A bigger splash

Siempre que la veo me llama la atención su extraño aspecto, casi andrógeno. Hablo de Tilda Swinton o Katherine Matilda «Tilda» Swinton, una actriz londinense que creía haber visto por primera vez en The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe. Pero después descubrí que no. Y lo cierto es que tanto antes como después la he visto en múltiples películas. Es una persona curiosa, genealógicamente importante, y con altísima preparación.

Sin embargo, ahora leyendo su biografía he descubierto que la vi por primera vez en la película Orlando, una película de 1992 que pude ver en la Filmoteca de Andalucía, unos de sus éxitos en el mundo del cine en este versión cinematográfica de Sally Potter surgida de la novela de Virginia Woolf. Ya entonces confirmó mi actual opinión. Hace unos días la he visto en una foto junto a David Bowie que es precisamente el aspecto al que me recordaba en esta película que he visto hoy, A Bigger Splash.

El título en español me recordaba a una película que vi que me encantó de Nikita Milhalkov y que llevaba por título Quemados por el sol. Sin embargo, la película que he presenta en castellano otro título diferente. En vez de Quemados por el Cegados, aunque siempre por el mismo elemento: el sol . Sin embargo, su título en inglés es A Bigger Splash . El título en inglés, por cierto, hace referencia al cuadro homónimo de David Hockney.

Como película se trata de una película dramática de nacionalidad italiana del año 2015 que fue dirigida por Luca Guadagnino . Sin embargo la naturaleza de la misma es internacional. En el guión participa el estadounidense David Kajganich siguiendo la escrito por el dramaturgo francés Alain Page , aunque presentado con el pseudónimo de Jean Emmanuel Conil.

Como ya he dicho , realmente la película se inspira directamente en otra , una francesa , del año 1969 de Jacques Deray y que llevaba por título La Piscine. La película francesa contaba con la participación en el reparto de Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet, Jane Birkin y se desarrollaba en una villa cercana a St. Tropez, en la Costa Azul francesa.

Por otro lado en esta producción italiana traslada la historia a una isla italiana cercana a Túnez y el elenco internacional es más internacional integrado por los británicos Tilda Swinton y Ralph Fiennes, el belga Matthias Schoenaerts, y la norteamericana Dakota Johnson.​

Esta película es el segundo filme del siciliano Luca Guadagnino de la trilogía de Deseo, siendo secuela de Io sono l'amore (2009) y precediendo a Call Me by Your Name (2017). Compitió para el León de Oro en el 72.º Festival Internacional de Cine de Venecia. Este palermitano de naturaleza internacional casi desde su nacimiento es hijo de padre italiano y madre argelina, que pasó su infancia en Etiopía, donde su padre enseñaba Historia. Y que más tarde pasó al estudio de la Literatura primero en la Universidad de Palermo y se graduó después por la Universidad La Sapienza de Roma, en la facultad de Historia y Críticos de Cine, con una tesis sobre el director de cine estadounidense Jonathan Demme. Guadagnino, al que gustan los festivales y viceversa, debutó con el largometraje The Protagonists (1999), que fue proyectado en el Festival de cine de Venecia de 2000.

En 2002, dirigió el documental Mundo Civilizado, presentado a su vez en el Festival de cine de Locarno en 2003. En 2004 presentó su nuevo documental, Cuoco Contadino, en el Festival Internacional de Cine de Venecia, y en 2005 estrenó el largometraje Melissa P., que tuvo una gran acogida por el público y la crítica.

En 2009 escribió, dirigió y produjo la película Io sono l'amore ("Soy el Amor"), presentada en los festivales de cine de Venecia, Berlín, Busan (Corea del Sur) y Sundance (Estados Unidos). La película tuvo un éxito inmediato.

En 2010, la cinta de Guadagnino fue candidata a los premios Óscar al mejor Diseño, el Globo de Oro y el BAFTA nombramientos para mejor película en lengua extranjera. Guadagnino continuó su actividad en 2011 con el documental Inconscio italiano, presentada en el Festival de cine de Locarno. Su trabajo en el documental Bertolucci on Bertolucci (2013), que fue proyectado en el Festival de cine de Venecia, en el Festival de cine de Londres y en el París Cinematheque, además de en otros 50 festivales a lo largo del mundo entre 2013 y 2014. Codirigido con Walter Fasano, el documental fue hecho enteramente con materiales de archivo.

En 2015, Guadagnino dirigió A Bigger Splash, que fue presentada en el Festival de cine de Venecia de 2015, donde concursó en la competición oficial. La película de Luca Guadagnino contó con la producción de Michael Costigan, Luca Guadagnino por medio de la Frenesy Film Company, Cota Film, el Ministero per i Beni e le Attività Culturali, la Regione Siciliana, Sicilia Film Commission, Sensi Contemporanei Cinema e Audiovisivo y StudioCanal y la distribución de dos grandes, la Fox Searchlight Pictures para EE.UU. y StudioCanal para el Reino Unido. En este caso la película contó con la fotografía del habitual en el director Yorick Le Saux y el montaje de Walter Fasano.

En cuanto los protagonistas están por un lado, la pareja integrada por Tilda Swinton como Marianne Lane y Matthias Schoenaerts como Paul De Smedt y, por otro, Ralph Fiennes como Harry Hawkes y Dakota Johnson como la hija de éste, Penelope Lanier.

Aparecen igualmente Lirio McMenamy como Sylvie, Aurore Clément como Mireille, Elena Bucci como Clara y Corrado Guzzanti como el jefe o Maresciallo de los Carabinieri. Participan igualmente Alessandro Ferrara, David Maddalena

En una villa aislada en la pequeña isla italiana de Pantelleria, la mundialmente conocida cantante de rock, Marianne Lane (Tilda Swinton ) va a pasar las vacaciones con su pareja Paul De Smedt ( Matthias Schoenaerts).

Ella se está recuperando de su cirugía y pues ha perdido su voz quedando en ese caso en reposo y pudiendo solo comunicarse por señas y murmullos. Él, un prestigioso fotógrafo que lleva diez años de relación con Marianne, está recuperándose de su adicción al alcohol y de un intento de suicidio fallido. Viven en Pantelleria en una villa aislada, con piscina, en una escarpada montaña. En la piscina hacen el amor pasando después a tomar los barros en una laguna cercana. Ninguno de los dos habla italiano, pero ambos necesitan estas vacaciones.

Sin embargo, mientras están tomando los barros Paul recibe una inesperada llamada que le obliga a ir al aeropuerto sito en las cercanías. Allí está a que aparezca el hombre que les ha llamado, amigo de ambos, pero al que ninguno de los dos quiere ver.

El que llega es Harry Hawkes (Ralph Fiennes ), un charlatán y extrovertido promotor de música que hace años era el amante Marianne y que fue él precisamente el que le presentó a Paul. Ahora parece ser que vive en Roma.

Tras ser afectuaosamente saludada por Marienne y más friamente por Paul descubren una sorpresa, no llega sólo. Junto a él se encuentra Penelope (Pen) Lanier (Dakota Johnson ) , la supuesta hija de Harry, y que se ha enterado de su existencia hace poco. Ella , norteamericana, dice tener 22 años. Harry desde el primer momento se pone pesado con lo que no tiene alojamiento y , finalmente, consiguen alojarse en la villa.

Tras eso se van a cenar a una chiringuito que abre únicamente en primavera y verano. Cuando llegan no hay sitio. Pero Harry saca a relucir que va con Marianne, así que tras ser reconocida por los que cenas se encuentra con una mes.

En la villa Harry se instala en una habitación apartada, mientras que Penélope lo hace en el interior de la casa. Al día siguiente Harry empieza a invitar amigos y amigas como si estuviera en su propia casa. Su verborrea aburre a Pen y molesta a Paul. Habla de su amistad con los miembros de los Rolling Stoone así como otras bandas importantes de Pop de los ochenta y noventa.

