Me ha encantado Hijo de los hombres. Me ha horrorizado un futuro como el que nos presenta. Me ha parecido valiente y fascinante en su temática, la infertlidad, la fe, la creencia en un futuro, la resistencia, la xenofobia en momentos de crisis,etc...
Me ha sorprendido encontrarme con una gran película. Insisto en lo de gran, pues grande es igualmente el trabajo del director, la narración y la ejecución de la misma, la puesta en escena o el trabajo de los actores, especialmente el de Clive Owen, y el de los que le acompañan que suman un reparto brillante, aunque su duración ante la cámara, en algunos casos, sea breve.
Children of Men o Hijos de los hombres es una película de ciencia ficción y suspense dirigido y coescrito por el director, guionista y productor mexicano Alfonso Cuarón, uno de la trilogía de directores premiados últimamente por la Academia de Cine junto a Iñarritu o Del Toro, premiado este mismo año. Hablamos de un director que ha tenido la fortuna de trabajar en su país, donde se formó, en Los Ángeles , donde cuajó algunas buenas obras valoradas más por la crítica que el público, retornando a México para rodar Y tu mamá también, en Europa, sobre todo en Gran Bretaña donde hizo la para mi más brillante entrega de Harry, por supuesto, Potter , con Harry Potter y el prisionero de Azkaban en 2004 tras su encargo por Warner Brothers y en la que realizará dos años más tarde, en 2006, Hijo de los hombres en el trabaja en su guión sobre la novela homónima de P. D. James escrita en 1992.
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Tras su incursión en este thriller distópico que nos ocupa situado en un futuro cercano, ese mismo año, se encargó de la producción de El laberinto del fauno de su amigo Guillermo del Toro.
Durante el festival de Cannes 2007, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, firmaron con Universal Pictures una excelente negociación donde Universal financiará las primeras 5 películas de Cha Cha Chá Films, productora conformada por este trío de cineastas, este apoyo es por más de 100 millones de dólares.
Posteriormente, la compañía de declaró en quiebra así que el creará su propia compañía de producción y distribución "Esperanto Filmoj" ("Esperanto Películas", llamado así debido a su apoyo a la lengua internacional Esperanto), que tiene créditos en las películas Temporada de patos, El laberinto del fauno y Gravity, que llevaría a la concesión de su Oscar y su consagración cinematográfica.
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La película en la que interviene en el guión Cuarón también aparecen acreditados cinco escritores como Timothy J. Sexton, David Arata , Mark Fergus , Hawk Ostby y Hilary Shor. Se atribuye igualmente contribuciones al actor Clive Owen aunque se referencia es siempre The Children of Men de Phyllips Dorothy James , la autora que falleció en 2014, famosa por sus novelas policiales bien documentadas y absorbentes y en gran parte protagonizadas por el Inspector Dalgliesh",estuvo muy complacida por cómo se había reescrito su película.
En la producción se encuentran Iain Smith , Tony Smith, Marc Abraham , Eric Newman y Hilary Shor siendo los encargados del diseño de la producción Jim Clay y Geoffrey Kirkland para la productora Strike Entertainment quedando en la distribución la United International Pictures
La labor en la banda sonora es el del músico John Tavener aunque también aporta intensidad la voz de Sarah Connolly . La encargada del vestuario es Jany Temime
La fotografía fue labor de otro amigo y colaborador habitual de Cuarón, Emmanuel Lubezki , mientras que el montaje fue cosa de Álex Rodríguez y Alfonso Cuarón que se acredita como director, guionista y editor.
El reparto lo encabeza Clive Owen como Theo Faron. Junto a él aparecen Julianne Moore como Julian Taylor., Michael Caine como Jasper Palmer, Chiwetel Ejiofor como Luke , Charlie Hunnam como Patric , Clare-Hope Ashitey como Kee.
Junto a ellos están Peter Mullan como Syd, Pam Ferris como Miriam, y Danny Huston como Nigel, el primo de Theo , Oana Pellea como Marichka, Paul Sharma como Ian y Jacek Koman como Tomasz . Aparecen igualmente Charlie Hunnam y Ed Westwick,
La película se desarrolla en un futuro tan cercano como incierto. Estamos en 2027, y desde hace casi dos décadas, en concreto 18 años, una extraña pandemia ha convertido en infértil a la humanidad. La civilización está al borde del colapso mientras la humanidad se enfrenta a la extinción. Desde ese momento la sociedad el mundo se ha transformado en un páramo social y algunos sociedad directamente se han hundido.
El Reino Unido parece uno de los pocos espacios que han sobrevivido pero a un alto precio. Los inmigrantes ilegales huyendo del caos y la guerra que se han apoderado del mundo y que buscan el santuario británico descubren como el Gobierno ¿de su graciosa Majestad? impone opresivas leyes contra la inmigración sobre los refugiados. Gran Bretaña se ha vuelto un estado militarizado mientras las fuerzas del gobierno británico reúnen y detienen inmigrantes.
En otros sitios hay vida, pero también con dificultades. En un bar , un grupo de británicos escucha con estupor como en Buenos Aires ha fallecido el ser humanos más joven del planeta, un chico de 18 años que ha sido asesinado en plena calle por negarse a firmar un autógrafo , dado que es un humano muy mediático.
La noticia ha impactado en los restos del naufragio de la sociedad británica que escucha con asombro como el futuro cada vez parece más incierto y desolador.
A una cafetería londinense entra un empleado público Theo Faron (Clive Owen) para pedir un café. Como está atestado el bar dado el alto número de personas que escuchan horririzados las noticias decide tomárselo en la calle, a unos metros del local. Mientras le añade el café, el local salta por los aires.
Tras eso Theo vuelve al trabajo impactado y con un fuerte dolor en los tímpanos debido a la detonación. Sin embargo, alega a su jefe que está impactado por la muerte del chcio y le pide un descanso al jefe que se lo concede.
Tras realizar una llamada marcha en un cercanías. En su desplazamiento vemos un Londres devastado lleno de miseria, de agresiones - el tren es atacado por piedras por manifestantes- y jaulas repletas de inmigrantes custodiados por la policía.
Tras bajarse del tren es recibido en la estación por un amigo Jasper Palmer (Michael Caine) un hombre mayor que él que lo lleva en su coche a su casa de campo dónde vida con su mujer que está en estado catatónico y donde este amigo de Theo consume cannabis y hablan de música y de experiencias. Descubrimos que Theo es un cínico que la muerte del chico le importa relativamente poco.
Al día siguiente Theo Faron se levanta y se dirige al su trabajo de burócrata, pero durante el camino fue secuestrado por los Peces, un grupo militante de los derechos de inmigrantes. El grupo está dirigido por la ex esposa de Theo, Julian Taylor (Julianna Moore) , de quien se separó después de la muerte de su hijo Dylan durante la pandemia de gripe de 2008.
Julian le ofrece dinero a Theo para adquirir papeles de tránsito para una joven refugiada llamada Kee.
