Hambre, humedad y excitación

Hambre, humedad y excitación. A esas cosas me remite tanto el libro como la película. El libro, un superventas. La película un esbozo de lo que cuenta el libro. Ni tan siquiera acaba como termina el libro. Uno espera el “Lo es” al final, pero nada parece interruptus. Hablo en primer lugar del libro. Recuerdo haber escuchado una entrevista con McCourt por la radio. Pasaba por el puente romano y escuche lo de su trayectoria vital, así como de su profesión. Profesor de Literatura, escuchando sus vivencias como profesor de instituto me atrajo la idea de leerlo. Cayó en mis manos esa Navidad y, por supuesto que lo leí. Me gustó, no así el siguiente “Lo es”, un libro que carece del encanto de la infancia y la juventud del primero. La película, para mí llegó más tarde, y con más pena que gloria. 

Las cenizas de Ángela, es una película dirigida en 1999 por Alan Parker; basado en el libro homónimo de Frank McCourt, ganador del Premio Pullitzer, aunque la película responde a un guión adaptado por Laura Jones y Alan Parker. 

La producción del film estuvo en manos de David Brown, Alan Parker y Scott Rudin.Eñ diseño de producción recayó en el trabajo de Geoffrey Kirkland. La música pertenece a uno de los grandes, John Williams. La nebulosa y húmeda fotografía fue de Chris Connier y Michael Seresin, mientras que el montaje fue asumido por Gerry Hambling. El vestuario fue cosa de Consolata Boyle. 

La interpretación estuvo a cargo de Emily Watson (Angela McCourt), Robert Carlyle (Malachy McCourt), Joe Breen (Frank McCourt niño), Ciaran Owens (Frank adulto), Michael Legge (Frank viejo), Ronnie Masterson (Grandma Sheehan), Devon Murray (Middle Malachy) Kerry Condon (Theresa Carmondy).

Esta drama cuenta a lo largo de 145 minutos la vida de la familia estadounidense McCourt. En 1935, son tiempos de emigración a América, pero esta familia hace el camino contrario. Malachy (Robert Carlyle), un alcohólico, y su mujer Ángela (Emily Watson) deciden huir a Limerick (Irlanda) con sus cuatro hijos después de ver fallecer a su hija con tan sólo siete semanas. La obra cuenta la infancia del propio autor, Frank McCourt desde su nacimiento en Brooklyn, New York en 1930, como primer hijo de Malachy y Angela McCourt. A la familia pronto se le sumaron varios hijos más: Malachy en 1931, los gemelos Oliver y Eugene en 1933, y una hermana, Margaret, en 1934. Tras la muerte de la pequeña Margaret con tan sólo unas semanas de vida, sus padres deciden volver a su nativa Irlanda. Allí son recibidos por la familia de ella recelosos de un padre de origen norirlandés, con una tara “prebisteriana”. 

Al poco tiempo de llegar mueren también los dos gemelos. Más tarde, nacen otros dos hijos para los MCCourt, Michael (1936) y Alphie (1940). 

La vida en Irlanda, y especialmente en la húmeda y santa Limerick, no era fácil en aquella época (años 30 y 40), y el libro así como la película la recoge con crudeza. La familia McCourt vive en una casucha minúscula en una callejuela sucia, con una sola bombilla y conviviendo con las pulgas y los chinches del colchón, y comparten una única letrina con sus demás vecinos. 

El padre, vago y alcohólico, al que el Gobierno irlandés no reconoce como perteneciente al IRA y, por lo tanto, no merecedor de una pensión, apenas logra mantener ningún trabajo, y cuando lo hace es sólo para poder beberse una pinta de cerveza. Así, la familia se ve obligada a vivir de la caridad de San Vicente de Paul o incluso de la mendicidad recogiendo carbón, subsistiendo principalmente a base de té y pan. Los McCourt representan el nivel más bajo del escalafón social. Ángela, la madre fumadora empedernida, lo comenta en algún momento: es la lucha de clases de los irlandeses, que en poco tiempo han sustituido al dominador británico, por el rico nacional. 