Sin embargo, Marianne empieza a caer bajo sus encantos de nuevo. Tras eso propone bajar al pueblo para ir a la verbena de San Gaetano, el patrono local y disfrutar de las cervezas y de la música, así como del ambiente.

Harry, Marianne y Pen marchan a la fiesta así como un par de amigas francesas que ya había invitado a su casa, pero Paul dice que prefiere probar su nueva cámara de fotos. Penélope , rápidamente se pierde por las calles ya que quiere librarse de su padre, así que Harry y Marianne se quedan solos, y Marianne reconoce que siempre disfrutó con Harry.

Harry se mete en una taberna y le pide al dueño que active el karaoke, así que organiza in fiestón en el que canta y hace bailar a Marianne, ante el regocijo de muchos de los paisanos locales presente, así como turistas e incluso de Pen que ve como es su padre. Pen llega junto a Paul que , desde luego, no disfruta nada con lo que ve. Por unos momentos vamos viendo flashback sobre el pasado desde los multitudinarios conciertos de Marianne como artista Pop hasta cómo Harry presentaba a Paul a Marianne, cuando las relaciones entre ambos ya están más que ritas.

Sin embargo , la vida prosigue. Harry con sus cosas y la pareja con las suyas. Eso sí, Paul cada día más cansado de Harry. Un día Harry propone a Marianne ir a comprar queso en una casa particular.

Ese día están dando vueltas por la isla y hablando. Harry quiere recuperar su posición con Marianne , pero esta detiene a Harry en sus devaneos. Ella le dice que le gusta, pero que no puede estar con él, y que tiene que quedarse con Paul.

De hecho aborta el intento de consumar el deseo de Harry. Ella le dice que lo ama, pero que no puede estar con él y que está con Paul.

Mientras esto ocurría, Paul le propone a Pen que se vaya a dar una vuelta por la isla. Sin embargo, ella , inteligentemente, comienza a seducir al desanimado Paul mientras van recorriendo parajes de una isla en la que encuentran inmigrante recién llegados y ocultos por la isla, así como el lago y algunas calas.

En la cala , Pen se desnuda al completo para tomar el sol y Paul la mira con deseo. Se deduce que Paul sucumbe a la seducción de esa Lolita que es Pen. Mientras Marianne y Harry esperan para la cena.

Mientras tanto Harry bebe y mucho. Después de haber estado bebiendo, Harry intuye que Paul ha tenido relaciones con su hija, y tiene una pelea con él en el borde de la piscina. Ambos caen, y la lucha continúa. Paul sostiene a Harry bajo el agua demasiado tiempo, y Harry se ahoga. Al darse cuenta de lo que ha hecho, Paul saca a Harry fuera de la piscina e intenta revivirlo, pero sin éxito, y deja a Harry caer al fondo de la piscina.

Por la mañana, la criada encuentra el cadáver de Harry, y llama a la policía. Y aunque están ocupados con el tema de los inmigrantes ilegales que vienen desde el norte de África, situación que los desborda, además algunos han fallecido, llevan a los ocupantes de la villa a la casa para interrogarlos.

Las preguntas la hace en italiano, idioma que sólo habla la asistente, pero que a su vez habla más inglés. Así que decide llevarse a los tres a comisaría para interrogarlos. Marianne les dice la verdad, que ella estaba dormida, y sugiere que el asesino fue un intruso.

Paul miente, diciendo que se fue a la cama antes de que el homicidio sucediera. Pen, que antes, en la casa, ignoró las preguntas que el Comisario les hacía a la pareja en italiano , revela que puede hablar italiano perfectamente, pero prefirió dejar que los otros dos hablaran, y que además tiene 17 años.

A Paul le preocupa que Pen haya sido testigo de su pelea con Harry, aunque no hace nada por descubrirlo.

Cuando terminan, y una vez ya en la casa, echados sobre un muro, Paul, le confiesa a Marianne que él mató a Harry, pero que trató de salvarlo.

En el aeropuerto, en la puerta de embarque, Pen hace una declaración que hace referencia a algo que Marianne le dijo una vez a Harry. Perturbada, Marianne le da un bofetón a Pen. Pen mantiene la compostura hasta que entra en el avión, entonces empieza a llorar, procurando que Marianne y Paul no la vean.

Estos dos se van en su coche hacia la villa, pero en el camino son detenidos por la policía. El agente, en lugar de seguir con el caso, se revela como un admirador de Marianne y le pide que le firme un CD. Ella acepta, y entonces aliviada se ríes estruendosamente y vuelve al coche con Paul.

A bigger splash se rodó entre el 25 de julio y el 26 de septiembre de 2014 en la isla Pantelleria, perteneciente a Sicilia, así como alguna escena en el Stadio Giuseppe Meazza o San Siro de Milán, estadio en el que Marianne aparentemente daba su concierto. Filmaron la escena frente a 70,000 personas durante el show de la estrella del rock italiano Lorenzo Jovanotti. Tilda Swinton que tiene una amiga común con Jovanotti, le pidió que si podía prestar su escenario durante 15 minutos y se le pidió a la audiencia que gritara "Marianne Lane" antes de que saliera Jovanotti.

Decir que Pantelleria es una islaque está a 62 millas al suroeste de Sicilia y solo a 37 millas al este de la costa tunecina.

En el guión original, Marianne Lane era una actriz inglesa que aprende el acento estadounidense. pero Tilda Swinton sugirió que ella sería una cantante, una persona de la música de la misma manera que Harry, para enfatizar su cercanía como pareja, así que el guión fue cambiando.

Los cineastas consideraron extremadamente importante que el vínculo entre Harry y Marianne fuera la música, su conexión . Luego, habiendo establecido eso, a Tilda también se le ocurrió la idea de que Marianne, a diferencia de Harry, que tiene esta gran capacidad con las palabras, debería tener una especie de impedimento que la obliga a expresarse de otra manera.

Antes de que David Kajganich comenzara el primer borrador del guión, leyó todos los libros oficiales y no oficiales sobre The Rolling Stones y observó cada documental oficialsobre ellos. Necesitaba construir un espacio en el mundo de los hechos del rock and roll de los 90 que Marianne Lane y Harry Hawkes podrían haber ocupado. Lo que los álbumes de los Rolling Stones, por ejemplo, podría haber producido Harry. Una vez que decidió eso, encontró tantas cuentas en primera persona de estar en el estudio durante la grabación de esas canciones como pudo. En algún momento los Rolling Stones leyeron el guión. Los cineastas querían su bendición ya que pedían los derechos de parte de su música y se la dieron, pero en este correo electrónico Mick Jagger le preguntaba cómo Kajganich conocía la historia que Harry cuenta en la película sobre la grabación de "Moon Is Up" y tener a Charlie Watts tocando un bote de basura en lugar de un tambor. Kajganich había leído el contenido de esa anécdota en uno de los libros de Stanley Booth sobre The Rolling Stones. Pero lo había usado en el guión de esta manera, y al principio estaba un poco preocupado de que Mick Jagger pudiera estar molesto por eso, pero al contrario. Kajganich también escuchó casi exclusivamente The Rolling Stones durante un año.

El guionista David Kajganich estuvo en el set y también tiene un crédito de productor ejecutivo en esta película. Kajganich terminó siendo parte de casi todas las fases de la producción, incluido la postproducción.

Inicialmente el papel de Dakota Johnson estaba pensado para Margot Robbie que era la elegida originalmente como Penélope, pero se retiró unas pocas semanas antes de que comenzara el rodaje debido a conflictos de programación con La leyenda de Tarzán (2016).

Los cuatro actores principales, el director y un equipo italiano se mantuvieron juntos durante ocho semanas. En un momento dado, la cámara subacuática necesaria para una escena no funcionó, y tuvieron que esperar una semana para un reemplazo.

