody Knows the Trouble I've Seen", "A Message from the Man in the Moon" y en los que en algunos de ellos, interviene la cantante Ivie Anderson. Junto a ella, el cantante Allan Jones vuelve a hacer acto de presencia con su espectacular y lírica voz, añadiendo la nota romántica a la historia al lado de una bella Maureen O´ Sullivan, por aquel entonces en el cénit de su carrera. 

En la 10 Edición de los Oscar (1938) para las películas estrenadas en 1937 fue nominada a la Mejor dirección de baile (coreografía) y en concreto por la secuencia de la canción "All God's Chillun Got Rhythm". Es de destacar que en ella aparecen Whitey's Lindy Hoopers, considerados los más brillantes bailarines de música jazz de la historia. Bailaban cada noche en el Savoy Ballroom, uno de los locales más célebres de Harlem durante los años 30 y 40. Era el único local donde, no sólo se permitía la entrada tanto a blancos como a negros, sino que era visto como normal el baile entre gente con distinto color de piel.  

La crítica de la época fue muy favorable. John T. McManus en The New York Times dijo de ella que "ualquier película de los hermanos Marx es una mejora con respecto a casi cualquier otra payasada sostenida en pantalla". 

Variety publicó sobre la misma que la "Película infaliblemente divertida y a la paridad habitual de los locos Marx". 

Harrison's Reports escribió: "¡Muy bien! Los hermanos Marx están en su mejor momento y son más divertidos aquí".

John Mosher de The El New Yorker también se mostró positivo y publicó que "Groucho, Harpo y Chico están a todo trapo otra vez" y que la película "alcanza un punto álgido incluso más allá de los registros anteriores". con chistes únicos, situaciones que provocan risas, acción rápida... El final hace que el público se vaya sonriendo y feliz". 

Escribiendo para la revista Night and Day de Londres, Graham Greene le dio a la película una crítica positiva, resumiéndola como "fácilmente la mejor película que se puede ver en Londres", pero criticó algunos elementos de la interpretación de la película. Greene observó que la película le provocó "una nostalgia por los viejos decorados desvencijados y baratos" en lugar de los decorados realistas, y aunque elogió la actuación de Harpo por "brillar más", se quejó de que el fuerte realismo en la actuación de O'Sullivan. Estableció una fuerte yuxtaposición contra las "tonterías" de las payasadas de los hermanos Marx.

Ya en España, para Alberto Abuín en Blog de Cine la película " supone prácticamente una repetición der la fórmula de la previa ‘Una noche en la ópera’ (‘A Night at the Opera’, Sam Wood, 1935, aprovechando prácticamente el mismo equipo técnico y artístico, tirando del mismo director, Sam Wood, que en los años 30 y parte de los 40 fue uno de los reyes del drama, tal y como lo demuestran joyas como ‘Adiós Mr. Chips’ (‘Good Bye, Mr. Chips, 1939) o ‘El orgullo de los yanquees’ (‘The Pride of the Yanquees’, 1942)", tras la etapa inglesa del director norteamericano. Y añade que en esta película se llega al " culmen de lo absurdo llega en instantes tan fabulosamente orquestados como el del reconocimiento de la Sra. Upjohn —eterna Margaret Dumont—, o el delirante diálogo entre Groucho y Chico con los libros de apuestas, mientras vende helados de "tutti frutti",  heredado sin duda del no menos mítico de los contratos en ‘Una noche en la ópera’. A ello sumamos los omnipresentes números musicales en los que Chico y Harpo demuestran sus impresionante habilidades para el piano y el harpa". 

Capitanes intrepidos

Pocas películas consiguen revivir una y otra vez las mismas sensaciones que cuando la viste por primera vez. Pero digo mientras me seco las lágrimas de mis ojos tal y como ocurrió la primera vez que pude ver capitanes intrépidos la película de Víctor Fleming y Michael Anderson que siempre tendré en mi corazón como una de las grandes historias y aventuras del cine.

Se trata de una producción de la MGM que contó con Louis D. Lighton del año 1937 que las que llega al corazón sí o sí y que tiene como protagonistas a Freddy Bartholomew como Harvey Cheyne, Spencer Tracy como Manuel Fidello, Lionel Barrymore como Capitán Disko Troop, Melvyn Douglas como Frank Burton Cheyne, Mickey Rooney como Dan Troop, John Carradine como Long Jack, Sam McDaniel como Doc, entre otros.

En el apartado técnico destaca el papel de la música compuesta por Franz Waxman, la fotografía de Harold Rosson y el montaje de Elmo Veron. 

