Asesinato en ocho mm

Mientras veía esta película no paraba de pensar en Tesis, la película que nos hizo descubrir a Alejandro Amenábar. Es inevitable no poner en relación a ambas películas por su temática: ambas exploran el submundo de las snuff movies (grabaciones de asesinatos reales hechas para el morbo). Aunque Tesis (1996), escrita y dirigida por Alejandro Amenábar se adelantó a Asesinato en 8 mm (1999), una producción estadounidense dirigida por Joel Schumacher. Ambas historias siguen a un protagonista que investiga la autenticidad de un vídeo en el que una joven es torturada y asesinada. 

Mientras que Tesis se desarrolla en el ámbito universitario de Madrid con un tono de thriller de suspense, Asesinato en 8 mm se centra en la investigación de un detective privado (Nicolas Cage) que desciende a los bajos fondos de la industria de la pornografía y el crimen en Estados Unidos. A menudo se considera que Tesis se adelantó a esta tendencia, ya que el filme de Amenábar se estrenó tres años antes que la película de Schumacher, y abordó el concepto del snuff cuando aún era una temática poco tratada en el cine comercial.

Asesinato en 8 mm es una película el año 1998 dirigido por Joel Schumacher, un director que llevó a estar nominado al oso de Oro en el Festival de Berlín por esta cinta. Aquí hace un retrato del ser humano a través de sus miedos e inseguridades. Se trata de una producción de la Columbia y Hofflund/Polone Production en la que están implicados Judy Hofflund, Gavin Polone, Joel Schumacher. Parte de un guion de Andrew Kevin Walker y cuenta con la música de Mychael Danna, la buena fotografía de Robert Elswit y el montaje de Mark Stevens.  

Protagonizada por Nicolas Cage, película cuenta también con la interpretación de Joaquin Phoenix, James Gandolfini, Anthony Helad , Chris Bauer y Catherine Keener.

Tom Welles (Nicolas Cage) es un detective privado, casado con Amy (Catherine Keener ) y con una niña pequeña , Cindy ( ) , lleva una vida modesta y resignada junto a su esposa e hija. Acostumbrado a resolver casas rutinarios una pequeña bobina encontrada en una caja fuerte dará un giro total la subida llevándolo al rincón más oscuro y aterrador de la sociedad. Lo que hueles ha visto en la película comienza a perturbar su imaginación y su conciencia y ayudado por Max California, dependiente de una librería para adultos, aprenderá a ir más allá de sus peores pesadillas cuando caigan la cuenta de lo mortal que puede ser un árbol una bobina de 8 mm. 

El detective privado Tom Welles es contactado por Daniel Longdale (Anthony Heald ), abogado de una adinerada viuda, la señora Christian (Myra Carter ), cuyo esposo ha muerto recientemente. Mientras limpiaba la caja fuerte de su difunto marido, ella y el señor Longdale encuentran una película de 8 mm que parece representar un verdadero asesinato, pero la señora Christian quiere saber con certeza de dónde proviene tal película. 

En su investigación del caso Welles descubrió un mundo sólido de sexo, sangre y de grabación más allá de lo imaginable y se esforzará por destapar una oscura trama de comercio ilegal de películas snuff, en las que aparecen violaciones y asesinatos reales vinculados a destacados personajes de la política y de las finanzas. 

Después de mirar varios ficheros de personas desaparecidas, Welles descubre que la joven es Mary Ann Mathews (Jenny Powell ), entonces visita a su madre, Janet Mathews (Amy Morton ) , y al que fuese novio de ella Warren Anderson, (Norman Reedus ) que en ese momento se encuentra en la cárcel. 

Mientras recorre la casa con el permiso de la madre, encuentra el diario de Mary Ann, en el que dice que fue a Hollywood a convertirse en una estrella de cine. Le pregunta a la señora Mathews si quiere saber la verdad, aunque sea horrible. Ella dice que quiere saber qué le pasó a su hija. 

En Hollywood, con la ayuda de un empleado de una tienda de videos para adultos llamado Max California (Joaquín Phoenix), Welles entra en el sórdido mundo de la pornografía ilegal. El contactar a un sórdido director pornográfico llamado Eddie Poole (James Gandolfini ), los conduce al director Dino Velvet ( Peter Stormare) , cuyas violentas películas pornográficas tienen como protagonista a un hombre enmascarado conocido como «Máquina» (Chris Bauer ) . 

Para obtener más evidencia, Welles pretende ser un cliente interesado en la puesta en marcha de una película pornográfica dirigida por Velvet y protagonizada por Máquina. Velvet acepta y organiza una reunión en la ciudad de Nueva York. 

En la reunión, el abogado Longdale aparece y explica que Christian lo contrató para obtener una película snuff. Longdale dice que le comentó a Velvet que Welles podría venir a buscarlos. Al darse cuenta de que la película era auténtica, Welles sabe que su vida corre peligro. Velvet y Máquina atacan salvajemente a Max California, a quien secuestran para obligar a Welles a traerles la única copia existente de la película ilegal. 

Una vez que lo entrega matan a California. Cuando están a punto de matar a Welles, este les dice que Christian había pagado un millón de dólares por la película. Velvet, Poole y Máquina recibieron menos de lo que esperaban y Longdale conservó la mayor parte. 

En una pelea subsiguiente, Velvet y Longdale son asesinados; Welles hiere a Máquina y escapa. Llama a la señora Christian para contarle lo descubierto y le recomienda ir a la policía, con lo que ella está de acuerdo. 

Llegando a su finca, a Welles se le dice que la Sra. Christian se suicidó después de escuchar la noticia. Dejó sobres para la familia Mathews y Welles, en el cual se encuentra el resto de su pago y una nota que dice: «Trata de olvidarnos». 

Welles decide buscar justicia para la muchacha asesinada matando a la gente restante implicada. Siguiendo a Poole, Welles lo lleva al lugar donde pensaba dispararle e intenta matarlo. Llama a la señora Mathews para hablarle acerca de su hija y le pide permiso para castigar a los responsables. Con eso, regresa y lo mata golpeándolo con su pistola. Luego quema su cuerpo y el material pornográfico que se encontraba dentro de su auto. 

Welles le sigue el rastro a Máquina, atacándolo en su casa. Welles lo desenmascara, revelando a un hombre normalizado, calvo y con gafas llamado George. Él dice: «¿Qué esperabas, un monstruo?» 

George continúa diciéndole a Welles que no tiene ningún motivo oculto para sus acciones sádicas, él los hace simplemente porque las disfruta. Terminan luchando y Welles lo mata. 

Después de regresar a casa con su familia, Welles recibe una carta de la Sra. Mathews, agradeciéndole y diciéndole que él y ella eran los únicos que se preocupaban por Mary Ann. 

El guion original del escritor Andrew Kevin Walker era completamente diferente. En la primera versión, más oscura y titulada Sexy World, Welles era un solitario que encontró la conexión humana en su amistad con el propietario de una aislada tienda de pornografía a un lado de la carretera. Walker más tarde tuvo una discusión con el director Schumacher sobre el contenido oscuro de la película y Schumacher, por indicaciones del estudio, cambió completamente el guion. Schumacher cortó una porción significativa de varias escenas de la película con el fin de no obtener una clasificación «X». Los cambios al guion ocasionaron la molestia de Walker, quien abandonó la filmación y se negó a ver el filme. 

David Fincher fue la primera opción para dirigir la cinta. Los directores William Friedkin y Paul Verhoeven también fueron considerados. Bruce Willis rechazó el papel principal, mientras que Val Kilmer, Charlie Sheen, John Travolta, Mel Gibson y Nick Nolte fueron opciones. Eric Roberts, Tommy Lee Jones, Charles Dance, James Woods, Willem Dafoe y Rutger Hauer fueron considerados para el papel de Dino Velvet. Mark Wahlberg rechazó el papel de Max California. 

El rodaje comenzó en febrero de 1998 en Miami, Florida. También se filmó en Nueva York, y los Sony Pictures Studios. 

8mm contó con un presupuesto de cuarenta millones de dólares y recaudó alrededor de noventa y seis millones de dólares. 

Se estrenó el 26 de febrero de 1999 y recibió críticas mixtas. El afamado crítico Roger Ebert del Chicago Sun Times señaló: «8mm es un filme real. No un astuto ejercicio de explotación con todo lo llamativo de la depravación pero sin sus consecuencias. No es un filme donde los problemas morales se olvidan en la emoción del clímax». 

Derek Elley de Variety dijo de ella que es "Un turbio mejunje de préstamos de películas muy superiores como 'Seven', 'Hardcore' y 'El silencio de los corderos'" 

Kenneth Turan para Los Angeles Times señaló que "Dado que Schumacher y sus acólitos habrán tenido sus razones para querer hacer esta película, deben ser los únicos a los que les ha acabado gustando" 

Janet Maslin de The New York Times consideró que "'Asesinato en 8 mm' escarba en el perverso submundo del negocio de la pornografía, sacudiendo al público con el hecho de que el sexo y la violencia puedan ser tan aburridos" 

Para Desson Thomson del The Washington Post la película se mueve "En una zona incierta entre lo tonto y lo verdaderamente retorcido está '8MM', una película confusa y desagradable que ofrece una experiencia desconcertante." 

Nathan Rabin de AV Club destacó "Que fracase miserablemente como thriller psicológico es perdonable. Que sea tan aterradora, ruin y manipuladora como las películas pornográficas que condena, no lo es." 

En el  Reino Unido en cobncreto en Radio Times John Ferguson afirmaba que "Cage está carismático y está bien acompañado (...) Pero la película es demasiado estridente y el final es malo (...) " 

Ya en España  Oti Rodríguez Marchante, habitual en ABC pero en este caso en Cinemanía destacó de la misma que "Como el corredor de fórmula 1, este Schumacher tiene fuerza en las salidas y negocia en las primeras curvas (...) pero a diferencia del piloto alemán sus llegadas son renqueantes, sin fuerza, vulgares y patosas"

Fernando Morales en El País destacó que era una "Inquietante leyenda urbana (...) acertadísimo Joaquin Phoenix"

Miguel Ángel Palomo también en El País consideró que la película "Narra con seriedad una durísima intriga policiaca que se adentra en el execrable mundo de las 'snuff movies'." 