El actor belga Matthias Schoenaerts se sintió incómodo y atrapado, mientras que Tilda Swinton estaba tranquila y más tarde lo describió como "como unas vacaciones familiares extendidas". Ralph Fiennes , quien amaba sus casas individuales construidas en las rocas y que ocupaban todos los integrantes de la película, no quería irse. Luca Guadagnino dijo que tuvo una de las mejores experiencias en el set de su carrera con el elenco.

Inicialmente, Tilda Swinton no quería hacer esta película. De hecho un correo electrónico filtrado de Sony reveló que Cate Blanchett fue la elección original para el papel de Marianne. Blanchett estaba realizando una obra en Nueva York al mismo tiempo de la filmación. Pero no aceptó. Tampoco quería Tilda. Ni ésta ni otras, debido a la reciente muerte de su madre, ella terminó cambiando de opinión y propuso la idea de que esta mujer no puede hablar sobre la historia establecida de historias antiguas y nuevas vidas que se ponen de relieve unas por otras. No solo como un giro para aumentar las tensiones entre los personajes, sino también como una forma de explorar las posibilidades de silencio en un retrato de un personaje rodeado por el ruido de los demás y el legado del ruido que ella misma hizo en el pasado.

Como ya he dicho al principio el personaje que interpreta Tilda Swinton , el de Marianne Lane, es una mezcla de David Bowie , Chrissie Hynde , Patti Smith , PJ Harvey , Peaches , Joan Jett y Roisin Murphy . La apariencia de Marianne en la escena de apertura es similar a la era Ziggy Stardust de David Bowie.

Ralph Fiennes, que hace un papel fundamental en la película, declaró que aceptó el papel de Harry Hawkes cuando recibió el guión y se le informa que , al menos, durante unos minutos su personaje se expresaría a través del baile, cosa que nadie nunca se lo habían pedido, así que dijo " sí, gracias." La escena de baile de Ralph Fiennes fue filmada en un día. El actor tenía la canción en su iPod y la bailaba en su tiempo libre.

Ralph Fiennes invitó a Anne Yee, una coreógrafa y entrenadora de movimiento para actores, para que lo ayudara a construir su escena de baile.

También es cierto que el papel de Fiennes tiene que ver con el actor. El hermano de Ralph Fiennes , Magnus, es un productor musical al igual que su personaje Harry. Fiennes le dijo a Collider que su hermano era su principal fuente de referencia y le hablaba de cosas de la película.

Por medio de este actor británico hay un vínculo con los Rolling Stone. Ya había relación entre el director y el músico desde la película Io sono l ´ amore. Ralph Fiennes también se hizo amigo de Jagger y el dúo realizó una peregrinación a un concierto de los Stones en Roma para lanzar A Bigger Splash.

Según el productor de la película, Michael Costigan , fue incluso mejor de lo que hubieran esperado. Mick y Ronnie Wood, en particular, estaban tan entusiasmados con la película como con el personaje de Ralph, que realmente recibió un par de notas de Mick y de Ronnie para que el diálogo fuera tan auténtico, en términos de describir las sesiones de grabación que Harry analiza. . Cuando pone el registro, Harry ahora está transmitiendo algunos detalles auténticos de las sesiones de grabación originales que proporcionaron los Stones.

El vestuario de Dior de Marianne Lane fue creado especialmente para Tilda Swinton por Raf Simons , el director creativo de Dior en ese momento. La falda larga de Dior con un top a cuadros de manga larga usado por Tilda Swinton en la escena final bajo la lluvia, se inspiró en un look de Ingrid Bergman en Te querré siempre (1954).

El resto de los personajes, con un look más "casual" como diría algún amigo refiriéndose a mi o relajado como dirían otros, fueron diseñados por la diseñadora de vestuario Giulia Piersanti , para complementar el estilo informal de Marianne y sus propias intenciones. Harry, por ejemplo, tiene una mezcla excéntrica de ropa de ciudad y vacaciones. Piersanti se imaginó que no necesariamente planeaba este viaje y que estaba allí fue una decisión del momento para arruinar las cosas para Marianne y Paul. Ella fue a Charvet en París con Ralph Fiennes para que le hicieran camisetas para la película y fue muy divertido verlo convertirse en Harry tan pronto como lo cubrías con una tela ya que él es muy diferente de su personaje.

Penélope tiene un punto de partida similar, ya que básicamente ha sido arrastrada por la inesperada aventura de su padre. Piersanti quería que tuviera una sensación de niña de ciudad en su aspecto desde el principio, pero su relativa juventud es una corriente constante a medida que se encuentra nadando en ropa interior porque aún no ha comprado un traje de baño. Según Piersanti, su suéter de cara sonriente al final de la película cuando trata de no llorar dice mucho sobre su necesidad de estar siempre al margen de las cosas que le importan en secreto.

Paul, por otro lado, es un fotógrafo y cineasta a quien de todo el equipo probablemente le importa menos lo que lleva puesto. Piersanti quería que su vestuario no fuera cuidado, muy usado y repetitivo como un uniforme. Terminó haciendo referencia a fotógrafos famosos como Richard Avedon y Helmut Newton, que siempre parecían tomarse autorretratos de sí mismos con una camisa o una camiseta de mezclilla y pantalones vaqueros.

Piersanti también sugiere que los espectadores presten atención a los momentos muy sutiles en que un personaje usa la ropa del otro para mostrar sus verdaderas motivaciones. Por ejemplo, Penélope se pone los zapatos de alpargata de Marianne para ir de excursión con Paul o Marianne vistiendo la camisa de Harry mientras se corta el cabello como un recordatorio de su historia compartida. "Lo más importante fue el estado mental en que se encontraban los personajes", dijo Piersanti.

Por cierto, tal y como se dice en el informe previa a la película que se emitió en la 2 de TVE, las gafas de sol que Paul Matthias Schoenaerts usa durante la película, es una reedición de las gafas de sol Vuarnet 006 usadas por Alain Delon en La piscina (1969), que se convirtieron en una sensación en ese momento.

Luca Guadagnino reveló que se inspiró en Roberto Rossellini en concreto sus películas como Ingrid Bergman como Stromboli (1950) y Te querré siempre (1954) , pero también Jean-Luc Godard, la energía bruta de Martin Scorsese y el profundo conocimiento de Jonathan Demme sobre el que presentó su tesis doctoral. También es un gran fanático del trabajo de Patricia Highsmith y Paul Bowles con su agudo sentido del noir y su capacidad para capturar personajes en un mundo extraño al suyo.

Para The Guardian, Guadagnino explicó que comenzó para hacer la película en pensar en David Hockney . En la famosa pintura de Hockney A Bigger Splash. Consideró la representación del artista de las superficies, y pensó: "¿Qué hay detrás, qué hay más allá, qué hay antes, el choque de la superficie?" Es más, Luca Guadagnino tiene algunas dudas al considerar que "A Bigger Splash" es un remake de La piscina (1969) aunque se inspire en la historia de las dos parejas. En el Festival de Cine de Londres 2015, el director Luca Guadagnino comentó que su escena favorita era una que ni siquiera llegó a la película. "La filmamos en Londres, en la Galería Tate, y sucedió frente al gran cuadro de David Hockney . Es una escena hermosa, pero al final no tuvimos espacio para ella". En ella Dakota Johnson estaba frente a la pintura mirando y reflexionando sobre ella.

En febrero 2015, Fox Searchlight adquirió los derechos de distribución de la película. La película tuvo su estreno mundial en el 72.º Festival Internacional de Cine de Venecia de 2015 , el 6 de septiembre de 2015.

A pesar de que dije anteriormente, era la primera película de Luca Guadagnino que competía por el León de oro en el Festival de Cine de Venecia. Sus películas anteriores fueron proyectadas fuera de competición o en otras secciones.

También se mostró en el coreano Festival Internacional de Cine de Busan el 2 de octubre de 2015 y en el Festival de Cine de Londres el 9 de octubre de 2015.