Inicialmente se niega, pero , una vez liberado, Theo va en busca de su primo Nigel (Danny Huston), un ministro del gobierno que dirige una colección de arte rescatado alrededor del mundo patrocinada por el gobierno. Nigel, el primo de Theo y ministro de alto rango del gobierno. que dirige un programa del Ministerio de Arte, el "Arca de las Artes", que "rescata" obras de arte como el David de Miguel Ángel (aunque con una pierna rota), el Guernica de Pablo Picasso y el British Cops Kissing de Banksy.
En su casa está el David de Miguel Ángel, comenta que a la Piedad , no llegó a tiempo para salvarla. Comenta que del Prado salvó algunos Velázquez, entre ellos las Meninas, y mientras desayunan aparece en el testero de la pared, El Guernica de Picasso.
Inicialmente se niega, pero , una vez liberado, Theo va en busca de su primo Nigel (Danny Huston), un ministro del gobierno que dirige una colección de arte rescatado alrededor del mundo patrocinada por el gobierno. Nigel, el primo de Theo y ministro de alto rango del gobierno. que dirige un programa del Ministerio de Arte, el "Arca de las Artes", que "rescata" obras de arte como el David de Miguel Ángel (aunque con una pierna rota), el Guernica de Pablo Picasso y el British Cops Kissing de Banksy.
En su casa está el David de Miguel Ángel, comenta que a la Piedad , no llegó a tiempo para salvarla. Comenta que del Prado salvó algunos Velázquez, entre ellos las Meninas, y mientras desayunan aparece en el testero de la pared, El Guernica de Picasso.
Desayunan con el hijo de Nigel, un joven en la veintena obsesionado con la tecnología que no hace caso a nada ni a nadie. En un momento le pregunta Theo el por qué mantener una colección que en un futuro cercano no podrá ver nadie. Nigel responde que él no piensa en el futuro.
Pasado un tiempo le concede Nigel los papeles de tránsito pero requieren que el portador deba ser acompañado, así que Theo acuerda escoltar a Kee (Clare-Hope Ashitey) a cambio de una gran suma de dinero.
Luke (Chiwetel Ejiofor), un miembro de los Peces, lleva a Theo y a Julian junto a una ex partera Miriam en su auto el que también va una chica joven y a Kee, una chica de color y joven, hacia un bote en la costa. Cuando Theo y Julian hablan de su pasado en común y lo felices que fueron son emboscados por una pandilla armada y Julian es asesinada. Theo y los demás se salvan por muy poco gracias a la conducción de Luke y a la pericia de Theo que golpea a un motorista armado que los sigue.
Luke mata a dos oficiales de policía que detuvieron su auto en la huida y entierran a Julian en el bosque mientras Theo rompe en llanto por su muerte, abandonando su auto por otro para escapar a una casa de seguridad de los Peces.
En la granja los Peces han de elegir nuevo líder, siendo Luke el elegido y en un momento, Kee le revela a Theo que está embarazada y que Julian le dijo que confiara sólo en él, con la intención de que la entregara al "Proyecto Humano", un supuesto grupo científico con base en los Azores dedicado a curar la infertilidad.
Sin embargo, Luke persuade a Kee para que se quede y de a luz en la granja. Esa noche, Theo escucha a escondidas una reunión de Luke y otros Peces, descubriendo que la muerte de Julian fue orquestada por una facción de los Peces para que Luke pudiera tomar el control como líder. La intención es matar a Theo por la mañana y usar al bebé como una herramienta política para apoyar la revolución que se avecinaba.
Ante lo peligroso de la situación, Theo despierta a Kee y Miriam y roban un coche escapando al escondite aislado del amigo anciano de Theo, Jasper Palmer, un ex caricaturista político que ahora vive en parte del comercio de la marihuana con sabor a fresa.
El grupo planea abordar el barco de Proyecto Humano, de nombre Tomorrow, el cual llegará de alta mar a una boya situada en las cercanías del campo de refugiados de Bexhill. Jasper propone conseguir a Syd, un guardia del campo al que frecuentemente le vende drogas, para pasarlo de contrabando a Bexhill disfrazándose como refugiados.
Sin embargo, e inesperadamente los Peces descubren la casa de Jasper y el grupo escapa mientras Jasper se queda detrás para entretener a los Peces antes de ser brutalmente asesinado por Luke mientras Theo observa desde una colina elevada.
El grupo espera a Syd en una escuela abandonada, donde Miriam le confía a Theo cuántos niños fueron abortos en el inicio de la crisis de infertilidad, y su tristeza de cómo "a medida que el sonido de los patios de juego se desvanecía, la desesperación se asentaba. Que extraño, lo que sucede en un mundo sin voces de niños". Mientras le cuenta esto llega Syd (Peter Mullan) que es recibido por la frase acordada: "puto policía fascista de mierda".
Syd los transporta a Bexhill, donde ven a refugiados siendo golpeados, torturados, robados y ejecutados por guardias del campo y policías. Cuando las contracciones de Kee comienzan en un autobús, Miriam distrae a un guardia sospechoso y es bajada del autobús y encapuchada.
Ya en el interior del campo de refugiados, Theo y Kee conocen a su contacto: una mujer gitana, Marichka (Oana Pellea) que , acompañada de un perro está bajo una estatua y quien les provee una habitación donde Kee da a luz a una niña que es asistida por Theo.
Al siguiente día, se persona Syd, los encuentra y le informa a Theo y Kee que ha estallado la guerra entre el ejército británico y los refugiados, incluyendo los Peces. Pero cuando tiene la situación controlada y descubre que hay una niña, les informa que hay una importante gratificación por sus cabezas, Syd intenta llevarselos, pero Marichka y Theo se enfrentan con él y el grupo escapa.
Logran refugio en la casa de un ruso, un nostálgico de la revolución soviética que los recibe encantados ante la presencia de la bebé. Tras esto salen acompañados de un miembros del grupo ruso, un refugiado polaco llamado Tomasz (Jacek Koman).
Durante las hostilidades, en las que hay un sin fin de bajas, los Peces capturan a Theo , a Kee y la bebé. Theo, antes de ser ajusticiado, se escapa junto a Marichka , a la que finalmente abandona y luego localiza a la madre e hija en un apartamento atacado por fuego pesado. Se enfrenta confronta a Luke, quien muere por un proyectil de lanzacohetes , y la escolta hacia afuera.
Impresionados por la bebé, los combatientes de los dos bandos , rebeldes y ejercito británico, dejan de pelear temporalmente, mirando a la bebé que gritaba y permitiéndoles salir. Tras salir, prosigue en brutal combate.
Marichka, que seguía fuera, guía a Theo, Kee y la bebé hacia un bote en las alcantarillas y Theo comienza a remar.
Mientras miran a distancia el bombardeo de Bexhill por la Fuerza Aérea Real, Theo revela que Luke le ha disparado y que está mortalmente herido. Le dice a Kee cómo enrollar al bebé para calmar su llanto, y Kee le dice que llamará a la bebé como al hijo perdido de él y Julian, porque "Dylan puede ser nombre de niña también".