Finalmente decir que fue nominada para el Premio Oso Dorado de Berlín en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1999.

Destcar de esta película de 1999 su inmersión en los bajos fondos a través de la mirada de un hombre corriente. Su atmósfera opresiva, el guion de Andrew Kevin Walker (autor de Seven) y el contraste moral entre el detective Tom Welles y el sórdido submundo hacen de la cinta un thriller arriesgado e incómodo. 

Destacar de la misma la interpretación de Nicolas Cage que Interpreta a Tom Welles, un investigador de extrarradio que pasa de resolver casos rutinarios a obsesionarse con el destino de la víctima, representando la pérdida de la inocencia. Igualmente destaca su contrapunto en el personaje de Max California de Joaquin Phoenix que aporta vulnerabilidad y realismo como el guía de Welles en los infiernos del cine clandestino. 

A destacar igualmente la atmósfera y dirección, en este caso de parte del director Joel Schumacher que emplea una fotografía sucia y contrastada que dota al largometraje de un tono lúgubre que incomoda al espectador y esa reflexión sobre el mal. La película plantea cuestiones morales sobre la fascinación por la violencia y cómo la maldad corrompe a quienes se acercan a ella. Está mucho mejor de lo esperado.

Al limite

Siempre creo haber visto toda la filmografía de Scorsese pero cada día descubro que siempre tiene otra que no he visto y que por lo tanto me parece que la obra de Scorsese tiene huecos en mi conocimiento. 

En este caso la película es del año 1999 y se llama al límite, aunque su título en inglés es Bringing out The Dead. Una vez vista la película considero que la misma tiene muchos elementos de escoceses como esa adoración por la ciudad por su bajo fondo por la noche por aquello que nunca se ven por la cara B pero también tiene mucho de su guionista Paul Schrader con el que ya trabajó al fin y al cabo es un colaborador habitual en películas como La última tentación de Cristo; Toro Salvaje, Taxi driver, etc.

Hay mucho de este guionista en esta película por ejemplo en el carácter del protagonista principal de la historia un atormentado Nicolas Cage que aborda un papel dramático de gran entidad. De hecho este es uno de los mejores trabajos del actor ítaloamericano y integrante de la familia Coppola siendo uno de esos trabajos que combinan junto con otros mucho más comerciales aunque son estos los que les dan de comer les proporciona la fama son los otros los que le dan un mayor prestigio como es el caso de Leaving Las Vegas hechizo de amor, Birdy , Peggy su se casó, Arizona baby o La ley de la calle. La idea de contactar con Nicolas Cage para interpretar al personaje principal se le ocurrió a Scorsese tras una conversación con Brian De Palma, que había trabajado con el actor en Snake Eyes.En 2022, Nicolas Cage destacó Bringing Out the Dead como una de las mejores películas que jamás haya hecho. 

Junto a Cage, en esta producción de Scott Rudin y Barbara De Fina para la Touchstone Pictures, en el que inviertieron la friolera de 55 millones de dólares, intervienen dos intérpretes de renombre como son Patricia Arquette y John Goodman. Tanto uno como otro juegan un papel secundario en la historia aunque Patricia Arquette aparece como la protagonista femenina, Mary Burke. 

Junto a ellos se encuentran Ving Rhames, Tom Sizemore, Cliff Curtis como un traficante Cy Curtis, y sorprendentemente también aparece el cantante Marc Anthony como Noel, un latino algo pirado.

La historia se desarrolla en 1990, antes de la última renovación vivida por la ciudad de Nueva York. Por sus calles deambulan personas en la zona alta y en la zona baja pero sobre todo vivencias alguna de las cuales se mueven en ambulancia a toda velocidad. 

En una de ellas trabaja Frank Pierce ( Nicolás Cage) un paramédico que sufre de depresión, insomnio y agotamiento ocupacional y no ha salvado a ningún paciente en meses después de arruinar la reanimación de Rose, una adolescente sin hogar. Ha comenzado a alucinar al fantasma de Rose. Atiende las urgencias junto a sus compañeros Larry, Marcus o Tom Wolls ( John Goodman y Ving Rhames o Tom Sizemore, respectivamente), cada uno con una personalidad muy distinta. 

Rodeado de moribundos y heridos Fran se mueve en el mundo urbano nocturno y está quemado por los años que ha pasado salvando alguna vida pero sobre todo viendo morir a mucha gente. A lo largo de cincuenta y seis horas dos días y tres noches de trabajo Frank vivirá al borde de una crisis moral y espiritual pero también sentirá que puede ser un redentor. Los fantasmas de las personas que no ha podido salvar empiezan a atormentarle. No puede dormir por las noches e incluso intenta que le echen del trabajo. Al borde de la crisis vital, Frank conoce a Mary Burke (Patricia Arquette), la hija de un hombre al que ha tenido que asistir una noche, junto a su colega Larry, cuando responden a una llamada en la que se informa de que el padre de familia, el Sr. Burke, ha sufrido un paro cardíaco. 

Allí, en la casa familiar, del mismo barrio en el que se crió, Frank reconoce a Mary, la angustiada hija de Burke, una ex drogadicta, y descubre que Mary era amiga de Noel, un drogadicto y delincuente que es enviado con frecuencia al hospital.

Después de algunas llamadas,  Frank y Larry responden a las secuelas de un tiroteo, donde Frank nota que están relacionadas con una nueva droga derivada de la heroína como la "Red Death" que salen de la manga de una víctima sobreviviente. 

Mientras está en la parte trasera de la ambulancia con Frank y Noel, la víctima intenta arrepentirse de su forma de traficar con drogas, pero muere antes de que puedan llegar al hospital. 

Al día siguiente, Frank es emparejado con el carismático y ferviente religioso Marcus. Los dos responden a una llamada de un hombre que, según se informó, sufrió un paro cardíaco en un club. Cuando llegan, Frank diagnostica que, de hecho, sufre una sobredosis causada por la Muerte Roja. 

Mientras Frank le inyecta Narcan al hombre, Marcus comienza un círculo de oración con los desconcertados asistentes al club, y justo cuando su predicación llega al clímax, el hombre con sobredosis recupera la conciencia. 

En el camino de regreso al hospital, Frank visita el departamento de Mary para decirle que la condición de su padre está mejorando. 

Frank y Marcus luego responden a una llamada de un joven cuya novia está dando a luz a gemelos. Frank y Marcus llevan a los dos bebés y a la madre al hospital, donde Marcus lleva a la madre y al gemelo sano a la sala de maternidad, mientras Frank intenta revivir al otro gemelo con el personal del hospital. El hospital no puede revivir al gemelo más pequeño y Frank, consternado, comienza a beber antes de que Marcus se le una y estrelle la ambulancia contra un automóvil estacionado. Salen ilesos y se ríen del incidente. 

A la mañana siguiente, Frank ve a Mary salir del hospital y la sigue hasta un bloque de apartamentos; Mary le dice a Frank que está visitando a una amiga y él la acompaña a la habitación. 

Después de esperar un rato, Frank irrumpe y descubre que es un garito de drogas dirigido por un traficante llamado Cy Coates. Mary admite que ha vuelto a las drogas para hacer frente a la situación de su padre y, mientras Frank intenta que ella se vaya, Cy le ofrece algunas pastillas. En un momento de desesperación, Frank toma las drogas y comienza a alucinar, viendo más fantasmas de sus pacientes. 

Una vez sobrio, agarra a Mary y la saca del edificio. Mientras visita a un Burke en coma en el hospital, Frank comienza a escuchar la voz de Burke en su cabeza, diciéndole que lo deje morir, pero en su lugar resucita a Burke. 

En su tercer turno, Frank forma pareja con Tom Wolls, un hombre con tendencias violentas. La pareja responde a una llamada al antro de drogas de Cy, donde ocurrió un tiroteo, y encuentran a Cy empalado en una barandilla. Frank sostiene a Cy mientras los servicios de emergencia cortan la barandilla, pero ambos casi salen disparados por el borde antes de ser levantados nuevamente. Cy luego agradece a Frank por salvarle la vida y se convierte en el primer paciente que Frank salva en meses. 

Luego, Frank acepta ayudar a Tom a golpear a Noel y perseguirlo. Frank comienza a alucinar nuevamente y se recupera justo cuando se encuentra con Tom golpeando a Noel con un bate de béisbol. Frank salva a Noel. 

Cuando Frank visita a Burke nuevamente, la voz suplica por la muerte una vez más y Frank le quita el aparato respiratorio a Burke, lo que provoca que sufra un paro cardíaco fatal. Frank luego se dirige al apartamento de Mary para informarle que ha muerto. Alucina al fantasma de Rose por última vez y obtiene su perdón. 

Mary acepta la muerte de su padre, con el que tenía una malas relaciones, por eso se sentía mal. Frank es invitado a pasar y se queda dormido con Mary.

Al límite representó el regreso de Martin Scorsese a las calles de Nueva York pero esta vez desde otro punto de vista. El realizador de películas como New York New York, Taxi driver, Malas calles, El rey de la comedia, Uno de los nuestros, Jo qué noche, Historia de Nueva York o La edad de la inocencia, se acerca en esta ocasión a las avenidas de la Gran manzana a través de las ambulancias de los servicios de urgencias de la ciudad que se extiende por todos los distritos y en una dimensiones tales que resultan inabarcables. 

La película se inspiró en parte en una novela Bringing Out the Dead de Joe Connelly. La película contó con la música de Elmer Bernstein, la fotografía de Robert Richardson y el montaje de Thelma Schoonmaker. 

La película fue un fracaso en pantalla . De los 55 millones invertidos apenas ganó 16 millones. Thelma Schoonmaker, la editora de la película, reflexionando sobre la misma, la elogió  y dijo: "Creo que es la única de las películas [de Scorsese] que no ha recibido su merecido. Es una película hermosa, pero creo que fue difícil para la gente aceptarla". Para ella la película  fue comercializada erróneamente, como una película de persecución de autos: "Lo que pasó fue que esa película trataba sobre la compasión, y creo que se vendió como una película de persecución de autos. Cuando vi el tráiler dije: "¡Espera un minuto! ¡De eso no se trata la película!" . 