La película se estrenó en el Reino Unido el 12 de febrero de 2016 por StudioCanal y en meses posteriores en otros países como Francia (abril de 2016) y Estados Unidos ( mayo de 2016).​ Por su estreno en cines, Cegados por el sol recaudó unos $7.5 millones.

La película obtuvo algunos premios. En los Premios Independent Spirit fue nominada al Mejor actor secundario - Ralph Fiennes- y en el Festival de Venecia fue presentada en la Sección oficial largometrajes a concurso siendo nominado Luca Guadigno en el Premio Green Drop, aunque se llevó reconocimientos para la banda sonora y el premio a la innovación para el director siciliano.

En los AARP Annual Movies for Grownups Awards se concedió una nominación a la Mejor actriz para Tilda Swinton.

En los Detroit Film Critics Society la nominación fue para el mejor actor secundario Ralph Fiennes al igual que en los Evening Standard British Film Awards , aunque hay que reconocer que una nominación se llevó también a la Mejor actriz Tilda Swinton.

En los Florida Film Critics Circle también como Mejor actor secundario Ralph Fiennes fue el finalista. Tmbién el actor británico fue nominado en los IndieWire Critics Poll y Tilda Swinton como mejor actriz secundaria.

Para los San Francisco Film Critics Circlela nominación fue para Ralph Fiennes al igual que en los Toronto Film Critics Association.

En cuanto a la crítica sin ser maravillosas, si matizan algunos aspectos de la película. En los Estados Unidos, Deborah Young en The Hollywood Reporter dijo de ella que "Resulta vacía y esencialmente intelectualizada, cuando debería ser poderosamente emocional"

Por su parte, Brian Truitt, de USA Today comentó que era "Un disperso estudio de personajes (...) Lo que tiene a su favor 'A Bigger Splash' son las impresionantes actuaciones de Ralph Fiennes y Tilda Swinton, que parece sintonizar con su Ziggy Stardust interior (...) "

Peter Travers de Rolling Stone decía de ella que "Todo en esta fascinante danza erótica es tan voluptuoso y está tan a punto de caramelo, que observar no parece suficiente: quieres tomar un bocado de ello (...) "

Comentaba Jessica Kiang en IndieWire que era "Una disfrutable muestra de soleado noir (...) Su reparto es bueno, pero si hay que destacar a alguien, sería a Fiennes en la clase de papel en el que nunca le hemos visto antes"

Por su parte, Peter Debruge en Variety decía que "Hay mucho más que sol y sexo pululando más allá de la reluciente superficie de 'A Bigger Splash' (...) El raro reparto de la película invita a sus actos a un sentido de salvaje impredecibilidad"

Anthony Lane del The New Yorker dejó por escrito que "Luca Guadagnino ha hecho algo excepcional y desconcertante: una película genuinamente pagana" Alonso Duralde del The Wrap pensaba que era "Una experiencia exuberante e intrigante que funciona tan bien durante tanto tiempo, que no desmerece por algunos fallos"

En el Reino Unido Peter Bradshaw del The Guardian sostuvo que era "Un cóctel de intensas emociones, trascendentes entornos e inesperados desvíos. Un verdadero placer. (...) "

Para Robbie Collin del Telegraph se trataba de " un brillante tanque de romance, celos e intriga. (...) "      ; y Damon Wise en Empire sostuvo que "Ralph Fiennes deslumbra como inconformista del rock en este drama erótico elegante y poco ortodoxo, que lo intenta encarecidamente, pero que no logra mantener su fuerza excéntrica (...) "

Ya en España Luis Martínez en El Mundo afirmaba que la película era "Una convulsa y magnética sinfonía de pasiones con drama al fondo. Lo mejor, un Ralph Fiennes, entre la locura y la ira, sencillamente único" . También en El Mundo Francisco Marinero decía que eran "Ricos y ociosos. (...) La distinguida Tilda Swinton y el muy histriónico Ralph Fiennes roban la película a sus compañeros, con unos personajes que son meras comparsas (...) "

Jordi Costa de El País dijo de ella que era "El volcán de lo reprimido. (...) libérrimo remake de 'La piscina' (...) un Guadagnino felizmente desatado."

Para Sergi Sánchez de La Razón "La película habla de amores reencontrados, excesos superados, adocenamiento burgués y ánimos autodestructivos con fría frivolidad, pero las memorables interpretaciones de Ralph Fiennes y Dakota Johnson le dan sopas con honda a buena parte de la sección oficial [de Venecia 2015]"

En ABC , Oti Rodríguez Marchante sostenía que "Bien compensados los tiempos (...) en la puesta en escena, fascinante y soñadora, la película habla también de la dificultad de hablar (...) pero también de la charlatanería (...) "

Quim Casas de El Periódico dijo de ella que "Un buen reparto equilibra las comparaciones y Luca Guadagnino se revela el más extraño de los directores italianos actuales. (...) " En otro diario de Barcelona , La Vanguardia , se defendía que "El drama está ahí, completo. Magnífico en sí mismo. Pero Guadagnino lo hace vagar ensimismado. Como los propios personajes, perdidos en su existencia (...) "

En la revista Fotogramas Roger Salvans escribía que "Guadagnino suma a su cuidada pero a la vez angustiada propuesta estilística una trama hitchcockiana aliñada con guiños rossellinianos. (...) ".

Por mi parte decir que esta historia de dos parejas desparejadas no es una obra coral pero lo parece. Por momentos en una lúcida reflexión sobre los fantasmas del pasado que , aunque se han de extinguir en algunas personas perviven.

Personalmente creo que tiene mucho que ver con el grado de madurez. Se rechazan si la madurez es más fuerte que la ventolera de la juventud. Por otro lado, hay una historia con una Lolita que juega hasta la rendición con un hombre débil que sabe que no puede competir con un hombre arrebatador como se muestra Harry. Un hombre vitalista, pero insatisfecho, un hombre que va creciendo aunque de espíritu juvenil y que vive en el complejo y siniestro juego de relaciones que se mueven con una muy buena banda sonora en la que se hace acompañar de una luminosa fotografía del habitual del director Yorick Le Saux y un inteligente montaje de Walter Fasano.

A destacar por supuestos las soberbias interpretaciones de los cuatro pero tres a destacar sobremanera: el carácter vitalista que asume espléndidamente un imparable y charlatán Ralph Fiennnes; el papel herméticos pero sugerente de la siempre precisa Tilda Swinton, aquí impresionante en su papel limitada vocalmente - ambos impresionantes en el baile- ; y una sorprendente Dakota Johnson que lo borda en su papel de Lolita "maneater".

Añadir que contiene una buena banda sonora así como la alegría de vivir en el Mediterráneo y el placer de los sentidos que supone estar en Italia viendo al fondo Túnez, el mismo placer que siento yo en Tarifa mirando Marruecos. La idea de estar aquí , pero sentir de allá.

Desde luego considero que el momento del baile es de lo más sugerente y uno de los aciertos de una película en la que se ve que la química fluye especialmente entre los actores que interpretan a Harry y a Marianne, siendo menor en los otros dos.

De cualquier manera al director italiano tanto le gustó la experiencia en esta película que en septiembre de 2015, anunció en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2015 - no podía ser en otro sitio- sus planes para dirigir un remake de un filme de Dario Argento, Suspiria, con los cuatro actores principales de A Bigger Splash. Eso sí, no pudo ser al menos en la vertiente masculina. Las que si repitieron fueron las chicas, como siempre Tilda Swinton ( está presente en las películas The Protagonists (1999), I sono l´amore (2010) y la comentada A Bigger Splash) a la que se unió nuevamente Dakota Johnson.

París, Texas

París, Texas son tres historias en una. La historia de un reencuentro fraternal, la de un encuentro paterno filial y el reencuentro de una pareja. Es además una película integral en todos los sentidos. Tiene un sentido musical y visual hermoso. Además de una historia múltiple de amor coincidente con el dolor. Es una película que se va construyendo poquito a poco. Es ese sentido, es de cocción lenta, pero que da un magnífico resultado.

