En realidad, nunca estuviste aquí

 

Tensa película que coloca en el olimpo al que poco a poco se va convirtiendo en el actor más polifacético del momento como es el enorme Joaquin Phoenix. Cada una de sus actuaciones me asombra más. Su entrada en cualquier película es un golpe en el mentón. Te deja ko, pues no esperas lo que te vas a encontrar. Este es lo que me ha vuelto a pasar con You Were Never Really Here una película que se sostiene en una tensa historia de violencia, en unos turbios recuerdos y en esa imagen inesperada y desesperada de un hombre perdido. 

La película es producto de la dirección de Lynne Ramsay, una directora de cine y guionista escocesa, nacida en 1969 y formada en el Edinburgh Napier University y en la Escuela Nacional de Cine y Televisión, reconocida por algunas de sus películas como Ratcatcher, Morvern Callar, la gigante y brutal, We Need to Talk About Kevin y esta You Were Never Really Here. 

He leído que sus películas están marcadas por una fascinación que siente por los niños y los jóvenes y por los temas recurrentes de la pena, la culpa, la muerte y sus secuelas. En ella- hasta el momento había visto únicamente la terrorífica e impactante We Need to Talk About Kevin con una inolvidable Tilda Swinton - el diálogo tienen poco peso pues a ella lo que le interesa no es otra cosa que la exposición explícita de la historia. Una historia en la que va intercalando los tiempos y los detalles hasta que al final descubrimos el drama. En las dos películas los protagonistas tienen mucho que perder y siempre pierden. 

La película está producido por Rosa Attab, Pascal Caucheteux, James Wilson, Lynne Ramsay y Rebecca O'Brien en una co-producción entre Reino Unido-Estados Unidos-Francia en la que están implicadas Why Not Productions, Film4 Productions y el Instituto Británico de Cine. 

Me ha sorprendido ver que la distribuidora era Amazon Prime Video. La película parte del guion de Lynne Ramsay que adapta una novela homónima de Jonathan Ames escrita en 2013 . 

La película cuenta con la buena música de Jonny Greenwood, la fotografía de Thomas Townend y el montaje de Joe Bini. El reparto lo encabeza Joaquin Phoenix como Joe, Dante Pereira-Olson como el joven Joe, Ekaterina Samsonov como Nina Votto, Alex Manette como el senador Albert Votto, John Doman como John McCleary, Judith Roberts como la madre de Joe, Alessandro Nivola como el gobernador Williams, Frank Pando como Angel y Vinicius Damasceno como Moises.

La película se abre en Cincinnati, Ohio, una vez que actúa Joe (Joaquin Phoenix ) , un pistolero a sueldo que no empatiza con nadie y que vive traumatizado tanto por su infancia por la presencia de un padre brutal y por su pasado resiente en el ejército tras patrullar por un país musulman (¿Iraq o Afganistán)?. 

Se trata de un ex marine y antiguo veterano de guerra. Joe (Joaquin Phoenix), es un tipo solitario. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida salvando a jóvenes Cuando llega a casa cuida de su anciana madre en la casa familiar de la ciudad de Nueva York. 

A Joe le asaltan de forma recurrentes los recuerdos del abuso que él y su madre sufrieron por parte de su violento padre, y su brutal pasado. Está preocupado por pensamientos suicidas . En su actividad profesional es un implacable asesino que emplea los métodos brutales que ha ido aprendiendo a lo largo de su vida. 

La brutalidad vivida y sufrida igualmente se ve en su cuerpo ahora hinchado y descuidado pero lleno de cicatrices que le han hecho mucha mella. 

Después del primero de sus trabajos por encargo que conocemos llega a casa. Es de noche. Su madre (Judith Roberts) está traspuesta en el sillón. Joe le pide que se marche a la cama. A la mañana siguiente, mientyras que la madre se ducha con dificultad, Joe , mientras recuerda escenas de su infancia y de su paso por el ejército, éste juega con un cuchillo. Únicamente la necesidad que tiene de entrar en el cuarto de baño ocupado por su madre , le impide hacer una locura. 

Tras secar el agua que ha dejado su madre por el baño, Joe va a la tienda de Ángel (Frank Pando ) que es el hombre que sirve de enlace y pago de algunos de sus encargos . Ángel tiene un hijo de nombre Moisés (Vinicius Damasceno ). 

Joe le dice a Ángel que tenga cuidado con su hijo, pues lo ha visto. Moises le pago. Ahora sabemos que Moisés es la persona que actúa como intermediario entre Joe y su contratador oficial John McCleary (John Doman). Éste le hace un nuevo encargo a Joe. 

Antes de nada este avisa y le dice a McCleary que Angel conoce su dirección y puede representar un riesgo para la seguridad. McCleary le pide que no se preocupe y le asigna a Joe un nuevo trabajo: un senador del estado de Nueva York , Albert Votto, le ha ofrecido una gran suma de dinero para rescatar discretamente a su hija secuestrada, Nina (Ekaterina Samsonov ). 

Eso sí. el senador le dice a Joe que tiene hacer sufrir a sus captores como él ahora está sufriendo. Le da a Joe una dirección que resulta ser un burdel para clientes ricos enviada a través de un mensaje de texto anónimo. 

El nuevo encargo así como el contacto con Ángel nos lleva nuevamente a la infancia y a la situación de terror que un joven Joe ( Dante Pereira-Olson) vivió en casa de sus padres. Joe vigila el burdel. Decidido a actuar mata a varios guardias de seguridad y a algunos clientes, y, finalmente, rescata a Nina. 