En cuanto a la crítica señalar que no fue unánimemente valorada en positivo. Según el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, «El film sabiamente no tiene un argumento real, porque el día a día de los paramédicos no tienen un comienzo o un destino. (...) Contemplar Bringing Out the Dead —contemplar, de hecho, cualquier film de Scorsese— es recordar que el cine puede tocarnos de forma inmediata, profundamente».

Años más tarde, Scorsese le reflexionó a Ebert que Bringing Out the Dead "fracasó en taquilla y fue rechazado por muchos críticos". Sin embargo, agregó: "Tuve 10 años de ambulancias. Mis padres, entrando y saliendo de los hospitales. Llamadas en medio de la noche. Estaba exorcizando todo eso. Esos paramédicos de la ciudad son héroes, y santos, son santos". Crecí junto al Bowery, observando a las personas que trabajaban allí, el Ejército de Salvación, el Movimiento de Trabajadores Católicos de Dorothy Day, todos ayudando a las almas perdidas. Son el mismo tipo de personas". 

Janet Maslin The New York Times dijo de ella que es "Un intenso y volátil film lleno de tristeza y de salvaje y mordaz humor. (...) Cage, con la mirada de un angustiado santo medieval, ofrece una sutil y atormentada interpretación que hace la crisis espiritual de Frank muy real." 

Para  Emanuel Levy en Variety la película contiene "Humor negro, pirotecnia visual e interpretaciones valientes, ayudan a hacer más digerible una película intensa y llena de detalles sangrientos" 

Mike Clark del USA Today escribió que "En un papel tan hecho a medida para él, como la historia para su guionista y director, Nicholas Cage potencia la película con una de sus mejores interpretaciones" 

Al otro lado del país, Bob Graham de SFGATE consideró que "Scorsese y el guionista Paul Schrader regresan a lo que parece la otra cara de 'Taxi Driver'. Es igualmente impactante. También es sorprendentemente divertida y muy conmovedora" 

Retornando a la costa atlántico en las páginas del Boston Globe Jay Carr señaló que "Aunque sentida y bellamente realizada, está demasiado cargada con el fallido complejo de salvador de su protagonista y sorprendentemente, carece de impacto primario"

Y en la capital federal,  Rita Kempley en las páginas del The Washington Post afirmó, menos generosa,  que "Carece del impacto de las mejores colaboraciones de Scorsese y Schrader" 

De la prensa británica destacan las valoraciones de Ian Freer en Empire que señaló que "La apasionante maestría como director de Scorsese está a máxima potencia, encontrando una fantástica variedad en una película enfocada en el interior y exterior de una ambulancia (...); y la crítica de Time Out que dijo de ella que "Está muy bien realizada y tiene un ritmo trepidante, pero al final, nunca llega a implicarte emocionalmente como podría y debería" 

Ya en España, destaco dos críticas aparecidas en las dos revistas de cine especializadas, Cinemanía y Fotogramas. María Casanova que escribió en la revista que la película presentaba un "Extraordinario reparto y extraordinario Scorsese que, después de mojarse en cada plano, da una vuelta de tuerca en la escena más hermosa de la película: una eutanasia"; mientras que en la revista Fotogramas Jordi Costa señaló: «una de las más ásperas, incómodas y perturbadoras obras del único director americano de su generación que no ha perdido ni coherencia, ni atrevimiento». 

En cuanto a premios, el Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti. En los IV Premios Sattellite Awards Ving Rhames fue nominado a mejor secundario.

Para algunos críticos esta película se integraría en una no reconocida - o sí, realmente no lo sé- trilogía neoyorkina de la noche de Scorrsese junto a Jo, que noche! o Taxi Driver. 

Desde mi punto de vista la película vuelve a ser un canto a su ciudad, a sus bajos fondos, tras haber mostrado previamente a la alta sociedad a finales del XIX en La edad de la inocencia y volvería a los bajos fondos del XIX en 2002 con Gangs of New York. Tiene grandísimas actuaciones, pocas veces todos los que salen hacen un trabajo tan soberbio destacando sobremanera los papeles asumidos por Nicolas Cage, Patricia Arquette, Ving Rhames , Cliff Curtis, o el mismísimo Marc Anthony: una película que habla de lo que gusta a Schraeder, los traumas y la redención, magníficamente filmada y excepcionalmente dirigida, como sabe hacer siempre, maese Scorsese. 

The Limey

No había oído hablar de esta película y eso que es de un director muy solvente como Steven Soderberg, y cuenta con un actor solvente como Terence Stamp. Pero lo cierto que el halcón inglés no me sonaba de nada y eso que era una película del año 1999. 

El protagonista de la película escrita por Lem Dobbs es Wilson que se ha pasado en media vida en la cárcel. Un día recibe una nota de uno de los amigos de su hija en la que le cuenta que su única hija ha muerto en Los Ángeles en misteriosa circunstancias.  Tras salir de prisión viaja desde Londres hasta Los Ángeles para descubrir quién es y qué esconde tras la muerte accidental de su hija. 

La película que fue filmada en locaciones de Los Ángeles y Big Sur, tuvo en su estreno crítica positivas, pero la película no fue un éxito financiero tras su estreno. Está interpretada por Luis Guzmán, Leslie Ann Warren y el hijo de Henry Fonda, Peter, y Barry Newman, entre otros. 

Un criminal inglés de apellido Wilson (Terence Stamp) viaja a Los Ángeles para investigar la muerte de su hija, Jenny, quien, según le informaron, murió en un accidente automovilístico; sin embargo, Wilson sospecha que fue de un asesinato. Recién liberado de prisión después de nueve años, es un hombre endurecido. 

Al llegar a Los Ángeles, y con muy pocas referencias como el remite de una carta, interroga a los amigos de Jenny, Ed, que resulta ser Eduardo (Luis Guzmán) y Elaine (Lesley Ann Warren). Al descubrir que dudan de la versión oficial, el padre solicita su ayuda para investigar la muerte de Jenny. 

Un sospechoso que surge es Terry Valentine (Peter Fonda), un rico productor discográfico con el que salía Jenny. Valentine estuvo brevemente involucrado en el tráfico de drogas que estaba contralado por su asesor de seguridad, Avery (Barry Newman). 

Con la ayuda de Ed, Wilson localiza un almacén utilizado por el narcotraficante y pregunta por Valentine. El encargado de las distribución de la droga insulta a su hija y lo golpean. Wilson regresa tras la paliza al almacén y mata a tiros a todos los empleados menos uno que deja vivo para dar un aviso. Wilson y Eduardo se cuelan en una fiesta celebrada en casa de Valentine. 

Una vez allí, Wilson busca pruebas de la participación e incriminación de Valentine. Encuentran y roba una foto de Jenny. Atrayendo las sospechas de Avery, Wilson es abordado por un guardia de seguridad que está en la fiesta al que le da un cabezazo y lo arroja por encima de una barandilla hasta su muerte. 

Wilson y Eduardo huyen, sólo para ser perseguidos por Avery, quien embiste su auto por la carretera de Mullholland y les dispara. Él y Eduardo escapan, pero no antes de que Avery escuche a Eduardo gritar el nombre de Wilson. 

De vuelta con Elaine y Eduardo, Wilson recuerda su vida anterior con su hija, a quien recuerda sólo cuando era niña. Es consciente de que no ha sido un buen padre. Ella preocupada de que enviaran a su padre a prisión, a menudo amenazaba con llamar a la policía cada vez que encontraba evidencia de los crímenes en los que él estaba involucrado o planeando. Él recuerda que ella nunca cumplió sus amenazas porque lo amaba y eventualmente se convirtió en una broma triste entre ellos. Sin embargo, su vida criminal puso a prueba a su familia. Terminó en prisión después de que los hombres con los que estaba involucrado lo vendieran a la policía. 

Avery malintencionadamente contrata a un sicario, Stacy (Nicky Katt ), para localizar y matar a Wilson, al que conocemos jugando a un billar y , que sacude con brutalidad a otro jugador, cuando el compañero de Stacy, Tío John reclama iniciar la partida.  

Sin embargo, los agentes de la DEA, que han estado vigilando a Valentine, impiden que Stacy dé el golpe. Luego, Wilson y Elaine son llevados a encontrarse con el agente principal, quien deja en claro que la DEA está detrás del traficante que usó a Valentine para lavar dinero de las drogas, y que los agentes no tienen la intención de interferir con la misión personal de Wilson. Le permite a Wilson ver su expediente sobre Valentine, incluida una fotografía y la dirección de una segunda casa en Big Sur. 

Mientras tanto, Stacy y su compañero, Tito John (Joe d´Alessandro ) enojados por la paliza que les propinaron los agentes de la DEA, planean traicionar a Avery. Avery traslada a Valentine a la casa de Big Sur. Esa noche, Wilson entra al recinto. 

Los guardias de Avery disparan a un intruso que resulta ser Stacy y se involucra en un tiroteo con su compañero, el tío John. El resultado es que varios vigilante mueren y también hiere fatalmente a Avery. Valentine le quita el arma a Avery y lo deja morir mientras huye a la playa con Wilson persiguiéndolo. 

Traicionado, Avery saca su arma de repuesto y apunta a Wilson, pero la baja, lo que le permite perseguir a Valentine. Valentine dispara a Wilson, luego cae y se rompe el tobillo. Continúa disparando a Wilson que se acerca, pero falla y, después de quedarse sin balas, suplica por su vida. 

Valentine le cuenta lo ocurrido realmente. Le dice a Wilson que Jenny se enteró de sus vínculos con las drogas y amenazó con llamar a la policía (recordándole a Wilson lo que le había hecho cuando era niña) y en su intento por detenerla. Valentine golpeó a Jenny contra una pared, matándola accidentalmente. . En un esfuerzo por desviar la atención de Valentine, Avery fingió el accidente automovilístico. 

Wilson sabe que Jenny nunca habría entregado a Valentine. Se da vuelta y permite que Valentine viva. Por último, Wilson se despide de Elaine y Eduardo y regresa en avión a Londres. Un Wilson más joven toca la canción folk "Colors" en la guitarra, mientras una mujer le acaricia el pelo. 