Paris, Texas fue dirigido por Wim Wenders y producido por Anatole Dauman y Don Guest . Y es una historia escrita por LM Kit Carson y Sam Shepard .

Y es que Wilhelm Wim Ernst Wenders (Düsseldorf, 14 de agosto de 1945) es un guionista, productor, actor y director de cine alemán fue , conjuntamente con otros alemanes de su tiempo como Werner Herzog, Fassbinder, y algunos más integrantes de lo que se vino a llamar el Nuevo Cine alemán, que , a diferencia del francés, no surgió de la crítica sino de auténticos técnicos del medio , como es su caso, con buena formación en cine tanto por lo visto - en 1966, en París, iba diariamente a la filmoteca - como por lo formado en 1967 finalmente comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich.

De 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen , o sea, la Universidad de Televisión y Cine sita en Múnich, un centro de estudios superior cinematográfico de carácter público donde se formarán productores y directores como Bernd Eichinger, Roland Emmerich, Florian Gallenberger, Katja von Garnier o Mika Kaurismäki.

Ya en 1967 realizó su primer corto y empieza a colaborar como crítico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung. En 1972 realiza su segunda película , El miedo del portero ante el penalty, basada en una novela de Peter Handke, de quien se sentirá cerca toda su vida, desde 1967, y con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.

Desde 1974 e instalado en parte en los Estados Unidos (con Coppola y Fred Ross), Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como El amigo americano (Der amerikanische Freund), Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua) (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo codirigió, y Hammett, 1982, El estado de las cosas (1982) con historias intimistas como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987) o su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! (1993).

En la película que nos ocupa , se trata de una Coproducción entre Alemania del Oeste (RFA)-Francia-Reino Unido-Estados Unidos; por medio de Road Movies Filmproduktion GmbH , la francesa  Argos Films ,  WDR ,  Channel Four Films  y  Pro-ject Filmproduktion , la distribución quedó en manos de la 20th Century Fox, siendo el presupuesto de la misma de algo menos de 2 millones de dólares, en concreto de $ 1.8 millones. 

De entre esas películas, París Texas tendrá una enorme repercusión. Lo mismo que el director, papel fundamental jugó el peso de uno de sus guionistas, Sam Shepard. Esto se debe a qué la película se inspiraba en un escrito del dramaturgo , escritor, músico y actor,ganador de un Premio Pulitzer; recientemente fallecido a consecuencia de la ELA, Samuel «Sam» Shepard Rogers III, uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes de Estados Unidos y heredero de los grandes autores estadounidenses y producto de la contracultura de la década de 1960, que combinaba un humor salvaje, sátira, mito y un lenguaje característico para crear una visión subversiva y pop de los Estados Unidos.

Sus personajes, y aquí es una buena muestra de ello, se caracterizan por su franqueza, sus argumentos oblicuos, la aparición frecuente del absurdo, y por captar perfectamente el estilo y la sensibilidad del oeste de los Estados Unidos. En general son una mezcla de imágenes del Oeste, el arte pop, la ciencia ficción, el rock and roll y otros elementos de la cultura popular. También es habitual que planteen complejos problemas familiares. Aborda los problemas de la sociedad moderna, la alienación individual y los destructivos efectos de las relaciones familiares que dan lugar a personajes que suelen ser perdedores.

Si sus obras expresan un sentido de pérdida, de nostalgia por el mundo rural y los mitos populares destruidos por el pragmatismo, el dinero y el poder, en la película hay reflejada muchos elementos de su escritura. Esto se debe a su idea de que en el mundo moderno se ha roto la conexión entre mito, tierra, comunidad y sentido de la vida. Todo lo que nos queda, en sus propias palabras, son «ideas que no dicen nada en absoluto a nuestro yo interior». Pues bien,  todo esto se refleja en el guión que le encargó el director alemán Wim Wenders y estaba inspirado en el libro de Shepard, Crónicas de motel.

Pero sí esencial en la película es el tono impreso por Shepard no es menos cierto el papel en la banda sonora del angelino Ry Cooder, un virtuoso multiinstrumentista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide, siendo uno d los más importantes instrumentistas de todos los tiempos con un estilo musical enraizado en la música tradicional norteamericana de pobres, negros y blancos, de los Estados Unidos, es decir , en el blues, country, folk rural y gospel.

Con estos mimbres amplió su recorrido incluyendo culturas en los márgenes de la sociedad americana. De hecho en este caso la musica de Ry Cooder da una impronta muy característica a la película. Cooder , como músico de estudio compuso muchas bandas sonoras para películas, como esta de París, Texas (1984).

Cooder basó esta banda sonora y la canción principal "Paris, Texas" en "Dark Was the Night" de Blind Willie Johnson, que describió como "La pieza más conmovedora y trascendente de toda la música estadounidense". Músico Dave Grohl ha declarado el puntaje de Cooder para Paris, Texas, uno de sus álbumes favoritos.

En 2018 Cooder le dijo a los oyentes de BBC Radio 4: "[Wenders] hizo un muy buen trabajo capturando el ambiente en el desierto, simplemente dejando que los micrófonos y la guitarra rodasen y obtuvieran tonos y sonidos del desierto en sí.

Según algunos críticos, la película es reconocida, entre otras cosas, por la forma como captura el espíritu de Texas mostrando de manera "majestuosa" los paisajes gracias al trabajo entre el músico , el director y el director de fotografía, nacido en Willemstad, Antillas Neerlandesas, Robby Müller.

Junto a Wenders trabajarían juntos en producciones como Alabama: 2000 Light Years from Home (1969). , Summer in the City, Alicia en las ciudades, En el curso del tiempo, The American Friend y Paris, Texas. Robby Müller tras su vínculo con Wenedrs pasó a ser uno de los directores más acreditados del cine independientes realizando películas como To Live and Die in L.A. de William Friedkin, The Tango Lesson de Sally Potter, My Brother Tom de Dom Rotheroe, Breaking the Waves y Dancer in the Dark, ambas de director Lars von Trier y , más atrde, las películas Down by Law, Mystery Train, Dead Man y Ghost Dog: The Way of the Samurai de Jim Jarmusch.

A esta conjunción estelar integrada por el director, el guionista, el músico y el fotógrafo se unió el papel del montador Peter Przygodda y la del actor principal Harry Dean Stanton en el papel de Travis Henderson, el eterno Travis.

Además de Harry Dean Stanton participa en la película Sam Berry como el asistente de la gasolinera, el actor alemán  Bernhard Wicki como Doctor Ulmer,  Dean Stockwell como Walt Henderson, el hermano de Travis,  Aurore Clément como la mujer de éste, Anne Henderson . Junto a eelos aparecen Claresie Mobley como la empleada de alquiler de automóviles cercana a Houston, Hunter Carson como Hunter Henderson. Aparece igualmente Socorro Valdez como Carmelita , Edward Fayton como el amigo de Hunter,  Justin Hogg como Hunter (a los 3 años), así como un breve pero intenso papel para  Nastassja Kinski como Jane Henderson. Por últimos en momentos puntuales aparecen Tom Farrell como hombre gritando sobre el puente, John Lurie como Slater, así como  Jeni Vici  y la banda Mydolls del prostíbulo. 

Paris, Texas es una road movie que comienza en Monument Valley en el que un amnésico hombra vaga por el desierto con medio galón de agua.

Descubriremos más tarde que es Travis Henderson (Harry Dean Stanton) que, después de salir misteriosamente del desierto del oeste de Texas, llega a Travis Henderson camina solo por el desierto del oeste de Texas , antes de tropezar con una destartalada estación de servicio en mitad de la nada. Tras conseguir un poco de hielo que se mete en la boca, pierde el conocimiento.

Momentos después un médico con fuerte acento alemán, el Doctor Ulmer (Bernhard Wicki) lo examina y determina que está mudo , pero descubre que en el pantalón hay un número de teléfono y lo llama.

