La mano que mece la cuna es la mano que maneja el mundo. Con esta promoción fue vendida esta película que lanzó a Rebecca de Mornay y nos presentó a una joven que explotaría más tarde como Julianne Moore. 

*EC: En construcción

Another Carrie

Noche de Halloween , tras haber abierto a lo largo de la tarde la puerta en cuatro ocasiones y repartido gominolas a decenas de niños y niñas que entraban y salían del portal ruidosamente- como tiene que ser- tocaba por la noche una película de terror.

Tras diversas opciones que tenía, hoy la tele salvo Tele% que ha apostado por otro película de terror 8 es su estraño concepto de terror , Pretty Woman, - es un canal que no entiendo, pero bueno, que se le va a hacer - la elegida ha sido Carrie, pero no la película dirigida por Brian De Palma en 1976 que adaptó la novela homónima de Stephen King, sino la última versión, del año 2013 dirigida por una directora de cine estadounidense - y también de televisión sienda responsable de episodios de series como American Crime, Halt and Catch Fire , Turn o Manhattan - , Kimberly Peirce. Peirce , nacida en la famosa ciudad Harrisburg , Pennsylvania, aquella del incidente del reactor nuclear de Three Mile Island.

Peirce fue directora de Boys Don't Cry (1999), que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz por la actuación de Hillary Swank y de Stop-Loss , fue lanzado por Paramount Pictures en 2008, así como de esta versión de Carrie, es Presidenta de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y miembro de la Junta Nacional del gremio de directores de América. Vamos, una persona que , además de ser guionista y productora, parece que se mueve bien o al menos cómoda en los despachos y es una activista LGTB.

En esta ocasión Kimberly Peirce contó como productor con Kevin Misher y con el apoyo de las productoras Metro-Goldwyn-Mayer, Screen Gems y Misher Films y la distribución de Sony Pictures Entertainment, así como un elevado presupuesto de $30.000.000 que fue ampliamente recompensado.
Para el guión la responsabilidad recayó en Lawrence D. Cohen y Roberto Aguirre-Sacasa que retoma el texto de la obra Carrie escrita por Stephen King. En el apartado técnico destaca la música de Marco Beltrami, la fotografía de Steve Yedlin y el montaje de Lee Percy.

Y el elenco lo forma Chloë Grace Moretz como Carrie White - aunque para mi, siempre será Sissi Spacek- , Julianne Moore como Margaret White, la madre "loca" y religiosa de Carrie. A ellas se suman Gabriella Wilde como Sue Snell, Ansel Elgort como Tommy Ross y Judy Greer como Miss Rita Desjardin, la profesora de Educación Física. Junto ellas aparecen Portia Doubleday como Chris Hargensen, la peor enemiga de Carrie, Alex Russell como Billy Nolan, Zoë Belkin como Tina Blake, Karissa Strain como Nicki, Katie Strain como Lizzy, Demetrius Joyette como George, Samantha Weinstein como Heather Shyres, Mouna Traoré como Erika, Arlene Mazerolle como Miss Helen Finsh, Evan Gilchrist como Greg Delois, Eddie Max Huband como Harry Trenant, Max Topplin como Jackie Talbot, Barry Shabaka Henley como el director Henry Morton.

Participan igualmente Cynthia Preston como Eleanor Snell, Jefferson Brown como Edwin Ulman, Connor Price como Freddy "Beak" Holt, Phillip Nozuka como Ernie Peterson, Kyle Mac como Kenny Garson, Tyler Rushton como Jerry Erbter y Skyler Wexler como Carrie White niña (en unas escenas eliminadas).

La película comienza con el nacimiento de Carrie White. Descubrimos durante el mismo que su madre, Margaret ( Julianne Moore) es una fanática religiosa que ha perdido la cabeza. Carrie vive con su madre en la ciudad de Chamberlain (una ciudad ficticia de Maine), y ahora cursa último año de Instituto en el Centro Ewen en Chamberlain.

Desde el primer momento descubrimos que es una chica tímida e insegura , no adaptada a las relaciones con otros adolescentes. La conocemos un día al que asiste junto a sus compañeras a una clase de Educación Física en la piscina. Entre ellas están presentes Sue Snell (Gabriella Wilde) y Christine Hargensen (Portia Doubleday). La clase la imparte la profesora Desjardin (Judy Greer) y las chicas juegan un partido de volleyball en la piscina. Las chicas se rien de la compañera.

Al terminar la clase Carrie y las demás chicas van a la ducha y mientras está bajo una de ellas Carrie comienza a menstruar. Es su primer periodo. Siendo totalmente ignorante acerca de la menstruación, piensa que está desangrándose y se aterroriza. Así que pide ayuda. Ante eso las otras chicas se ríen de ella y la humillan arrojándole tampones, salvaslip y compresas. Mientras esto ocurre las lámparas tintinean y se funden , dejando entrever que la causante de ello es la chica que tiene telekinesis.

Una de las chicas, Christine Hargensen, quien tiene fama por acosar a Carrie desde hace tiempo , graba en su móvil lo ocurrido y horas después lo enseña a sus compañeras y amigos, terminándolo más tarde de publicarlo en una red social ¿YouTube?

Ante el revuelo causado, la profesora Rita Desjardin, llega a las duchas, calma la situación y consuela a Carrie llevándola al despacho del director Henry Morton ( Barry Shabaka Henley ). El director solicita que se indentifiquen a las chicas que han hecho bullying a Carrie y pide que se llame a su madre, aunque saben que es muy peculiar ya que es profundamente religiosa madre y que se negó durante años a la escolarización de Carrie.

Con todo, Margaret es llamada por teléfono para recoja a Carrie con antelación. Esto genera en Carrie tal ansiedad que mentalmente rompe el depósito de agua que tiene el director en su despacho. Al llegar a casa, creyendo que el periodo de su hija es un "pecado" por tocarse y pensar en lo que no debe, Margaret la encierra en un armario lleno de crucifijos e imágenes religiosas para que rece y pida perdón a Dios.

Carrie grita con desesperación para salir, y repentinamente se hace una gran grieta en la puerta. Ambas quedan totalmente sorprendidas con esto, y Carrie se da cuenta de que tiene poderes telequinéticos.

Al día siguiente, Desjardin les informa a las chicas que a causa de la humillación a Carrie y por subir el video a YouTube, tendrán que ejercitarse el doble mientras piensan en lo que le hicieron a Carrie White tras haber subido a Internet el vídeo de las duchas. De lo contrario, serán suspendidas tres días y se les negará el acceso al baile de graduación. Christine, creyendo que no ha hecho nada malo, se niega a acatar órdenes de Desjardin y se encara con la profesora que le sanciona sin poder ir al baile de graduación.

Por su parte, Carrie vuelve al centro escolar y al pasar por las taquillas o entrar en el baño descubre pintadas en su contra como "Carrie White es una comemierda", de la rabia que siente, comienza a agrietar un espejo que finalmente lo rompe, lo que confirma sus sospechas sobre su poder , tras lo cual va a la biblioteca e investiga sobre la telequinesis en Internet y libros, y así va aprendiendo a usar sus habilidades.

Tras eso vemos al padre de Chris (abogado) amenazando a la escuela con demandarla en el caso de que sanciones a su hija y Desjardin revela que alguien (probablemente Chris) subió un vídeo a Internet lo en es en sí un delito contra la integridad de las personas al mostrar a Carrie siendo humillada argumentando que sería una mala prensa para quien lo hubiera subido a Internet complicando el acceso a la Universidad si se enterara la prensa.

El padre de Chris le pide su teléfono a esta para comprobar su inocencia, pero Chris sale del despacho rabiosa y con ánimo de vengarse.

Sue, una de las chicas populares que participó en el incidente de las duchas, se siente culpable por lo que hizo, y tratando de arreglar las cosas, le pide a su novio atleta, Tommy Ross (Ansel Elgort ), que lleve a Carrie al baile, con el fin de que ésta pueda pasar un buen rato. Tommy al principio se niega, pero , finalmente, accede.

Cuando al día siguiente en el comedor escolar Tommy le pregunta a Carrie, esta se muestra primero reacia, creyendo que es solo otra broma, pero más tarde acepta la invitación.

Carrie le informa a su madre que ha sido invitada, pero Margaret se niega a darle permiso para asistir. Carrie manifiesta su poder frente a su madre , levantándola del suelo, al igual que los muebles y esta cree que su hija ha sido poseída por el demonio mismo.

Mientras por otro lado, Chris, su novio Billy Nolan ( Alex Russell ), y otros chicos más, por la noche irrumpen en una granja con el fin de matar un cerdo y vaciar su sangre en una cubeta de metal. Después Billy y Chris, preparan el cubo con la sangre del cerdo que previamente habían matado en la granja y entran en el centro escolar, mientras se realizan los preparativos para el baile, y colocan la cubeta en una viga por encima de los tronos que serán respectivamente del rey y reina del baile.

Sue ayuda en la preparación del acto del baile de fin de curso, cuando se siente indispuesta, baja rápidamente por la escalera en la que se encuentra y va corriendo al baño donde vomita.

Carrie, con la tela rosa que se compró, se hace su vestido gracias a los conocimientos de costura que adquiere de su madre, que se dedica a arreglar ropa. Mientras vemos a Tommy, junto a sus amigos comprando sus trajes para la fiesta.

En la noche del baile, Margaret intenta convencer a Carrie de que se quede en casa, pero esta la encierra en el armario y se marcha no sin antes poner un disco en sonido alto para evitar que las voces lleguen a Tommy que espera en la puerta con una limousina.

En el baile, Desjardin se acerca a Carrie y lo dice lo guapa que va, tras lo cual Tommy les deja a solas mientras manda un mensaje a Sue diciéndole que la echa de menos y que Carrie está genial y que todo va bien. Carrie no quiere bailar, pues nunca lo ha hecho, pero Tommy, cuando suena una canción lenta, invita a Carrie a bailar enseñándola, mientras bailan, Carrie le pregunta por qué está ahí y él le dice que está porque es el baile de graduación y que ambos se lo están pasando bien el uno con el otro.

Entre tanto, Margaret, aprovechando la grieta en la puerta del armario que hizo Carrie, consigue salir del armario en el que había sido encerrada, aunque en ello se deja sus manos que aparecen ensangrentadas.

Por su parte, Sue, en su casa se entera de la humillación que Carrie está a punto de sufrir tras llegarle un mensaje que le manda Chris (21:56): "Tu chica se ve bien. No lo hará por mucho tiempo" . Tras eso se arregla a toda prisa y conduce rápidamente al centro escolar y consiguiendo llegar justo antes de suceda.

Mientras esto ocurre se produce la elección de rey y reina del baile. Tina Balke (Zoë Belkin), la amiga de Chris, abre la caja con los votos reales reemplazándolos con votos falsificados que hacen Rey y Reina a Tommy y Carrie. Mientras Chris y su novio, se encaraman a lo alto con el cubo de sangre de cerdo preparándose para tirarlo en cuanto sean coronados.

Sue llega al baile justo cuando nombran a la pareja de reyes mientras busca desesperadamente a Chris para evitar la broma, tras ver el cubo, intenta que Chris pare llamándola mientras la profesora Desjardin al ver a Sue y creyendo que planea humillar a Carrie, la echa del baile por la fuerza. Momento en el que Christine y su novio tiran de la cuerda en la que cae la sangre sobre Carrie.

Chris arroja el cubo con la sangre de cerdo sobre Carrie, humillándola frente a toda la escuela, una vez más. Carrie, avergonzada, trata de abandonar el escenario cuando entonces en las pantallas comienza a emitirse un vídeo en las pantallas del escenario de Carrie siendo humillada en las duchas de la escuela. La mayoría se ríen.

Entonces la cubeta de metal cae sobre Tommy, golpeándole la nuca y matándolo al instante. Carrie furiosa crea una onda expansiva que hace volar sillas, mesas y a muchas personas, Heather (Samantha Weinstein), una de las chicas amigas de Sue y Chris, intenta escapar pero Carrie la impulsa hacia una puerta donde choca contra el vidrio de la misma matándola.