The Limey se presentó por primera vez en mayo de 1999 en el Festival de Cine de Cannes. El único reconocimiento que tuvo esta película fue el Premio Satélite de Oro a la mejor interpretación dramática de un actor en una película, Terence Stamp, aunque obtuvo 5 nominaciones, entre otras a mejor película, director, actor guion y secundario en la persona de Guzmán en los Independent Awards de ese año. 

Me preguntaba por el título original de la película y que relación podría tener con el que le dieron en español, El halcón inglés, y se trata de una palbra en jerga estadounidense, "Limey", que viene a ser como se refieren a los británicos.

Steven Soderbergh utiliza secuencias de flashback atípicas e incluye varias escenas (en gran parte sin diálogo) de una película mucho más antigua de Terence Stamp, el debut como director de Ken Loach en 1967, Poor Cow. Soderbergh usa las escenas para crear una historia confusa que muestra el personaje de Stamp cuando era joven, su pasado criminal, su relación con la madre de Jenny y las actitudes de desaprobación de Jenny hacia su estilo de vida corrupto. Wilson habla a menudo en una jerga cockney que rima. La película que tuvo como productores a John Hardy y Scott Kramer que desembolsaron 10 millones de dólares cuenta con la fotografía de Edward Lachman y la música, imperceptible - que en ocasiones, se agradece- de Cliff Martínez  

Soderbergh y la editora de cine Sarah Flack utilizan una variedad de técnicas de edición poco ortodoxas en The Limey. La película, que fue un sonora fracaso en taquilla, presenta frecuentemente diálogos y sonido de fondo de escenas anteriores o futuras yuxtapuestas a una escena actual. El diálogo de una conversación, por ejemplo, puede encontrarse disperso a lo largo de la película, articulado por primera vez mucho después de que haya pasado su momento cronológico, como una especie de flashback narrativo superpuesto a una conversación posterior, para completar el pensamiento de un personaje o puntuar el énfasis de un personaje . El sonido de fondo puede estar desarticulado en la película y desplazado para realzar otra escena sugiriendo continuación, similitud o diferencia. Por ejemplo, Wilson está en una habitación de hotel y abre la ducha, y luego Wilson está en un avión mirando por la ventana, mientras se escucha la ducha. 

Roger Ebert de The Chicago Sun-Times describió la trama como "Ross Macdonald básico", una referencia al escritor de misterio cuyos best-sellers de los años 50 y 60 ambientan en el sur de California típicamente presentaba un destino fatal para los hijos adultos jóvenes de padres ricos con oscuros secretos. Stamp y Fonda, ambos íconos envejecidos de la década de 1960, representan diferentes lados de la contracultura: "Es una agradable ironía que tanto Valentine como Wilson (el personaje de Stamp) ganaran dinero con la música rock: Valentine vendiendo entradas, Wilson robando los ingresos de un concierto de Pink Floyd." Y añadió, tal y como se indica en rogerebert.com que "La dirección de Soderbergh coge la historia y usa las imágenes para crear un entretenimiento irónico (...)". 

Otro crítico de Illinois, Jonathan Rosenbaum, del Chicago Reader comentó que era "Un thriller muy entretenido y poco convencional" . 

El crítico de cine de la revista Variety, Emanuel Levy, elogió el drama criminal y le gustó la dirección de la película, las actuaciones y el guión, pero consideró que la película "carece de personajes secundarios y tramas secundarias". Escribió: "The Limey, la nueva película criminal de Steven Soderbergh, continúa la renovación artística del director, evidente el año pasado en la magníficamente realizada Out of Sight. El elemento más interesante de la película es la ubicación de dos íconos del cine de los años 60, el muy británico Terence Stamp y el muy estadounidense Peter Fonda, como enemigos desde hace mucho tiempo en lo que es básicamente un thriller de venganza de rutina... [y] uno no tiene problemas en elogiar la valentía de la actuación de todo el conjunto y los impresionantes aspectos técnicos de la película que Warren, Guzmán y Barry Newman presentan con madurez y moderación. actuaciones en línea con la textura dominante de la película. Un giro secundario de Joe Dallessandro, el habitual de Andy Warhol y Paul Morrissey, acentúa la naturaleza reflexiva de la película como un comentario sobre una era pasada del cine". Y añade que "Una obra conseguida que se sobrepone a sus elementos rutinarios. El guion poco desarrollado y flojo de Lem Dobbs (...) no cumple con lo que promete" 

Janet Maslin en las páginas del The New York Times señala que "De entre todas las películas del director (...) esta tiene potencial para convertirse en una de las favoritas de los espectadores." 

Desson Thomson en el The Washington Post escribe que "En manos de este director, una historia sencilla de venganza se convierte en algo que tiene varias capas" 

James Berardinelli en ReelViews afirma que "Stamp ha realizado unos trabajos maravillosos en una larga y variada carrera. Esta no es su mejor película, pero puede ser la interpretación más convincente que ha realizado (...) " 

Marjorie Baumgarten del texano Austin Chronicle escribió que "El trabajo de un excelente artesano y artista (...) "

 Edward Guthmann, crítico de cine del San Francisco Chronicle, elogió la dirección y el guion y escribió: "The Limey... es un thriller policial de primer nivel y una prueba más de que Soderbergh es uno de nuestros grandes estilistas cinematográficos contemporáneos. Tenso, imaginativo y compleja, esta es una de las mejores películas estadounidenses del año y un maravilloso antídoto contra la paralizante uniformidad de [algunas] películas". 

La crítica Janet Maslin escribió sobre el trabajo de Terence Stamp: "Stamp interpreta el papel principal con furia, con Intensidad decidida, ojos azules salvajes y un rugido estentóreo que se muestran en los primeros momentos de la película... Soderbergh utiliza con conmovedora eficacia vislumbres del joven y bellamente soñador Stamp y su no menos imponente presencia moderna. 

ParaVikram Murthi en IndieWire sostiene que es "Una obra maestra absoluta (...) El espíritu colaborativo de Soderbergh es lo que hace que 'The Limey' sea elegante y tenga fuerza a nivel emocional." 

Chuck Bowen en Slant señala que "Soderbergh no planeó todas las facetas del filme. Fue una tormenta perfecta: Al casar la técnica con la intuición y el gusto personal, abrió un vórtice, dando forma a una obra de género como objeto de arte y oda a la nostalgia" 

Scott Tobias de AV Club afirma que "Es un homenaje inteligente y significativo a los clásicos de finales de los años 60".

En Time Out se dice de ella que es "Divertida, conmovedora y con una seguridad absoluta (...) Stamp está soberbio (...) El guion de Lem Dobbs es ingenioso (...) El habitual juego de Soderbergh con la narrativa subraya hábilmente la obsesión de Stamp. Una gozada" 

Ya en el Reino Unido, en las páginas de Empire, Andrew Collins, escribe que "La idea suena bien en el papel, pero no consigue equilibrar la tensión brutal y la comedia (...) Una pantomima con poca trama y demasiado estilizada (...) "

En El Mundo se dice de ella que "Steven Soderbergh. ''El halcón inglés'' es justo la película anterior, en la filmografía del director, a ''Erin Brockovich'' y ''Traffic'', las dos películas que le dieron el impulso definitivo en Hollywood y que disiparon las dudas sobre su calidad y rentabilidad en taquilla. Lo más interesante del filme, aparte de sus bien rodadas secuencias de acción, es la presencia del británico Terence Stamp como protagonista indiscutible, que le da a su personaje un tono sombrío, dolido y agresivo como pocas veces hemos visto en pantalla. "

Por mi parte señalar que la película de Artisan Entertainmenth ha cumplido con creces las expectativas que tenía al saber que era un thriller, que me ha parecido contundente la actuación de Stamp, brillante la dirección y especialmente la complejidad de la historia escrita por Lem Dobbs así como el montaje de una historia llena de flashbacks en las que se añaden fragmentos de otras películas para recuperar en tiempo que ya no es. 

Pantaleón y las visitadoras

No es muy habitual que por aquí pase una película peruana pero en este caso la razón se debe al hecho dado que se trataba de una adaptación de uno de los libros escritos por Don Mario Vargas Llosa. Según el propio autor, como aparece en El Comercio de Lima, la obra se basa en hechos reales que habrían ocurrido entre 1958 y 1964. Con este libro, Vargas Llosa obtuvo en 1975 el Premio Latinoamericano de Literatura.

La historia evidentemente es sorprendente. Participan en la misma actores principalmente peruanos con alguna incorporación de actrices españolas como el caso de Pilar Bardem como la Madame Chuchufe, pero los principales papeles están interpretados por actores peruanos Salvador del Solar como Pantaleón Pantoja , Angie Cepeda como la colombiana, Mónica Sánchez como Pochita, Gianfranco Brero como General Collazos, Gustavo bueno como el Coronel López, Carlos Kaniovski como el padre Beltrán, Sergio Galliani como el teniente Bacacorzo, Tatianas Astengo como Pechuga, Pold castillo como Chupito, Carlos Tuccio como el general, Scavino y Aristóteles Picho como el miserable periodista Sinchi. 

Se trata de una película del año 1999 que tiene como director a Francisco J. lombardi, que dirige una película de la productora América Televisión y en este caso conjuntamente con Inca films en la que interviene directamente el productor José Enrique Crousillat. El guion de la película fue elaborado por Giovanna Pollarolo y Enrique Moncloa, partiendo de la obra homónima de Vargas Llosa. E el apartado técnico participan igualmente Bingen Mendizábal en la banda sonora, el sonido fue responsabilidad de Santiago Vergara, la fotografía de Teo Delgado, el montaje de Danielle Fillios y el vestuario José Miguel Valdivia. 

La película nos narra la historia de Pantaleón Pantoja, capitán del ejército peruano un hombre muy responsable con una trayectoria militar intachable, un hombre circunspecto, moralista y militar hasta la médula, quien debido a su comportamiento ejemplar es enviado junto a su esposa a cumplir una misión ultra secreta en la selva Amazónica siendo seleccionado por sus altos mandos para que dirija un departamento en el Amazonas cerca de la localidad de Iquitos para intentar frenar las violaciones que sufren las mujeres por parte de los "salvajes " soldados que no tienen contacto con mujeres y calmar así sus instintos “salvajes”.