La película nos cuenta la historia de Harvey Chayne  (Freddy Bartholomew) un niño rico y malcriado acostumbrado a tener todo lo que desea. Huérfano de madre, es Criado en un internado con el dinero de su padre, pero sin su cariño. Su manera de ser no gusta en el colegio y terminan ordenando su expulsión. Y que tras ser expulsado de su centro de estudios precisamente por manifestar esos malos valores . Es entonces cuando el padre se da cuenta de sus carencias y, para enmendar su continuada ausencia. Mientras acompaña a su padre a Europa se cae por la borda mientras realiza el viaje con su padre, siendo rescatado por un barco pesquero que faena en los Grand Banks de Terranova ( Newfoundlanden) el que trabaja Manuel Fidello su salvador. 

Este lo lleva a la goleta de pesca We're Here, capitaneada por el viejo lobo de mar Disko Troop. Se ve entonces obligado a pasar los tres siguientes meses a bordo de la We're Here, un barco de Gloucester, Massachusetts, hasta que el pesquero regrese a puerto. Inicialmente el niño quiere convencer al Capitán con promesas de dinero del padre, pero no logra persuadir al capitán para que lo lleve de regreso a Nueva York ni puede convencerlo de su riqueza; pero el Capitán Troop le ofrece a Harvey incorporarse a la tripulación hasta que regrese al puerto. 

Harvey se muestra reacio a realizar un trabajo real, pero finalmente acepta. Se hace amigo del hijo del Capitán Troop, Dan (Mickey Rooney), y se acostumbra al exigente estilo de vida de la pesca. De entre todos los marineros establece un hilo de amistad con su salvador, Manuel. Entre ellos se establece una relación que primero es difícil, por el carácter del niño, pero después, gracias a las lecciones de vida de Manuel, se transforma en una relación de amor y respeto. Manuel ve en Harvey al niño que nunca ha tenido y el pequeño encuentra en el pescador la figura paterna que no tuvo presente durante años. 

En el barco vivirá todo tipo de experiencias y aventuras, y aprenderá a luchar por la superación, aprenderá a esforzarse y a ser valiente frente a las amargas experiencias que le esperan.

En la fase final de la película, una vez llenado el barco de bacalao llega el momento culminante: la carrera de regreso al puerto de Gloucester, Massachusetts, contra una goleta rival, la Jennie Cushman, 

En un momento de tormenta, Manuel sube a la cima del mástil para enrollar la vela. Sin embargo, el mástil se agrieta y él queda enganchado al correaje y sumergido en el mar helado, enredado en las jarcias que lo cortarán por la mitad. Manuel le habla al Doc en portugués y el cocinero le dice al Capitán: Ya no tiene la mitad inferior y no quiere que el niño lo vea. Le dice al capitán que lo libere del barco, sabiendo que esto lo matará. Harvey se arrastra sobre los escombros, llorando y angustiado, mientras el capitán asesta golpe tras golpe con el hacha hasta que el aparejo finalmente se parte. Manuel besa la cruz que lleva al cuello y se hunde bajo el agua. 

La goleta regresa a puerto y Harvey se reencuentra con su padre, quien queda impresionado por la madurez de su hijo. Harvey llora por Manuel, aleja a su padre y quiere quedarse en We're Here, pero Disko tranquiliza a Cheyne diciéndole que hay espacio en el corazón de Harvey para ambos hombres y que una vez allí "encontrará a Manuel una compañía muy satisfactoria". 

En la iglesia, Harvey enciende dos velas, una de la dedicada por Manuel a su padre, y otra de él a Manuel. Su padre escucha a Harvey rezar para volver a estar con Manuel algún día y sigue al niño hasta el bote de Manuel, que flota cerca del barco. Harvey está inconsolable y le ruega a Cheyne que lo deje en paz. 

Al día siguiente, frente al Fisherman's Memorial, él y su padre se unen a la comunidad de Gloucester para arrojar ramos y coronas de flores sobre la marea en homenaje a los hombres y niños perdidos en el mar durante esta temporada de pesca. 

La última toma muestra el auto de Cheyne, acelerando por la carretera con el bote de Manuel en un remolque detrás. A través de la ventana lateral, vemos que Harvey se ríe y gesticula, obsequiando a su padre con historias de sus aventuras. Se disuelve en un primer plano de un Manuel sonriente y luego la imagen de la estatua en el Memorial del Pescador.

La película es una adaptación cinematográfica de la novela homónima - Captains Courageous- , del escritor y poeta británico Rudyard Kipling, premium Nobel de literatura en 1907.

La historia del niño rico que acaba encontrando en un humilde pescador al padre y siempre quiso tener ya fue llevada a la gran pantalla y convertida en todo un clásico en el año 1937 de la mano del cine hasta Víctor Fleming quien años después consolidaría su éxito con las oscarizadas Lo que el viento se llevó y El mago de Oz.