La llamada es respondida por Walt Henderson (Dean Stockwell), hermano de Travis que vive en Los Ángeles. Walt no ha visto o no ha  tenido contacto con Travis desde hace cuatro años, y acepta viajar a Terlingua (Texas), la localidad en la que ha aparecido y está siendo atendido para rescatarlo. Walt es publicista y le va relativamente bien. Está casado con su esposa francesa, Anne (Aurore Clément) , y está preocupada por el asunto, ya que han adoptado al hijo de Travis, Hunter (Hunter Carson) , ya que  la madre biológica de Hunter, Jane, también está desaparecida.

Walt toma un avión que lo lleva a Texas . En el aeropuerto alquila un coche y llega a la perdido Terlingua, un poblado de carromatos en mitad de la nada.  Cuando Walt paga por los servicios, el Doctor Ulmer le comenta que Travis se ha fugado por la mañana. Walt toma el coche y se lo encuentra por mitad del desierto.

Tras verlo deambulando por el desierto, Travis sigue sin soltar palabra.  Los dos hermanos comienzan a conducir de regreso a Los Ángeles. Con Walt cada vez más frustrado con  el silencio de Travis, Travis finalmente pronuncia el nombre "París", pidiendo ir allí.

Walt erróneamente supone que se refiere a París , Francia. Más adelante en la carretera, Travis le muestra a Walt una fotografía de una propiedad vacía en París, Texas , que había comprado, creyendo que había sido concebido en esa ciudad.

Cuando van a montar en avión a Travis le da un taque de pánico , así que han de seguir el camino en coche y , con dificultades consiguen el mismo, ya que Travis se empecina en ella. Durante una parada en un bar de carretera Walt llama a casa , habla con Anne y, tras ello, le dice a Travis que si recuerda que tiene un hijo, Hunter, que ahora vive con él.

Los hermanos Henderson llegan a Los Ángeles, donde Travis se reúne con Anne y Hunter. Hunter, de siete años, tiene muy poco recuerdo de su padre y desconfía de Travis hasta que la familia ve una películas caseras de los días en que estaban todos juntos. Hunter se da cuenta de que Travis aún ama a Jane. La normalización en la casa no es fácil. El pequeño no siente contacto con el padre, y éste todavía se siente alejado de su hijo.

Un día, una vez que Hunter y Travis ya han comenzado a reencontrarse, Anne revela a Travis que Jane (Nastassja Kinski)  ha tenido contacto con ella, y hace depósitos mensuales en una cuenta bancaria para Hunter. Anne ha rastreado los depósitos a un banco en Houston .

Travis se da cuenta de que posiblemente pueda ver a Jane si está en el banco de Houston el día del próximo depósito, a solo unos días de distancia.

Ante esta posibilidad se compra una furgoneta, un Ford Ranchero de 1958,  es el vehículo elegido por Travis y le pide prestado dinero de Walt. Cuando le dice a Hunter que se va, en el recreo, Hunter desea ir con él, aunque no tiene el permiso de Walt o Anne.

A cierta distancia y ya atardeciendo Hunter llama a Walt y a Anne, que se encuentran preocupados y desconsolados por la posible pérdida del chica, algo que Anne lleva temiendo desde la aparición de Travis.

Travis y Hunter conducen a Houston, mientras Hunter relata el Big Bang y los orígenes de la Tierra. Cuando llegan al banco de Houston, Hunter identifica a su madre en un automóvil, haciendo un depósito en lo que parece un antiguo autocinema.

Hunter llama a Travis a través de un walkie-talkie. Despierta a Travis , que al igual que él, le ha cogido la situación durmiendo  , y ellos siguen un coche rojo por la autovía que rodea a Houston  llegando a un club de "peep-show" o de cabinas donde ella trabaja como chica ante los clientes.

Mientras Hunter espera afuera, Travis entra, descubriendo que el negocio tiene habitaciones con espejos unidireccionales , donde los clientes conversan con las strippers por teléfono.

Eventualmente ve a Jane en la barra del bar con un chulo y más tarde en una cabina, aunque ella no puede verlo, y se va.

Esa misma tarde Travis comienza el camino de regreso , aunque no se sabe a dónde. A mitad de camino en mitad de ninguna parte Travis para y entra en un bar, y bebe. Bebe uno y otra vez. A la mañana siguiente se monta en el coche y en el cruce de camino vuelve a tomar el camino de Houston.

Al día siguiente, Travis deja a Hunter en el Hotel Méridien en el centro de Houston, con el mensaje de que se siente obligado a reunir a la madre con su hijo, ya que se siente responsable de separarlos hace cuatro años, aunque todavía no sabemos el por qué.

Travis regresa al peep show. Al ver a Jane otra vez, y con ella aparentemente ignorante de quién es él, él le cuenta una historia, aparentemente sobre otras personas. Él describe a un hombre y una niña más joven que se encuentran, se casan . Son felices. Se rien juntos. Pero un día ella le dice que está embarazada y que van a tener un hijo. El hombre entra en ese momento en el circulo de alcoholismo, mientras que la joven esposa sufre de melancolía y sueña con dejar a la familia.

El hombre también sueña con retirarse a un lugar desconocido "sin lenguaje ni calles". Un día tuvo lugar un incendio en la casa remolque , después de un incidente de abuso doméstico , finalmente el hombre separa a la familia.

Finalmente, Jane se da cuenta de que está hablando con Travis. Éste le pide que apague la luz y que encienda una lámpara. En ese momento Travid y Jane se ven las caras. Ella llora desconsolada. Él le dice que Hunter está en Houston y que necesita a su madre. Jane ha anhelado reunirse con su hijo y , por la noche, entra en la habitación del hotel donde Hunter espera, mientras Travis observa desde el estacionamiento y observa el reencuentro. Se sube a su vehículo y se marcha acabando así la película.

El director de Alemania Occidental, Wim Wenders, viajó a los Estados Unidos y dijo que deseaba "contar una historia sobre Estados Unidos".  Así que se centró en las historia escrita por el compañero sentimental de Jessica Lange y optó por desarrollarla en la ciudad de París , en Texas, aunque la misma  no aparece en ninguna escena. siendo únicamente la ubicación de un lote desocupado propiedad de Travis que se ve en una fotografía, y se utiliza como una metáfora.

Wenders había tomado fotografías de este tipo mientras exploraba el lugar en el oeste de los Estados Unidos al principio de su carrera, fotografiando lugares como Las Vegas y Corpus Christi, ambas en Texas .

El guionista Sam Shepard se reunió con Wenders para hablar sobre lo que quería. El proyecto de Wenders, inicialmente se centraba en Hammett , pero Shepard dijo que no estaba interesado en escribir sobre o como Hammett , pero consideraron adaptar una obra menor de Shepard, Motel Chronicles , y desarrollaron una historia entre  hermanos, en el que uno había perdido la memoria.

Su guión creció a 160 páginas, y con ella lo que fue inicialmente una historia de relación hermano-hermano disminuyó en importancia, y se consideraron numerosos finales.

Poco después se configuró de forma mucha más clara cuando se consiguió la financiación para el proyecto desde la productora alemana, por entonces de la RFA, Road Movies Filmproduktion GmbH. Entrando en el mismo como productores Anatole y Pascales Dauman, Don Guest y Chris Sievernich, este último como productor ejecutivo.

Tras eso llegó la selección de personal. En este caso de los actores, pues el equipo técnico estaba más que definido.

Para el papel principal el elegido fue Harry Dean Stanton, un gran secundario, que  había aparecido en más 100 películas antes de París, Texas , con pequeños papeles que iban desde La leyenda del indomable o  Cool Hand Luke o alguna de Sam Peckinpah  como la de Pat Garret y Billy The Kid.