Todos aterrados intentan escapar pero Carrie desesperada y llena de rencor, cierra todas las puertas del gimnasio. Jackie y Kenny intentan escapar subiendo por las gradas, pero Carrie con sus poderes sacude las mismas, Kenny se cae de las gradas mientras que Jackie queda entre un escalón y el otro, luego Carrie cierra los escalones de las gradas y aprieta al chico matándolo.

Tras el intento de un alumno de grabar a Carrie, - el que vio que ella veía en la biblioteca los videos de telekinesis, ella le lanza una mesa golpeándolo en la cabeza y lo mata. Ella enciende el sistema de emergencia de incendio del gimnasio, mientras lanza al suelo a las gemelas Nicki y Lizzy (Karissa y Katie Strain) -amigas de Chris-, para lograr que las demás personas las pisen para finalmente matarlas.

Carrie cierra el sistema de emergencia del gimnasio y corta los cables de electricidad detrás de ella tirando al suelo una estructura de metal que sostenía las luces, esto incendia el telón, para que luego el fuego se expanda. Tina se encuentra con el profesor Ulman en el gimnasio para huir con él, pero Carrie incinera una luna de papel maché y la lanza hacia Tina y el profesor, lo que los separa.

Carrie toma los cables cortados y azota con uno de ellos a Tina quien es electrocutada por los cables hasta un área llena de fuego. El vestido de Tina empieza a quemarse junto con ella. Carrie toma por el cuello a la Srta. Desjardin y la eleva por el aire y la salva de morir electrocutada ya que Carrie lanza los cables al suelo cubierto de agua para que los demás sean electrocutados y lanza a Desjardin al escenario.

Carrie entonces levita su propio cuerpo para no electrocutarse y sale del gimnasio volando. Las únicas personas que logran escapar son Chris y Billy que huyen en coche, así como Sue, la profesora Desjardin y algunos estudiantes más.

Carrie ve que Billy y Christine se van en su auto entonces decide seguirlos, en el camino ella hace estallar varios autos. Carrie crea una grieta por el pavimento que finalmente hace que la calle se hunda haciendo que Chris y Billy den vuelta en "U" y vuelvan, Christine ve a Carrie y le pide a Billy que la atropelle. El accede a su deseo, pero Carrie detiene el coche con sus poderes telequinéticos, provocando que Billy se golpee con el volante y muera.

Entonces Chris intenta atropellar ella misma a Carrie pero, Carrie eleva el auto con sus poderes y finalmente cuando Chris acelera, lo libera para que se estrelle fuertemente con un surtidor de una gasolinera que estaba atrás, por la colisión, Chistine atraviesa el vidrio delantero con la cara, muriendo, ya que tenía su rostro lleno de vidrios clavados. Carrie se asegura de la muerte de Christine tirando abajo una luz de la calle, que hace que el coche y la gasolinera exploten.

Carrie marcha a casa y al llegar a casa, se da un baño para quitarse la sangre de encima. Tras la ducha, su madre la encuentra y consuela a su hija que confiesa que se han reído de ella teniendo razón su madre momento en el cual su madre confiesa que tuvo la intención de matarla al nacer y cuando se arrodillan para rezar, Margaret apuñala a su hija en el hombro.

Carrie, usa sus poderes para empujar a su madre haciendo que ella misma caiga por las escaleras, debilitada. Margaret baja por las escaleras, forcejea con su hija provocándole varios cortes y aunque muy herida, Carrie la eleva y la lanza contra la puerta del armario y la "crucifica" ahí, clavándole varios objetos como tijeras y cuchillos en el pecho y estómago. Arrepentida por su acto, se acerca a su madre y le quita todo lo que la mantiene clavada bajándola al suelo pidiéndole perdón.

En ese momento, Sue entra por la puerta de la casa de Carrie pidiendo a esta última que la deje ayudarle. Carrie, le pregunta que por qué no le han dejado en paz y le reprocha que mire en lo que la han convertido. Sue pide perdón y que no la haga daño mientras Carrie la ahoga y le pregunta que por qué no ha de hacérselo ya que ella siempre ha sufrido, acto seguido la libera confesándole que ha matado a su madre y que está muy asustada. El miedo de Carrie provoca que sus poderes se descontrolen.

Tras darse cuenta de sus actos, Carrie hace llover piedras del cielo, y su casa comienza a destruirse. Sue se acerca a Carrie intentando ayudarla a salir de ahí, Carrie, la sujeta con sus poderes y le dice a Sue que su bebé es una niña, y la arroja fuera de la casa para que no sea aplastada. Sue queda totalmente sorprendida por el hecho de que Carrie supiera que su bebé era una niña, cuando ni ella misma sabía que estaba embarazada.

Sue observa como las piedras destruyen finalmente la casa de Carrie con ella dentro. Durante un "voice-over" del testimonio que Sue da al jurado sobre los hechos del baile de graduación, argumenta que Carrie tenía algún poder especial pero era como yo, como cualquiera de ustedes, tenía esperanzas y también temores. Nosotros la provocamos.

Al final  se muestran imágenes de esta acercándose a la tumba de Carrie, que ha sido vandalizada con las palabras "Carrie White arderá en el infierno". Sue continúa: "Y cuando provocas a alguien hasta el límite, explota" tras lo que coloca una rosa blanca en la tumba. Después de hacerlo la tumba comienza a agrietarse y se escucha un grito de Carrie, lo que indica, que Carrie podría regresar estando viva.

En mayo de 2011, los representantes de la MGM y Screen Gems anunciaron que ambas compañías estaban en la producción de la nueva adaptación de Carrie. Los dos estudios contrataron al guionista responsable de Spider-Man: Turn Off the Dark, Roberto Aguirre-Sacasa para escribir un guión que entregue "una adaptación más apegada" de la novela de King. Aguirre-Sacasa anteriormente había adaptado la obra de The Stand de Stephen King en un libro de historietas en el 2008.​

Al enterarse de una nueva adaptación, King remarcó, "La verdadera pregunta es por qué, cuando la original es tan buena."

Parece ser que el guionista sugirió a Lindsay Lohan para el papel principal y comentó que: "sería [en la película] una recluta ciertamente divertida". La actriz Sissy Spacek, que interpretó a la protagonista de la adaptación de Palma, expresó su opinión en la selección de Lohan para el personaje de Carrie White, comentando que ella "fue como un, '¡Oh Dios mio!', es muy hermosa y estaba tan complacida de que estuvieran buscando a alguien parecida a mí en vez de la verdadera Carrie descrita en el libro. Va a ser muy interesante."

En marzo de 2012, el papel de Carrie White le fue ofrecido a Chloë Grace Moretz, quien aceptó el papel.​ Después la directora del proyecto, Kimberly Pierce seleccionó a Julianne Moore como Margaret White y a Gabriella Wilde como Sue Snell. Más tarde fueron elegidos Alex Russell y Ansel Elgort así como Judy Greer para el papel de Rita Desjardin.

La película se rodó en distintos puntos de Ontario (Canadá) entre junio y septiembre de 2012. Entre ellos están Mississauga, los Pinewood Toronto Studios, en Port Lands en la ciudad de Toronto, en Newmarket, en las Northern Secondary School de Mississauga.

El estreno de la película tuvo lugar el 18 de octubre en Estados Unidos. Durante el mismo se comprobó que se habían eliminaron varias escenas, entre ellas la escena de la lluvia de piedras que causa una gran destrucción en el pueblo de Chamberlain provocada por Carrie White con sus poderes telequinéticos o la infancia de Carrie. Parte de los fans de la película han realizado una petición para que se distribuya una "Versión de la directora" con escenas extendidas como la escena de la graduación más violenta que la versión que se mostró.

La película tuvo una recaudación de $85.000.000 , lo que significó el favor del público, incluso a nivel de premios.

Consiguió el premio de al mejor remake exaequo junto con Oz the Great en los Alliance of Women Film Journalists. En los Fright Meter Awards fue nominada a la Mejor actriz de reparto Julianne Moore también fue nominada por sus efectos especiales. En los Women Film Critics Circle Awards Hall of Shame fue la ganadora.

En los People's Choice Awards fue la ganadora en la Película de terror favorita. En los Saturn Awards fue la ganadora en la mejor película de terror así mismo fue premiada como actriz joven, Chloë Grace Moretz.

En los Fangoria Chainsaw Awards Julianne More fue nominada a Mejor actriz de reparto. En los Dorian Awards Campy Flick of the Year nominó a Carrie .

En los Jupiter Award la nominación recayó a la Mejor Actriz Internacional en Chloë Grace Moretz y en los Joey Awards Internacional premió a Chloë Grace Moretz y los World Soundtrack Awards Film Marco Beltrami fue nominado a Compositor del Año.

Si el público y los premios fueron favorables a la película , la crítica no lo fue tanto. Justin Chang en Variety dijo de ella y la directora que "La intermitentemente efectiva tercera película de la directora Kimberly Peirce evita el humor diabólico y el estilo voluptuoso de De Palma a favor de un relato sombrío y serio."

Para David Rooney del The Hollywood Reporter se trata de una "Más eficaz y menos pretenciosa que muchos innecesarios remakes de películas de terror, pero no se puede comparar con el original."

Joe Neumaier del New York Daily News la describe como una "Ligera, no esencial, pero eficaz (...) Mientras Sissy Spacek parecía como de otro mundo o poseída en la película de De Palma, Moretz (...) resulta más triste. Es una actriz joven increíble. (...) "

Michael Phillips en el Chicago Tribune dice de ella que es "Una obra de tranquila confianza y de un compasivo estilo de terror, con una gran dimensión humana. (...)"

Para Manohla Dargis del The New York Times "La Sra. Peirce reproduce los temas religiosos de la historia y el de los crecientes poderes de Carrie cuando descubre sus dones telequinéticos, y profundiza más en el temor hacia el cuerpo femenino que en la versión del Sr. De Palma de alguna manera se perdía un poco." y , según Claudia Puig de USA Today "Más que ofrecernos sangre nueva, 'Carrie' acaba resultando puramente una renovación cosmética. (...)"

En España en El País Jordi Costa estamos ante "La nueva versión resitúa la historia en un nuevo contexto de ciberacoso, pero deja que se pierda por el camino precisamente lo que hizo inmortal a la primera adaptación de esta (casi) historia de súper-heroína: el estilo"

En ABC se dice que es una "Revisión con enjundia, pero sin sorpresas. (...) es un retrato más que correcto y sus interpretaciones, sobre todo la de la siempre excelente Julianne Moore, ofrecen garantías (...) "

Antonio Trashorras en Fotogramas "Kimberly Peirce ofrece aquí no sólo una Carrie más sobria, verosímil y anclada en el naturalismo que sus precedentes tanto literarios como cinematográfcos, sino, sobre todo, inesperadamente autoral (...) "

Y en Cinemanía Irene Crespo nos cuenta que "La película, vacía, sin alma, sin la huella de Peirce, es sólo una sucesión de escenas clave que ya vimos mejor en la original (...)"

En Argentina Diego Batlle en la La Nación "Aun siendo un producto inobjetable, esta Carrie surge en buena medida como una remake innecesaria." Y Horacio Bernades en Página 12 señala que "Como nueve de cada diez remakes, ésta quita más de lo que agrega. No es que esté mal y hasta tiene la ventaja de ir de menor a mayor. Pero quienes hayan visto la 'Carrie' original no tienen nada que hacer aquí."

Y Gustavo Castagna de Tiempo Argentino agrega que "'Carrie' versión nuevo siglo no hará historia pero está años luz de otras remakes."

Siguiendo lo dicho por los anteriores en Chile Antonio Martínez de El Mercurio sostiene que "La nueva versión intenta capturar vida propia, pero no alcanza a despegarse del acta de nacimiento y es una copia de algo antiguo y mejor."