Esta delicada y secreta misión es la que le ocupa a Pantaleón Pantoja que ha de organizar un servicio ambulante de visitadoras o sea prostitutas para las tropas del Ejército peruano en la Amazonia.

Pantaleón acata la decisión de sus superiores a la perfección. Poco a poco la exigencia, el calor, las tentaciones y las presiones del entorno hacen que el respetable capitán Pantoja empiece a sudar demasiado, a desbordarse como un río y a perder el control, primero con su esposa, pero termina obsesionándose con una de las visitadoras concretamente la exuberante "colombiana" poniendo en peligro su matrimonio y su permanencia en el ejército.

La película está basada en la novela de Marcos Mario Vargas Llosa y fue adaptada por Francisco J Lombardi que, según he leído también intervino en la producción, y que ya había adaptado y llevado a la gran pantalla la ciudad y los perros.

En el año mil novecientos setenta y cinco hubo una primera versión dirigida por el mismo Mario Vargas Llosa en su primera y única incursión en el cien , siendo interpretada por José Sacristán en el papel que ahora asume el actor Salvador del Solar. La película fue un sonoro fracaso.

La principal aportación española a la cinta es Pilar Bardem la Madame del ejército de visitadoras. La película estuvo nominada al Goya a la mejor película extranjera de habla hispana en el año 2001.

Obtuvo el premio del público en el Cuarto Encuentro Latinoamericano de Cine. En el brasileño Festival de Cine de Gramado, en Rio Grande do Sul, obtuvo diversos premios como el Premio del Jurado, al Mejor Director (Francisco J. Lombardi), al Mejor Actor (Salvador del Solar), al Mejor Guion (Enrique Moncloa y Giovanna Pollarolo) , al Mejor Montaje (Danielle Fillios) y el del Jurado de la Crítica. 

Fue presellecionada para los Oscar de ese año, así como para el Festival de Cine de Berlín y el de Miami. Ganó el Premio Spondilus a la Mejor Película en el Festival de Cine de Lima y el actor Salvador del Solar fue premiado en el Premio del certamen portugués de Troia. 

De la crítica destacar la que aparece en ABC Play que dice de ella que "A partir de la novela homónima de Mario Vargas Llosa, el director peruano Francisco J. Lombardi ("Bajo la piel") llevó a la pantalla esta historia ambientada en el Amazonas. En 1975 ya se había realizado una versión de la misma novela, pero sin éxito y sin recibir buenas críticas. La versión de Lombardi supuso una de las escasas incursiones del cine peruano en el mercado español, consiguiendo buenos resultados en taquilla. Su protagonista fue la actriz colombiana Angie Cepeda, conocida por protagonizar numerosos culebrones en su país de origen, como el popularísimo "Pobre diabla", emitido también en nuestro país. "

M. Torreiro en El País dijo de esta película que era "Minucioso, elaborado, a veces estirado en exceso -144 minutos- pero más bien ameno recorrido por la novela de Vargas Llosa". 

Paula Frederick en Cinemaboutique comenta que la película fue en su estreno " cine fresco que se riera de nosotros, de nuestra sociedad, personajes e instituciones y al mismo tiempo fuera capaz de entregar una denuncia soslayada, disfrazada de humor". Y añade "Pantaleón y las visitadoras es una película que maneja diversos niveles de lenguaje cinematográfico y los confronta con fluidez. La narración se sustenta en el contraste entre el discurso -hilarante y absurdo como en las cartas de Pantaleón al ejército, letrado y moralista como las transmisiones radiales del “Sinchi” o conciso y determinante como la declaración final en televisión del General Collazos- y la realidad. Los comunicados del Ejército, llenos de malabares lingüísticos y eufemismos, se contraponen a los hechos que salen inevitablemente a la luz, así como los mensajes del Sinchi, que hablan de moralidad, respeto por las mujeres y actitudes intachables, se desvanecen mientras la cámara enfoca el afiche de una chica semi-desnuda en el estudio del locutor radial. Esta contraposición entre lo que “se dice” y lo que “ se hace” – algunas veces sutil, otras demasiado evidente- es a fin de cuentas un arma que juega a favor de la película, enriquece su humor, acentúa la crítica social de un país demasiado apegado a sus instituciones y subraya lo incongruente que puede llegar a ser la naturaleza humana. ".

La película en un drama pasional, trufado con algún tinte de comedia absurda como esa correspondencia del capitán con el ejército, en la que se forma un triángulo amoroso conformado por una prostituta, un soldado y su mujer. Es un relato sobre la lealtad a la palabra dada, la eficación casi germánica de Pantaleón para los números, sin olvidar los cuestionamientos morales que hacen los medios a lo que ocurre en "Pantilandia", ese espacio creado para la satisfacción de los integrantes del ejército, que, si bien por un lado no parece muy decente, por otro, es muy operativo dada la drástica reducción de las violaciones que sufrían las mujeres de la zona a manos de los soldados así como la desfachatez y cobardía de las autoridades militares por asumirlo.   Dada la polarizada sociedad actual no tengo claro que pensará el movimiento feminista actual sobre el tema.  

Por cierto, el actor Salvador del Solar podría hacer un biopic sobre el Presidente Sánchez en una película que debería llamarse "¿Qué dirá de mi la Historia, Maxim?". Tiempo al tiempo. 

Carrie 2

De como una obra que es referencia en el cine de terror con la autoría de Brian de Palma, y siendo una de las más valiosas adaptaciones de una obra de Stephen King se estira para completar la saga de la chica tele y pirokinésica. 

 *EC: En construcción

Cabalga con el diablo / Rider with the devil

 

*EC: En construcción 

El número 13

 

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Boys don´t cry

 

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El verano de Kikujiro

Lo primero un detalle para no perdernos, Kikujiro es el adulto, y el verano, el de los dos protagonistas , Kikujiro (Takeshi Kitano ) y Masao (Yusuke Sekiguchi) de esta película, Kikujiro no natsu, una de las obras más conocidas de Takeshi Kitano que aquí es director , productor, montador y guionista de esta obra. 

No hace mucho, en julio, revisitando una película, me sorprendió ver a Takeshi Kitano. En la misma, Furyō, aquí conocida como Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Ōshima aparece Kitano como el brutal Sargento Gengō Hara. Asume un rol de hombre brutal y visceral que cambia una vez que la guerra ha terminado. Ese perfil de hombre duro, intransigente es el que casi siempre ha asumido Kitano, salvo en su producto más popular, humos amarillo. Sin embargo, aquí nos lleva a mostrarnos su faceta más naïf, más amable, más transformadora. Este es el valor de El verano de Kikujiro.

La película es una producción de Masayuki Mori y el mismo director en la que están implicadas Bandai Visual, Tokio FM , Nippon Herald y Office Kitano Guion Takeshi Kitano. La banda sonora de este film está realizada íntegramente por Joe Hisaishi, mientras que la fotografía es de Katsumi Yanagishima.  

El elenco está representado por Takeshi Kitano como Kikujiro Takeda , Kayoko Kishimoto como la esposa de Kikujiro, Yusuke Sekiguchi como Masao Sugiyama , Yūko Daike como la madre de Masao Satoko Sugiyama. Igualmente aparecen Kazuko Yoshiyuki , la abuela de Masao , Batir Kiyoshi como el hombre de la parada de autobús , Rakkyo Ide como uno de los motoristas , Nezumi Imamura como el viajero, Fumie Hosokawa como la chica malabarista, Akaji Maro como el hombre aterrador y Daigaku Sekine como el jefe Yakuza.

Masao (Yusuke Sekiguchi) es un niño de nueve años de naturaleza triste,  que vive  en el barrio de Shitamachi en Tokio , con su abuela, trabajadora en un kiosko de comida, pero que come solo a diario, y al que le roban los "bully" abusones del barrio, y que ve como acaban de terminar el curso escolar. Ahora le toca pasar las vacaciones de verano con su abuela. Las vacaciones de verano no son precisamente satisfactorias para el pequeño pues supone pasar de un rutina colegial a la nada. En el verano se acabaron los partidos de fútbol, y se acabó todo lo demás, ya que todos sus amigos se están marchado a la playa. 

El aburrimiento de Masao tras recibir un paquete y buscar una cosa en una caja, encuentra una foto de su madre perdida hace mucho tiempo. Ante esto se le ocurre la peregrina idea de buscar a su madre, que lo abandonó alegando que iría a encontrar trabajo y a la que nunca ha visto. Con muy poco dinero y con una fotografía y una dirección como únicas referencias, el plan parece condenado al fracaso, especialmente cuando la mujer de Kikujiro y éste encuentran que los abuisones lo han parado en la calle y le están quitando el dinero. 

Una amiga de su abuela (Kayoko Kishimoto), que considera a Masao, como el niño con la cara más triste del mundo, propone que su marido acompañe a Masao. El problema es que su marido es Kikujiro (Takeshi Kitano), un antiguo yakuza, no parece la compañía más recomendable para un niño. Es jugador, mal hablado, bronco, nada amistoso y un bruto en toda regla. 

La vecina hablan con ella y le dicen que se ocuparán ellos del niño durante unas semanas. Casi de inmediato comienza el  Masao junto Kikujiro y su forma de ser propio de un yakuza. Amabos toman la última dirección conocida de la madre en Toyohashi , varios cientos de millas al oeste, aunque  dicen a la abuela de Masao que van a la playa. 

Al comienzo de su viaje, Kikujiro no se toma en serio llegar a Toyohashi. Lo primero que hacen es parar en las carreras de ciclismo en pista, el mítico Keirin, y se juega su dinero. Kikujiro va perdiendo todas y cada una de las apuestas, pero tras una derrota y otra, le pide opinión a Masao quién dos números que resultan ser los ganadores. Al día siguiente Kikujiro vuelve a la pista de Keirin a apostar buscando más ganancias. Las derrotas se suman unas tras otras y a pear de pedir opinión a Masao pierde una y otra vez. Arruinado decide ir a un restaurante yakitori. Kikujiro entra y se pide un pinchito , mientras Masao se queda en la puerta. Allí es asaltado por un hombre que quiere abusar de él. Sin embargo, al salir Kikujiro va en su busca y logra encontrarlo antes de que ocurra algo. 