Tras seleccionar a Stanton como  Travis , éste declaró que: "Después de todos estos años, finalmente conseguí el papel que quería hacer". Sin embargo, Wenders también dijo que Stanton estaba inseguro de su parte, y la disparidad de edad entre él y la joven Nastassja Kinski que también fue rápidamente seleccionada. Kinski escribió un diario para el personaje de Jane para desarrollar su historia de fondo, imaginándola como una chica que emigra de Europa, y que  intenta conseguir el mayor afecto posible de Travis que de cualquier otra persona.

Wenders declaró que había descubierto a Dean Stockwell, ya que estaba preparado para dejar de actuar, sin encontrar papeles deseables y considerando comenzar una carrera en el sector inmobiliario.

Para el papel de chico el elegido por el reponsable del casting, Gary Chason, fue Hunter Carson,  el hijo del coguionista LM Kit Carson , y aceptó actuar mientras estuviese acompañado por su madre, Karen Black , quien lo ayudó a memorizar el diálogo.

Según Stockwell, su personaje en los primeros borradores iba a viajar con Hunter, Travis y Anne antes de que Anne volviera a Los Ángeles y Walt se perdiera en el desierto, en paralelo a Travis en la primera escena. Las partes de Stockwell y Aurore Clément se redujeron posteriormente

Para el rodaje,  Wenders dijo que la película se filmó en solo cuatro o cinco semanas, entre septiembre y diciembre de 1983, con solo un pequeño grupo trabajando las últimas semanas, un equipo muy pequeño y un rodaje muy rápido. Hubo un descanso en el rodaje durante el cual se completó el guión. La película se rodó entre California, Texas y alguna localización en Nuevo México como Deming. En California se rodó en el área de San Bernardino, en Cabazon, en Acton , Burbank y su aeropuerto el Hollywood Burbank así como en el Thomas Jefferson Elementary School , en la zona californiana de mi querido - ya que lo he cruzado y he paseado por el mismo - de sierto de Mojave, en San Fernando Valley con sus carreteras tales como San Fernando Road & State Highway 14 o Interstate 5 & State Highway 118, y varios puntos de Los Ángeles como 10060 Olivia Terrace Los Angeles o en la angelina Lanark Street & Edmore Place de Sun Valley . Por su parte, en Texas se rodó en puntos de la ciudad de Marathon, en el Big Bend National Park, en Nordheim, en el aeropuerto texano de El Paso, en Port Arthur, en la agreste Terlingua, en Brewster County y sus carreteras , en Fort Stockton, en Galveston, en la parte texana de Four Corners, en Port Arthur, y en muchos puntos de Houston tanto de la ciudad como del área circundante.

La cineasta Allison Anders trabajó como asistente de producción en la película.  La filmación se produjo en gran medida en Fort Stockton y Marathon en la región Trans-Pecos del oeste de Texas.

La película marcó la primera vez que Wenders evitó el storyboard por completo, pasando directamente de los ensayos al rodaje.

El rodaje ya comenzó en 1983 cuando el guión aún no estaba completo, con el objetivo de filmar en el orden de la historia. Shepard planeó basar el resto de la historia en su comprensión de los personajes y las observaciones de los actores. Sin embargo, cuando Shepard se involucró en otro trabajo, envió a Wenders notas sobre cómo debería terminar el guión.  Shepard acreditó a Wenders y a LM Kit Carson en la idea de un peep show y los actos finales de la historia.

Los cineastas optaron por no retratar un peep show realista, ya que necesitaban un formato que permitiera una mayor comunicación entre los personajes.  Kinski no podía ver a nadie, solo un espejo, en las escenas de peep show, y dijo que esto creaba una genuina sensación de soledad.

Los desafíos surgieron cuando la película se quedó sin dinero, pero Wenders se sintió alentado cuando completaron la escena con Kinski, y comentó: "me di cuenta de que íbamos a tocar a la gente a lo grande. La idea me asustó un poco".

Robert Phillip Kolker y Peter Beickene escribieron que la película representa a los EE. UU. como "una tierra de fantasía, un lugar de imágenes llamativas, una puesta en escena del desierto y la ciudad". Aparte del paisaje, hay referencias a la cultura y cine estadounidense,  y similitudes con la película The Searchers de John Ford de 1956 por ejemplo en el inicio de en Monument Valley o en la búsqueda a través del desierto.

El académico Roger Cook argumentó que hay una conexión entre el personaje de Travis y su entorno observable en el viaje a California. El personaje se mueve gradualmente de la "desolación" a la civilización, y Travis continuamente intenta separarse de esta difícil transición.

El profesor Thomas Elsaesser habló sobre cómo París, Texas encaja con la descripción de mujeres de Wenders, y dice que muchos de los viajes en su filmografía son para encontrar a una mujer en particular. En el caso de Paris, Texas , esto es con el objetivo de "escapar de ella 'ahora' para encontrarla como era 'entonces'".

Otros críticos, Kolker y Beickene comentaron sobre la falta de tacto, o incluso la "satisfacción emocional" entre Travis y Jane al final, aparte de que sus rostros se fundieran en el espejo y sus discusiones sobre sus emociones.

El profesor Marc Silberman examinó cómo la identidad personal también es un tema en la película, ya que el nombre "París" es engañoso, conjurando imágenes de Francia pero refiriéndose a Texas. Esto es evidente en lo que Travis llama el "chiste de papá" acerca de que la madre de Travis es de París, y su creencia de que fue concebido allí le hace creer que ir allí logrará la autorrealización.

Elsaesser creía que el final significaba que Travis enviaba a Hunter en su lugar para reunirse con Jane.  Elsaesser descubrió que este es un ejemplo de un sistema complicado en el que varios personajes se ven a través de la fantasía y se rehacen unos a otros como lo desean.  El padre de Travis había visto a su madre como parisina, y no lo que era, una hispana, y esto se convirtió en "una obsesión enfermiza".

Cook opinó que regresar al santuario de la carretera es la respuesta de Travis a haber sufrido la peor experiencia moderna de Estados Unidos, entregar a su hijo a la madre del niño.

El escritor Stan Jones sugirió que la historia involucra una teoría europea de la percepción, a medida que Travis evoluciona como un personaje desde el que percibe, hasta una fuerza motriz, volviendo a percibir, y luego retirándose. Jones citó al crítico francés Jean-Louis Comolli : "Nunca pasivo, un espectador funciona".  El final también puede sugerir la esperanza de un nuevo comienzo para Jane y Hunter.

El mismo Wenders dijo que marcó el comienzo del próximo capítulo en su propia filmografía, explicando la salida de Travis: "Esta escena para mí tuvo un efecto liberador ... Lo dejé desaparecer a mi manera, y todo mi anterior masculino los personajes se fueron con él. Todos se instalaron en una casa de retiro en las afueras de París, Texas ".

A pesar de que  París, Texas es una road movie  el crítico de The Guardian Guy Lodge sugirió que también podría considerarse una película del oeste .

El ya citado Stan Jones notó que Mark Luprecht había clasificado a París, Texas como una tragedia y había detectado temas edípicos en su descripción de la familia.

En cuanto al estilo señalar que París, Texas es ,a nte todo, una película de imágenes y música. En ella el papel de paisaje y del clima de Texas está omnipresente. La apertura ofrece una perspectiva aérea del desierto seco.

El diseño de producción de la película fue de Kate Altman. El director de fotografía Robby Müller que había trabajado frecuentemente con Wenders hace un trabajado fotográfico impresionante en París, Texas , combinando azules y rojos , luminosidad, incluso en las escenas oscuras absolutamente brillantes. El director escocés, Steve McQueen definió como "un lenguaje visual para capturar lo que parecen ser los hombres que mueren a cámara lenta" .

Para el crítico de cine Lee Hill también   comparó la fotografía con el arte de Edward Hopper y Edward Ruscha .