Para mi es una versión más teenagger de la historia y, posiblemente, más cercana a una cruda realidad como es el bullying en los centros educativos y como se traspasa el centro cuando sigue a través de las redes sociales. Es ese sentido en una visión mucho más moderna y cercana, aunque , también hay que decir que Peirce prescinde de elementos narrativos más que notables que estaban presente en la película de De Palma, digamos más adultos. Y , en este caso, apuesta por una indudables mejores efectos especiales, un buena fotografía, más nítida ni tan quemada como la versión setentera, un buen trabajo, como siempre de Moore y una más que agradable visualmente hablando Moretz, pero lo siento, guardo en mi mente a la pelírrojo Spacek. Ella y la película son para mi inolvidable , aunque , posiblemente, sea una cuestión de edad o mitología vinculada con mi recuerdo. De cualquier manera, la película es vale mucho más que un aceptable.

Hijo de los hombres

Me ha encantado Hijo de los hombres. Me ha horrorizado un futuro como el que nos presenta. Me ha parecido valiente y fascinante en su temática, la infertlidad, la fe, la creencia en un futuro, la resistencia, la xenofobia en momentos de crisis,etc...

Me ha sorprendido encontrarme con una gran película. Insisto en lo de gran, pues grande es igualmente el trabajo del director, la narración y la ejecución de la misma, la puesta en escena o el trabajo de los actores, especialmente el de Clive Owen, y el de los que le acompañan que suman un reparto brillante, aunque su duración ante la cámara, en algunos casos, sea breve.

Children of Men o Hijos de los hombres es una película de ciencia ficción y suspense dirigido y coescrito por el director, guionista y productor mexicano Alfonso Cuarón, uno de la trilogía de directores premiados últimamente por la Academia de Cine junto a Iñarritu o Del Toro, premiado este mismo año. Hablamos de un director que ha tenido la fortuna de trabajar en su país, donde se formó, en Los Ángeles , donde cuajó algunas buenas obras valoradas más por la crítica que el público, retornando a México para rodar Y tu mamá también, en Europa, sobre todo en Gran Bretaña donde hizo la para mi más brillante entrega de Harry, por supuesto, Potter , con Harry Potter y el prisionero de Azkaban en 2004 tras su encargo por Warner Brothers y en la que realizará dos años más tarde, en 2006,  Hijo de los hombres en el trabaja en su guión sobre la novela homónima de P. D. James escrita en 1992. 

Tras su incursión en este thriller distópico que nos ocupa situado en un futuro cercano, ese mismo año, se encargó de la producción de El laberinto del fauno de su amigo Guillermo del Toro. Durante el festival de Cannes 2007, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu, firmaron con Universal Pictures una excelente negociación donde Universal financiará las primeras 5 películas de Cha Cha Chá Films, productora conformada por este trío de cineastas, este apoyo es por más de 100 millones de dólares.

Posteriormente, la compañía de declaró en quiebra así que el creará su propia compañía de producción y distribución "Esperanto Filmoj" ("Esperanto Películas", llamado así debido a su apoyo a la lengua internacional Esperanto​), que tiene créditos en las películas Temporada de patos, El laberinto del fauno y Gravity, que llevaría a la concesión de su Oscar y su consagración cinematográfica. )

La película en la que interviene en el guión Cuarón también aparecen acreditados cinco escritores como Timothy J. Sexton, David Arata , Mark Fergus , Hawk Ostby y  Hilary Shor. Se atribuye igualmente  contribuciones al actor Clive Owen aunque se referencia es siempre The Children of Men de Phyllips  Dorothy James , la autora que falleció en 2014, famosa por sus novelas policiales bien documentadas y absorbentes y en gran parte protagonizadas por el Inspector Dalgliesh",estuvo muy complacida por cómo se había reescrito su película. 

En la producción se encuentran Iain Smith , Tony Smith,  Marc Abraham , Eric Newman y Hilary Shor siendo los encargados del diseño de la producción Jim Clay y Geoffrey Kirkland  para la productora Strike Entertainment quedando en la distribución la  United International Pictures 

La labor en la banda sonora es el del músico John Tavener  aunque también aporta intensidad la voz de Sarah Connolly . La encargada del vestuario es  Jany Temime 

La fotografía fue labor de otro amigo y colaborador habitual de Cuarón, Emmanuel Lubezki , mientras que el montaje fue cosa de Álex Rodríguez y Alfonso Cuarón que se acredita como director, guionista y editor.

El reparto lo encabeza  Clive Owen como Theo Faron. Junto a él aparecen Julianne Moore como Julian Taylor., Michael Caine como Jasper Palmer, Chiwetel Ejiofor como Luke , Charlie Hunnam como Patric , Clare-Hope Ashitey como Kee.

Junto a ellos están Peter Mullan como Syd,  Pam Ferris como Miriam, y Danny Huston como Nigel, el primo de Theo , Oana Pellea como Marichka,  Paul Sharma como Ian y Jacek Koman como Tomasz . Aparecen igualmente Charlie Hunnam y  Ed Westwick,

La película se desarrolla en un futuro tan cercano como incierto. Estamos en 2027, y desde hace casi  dos décadas, en concreto 18 años, una extraña pandemia ha convertido en infértil a la humanidad. La civilización está al borde del colapso mientras la humanidad se enfrenta a la extinción.  Desde ese momento la sociedad el mundo se ha transformado en un páramo social y algunos sociedad directamente se han hundido. 

El Reino Unido parece uno de los pocos espacios que han sobrevivido pero a un alto precio. Los inmigrantes ilegales huyendo del caos y la guerra que se han apoderado del mundo y que buscan el santuario británico descubren como el Gobierno ¿de su graciosa Majestad? impone opresivas leyes contra la inmigración sobre los refugiados. Gran Bretaña se ha vuelto un estado militarizado mientras las fuerzas del gobierno británico reúnen y detienen inmigrantes. 

En otros sitios hay vida, pero también con dificultades. En un bar , un grupo de británicos escucha con estupor como en Buenos Aires ha fallecido el ser humanos más joven del planeta, un chico de 18 años que ha sido asesinado en plena calle por negarse a firmar un autógrafo , dado que es un humano muy mediático.

La noticia ha impactado en los restos del naufragio de la sociedad británica que escucha con asombro como el futuro cada vez parece más incierto y desolador.

A una cafetería londinense entra un empleado público Theo Faron (Clive Owen) para pedir un café. Como está atestado el bar dado el alto número de personas que escuchan horririzados las noticias decide tomárselo en la calle, a unos metros del local. Mientras le añade el café, el local salta por los aires.

Tras eso Theo vuelve al trabajo impactado y con un fuerte dolor en los tímpanos debido a la detonación. Sin embargo, alega a su jefe que está impactado por la muerte del chcio y le pide un descanso al jefe que se lo concede. 

Tras realizar una llamada marcha en un cercanías. En su desplazamiento vemos un Londres devastado lleno de miseria, de agresiones - el tren es atacado por piedras por manifestantes- y jaulas repletas de inmigrantes custodiados por la policía.

Tras bajarse del tren es recibido en la estación por un amigo Jasper Palmer (Michael Caine) un hombre mayor que él que lo lleva en su coche a su casa de campo dónde vida con su mujer que está en estado catatónico y donde este amigo de Theo consume cannabis y hablan de música y de experiencias. Descubrimos que Theo es un cínico que la muerte del chico le importa relativamente poco.

Al día siguiente Theo Faron se levanta y se dirige al su trabajo de burócrata, pero durante el camino fue secuestrado por los Peces, un grupo militante de los derechos de inmigrantes. El grupo está  dirigido por la ex esposa  de Theo, Julian Taylor (Julianna Moore) , de quien se separó después de la muerte de su hijo Dylan durante la pandemia de gripe de 2008. Julian le ofrece dinero a Theo para adquirir papeles de tránsito para una joven refugiada llamada Kee.

Inicialmente se niega, pero , una vez liberado, Theo va en busca de su primo Nigel (Danny Huston), un ministro del gobierno que dirige una colección de arte rescatado alrededor del mundo patrocinada por el gobierno.  Nigel, el primo de Theo y ministro de alto rango del gobierno. que dirige un programa del Ministerio de Arte, el "Arca de las Artes", que "rescata" obras  de arte como el David de Miguel Ángel (aunque con una pierna rota), el Guernica de Pablo Picasso y el British Cops Kissing de Banksy.

En su casa está el David de Miguel Ángel, comenta que a la Piedad , no llegó a tiempo para salvarla. Comenta que del Prado salvó algunos Velázquez, entre ellos las Meninas, y mientras desayunan aparece en el testero de la pared, El Guernica de Picasso. 

Desayunan con el hijo de Nigel, un joven en la veintena obsesionado con la tecnología que no hace caso a nada ni a nadie. En un momento le pregunta Theo el por qué mantener una colección que en un futuro cercano no podrá ver nadie. Nigel responde que él no piensa en el futuro. 

Pasado un tiempo le concede Nigel  los papeles de tránsito pero requieren que el portador deba ser acompañado, así que Theo acuerda escoltar a Kee (Clare-Hope Ashitey) a cambio de una gran suma de dinero. 

Luke (Chiwetel Ejiofor), un miembro de los Peces, lleva a Theo y a Julian junto a una ex partera Miriam en su auto el que también va una chica joven y a Kee, una chica de  color y joven, hacia un bote en la costa. Cuando Theo y Julian hablan de su pasado en común y lo felices que fueron son emboscados por una pandilla armada y Julian es asesinada. Theo y los demás se salvan por muy poco gracias a la conducción de Luke y a la pericia de Theo que golpea a un motorista armado que los sigue. 

Luke mata a dos oficiales de policía que detuvieron su auto en la huida y entierran a Julian en el bosque mientras Theo rompe en llanto por su muerte, abandonando su auto por otro para escapar a una casa de seguridad de los Peces. 

En la granja los Peces han de elegir nuevo líder, siendo Luke el elegido y en un momento,  Kee le revela a Theo que está embarazada y que Julian le dijo que confiara sólo en él, con la intención de que la entregara al "Proyecto Humano", un supuesto grupo científico con base en los Azores dedicado a curar la infertilidad. 

Sin embargo, Luke persuade a Kee para que se quede y de a luz en la granja. Esa noche, Theo escucha a escondidas una reunión de Luke y otros Peces, descubriendo que la muerte de Julian fue orquestada por una facción de los Peces para que Luke pudiera tomar el control como líder. La intención es matar a Theo por la mañana y usar al bebé como una herramienta política para apoyar la revolución que se avecinaba. 

Ante lo peligroso de la situación, Theo despierta a Kee y Miriam y roban un coche escapando al escondite aislado del amigo anciano de Theo, Jasper Palmer, un ex caricaturista político que ahora vive en parte del comercio de la marihuana con sabor a fresa. 

El grupo planea abordar el barco de Proyecto Humano, de nombre Tomorrow, el cual llegará de alta mar a una boya situada en las cercanías del campo de refugiados de Bexhill. Jasper propone conseguir a Syd, un guardia del campo al que frecuentemente le vende drogas, para pasarlo de contrabando a Bexhill disfrazándose como refugiados. 

Sin embargo, e inesperadamente los Peces descubren la casa de Jasper y el grupo escapa mientras Jasper se queda detrás para entretener a los Peces antes de ser brutalmente asesinado por Luke mientras Theo observa desde una colina elevada. 

El grupo espera a Syd en una escuela abandonada, donde Miriam le confía a Theo cuántos niños fueron abortos en el inicio de la crisis de infertilidad, y su tristeza de cómo "a medida que el sonido de los patios de juego se desvanecía, la desesperación se asentaba. Que extraño, lo que sucede en un mundo sin voces de niños". Mientras le cuenta esto llega Syd (Peter Mullan) que es recibido por la frase acordada: "puto policía fascista de mierda".

Syd los transporta a Bexhill, donde ven a refugiados siendo golpeados, torturados, robados y ejecutados por guardias del campo y policías. Cuando las contracciones de Kee comienzan en un autobús, Miriam distrae a un guardia sospechoso y es bajada del autobús y  encapuchada. 