Theo finalmente muere desangrado a causa de sus heridas , mientras el barco, Tomorrow, se acerca a través de la niebla.
El filme termina con el título de la película abocinado sobre una pantalla negra, acompañado por el sonido de niños felices jugando en el fondo, sugiriendo quizá que la infertilidad había sido curada y la repoblación del mundo fue posible una vez más.
La producción se inició como tal en noviembre de 2004 y termino en agosto de 2006. La película se estuvo filmando entre noviembre de 2005 y enero de 2006, aunque algunas escenas adicionales se rodaron a inicios de mayo de 2006.
Su rodaje tuvo lugar en dos continentes, América del Sur y Europa.
En el continente austral se rodó en Montevideo, la capital uruguaya, y algunos puntos de Argentina como Buenos Aires en la zona del The Obelisc y Puerto Madero de Buenos Aires .
En Europa principalmente en Gran Bretaña , en distintos condados así como en la capital. Se rodó en los Dockside Buildings de Chatham Historic Dockyard, en Chatham, en el Condado de Kent, en los Stockers Farm, de Rickmansworth, en Hertfordshire, en la londinense Battersea Power Station, de Battersea, en el Tate Modern de Bankside, de Southwark, como Ark Of Arts donde vive Nigel, en el Admiralty Arch, en The Mall, junto a St. James's, en Fleet Street de Holborn y Powis Street en Woolwich Town Centre y en Cable Street, en la zona de Whitechapel, en Hackney Road en los suburbios de Londres al igual que en Old Street de Islington. También en las londinense Ravenscroft Street de Bethnal Green, Scrutton Street, St. James's Park, y Victoria Street en Westminster , así como en Wimbledon Greyhound Stadium de Plough Lane, en el área de Wimbledon, y en la céntrica Trafalgar Square. Se rodó igualmente en East Sussex en concreto en Bexhill-on-Sea, en Surrey en concreto en Bourne Woods de la localidad de Farnham, así como en Eastbourne , Chobham y en puntos de Hampshire como Aldershot Barracks de Aldershot, en Alresford Station y la Watercress Line de Alresford, o en la Church Crookham y Alice Holt Forest. En Hertfordshire se rodó en Bushey, Ashridge Park en la localidad de Little Gaddesden; en Oxfordshire en la RAF Upper Heyford, y en Buckinghamshire tanto en los Pinewood Gardens como en los Pinewood Studios de Iver Heath
Para el rodajo Cuarón apostó por Clive Owen como Theo Faron, un ex activista y "arquetípico hombre ordinario" que a regañadientes se vuelve el salvador. Fue contratado en abril de 2005. Owen pasó varias semanas colaborando con Cuarón y Sexton sobre su papel. Impresionados por las ideas creativas de Owen, Cuarón y Sexton lo incluyen en los créditos por sus aportaciones en el guión declarando Cuarón a Variety que "Clive fue una gran ayuda," "Yo le enviaba un grupo de escenas y escuchaba sus retroalimentación e instintos".
En el continente austral se rodó en Montevideo, la capital uruguaya, y algunos puntos de Argentina como Buenos Aires en la zona del The Obelisc y Puerto Madero de Buenos Aires .
En Europa principalmente en Gran Bretaña , en distintos condados así como en la capital. Se rodó en los Dockside Buildings de Chatham Historic Dockyard, en Chatham, en el Condado de Kent, en los Stockers Farm, de Rickmansworth, en Hertfordshire, en la londinense Battersea Power Station, de Battersea, en el Tate Modern de Bankside, de Southwark, como Ark Of Arts donde vive Nigel, en el Admiralty Arch, en The Mall, junto a St. James's, en Fleet Street de Holborn y Powis Street en Woolwich Town Centre y en Cable Street, en la zona de Whitechapel, en Hackney Road en los suburbios de Londres al igual que en Old Street de Islington. También en las londinense Ravenscroft Street de Bethnal Green, Scrutton Street, St. James's Park, y Victoria Street en Westminster , así como en Wimbledon Greyhound Stadium de Plough Lane, en el área de Wimbledon, y en la céntrica Trafalgar Square. Se rodó igualmente en East Sussex en concreto en Bexhill-on-Sea, en Surrey en concreto en Bourne Woods de la localidad de Farnham, así como en Eastbourne , Chobham y en puntos de Hampshire como Aldershot Barracks de Aldershot, en Alresford Station y la Watercress Line de Alresford, o en la Church Crookham y Alice Holt Forest. En Hertfordshire se rodó en Bushey, Ashridge Park en la localidad de Little Gaddesden; en Oxfordshire en la RAF Upper Heyford, y en Buckinghamshire tanto en los Pinewood Gardens como en los Pinewood Studios de Iver Heath
Para el rodajo Cuarón apostó por Clive Owen como Theo Faron, un ex activista y "arquetípico hombre ordinario" que a regañadientes se vuelve el salvador. Fue contratado en abril de 2005. Owen pasó varias semanas colaborando con Cuarón y Sexton sobre su papel. Impresionados por las ideas creativas de Owen, Cuarón y Sexton lo incluyen en los créditos por sus aportaciones en el guión declarando Cuarón a Variety que "Clive fue una gran ayuda," "Yo le enviaba un grupo de escenas y escuchaba sus retroalimentación e instintos".
También se contrató a Julianne Moore como Julian Taylor. Para Julian, Cuarón quería una actriz que tuviera la "credibilidad de liderazgo, inteligencia, [e] independencia". Moore fue contratada en junio de 2005, inicialmente para interpretar a la primera mujer que se embarazaba en 20 años. "Es muy divertido trabajar con ella", dijo Cuarón a Cinematical. "Ella solo está tirando de la alfombra por debajo de tus pies todo el tiempo. No sabes dónde pararte, porque ella va a burlarse de ti".
También contaron con Michael Caine como Jasper Palmer, el proveedor y amigo de Theo. Caine basó a Jasper en sus experiencias con su amigo John Lennon – la primera vez que ha interpretado a un personaje que se tiraría gases o fumaría cannabis. Cuarón explica: "Una vez que tuvo la vestimenta . Para ello se puso frente a un espejo para mirarse, su lenguaje corporal comenzó a cambiar. Michael amó su papel, creyó que él era este tipo". Michael Phillips del Chicago Tribune nota un aparente homenaje a Schwartz (Mort Mills) en el filme noir de Orson Welles Touch of Evil (1958). Jasper llama a Theo "amigo" en español — tal como hacía Schwartz con el personaje de Ramón Miguel Vargas (Charlton Heston). Las caricaturas de Jasper que se ven en su casa fueron proveídas por Steve Bell.
Para Clare-Hope Ashitey como Kee, una inmigrante ilegal y la primera mujer embarazada que no aparecía en el libro y fue escrita en el filme basada en el interés de Cuarón en la reciente hipótesis del origen singular sobre los orígenes humanos el estatus de gente desposeída: "El hecho de que este niño será el hijo de una mujer africana tiene que ver con el hecho de que la humanidad comenzó en África. Estamos poniendo el futuro de la humanidad en las manos de los desposeídos y creando una nueva humanidad que brotará de eso".