La película transcurre con momentos de la vida de Frankie. La niñez, que parte de los recuerdos americanos y el primer contacto con la familia – una abuela de los menos cariñosa, una tía dura pero bondadosa y otros elementos consanguíneos curiosos- , la escuela controlada por nacionalistas y ultracatólicos con unos compañeros,, en ocasiones más desarrapados que los McCourt, asçi como la aparentemente plácida vida irlandesa en los pubs y en las casas. La adolescencia con el estallido hormonal, la enfermedad del tifus manifestada en la confirmación y el contacto con la literatura. Y la juventud que permite a Frank el contacto con el sexo y la convicción de marchar a Estados Unidos. 

Aunque la película lleva el nombre de la madre, son dos, desde mi punto de vista los protagonistas. El principal Frank y el papel de un padre desangelado, borracho, gandul, ingenioso y cariñoso – aunque no lo demuestre apenas (el propio Frankie recibe un beso únicamente de su padre en la convalecencia- con sus hijos. El papel de Ángela destaca tras la desaparición de Malachy McCourt (padre). 

El padre de Frank consigue finalmente un empleo durante la Segunda Guerra Mundial, en una planta de defensa en Coventry (Inglaterra), pero además de no mandar dinero tras su primer viaje, cuando regresa por Navidad lo hace sin nada, marchando al día siguiente a Londres enviando únicamente 3 libras, dejando de inmediato de enviar dinero a su familia que ya pierde definitivamente el contacto con él. Desde ese momento la familia depende únicamente de lo que logra obtener la madre de Frank, sin trabajo y con escasa ayuda de sus familiares, que nunca aprobaron su matrimonio con un norirlandés. 

Los hermanos mayores, Frank y Malachy, comienzan a ayudar en lo que pueden, recogiendo trozos de carbón o madera de las calles, hasta que el joven Frank cae enfermo, con tifus y conjuntivitis. Poco después, la familia se ve obligada a abandonar su casa e irse a vivir con un familiar lejano que no siente ninguna simpatía por ellos. Frank consigue poco después sus primeros trabajos como repartidor de telegramas, y comienza a soñar con la posibilidad de volver algún día al lugar donde nació, los Estados Unidos. De hecho, el libro termina cuando Frank consigue ver cumplido este sueño, embarcándose para retornar a su país a la edad de 19 años. 

La película se rodó principalmente en Irlanda en Dublín, en Limerick y en los condados de Wicklow, Limerick y Cork. 

La película estuvo nominada tanto a los Oscar como a los Globos de Oro por la mejor banda sonora original, la de Jonh Williams en 1999, obtuvo igualmente en ese año 3 nominaciones BAFTA a la mejor actriz (Emily Watson), fotografía y diseño de producción. 

Ángel Fernández Santos en el diario El País la enjuiciaba así: “Parker vuelve a caer en la retórica visual, esa cáscara oportunista, abrillantada y engañosa que es el cine cuando es reducido a una habilidosa treta ornamental e insustancial parasitaria de la literatura (...) Dolor sin enfoque moral poderoso, tratado con blandeguería" . 

Por otro lado en filmaffinity leí una crónica que decía así y con la que estoy de acuerdo : “La pobreza está hábilmente retratada, es creíble y cercana, quiero decir que no hace falta haberla vivido para comprender en toda su extensión todo lo que supone. La dignidad se tambalea cuando la pobreza golpea día tras día, y Alan Parker nos narra perfectamente, con las dosis justas de creación artística, como fue la vida de todos aquellos pobres desgraciados. Se incide mucho, tal y como sucede en la biografía del propio autor, en la presencia del patriotismo irlandés -y por ende, en la militancia antibritánica- y en la educación católica, que vista con los ojos de ahora parece más cercana al integrismo (…). A la iglesia católica se la trata con justicia, mostrando su firmeza a la hora de educar, sus estrictos códigos morales, pero a la vez, siendo una parte esencial a la hora de sobrellevar la vida de tantos y tantos irlandeses. Para éstos ser católico no es una opción, y en el fondo, creo que todos se sienten agradecidos a la religión con la que crecieron. En la película está perfectamente reflejado el ambiente de carencia, la pobreza descarnada en algunos casos, pero la sociedad mantiene sus principios católicos, cuestión por la que nunca aparecen como una sociedad en decadencia. En esta historia, que es tan real como la vida misma, -y esa es una de sus grandes bazas- uno se siente, de alguna manera, extrañamente reconfortado, por una sociedad que aunque pobre, mantiene vivos los valores que hacen del ser humano algo valioso". 

En cuanto al trabajo de los actores me parecen magníficos especialmente Robert Carlyle y Emily Watson, no quedando ninguno de los diferentes Frank MCCourt fuera de tono. 