Después de agredir al abusador, Kikujiro promete continuar el viaje y llevar a Masao con su madre. Antes de nada toman un  taxi , pero viendo lo rápido que va el taxímetro, Kikujiro, aprovechando que el taxista baja del coche para orinar, decide robar el taxi, aunque sin saber conducir. Al ir siempre en primera acaba por romperlo. Tras eso hacen parad en un hotel con piscina. Allí Kikujiro no cumple con ninguna de las normas. Descubrimos que no sab nadar y que trata a los trabajadores del hotel de forma penosa.

Tras parar una noche deciden retomar el camino, pero el ex yakuza obliga al de recepción a llevarlo en su propio coche, cosa que hace hasta llegar a un cruce de caminos. Desde ese momento Masuo y Kikijiro se ven obligados a hacer autostop hasta Toyohashi, donde se encuentran con varias personas en el camino, desde una malabarista y su novio, hasta un camionero con el que pelea Kikujiro al romperle el cristal delantero del coche ante su negativa a llevarlos. Encuentra igualmente a un banquero que se tira un "peo" en la parada de autobuses, se hace passar por ciego, es atropellado por un coche , provocan algún accidente de tráfico, y finalmente es llevado por un poeta viajero que los lleva a Toyohashi.

Cuando finalmente llegan a la dirección de la madre de Masao, Kikujiro la encuentra viviendo como ama de casa con otro hombre y su hija. La madre de Masao vive una vida completamente diferente a la que esperaba. Es casi como si lo hubiera olvidado. Kikujiro, para no hacer daño al niño, le dice a Masao que se acaba de mudar, fingiendo no haberla visto. 

Intenta consolar a Masao con una pequeña campana azul con forma de ángel que consigue extorsionando a dos motoristas, una gordo y otro calvo , que se encuentra. Masao está tan decepcionado que Kikujiro no puede evitar intentar alegrar su viaje de regreso a Tokio. Le dice que un ángel vendrá al sonido de la campana. 

Visitan un matsuri o feria de verano celebrado en las cercanías de un santuario sintoísta. Mientras Kikujiro se mete en problemas con un yakuza local por un caseta de tiro al blanco. Mientras se lo llevan para darle la paliza Masao sueña con bailar Tengu junto a dos bailarines. Una vez sacudido, y aunque Kikujiro, dice que se ha caído, Msao va a una farmacia con el fin de curarlo.

De vuelta en la carretera, se encuentran de nuevo con el poeta en un maizal y tras hacer noche en el campo con los dos motorista. Deciden acampar todos juntos unos días. Masao disfruta jugando algunos juegos tradicionales con ellos desde la pesca a lo que nosostros llamamos "1, 2, 3 gallito inglés", pasando por las lianas, etc. 

Un día Kikujiro recuerda a su propia madre (se da a entender que ella, como la madre de Masao, también lo dejó cuando era niño) y éste consigue que uno de los motociclistas lo lleve a la residencia de ancianos de su madre en Daito-cho , una pequeña ciudad rural, pero cuando llega, se entera de lo más que está, no es capaz de reconocerlo,  y finalmente decide no verla y regresa al campamento. 

Los hombres continúan haciendo todo lo posible para entretener a Masao bromeando durante unos días más. Antes de que regresen a Tokio , Masao sueña con que aparezcan sobre la Vía Láctea . 

Una mañana, los motoristas se despiden de ellos y abandonan el campamento. Masao y Kikujiro marchan a Tokio en el coche del poeta. Después de dejarlos en un puente, el poeta continúa su camino hacia Osaka y Kyūshū . 

Antes de que Masao y Kikujiro se separen y que el niño cruce el puente, Kikujiro le dice "Hagámoslo de nuevo en algún momento" y Masao le agradece. Kikujiro le dice a Masao que cuide de su abuela. Masao le pregunta su nombre, pues toda la película le ha ido llamando Señor y el ex yakuza le responde "¡Kikujiro! ¡Ahora lárgate!". Masao pasa un pequeño puente con la campana del ángel sonando acabando así la película. 

La película rompe con la idea que hasta ese momento Kitano había mostrado de su cine. Un cine de mafiosos japoneses, policias duros o de venganza, para hacer una historia tierna y distinta a todo lo que hasta ese momento había realizado la filmografía de Kitano. Ahora apuesta en cada uno de los capítulos en los que se divede la película y que nos son narrados en boca de Masao (el hombre calvo, el extraño baño,...) ya que a diferencia de obras anteriores esta película nos muestra un mundo mágico donde los protagonistas son el niño y el antiguo yakuza. 

La película, una road movie, alternativa, explora la alienación y la inclusión en la sociedad japonesa. Los personajes principales, y aquellos que los ayudan en el camino, son considerados marginados de las normas sociales aceptadas, y no forman parte de una estructura familiar o de grupo tradicional. 

Al principio de la película, los protagonistas reaccionan con violencia e ira (Kikujiro) o tristeza (Masao), pero a lo argo de este viaje estival  descubren lo que los une, lo que tienen en común, la fragilidad de su vida, el papel de la madre ausente. El no encuentro en Toyohashi lo condiciona todo. 

La película fue   producida y distribuida por Office Kitano y se proyectó en el Festival de Cine de Rotterdam y fue presentada en la Seminci de Valladolid y obtuvo el Premio de la Crítica y el de mejor actor . También se presentó en el Festival de Cannes siendo nominada a la Palma de Oro  a la mejor película.  

En cuanto a la crítica, estas fueron mixtas. Para Roger Ebert, columnista habitual hasta su fallecimiento, en el Chicago Sun Times , pero en el atículo inserto en la web rogerebert.com escribe que "Me gusta el director y su estilo, pero el material es superior a él. Es difícil reir cuando sientes pena constantemente por el niño. Después de todo, parece que él no forma parte del chiste (…)"

Para David Rooney de Variety la película "Ofrece muchos de los originales toques visuales que distinguen a Kitano (...) pero su empalagosa mezcla entre la manipulación sentimental y la comedia más torpe será difícil de digerir para muchos espectadores." 

Owen Gleiberman Entertainment Weekly "No es que sea una mala película, sino que también es incoherente, un desastre inerte. Un rompecorazones para tontos." 

En la costa oeste de los Estados Unidos Bob Graham del San Francisco Chronicle defiende que "Este drama cómico es tan original como antisentimental, pero te romperá el corazón igualmente." Cerca en un diario californiano, Los Angeles Times, Kevin Thomas defiende que "El resultado es enternecedor y totalmente irresistible, principalmente gracias a la combinación entre la inteligencia de Kitano, su peculiar sentido del humor y su particular desinterés hacia lo que sucede." 

En el Reino Unido Tony Rayns de  Time Out nos dice que está "Filmada y editada siguiendo el distintivo estilo de Kitano, la película es muy espontánea. Los elementos de comedia nos ofrecen las dos personalidad del director (...) más cerca que nunca (…)" 

Y Kim Newman de Empire nos dice de ella que "Parece que por fin Kitano comienza a suavizarse, y en esta ocasión toma un nuevo rumbo. Puede que sea un poco extravagante, pero tiene un notable tono agridulce (…) " 

Ya en España Daniel Andreas en FilmAffinity escribe que "Si usted es de los que aprecian el cine de Takeshi Kitano por sus recreaciones neo-noir del mundo de la yakuza (es decir, porque sus películas le recuerdan a "El padrino" remakeado por el equipo de "Humor Amarillo", su verdadera obra maestra), por esos personajes en los que el nihilismo inherente al género se combina con un cierto grado cero del pensamiento zen (porque se parte el eje con la cara de "empanaos" de los actores), y por su tratamiento estilizado de la violencia, de estirpe netamente posmoderna (porque le gusta ver cómo les bailan los mofletes en las escenas de tiros y sangraza a cámara lenta), ésta, definitivamente, NO es su película. Mientras muchos elevaban a su director a los altares tras comprobar con cuánta ternura y originalidad abandonaba la violencia y dejaba que los niños se acercasen a él en esta conmovedora parábola, con ecos de Vigo, Ozu y Kurosawa, sobre el poder redentor de la amistad, otros pasaban, todavía en la sala de cine, por las fases sucesivas de negación, ira, negociación, depresión, rem y sueño profundo; entre ellos, el montador. Visualicen la historia de "Marco"como una 'road movie' en autostop protagonizada por el Piraña japonés y por un tipo con cara de pizza congelada y los modales de La Masa; súmenle unos planos eternos, un humor de cine mudo (magistral la secuencia de la piscina) y una músiquilla escrita por el becario de Michael Nyman, y tendrán esta película. Tan extraña como entrañable, aunque no sepamos por qué. Qué raro es el cine. La película se inscribió en el Festival de Cine de Cannes de 1999 . Similar a sus trabajos anteriores Getting Any? y A Scene at the Sea , Kitano hace referencia a la yakuza solo tangencialmente en Kikujiro , una desviación de su trabajo en famosos dramas criminales como Sonatine y Hana-bi .  Y añade "Dirigida a toda la familia, la película supuestamente se inspiró en El mago de Oz con la premisa básica de un viaje por carretera. Los elementos y lugares familiares de Kitano están presentes: dibujos, viñetas, la orilla del mar y ángeles . Aunque la trama se compone principalmente de eventos tristes, la película a menudo tiene una atmósfera alegre, lograda principalmente a través del personaje de Kitano y sus encuentros un tanto extraños". 

Carlos Boyero en ese momento articulista en El Mundo sostiene que "De inmensa ternura y comicidad. Poética, graciosa (...) muy buena"

Oti Rodríguez Marchante, aunque en la actualidad en ABC, desde Cinemanía señalaba qie "Kitano nos muestra su cine al trasluz de sí mismo, de su cámara escueta y elocuente y de su sentido del humor filtrado de irónica amargura y rara poesía. Muy buena"

Ángel Fernández Santos en  El País dijo de ella que era "Otra pequeña maravilla, nueva hermosura; Kitano vuelve a ofrecer otra filme sorprendente; nos vuelve a abrir su imaginación y lo que vemos vuelve a carecer de precedentes"

En  En Argentina Gustavo Noriega de Infobae  señala que es "Una película rebosante de gracia, humor e ingenio y a la vez una reflexión de notable seriedad." 