Mientras se desplazan a un hotel como refugio, Nina intenta abrazar a Joe, pero éste no se deja. Finalmente Joe y Nina esperan la llegada de Votto a una habitación de hotel, las noticias informan de que Votto ha muerto, se ha suicidado. 

Casi en ese momento llaman a la puertas dos agentes de policía que acceden a la habitación con la ayuda del recepcionista. Pero de inmediato uno de los agentes dispara sobre la cabeza del recepcionista, cuya sangre salpica en la cara a Joe matando al empleado e iniciando una lucha con Joe, mientras que el otro se lleva a Nina. 

A pesar de que uno los oficiales intenta matar a Joe, Joe lo mata y luego escapa. Joe, tras eso va en busca de rastros. Descubre que agentes del gobierno han matado a McCleary, Angel y Moises, en busca de la dirección de Joe. 

Al regresar a su propia casa, entra por la ventana superior. Joe descubre que dos agentes que acaban de asesinar a su madre y lo están esperando. Mata a un agente y hiere mortalmente al otro. 

Moribundo el herido , Joe se tira al suelo junto a él y éste le revela que el gobernador Williams está detrás de todo. Es el el que está ordenando a las autoridades que encubran el tráfico de chicas y, además, Nina es la chica favorita de Williams. 

Joe, una vez ha muerto el agente, decide arreglarse debidamente. Se pone un traje y mete el cuerpo de su madre en el maletero. Con ella dentro del coche se la lleva fuera de la ciudad y , tras muchas millas, encuentra un lago. 

En el lago, vestido, da a su madre un entierro. Antes de meterse en el agua se llena los bolsillos de piedras y se deja hundir en el agua con la intención de suicidarse, pero mientras se hunde, tiene una visión de Nina. Tras reaccionar se saca las piedras de los bolsillos y nada de regreso a la superficie. 

Joe sigue a Williams. Está de campaña electoral. Sigilosamente lo ve a la salida de su sede y ve como entra en un coche. Lo sigue hasta llegar a su casa de campo. Tras dejar el coche a cierta distancia salta a los jardines. Desde ellos entre en la vivienda. Allí se va deshaciendo de los criados y guardias de seguridad. El llega a las habitaciones nobles, y en la principal descubre a el cuerpo de Williams con la garganta cortada. 

Tras analizar la situación registra la casa. Esta vacía y así lo piensa hasta que descubre a Nina sentada en una mesa del comedor, comiendo un plato de verduras y mirando al vacío. Junto a ella hay una navaja de afeitar ensangrentada . Aunque Joe está molesto al ver que Nina había matado a Williams, Nina le asegura que está bien. 

Más tarde, Joe y Nina salen de la casa y en su coche se desplaza. hasta llegara un restaurante. Mientras está sentado en un restaurante, en la que Nina se ha tomado diversos batidos, Joe tiene una violenta fantasía suicida y se desmaya. Nina lo despierta y le dice: "Es un día hermoso". Él está de acuerdo y se van juntos acabando así la película. 

La historia sobre la misma se remonta al 11 de mayo de 2016, cuando se informó que Lynne Ramsay escribiría y dirigiría una adaptación de la novela de Jonathan Ames , You Were Never Really Here , protagonizada por Joaquin Phoenix . Aunque inicialmente se informó que A24 había adquirido el proyecto, Amazon Studios compró los derechos estadounidenses de You Were Never Really Here el 13 de mayo de 2016. 

El rodaje tuvo lugar durante agosto de 2016 en la ciudad de Nueva York y sus alrededores como en el Orange Top Diner en Tuxedo Park, en el Estado de New York. También se rodó en Astoria, en el barrio de Queens. Allí se rodaron algunas escenas de interior en los Estudios Kaufman Astoria . 

Según la directora Lynne Ramsay, la escena en la que el personaje de Joaquin Phoenix se tira en el suelo junto al agente y comienza a cantar fue improvisada por Phoenix. Hay diferencias entre la película y la novela escrita por Jonathan Ames. Por ejemplo en la misma el personaje de Joe, usa muchos accesorios como guantes de látex y dispositivos, pero en la película Lynne Ramsay declaró que fue Joaquin Phoenix quien sugirió deshacerse de la mayoría de los accesorios para mantener al personaje más auténtico. 

En la novela, el senador Votto no muere hasta el final y Joe no termina rescatando a Nina, más bien se enfrenta a Votto en su mansión donde se revela que Votto la vendió intencionalmente como esclava para que la mafia impulsara su carrera política. Luego hizo que mataran a su esposa para evitar que la verdad saliera a la luz y luego la ocultó para que pareciera un suicidio. Su misión ahora se convirtió en una venganza personal, Joe mata a Votto y luego se dirige a Filadelfia donde Nina ha sido trasladada, terminando así la novela en un suspenso. 

Según la revista Rolling Stone, Joaquin Phoenix ha declarado que Lynne Ramsay le dio un archivo de audio de fuegos artificiales mezclados con disparos para sugerir lo que está pasando por la cabeza de Joe. 

El 2 de mayo de 2017, se confirmó que el compositor Jonny Greenwood estaría a cargo de la música de la película. La película era la segunda vez que el guitarrista de Radiohead y el compositor ganador de un Grammy y nominado al Premio de la Academia, Jonny Greenwood, componía para una película de Lynne Ramsay (la anterior fue Tenemos que hablar de Kevin (2011). 