Ya en el interior del campo de refugiados,  Theo y Kee conocen a su contacto: una mujer gitana, Marichka (Oana Pellea) que , acompañada de un perro está bajo una estatua y quien les provee una habitación donde Kee da a luz a una niña que es asistida por Theo.

Al siguiente día, se persona Syd, los encuentra y le informa a Theo y Kee que ha estallado la guerra entre el ejército británico y los refugiados, incluyendo los Peces. Pero cuando tiene la situación controlada y descubre que hay una niña, les informa que hay una importante gratificación por sus cabezas, Syd intenta llevarselos, pero Marichka y Theo se enfrentan con él y el grupo escapa. 

Logran refugio en la casa de un ruso, un nostálgico de la revolución soviética que los recibe encantados ante la presencia de la bebé. Tras esto salen acompañados de un miembros del grupo ruso, un refugiado polaco llamado Tomasz (Jacek Koman). 

Durante las hostilidades, en las que hay un sin fin de bajas, los Peces capturan a Theo , a  Kee y la bebé. Theo, antes de ser ajusticiado,  se escapa junto a Marichka , a la que finalmente abandona y luego localiza a la madre e hija en un apartamento atacado por fuego pesado. Se enfrenta confronta a Luke, quien muere por un proyectil de lanzacohetes , y la escolta hacia afuera. 

Impresionados por la bebé, los combatientes de los dos bandos , rebeldes y ejercito británico, dejan de pelear temporalmente, mirando a la bebé que gritaba y permitiéndoles salir. Tras salir, prosigue en brutal combate. 

Marichka, que seguía fuera,  guía a Theo, Kee y la bebé hacia un bote en las alcantarillas y Theo comienza a remar. 

Mientras miran a distancia el bombardeo de Bexhill por la Fuerza Aérea Real, Theo revela que Luke le ha disparado y que está mortalmente herido. Le dice a Kee cómo enrollar al bebé para calmar su llanto, y Kee le dice que llamará a la bebé como al hijo perdido de él y Julian, porque "Dylan puede ser nombre de niña también". 

Theo  finalmente muere desangrado a causa de sus heridas , mientras el barco, Tomorrow, se acerca a través de la niebla. 

El filme termina con el título de la película abocinado sobre una pantalla negra, acompañado por el sonido de niños felices jugando en el fondo, sugiriendo quizá que la infertilidad había sido curada y la repoblación del mundo fue posible una vez más. 

La producción se inició como tal en noviembre de 2004 y termino en agosto de 2006. La película se estuvo filmando entre noviembre de 2005 y enero de 2006, aunque algunas escenas adicionales se rodaron a inicios de mayo de 2006. Su rodaje tuvo lugar en dos continentes, América del Sur y Europa.

En el continente austral se rodó en Montevideo, la capital uruguaya, y algunos puntos de Argentina como Buenos Aires en la zona del The Obelisc y Puerto Madero de Buenos Aires .

En Europa principalmente en Gran Bretaña , en distintos condados así como en la capital. Se rodó en los Dockside Buildings de Chatham Historic Dockyard, en Chatham, en el Condado de Kent, en los Stockers Farm, de Rickmansworth, en Hertfordshire, en la londinense Battersea Power Station, de Battersea, en el Tate Modern de Bankside, de Southwark, como Ark Of Arts donde vive Nigel, en el Admiralty Arch, en The Mall, junto a St. James's, en Fleet Street de Holborn y Powis Street en Woolwich Town Centre y en Cable Street, en la zona de Whitechapel, en Hackney Road en los suburbios de Londres al igual que en Old Street de Islington. También en las londinense Ravenscroft Street de Bethnal Green, Scrutton Street, St. James's Park, y Victoria Street en Westminster , así como en Wimbledon Greyhound Stadium de Plough Lane, en el área de Wimbledon, y en la céntrica Trafalgar Square. Se rodó igualmente en East Sussex en concreto en Bexhill-on-Sea, en Surrey en concreto en Bourne Woods de la localidad de Farnham, así como en Eastbourne , Chobham y en puntos de Hampshire como Aldershot Barracks de Aldershot, en Alresford Station y la Watercress Line de Alresford, o en la Church Crookham y Alice Holt Forest. En Hertfordshire se rodó en Bushey, Ashridge Park en la localidad de Little Gaddesden; en Oxfordshire en la RAF Upper Heyford, y en Buckinghamshire tanto en los Pinewood Gardens como en los Pinewood Studios de Iver Heath

Para el rodajo Cuarón apostó por Clive Owen como Theo Faron, un ex activista y "arquetípico hombre ordinario" que a regañadientes se vuelve el salvador. Fue contratado en abril de 2005. Owen pasó varias semanas colaborando con Cuarón y Sexton sobre su papel. Impresionados por las ideas creativas de Owen, Cuarón y Sexton lo incluyen en los créditos por sus aportaciones en el guión declarando Cuarón a Variety que "Clive fue una gran ayuda," "Yo le enviaba un grupo de escenas y escuchaba sus retroalimentación e instintos".

También se contrató a Julianne Moore como Julian Taylor. Para Julian, Cuarón quería una actriz que tuviera la "credibilidad de liderazgo, inteligencia, [e] independencia". Moore fue contratada en junio de 2005, inicialmente para interpretar a la primera mujer que se embarazaba en 20 años. "Es muy divertido trabajar con ella", dijo Cuarón a Cinematical. "Ella solo está tirando de la alfombra por debajo de tus pies todo el tiempo. No sabes dónde pararte, porque ella va a burlarse de ti".

También contaron con Michael Caine como Jasper Palmer, el proveedor y amigo de Theo. Caine basó a Jasper en sus experiencias con su amigo John Lennon​ – la primera vez que ha interpretado a un personaje que se tiraría gases o fumaría cannabis. Cuarón explica: "Una vez que tuvo la vestimenta . Para ello se puso frente a un espejo para mirarse, su lenguaje corporal comenzó a cambiar. Michael amó su papel, creyó que él era este tipo". Michael Phillips del Chicago Tribune nota un aparente homenaje a Schwartz (Mort Mills) en el filme noir de Orson Welles Touch of Evil (1958). Jasper llama a Theo "amigo" en español — tal como hacía Schwartz con el personaje de  Ramón Miguel Vargas (Charlton Heston). Las caricaturas de Jasper que se ven en su casa fueron proveídas por Steve Bell. 

Para Clare-Hope Ashitey como Kee, una inmigrante ilegal y la primera mujer embarazada  que no aparecía en el libro y fue escrita en el filme basada en el interés de Cuarón en la reciente hipótesis del origen singular sobre los orígenes humanos el estatus de gente desposeída: ​ "El hecho de que este niño será el hijo de una mujer africana tiene que ver con el hecho de que la humanidad comenzó en África. Estamos poniendo el futuro de la humanidad en las manos de los desposeídos y creando una nueva humanidad que brotará de eso".

Destaca la película por su enfoque nada convencional en cuanto la narración de un filme de acción, que se intercala con el estilo de documental y noticiario.

La película, una distopía,  basada en la obra de la para mi desconocida escritora P. D. James fue originalmente escrita por Paul Chart y reescrita después por Mark Fergus y Hawk Ostby.

El estudio trajo a bordo al director Alfonso Cuarón en 2001. Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después de que el director hubiera completado Y tu mamá también.

Temeroso de que "comenzara a cambiar de opinión", Cuarón escogió no leer la novela de P. D. James, optando por dejar a Sexton que leyera el libro mientras él leía una versión reducida.

Cuarón no comenzó inmediatamente la producción, en lugar de eso dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban.

Durante este periodo, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que garantizó a Clive Owen y mando al filme a pre producción.

La experiencia de trabajo del director en el Reino Unido lo expuso a las "dinámicas sociales de la psique británica", dándole ideas para la representación de la "realidad británica". De hecho, Hijos de los hombres fue el segundo filme de Cuarón hecho en Londres, retratando a la ciudad como un personaje más, grabando , rodando planos generales de la ciudad.

Cuarón buscó referencias cinematográficas en otras películas y parece ser que ha declarado que le sirvió de referencia el filme La batalla de Argel de Gino Pontecorvo como un modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentando el filme a Clive Owen como un ejemplo de su visión de Hijos de los hombres.

Para crear un margen filosófico y social para el filme, el director leyó literatura de Slavoj Žižek, así como trabajos similares.

Mientras Cuarón se preparaba para el filme, ocurrieron los atentados del metro de Londres, pero nunca consideró mover la producción. "Habría sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres por la muy obvia manera en que las locaciones fueron incorporadas al filme", dijo Cuarón a Variety, "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar".

Debido a estas circunstancias, la primera escena del ataque terrorista en Fleet Street fue filmada un mes y medio después del bombardeo de Londres. Cuarón escogió filmar algunas escenas en l zona de East Londres, una locación considerada como "un lugar sin glamour". Las locaciones fueron disfrazadas para hacerlas parecer incluso más deterioradas; Cuarón le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos a una locación y decíamos: si, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar luciera más deteriorado. Era sobre pobreza".

También se rodó en algunos de los sitios más populares de Londres como Trafalgar Square y Battersea Power Station. La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo artístico es una referencia al Tate Modern) ha sido comparada con Red Desert de Antonioni.

Cuarón añadió un globo de cerdo visible entre la entrevista entre Nigel y Theo como un homenaje a Animals de Pink Floyd.

Las compañías londinenses de efectos visuales Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guion hasta la pos producción, desarrollando efectos y creando "ambientes y tomas que de otra forma no serían posibles.

El Histórico Astillero en Chatam fue usado para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas. 

Como ya he señalado es una película interesante. Hable de muchos temas, de grandes temas.  Habla de la Esperanza, de la Fe, del final de la humanidad.

Hijos de los hombres explora los temas de esperanza y fe rente a la desesperación en una una sociedad incapaz de reproducirse y la esperanza de un nacimiento para que sobrevivan las futuras generaciones humanas.

Se habla también de la necesidad de la luchar, del sufrimiento de la inevitabilidad  de la muerte . De cualquier manera Cuarón no intenta explicar el por qué de la infertilidad. No hay una explicación ambiental aunque siempre hay humo y neblina en el ambiente. No habla de Dios, como creo que sí habla la novela. Cuarón no da razones. El mexicano había declarado  en alguna ocasión que "Hay una clase de cine que detesto, el cual es un cine que trata de exposición y explicaciones... Se ha vuelto ahora lo que yo llamo un medio para lectores perezosos... El cine es una narrativa de rehenes. Y soy muy bueno en la narrativa como un rehén del cine." La respuesta vital a la desesperanza es el "casi mítico " Proyecto Humano  y eje buscar cobijo en el barco "Tomorrow".

Igual de presente está el elemento religioso. De acuerdo con Cuarón, el título del libro de P. D. James (Children of men) es una alegoría católica derivada de un pasaje de escritura en la Biblia. y de uno de sus Salmos que dice "Pues vuelves al hombre hacia la destrucción; Y dices: Convertíos, hijos de los hombres". James se refiere a su historia como una "fábula cristiana" mientras Cuarón la describe como "casi un vistazo al cristianismo". En ese sentido declaró que "no quise espantarme de los arquetipos espirituales", Cuarón dijo a la Filmmaker Magazine. "Pero no estaba interesado en lidiar con dogmas".

El filme está lleno de simbolismo cristiano; por ejemplo, los "Peces" protegen los derechos de los refugiados Estrenándose en Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon a los personajes de Theo y Kee con María y José, llamando al filme una "moderna historia de la Natividad".

El embarazo de Kee le es revelado a Theo en el granero, aludiendo al pesebre en al escena de la Natividad; cuando Theo pregunta a Kee quién es el padre del bebé ella declara bromeando que es virgen; y cuando otros personajes de descubren a Kee y su bebé, responden con "Jesucristo" o la señal de la cruz. También el Arcángel Gabriel (entre otras figuras religiosas) es invocado en la escena del autobús.

Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón comisionó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener, miembro de la iglesia ortodoxa oriental cuyos trabajos resuenan con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención en los ojos de dios". Llamando a su partitura como una "reacción musical y espiritual al filme de Alfonso", retazos de "Fragmentos de una Oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantados por la mezzo-soprano Sarah Connolly. A esto se suma el lenguaje director integrado por palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "alleluia" aparecen a lo largo del filme.

Cuarón  declaró que "Queríamos que el final fuera un vistazo de una posibilidad de esperanza, para que la audiencia invirtiera su propio sentido de esperanza en ese final. Así que si tu eres una persona esperanzada verás mucha esperanza y si eres una persona sombría verás una total desesperanza al final".

Otro tema que toca de lleno la película es el papel de los refugiados, algo tan presente en el momento como lo ha sido más tarde con el tema de los refugiados sirios o el tristemente campamento de Calais, que tenía como objetivo llegar a Gran Bretaña. Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter  destacan ese papel de la  inmigración en el filme . Ethan Alter destaca  que el film "hace un caso potente contra el sentimiento anti migratorio" popular en las sociedades modernas como el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que Guerrasio describe al filme como "una meditación compleja sobre las políticas de hoy".

Para Alter y otros críticos,  hay mucho del presente en ese campo de refugiados . Está desde Abu Ghraib, a Guantánamo  pasando por el Tarajal o el Campamento de Calais o los de sirios en Turqía, Grecia o Macedonia.

Manohla Dargis, quien describe los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria plausibilidad" en  el que los refugiados son "cazados", reunidos y metidos  en jaulas y campos, e incluso disparados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puif a observar los simbólicos "trasfondos" e imágenes del Holocausto.

Este tema es reforzado en la escena donde una anciana refugiada hablando alemán es detenida en una jaula27​ y en la escena donde la seguridad nacional británica desviste y golpea inmigrantes ilegales; una canción de The Libertines, "Arbeit macht frei", suena en el fondo."

Las alusiones visuales de las detenciones nazis son permanente", escribe Richard A. Blake. "Muestra en lo que la gente se puede convertir cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio". Cuarón explica cómo usa estas imágenes para propagar el tema al usar referencias cruzadas ficticias y eventos futuristas con incidentes y creencias reales, contemporáneas o históricas: Desalojan los apartamentos rusos y la siguiente toma que ves es esta mujer gimiendo, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esto es una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó la fotografía, estaba referenciando a La Pietà, la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús

La escritora y crítica de cine, Laura Eldred de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill observa que Hijos de los hombres está "llena de cositas que hacen un llamado a la audiencia educada" y con continuas llamadas de atención a escritores clásicos y contemporáneos como T. S. Eliot , la Eneida de Virgilio, la Divina Comedia de Dante o los Cuentos de Canterbury de Chaucer

Destaca Colin Covert del Star Tribun que gran parte del estilo y del diseño de la película "En la mayoría de las historias épicas, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la adelantan sin problemas", observa  Las vallas publicitarias fueron diseñadas para balancear una apariencia contemporánea y futurista así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese periodo, y los autos fueron hechos para parecerse a los modernos en un primer vistazo, aunque una mirada más cercana los hacía ver no familiares.

Cuarón informó al departamento de arte que el filme era el "anti-Blade Runner", rechazando propuestas de tecnología avanzada y minimizando los elementos de ciencia ficción del escenario de 2027. El directo se enfocó en imágenes que reflejan el periodo contemporáneo.

Children of Men usó varios planos secuencia largos en los cuales acciones extremadamente complejas tienen lugar. Los más largos de estos son una toma donde Kee da a luz  ; una emboscada en un camino rural   y una escena donde Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una violenta batalla. Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, añadida por efectos CGI.

La creación de los plano secuencia fue un proceso retador y que consumió tiempo, lo que desató preocupaciones del estudio. Tardó catorce días preparar el rodaje  en el que el personaje de Clive Owen busca un edificio bajo el ataque, y cinco horas cada vez que quería rodarla de nuevo. A mitad de una toma, saltó sangre en el lente, y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. De acuerdo con Owen, "Justo en medio de ella estamos el operador de la cámara y yo porque estamos haciendo está muy complicada, muy específica danza en la cual, cuando filmamos, tenemos que hacer que se sienta completamente aleatoria".

La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada al borde del camino fue descartada por los expertos en producción por ser una "toma imposible de hacer".

Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar alguna escena, pero Lubezki se rehusó a permitirlo, recordándole al director que tenían intenciones de hacer un filme parecido a un "documental crudo".

Hubo adaptaciones de cámaras y de vehículos  con todo el supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas largas imposibles", donde su trabajo era "crear la ilusión de un continuo movimiento de la cámara". Una vez que el equipo era capaz de crear una "mezcla perfecta", se moverían a la siguiente toma.

En una entrevista con Variety, Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de una toma: "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo mezclas todo y mantienes la percepción de una fluida coreografía a través de estas diferentes piezas".

Cuarón usó sonido y música para traer el mundo ficticio de malestar social e infecundidad a la vida. Una combinación creativa pero contenida de rock, pop, electrónica, hip-hop y música clásica reemplazan a la típica banda sonora. Los sonidos mundanos de tráfico, perros ladrando y anuncios, siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times, Kevin Crust, llama un "retumbar de audio urbano". Para Crust, la música comenta indirectamente en el mundo estéril de Children of Men: la versión de Deep Purple de "Hush" sonando a todo volumen en el radio del coche de Jasper, se vuelve una "astuta canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que "The Court of the Crimson King" de King Crimson hace una alusión similar con sus letras: "tres canciones de cuna en una lengua antigua".

También suena música electrónica, , pero también de Radiohead , de Kode & The Space Ape y Pressure. incluso música clásica de George Frideric Handel, Gustav Mahler y la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Kyrzysztof Penderecki complementan el caos del campo de refugiados.

A través del filme, Fragments of a Prayer de John Tavener , el músico al que se le acredita en la película es usada como un elemento espiritual para explicar e interpretar la historia sin el uso de la narrativa.

Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63 Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006.

Pocos días después, en concreto, el 22 de septiembre de 2006, el filme  se estrenó en el Reino Unido con $2.4 millones en 368 pantallas.. Meses más tarde hubo un lanzamiento limitado en 16 cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1,200 cines el 5 de enero de 2007.

Para el 6 de febrero de 2008, Children of men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de las ganancias generadas en Estados Unidos.

Una vez estrenada Children of Men recibió una buena acogida por la crítica. En Rotten Tomatoes, el filme recibió una valuación de 92% de aprobación basada en 237 reseñas de críticos; el consenso declara: "Children of men trabaja en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un fantástico cuento aleccionador y un sofisticado drama humano sobre sociedades luchando por vivir". En Metacritic, el filme tiene una calificación de 84 de 100, basada en 38 reseñas, indicando "aclamación universal". En IMDb el filme tiene una valoración de 7'9 sobre 10.

Dana Stevens de Slate lo calificó ´como "el heraldo de otro bendito evento: la llegada de un gran director con el nombre de Alfonso Cuarón". Stevens elogió las escenas de la persecución automovilística y las batallas como "dos de las más virtuosas secuencias de persecución que he visto".

Para Manohla Dargis del The New York Times se trata de un " thriller político magníficamente dirigido", lloviéndole reconocimientos en las largas escenas de persecución. Además Manohla Dargis comenta que " (...) nada en las películas anteriores de Cuarón te prepara para el brutal realismo de esta explosión, que incluso aquí es más terrible por parecer tan verosímil."

Para  Peter Travers de Rolling Stone lo reconoce como uno de los mejores filmes de la década, escribiendo: "Pensé que el filme del director Cuarón sobre la fábula político futurista de P. D. James era bueno cuando se estrenó en 2006. Después de repetidas vistas, sé que "Children of men" es indiscutiblemente genial... Ninguna película en esta década estuvo más impregnada de triste belleza y acción estimulante. No miras la escena de la emboscada del auto (pura magia de la cámara) — la vives. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer".

Derek Elley de Variety destaca que es "A ratos apasionante retrato de una Inglaterra no tan futurista (...) una interesante -pero con fallos- muestra de una sociedad opresiva y enferma. (...) maravillosamente excéntrica interpretación de Michael Caine."

Roger Ebert del Chicago Sun-Times nos dijo sobre ella que "Las interpretaciones son (...) del todo convincentes. (...) Y aprendemos que la única cosa de la que tenemos tener miedo en el futuro es del propio pasado. De nuestro pasado. De nosotros mismos. (...) ."

Para Ethan Alter del Film Journal International, es  "Fácilmente uno de los mejores filmes del año" con escenas que te "deslumbran con su complejidad técnica y virtuosidad visual".

En la prensa británica Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas como las "típicas fantasías futuristas".

Stella Papamichael de la BBC Television Centre sostiene que "Cuarón pinta un apasionantemente lúgubre retrato de una Gran Bretaña sumida en la anarquía en el año 2027, pero el guión también se ve afectado por el desorden. (...) ."

La encuesta sobre los mejores filmes de 2006 a los críticos de Film Comment clasificó al filme como con el número 19, y The A.V. Club, el San Francisco Chronicle, Slate y The Washington Post la colocaron en el número uno. El Entertainment Weekly la clasificó como séptimo en su lista de mejores diez de fin de la década, diciendo: "El filme distópico de 2006, de Alfonso Cuarón, nos recordó que secuencias de acción cargadas de adrenalina funcionan mejor cuando el futuro luce tan mugriento como hoy".

En España Oti Rodríguez Marchante en el ABC destacaba qie "Cuarón consigue crear un cuadro desolador de nosotros mismos (...) impresionante trazo hiperrealista."

Para  Carlos Boyero en  El Mundo "Cuarón logra clima de ciencia-ficción. (...) El mexicano filma su mejor película en EEUU con una potente adaptación de una agobiante historia futurista (...) consigue atraparte y ponerte los pelos de punta." También en El Mundo Luis Martínez  nos habla de una  "Obra maestra"

Javier Ocaña en  El País comenta que la película tiene una "Impecable ambientación de corte realista que sobrecoge por su crudeza. Cuarón se desenvuelve a la perfección por el fango (...) la única cojera de la película es que el continente termina siendo mucho más importante que el contenido" España

Jordi Picatoste Verdejo Fotogramas "La cinta se vive intensamente (...) Lo mejor: la intensidad in crescendo del viaje. Lo peor: los aires de grandeza de su primera media hora. (...) ."

Los guionistas de Children of men fueron premiados en los Premios SC Scripter Award por la adaptación cinematográfica de la novela; Howard A. Rodman, presidente de la USC School of Cinematic Arts Writing Division, describe a la adaptación como "escritura y guionismo del más alto orden", aunque en el Frankfurter Allgemeine Zeitung, destacó que el guion recuerda muy poco a la novela, y lo mucho que difería de ella , pues la embarazada era Julian

El filme también fue nominado en la categoría de Mejor guion adaptado en la 79 entrega de los premios Oscar. Children of Men también recibió nominaciones de la academia a Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Mejor montaje (Alfonso Cuarón y Alez Rodríguez y mejor guión adaptado.

En los British Academy of Film and Television Arts, vamos, los BAFTA ,  nominó a Children of men a Mejores efectos visuales y lo honró con los premios de Mejor fotografía y Mejor diseño de producción en su  60 entrega.

El director de fotografía Emmanuel Lubezki ganó el premio de Mejor fotografía de largometraje en los 21st American Society of Cinematographers Awards. También fue reconocido por la  Australian Cinematographers Society dándole en  2007 el International Award for Cinematography por Children of Men.

Tuvo tres  nominaciones en el  Festival de Venecia entre ellas a la Mejor contribución técnica (escenografía)

El Círculo de Críticos de Nueva York la nominó por su Mejor fotografía  al igual que la Asociación de Críticos de los Angeles y la Asociación de Críticos de Chicago

En los Premios Sur fue nominada a mejor película extranjera y The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films confirió el Saturn Award for Best Science Fiction Film a Children of Men, y recibió la nominación a Mejor Drana eb Largo formado por los miembros del World Science Fiction Convention.