Destaca la película por su enfoque nada convencional en cuanto la narración de un filme de acción, que se intercala con el estilo de documental y noticiario.
La película, una distopía, basada en la obra de la para mi desconocida escritora P. D. James fue originalmente escrita por Paul Chart y reescrita después por Mark Fergus y Hawk Ostby.
El estudio trajo a bordo al director Alfonso Cuarón en 2001. Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después de que el director hubiera completado Y tu mamá también.
Temeroso de que "comenzara a cambiar de opinión", Cuarón escogió no leer la novela de P. D. James, optando por dejar a Sexton que leyera el libro mientras él leía una versión reducida.
Cuarón no comenzó inmediatamente la producción, en lugar de eso dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban.
Durante este periodo, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que garantizó a Clive Owen y mando al filme a pre producción.
La experiencia de trabajo del director en el Reino Unido lo expuso a las "dinámicas sociales de la psique británica", dándole ideas para la representación de la "realidad británica". De hecho, Hijos de los hombres fue el segundo filme de Cuarón hecho en Londres, retratando a la ciudad como un personaje más, grabando , rodando planos generales de la ciudad.
Cuarón buscó referencias cinematográficas en otras películas y parece ser que ha declarado que le sirvió de referencia el filme La batalla de Argel de Gino Pontecorvo como un modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentando el filme a Clive Owen como un ejemplo de su visión de Hijos de los hombres.
Para crear un margen filosófico y social para el filme, el director leyó literatura de Slavoj Žižek, así como trabajos similares.
Mientras Cuarón se preparaba para el filme, ocurrieron los atentados del metro de Londres, pero nunca consideró mover la producción. "Habría sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres por la muy obvia manera en que las locaciones fueron incorporadas al filme", dijo Cuarón a Variety, "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar".
Debido a estas circunstancias, la primera escena del ataque terrorista en Fleet Street fue filmada un mes y medio después del bombardeo de Londres. Cuarón escogió filmar algunas escenas en l zona de East Londres, una locación considerada como "un lugar sin glamour". Las locaciones fueron disfrazadas para hacerlas parecer incluso más deterioradas; Cuarón le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos a una locación y decíamos: si, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar luciera más deteriorado. Era sobre pobreza".
También se rodó en algunos de los sitios más populares de Londres como Trafalgar Square y Battersea Power Station. La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo artístico es una referencia al Tate Modern) ha sido comparada con Red Desert de Antonioni.
Cuarón añadió un globo de cerdo visible entre la entrevista entre Nigel y Theo como un homenaje a Animals de Pink Floyd.
Las compañías londinenses de efectos visuales Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guion hasta la pos producción, desarrollando efectos y creando "ambientes y tomas que de otra forma no serían posibles.
El Histórico Astillero en Chatam fue usado para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas.
Destaca la película por su enfoque nada convencional en cuanto la narración de un filme de acción, que se intercala con el estilo de documental y noticiario.
La película, una distopía, basada en la obra de la para mi desconocida escritora P. D. James fue originalmente escrita por Paul Chart y reescrita después por Mark Fergus y Hawk Ostby.
El estudio trajo a bordo al director Alfonso Cuarón en 2001. Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después de que el director hubiera completado Y tu mamá también.
Temeroso de que "comenzara a cambiar de opinión", Cuarón escogió no leer la novela de P. D. James, optando por dejar a Sexton que leyera el libro mientras él leía una versión reducida.
Cuarón no comenzó inmediatamente la producción, en lugar de eso dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban.
Durante este periodo, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que garantizó a Clive Owen y mando al filme a pre producción.
La experiencia de trabajo del director en el Reino Unido lo expuso a las "dinámicas sociales de la psique británica", dándole ideas para la representación de la "realidad británica". De hecho, Hijos de los hombres fue el segundo filme de Cuarón hecho en Londres, retratando a la ciudad como un personaje más, grabando , rodando planos generales de la ciudad.
Cuarón buscó referencias cinematográficas en otras películas y parece ser que ha declarado que le sirvió de referencia el filme La batalla de Argel de Gino Pontecorvo como un modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentando el filme a Clive Owen como un ejemplo de su visión de Hijos de los hombres.
Para crear un margen filosófico y social para el filme, el director leyó literatura de Slavoj Žižek, así como trabajos similares.
Mientras Cuarón se preparaba para el filme, ocurrieron los atentados del metro de Londres, pero nunca consideró mover la producción. "Habría sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres por la muy obvia manera en que las locaciones fueron incorporadas al filme", dijo Cuarón a Variety, "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar".
Debido a estas circunstancias, la primera escena del ataque terrorista en Fleet Street fue filmada un mes y medio después del bombardeo de Londres. Cuarón escogió filmar algunas escenas en l zona de East Londres, una locación considerada como "un lugar sin glamour". Las locaciones fueron disfrazadas para hacerlas parecer incluso más deterioradas; Cuarón le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos a una locación y decíamos: si, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar luciera más deteriorado. Era sobre pobreza".
También se rodó en algunos de los sitios más populares de Londres como Trafalgar Square y Battersea Power Station. La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo artístico es una referencia al Tate Modern) ha sido comparada con Red Desert de Antonioni.
Cuarón añadió un globo de cerdo visible entre la entrevista entre Nigel y Theo como un homenaje a Animals de Pink Floyd.
Las compañías londinenses de efectos visuales Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guion hasta la pos producción, desarrollando efectos y creando "ambientes y tomas que de otra forma no serían posibles.
El Histórico Astillero en Chatam fue usado para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas.
Como ya he señalado es una película interesante. Hable de muchos temas, de grandes temas. Habla de la Esperanza, de la Fe, del final de la humanidad.
Hijos de los hombres explora los temas de esperanza y fe rente a la desesperación en una una sociedad incapaz de reproducirse y la esperanza de un nacimiento para que sobrevivan las futuras generaciones humanas.
Se habla también de la necesidad de la luchar, del sufrimiento de la inevitabilidad de la muerte . De cualquier manera Cuarón no intenta explicar el por qué de la infertilidad. No hay una explicación ambiental aunque siempre hay humo y neblina en el ambiente. No habla de Dios, como creo que sí habla la novela. Cuarón no da razones. El mexicano había declarado en alguna ocasión que "Hay una clase de cine que detesto, el cual es un cine que trata de exposición y explicaciones... Se ha vuelto ahora lo que yo llamo un medio para lectores perezosos... El cine es una narrativa de rehenes. Y soy muy bueno en la narrativa como un rehén del cine." La respuesta vital a la desesperanza es el "casi mítico " Proyecto Humano y eje buscar cobijo en el barco "Tomorrow".