En esta ocasión sin embargo, fue Michael Anderson que tuvo una nominación al Óscar por la dirección de La vuelta al mundo en ochenta días y fue quien cogió las riendas de la dirección ofreciendo una película homenaje los hombres del mar y supo crear una obra perfecta en todos sus aspectos para que esta rebosara emotividad y ternura. 

La película fue rodada en exteriores, y se actualizó la historia enmarcándola a mediados de la década de 1920. Se rodó en Port aux Basques, Terranova y Shelburne, Nueva Escocia en Canadá, y Gloucester, Massachusetts en los Estados Unidos.

El filme fue galardonado con el Premio Oscar 1938 al mejor actor principal (Spencer Tracy), y fue candidata a los premios al mejor montaje, a la mejor película y al mejor guion. Obtuvo también el Premio Photoplay- Medalla de Honor 1937 (Louis D. Lighton: productor).

La ejemplar narración consigue retratar magníficamente a los sinceros personajes protagonizados destacando un Spencer Tracy insuperable y guía vital y espiritual del chico Freddy Bartholomew que le dice: "I want to be with you, Manuel" -Yo quiero estar contigo, Manuel- en esta película de aventuras, pero es mucho más ya que habla del valor de la amistad y el trabajo por encima de la posición social y el dinero.

De ella se ha escrito mucho y muy bien. De entre ellos destaca lo publicado por Frank S. Nugent en el The New York Times cuando dice que "otro de esos grandes trabajos cinematográficos que esperamos del estudio más pródigo de Hollywood. Con su rica producción, magnífica fotografía marina, admirable dirección y actuaciones, la película trae a la vida cada página de la novela de Kipling e incluso añade un par de capítulos de su cosecha." 

En Variety se informa que "Al relato de Kipling (...) se le ha dado una espléndida producción, interpretación, fotografía y composición dramática." 

Jesse Hassenger en AV Club nos comenta "La destreza en la elaboración y una actuación merecedora de un Oscar ponen viento en las velas de 'Captains Courageous' (...) Gran parte de su encanto reside en lo no fantásticas que son sus circunstancias." 

En Harrison´s report se publicó que la película era "¡Excelente! Es el tipo de entretenimiento que el público no olvidará pronto, ya que su belleza espiritual deja una profunda impresión en uno". 

Para John Mosher de The New Yorker la película la calificó como "una película ... rica como imágenes magníficas como un boceto de la tormenta y la lucha en el océano" 

En la revista australiana Urbancinefile, Andrew L. Urban describe la película como "El logro de la película es trasladar de la página a la pantalla la manera en la que la relación se desarrolla, manteniendo la sensación de aventura a la par que el desarrollo de personajes." 

En el Reino Unido Geoff Andrew en las páginas de Time Out afirma que "Difícilmente es buen arte, pero sirve como pasatiempo." Para Philip French en The Guardian la película "Trajo una gran sensibilidad al mundo de los niños" 

Ya en España, Joaquín de Luna en El País sostiene que "Spencer Tracy enseña de manera entusiasta que la vida hay que agarrarla por los cuatro costados. Imperecedera." 

Y en Fotogramas nos dice que se trata de "Un clásico del cine de aventuras (...) Es uno de estos films que consiguen cautivar sin causa aparente, con el simple atractivo de la obra bien hecha y de la más simple emotividad." 

Para Fausto Fernández en X - antes Twitter- sentencia y siempre atina escribiendo ""Ay mi pescadito..." Si has empezado ya a llorar acordándote de Manuel es que sabes que Capitanes Intrépidos es una obra maestra sin ninguna pretensión de serlo. La gran aventura de hacerse hombre, de aceptar a la vida y a la muerte. " Como sigo llorando casi 11 horas después dejo ya la entrada.  

Pépé le Moko

Mientras el Ville d´Oran sale del puerto, dejando atrás la Kasbah de Argel. No sólo queda la Kasbah de la capital de Argelia, sino queda el cuerpo sin vida de un jefe de una banda local buscado por la policía y que tenía su refugio en la zona alta de la ciudad. Ante de morir ha estado llorando viendo a su amante partir en barco, antes de morir ha gritado su nombre ante su silueta, pues la ha visto sobre el barco un segundo. Ella no lo ha oído ya que ha sonado la sirena del barco al partir del puerto.  Antes de morir ha sacado un cuchillo, a pesar de las grilletes que aprisionaban sus manos, Antes de morir y de poner fin a su vida le han cruzado las lágrimas su rostro. Así termina la historia de un hombre duro, pero sobre todo, la historia de una de las películas más míticas del cine francés. Así es  “Pépé le Moko”. 