Comentar pequeños detalles como que Alan Parker hace un pequeño cameo, siendo uno de los médicos que atienden a Frank cuando le da el brote de tifus. Igualmente existen anacronismos como elementos que aparecen en el filme y que todavía no habían sido inventados a standarizados. Entre ellos están los radares del barco, que lleva a Frank a América en un buque comercial, o la Estatua de la Libertad aparece con elementos que se integraron en su antorcha en 1986, alguna antena de televisión en casa de Teresa o alrededores, así como otros pequeños detalles sin importancia.

¡Yo sé quien soy!

Hay películas que desde el recuerdo fueron impactantes, posiblemente por lo inesperado. Esta, cuando la vi en su momento fue una de ellas. Vista desde la distancia ya lo es menos. Cuando en 1989 pasaron por televisión “El corazón del ángel” la película en su conjunto, por el género, por su estética me impactó. Ayer lo fue menos. 

“El corazón del ángel” o Angel Heart en su versión original es una película que se presentó en 1987. Estaba escrita y dirigida por Alan Parker. Para ello Parker se basó en la novela de William Hjortsberg titulada Falling angel. 

La película está protagonizada por Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet y Charlotte Rampling en los papeles principales. 

La historia comienza en 1955 en la ciudad de Nueva York cuando Harry Angel (Mickey Rourke), un investigador privado poco ortodoxo, es contratado por Louis Cyphre (Robert De Niro) para localizar a Johnny Favourite, un famoso cantante herido en la Segunda Guerra Mundial y hospitalizado con daño cerebral, sobre el que no sabe su paradero. 

Cyphre quiere que Favourite le pague una deuda que contrajo con él años atrás. Pero hay más que lo que inicialmente aparece en el caso: Angel descubre en el hospital han falsificado los papeles sobre Favourite. Y que una noche dos personas se lo llevaron en un coche. 

Las diversas pistas llevan a Angel a viajar a Nueva Orleans, donde se ve envuelto en un mundo de vudú y satanismo. Allí conocerá tanto a Margaret Krusemark (Charlotte Rampling) como a Epiphany Proudfoot (Lisa Bonet), por la que se sentirá atraído; que es hija de una practicante-sacerdotisa de vudú que amaba a Favourite. 

Pero nada es lo que parece: todas las personas que tenían alguna relación con el caso van apareciendo muertas una tras otra. Esto es lo que le ocurre al músico Toots Sweet, a Ethan Krusemark y a su hija.

Conforme avanzan las pesquisas de nuestro detective las personas a las que interroga van siendo asesinadas misteriosamente de forma brutal hasta que se va cerrando el círculo en torno al protagonista sospechoso de dichos asesinatos. 

Cuanto más se va acercando a descubrir la verdad, una sensación, mezcla de miedo y malestar, va engullendo a Harry Angel, desembocando en un inesperado final donde todas las incógnitas se verán resueltas. 

No es directamente una película de terror aunque aterroriza. Difícil de etiquetar, la película contiene varios géneros, pero podría decirse que es una película de suspense y misterio con toques sobrenaturales y de cine negro policíaco, dentro de una atmósfera densa y oscura. 

En esta película los tres protagonistas principales, Mickey Rourke, Robert De Niro y Lisa Bonet, se encuentran en diferentes niveles en sus carreras cinematográficas. Rourke se encontraba en lo más alto de su carrera, un año después de hacer 9 semanas y media (1986) siendo considerado para aquel entonces un “sex symbol” mundial. Aparece como un detective sucio, chulesco y desorientado por el curso de los acontecimientos. 

De Niro acababa de terminar La misión (1986) y aparece desmedido, bueno realmente desmelenado. Es el protagonista de una frase para la historia del cine " En algunas religiones se cree que el huevo simboliza el alma? No lo sabía- responde el detective ¿Le apetece uno? acaba De Niro "; y Lisa Bonet, una de las hijas televisivas de Bill Cosby, sorprenderá en esta película con su sensual actuación, siendo ganadora en 1988 del premio a la mejor actriz joven. 

Se comenta que Rourke improvisaba y rompía el guión cosa que era replicada por Robert de Niro, sospecho que para desesperación del director. Para el recuerdo dos escenas: Robert De Niro y el huevo, con esas uñas larguísimas quitándole la cáscara, y donde le cuenta a Angel que en algunas culturas el huevo simboliza el alma; y la escena de sexo entre Mickey Rourke y Lisa Bonet,donde empieza a emanar sangre de las paredes, del techo, de toda la habitación. 