Todavía no estaba acabado su montaje cuando se presentó en el Festival de Cine de Cannes el 27 de mayo de 2017. Recibió una ovación de pie durante siete minutos en ese estreno y los críticos lo consideraron un fuerte candidato al prestigioso premio Palme d'Or. Lo cierto es que Lynne Ramsay ganó el premio al mejor guión y Joaquin Phoenix ganó el premio al mejor actor. 

La película fue lanzada por StudioCanal en el Reino Unido, el 9 de marzo de 2018, y por Amazon Studios en los EE. UU., Donde comenzó un lanzamiento limitado en Los Ángeles y Nueva York el 6 de abril de 2018, y un lanzamiento amplio el 20 de abril. Tras su estreno consiguió en taquilla $ 10,9 millones . 

No sólo fue un éxito en taquilla sino que recibió elogios de la crítica. En cuanto a Premios consiguió ser nominada a los Premios BAFTA al Mejor film británico. 

En los prestigiosos British Independent Film Awards consiguió ganar el premio a la Mejor música para Jonny Greenwood y mejor sonido. Pero obtuvo hasta ocho nominaciones entre las que estaban Mejor película británica independiente ( Lynne Ramsay , Pascal Caucheteux, Rosa Attab, James Wilson y Rebecca O'Brien), Mejor director (Lynne Ramsay) Mejor actor (Joaquin Phoenix), Mejor guion (Lynne Ramsay), Mejor Fotografía (Thomas Townend) Mejor edición (Joe Bini).

En la National Board of Review (NBR) estuvo incluida en las Mejores películas independientes del año. En los Premios Independent Spirit sellevói el de Mejor montaje, el de Joe Bini, de un total de 4 nominaciones entre las que destacaba mejor producción ( Rosa Attab, Pascal Caucheteux, Rebecca O'Brien , Lynne Ramsay y James Wilson), Mejor dirección ( Lynne Ramsay), Mejor protagonista masculino (Joaquin Phoenix). 

La Asociación de Críticos de Chicago la nominó en 4 apartados incluyendo mejor director. La Asociación de Críticos de Boston le concedió el premio al Mejor director de sus dos nominaciones.

En el Festival de Cine Noir se llevó el Premio especial del jurado (Lynne Ramsay) y una nominación al León negro.

En cuanto a la crítica Sheila O'Malley de RogerEbert.com diciendo que la película "es una película de 90 minutos tensa y casi insoportablemente intensa, sin una onza de grasa. Ramsay no te da un segundo para respirar." 

Guy Lodge for Variety dijo que Ramsay puede ser el "mejor cineasta en activo" del mundo y calificó la película como "asombrosa ... un thriller de sicarios duro, vigoroso y desgarrado, mucho más preocupado por el hombre que por el pegar." 

Para Leslie Felperin de la prestigiosa The Hollywood Reporter consideró que "Este trabajo embriagador y con estilo se desparrama, un caos interesante a veces tan cautivador que te dan escalofríos en los pies. Desgraciadamente, a veces también es vulgar y estúpido." 

En Variety Guy Lodge dijo de la directora que era "Su película más rigurosa formalmente (...) Incluso los elementos menos importantes están perfectamente escogidos; un estudio del daño exquisito y ansioso, 'You Were Never Really Here' conoce con precisión el valor de sus cicatrices." 

Eric Kohn de IndieWire consideró que "Es un ejemplo cautivador de su habilidad para exponer con pequeños gestos e intercambios susurrados y así construir un tejido de emociones apasionantes y melancólicas (...) Inacabada (...) fragmentada e imprecisa" 

Emily Yoshida de Vulture habla de ella valorando que "Tiene pegada, pero carece de la poética habitual de Lynne Ramsay (...) Cinematográficamente, es innegablemente apasionante (...) Pero está al servicio de una historia que se ha contado cientos de veces antes" 

Jessica Kiang de The Playlist escribió que "Queda claro que Ramsay ha hecho algo extraordinario, una película que es a la vez cruel y compasiva, compuesta por rápidas y punzantes observaciones sobre cómo el terror de la infancia puede ser retorcido por la obsesión adulta." 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian aseveraba que "Es intrépida y enfermiza, recordando a 'Taxi Driver' y su notorio antihéroe (...) La película deja un estremecimiento de inquietud tras ella (…) " 

Tim Robey del Telegraph afirmó que era "Una experiencia totalmente capaz de deslumbrarte (...) Es dura, desgarradora, no para los débiles de corazón. Pero la inmensidad de la película de Ramsay reside en su detallada creación de imágenes (…)" 

Allan Hunter de Screendaily señalaba que era "Una brutal e implacable 'Taxi Driver' del siglo XXI con una interpretación merecedora de un premio de Joaquin Phoenix (...) Ramsay eleva el material más allá de lo convencional con auténtica maestría cinematográfica" 

Ya en España Jordi Costa en El País defendió que la película era "Un triunfo del estilo. Del estilo como creador de contenido, complejidad y sutileza (...) asfixia la palabra al máximo para dejar que sean las imágenes las que tomen el mando de un discurso inteligible, pero nada sumiso" 

Luis Martínez en El Mundo no le gustó tanto y dijo que "Todo suena demasiado pomposo, en exceso pendiente de los modales bestialmente torturados de una bestia como Joaquin Phoenix. (...) Sin duda, una inyección de adrenalina." 