Un título mítico y que estaba deseando ver por todo: nombre sugerente, título que está en todas las enciclopedias como de los más relevantes, por saber que era eso de "Le Moko". Ahora sé que Moko es el nombre propio que se utiliza para designar a los sureños en general, pero a los naturales de Toulon , les toulonnais, en particular. La palabra fue inventada por los marineros bretones que, enfrentados a los de Provenza, reprochaban con frecuencia a estos últimos intercalar sus frases con: em'acò (y con eso), pronunciado aproximadamente “'m'oco” en Toulon .  

Influenciada por el cine de gángsters americano, y dirigida por Julien Duvivier , nos encontramos con un film con voz y personalidad propia: basada en la novela homónima (aunque se presentó bajo el nombre de Detective Ahelbé) de Henri La Barthe, que participó como guionista junto al director, siendo adaptada por Jacques Constant, con los diálogo de Henri Jeanson, siendo producida por Paris Film y estando como productores Robert y Raymond Hakim, con un rodaje en exteriores, imágenes semidocumentales que nos muestra la fauna humana que habitaba la kasbah, pero con todo la obra sigue los planteamientos típicos del cine que , por aquellos, - estamos en 1937-, se hacía el Jardín, en Hollywood. El personaje de Gabin es arquetípico del cine realista poético francés. 

La película contó con el montaje de Marguerite Beaugé, la fotografía de Jules Kruger y Marc Fossard, el sonido de Antoine Archimbaud y la música de Vincent Scotto y Mohamed Iguerbouchène, aunque en la misma suena la canción: Où est ? con letra de André Decaye/Lucien Carol y música de Vincent Scotto , interpretada por la cantante Fréhel, que interpreta el papel de una cantante olvidada por el público -que es ella en el momento de la película-. Se trata de una canción nostálgica que evoca París. El propio Jean Gabin interpreta en esta película una canción de amor de sus inicios en el music hall a lo Maurice Chevalier .

La historia nos lleva a Argel lugar variopinto y en el que policía intenta acorralar a uno de los capos parisinos , Pépé le Moko, famoso ladrón que lleva casi dos años escondido y que se ha refugiado con su banda en la Casbah de Argel . A pesar de que la policía es consciente de su presencia, no han podido capturarlo debido al apoyo de la comunidad y al complejo diseño. Allí, junto a los integrantes de su banda como Pierrot (Gilbert Gil), el joven amigo de Pépé o Carlos (Gabriel Gabrio), Max (Roger Legris) o Jimmy (Gaston Modot) o algunos locales como Régis ( Fernand Charpin),   es intocable. 

Cerca de la Tetería Ali Baba vive junto a Inès (Line Noro), la amante de Pépé, pero no puede salir sin ser arrestado. Más aún cuando entre su círculo también hay soplones como Arbi (Marcel Dalio). 

Su vida cambia cuando se enamora de Gaby Gould, una bella parisina( Mireille Balin) , una joven demi-mondaine, con todo lo que significa eso en el francés del siglo XIX, mantenida por un rico, que pasa allí como turista, representando todo lo que la Casbah no es: parisina y sofisticada. Esta relación entra en conflicto con la celosa Inès, amante de Pépé. 

Por su parte, el Inspector Slimane (Lucas Gridoux), que conoce a Pépé le promete arrestarlo si alguna vez intenta irse, sigue todo esto muy de cerca, pero ahora cuenta con el desarrollo de este triángulo amoroso para sacar al jefe de su escondite. Sólo así podrá ponerlo bajo arresto. 

Mientras tanto, Régis, un residente de Casbah, colabora con la policía y propone un plan para utilizar al amigo de Pépé, Pierrot, como cebo para sacarlo de la Casbah.

La tensión entre Pépé y Régis estalla cuando Pierrot desaparece y Pépé se enfrenta a Régis, justo cuando Gaby y Pépé se reencuentran en la Casbah y pasan una noche juntos. 

Sin embargo, cuando Pierrot muere, Régis es asesinado y Gaby se va sin despedirse. Pépé sufre una crisis nerviosa, pero Inés lo mantiene en la Casbah mintiendo sobre el paradero de Gaby. Pépé luego encuentra a Gaby en la Casbah y tienen un encuentro apasionado. Acuerdan volver a verse al día siguiente. 

Sin embargo, Slimane interviene y le dice al prometido de Gaby que es peligroso para ella visitar la Casbah, con la esperanza de que Pepe venga a buscarla si no se presenta a su cita. A pesar de esta advertencia, Gaby opta por ignorar a su amante y mantenedor y vuelve a encontrarse con Pepe. 