Igual de presente está el elemento religioso. De acuerdo con Cuarón, el título del libro de P. D. James (Children of men) es una alegoría católica derivada de un pasaje de escritura en la Biblia. y de uno de sus Salmos que dice "Pues vuelves al hombre hacia la destrucción; Y dices: Convertíos, hijos de los hombres". James se refiere a su historia como una "fábula cristiana" mientras Cuarón la describe como "casi un vistazo al cristianismo". En ese sentido declaró que "no quise espantarme de los arquetipos espirituales", Cuarón dijo a la Filmmaker Magazine. "Pero no estaba interesado en lidiar con dogmas".
El filme está lleno de simbolismo cristiano; por ejemplo, los "Peces" protegen los derechos de los refugiados Estrenándose en Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon a los personajes de Theo y Kee con María y José, llamando al filme una "moderna historia de la Natividad".
El embarazo de Kee le es revelado a Theo en el granero, aludiendo al pesebre en al escena de la Natividad; cuando Theo pregunta a Kee quién es el padre del bebé ella declara bromeando que es virgen; y cuando otros personajes de descubren a Kee y su bebé, responden con "Jesucristo" o la señal de la cruz. También el Arcángel Gabriel (entre otras figuras religiosas) es invocado en la escena del autobús.
Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón comisionó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener, miembro de la iglesia ortodoxa oriental cuyos trabajos resuenan con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención en los ojos de dios". Llamando a su partitura como una "reacción musical y espiritual al filme de Alfonso", retazos de "Fragmentos de una Oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantados por la mezzo-soprano Sarah Connolly. A esto se suma el lenguaje director integrado por palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "alleluia" aparecen a lo largo del filme.
Cuarón declaró que "Queríamos que el final fuera un vistazo de una posibilidad de esperanza, para que la audiencia invirtiera su propio sentido de esperanza en ese final. Así que si tu eres una persona esperanzada verás mucha esperanza y si eres una persona sombría verás una total desesperanza al final".
Otro tema que toca de lleno la película es el papel de los refugiados, algo tan presente en el momento como lo ha sido más tarde con el tema de los refugiados sirios o el tristemente campamento de Calais, que tenía como objetivo llegar a Gran Bretaña. Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter destacan ese papel de la inmigración en el filme . Ethan Alter destaca que el film "hace un caso potente contra el sentimiento anti migratorio" popular en las sociedades modernas como el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que Guerrasio describe al filme como "una meditación compleja sobre las políticas de hoy".
Para Alter y otros críticos, hay mucho del presente en ese campo de refugiados . Está desde Abu Ghraib, a Guantánamo pasando por el Tarajal o el Campamento de Calais o los de sirios en Turqía, Grecia o Macedonia.
Manohla Dargis, quien describe los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria plausibilidad" en el que los refugiados son "cazados", reunidos y metidos en jaulas y campos, e incluso disparados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puif a observar los simbólicos "trasfondos" e imágenes del Holocausto.
Este tema es reforzado en la escena donde una anciana refugiada hablando alemán es detenida en una jaula27 y en la escena donde la seguridad nacional británica desviste y golpea inmigrantes ilegales; una canción de The Libertines, "Arbeit macht frei", suena en el fondo."
Las alusiones visuales de las detenciones nazis son permanente", escribe Richard A. Blake. "Muestra en lo que la gente se puede convertir cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio". Cuarón explica cómo usa estas imágenes para propagar el tema al usar referencias cruzadas ficticias y eventos futuristas con incidentes y creencias reales, contemporáneas o históricas: Desalojan los apartamentos rusos y la siguiente toma que ves es esta mujer gimiendo, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esto es una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó la fotografía, estaba referenciando a La Pietà, la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús
La escritora y crítica de cine, Laura Eldred de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill observa que Hijos de los hombres está "llena de cositas que hacen un llamado a la audiencia educada" y con continuas llamadas de atención a escritores clásicos y contemporáneos como T. S. Eliot , la Eneida de Virgilio, la Divina Comedia de Dante o los Cuentos de Canterbury de Chaucer
Destaca Colin Covert del Star Tribun que gran parte del estilo y del diseño de la película "En la mayoría de las historias épicas, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la adelantan sin problemas", observa Las vallas publicitarias fueron diseñadas para balancear una apariencia contemporánea y futurista así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese periodo, y los autos fueron hechos para parecerse a los modernos en un primer vistazo, aunque una mirada más cercana los hacía ver no familiares.
Cuarón informó al departamento de arte que el filme era el "anti-Blade Runner", rechazando propuestas de tecnología avanzada y minimizando los elementos de ciencia ficción del escenario de 2027. El directo se enfocó en imágenes que reflejan el periodo contemporáneo.
Children of Men usó varios planos secuencia largos en los cuales acciones extremadamente complejas tienen lugar. Los más largos de estos son una toma donde Kee da a luz ; una emboscada en un camino rural y una escena donde Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una violenta batalla. Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, añadida por efectos CGI.
La creación de los plano secuencia fue un proceso retador y que consumió tiempo, lo que desató preocupaciones del estudio. Tardó catorce días preparar el rodaje en el que el personaje de Clive Owen busca un edificio bajo el ataque, y cinco horas cada vez que quería rodarla de nuevo. A mitad de una toma, saltó sangre en el lente, y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. De acuerdo con Owen, "Justo en medio de ella estamos el operador de la cámara y yo porque estamos haciendo está muy complicada, muy específica danza en la cual, cuando filmamos, tenemos que hacer que se sienta completamente aleatoria".
La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada al borde del camino fue descartada por los expertos en producción por ser una "toma imposible de hacer".
Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar alguna escena, pero Lubezki se rehusó a permitirlo, recordándole al director que tenían intenciones de hacer un filme parecido a un "documental crudo".
Hubo adaptaciones de cámaras y de vehículos con todo el supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas largas imposibles", donde su trabajo era "crear la ilusión de un continuo movimiento de la cámara". Una vez que el equipo era capaz de crear una "mezcla perfecta", se moverían a la siguiente toma.
En una entrevista con Variety, Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de una toma: "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo mezclas todo y mantienes la percepción de una fluida coreografía a través de estas diferentes piezas".
Cuarón usó sonido y música para traer el mundo ficticio de malestar social e infecundidad a la vida. Una combinación creativa pero contenida de rock, pop, electrónica, hip-hop y música clásica reemplazan a la típica banda sonora. Los sonidos mundanos de tráfico, perros ladrando y anuncios, siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times, Kevin Crust, llama un "retumbar de audio urbano". Para Crust, la música comenta indirectamente en el mundo estéril de Children of Men: la versión de Deep Purple de "Hush" sonando a todo volumen en el radio del coche de Jasper, se vuelve una "astuta canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que "The Court of the Crimson King" de King Crimson hace una alusión similar con sus letras: "tres canciones de cuna en una lengua antigua".
También suena música electrónica, , pero también de Radiohead , de Kode & The Space Ape y Pressure. incluso música clásica de George Frideric Handel, Gustav Mahler y la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Kyrzysztof Penderecki complementan el caos del campo de refugiados.
A través del filme, Fragments of a Prayer de John Tavener , el músico al que se le acredita en la película es usada como un elemento espiritual para explicar e interpretar la historia sin el uso de la narrativa.
Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63 Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006.
Pocos días después, en concreto, el 22 de septiembre de 2006, el filme se estrenó en el Reino Unido con $2.4 millones en 368 pantallas.. Meses más tarde hubo un lanzamiento limitado en 16 cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1,200 cines el 5 de enero de 2007.
Para el 6 de febrero de 2008, Children of men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de las ganancias generadas en Estados Unidos.
Una vez estrenada Children of Men recibió una buena acogida por la crítica. En Rotten Tomatoes, el filme recibió una valuación de 92% de aprobación basada en 237 reseñas de críticos; el consenso declara: "Children of men trabaja en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un fantástico cuento aleccionador y un sofisticado drama humano sobre sociedades luchando por vivir". En Metacritic, el filme tiene una calificación de 84 de 100, basada en 38 reseñas, indicando "aclamación universal". En IMDb el filme tiene una valoración de 7'9 sobre 10.
Dana Stevens de Slate lo calificó ´como "el heraldo de otro bendito evento: la llegada de un gran director con el nombre de Alfonso Cuarón". Stevens elogió las escenas de la persecución automovilística y las batallas como "dos de las más virtuosas secuencias de persecución que he visto".
Para Manohla Dargis del The New York Times se trata de un " thriller político magníficamente dirigido", lloviéndole reconocimientos en las largas escenas de persecución. Además Manohla Dargis comenta que " (...) nada en las películas anteriores de Cuarón te prepara para el brutal realismo de esta explosión, que incluso aquí es más terrible por parecer tan verosímil."
Para Peter Travers de Rolling Stone lo reconoce como uno de los mejores filmes de la década, escribiendo: "Pensé que el filme del director Cuarón sobre la fábula político futurista de P. D. James era bueno cuando se estrenó en 2006. Después de repetidas vistas, sé que "Children of men" es indiscutiblemente genial... Ninguna película en esta década estuvo más impregnada de triste belleza y acción estimulante. No miras la escena de la emboscada del auto (pura magia de la cámara) — la vives. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer".
Derek Elley de Variety destaca que es "A ratos apasionante retrato de una Inglaterra no tan futurista (...) una interesante -pero con fallos- muestra de una sociedad opresiva y enferma. (...) maravillosamente excéntrica interpretación de Michael Caine."
Roger Ebert del Chicago Sun-Times nos dijo sobre ella que "Las interpretaciones son (...) del todo convincentes. (...) Y aprendemos que la única cosa de la que tenemos tener miedo en el futuro es del propio pasado. De nuestro pasado. De nosotros mismos. (...) ."
Para Ethan Alter del Film Journal International, es "Fácilmente uno de los mejores filmes del año" con escenas que te "deslumbran con su complejidad técnica y virtuosidad visual".
En la prensa británica Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas como las "típicas fantasías futuristas".
Stella Papamichael de la BBC Television Centre sostiene que "Cuarón pinta un apasionantemente lúgubre retrato de una Gran Bretaña sumida en la anarquía en el año 2027, pero el guión también se ve afectado por el desorden. (...) ."
La encuesta sobre los mejores filmes de 2006 a los críticos de Film Comment clasificó al filme como con el número 19, y The A.V. Club, el San Francisco Chronicle, Slate y The Washington Post la colocaron en el número uno. El Entertainment Weekly la clasificó como séptimo en su lista de mejores diez de fin de la década, diciendo: "El filme distópico de 2006, de Alfonso Cuarón, nos recordó que secuencias de acción cargadas de adrenalina funcionan mejor cuando el futuro luce tan mugriento como hoy".
En España Oti Rodríguez Marchante en el ABC destacaba qie "Cuarón consigue crear un cuadro desolador de nosotros mismos (...) impresionante trazo hiperrealista."
Para Carlos Boyero en El Mundo "Cuarón logra clima de ciencia-ficción. (...) El mexicano filma su mejor película en EEUU con una potente adaptación de una agobiante historia futurista (...) consigue atraparte y ponerte los pelos de punta." También en El Mundo Luis Martínez nos habla de una "Obra maestra"
Javier Ocaña en El País comenta que la película tiene una "Impecable ambientación de corte realista que sobrecoge por su crudeza. Cuarón se desenvuelve a la perfección por el fango (...) la única cojera de la película es que el continente termina siendo mucho más importante que el contenido" España
Jordi Picatoste Verdejo Fotogramas "La cinta se vive intensamente (...) Lo mejor: la intensidad in crescendo del viaje. Lo peor: los aires de grandeza de su primera media hora. (...) ."
Los guionistas de Children of men fueron premiados en los Premios SC Scripter Award por la adaptación cinematográfica de la novela; Howard A. Rodman, presidente de la USC School of Cinematic Arts Writing Division, describe a la adaptación como "escritura y guionismo del más alto orden", aunque en el Frankfurter Allgemeine Zeitung, destacó que el guion recuerda muy poco a la novela, y lo mucho que difería de ella , pues la embarazada era Julian
El filme también fue nominado en la categoría de Mejor guion adaptado en la 79 entrega de los premios Oscar. Children of Men también recibió nominaciones de la academia a Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Mejor montaje (Alfonso Cuarón y Alez Rodríguez y mejor guión adaptado.
En los British Academy of Film and Television Arts, vamos, los BAFTA , nominó a Children of men a Mejores efectos visuales y lo honró con los premios de Mejor fotografía y Mejor diseño de producción en su 60 entrega.
El director de fotografía Emmanuel Lubezki ganó el premio de Mejor fotografía de largometraje en los 21st American Society of Cinematographers Awards. También fue reconocido por la Australian Cinematographers Society dándole en 2007 el International Award for Cinematography por Children of Men.
Tuvo tres nominaciones en el Festival de Venecia entre ellas a la Mejor contribución técnica (escenografía)
El Círculo de Críticos de Nueva York la nominó por su Mejor fotografía al igual que la Asociación de Críticos de los Angeles y la Asociación de Críticos de Chicago
En los Premios Sur fue nominada a mejor película extranjera y The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films confirió el Saturn Award for Best Science Fiction Film a Children of Men, y recibió la nominación a Mejor Drana eb Largo formado por los miembros del World Science Fiction Convention.
Hijos de los hombres explora los temas de esperanza y fe rente a la desesperación en una una sociedad incapaz de reproducirse y la esperanza de un nacimiento para que sobrevivan las futuras generaciones humanas.
Se habla también de la necesidad de la luchar, del sufrimiento de la inevitabilidad de la muerte . De cualquier manera Cuarón no intenta explicar el por qué de la infertilidad. No hay una explicación ambiental aunque siempre hay humo y neblina en el ambiente. No habla de Dios, como creo que sí habla la novela. Cuarón no da razones. El mexicano había declarado en alguna ocasión que "Hay una clase de cine que detesto, el cual es un cine que trata de exposición y explicaciones... Se ha vuelto ahora lo que yo llamo un medio para lectores perezosos... El cine es una narrativa de rehenes. Y soy muy bueno en la narrativa como un rehén del cine." La respuesta vital a la desesperanza es el "casi mítico " Proyecto Humano y eje buscar cobijo en el barco "Tomorrow".