Antonio Weinrichter del ABC valoró el papel de la directora al decir que "Ramsay sigue siendo una fina estilista (...) Tiene además un defecto que marida mal con su despojado estilo y su mirada «behaviorista»: nos explica la melancolía del personaje a través de fulgurantes flashbacks (…) " 

Desde Barcelona Quim Casas en El Periódico dijo de ella que era un " Aerolito extraño, como la habría definido Jacques Rivette (...) Ramsay propone en su último filme una especie de revisión más austera y cruda de 'Taxi driver' de Martin Scorsese. (…) " 

Daniel De Partearroyo en Cinemanía valora positivamente el labor de la directora y el actor al señalar que "Lynne Ramsay y Joaquin Phoenix golpean los resortes más oscuros para sacar un thriller bruto, inteligente y con estilo visual a martillazo limpio. (…) " 

Philipp Engel en Fotogramas destaca al actor al decir que "Un gran Joaquin Phoenix (...) Un regalo del cielo (...) Rodada como un Scorsese extremadamente manierista" . En esta misma revista Desirée de Fez comentaba que "Toma una senda del thriller poco transitada últimamente (...) de manera fascinante (...) Se apoya en una narrativa rota y elíptica, en la mirada vacía del ex veterano de guerra (Joaquin Phoenix) y en puntuales descargas de horror (…) "

Angel Sala , director del Festival de Cine de Sitges en un tweet dijo de la película " En realidad Nunca estuviste alli es un noir propio de la hipermodernidad q hace de su discurso nihilista un compromiso estético.Película casi de fantasmas,de tiempos irreales y espacios imposibles donde Ramsay consigue su mejor trabajo y Phoenix presencia y actuación sublimes". 

En la mexicana revista, Cine Premiere se dice de ella que es "Un filme de acción de alto calibre esteralizado por Joaquin Phoenix, que nos regala otro de sus clásicos perturbadores y potentes registros actorales. (...) En una mezcla entre 'Taken' de Luc Besson y 'Taxi Driver'." 

De hecho este vínculo con otras películas ha sido comentado. Algunos han visto similitudes entre You Were Never Really Here y Taxi Driver ya que ambas películas que involucran amistades entre un hombre adulto y un niño víctima de la prostitución y que exploran el sórdido inframundo de la ciudad de Nueva York . 

El también mexicano Leonardo García Tsao en La Jornada formula la idea de que "Ramsay es una poetisa de la imagen y, en colaboración con el fotógrafo Thomas Townend, ha conseguido una nueva y alucinante versión del mítico western 'Más corazón que odio'." 

Y Lucero Solórzano del Excélsior destaca que "Es una película muy oscura con una fotografía e iluminación efectistas que contribuyen a reforzar la opresión en torno del protagonista. Un gran trabajo de Joaquin Phoenix." 

Por mi parte destacar aspecto que ya se han dicho el papelón de Phoenix, un actor capaz de todo, de mostrar ternura y brutalidad con igual pasión . Un actor que hace de persona ida, que siente , que sufre . Posiblemente gran parte de su éxito lo tenemos en Lynne Ramsay al sacar el tema de la infancia, la juventud y la explotación o estallido como vimos en 'Tenemos que hablar de Kevin' (...). 

Esta película al igual que la anterior es una muestra de violencia. En los críticos de México veo repetir que es una buena muestra de cine negro, pero yo entiendo que es una nueva visión de ese cine. Es cierto que hay reivindicación, pero sobre todo veo negrura en el alma del protagonismo y en la historia de la chica. Hay poca redención y prevalece la justicia justiciera. Los batidos que hay sobre la mesa en la escena final no dulcifican la historia, cosa que sí hace , por contra, la música de Johnny Greenwood y en menor medida la fotografía con muchos primerísimos planos. 

Por cierto el montaje no `puede ser más brillante intercalando en una narración lineal unos flashbacks que nos van dando las claves de una vida, de una mala vida. En definitiva he visto una gran obra y creo que consolida la coherente obra de esta directora británica.

Cara a cara

Face/Off significa algo así como Cara fuera o , incluso, pudiera traducirse como  Cara abajo, pero aquí en España su traducción fue la de  Cara a cara. Para mi desde que la vi es sinónimo de tostón n el sentido más preciso del término. 

La película tuvo que estrenarse algo así como en otoño de 1997 y recuerdo que mientras la veían me llegó a irritar. Las caritas y expresiones de Nicolas Cage y las que les sigue el colega Travolta me fueron dignas del despropósito más absoluto como actores. Desde aquel momento bajé del Olimpo cinematográfico a Nicolas Cage, pues desde la misma su participación en una película es para mi - posiblemente injustamente , o no- de despropósito asegurado. Tres cuartas partes me ocurrió con un Travolta recuperado por Tarantino y que Woo supo estrellarlo con eficacia. Con todo , no nos engañemos, Cara a cara  es una de esas películas en las que uno se siente más alejado entre lo que ha dicho la crítica, en general, que la llenó de elogios y que resultaron ser mayoritariamente positivas, entre lo que pensó el público que la premió masivamente con su asistencia y sus comentarios, y lo que sentí yo como espectador que fue algo así como " me están tomando el pelo". Para mi es una de las mayores castañas que he podido ver en el cine esta película de acción estadounidense dirigida por John Woo en 1997.