Tras esto, Slimane le dice a Gaby que Pepe está muerto y aunque Pépé le escribe una carta a Gaby, se la entrega a Carlos y le pide que se la lleve a su hotel. Pero Carlos no cumple y traiciona a su jefe.

Cuando a Pépé se le informa más tarde que Gaby se va de Argel después de que Slimane le dijera que estaba muerto, deja la Casbah para encontrarla. 

Esto es aprovechado por Inés que le cuenta a Slimane el plan de Pepe, lo que lleva a su arresto en el interior del barco cuando éste va a partir del puerto. Pepe ve que el barco se lleva a Gaby y se suicida con un cuchillo. 

Aunque hay muchos elementos documentales en la película lo cierto es que la mayor parte de la película fue rodada en una reconstrucción de la Casbah, con un gran trabajo de decoración a cargo de Jacques Krauss, en los estudios de Joinville-le-Pont, cerca de París, siendo difícil utilizar el pesado equipo que requería el cine de la época en las estrechas calles de la Casbah, donde sólo se realizarán algunas tomas exteriores. También se rodó en Sète y Marsella y en los estudios Pathé-Cinéma. De hecho Mireille Balin no llegó a pisar Argel en esta ocasión: además, aparece duplicada en los planos generales de la escena final del transatlántico. 

Durante el rodaje de Pépé le Moko, Jean Gabin y Mireille Balin se conocieron y se enamoraron. Su relación sentimental, bastante discreta, y su relación profesional tendrán la misma duración: hasta el final de Gueule d'amour , el mismo año. 

Pépé Le Moko tuvo su inmediata influencia en el cine. Pépé le Moko fue luego adaptado dos veces en los Estados Unidos: al año siguiente de su estreno, en 1938, bajo el título Argel (Algiers, aunque en francés Casbah) por John Cromwell con Charles Boyer como protagonista y Hedy Lamarr, y luego en 1948, bajo el título Casbah por John Berry. Pero años antes, durante la guerra su influencia llegó hasta la mismísima Casablanca. También será parodiada . En 1949, el famoso actor cómico italiano Totò asumió el papel de Jean Gabin en una película de parodia : Totò le Moko , de Carlo Ludovico Bragaglia . 

La película disfrutó de varios estrenos en cines en Francia en agosto de 1940, en enero de 1953 y en mayo de 1958. Con todo debido a la Segunda Guerra Mundial y la naturaleza oscura de la película, las autoridades francesas se preocuparon cada vez más por la "influencia desmoralizadora" y finalmente decidieron prohibir a los ciudadanos ver la película. 

De todas formas la acogida de Pépé le Moko fue triunfal en Francia y en el extranjero, incluso en Estados Unidos, a pesar del moralismo del Código Hays y de la censura, que retrasará su estreno en varias ciudades, como Nueva York, hasta 1941. La razón pudo ser que el estreno estadounidense de la película se había retrasado durante aproximadamente cuatro años por Walter Wagner, director de Argel, debido a su compra de los derechos de la película en los Estados Unidos. Pero la película fue bien recibida según lo informado por el New York Times. El escritor James Travers afirmó que la película de 1937 podría considerarse "la más evocadora de las primeras películas de cine negro vistas en Estados Unidos". 

La película ganó al menos dos premios internacionales: el Premio japonés Kinema Junpo a la Mejor película en lengua extranjera en 1940 y el Premio estadounidense de la Junta Nacional de Revisión a la mejor película en lengua extranjera en 1941. 

Según el periodista , guionista , historiador , crítico de cine y escritor francés, Jacques Siclier , fallecido en 2013 y que había escrito a fondo sobre Jean Gabin, pero que fue referenciado por Claude Beylie en su obra Películas clave del cine (1987) “ Pépé le Moko es la instalación oficial, en el cine francés de antes de la guerra, del romanticismo de los seres al margen, de la mitología del fracaso. Es poesía populista al límite: chicos malos, prostitutas, alcohol, suciedad y flor azul” . 

En una entrevista concedida en 1999 sobre su cineteca imaginaria , el cineasta Jean-Pierre Mocky cita a Pépé le Moko : “En el cine francés, Pépé le Moko de Julien Duvivier es para mí una película emblemática. Pertenece a películas interpretadas por actores que hoy ya no existen, es decir papeles secundarios que podrían ser protagonistas".

El inglés Graham Greene en una reseña de la película para The Spectator afirmó que es: «Una de las películas más emocionantes y conmovedoras que recuerdo haber visto» que logra «elevar el thriller a un nivel poético». Según un documental de la BBC, le sirvió de inspiración para el guion de El tercer hombre. Personalmente, me ha encantado descubrir un mito que podría insertarse dentro del naturalismo poético francés o realismo negro, como lo define Román Gubern en su Historia del Cine, publicada por Anagrama. 