Igual de presente está el elemento religioso. De acuerdo con Cuarón, el título del libro de P. D. James (Children of men) es una alegoría católica derivada de un pasaje de escritura en la Biblia. y de uno de sus Salmos que dice "Pues vuelves al hombre hacia la destrucción; Y dices: Convertíos, hijos de los hombres". James se refiere a su historia como una "fábula cristiana" mientras Cuarón la describe como "casi un vistazo al cristianismo". En ese sentido declaró que "no quise espantarme de los arquetipos espirituales", Cuarón dijo a la Filmmaker Magazine. "Pero no estaba interesado en lidiar con dogmas".
El filme está lleno de simbolismo cristiano; por ejemplo, los "Peces" protegen los derechos de los refugiados Estrenándose en Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon a los personajes de Theo y Kee con María y José, llamando al filme una "moderna historia de la Natividad".
El embarazo de Kee le es revelado a Theo en el granero, aludiendo al pesebre en al escena de la Natividad; cuando Theo pregunta a Kee quién es el padre del bebé ella declara bromeando que es virgen; y cuando otros personajes de descubren a Kee y su bebé, responden con "Jesucristo" o la señal de la cruz. También el Arcángel Gabriel (entre otras figuras religiosas) es invocado en la escena del autobús.
Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón comisionó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener, miembro de la iglesia ortodoxa oriental cuyos trabajos resuenan con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención en los ojos de dios". Llamando a su partitura como una "reacción musical y espiritual al filme de Alfonso", retazos de "Fragmentos de una Oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantados por la mezzo-soprano Sarah Connolly. A esto se suma el lenguaje director integrado por palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "alleluia" aparecen a lo largo del filme.
Otro tema que toca de lleno la película es el papel de los refugiados, algo tan presente en el momento como lo ha sido más tarde con el tema de los refugiados sirios o el tristemente campamento de Calais, que tenía como objetivo llegar a Gran Bretaña. Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter destacan ese papel de la inmigración en el filme . Ethan Alter destaca que el film "hace un caso potente contra el sentimiento anti migratorio" popular en las sociedades modernas como el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que Guerrasio describe al filme como "una meditación compleja sobre las políticas de hoy".
Para Alter y otros críticos, hay mucho del presente en ese campo de refugiados . Está desde Abu Ghraib, a Guantánamo pasando por el Tarajal o el Campamento de Calais o los de sirios en Turqía, Grecia o Macedonia.
Manohla Dargis, quien describe los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria plausibilidad" en el que los refugiados son "cazados", reunidos y metidos en jaulas y campos, e incluso disparados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puif a observar los simbólicos "trasfondos" e imágenes del Holocausto.
Este tema es reforzado en la escena donde una anciana refugiada hablando alemán es detenida en una jaula27 y en la escena donde la seguridad nacional británica desviste y golpea inmigrantes ilegales; una canción de The Libertines, "Arbeit macht frei", suena en el fondo."
Las alusiones visuales de las detenciones nazis son permanente", escribe Richard A. Blake. "Muestra en lo que la gente se puede convertir cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio". Cuarón explica cómo usa estas imágenes para propagar el tema al usar referencias cruzadas ficticias y eventos futuristas con incidentes y creencias reales, contemporáneas o históricas: Desalojan los apartamentos rusos y la siguiente toma que ves es esta mujer gimiendo, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esto es una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó la fotografía, estaba referenciando a La Pietà, la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús
La escritora y crítica de cine, Laura Eldred de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill observa que Hijos de los hombres está "llena de cositas que hacen un llamado a la audiencia educada" y con continuas llamadas de atención a escritores clásicos y contemporáneos como T. S. Eliot , la Eneida de Virgilio, la Divina Comedia de Dante o los Cuentos de Canterbury de Chaucer
Destaca Colin Covert del Star Tribun que gran parte del estilo y del diseño de la película "En la mayoría de las historias épicas, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la adelantan sin problemas", observa Las vallas publicitarias fueron diseñadas para balancear una apariencia contemporánea y futurista así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese periodo, y los autos fueron hechos para parecerse a los modernos en un primer vistazo, aunque una mirada más cercana los hacía ver no familiares.
Cuarón informó al departamento de arte que el filme era el "anti-Blade Runner", rechazando propuestas de tecnología avanzada y minimizando los elementos de ciencia ficción del escenario de 2027. El directo se enfocó en imágenes que reflejan el periodo contemporáneo.
Children of Men usó varios planos secuencia largos en los cuales acciones extremadamente complejas tienen lugar. Los más largos de estos son una toma donde Kee da a luz ; una emboscada en un camino rural y una escena donde Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una violenta batalla. Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, añadida por efectos CGI.
La creación de los plano secuencia fue un proceso retador y que consumió tiempo, lo que desató preocupaciones del estudio. Tardó catorce días preparar el rodaje en el que el personaje de Clive Owen busca un edificio bajo el ataque, y cinco horas cada vez que quería rodarla de nuevo. A mitad de una toma, saltó sangre en el lente, y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. De acuerdo con Owen, "Justo en medio de ella estamos el operador de la cámara y yo porque estamos haciendo está muy complicada, muy específica danza en la cual, cuando filmamos, tenemos que hacer que se sienta completamente aleatoria".
La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada al borde del camino fue descartada por los expertos en producción por ser una "toma imposible de hacer".
Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar alguna escena, pero Lubezki se rehusó a permitirlo, recordándole al director que tenían intenciones de hacer un filme parecido a un "documental crudo".
Hubo adaptaciones de cámaras y de vehículos con todo el supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas largas imposibles", donde su trabajo era "crear la ilusión de un continuo movimiento de la cámara". Una vez que el equipo era capaz de crear una "mezcla perfecta", se moverían a la siguiente toma.
En una entrevista con Variety, Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de una toma: "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo mezclas todo y mantienes la percepción de una fluida coreografía a través de estas diferentes piezas".
Cuarón usó sonido y música para traer el mundo ficticio de malestar social e infecundidad a la vida. Una combinación creativa pero contenida de rock, pop, electrónica, hip-hop y música clásica reemplazan a la típica banda sonora. Los sonidos mundanos de tráfico, perros ladrando y anuncios, siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times, Kevin Crust, llama un "retumbar de audio urbano". Para Crust, la música comenta indirectamente en el mundo estéril de Children of Men: la versión de Deep Purple de "Hush" sonando a todo volumen en el radio del coche de Jasper, se vuelve una "astuta canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que "The Court of the Crimson King" de King Crimson hace una alusión similar con sus letras: "tres canciones de cuna en una lengua antigua".
También suena música electrónica, , pero también de Radiohead , de Kode & The Space Ape y Pressure. incluso música clásica de George Frideric Handel, Gustav Mahler y la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Kyrzysztof Penderecki complementan el caos del campo de refugiados.