Como ya he dicho destacar que está coproducción entre el Reino Unido y los Estados Unidos  me ha encantado sobre todo por lo inesperada , por la profundidad de unos temas que invitan a pensar , por su tono apocalíptico pero que deja algún atisbo a  la esperanza , la redención y fe, - a lo mejor estoy condicionado por escribir esto en Semana Santa-  por su guión , por su fotografía, por la dirección artísticas, por el magnífico trabajo de Clive Owen y del resto del elenco - magistral Michael Caine- sus magníficos y complejos planos secuencia de acción, por sus batallas y asaltos espeluznantes y por la necesidad que tiene el ser humano de buscar una paz, aunque sea interior.

Blindness

Siempre me ha impresionado la historia del emperador bizantino Basilio II Bulgaróctono, el asesino de búlgaros de finales del siglo X y principio del siglo X que llevó al Imperio bizantino al máximo de su poder en cinco siglos, pero con el que inició la decadencia para el Imperio. Su intención era recuperar los territorios que el Imperio bizantino había ido perdiendo a lo largo del tiempo. 

Su gran adversario, fue el zar Samuel de Bulgaria. Este territorio que había sido parcialmente conquistada por Juan I Tzimisces, pero partes del país habían logrado mantener su independencia, bajo la dirección de Samuel y sus hermanos. Los búlgaros realizaban incursiones en tierras bizantinas desde el 976 y el gobierno bizantino trató de provocar sin éxito disensiones permitiendo la fuga del emperador cautivo Boris II de Bulgaria. Fue la invasión de Tesalia y la toma de Larisa a fines de 985 por parte de Samuel lo que decidió a Basilio II a pasar a la ofensiva. 

Aprovechando un respiro de su conflicto con la nobleza, Basilio guió un Ejército de 30 000 hombres a Bulgaria decidido a tomar por sorpresa Sredets (Sofía) en 986 pero no pudo penetrar en la ciudad. Falto ya de víveres decidió regresar, cuando todavía no había sufrido demasiadas bajas; pero al retirarse el Ejército búlgaro lo alcanzó y le infligió una grave derrota en la batalla de las Puertas Trajanas en agosto de 986, lo que puso en jaque su poder y prestigio dentro del imperio. 

Cuando se desató la guerra abierta en 1002, Samuel había extendido el reino búlgaro desde el Danubio, al norte, hasta Atenas. Sus dominios se extendían desde el Adriático al mar Negro, y todos estos territorios habían sido conquistados durante los 300 años anteriores a expensas de los bizantinos. Basilio estaba ahora decidido a invertir el destino del Imperio enfrentándose en una guerra abierta contra los búlgaros en una guerra que se extendió por otros doce años, durante los cuales tanto Basilio como Samuel lograron victorias sorprendentes. 

Las fuerzas de Samuel eran considerablemente menores, pero fue capaz de evitar un enfrentamiento total mientras realizaba ataques menores sobre el ejército de Basilio en su avance por el territorio búlgaro. Samuel esperaba desgastar así a las tropas bizantinas, forzándolas a la rendición o al menos a la firma de una paz. 

Finalmente, después de que la fortaleza Baba Vida en la frontera con el Danubio hubiera soportado un asedio bizantino que se prolongó ocho meses, el 29 de julio de 1014 Basilio arrinconó al ejército búlgaro y le obligó a luchar en la Batalla de Kleidion, mientras Samuel se encontraba a varios kilómetros de allí. Basilio aplastó a los búlgaros e hizo 14 000 prisioneros: mandó cegar a 99 de cada 100 de éstos, dejando tuerto al restante para que pudiese guiar a los demás de vuelta. Aunque probablemente se trate de una exageración, este hecho le proporcionó a Basilio su sobrenombre «Bulgaróctonos» («matador de búlgaros»). 

Cuando Samuel vio volver a sus tropas cegadas, sufrió una apoplejía en el acto y falleció unos días después. Bulgaria siguió luchando durante otros cuatro años más, pero terminó sometiéndose en 1018. La victoria sobre los búlgaros y el posterior sometimiento de Serbia supuso la consecución de uno de los objetivos de Basilio: la recuperación para el Imperio de la antigua frontera del Danubio por primera vez en 400 años. 

Así, que por momentos, mientras veía la película recordaba a este cegador de hombres , aunque por momentos también he querido ver un lienzo del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo titulado La parábola de los ciegos, en la que un ciego guía a otros ciegos, lo que conlleva al desastre más absoluto. 

Que quede claro, que mientras veía la película recordaba como aparece en la portada del libro de la novela del año 1995 titulada Ensayo sobre la ceguera del Premio Nobel portugués José Saramago. No lo había leído, pero sí recordaba ese detalle . 

Sólo después de verla vi que la película se basada precisa,ente en su obra que habla de como una epidemia súbita que causa la ceguera de los habitantes de una ciudad moderna y que resulta en el colapso de la sociedad. Así que efectivamente este fue el intento de llevar al cine la obra del Nobel portugués dando lugar a esta película dramática con toques de ciencia ficción que fue dirigida por el brasileño Fernando Meirelles. 

El paulista, fundador de la compañía productora Olhar Eletrônico y la compañía productora O2 Filmes, junto con Paulo Morelli y Andrea Barata Ribeiro. Fernando Meirelles se dio a conocer tras llevar al cine la novela Cidade de Deus, de Paulo Lins, estrenada en Brasil en 2002, que fue enviada ese mismo año al Festival de Cine de Cannes. 

Después del estreno internacional, se decidió enviar al filme Cidade de Deus como representante brasileño en el concurso por los premios Oscar en 2004. La siguiente película, El jardinero fiel le otorgó el Oscar de Mejor Actriz Secundaria a Rachel Weisz. Una y otra le dieron la ocasión de realizar la película Blindness , basada en la obra de José Saramago, cuyo guión apareció en la lista negra de 2007; una lista de los guiones sin hacer más deseados del año, y fue estrenada en septiembre del 2008 y en la que el paulista apostó por un elenco internacional. Fue uno de los productores de la película Niv Fichman, junto con la habitual Andrea Barata Ribeiro y Sonoko Sakai, quien explicó la intención del director del filme: «[Meirelles] estaba inspirado en la obra maestra de Saramago de crear un microcosmos del mundo. Deseaba que el filme tuviera un reparto que representara a toda la humanidad». 

Para la misma contó con una inversión de 25 millones de dólares aportados por Rhombus Media, O2 Pictures, Bee Vine Pictures,Alliance, Ancine, Asmik Ace Entertainment, BNDES, Cinema Investment, Corus Entertainment, Fox Filmes do Brasil, GAGÁ, Movie Central Network y Téléfilm Canadá , recuperados parcialmente con una taquilla que alcanzó los $ 19.8 millones tras la distribución de Rhombus Media y Miramax Films. 

Para llevar la obra de José Saramago a la gran pantalla se basó en un guión de Don McKellar, así como un equipo técnico de su país integrado por la musica de Marco Antonio Guimarães, la fotografía de César Charlone y el montaje de Daniel Rezende. 

El elenco está encabezado por Julianne Moore como la esposa del doctor, Mark Ruffalo como el Doctor, Gael García Bernal como el camarero, Danny Glover como el narrador, Yusuke Iseya como primer ciego, Yoshino Kimura como la esposa del hombre ciego, Alice Braga como mujer con gafas oscuras y curiosamente el guionista, Don McKellar, como en Yi Yi, como uno de los actores concretamente el ladrón. Junto a ellos están presentes la televisiva Sandra Oh como Ministra de Salud, Mitchell Nye como el niño, Susan Coyne como la recepcionista, Martha Burns como la mujer con insomnio, Maury Chaykin como el malvado contador y Joe Pingue como el taxista. 

La película comienza cuando un joven de origen japonés (Yusuke Iseya) que se desplaza con su coche se queda parado en la vía cuando se queda  a ciegas en su automóvil  en un cruce y luego se le acercan unas pocas personas, y uno de ellos (Don McKellar) se ofrece a llevarlo a su casa. Tras dejarlo cerca, le roba su automóvil. 

Al poco llega su mujer (Yoshino Kimura) y el hombre ciego describe su repentina aflicción como una extensión de deslumbrante blanco, así que la esposa  lo lleva a un oftalmólogo local (Mark Ruffalo) que, después de examinar los ojos del hombre, no puede identificar nada incorrecto y recomienda una evaluación adicional en un hospital. 

Entre los pacientes del médico hay un anciano con un parche negro en el ojo (Danny Glover), una mujer con gafas oscuras (Alice Braga) y un niño pequeño (Mitchell Nye). 

Tras esto el doctor regresa a su casa y durante una cena con su esposa (Julianne Moore), el médico analiza el extraño caso. La mujer parece no hacerle mucho caso, sino que prefiere centrarse en el tiramisú. Tras disfrutar de la cena, ella se marcha a la cama, mientras su marido se queda trabajando. Él le pide que le llame antes. Al levantarse el Doctor descubre que se ha quedado ciego. 

Por su parte, la mujer con gafas oscuras, que se revela como una prostituta, se convierte en la tercera víctima de la extraña ceguera después de una cita con un cliente  en un hotel. Poco después descubrimos que cae el ladrón y el niño.

Alrededor de la ciudad, más ciudadanos quedan ciegos, lo que causa pánico generalizado, y el gobierno organiza una cuarentena para ciegos en un asilo o prisión abandonado. 

Cuando un equipo de evacuación y aislamiento se persona en la casa del médico para ingresarlo, su esposa se sube a la furgoneta y le dice que se ha quedado ciega para poder acompañarlo. 

En el asilo, el médico y su esposa son los primeros en llegar y ambos están de acuerdo en que mantendrán su vista en secreto. Pocos después llegan otros y otras , entre ellos la mujer con gafas oscuras, el hombre japonés, el ladrón de autos, el hombre de color mayor con parche y el niño. Ellos se encuentran sólos y desamparados, pero son recibidos por la mujer del Doctor y éste que los tranquiliza. Les informa que están en el módulo 3. 

Poco  después llega otra partida, así como muchos más. En el módulo 3 son ingresados algunos personajes que hemos visto tangencialmente, entre ellos la mujer del japonés y primer afectado.  Allí vemos como malviven. No tienen a nadie que los guíe , salvo a la mujer del Doctor,  la única persona inmune a la epidemia de ceguera y que poco a poco se siente aislada al ser la única con vista. Pero, da igual, descubren las malas intenciones de los militares que los custodian, que no tienen reparos en dispararles, la suciedad que lo invade todo - no hay equipo de limpieza- , las escasas raciones de comida y las tensiones entre módulos.

Un día la esposa del doctor descubre que el anciano con el parche en el ojo tiene una radio y que , parece ser, es la únicapersona que tiene  una información global de lo que ha pasado. El señor describe la situación del mundo exterior y como la ceguera repentina, conocida como la "enfermedad blanca", ahora es internacional, con cientos de casos reportados todos los días. El gobierno cada vez más totalitario recurre a medidas cada vez más despiadadas para tratar de detener la epidemia, rechazando la ayuda o las medicinas enfermas. A medida que más personas ciegas se apiñan en la prisión, la sobrepoblación y la falta de apoyo externo hacen que las condiciones de higiene y de vida se degraden. Pronto, las paredes y los pisos están cubiertos de suciedad y heces humanas. La desesperación hace que las dos parejas que hay en el módulo se fracturan momentáneamente, ya que el Doctor tiene una relación con la chica de las gafas oscuras, y la pareja japonesa, que está a punto de romper. 

La ansiedad sobre la disponibilidad de alimentos socava la moral y la falta de organización impide la distribución equitativa de los alimentos. Los soldados que protegen el asilo se vuelven hostiles. Las misma presidenta o ministra que había tomado la decisión de recluir a los ciegos ( Sandra Oh) anuncia al mundo que se ha quedado ciega. 