El realismo negro de anteguerra es naturalista por su significativa elección de los personajes arrancado de las capas más bajas del "escombro social" puesto que son desheredados de la fortuna, chulos, mujerzuelas, echadoras de cartas, maleantes o suicidas. Es también naturalista por la topografía que componen sus sórdidos ambientes como muelles, tabernas, hoteles mugrientos callejuelas incómodas con paredes desconchadas. Guber además señala que es poético por su estilización romántica de todos estos elementos realistas y negro por el implacable fatalismo que domina estos dramas en los que la felicidad aparece como un espejismo inalcanzable que rezuman una visión sombría y pesimista del hombre tendiendo un puente entre el gusto populista de los años treinta y el desesperado nihilismo existencialista que cristalizará en la posguerra. 

Añade Gubern que Duvivier que ya contó con Jean Gabin en La bandera (1935) en este caso lleva la historia a la Casbah, aquí "lo impulsó como un puntal en este tipo de películas presentado como un antihéroe de perfil trágico, un mauvais garçon, mascullando su argot con acento canalla y confinado el gris suburbio de las ciudades en este caso de las callejuelas transformada en una jungla ideal para los bajos fondos". 

Make Way for Tomorrow

 

Dejad paso al mañana

*EC: En construcción

Cursi, pero inolvidable

El menor de los míos ha ido creciendo rodeado de Phineas y Ferb, los Digimon, los Pokemon y compañía. Básicamente desconoce a Donald, Mickey, Goofy y al resto de la cuadrilla. Ante eso me he propuesto que tenga un ligero barniz – no puede tampoco vivir al margen de su tiempo – de cine de animación clásico. He empezado con la que puede ser considerada como un clásico entre los clásicos. De hecho fue la primera película en VHS que pedí para mi hijo. El tiempo pasa, y ya no se puede luchar contra Boing, Disney Channel o Clan, pero persistiré en mi intento. 

En este 2011 hemos tenido en pantalla una Blancanieves. No hace tanto una turbadora Sigorney Weaver representaba a la madrastra de una Blancanieves casi terrorífica. Pero hoy nos referimos y toca la película de animación de Disney. 

En el año 1937, Walt Disney Pictures estrenó la primera película de animación. El personaje era Snow White and the Seven Dwarfs basada en el cuento de los hermanos Grimm sobre Schneewittchen. Como en el cuento original, una malvada Reina, celosa de la belleza de su hijastra, ordena su asesinato, pero la joven huye y encuentra refugio en el bosque junto a siete enanos. 

Esta versión fue dirigida por David Hand y el guión lo realizaron conjuntamente Ted Sears, Otto Englander, Earl Hund, Dorothy Ann Blank, Richard Creedon, Dick Richard, Webb Smith inspirándose en la obra de los Grimm. La música estuvo a cargo de Leigh Harline, Paul Smith, Frank Churchill y se nominó su banda sonora original. Parece ser que la película es un remake del film “Blancanieves” (Dawley 1916). 

El rodaje se hizo con aportación de una ingente cantidad de trabajo personal y técnico, que supuso un gran esfuerzo de producción. Como hemos dicho fue nominado a un Oscar (banda sonora) y gana uno honorífico por sus logros técnicos y artísticos. Producido por Walt Disney para Walt Disney Pictures, se presentó en sesión de preestreno el 21de diciembre de 1937 en  la ciudad de Los Ángeles.

Disney se auto-hipotecó para sacar adelante lo que se denominó "la locura de Disney". Y tanto que fue locura, nadie daba un duro por un largometraje a color y con sonido sincronizado en los años 30, nadie menos Disney que no descansó hasta conseguir sacar adelante el proyecto. La obra fue un éxito y hoy está considerada como una de las más taquilleras de la historia y la cinta de video más vendida. La animación del film es colosal siendo aún a día de hoy difícil de superar, los personajes como los siete enanitos han marcado época, por no hablar de sus pegadizas canciones. 

El film suma elementos de comedia, animación, cuento de hadas, fantasía, musical, romance, terror, infantil y familiar. Su creación fue posible gracias al concurso de 750 artistas, 3 años de trabajo, un presupuesto de 1,488 M. USD y la producción de casi 2 millones (presupuesto de 2,8 millones de dólares ) de bocetos y dibujos. 