Intercalada entre los créditos finales, hay con una última escena, donde Harry dentro de un viejo ascensor (del que irán apareciendo flashes durante toda la película) continúa descendiendo. Como curiosidad señalar que para el papel de Louis Cyphre - se pronuncia en la película “Lui-Zaifer” (Lucifer) - se pensó en Marlon Brando, mientras que para Harry Angel estuvieron en cartera desde Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson. 

La película ganó cierta popularidad polémica antes de su estreno, por la escena de sexo que aparece en la película entre Mickey Rourke y la aparente menor Lisa Bonet. Y curiosamente la película recibió críticas opuestas, y económicamente no tuvo un gran éxito, pero después de lanzarla al mercado del VHS se convirtió en una película de culto. La distribuidora fue Carolco International. 

La producción estuvo a cargo de producida por Mario Kassar & Andrew Vajna, mientras que el montaje dependerá de Gerry Hambling. Un papel estelar tendrá en la película la música a cargo de Trevor Jones y la fotografía que será asumida por Michael Seresin. 

Como anécdota contar que durante los títulos de crédito se puede ver un ascensor, que ha salido, alguna vez durante la película en las visiones de Harry Angel, pero que en este caso va descendiendo hacia los infiernos. Igualmente señalar que durante esos títulos y en un fundido en negro se escucha un susurro que dice ¿Harry? ¿Johnny?. 

La película no cuida excesivamente los detalles, no digo los de racord -como que veamos coches ochenteros en la década de los cincuenta-, sino de guión, ya que hay una absoluto desconocimiento ontológico y metafísico de lo que es el alma, pero también de los más elementales principios de la magia negra y el esoterismo afroamericano. 

En Imdb he encontrado algunos anacronismos curiosos. Por ejemplo, supuestamente ambientada en 1955, aparecen modernas señales de tráfico en Nueva Orleans. 

La película está ambientada en enero de 1955. Cuando Ángel va a la clínica de la cosecha Sarah Dodd, que tiene una pistola en su maletín, una Smith & Wesson modelo 38 guardaespaldas, que no se fabricó hasta 1957. Otros errores son que cuando Harry Ángel llena un vaso para Epifanía en su hotel, pone menos de la mitad de una copa y comienza a beber,pero en la siguiente escena, el vaso está lleno. Cuando Harry intenta evitar a los dos matones del diabólico Ethan Krusemark mediante la compra de ostras aunque termina en el suelo al ser atacado por su perro. Si se mira atentamente, se verá como el sombrero del vendedor de ostras aparece y desaparece de su cabeza de un breve plano a otro. 

También en esta escena Cuando los dos matones y el perro están atacando a Harry, y tenerlo en la espalda, el bulto de una rodillera se puede ver en la pierna del pantalón derecho. Cuando Harry Ángel hace pasar por un funcionario (Harry Conroy) del Instituto Nacional de Salud en el hospital privado a las afueras de Poughkeepsie, en el final de su conversación con la enfermera, sus gafas desaparecen entre los disparos penúltimo y último de la escena. 

Después de que Harry descubre que el Dr. Fowler muerto, él enciende un cigarrillo y la cámara muestra un primer plano de la pistola en la mano del doctor Fowler, no totalmente comprendido, apuntando hacia el lado izquierdo de su cuerpo. En la siguiente escena Harry se va a tomar la Biblia con el interior de munición y la pistola está apuntando hacia el Dr. Fowler. 

El crédito para "Extras Casting" está mal escrito, sin la T por primera vez como "Exras Casting". Igualmente cuando Cuando Ángel descubre el cuerpo de Margaret Krusemark, un pulso en el cuello es claramente visible algo que también ocurre con la última escena que muestra el primer plano del cuerpo del Dr. Fowler se respira claramente, haciendo que la foto en su pecho se eleve. 

La película tuvo localizaciones en Nueva York y en Nueva Orleans u otros lugares de Lousiana y en New Jersey, así como en Connie Island. Algunos críticos norteamericanos dijeron de ella que "Tiene la inestable lógica de una pesadilla, en la que nada encaja y todo parece inevitable, (...) sobre todo es un exuberante ejercicio de estilo, en el que Parker y sus actores disfrutan llevando la película al límite” "Espectacular diseño de producción de Brian Morris y un precioso y sombrío trabajo de fotografía de Michael Seresin. (...) Mr. Parker es un muy buen técnico que necesita un buen guión, que es lo que falta aquí. En cada una de sus piezas, 'Angel Heart' parece mucho mejor de lo que resultan unidas, sin interrupción, de principio a fin." 