De esta road movie tan distinta a otras "road movies" de Kitano , como Hana Bi o Zatoichi, destacar su banda sonora de Joe Ishaisi y la extraña combinación que tanto gusta a Kitano de humor en ocasiones absurdo , comedia y drama.

Para acabar comentaré que el director de cine Makoto Shinozaki hizo un documental sobre la realización de Kikujiro titulado Jam Session (Jamu sesshon Kikujirō no natsu kōshiki kaizokuban). 

Yoyes

Fue en el verano de 1985. Tras ir al pueblo de mi abuela, buscar a mis tíos que por allí andaban, conocer a la mitad de mis primos que todavía no conocía, conocer el cementerio, visita obligada para rendir homenaje y una oración a los que estuvieron entre nosotros y eran de los míos, ir al "baserri" familiar, Baindi, en el que aún vivían una prima de mi madre y su marido y tras eso seguir conociendo a familiares de mi madre por la comarca, el Goierri,  

Tras el paso por Ataun, tocaba visitar Beasáin y Villafranca. Para nosotros se llamaba así, Villafranca, como había sido para mi abuela. Era entonces Villafranca de Ordizia, hoy, simplemente, Ordizia. ¡Cómo no iban a visitar mis padres Ordizia o Villafranca, si allí habían estado 25 años antes disfrutando de la familia y de su luna de miel! Mi madre , de hecho, siempre hacía referencia al recuerdo que tenía de la Feria (Azoka) de las verduras que siempre le había recomendado su madre, mi abuela, y que reunía allí todos los miércoles a vendedores y compradores que intercambiaban, vendían y compraban los productos agrícolas y ganaderos de la comarca. Era , según ella, todo un espectáculo por la cantidad de puestos y colores con los productos de la tierra. 

Esa noche tras la cena tuvimos una velada estupenda. Salimos de copas por Beasáin con el primo Iosu. Hablar de lo divino y de la humano. También de política. No había problema alguno entre personas sensatas y respetuosas. ¡Qué cojones! ¡Qué poco se parece ese mundo al que hoy vivimos! Pero reconozco que no todo en aquel Beasáin era Jauja. Después lo diré.

Al día siguiente tocaba estar en San Sebastián / Donostia aunque antes había que visitar a la familia de Ikaztegieta y por la tarde , una vez disfrutado y comido en la Vieja - el Casco Viejo- en su primer día de la "Aste Nagusia", pasar para ver a más familiares, ahora en Hernani. 

Pero me remito al día y a la noche anterior por la charla entre hermanos y primos, por las risas, el buenrollismo. Ese temor cero dentro y fuera del pub. Pero todo hay que decirlo: en la calle las paredes estaban llenas de pintadas a favor de ETA o en contra de los que traficaban droga con sus mensajes. El más repetido "Drogadiktoak txakurra" . Nosotros, es cierto, Ez dago arazorik!!! 

Pero está claro que no siempre fue así. Poco más de un año después, no en Beasáin, aunque si en esa otra ciudad de la que le separa una acera, precisamente el lugar que mis padres recordaban como lleno de color y autenticidad, posiblemente el lugar en el que vendieron muchos de mis antepasados, se producía un asesinato que culminaba con un tiro de gracia en la cabeza incluido. Fue el de María Dolores González Catarain, alias "Yoyes, en presencia de su hijo Akaitz. No era un atentado cualquiera. Era el atentado como la mujer que se había convirtió en "mito" por ser dirigente de la organización, intelectual entre los pistoleros que de la banda ETA, al sustituir esa labor tras la muerte de José María Beñaran Ordeñana, 'Argala', asesinado en 1978 con un bombazo colocado por la guerra sucia del Batallón Vasco Español, pero que ahora era una "apestada".

Fue la mujer que dijo: "No quiero actuar en apoyo de una lucha que ha degenerado en algo terrible, dictatorial y mítico, contrario a mis valores y sentires más profundos y constantes en mi trayectoria".

La historia de esta mujer es la que se nos narra cinematográficamente en "Yoyes" la directora de Alsasua, ¡vamos, del otro lado del Etxegarate! Helena Taberna Ayerra en lo que se convirtió la película de su debut cinematográfico.

Ella de todas manera era una mujer con experiencia. Helena Taberna, directora y guionista, que inició su carrera audiovisual como coordinadora de nuevas tecnologías en el Gobierno de Navarra y a partir del 1994 se dedicó exclusivamente al cine. En 1999 hace su debut con Yoyes, precisamente. Aquel año el Ministro del Interior, Jaime Mayor Oreja, aseguraba en la cadena SER que "haría todo lo posible" para que los exdirigentes fallecidos de ETA Eduardo Moreno Bergaretxe, Pertur, y María Dolores González Catarain, Yoyes, fuesen consideradas víctimas del terrorismo.

En 2002 creó su propia productora, Lamia Producciones, una productora que va mucho más allá de la producción cinematográfica pues apuesta igualmente por una línea editorial que diseña materiales didácticos para acercar el análisis del cine y género a los espacios educativos, culturales y sociales. 

En 2003 dirigió la película documental Extranjeras que narra la experiencia de varias mujeres inmigrantes que viven en Madrid y que fue seleccionada a concurso en la Seminci de Valladolid en 2003 y recibió varios premios. 

En 2006 fue cofundadora de la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales (CIMA) que cuenta con 300 socias y ha conseguido importantes objetivos. La cineasta forma parte de la Junta directiva de CIMA. 

Además de Yoyes, estrenada en el 2000,  años después estrenó La buena nueva (2009) una película que recoge con fidelidad histórica el apoyo de la Iglesia Católica al levantamiento contra la República en la Guerra Civil, a través de la mirada de un párroco, inspirado en la historia del sacerdote Marino Ayerra, tío de Helena destinado a un pueblo de la retaguardia y que recibió 15 galardones en festivales internacionales. 

En 2010 estrenó el largometraje documental Nagore, que narra la muerte violenta de una joven estudiante de enfermería a manos de un residente en Psiquiatría en los Sanfermines de 2008. La película se presentó en la Seminci de Valladolid 2010. 

En 2016 Taberna dirigió una adaptación libre de El contenido del silencio, de Lucía Etxebarria inspirada en la desaparición real de una joven en las Islas Canarias. El pasado año, 2019, estrenaba su ultima película, Varados. 

Pero volvamos al principio. A finales del año 1999, catorce años después del asesinato de Yoyes, la directora Helena Taberna compuso una valiente película rodaba de la mano en la producción de Enrique Cerezo, Antoine de Clermont-Tonnerre y Yousaf Bokhari y, contando con el apoyo de la , C.I.P.I Cinematográfica, S.L, de MACT Productions y Marvel Movies está película sobre Yoyes. También obtuvo una subvención del fondo Eurimages del Consejo de Europa de 40 millones de pesetas. Fue producida con dinero español (70% del total), francés (20%) e italiano (10%). La misma nacía de un guion escrito por Helena Taberna y Andrés Martorell. 

En lo técnico tiraba de la música de Ángel Illarramendi, de la fotografía de Federico Ribes, el sonido de Adrien Nataff, el maquillaje de Gregorio Ros, el montaje de Rori Sainz de Rozas y el vestuario de Josune Lasa. 

En el elenco destaca con luz propia Ana Torrent en el papel de Yoyes, así como Ernesto Alterio como Joxean, el marido de Yoyes. Junto a ellos aparece Florence Pernel como Helene, Ramón Langa como Koldo , Iñaki Aierra como Argi, Isabel Ordaz como Ana, Juan Jesús Valverde como el Ministro del Interior, Laura Ballesta como Zuriñe, hija de Yoyes, Ruth Núñez como Bego, Martxelo Rubio como Kizkur, Gonzalo Gonzalo como Zaldu y Asier Hernández como Kaska. Igualmente en papeles menores aparecen Kike Díaz de Rada, Manuel Morón como Pedro, Mikel Albisu, Arantxa Iglesias, Isabel Ordaz.

La historia comienza con Yoyes (Ana Torrent) al regreso de su exilio voluntario en México marcha a París e intenta rehacer su vida fuera de ETA y dedicarse al cuidado de su pequeña hija Zuriñe (Laura Ballesta), siempre acompañada del temor a las represalias contra su persona. 

La película recorre su vida desde su ingreso en la organización en su localidad natal, Ordizia, tras años de años de militancia dedicándose a la "propaganda subversiva" - en términos de la época- y el cambio de sus ideas durante su estancia en Francia, se incide en su desacuerdo con el ataque a objetivos civiles hasta que decide abandonar ETA.

Vemos como escapa milagrosamente antes de una redada y es llevada en barco pesquero, en un arrantzale, hasta un puerto no identificado del Paías Vasco francés, posiblemente Biarritz. Allí es recibida con un Kaixo/ Egun on por Argi (Iñaki Aierra), el intelectual de la organización que le dice que ha oído hablar muy bien de ella y de su formación intelectual. Ella reconoce que no habla euskera, pero que está dispuesta a todo.

Posteriormente la vemos ya en un piso franco de la organización donde vive con otra chica y con un chico. Sin embargo, de vez en cuando reciben visitas de otros "liberados" algunos de ellos piensan que podrían estar allí las mujeres para servir a los hombres. Ella demuestra que eso no es así , parando los pies a un machista Kizkur (Martxelo Rubio).

Luego vemos a Yoyes trabajando en un librería junto a un chica francesa, Helène (Florence Pernel). Ella se muestra seria y formal en su formación intelectual y convencida que actúa en defensa de la libertad de su pueblo y contra la dictadura. Ella le dice a la vasca francesa que “Yo soy lo que quiero ser y estoy aquí porque lo he elegido y esa es la libertad, elegir. “

Tras eso vemos como Argi explica que el fin de la organización es doble: conseguir ser reconocido el País Vasco como un Estado y, por otro, llevar a cabo en el mismo una revolución "sozialista". Pero, por ahora, el tope es Franco. Sin embargo, el dictador muere siendo celebrada con alegría por los "refugiados" vascos de Iparralde.