Face / Off es una película de acción que, como única virtud, además de alguna escena espectacularmente rodada, la del asalto a la caso de los hermanos Hassler, lo que si tiene es una puesta en escena de la que iba a ser la ciencia ficción  que cuajó en la década siguiente, ya en el nuevo milenio, el actual.

Dirigida por el hongkonés , aunque nacido en Cantón, John Woo , un director con una vida personal interesante, que entró en el cine de Kung Fu de la mano de Jackie Chan y que le dio la opción de rodar trepidantes escenas de acción, variadas coreografías y juegos de cámaras.

Parecía un director encasillado en este género y su estrella parecía apagarse llegando incluso a exiliarse a Taiwán, hasta que llegó su hora en 1986 gracias de la película A Better Tomorrow (1986), un film que contaba la historia de 2 hermanos, uno policía y otro criminal, en un ambiente de thriller violento y que generó el nacimiento de un nuevo género, el de Heroic Bloodshed, en los que eran violentos thrillers de policías y gánsters, llenos por otra parte de honor y amistad, con situaciones dramáticas en medio de tremendas batallas a cámara lenta, gafas de sol y un estilo nuevo y personal.

Tras hacerse un nuevo hueco en el cine de Hong Kong rodó Hard Boiled (1992), cuya escena final de tiroteos en un hospital dura más de 30 minutos ininterrumpidos. Tras el éxito asiático Woo quiso probar suerte en la meca del cine.

Pasando a EE.UU en 1993. Su primer trabajo fue Hard Target, junto a Jean-Claude Van Damme. Pero la libertad de rodaje y creativa que tenía en Hong Kong no existía en los EE. UU. , lugar en el que le obligaban a cumplir un estricto plan de rodaje, teniéndose que preocupar por ínfimos detalles a los que hasta ese momento no había dado importancia. Además la película fue mutilada por parte del estudio en el montaje para “adecuarla al gusto americano”.

Pasarían 3 años antes de la segunda tentativa de Woo hasta que produjo junto a John Travolta y Christian Slater cinta Broken Arrow (1996), una película con un buen presupuesto. Woo volvió a encontrar dificultades debido a las diferencias de estilo entre él y la productora, cosa que privó al film del “estilo Woo” .

Después de sus amargas experiencias, se le ofreció un guión escrito por Mike Werb y Michael Colleary, el de Face off, que rechazó en varias veces hasta que se reescribiera a su gusto. Con la Paramount ofreciéndole más libertad, este aceptó y Woo desarrolló la historia a su manera y produjo un film, estrenado en 1997.

En la producción estaban David Permut, Barrie M. Osborne, Christopher Godsick y Terence Chang por parte de las productoras Permut Presentations, Paramount Pictures y Touchstone Pictures, con distribución de la Paramount Pictures y Buena Vista International y con un presupuesto mareante que alcanzaba los 80 millones de dólares.

En el apartado técnico la película contaba con la música de John Powell, de hecho es la primera película del compositor , la fotografía de Oliver Wood y el montaje de Christian Wagner.

Los protagonistas estelares con John Travolta como Sean Archer / Castor Troy y Nicolas Cage como indistintamente Castor Troy / Sean Archer. Junto a ellos están Joan Allen como la Dra. Eve Archer, Alessandro Nivola como Polux Troy , Gina Gershon como Sasha Hassler , Dominique Swain como Jamie Archer , Nick Cassavetes como Dietrich Hassler , Harve Presnell como Victor Lazarro , Colm Feore como el Dr. Malcolm Walsh , John Carroll Lynch como el guardia Walton , CCH Pounder como el Dr. Holllis Miller , Robert Wisdom como Tito Biondi y Thomas Jane como Burke Hicks. Junto a ellos aparecen Margaret Cho, James Denton, Matt Ross, Chris Bauer y Danny Masterson

En el inicio de la historia vemos a un bigotudo y peligroso terrorista Castor Troy (Nicolas Cage ) que lo vigila con un arma al agente del FBI Sean Archer (John Travolta) que esta disfrutando con su joven hijo Michael en un parque de atracciones, sin darse cuenta que desde la distancia y con una mira telescópica alguien está planeando asesinarlo. En un momento Castor dispara y aunque da en el blanco pues la bala atraviesa el pecho de Sean y el que muere es su hijo Michael en el atentado. Sean sobrevive pero la muerte de su hijo hace que, desde ese entonces, sólo se dedique a perseguir al criminal Castor Troy algo que se alarga cerca de 6 años, hasta que por fin éste es localizado en un aeropuerto.

En esos seis años más tarde, Sean ha ido obsesionándose con Castor al que prepara una emboscada tanto a él como a su hermano menor y cómplice Pollux ( Alessandro Nivola ) en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles .

Tras una peligrosa persecución por la pista y el asesinato público de una agente que se había introducido en el avión, Castor huye pero es localizado por Archer , al que le cuenta que hay preparad una potente bomba de relojería ubicada en algún lugar de la ciudad y que se pondrá en marcha en pocos días, pero cuano castor intenta acabar con Archer, aquel resulta gravemente herido al activarse la bobina del motor de un avión en prueba. El resultado de esto es la inconsciencia de Castor al recibir un fuerte golpe.

En la operación también es capturado el inseparable hermano de Castor Polux Troy (Alessandro Nivola) quien es llevado a una prisión de máxima seguridad. Tras abrazarse a su mujer por haber conseguido su objetivo su felicidad no es plena pues Sean afirma que la amenaza de la bomba es real, pero no puede convencer a Pollux para revelar dónde está ubicada la peligrosa bomba.