Otra crítica señalaba que "Con una atmósfera inquietante y sucia muy lograda, que muestra primero el misterio oculto en un escenario urbano y después los campos sureños de Estados Unidos poblados por fanáticos religiosos, Parker desarrolla con maestría un descenso a los infiernos apoyado en una fluida narración que va deshaciendo la intriga poco a poco mientras se suceden una serie de hechos paranormales hasta llegar a un final que revela el significado de elementos metafóricos como los ascensores y los ventiladores, aunque quizás su precipitación sea uno de los pocos lunares del film, junto a cierta escena en la que creo que Parker enseña más de lo que debería...." 

Habría que mencionar también la música de Trevor Jones, que ayuda a crear ese misticismo religioso con un gran score mezclado con canciones antiguas. La censura de la época se encargó de colocar la etiqueta X en su calificación moral debido a la impactante escena de sexo entre Rourke y Bonet, lo cual propició que su repercusión comercial no fuera la deseada. 

De todas formas, el tiempo ha colocado a este infravalorado film que mezcla a la perfección el cine negro más clásico con el terror, en el lugar que se merece. "La carne es débil Johnny, sólo el alma es inmortal...y la tuya me pertenece"

Otro ladrillo en el muro

¿Quién con más de 40 años no conozca a Pink Floyd es que ha vivido en otro mundo? ¿Cuántos de éstos no han escuchado tarareado alguna vez "Another Brick in the Wall"? La entrada va de esto. Ayer noche rebusqué en el baúl de los recuerdos y me propuse ver una película con base musical. Elegí The Wall, inspirado en el mismo disco de Pink Floyd es un filme británico del año 1982. 

Pink Floyd The Wall es uno de los discos más intrigantes e imaginativos de la historia de la música rock. Desde el lanzamiento del nuevo álbum de estudio en 1979, la gira de 1980-81, y la película posterior de 1982, el Muro se ha convertido en sinónimo de "disco conceptual". Auditivamente es una obra rompedora, sorprendentemente complejo en el escenario, y visualmente explosivo en la pantalla, el Muro de las huellas de la vida de la protagonista de ficción, Pink Floyd, desde sus días de infancia tras el fin de la segunda guerra mundial y su aislamiento autoimpuesto como un mundo de fama estrella de rock, que lleva a un clímax que es tan catártico como destructiva. 

Está dirigido por el director británico Alan Parker basada en el álbum de Pink Floyd The Wall. El guion fue escrito por el vocalista y bajista de Pink Floyd, Roger Waters. La película es altamente metafórica y rica en simbolismo y sonido, vamos bastante inconcreta y nada clara, aunque reconozco que visualmente es atractiva. Presenta pocos diálogos y es conducida principalmente por la música de Pink Floyd y los gestos inexpresivos o excesivos- se pasa de los uno a lo otro- de Bob Geldof. 

Aparte de las imágenes y de la fotografía que, para mí, son impecables, lo más interesante de la película, además de la fotografía y la puesta en escena, son los 15 minutos de elaboradas secuencias de animación creadas por el ilustrador Gerald Scarfe y Roger Waters. 

Parte de estas escenas describen, al parecer, una pesadilla basada en los bombardeos alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. También aparecen referencias a la esposa del protagonista y a su vida en general. 

La película representa la construcción y demolición de una pared metafórica, la alienación de los hombres. La película se abre con la imagen de un inmenso pasillo en el que aparece al fondo una limpiadora escuchándose como canción de fondo que abre la película, "The Little Boy that Santa Claus Forgot" , interpretada por Vera Lynn. Pink, el protagonista de la película, es una estrella de rock, una de varias razones que causan un estado emocional depresivo y desinteresado en torno a un abismo de pérdida y aislamiento. Se le observa la primera vez en un cuarto de hotel, aparentemente destrozado. Durante las siguientes escenas, se revela que el padre de Pink, un soldado británico, muere en acción durante la Segunda Guerra Mundial durante la infancia de Pink. Esta referencia es similar a la muerte del padre de Roger Waters, Eric Fletcher Waters, quien murió en combate en Italia en 1944. 