El trabajo lució un notable y loable perfeccionismo, que se vio superado en algunas obras posteriores, como “Fantasía” (Sharpsteen 1940). Los planos del film están llenos de vida (seres humanos, criaturas del bosque, árboles y fondos). El humor se basa, sobre todo, en las bufonadas de los enanitos y su gracia ingenua y disparatada. Componen situaciones llenas de ternura, cautivadoras, entretenidas y graciosas. Se eliminan los lances más duros, crudos y atroces de la obra literaria como la bailarina castigada a bailar con zapatos de hierro candente, tomándose como una elipsis en la película. Los pasajes de terror componen situaciones inquietantes que giran en torno de la reina, posiblemente el personaje malvado mejor construido y más conocido de la filmografía de Disney. De hecho fija el arquetipo de mujer malvada en el que se han mirado los personajes femeninos más viles del cine. 

A partir de un argumento sencillo y sin complicaciones, construye un relato divertido, tierno y entrañable, que fija algunos de los parámetros de Disney. Entre ellos, su estética cursi, remilgada y almibarada, hecha a la medida de los gustos del público mayoritario de los años 30. Son escenas memorables la conversación a la reina con el siniestro espejo mágico (en la tradición oral, el sol o la luna, ya que el espejo como mueble es del XVI), el regreso a casa de los enanitos (en la tradición oral, duendes o guardianes del bosque), la transformación de la reina en bruja disfrazada de labradora anciana, el primer encuentro de los enanitos con Blancanieves, etc. 

De acuerdo con el cuento original, la narración incluye elementos de otros cuentos (“La bella durmiente”, “La Cenicienta”...), convenciones muy arraigadas (los espejos dicen siempre la verdad, las palomas anuncian la paz...) y partes de narraciones de gran difusión, como la del Paraíso terrenal (la reina se equipara a la serpiente diabólica, la manzana envenenada evoca la que Eva toma del árbol de bien y del mal, el mundo es concebido como un Edén, la bíblica maldad femenina...). Refleja los prejuicios sociales del momento (reparto de labores entre Blancanieves y los enanitos), prácticas crueles medievales o anteriores (extracción del corazón de un oponente para comérselo). 

La banda sonora de Frank Churchill, Leigh Harline y Paul J. Smith, ofrece una partitura jocosa y descriptiva, a las que acompañan 11 canciones originales, que fueron dobladas en la edición de 2009, como “El pozo de los sueños”, “Silba mientras trabajas”, “Cavar, cavar”, “Ay Ho”, “Mi príncipe vendrá”, “Primer beso de amor”, etc. La fotografía, de Maxwell Morgan, en color (technicolor de tres colores), ofrece un gran dinamismo, un ritmo intenso, abundante humor visual, pasajes de tensión y terror, un acertado diseño de los personajes no humanos y una magnífica caracterización de la maldad de la reina. Blancanieves es un prodigio de la técnica y un auténtico hito en la historia del cine. En ella Disney aplicó su descubrimiento: la cámara multi-plano, que proporcionaba a los fondos mayor dimensión y realismo. La denominada rotoscopia (rodar primero con actores de carne y hueso para luego dibujar sus movimientos) aún sigue impresionando (fíjense en la cojera de la bruja o en los delicados ademanes de la protagonista). Incluida en la lista de las 100 mejores películas de la historia realizada por el American Film Institute en junio de 1998. 

El antecedente literario de esta obra lo tenemos en el siglo XVI, en el libro de Giambattista Basile llamado Pentamerone o Lo cunti de li cunti aparece la historia de Lisa, una niña que con siete años se clava un peine mágico y queda inconsciente. Toda su familia la da por muerta y la ponen en un ataúd de cristal. Con el paso de los años, todos ven como la joven inconsciente crece hasta ser una bellísima adolescente. Una prima lejana, celosa de la belleza de Lisa, decide acabar con ella. Rompe el ataúd y agarra a Lisa del pelo, pero sin querer le arranca el peine, y la joven retorna a la vida. A esta versión aún le faltan elementos como el príncipe, los enanos y el espejo, pero tiene otros que serán importantes e inspirarán la versión que hoy se conoce: La pariente celosa, el peine envenenado, la joven que parece muerta pero duerme... 

Sin embargo, hubo una historia real de Blancanieves. Gracias a la investigación del historiador de Lohr, Dr. Karlheinz Bartels, sobre el cuento de Blancanieves y los Siete Enanitos, la pintoresca localidad, a orillas del río Meno, en la Franconia alemana, puede sentirse orgullosa de haber visto nacer, en 1729, a Maria Sophia Margaretha Catharina von Erthal, personaje real que inspiró el literario de Blancanieves. 