El FBI ha descubierto que los hermanos Troy fabricaron una bomba de largo alcance compuesta con agentes químicos y material radioactivo y deben averiguar dónde está e impedir que explote. A sugerencia de su compañero Tito Biondi ( Robert Wisdom ), aunque con muchas dudas iniciales, Sean secretamente se somete a un procedimiento de trasplante de cara altamente experimental por parte del Dr. Malcolm Walsh ( Colm Feore ) para asumir la cara y la apariencia de Castor Troy.

Así Sean iría a la prisión donde el hermano de Castor permanece recluido a fin de obtener información sobre la bomba. Eso sí, casi nadie conoce lo que ha ocurrido pues los únicos conocedoros de este plan experimental son Tito Biondi, el Dr. Malcolm Walsh y la Dra. Hollis Miller (CCH Pounder).

Por supuesto , la mujer, la Dra. Eve Archer (Joan Allen) y la hija rebelde de Sean, Jamie (Dominique Swain) también son desconocedoras de ello así como el resto de los agentes y cooperadores de Sean.

Una vez realizada con éxito la operación, Sean es llevado a la misma prisión de alta seguridad donde está Pollux y lentamente y tras proceder como un criminal violento en la misma va convenciendo a Pollux de que es Castor, obteniendo información sobre la ubicación de la bomba.

Mientras tanto, Castor se despierta de su coma prematuramente y descubre que su rostro ha desaparecido. Él llama a sus colegas criminales y obligan al Dr. Walsh a poner la cara de Sean - que aún conservan para restaurarla una vez cumpla la misión- sobre él. Castor, una vez operado, visita la prisión y sorprende a Sean. Se burla de su enemigo por la forma en que se quemó el laboratorio del Dr. Walsh con el mismo Walsh y su colega Tito y la Dra. Miller dentro con el fin de eliminar todas las pruebas y evidencias de su cambio y le dice que ahora asumirá la vida de Sean.

Deja a Sean en prisión mientras que él convence a Pollux de quién es él. Ahora nadie conoce el secreto ni la verdad.

Dejando a Sean en la cárcel de máxima seguridad, el nuevo rosto de Sean - aunque sea Castor- marcha a su casa haciéndose pasar el el marido de la Dra Archer ypadre de su hija Jamie. Lógicamente detectan cambia en las formas, pero aceptan los cambios con normalidad.

Más tarde, el nuevo rostro de Sean decide "revelar" la localización de la bomba a cambio de la salida de Pollux de la prisión, pareciendo así como que colabora con la policía.

Desarmando su propia bomba de una manera dramática, Castor-como-Sean se gana el respeto de compañeros del FBI. Castor consuma su venganza iniciando una relación con la que aparentemente es su esposa Eve ( Joan Allen ), aunque igualmente y salva a su hija Jamie ( Dominique Swain ) de un intento de violación.

Mientras tanto Sean es consciente de que tendrá que luchar con todos en contra hasta recuperar su rostro, su familia y su lugar. Así que Sean se escapa de la prisión después de organizar un motín, y se retira a la sede de Castor.

Allí, Sean se encuentra con Sasha ( Gina Gershon ), la hermana del jefe principal del tráfico de drogas que trabaja en el negocio junto a Castor. Ello le confía algunos secretos , entre otros que tuvo una relación con Castor y que producto del mismo es su hijo Adán que le recuerda a Sean de Michael. Por su parte, Castor se entera de la fuga de Sean y se apresura a reunir a un equipo para atacar su cuartel general.

El ataque se torna salvaje, y violento . En el mismo mueren numerosos agentes del FBI y la gran mayoría de los miembros de la banda de Castor, que repelen el ataque. Entre los que fallecen está el hermano de Castor, Pollux.

En principio, Sean, Sasha y Adán son capaces de escapar, no así el hermano de Sasha, Dietrich Hassler (Nick Cassavetes).

Una vez culminado el ataque y ya en comisaria, el supervisor de Sean, el director Victor Lazarro ( Harve Presnell ) culpa a Castor por los numerosos asesinatos. Castor, furioso por la muerte de Pollux, mata a Víctor y lo hace parecer un ataque al corazón. Castor-como-Sean es promovido como director interino del FBI , mientras se plantea el funeral de Lazarro. Sean encuentra seguridad para Sasha y Adán y se acerca a su casa.

Allí se encuentra con Eve. Aunque a ella le cuesta trabajo asumirlo, la persuade para que tome una muestra de la sangre de Castor y otra de la suya propia para comparar sus tipos de sangre en el hospital donde trabaja para demostrar que es Sean. Ya en el hospital verifica que la sangre de su marido, el que ahora tiene el rostro de Castor es 0-, mientras que la de Castor con aspecto de Sean es AB.

Ahora Eve convencida de la identidad de su esposo, le dice que Castor que éste será vulnerable en el funeral de Lazarro.

En la ceremonia, Sean encuentra que Castor ha anticipado sus acciones y toma a Eve como rehén. Sasha también llega, se producen amenazas y finalmente un tiroteo; Sasha logra salvar a Eve después que la hiera mortalmente una bala. Antes de morir, Sean promete cuidar a Adam por ella y no permitirle crecer con una vida de crimen.

Castor huye de la iglesia con Sean persiguiéndolo. Después de matar a dos agentes federales, Castor toma brevemente a Jamie como rehén, pero ella se escapa apuñalándolo con un cuchillo de mariposa que Castor le dio irónicamente antes para defenderse de posibles violaciones.