Las condiciones de vida degeneran aún más cuando una camarilla de hombres de una sala contigua a la de los protagonistas se postulan como los reyes de la comunidad. Uno de ellos (Gael García Bernal) armados con una pistola se declara a sí mismo como el rey de barrio, y toma el control de las entregas de alimentos que cada vez son menores. 

Las raciones se distribuyen solo a cambio de los objetos de valor de los otros pabellones, como el de los protagonistas, pero tras la primera entrega , exigen ese grupo tener relaciones sexuales con las mujeres de los otros pabellones. 

Del pabellón del Doctor sale un grupo de 8 mujeres, entre ellas la mujer del médico, una chica rubia, la prostituta y la chica japonesa. Pero una de las mujeres es golpeada hasta la muerte por el hombre que tuvo sexo forzado con ella, la esposa del médico ya tuvo suficiente y luego , con la siguiente convocatoria, mata al rey con unas tijeras en el cuello. Su muerte inicia una confrontación de guerra caótica entre las salas, que culmina con el asalto a la sala del grupo del rey y luego la mayor parte del edificio se quema y algunos internos mueren quemados. 

Los supervivientes , encabezados por la única que ve, la mujer del doctor, descubre que los guardias han abandonado sus puestos y que son libres de aventurarse en la ciudad. 

Al salir ella lleva al grupo con el que ha convivido. Descubren todos que la sociedad ha degenerado ya que toda la población está ciega en medio de una ciudad devastada e invadida por inmundicias y cadáveres. 

La esposa del doctor guía a su esposo y a otras personas de su barrio en busca de comida y refugio. El médico y su esposa se desplazan en busca de ropa y de comida, ambos llegan a un supermercado lleno de personas ciegas que tropiezan. Ella con capacidad de ver encuentra comida en el almacén de un sótano. Mientras se prepara para irse con bolsas llena de comida y encontrarse con su marido afuera, pero es atacada por las personas ciegas hambrientas que huelen la comida que lleva. 

Su esposo, ahora acostumbrado a su ceguera, la salva y se las arreglan para regresar con sus amigos. El médico y su esposa deciden llevar al grupo, como su nueva "familia" , y hacen su camino de regreso a la casa del médico, donde establecen un hogar permanente de apoyo mutuo. Tienen una mesa relajada y amigable entre el grupo. 

Al día siguiente, mientras la mujer del Doctor le pone la leche y tan repentinamente como se había perdido su vista, el japonés recuperó la vista. Todos los amigos lo celebran, pero la esposa del doctor se destaca en el porche, mirando hacia un cielo encapotado blanco y parece estar quedándose ciegoa hasta que la cámara se desplaza hacia abajo, revelando que ve el torturado paisaje urbano, acabando así la película. 

Comentar que el Nobel portugués que residía en Lanzarote , José Saramago, originalmente se negó a vender los derechos de su novela "Ensayo sobre la ceguera" publicada en el año 1995 para una adaptación cinematográfica en reiteradas ocasiones. Saramago había expresado, «Yo siempre me he resistido porque es un libro violento sobre la degradación social, la violación, y porque no quería que caiga en las manos equivocadas».

A pesar de esto, el director Fernando Meirelles deseaba realizar la adaptación de esta novela al cine, porque percibía que « [...] es una alegoría sobre la fragilidad de la civilización». En un principio, Saramago declinó vender los derechos de adaptación de la novela al cine a Meirelles, a Whoopi Goldberg y a Gael García Bernal.

Por esta razón, el autor de la novela recibió en 1999 la visita en la isla en la que está en Parque Nacional de Timanfaya  del productor Niv Finchman y el guionista canadiense Don McKellar. Saramago permitió su visita con la condición de que no discutieran la compra de los derechos. McKellar explicó los cambios que pensaba hacer de la novela y cuál sería el enfoque, y dos días después él y Fichman abandonaron el hogar de Saramago con los derechos conseguidos. Una de las condiciones impuesta por el escritor fue que el escenario de la película se realizara en un país que no fue  reconocible para la audiencia , pero los productores pudieron adquirirla con la condición de que la película se ambientara en una ciudad no identificada e irreconocible​ y que se empleara un perro grande como el descrito en la novela,que fuese ahora otro perro , un FoxTerrier de grandes dimensiones. 

Al principio, Meirelles imaginó que dirigiría la película en idioma portugués, siguiendo el lenguaje propio de la novela, pero al final decidió realizar el filme en inglés porque pensó, «Sí lo haces en inglés lo puedes vender al mundo entero y puedes tener una mayor audiencia».

Además, uno de los cambios intencionales del director fue establecer la película en un escenario contemporáneo, opuesto al contexto original en el que se desarrolla la novela, y que Meirelles estimó que se sugiere en los años 60 o después, ya que en uno de sus pasajes un grupo de personas descubren por accidente un almacén equipado con electrodomésticos modernos como hornos microondas, lavadora de platos, etc. 

A pesar de todo, Meirelles decidió ambientar el filme en el siglo XXI, para que los espectadores puedan identificarse a los personajes y buscó un enfoque alegórico distinto.

Meirelles describió que la novela era «muy alegórica, como una fantasía fuera del espacio, fuera del mundo», una  distopía, y que él al contrario prefirió tomar una dirección naturalista para comprometer a la audiencia y realizar una película menos «fría». 

Don McKellar , aquí también actor, dijo sobre la adaptación de la historia: "Ninguno de los personajes tiene nombres ni historia, lo cual es muy poco tradicional para una historia de Hollywood . 

La película, al igual que la novela, aborda directamente la vista y el punto de vista y te pide que veas cosas de una perspectiva diferente." McKellar escribió el guión para que el público pudiera ver el mundo a través de los ojos de la protagonista, la esposa del médico. Buscó hacerles cuestionar la humanidad de cómo ella observa, pero no actúa en varias situaciones, incluida una escena de violación y consultó a Saramago sobre por qué la esposa tardó tanto en actuar. McKellar señaló: "Dijo que se dio cuenta de la responsabilidad que implica ver gradualmente, primero a sí misma, luego a su marido, luego a su pequeña familia, luego a su barrio y finalmente al mundo donde tiene que crear una nueva civilización " El guionista escribió las "acciones y circunstancias" que le permitirían a la esposa encontrar su responsabilidad. 

Mientras que el guión completo era en su mayoría fiel a la novela, McKellar pasó por varios borradores que no lo fueron. Uno de ellos lo vio alejarse de la novela creando nombres y historias para todos los personajes. Otro cambió significativamente la cronología. Sólo después de estos intentos fallidos McKellar decidió cortar las historias de fondo y centrarse principalmente en el médico y su esposa. Intentó reconectarse con lo que originalmente lo llevó a la novela: lo que él llamó su "simplicidad existencial ". La novela define sus personajes poco más que sus acciones actuales; hacer lo mismo para la adaptación se convirtió en "un ejercicio interesante" para McKellar. 

Para integrarse en la ceguera, McKellar asistió a un campamento de verano para ciegos como parte de su investigación. Quería observar cómo las personas ciegas interactuaban en grupos. Descubrió que el diálogo expositivo excesivo, generalmente desaprobado por los escritores, era esencial para los grupos. McKellar cortó una de las últimas ideas de la novela en su guión: "No creo que hayamos quedado ciegos, creo que estamos ciegos. Ciegos pero que vemos. Personas ciegas que pueden ver, pero que no ven". 

McKellar creía que los televidentes ya habrían captado el simbolismo y no querían que el guión pareciera ser torpe. También suavizó las señales visuales en su guión, como la "brillante blancura lechosa" de la ceguera descrita en la novela. McKellar sabía que quería un director estilísticamente experto y no quería ser demasiado preceptivo, prefiriendo solo insinuar un enfoque.

El productor Fichman para septiembre del año 2006, ya había elegido a Fernando Meirelles  como director del filme y explicó la intención de Meirelles: "Se inspiró en la gran obra maestra [de Saramago] para crear un microcosmos del mundo. Quería que se presentara de manera que representara a toda la humanidad".  La productora asignó un presupuesto  de 25 millones de dólares, y la producción fue realizada por compañía  canadienses y brasileñas.

Meirelles ha reconocido el reto de realizar una película que simula la experiencia de la ceguera al público, y explicó, «Cuando uno hace una película, todo está relacionado con un punto de vista, la visión. Cuando tienes dos personajes en un diálogo, la emoción es expresada mediante la forma en que se miran las personas, a través de los ojos. Especialmente cuando uno corta las escenas y edita. Usualmente se corta la escena cuando alguien alza la mirada. El cine es sobre puntos visuales, y en esta película no hay».

De igual forma que en el libro, la ceguera en el filme sirve como una metáfora para el lado oscuro de la naturaleza humana, prejuicio, envidia violencia e indiferencia.

Después comenzó el casting. ​ Meirelles dijo que varios actores con los que habló estaban intimidados por el concepto de interpretar personajes sin nombres: "Les ofrecí la película a algunos actores que dijeron: 'No puedo interpretar a un personaje sin nombre, sin historia, sin pasado. 

Unas de las primeras elegidas fue Julianne Moore como la esposa del doctor quien  Moore describió la responsabilidad de su personaje: "Su mayor preocupación al principio es simplemente su marido. Pero su capacidad de ver al final la aísla y la convierte en una líder". El director también le dio al personaje de Moore un vestuario que combinaría con la piel del actor y el pelo rubio teñido, dándole la apariencia de un "ángel pálido". 

Mark Ruffalo como Doctor será el otro líder, aunque Meirelles intentó originalmente contratar al actor Daniel Craig como Doctor, pero las negociaciones no se finalizaron. Ruffalo dijo que su personaje pierde la ilusión de su propia perspectiva y percibe a su esposa como una persona a la que podría aspirar. Ruffalo dijo: "Es un momento muy difícil para cualquiera, tener todas sus percepciones completamente destrozadas, pero creo que el Doctor finalmente se calma con sus incapacidades y su caída, y admite admirar las fortalezas de su esposa".  El actor usaba una capa de maquillaje para parecer mayor y también usaba lentes de contacto para ser ciego mientras tenía los ojos abiertos. El actor dijo sobre la experiencia como un personaje ciego: "Al principio es aterrador y luego es frustrante y luego se calma ... estamos atormentados por nuestra vista ... no sabes esto hasta que te quedas ciego ... Como actor, de repente me sentí libre ". 

Se eligió a un veterano actor a Danny Glover como  "El hombre del parche del ojo" que entra en este nuevo mundo de ceguera cuando ya está medio ciego, así que creo que entiende dónde está dentro de su propia verdad, dentro de sí mismo. Sentí que este personaje se parecía mucho Saramago porque no tiene excusas, es quien es y acepta quién es ".  Glover explicó su participación en el papel: "Cuando eres ciego, tratas de adoptar otro tipo de sensibilidad, por lo que este papel es definitivamente un desafío desde un punto de vista físico". 

Gael García Bernal , que había intentado comprar los derechos de autor, es uno de los villanos de la película cuando se declara "Rey del pabellón 3" . Meirelles siguió el consejo del director de escena brasileño Antunes Filho y cambió el personaje de la novela haciéndolo más ambiguo, explicando: "En el libro, él es realmente un tipo malo, terriblemente malvado desde el principio ... pero pensé que era más interesante que no sea malvado, sino más bien como un niño con un arma ".  Bernal  dijo que  "Creo que el Rey es muy práctico, muy pragmático. Parece frío porque no es idealista y no ve esperanza, pero es un sobreviviente, lo mismo que todos los demás". otros." Gael (García Bernal), dijo: "Nunca pienso en el pasado. Solo pienso en lo que mi personaje quiere" ». 

Su sicario es Maury Chaykin como el contador, otro actor veterano y que hace de ciego desde su nacimiento, por lo que está mucho más acostumbrado a confiar en sus otros sentidos, lo que le da una gran ventaja sobre los otros prisioneros. 