Muchas evidencias y puntos de conexión con las características de Lohr y sus alrededores prueban, desde 1986, esta peculiaridad del famoso cuento de los hermanos Grimm; lo que hace que destaque frente a la mayoría de los relatos infantiles. El padre de la niña que, por diversas circunstancias, devino en la ficción Blancanieves, fue Philipp Christoph von Erthal, entre 1719 y 1748, Condestable del territorio de Kurmainz, en Lohr. Por sus dotes diplomáticas, viajaba frecuentemente como enviado en misiones especiales, una especie de ministro de Asuntos Exteriores del Ducado. Por eso, tuvo la oportunidad de relacionarse con Emperadores, Reyes y Reinas de toda Europa. De ahí que, en el imaginario de los habitantes de Lohr, los “von Erthals” tuvieran todas las características de una familia real. La residencia familiar era el castillo de Lohr. Tras la muerte, en 1741, de la madre de Maria Sophia, el padre se casó el 15 de mayo de 1743, con Claudia Elisabeth Maria von Venningen, nacida Condesa Imperial de Reichenstein. La madrastra de Blancanieves, de carácter autoritario, aprovechó las frecuentes ausencias de su marido para favorecer a los hijos de su primer matrimonio. El hecho de que Philipp Christoph von Erthal no estuviera casi nunca en Lohr explicaría el evidente papel pasivo del Rey en el cuento, según han concluido las investigaciones. La principal prueba de que Blancanieves sería natural de Lohr es el “Espejo Mágico que hablaba”. El impresionante y rico espejo de 1,60 metros de altura aún se puede admirar en el museo del Spessart, en el castillo de Lohr que perteneció a los padres de Blancanieves. El espejo procede de la Manufactura de Cristal de Lohr, fundada en 1698, que adquirió fama y prestigio en toda Europa, no sólo por su delicada y refinada artesanía, sino porque las materias primas que utilizaba para la fabricación del vidrio procedían - además de la propia región- también de España. En efecto, el carbonato sódico, conocido como ceniza de soda o sosa, era importado de Alicante, a orillas del Mediterráneo español. El espejo fue un regalo del padre de Blancanieves a su segunda esposa y hablaba como muchos de los espejos fabricados en Lohr, sobre todo por las leyendas que figuraban en sus marcos, especialmente, a través de sus aforismos. La clara referencia a su egoísmo – en el medallón de la derecha se lee “Amour Propre”- debió de herir mucho la vanidad de la madrastra. También se han comprobado las referencias locales en el área de Lohr. El “bosque virgen” en el cual fue expuesta Blancanieves, era naturalmente el Spessart. 

En la actualidad, Lohr, incluso, recibe el nombre de “la Puerta del Spessart”. El camino de huida de Blancanieves “sobre las siete montañas” era el Höhenweg, mencionado ya en el siglo XIV – la llamada “Wieser Straße”. Desde Lohr, a través de este trayecto, por las siete montañas del Spessart, se podía alcanzar el pequeño reino “de los siete enanitos”. Asimismo “los siete enanitos que picaban y cavaban en busca de mineral”, eran mineros de talla pequeña o niños que trabajaban en las minas de Bieber. Alrededor de 1750 picaban allí unos 500 mineros en busca de plata y cobre. Respecto a “la manzana envenada”, la investigación de Bartels ha descubierto, citando bibliografía competente en la cual se describe el veneno, que la mitad de la manzana fue sumergida por la malvada madrastra en zumo de belladona, fruto que se encuentra también en el Spessart. Sus bayas contienen la Atropa Belladona utilizada hoy, incluso, en medicina. Su narcótico produjo en Blancanieves una rigidez tal como si hubiera fallecido. El “sarcófago transparente de cristal” y las “zapatillas de hierro”, con las cuales, en castigo, “la madrastra debía bailar hasta caer muerta en la tierra”, se producían habitualmente en la Manufactura de vidrio, el primero, y por herreros, gracias a los minerales de hierro maleables del Spessart. Debido a las cualidades de Maria Sophia, la población de Lohr la había convertido en una especie de hada. El cronista de la familia Erthal, M.B. Kittel, describía a Maria Sophia como una joven noble y llena de virtudes, “un ángel caritativo y bondadoso”, “activo contra la pobreza y la indigencia” que demostraba “su amabilidad personal”. Para el “imaginario colectivo” de la población de Lohr y el Spessart, la niña de los Erthal representaba la imagen ideal de la hija de un Rey. Estos hechos que, a lo largo de la historia no ocurren con frecuencia, debieron llegar a oídos de los hermanos Grimm que vivían cerca, en Steinau. Así, pocos años después de la muerte de Maria Sophia siguió la redacción y, al final de 1812, la primera publicación del cuento de Blancanieves y los siete enanitos. Lo dicho estamos ante una obra cursi, pero inolvidable.