Una persecución de la lancha rápida sigue donde Sean obliga a Castor a ir a la orilla con la que colisiona, entonces se produce una lucha entre los dos protagonistas cuerpo a cuerpo. Castor mutila el rostro de Sean para burlarse de él, pero Sean mata a Castor con una pistola.

Los agentes del FBI llegan y se dirigen a Sean por su nombre, después de haber sido convencidos por Eve de la verdadera identidad de Sean. Después de la cirugía de trasplante de cara se deshace, Sean regresa a casa, pero no va sólo. Va acompañado de Adán que , desde ahora es adoptado en la familia Archer para mantener su promesa a Sasha.

El rodaje tuvo lugar entre el 1 de mayo de 1996 y el 30 de junio de ese mismo año. El mismo tuvo lugar en diversos lugares de California tales como Balwin Park, en Victorville, en Los Ángeles donde rodaron en el Pacific Electric Building, en el Eagle Rock Substation, en el Centro de Convenciones de Los Ángeles en el 1201 S. Figueroa Street, Downtown, así como en San Pedro Bay, en Cabrillo Beach, también en San Pedro, en Pacific Palisades, en Agoura Hills, en el Puerto de Los Ángeles, San Pedro. La escena del barco al final de la película fue rodada en San Pedro.

Face / Off no tuvo una fácil producción. De hecho ya hemos comentado que el guión de especificaciones que habían realizados los escritores Mike Werb y Michael Colleary tuvieron que modificarlo en varias ocasiones tras incorporarse Woo al proyecto. Pro también fue difícil se inclusión como tal en un estudio al que intentaron venderlo desde 1990.

Tras pasar por numerosos estudios, finalmente fue aceptado por productores, aunque se efectuaron las mencionadas reescrituras incluso antes de que John Woo se uniera años después. El guión, presentado al director John Woo, se basaba en un futuro distópico, pero Woo sugirió cambiar el escenario al presente para centrarse en los elementos dramáticos y psicológicos de la historia.

Originalmente escrito en 1990, el guión fue elegido por el productor Joel Silver antes de Michael Douglas , que, según los guionistas esperaban fervientemente lo protagonizaría junto a Harrison Ford.

En cambio, Douglas asumió como productor ejecutivo. El co-guionista Mike Werb tuvo la idea para la cirugía de cara tras el hecho de que uno de sus amigos tuviese un accidente de ala delta. Tuvieron que quitarle la mayor parte de la piel de la cara, reconstruir la materia ósea y volver a poner la cara. Para el personaje de Archer, Woo consideró el casting de Michael Douglas o Jean-Claude Van Damme con quien había trabajado en Hard Target , y con la participación igualmente de Harrison Ford.

También fueron considerados otros tándem además de Harrison Ford y Michael Douglas ; Bruce Willis y Alec Baldwin , Al Pacino y Robert De Niro y Jean-Claude Van Damme y Steven Seagal . Originalmente, Nicolas Cage rechazó el papel de Castor Troy, citando la falta de interés en interpretar a un villano.

Sin embargo, una vez que le dijeron que realmente estaría tocando el héroe para una mayoría de la película, rápidamente firmó. también en la quinielas aparecen Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone estaban en la mente para desempeñar los papeles principales , pero cuando John Woo fue contratado para dirigir, decidió que John Travolta y Nicolas Cage serían los dos más adecuado para los papeles.

Cuando la película finalmente se hizo, Douglas participó como productor ejecutivo. Werb y Colleary han citado a White Heat (1949) y Secondes (1966) como influencias en la trama.

El coordinador de armas Robert 'Rock' Galotti hizo cinco pistolas de oro para la película. Uno fue pre-vendido a Planet Hollywood.

En el papel de secundario, John Woo dejó que Nick Cassavetes, que se afeitó la cabeza para parecer un malvado más poderosos, escribiera muchos de sus propios diálogos para la película.

Con un presupuesto de producción de $ 80 millones, Face / Off hizo uso intensivo de piezas de acción, incluyendo varios tiros violentos y una persecución de botes . Nicolas Cage y John Travolta pasaron dos semanas juntos antes de rodar para aprender interpretarse entre sí. Ellos decidieron qué gestos específicos y cadencias vocales para cada personaje que podría ser imitado.

Nick Cassavetes sorprendió a John Woo por afeitarse la cabeza para el papel. Woo dijo que era sólo la imagen que quería.

La escena de Adam escuchando "Over the Rainbow"interpretada por Olivia Newton-John , en sus auriculares portátiles fue la idea de John Woo y no parte del guión original. Paramount Pictures se negó a financiar una escena extra y John Woo tuvo que usar su propio dinero para hacer que eso suceda. Posteriormente fue devuelto, ya que la película resultó ser rentable.

Según el productor Barrie M. Osborne , la mayoría de las desafiantes escenas de acción, incluyendo la pelea en la cubierta del barco y el avión que baja por la pista, originalmente fueron planeadas como capturas de pantalla verde. Pero los filmaron prácticamente para apoyar el "realismo de la historia".

Los tipos de sangre para los dos personajes principales (es decir, Sean Archer y Castor Troy) se mencionan en la película, ya un nivel sutil reflejan su naturaleza antagónica. Archer's Blood tipo es O negativo, mientras que Troy es AB positivo, estos dos tipos de sangre son tan diferentes como usted puede conseguir. O negativo- el donante universal refleja el papel de Archer como un policía dedicado a servir a la comunidad, mientras que el AB positivo de Troy - el receptor universal sugiere a alguien que toma de la sociedad sin devolver nada.