Alice Braga como mujer con gafas oscuras.  Braga describió a su personaje como misterioso, creyendo, "Mientras se acuesta con hombres por  dinero fácil, no quería tratarla puramente como una prostituta . Empieza bastante fuerte, pero desarrolla sentimientos maternales muy fuertes. " Meirelles explicó que las gafas del personaje le daba una apariencia fría, pero a través de sus escenas con el huérfano  desarrolla su calidez.

Como personajes secundarios incluyen al guionista  Don McKellar quien había sido ya actor con anterioridad  y fue elegido como el personaje. El guionista describió al ladrón: "Me gusta el truco en el que piensas que el ladrón es un tipo malo. Es un personaje patético que primero crees que es el villano de la pieza y luego te das cuenta de que, no, ni siquiera está cerca de eso. algo encantador acerca de su desesperación porque, después de un punto, te encuentras con el Rey del Cuarto Distrito y sabes lo que es la verdadera desesperación ". 

Para papeles menores fueron elegidos Sandra Oh  , los japoneses Yusuke Iseya - quien escribió algunos de los diálogos japoneses- y Yoshino Kimura , así como Mitchell Nye , Susan Coyne , Martha Burns ,  Joe Pingue como el taxista y un habitual actor de Meirelles, Douglas Silva y Christian Duuvoort . Este actor  dirigió una serie de talleres para entrenar a los miembros del elenco. 

El reparto y equipo técnico del filme incluyó 700 extras que tuvieron que ser entrenados para simular la ceguera, enseñando a los actores extras los gestos, también les infundió los estados emocionales y psicológicos de los invidentes y Meirelles describió, «Cuando tú hablas con alguien, tú ves una reacción. Cuando tú eres ciego, la respuesta es más ilusoria»

La película también contiene alusiones visuales de algunas obras artísticas, como la pintura de Pieter Brueghel el Viejo, titulada la Parábola de los ciegos (1568).  Meirelles se fijó " desde Rembrandt a otros artistas contemporáneos. Pero es algo usado sutilmente" como las pinturas de Lucian Freud .

El rodaje de la película Blindness tuvo lugar en São Paulo comenzando a principios del mes de julio de 2007 y continúo hasta el otoño del mismo año en la ciudad de São Paulo (Brasil)- como Rua Piauí, en el Minhocão, en la Via Elevada Presidente João Goulart, Praça da Sé y Avenida Paulista - y en Toronto, en concreto, en los Toronto Film Studios,  y en Guelph (Ontario, Canadá). También se realizó en Montevideo, Uruguay. En las escenas filmadas en Montevideo, se distingue el centro histórico de la ciudad, especialmente en una escena en la que varios invidentes se agolpan desesperadamente y asaltan un supermercado.

Sin embargo, São Paulo sirvió como el principal escenario de Blindness, debido a que el director percibió que su  ciudad natal tenía todas las características necesarias. Algunas escenas también se filmaron en Osasco , en Brasil.

Hubo un preestreno de la película   en Toronto  y resultó en un diez por ciento de la audiencia, casi 50 personas, saliendo temprano de la película. Meirelles atribuyó el problema a una escena de violación que tiene lugar a mitad de la película y editó la escena para que fuera mucho más corta en el corte final. Meirelles explicó su objetivo: "Cuando filmaba y editaba estas escenas, lo hacía de una manera muy técnica, me preocupaba cómo iluminarla y demás, y perdía el sentido de su brutalidad. Algunas mujeres eran realmente se molestaron con la película, y pensé, 'Wow, tal vez cruzado una línea que no debía'. Regresé para no complacer a la audiencia, pero ellos se mantendrían involucrados hasta el final de la historia ". 

La prueba realizada en Nueva York, los resultados demostraron que la principal preocupación del público estadounidense se centraba en que la víctima que no se logra cometer en su acto de venganza. Meirelles cree que esta preocupación refleja lo que los estadounidenses han aprendido a anticipar en su cine.

Focus Features adquirió el derecho de manejar las ventas internacionales de la película, mientras Pathé adquirió los derechos del Reino Unido y Francia para distribuir la película,  y Miramax Films ganó los derechos de distribución de EE. UU. 

Blindness se estrenó como la película de apertura en el 61 ° Festival de Cine de Cannes el 14 de mayo de 2008,  donde recibió una "recepción tibia" y  "poco amables" donde fue nominado  a la Palma de Oro a la dirección 

Tras ello se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2008 como una presentación especial. 

La película también se estrenó en el Festival de Cine del Atlántico el 11 de septiembre de 2008,  y su lanzamiento comercial  en los Estados Unidos se realizó el día 12 de septiembre de 2008. 

En su idea de película de ciencia ficción fue presentada en  el Festival de Sitges donde recibió el premio al diseño de producción y el premio del público. 

En cuanto a la crítica la revista cinematográfica Variety, criticó duramente la película y, del mismo modo, las votaciones de los críticos en Cannes también fueron desfavorecedoras con un promedio de 1.3 de 4, muy por debajo de las proyectadas. Alberto Crespi de la publicación italiana L'Unità , Michel Ciment de la revista de cine francesa Positif y Dohoon Kim de la publicación de cine surcoreana Cine21 , todos dieron a la película cero puntos (de cuatro).

Por contra, la película apareció en la lista de las mejores diez películas de críticos de 2008. Bill White del Seattle Post-Intelligencer la nombró como la 5ª mejor película de 2008,  y Marc Savlov de The Austin Chronicle la llamó la octava mejor película de 2008. 

Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter describió la ceguera como un "cine provocativo pero predecible", sorprendente pero que no sorprende. Honeycutt criticó los dos puntos de vista de la película: el personaje de Julianne Moore, el único que puede ver, es lento para actuar contra las atrocidades, y el comportamiento del personaje de Danny Glover es "ligeramente pomposo". Honeycutt explicó: "Esta frialdad filosófica es lo que más debilita la respuesta emocional a la película de Meirelles. Sus cálculos ficticios son todos muy precisos y un tono de seriedad mortal inunda la sombría acción". 

Para Justin Chang de Variety   "La ceguera emerge en la pantalla tanto descuidada como desmotivada, tocando escrupulosamente los latidos de la novela pero apenas aproximándose, por así decirlo, a su visión". Chang pensó que Julianne Moore dio una gran actuación, pero no sintió que la película capturara el impacto de la novela de Saramago. 

Roger Ebert dijo de Blindness que es "una de las películas más desagradables, por no decir insoportables, que haya visto". (...) Mis ojos, oídos y paciencia fueron asaltados. (...)". 

A. O. Scott de The New York Times declaró que, aunque "no es una gran película, , principalmente porque no puede trascender la endeblez intelectual de su fuente. Está , sin embargo, llena de ejemplos de cómo se ve un buen cine". 

Stephen Garrett de Esquire felicitó el estilo poco convencional de Meirelles: "Meirelles [honra] el material mediante el uso de composiciones de cámara elegantes e ingeniosas, un diseño de sonido cautivador y hábiles toques de efectos digitales para acentuar la autenticidad de su paisaje catastrófico". A pesar de los elogios, Garrett escribió que el talento de Meirelles al retratar la injusticia de la vida real en Ciudad de Dios y otras películas no le convenía por dirigir la "realidad realzada" de  Saramago. 

Según,  Peter Bradshaw  en  The Guardian lo tildó de  "una adaptación inteligente, firmemente construida y supremamente segura": "Meirelles, junto con el guionista Don McKellar y el director de fotografía Cesar Charlone, han creado una película elegante, cautivadora y visualmente excepcional. Responde a las notas de la novela de apocalipsis y distopía, y su revelación de un desierto espiritual dentro de la ciudad moderna, pero también a sus cualidades persistentes de fábula, paradoja e incluso capricho ".  "La ceguera es un drama hermético a la batería, con imágenes magníficas, alucinatorias, de colapso urbano. Tiene un verdadero espiral de horror en su centro, pero se aligera con gentileza y humor. Me recordó a la Noche de George A Romero . The Living Dead , y el juego de teatro absurdo de Peter Shaffer, Black Comedy . Es audaz, magistral, la realización de películas ". 

Para  Wesley Morris, del Boston Globe , quien elogió a la actriz principal: "Julianne Moore es una estrella en estos tiempos terribles. Ella tiende a estar en su mejor momento cuando el mundo está en su peor momento. Y las cosas son bastante malas en" Ceguera ", una perversamente agradable, ocasionalmente desgarradora adaptación de la alegoría del desastre de José Saramago en 1995. [...] "Ceguera" es una película cuyo sentido de crisis se siente justo a tiempo, incluso si el final feliz se siente como un rescate emocional gratuito. Meirelles asegura que la obviedad del simbolismo (¡en la aldea global, los ciegos necesitan guía!) no niega el poder de la historia, ni el poder de la actuación de Moore. Mientras más deshumanizantes se vuelven, más feroz se vuelve ".

Para  Claudia Puig en USA Today destaca que es "Una idea brillante que parece carecer de la visión para ser grande. (...) comienza con una poderosa y desconcertante sensación de aprehensión. (...) " 

Entiende   Mick LaSalle en el San Francisco Chronicle  que "Es, a ratos, casi insoportablemente fea, pero cuando sales del cine sabes que has visto algo notable." 

En España Carlos Boyero en El País destaca que la película es "Perturbadora (…) Es una película extraña, enfermiza, con atmósfera, con algo atractivo." En este mismo diario, Jordi Costa , sostiene que "Meirelles se entrega en un nuevo ejercicio de estilo (...) El resultado puede resultar excesivo, puede gustar o no, pero es cine puro y no traiciona sus fuentes." 

Para  Oti Rodríguez Marchante  en el  ABC concluyendo que "Una película excelente (…) la historia produce enorme angustia y turbación" 

Para  Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia "Meirelles parece haberse quedado en la epidermis del inquietante tema político que subyace en la novela de Saramago, aunque la película tenga momentos de notoria brillantez visual y unos actores convincentes" 

En El Mundo  Luis Martínez comenta que  "El 'Ensayo sobre la ceguera', a tientas. (...) fallida película (...) Una voz en 'off' se empeña en susurrar y subrayar cada imagen, cada metáfora." 

La película fue fuertemente criticada por varias organizaciones que representan a la comunidad de ciegos. El Dr. Marc Maurer , presidente de la Federación Nacional de Ciegos , dijo: "La Federación Nacional de Ciegos condena y deplora esta película, que hará un daño sustancial a los ciegos de Estados Unidos y el mundo". 

Un comunicado de prensa del Consejo Estadounidense de Ciegos dijo "... es bastante obvio por qué las personas ciegas se indignarían por esta película. Las personas ciegas no se comportan como criaturas  incivilizadas".  La Federación Nacional de Ciegos anunció planes para piquetes en al menos 21 estados, en la mayor protesta en los 68 años de historia de la organización. 

Por su parte, José Saramago describió su novela como una representación alegórica de "una ceguera de la racionalidad" y desestimó las protestas, afirmando que "la estupidez no elige entre ciegos y no ciegos". 

José Saramago vio la película junto con Fernando Meirelles, ya que Saramago , aunque quería asistir al estreno de la película en el Festival de Cine de Cannes, sus médicos no le permitieron viajar, por lo que Fernando Meirelles voló a Lisboa, para mostrarle la película. Cuando la película terminó, Saramago estaba llorando. Se volvió hacia Fernando Meirelles y dijo: "Fernando, estoy tan feliz de haber visto esta película como lo estuve el día que terminé el libro". 

La película resulta interesante dado el tema y el temor que tiene toda persona a la pérdida de la visión. Se confirma , por supuesto, la idea de qué no hay más ciego que aquel que no quiere ver. Pero resulta interesante saber como la condición humana nos puede transformar en un momento cuando cambias las condiciones de vida. Bueno, esto ya lo he comentado en The Walkind Dead, cuando una epidemia lo asola todo y la primero que asola es la humanidad,  pero eso ya no es nada nuevo ¿ no ? . La  película es interesante.