La película retrocede y muestra a Pink como un niño inglés que creció a mediados de los años 50s. A través de su niñez, Pinky – por entonces- anhela una figura paterna después de enterarse de que su padre murió en la guerra. En la escuela, es humillado por escribir poemas en clase. El poema que el profesor le arrebata y lee a toda la clase, forma parte de la letra de la canción Money, del álbum Dark Side Of The Moon. Pink también es afectado por una madre sobreprotectora que prodiga la misma medida del amor y la fobia a su hijo. En esa juventud Pink empieza a construir un muro mental entre él y el resto del mundo para que puede vivir en una constante equilibrio entre su estado alienado y libre de los problemas emocionales vitales. Es tremenda la imagen en la que se acerca a un hombre en un parque, éste le ayuda a subir al carrusel, pero al marchar el hombre Pinky quiere que este le coja de la mano, rechazándolo en repetidas ocasiones al niño.

Eventualmente se casa, pero la relación con su esposa se debilita con el tiempo, llevando a su esposa a tener una aventura mientras Pink se encuentra de gira. Cuando Pink se entera vía telefónica de la aventura, se entrega a la posesión de bienes materiales, enrollándose igualmente con una chica, a quien lleva a su habitación de hotel únicamente para destrozarlo en un arranque de violencia que obliga a la chica a huir. 

Cada incidente que le causa dolor es otro ladrillo en su muro que poco a poco va creciendo: una infancia sin padre, una madre dominante, una actitud de educación fuera del sistema de toque en la producción de engranajes cumplen en la rueda de la sociedad, un gobierno que trata a sus ciudadanos como piezas de ajedrez, la superficialidad de la fama, un matrimonio distanciado, incluso los medicamentos que él se convierte en el fin de encontrar la liberación. Cada ladrillo le supone un mayor aislamiento del resto del mundo. Esto lo conduce a la locura. 

Lentamente Pink comienza a perder la cabeza, transformándose ésta en gusanos. Él rasura todo el cabello de su cuerpo (incidente inspirado por un antiguo miembro de la banda Syd Barrett, quien apareció en una sesión de grabación en 1975 totalmente rasurado) y mientras observa la televisión, se transforma en su alter-ego similar a un nazi. Mientras tanto, el representante de Pink junto con el gerente del hotel y algunos paramédicos, descubren a Pink y lo reaniman a través de drogas. Las drogas causan que Pink alucine que es un dictador. Sus seguidores proceden a atacar a minorías étnicas y cometen una violación a la novia blanca de un hombre de raza negra. Después, Pink realiza una manifestación en los suburbios de Londres, cantando "Waiting for the Worms". La escena se intercala con animaciones de martillos que marchan sobre ruinas. 

 Pink grita "Alto!" y se refugia en un baño en el lugar del concierto y comienza a recitar poemas cuyas letras serían, más adelante, usadas como letras de la canción de Pink Floyd "Your Possible Pasts" del álbum The Final Cut y de la canción "5:11 AM (The Moment Of Clarity)" del álbum "The Pros and Cons of Hitch Hiking" de Roger Waters. En una secuencia animada, Pink se somete a un juicio. Él es mostrado como un pequeño muñeco de trapo que raramente se mueve. El juez es un trasero gigante, con dos piernas al revés, un ano como boca y un escroto como barbilla. El abogado es un hombre alto y amenazante con figura de buitre. El profesor de escuela es una marioneta abusiva y despide odio. Después de escuchar ambas partes y los testigos (la esposa y la madre de Pink), el juez ordena derribar la pared. La pared explota y mientras eso ocurre, se muestran segmentos de toda la película. 

La película concluye en una escena que muestra a tres niños limpiando una pila de escombros, resultado de un motín. Se enfoca a uno de los niños mientras encuentra un coctel molotov, vaciando su contenido, mostrando así los créditos. Se desconoce qué pasa con Pink, dejándolo al criterio del espectador. 

Entre los actores además del ya nombrado Bob Geldof, encontramos a Christine Hargreaves (Pink's Mother), a James Laurenson (padre de Pink) y a un casi irreconocible Bob Hoskins como manager del músico Pink. Si queréis saber más sobre cada una de las canciones que componen este álbum y que aderezan la película este enlace está muy bien, pues básicamente lo analiza todo.