La película es tecnológicamente avanzada y  premonitoria . La reconstrucción de la oreja es similar a lo que hoy se hace con una impresora en 3D, y primer el cambio de cara se realizó en 2012.

En la misma se invirtieron unos $80 millones de dólares. La película alcanzó una recaudación de $245.676.146. Face / Off fue lanzado en Norteamérica el 27 de junio de 1997 y ganó $ 23,387,530 en su primer fin de semana de apertura, ocupando el primer lugar en su taquilla. Se convirtió en la undécima película doméstica con más alta recaudación y la decimocuarta en todo el mundo en la recaudando de una película del año 1997, ganando un total doméstico de $ 112.276.146 y de $ 133.400.000 en ultramar para un total de $ 245.676.146 mundial. Fue un éxito de taquilla. especialmente en el mercado estadounidense a pesar de su inverosímil argumento y ritmo trepidante.

En Estados Unidos obtuvo además muy buenas críticas, aunque bastante mediocres en Europa. Lo cierto es que Face / Off gustó a crítica y al público y fue un éxito en taquilla, para muchos la mejor cinta americana de Woo, y que abrió el camino a otros directores asiáticos en Hollywood. La primera película de Hollywood en la que Woo recibió un gran control creativo, obtuvo críticas favorables y recaudó 245 millones de dólares en todo el mundo.

La película obtuvo algunos reconocimientos y algunos premios. Por lo pronto fue nominada al Oscar para un Premio de la Academia en la categoría de edición de efectos de sonido ( Mark Stoeckinger ) en la 70 ª Ceremonia de la Academia , pero perdió ante otra película de la Paramount, Titanic . Lo cierto es que ese año perdieron casi todas frente a la historia del trasatlántico. Face / Off también ganó los premios Saturn a la mejor dirección y guión, y en los MTV Movie Awards a la Mejor Escena de Acción (la persecución de la lancha rápida) y al mejor duo para Travolta y Cage.

La crítica ha sido generalmente muy favorable a la película. En el sitio Web de Rotten Tomatoes registra un 92% de opiniones positivas, basadas en 83 reseñas, con una valoración media de 7.9 / 10. El consenso del sitio dice: "Travolta y Cage juegan al gato y al ratón (y literalmente juegan entre sí) en un fondo bellamente estilizado de la típica y elegante violencia de John Woo".

En Metacritic , la película recibió un valoración de 82 %. Lo más valorado, aunque yo no lo entienda fue los papeles de inversión entre Travolta y Cage, al igual que las secuencias de acción estilizada y violenta.

El crítico Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, omentó que "aquí, usando grandes estrellas de cine y pidiéndoles que se toquen entre sí, Woo y sus escritores encuentran un contrapunto fabuloso a las escenas de acción: La película, te encuentras reinterpretando cada escena mientras te das cuenta de que el "otro" personaje está "realmente" tocando. "Las escenas con efectos están hechas perfectas, pero el elemento más interesante de la película son las interpretaciones (...)"

Según Peter Travers  de Rolling Stone , la película: "No puedes comprar la premisa o la liquidación, pero con Travolta y Cage tomando medidas cómicas y psíquicas de sus personajes y sus propias carreras, no hay resistencia a Face / Off Esto es lo que tienes que ver.

Para  Richard Corliss de Time dijo que la película "no es sólo un emocionante paseo, es un cohete en el emocionante pasado, cuando los directores podrían asustar con la emoción que empaquetaron en una película".

Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times nos dice que "En sus mejores momentos, Face/Off no deja a la audiencia tiempo para pensar, o incluso respirar."

Janet Maslin sostiene en The New York Times que "Una megapelícula que de hecho ofrece lo que prometen las megapelículas: personajes con carácter, un desarrollo inteligente, acción trepidante y una idea ingeniosa que no se había visto antes."

Desson Thomson en The Washington Post informa que "Una delirante mezcla de espectaculares tiroteos, furiosas explosiones y acrobacioas que quitan el aliento. También es una de las más extrañas historias que jamás ha alumbrado un gran estudio de Hollywood. Hay que quitarse el sombrero ante la Paramount, por permitir que una rareza tan inspirada viera la luz del día."

Por suerte en Estados Unidos hubo una crítica firmada por  Barbara Shulgasser, en las páginas del San Francisco Examiner, que estaba de acuerdo conmigo al calificar la película de "idiota" y argumentó que "un buen director elegiría lo mejor de las seis maneras y lo pondría en su película." Woo pone todos los seis en si mantiene los ojos cerrados durante un Woo Película y abrirlos cada seis minutos, verás todo lo que necesitas saber para tener una velada perfecta en el cine "

En España y coincidiendo con mi opinión Javier Ocaña en Cinemanía nos dice que si bien el "Punto de partida atractivo (...) no hay guión, ni historia, ni nada. Sólo explosiones y tiros, muchos tiros"

Una vez vista por segunda vez, me ha seguido pareciendo ridícula, por el tema y por las interpretaciones, sin embargo, me ha llamado la atención el carácter premonitorio de los avances tecnológicos, ya absolutamente viables y la calidad, eso sí indudable, de algunas escenas de acción. No tan mala me ha parecido, pero , por momentos, es insufrible.