La película está acompañada de una partitura de guitarra deslizante por Ry Cooder , empleando Blind Willie Johnson " Dark Was the Night, Cold Was the Ground ", que Cooder elogió como "la pieza más trascendente en toda la música estadounidense". Su inicio es la inolvidable entradilla del que fuera imprescindible programa de TVE ,  Documentos TV, que tan buenos reportajes nos presentó desde hace más de dos décadas.

Nick Roddick, editor de Screen International , escribió que la música da "una calidad de anhelo ante la desolación del paisaje".  En 2018, Cooder reveló una fuente de inspiración específica durante una entrevista en BBC Radio 4 : "[Wenders] hizo un muy buen trabajo al capturar el ambiente en el desierto, simplemente dejando que los micrófonos ... adquieran tonos y el sonido del desierto mismo, que descubrí estaba en  clave musical... ese es el viento, fue agradable. Así que sintonizamos todo  en esa clave".

París, Texas compitió en el Festival de Cine de Cannes de 1984 , un 19 de mayo de 1984 , con Wenders afirmando que Stanton estaba tan ansioso por ir a Cannes que contrataron a Sean Penn para ayudar con los preparativos de Stanton para la proyección.

Roddick comentó que la interpretación afectiva de la película de los Estados Unidos fue bien recibida por los cineastas europeos en Cannes en un momento de alto antiamericanismo , dada la presidencia de Ronald Reagan .

El recorrido de la película no fue fácil pues hubo conflictos entre la compañía y la distribuidora  Filmverlag y Wenders sobre cuántas copias de París, Texas deberían ser lanzadas en Alemania Occidental después de Cannes, así que le negaron inicialmente un estreno teatral allí, . Road Movies lanzó una demanda para romper vínculos con Filmverlag, y la película llegó a los cines  de la Alemania Occidental ocho meses después.

Se proyectó en el Festival de Cine de Sundance en 1985 y nuevamente en 2006 como parte de la categoría de la Colección Sundance .

Regresó a Cannes para la sección de Cannes Classics del Festival 2014 , después de ser restaurado por Cinepost.

El  2 de noviembre de 1984  se estrenaba en los Estados Unidos. La taquilla no fue elevaba y, prácticamente  se llegó a poco más de lo invertido, $ 2.2 millones .

La recepción crítica fue elogiosa. En Estados Unidos el "pope" de la crítica Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo de ella que "Paris, Texas es una película con el tipo de pasión y voluntad por experimentar que era más común hace 15 años que ahora.  Tiene más vínculos con películas como Five Easy Pieces y Easy Rider. y Midnight Cowboy , que con los elegantes juegos de arcade que son los ganadores de taquilla de los años 80. (...) Es veraz, profunda y brillante. (...) "

Para Jonathan Rosenbaum en otro diario de Illinois, el Chicago Reader firmaba su columna diciendo que "Tiene un atractivo épico (con una excelente fotografía en color de Robby Müller) (...) Trata en gran medida de los espacios que hay entre las personas y lo que estos dicen"

Para  Vincent Canby del  The New York Times "'Paris, Texas' empieza tan bien y de forma tan lacónica que cuando, aproximadamente a los 3/4 de la película, empieza a hablar más y a decir menos, te entran ganas de gritar que se calle."  Vincent Canby añadió "La película es maravillosa y divertida y lleno de emoción real, ya que detalla los medios por los que Travis y el niño se reconcilian. Luego sale volando por la ventanilla del automóvil cuando padre e hijo deciden irse a Texas en busca de Jane ".

En  Variety Holly Willis  elogió la cinematografía y acreditó a Wenders por un digno retrato europeo de los EE . UU.  y Willis  escribió que "Lo que realmente impresiona es la visión del escritor-dramaturgo Sam Shepard (...) Es una película hermosa (...) 'Paris, Texas' es cine de autor refinado"

Noel Murray de la revista Rolling Stone dijo de ella que era "[Una] obra maestra desgarradora y profundamente americana (...) El clímax (...) presenta un sorprendente monólogo que es una de las interpretaciones más hipnóticas jamás grabadas"

Por su parte, A.A. Dowd de AV Club afirmaba que "Parece más profunda cuando dice lo mínimo, dando más importancia a la iconografía que a la psicología (...) Es más satisfactoria y conmovedora cuando es más ambigua narrativamente"

Con todo, no gustó a todo el mundo . Por ejemplo, David Denby del New York Yorker criticó París, Texas  diciendo que era una película "sin vida" y un "fiasco".

En el  Reino Unido Guy Lodge de The Guardian dijo de ella en  2015, que era su favorito de la Palma de Oro , afirmó que se trataba de "Una de las películas más agudas y exquisitas que se han hecho sobre la familia (...) El logro más importante de la carrera con puntos negros, aunque con frecuencia brillante, de Wenders"

Según   Chris Peachment de  Time Out "La colaboración de Wenders con el escritor Sam Shepard es una jugada maestra, que beneficia totalmente a ambos talentos"

En la revista Empire,  William Thomas sostenía que "'Paris, Texas' es una de las mejores películas sobre Estados Unidos, dirigida por un alemán (...) Enigmática y fascinante (…) "

Para un peso pesado de la crítica  Tom Hutchinson de Radio Times "La música evocadora de Ry Cooder le da a la película una inmediatez que la hace parecer casi improvisada (…) "

En España, Omar Khan en El País afirmaba que destacaba de ella " ...(la) emotividad y elegancia poco usuales en los ejercicios intelectuales del autor (...) La escena telefónica del peep-show alcanza un dramatismo estremecedor. Un filme para atesorar"

Sin embargo, ese año, The Hollywood Reporter argumentó que su prestigio había disminuido un poco, y lo nombró la 44 ° mejor de la Palme d'Or, ganadora hasta la fecha.

En su momento obtuvo muchos reconocimientos.  En el Festival de Cine de Cannes de 1984 , la película ganó la Palma de Oro del jurado oficial, así como el Premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico . Pasó a ganar otros honores y aclamaciones críticas. La decisión del jurado principal en la Palma de Oro fue unánime,   con uno de los miembros siendo el director de fotografía francés Henri Alekan , que más tarde dirigió la fotografía para la película Wings of Desire de Wenders en 1987.

Estuvo nominada al Globo de Oro a la mejor película extranjera y en los BAFTA al  Mejor director. mejor Película, Guión adaptado y Música. En los Bafta fueron nominados por tanto, Chris Sievernich y Anatole Dauman , al mejor guión adaptado Sam Shepard y Mejor puntuación para Ry Cooder. Ganó el Premio a la mejor dirección Wim Wenders

En los Premios César fue nominada a Mejor película extranjera y obtuvo una nominación al Premio un David di Donatello, el llamado Premio René Clair a la mejor película extranjera

En los Premios del cine Alemán fue la segunda más reconocida, aunque le dieron el premio al mejor largometraje. Obtuvo el Premios Bodil 1985 a la Mejor película europea y el Círculo de críticos de cine de Londres la consideró la mejor película de 1985 . Consiguió una nominación, por último, los Premios Young Artist al Mejor actor joven para Hunter Carson.

La película está incluida por Steven Schneider en el listado de 1.001 películas que hay que ver antes de morir. Y para algunos ilustres fallecidos así fue. Tanto para Harry Dean Stanton , para los músicos como Kurt Cobain y Elliott Smith fue su película favorita , pero también una de las favoritas de otro ilustre fallecido, Roger Ebert.

Por mi parte,  decir que, como ya he dicho en muchas ocasiones, las road movies, tienen para mi una enorme fascinación. En este caso, la fascinación además engloba en esta película la fotografía, muy pictórica y artística, estando de acuerdo con la inspiración de Hopper especialmente en los espacios cerrados; a esto se suma los inolvidables e impactantes acordes de Ry Cooder que me generan un enorme desasosiego, la gran y sentida actuación de todos los actores, y , en especial, Harry Dean Stanton así como esta idea de encapsular tres historias familiares que pasan de lo fraternal a lo filial, y de éste a la pareja, concluyendo en lo maternal. Sin duda, una gran película.