A través del filme, Fragments of a Prayer de John Tavener , el músico al que se le acredita en la película es usada como un elemento espiritual para explicar e interpretar la historia sin el uso de la narrativa.
Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63 Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006.
Pocos días después, en concreto, el 22 de septiembre de 2006, el filme se estrenó en el Reino Unido con $2.4 millones en 368 pantallas.. Meses más tarde hubo un lanzamiento limitado en 16 cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1,200 cines el 5 de enero de 2007.
Para el 6 de febrero de 2008, Children of men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de las ganancias generadas en Estados Unidos.
Una vez estrenada Children of Men recibió una buena acogida por la crítica. En Rotten Tomatoes, el filme recibió una valuación de 92% de aprobación basada en 237 reseñas de críticos; el consenso declara: "Children of men trabaja en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un fantástico cuento aleccionador y un sofisticado drama humano sobre sociedades luchando por vivir". En Metacritic, el filme tiene una calificación de 84 de 100, basada en 38 reseñas, indicando "aclamación universal". En IMDb el filme tiene una valoración de 7'9 sobre 10.
Dana Stevens de Slate lo calificó ´como "el heraldo de otro bendito evento: la llegada de un gran director con el nombre de Alfonso Cuarón". Stevens elogió las escenas de la persecución automovilística y las batallas como "dos de las más virtuosas secuencias de persecución que he visto".
Para Manohla Dargis del The New York Times se trata de un " thriller político magníficamente dirigido", lloviéndole reconocimientos en las largas escenas de persecución. Además Manohla Dargis comenta que " (...) nada en las películas anteriores de Cuarón te prepara para el brutal realismo de esta explosión, que incluso aquí es más terrible por parecer tan verosímil."
Para Peter Travers de Rolling Stone lo reconoce como uno de los mejores filmes de la década, escribiendo: "Pensé que el filme del director Cuarón sobre la fábula político futurista de P. D. James era bueno cuando se estrenó en 2006. Después de repetidas vistas, sé que "Children of men" es indiscutiblemente genial... Ninguna película en esta década estuvo más impregnada de triste belleza y acción estimulante. No miras la escena de la emboscada del auto (pura magia de la cámara) — la vives. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer".
Derek Elley de Variety destaca que es "A ratos apasionante retrato de una Inglaterra no tan futurista (...) una interesante -pero con fallos- muestra de una sociedad opresiva y enferma. (...) maravillosamente excéntrica interpretación de Michael Caine."
Roger Ebert del Chicago Sun-Times nos dijo sobre ella que "Las interpretaciones son (...) del todo convincentes. (...) Y aprendemos que la única cosa de la que tenemos tener miedo en el futuro es del propio pasado. De nuestro pasado. De nosotros mismos. (...) ."
Para Ethan Alter del Film Journal International, es "Fácilmente uno de los mejores filmes del año" con escenas que te "deslumbran con su complejidad técnica y virtuosidad visual".
En la prensa británica Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas como las "típicas fantasías futuristas".
Stella Papamichael de la BBC Television Centre sostiene que "Cuarón pinta un apasionantemente lúgubre retrato de una Gran Bretaña sumida en la anarquía en el año 2027, pero el guión también se ve afectado por el desorden. (...) ."
La encuesta sobre los mejores filmes de 2006 a los críticos de Film Comment clasificó al filme como con el número 19, y The A.V. Club, el San Francisco Chronicle, Slate y The Washington Post la colocaron en el número uno. El Entertainment Weekly la clasificó como séptimo en su lista de mejores diez de fin de la década, diciendo: "El filme distópico de 2006, de Alfonso Cuarón, nos recordó que secuencias de acción cargadas de adrenalina funcionan mejor cuando el futuro luce tan mugriento como hoy".
En España Oti Rodríguez Marchante en el ABC destacaba qie "Cuarón consigue crear un cuadro desolador de nosotros mismos (...) impresionante trazo hiperrealista."
Para Carlos Boyero en El Mundo "Cuarón logra clima de ciencia-ficción. (...) El mexicano filma su mejor película en EEUU con una potente adaptación de una agobiante historia futurista (...) consigue atraparte y ponerte los pelos de punta." También en El Mundo Luis Martínez nos habla de una "Obra maestra"
Javier Ocaña en El País comenta que la película tiene una "Impecable ambientación de corte realista que sobrecoge por su crudeza. Cuarón se desenvuelve a la perfección por el fango (...) la única cojera de la película es que el continente termina siendo mucho más importante que el contenido" España
Jordi Picatoste Verdejo Fotogramas "La cinta se vive intensamente (...) Lo mejor: la intensidad in crescendo del viaje. Lo peor: los aires de grandeza de su primera media hora. (...) ."
Los guionistas de Children of men fueron premiados en los Premios SC Scripter Award por la adaptación cinematográfica de la novela; Howard A. Rodman, presidente de la USC School of Cinematic Arts Writing Division, describe a la adaptación como "escritura y guionismo del más alto orden", aunque en el Frankfurter Allgemeine Zeitung, destacó que el guion recuerda muy poco a la novela, y lo mucho que difería de ella , pues la embarazada era Julian
El filme también fue nominado en la categoría de Mejor guion adaptado en la 79 entrega de los premios Oscar. Children of Men también recibió nominaciones de la academia a Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Mejor montaje (Alfonso Cuarón y Alez Rodríguez y mejor guión adaptado.
En los British Academy of Film and Television Arts, vamos, los BAFTA , nominó a Children of men a Mejores efectos visuales y lo honró con los premios de Mejor fotografía y Mejor diseño de producción en su 60 entrega.
El director de fotografía Emmanuel Lubezki ganó el premio de Mejor fotografía de largometraje en los 21st American Society of Cinematographers Awards. También fue reconocido por la Australian Cinematographers Society dándole en 2007 el International Award for Cinematography por Children of Men.
Tuvo tres nominaciones en el Festival de Venecia entre ellas a la Mejor contribución técnica (escenografía)
El Círculo de Críticos de Nueva York la nominó por su Mejor fotografía al igual que la Asociación de Críticos de los Angeles y la Asociación de Críticos de Chicago
En los Premios Sur fue nominada a mejor película extranjera y The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films confirió el Saturn Award for Best Science Fiction Film a Children of Men, y recibió la nominación a Mejor Drana eb Largo formado por los miembros del World Science Fiction Convention.
Como ya he dicho destacar que está coproducción entre el Reino Unido y los Estados Unidos me ha encantado sobre todo por lo inesperada , por la profundidad de unos temas que invitan a pensar , por su tono apocalíptico pero que deja algún atisbo a la esperanza , la redención y fe, - a lo mejor estoy condicionado por escribir esto en Semana Santa- por su guión , por su fotografía, por la dirección artísticas, por el magnífico trabajo de Clive Owen y del resto del elenco - magistral Michael Caine- sus magníficos y complejos planos secuencia de acción, por sus batallas y asaltos espeluznantes y por la necesidad que tiene el ser humano de buscar una paz, aunque sea interior.