Ese mismo día, mientras cantan un "txori-txori" llega al bar un donostiarra, ajeno a la organización, se trata de Joxean (Ernesto Alterio) y prácticamente, al instante, se produce un flechazo entre una y otro. Con él inicia una historia de amor y encuentros. Pero él, con formación en Filosofía (Salamanca y la Sorbonne), tiene que volver a España a ejercer su profesión.

Mientras ella sigue ganando peso en la organización. Dispara bien , pero piensa mejor. Es militante en el feminismo y no consiente ser discriminada por su género. Precisamente, cuando Argi le va a proponer un puesto junto a él en la organización, muere delante de sus ojos cuando es asesinado mediante un coche bomba por el Batallón Vasco Español, que actúa al otro lado de la frontera con bastante impunidad.

Tras eso entra de lleno junto con Koldo (Ramón Langa) en la dirección del organigrama de ETA. Se apuesta por la acción armada iniciándose en la ola de asesinatos que se trasladan del País Vasco a Madrid. Se produce la extensión del horror. Caen altos militares, pero en algunos de ellos mueren civiles. Cuando estas víctimas civiles se producen Yoyes pide que se haga un escrito público pidiendo perdón por el atentado y sus compañeros no quieren. “Ocho víctimas inocentes y ni un objetivo cumplido; una chapuza” a lo que sus compañeros contestan “en todas las guerras hay daños colaterales”

Esto lleva a la crítica que es asumida por ella como un fracaso ante tanto chapuza y a pensar que los objetivos del terror por el terror no son los suyos. Además su relación intermitente con Joxean le permiten evolucionar y le van alejando de la "causa", una que le obligó a dejar su hogar para poder ser libre, ser feliz, pero que se da cuenta que el único lugar donde puede ser completamente feliz es en su tierra.

En 1979, es el momento en el que Yoyes, tras hablar encapuchada para la BBC y exponer la necesidad de ETA de seguir con la lucha tras la muerte de Franco, decide abandonar la organización y exiliarse a México.

Mientras viven su idilio en París, su nido de amor, ella queda embarazada. Tras esto decide marcharse y exiliarse en México. Allí da a luz a Zuriñe, consigue una licenciatura en Sociología y entra a trabajar para la ONU.

Tras este periplo decide reencontrarse con su marido en París. Pero, aparte de entrar y estar de incógnito, al margen de la organización, desea formarse como persona y profesional. En la Sorbonne le reconocen el título obtenido en México, pero necesita una Beca y al ser ciudadana española, tiene que solicitarla en España. Ese quiero y no puedo le angustia.

Joxean le propone volver a España e instalarse en Donosti. Pero ella lo mismo que anhela volver a casa, también teme por la reacción de la organización. Mientras tanto, en España la violencia sigue siendo la principal noticia de las portadas de los periódicos.

Yoyes intenta olvidar y ser olvidada, pero sus años de exilio la han convertido en un mito. Tras separarse de su hija que va a España con Joxean con el fin de instalarse allí y conocer a su familia y aprender el euskera de su "ama" - algo que ella no pudo aprender, como diría mi abuela, "eran otros tiempos"- ella se siente sola en Francia.

Un día tras hablar con su marido que le dice que hablará con su amigo Pedro (Manuel Morón) sobre en qué situación jurídica se encuentra Yoyes. Tras entrevistarse con el Ministro de Interior (Juan Jesús Valverde) - o un alto cargo de interior- éste le dice que se puede acoger, como todos los que tenían causas abiertas de ETA durante el franquismo a la amnistía de 1977. Por lo tanto, puede volver sin problema, y sin tener que acogerse a las medidas de reinserción con disculpas públicas.

La idea, no le parece mal, pero ahora queda por pasar por el segundo filtro: la organización. Por medio de Helène y de su hermana se entera como Kizkur ha decidido entregarse a la policía francesa y al no tener causas abiertas ha regresado y recibido a su casa , siendo recibido con un aurresku. Tras gestionar Helène, Yoyes consigue una entrevista con Koldo.

La entrevista tiene lugar en la playa , al margen de la dirección más preocupada ahora por la presión de los GAL que atenta por todo el País Vasco Francés, y en ella le dice a Koldo " Mi militancia es un periodo zanjado, fueron siete años, los mejores de mi juventud y los entregué a la organización, se acabó, caput". Éste la entiende y le pone una condición: que no haga un anuncio público de su salida. Ante esa opción Yoyes decide volver.

Cruza la frontera con Joxean en noviembre de 1985, y de inmediato, se reencuentra con sus padres y hermanos. Durante la comida se percibe que el regreso no será fácil. Incluso uno de sus hermanos considera que ha traicionado a la organización. Yoyes, de cualquier manera se instala en Madrid. Allí cree pasar desapercibida.

Pero el gobierno español intenta aprovechar el efecto propagandístico de su reinserción facilitando a un periodista un dossier sobre ella y se vuelva a España; y, por otro lado, tras difundirse en prensa su retorno la de sus antiguos compañeros de ETA que no quieren que cunda el ejemplo de su abandono de la lucha armada.

Casi de inmediato recibe una llamada telefónica anónima: " A partir de ahora eres objetivo prioritario. -¿Quién eres? -¡Gora ETA militarra!". Además de vivir un desagradable incidente en la escalera de su casa cuando la mujer de una víctima la espera y le echa en cara lo que hizo con su marido.

Finalmente, la presión del GAL, la detención de su protector Koldo, y la llegada a la cima de la organización de los más violentos, lleva a la organización ha decidir que Yoyes ha de morir. Aprovechando la Feria de la localidad el 10 de septiembre de 1986, en uno de los crímenes más crueles de ETA, María Dolores González Catarain, es seguida hasta ese espacio festivo donde le pegan un tiro delante de su hija durante las fiestas de su pueblo.

Así muere Yoyes, la primera mujer que ocupó puestos de responsabilidad dentro de ETA. La película acaba con una reflexión de ella sobre el otoño, los colores y las hojas muertas.

La película se rodó en diferentes localizaciones del País Vasco durante una parte de los 15 meses de tregua de la banda terrorista ETA, entre 1998 y 1999, eso sí, se evitó rodar en Ordizia, el pueblo de Yoyes. Se rodó, rodeada de un gran secretismo, en París, San Sebastián, Madrid y en localizaciones del País Vasco y el sur de Francia.

Helena Taberna declaró en el momento del estreno "Yo cuando pienso en contar en cine la vida de Yoyes me parece que tiene todos los elementos narrativos clásicos de tragedia y además tiene los elementos contemporáneos de que la protagonista es mujer, que es una luchadora por la libertad y que paga un precio terrible por ella". Y en una entrevista en El País en el momento de su estreno " "Yoyes reivindica esas historias que quedan por descubrir y que muchas veces por autocensura no se atreven los productores españoles a hacer", aclaraba su directora y guionista. "Mi película tiene cine dentro, y sé que envejecerá bien; pero soy una mujer comprometida con mi tiempo y creo que la única forma de que sanen las heridas es sacando el dolor a la luz para que cicatrice".

La directora declaró en  Historia de nuestro cine, veinte años después que "Quise unir de alguna forma mis pasiones, sobre el personaje femenino fuerte, el tener una historia muy poderosa a la hora de ser contada, el buen cine es el que cuentas en una línea, y sabes que hay una historia detrás. La historia de Yoyes es una historia trágica, que tenía fuerza desde ese punto de vista y tuvo una repercusión que me llenó de gozo, que se ha mantenido en el tiempo bien y que me llena de satisfacción de que la película tenga una permanencia en el espacio y el tiempo porque al ser cine histórico la verdad es que la obligación es mayor".

En ese mismo programa, Helena Taberna entendía que la función en Yoyes es "reflexionar sobre nuestro pasado reciente para poder extraer lecciones contemporáneas. No tanto legitimar, intervenir, sino intentar no repetir los errores del pasado. Por eso es tan interesante una propuesta como la de Yoyes porque no puedes juzgar a Yoyes y lo que haces es juzgarte a tí mismo, y juzgar los tópicos que arrastra".

Añadió igualmente que " cuando estás construyendo el guión en la historia, la preocupación por la verdad que no tiene que ser con exactitud de datos. Yo recuerdo que incluso utilicé un hecho un poco transgresor, que puse que la hija de Yoyes era niña, en lugar de niño, para evitar esa mirada rigurosa, porque el cineasta tiene que tener rigor histórico, tiene que tener una buena base documental, cuidado en todos los aspectos, que determinan una época, pero tiene que tener libertad para dar su mirada sobre ese hecho y no tener la responsabilidad de contar la historia que eso les viene a otros ... "

La directora comentó que ella aposto en Yoyes por mostrar su lado más humano y menos en su militancia. dado que le "interesan los personajes sobre todo y me preocupa el hecho de libertad individual y la pertenencia al grupo, como concitar esos dos hechos que me parecen esenciales, por lo menos en mi manera de entender el mundo. En esta película estaban estos dos elementos y desde luego para contarlos la mejor manera una dramaturgia cinematográfica que elegir un personaje de entidad, hacerle un seguimiento para poder entender qué le movió primero a entrar en eta, qué le movió a salir y qué pasa con sus compañeros y cómo termina en esa muerte trágica.

Sobre el estreno de la película, entre otras localidades en Málaga, en el Teatro Cervantes merced a una invitación del Festival de Cine de Málaga , hace 20 años, declaró la directora que "Tengo un recuerdo vago, recuerdo que hubo muchas colas, para ver la película, es un personaje que está en la psique del País Vasco, fue líder de ETA y luego termina siendo víctima es complejo y la película transmite después de haberla visto cuando ha pasado mucho tiempo, trasmite honestidad. La persona que está detrás está intentando profundizar en el personaje, en sus contradicciones, en sus coherencias, porque no se trata tanto de de una historia de un arrepentimiento sino de un desencanto y yo creo que eso es muy interesante. Universaliza la historia, porque muchos humanos están en esa tesitura, estamos en muchos momentos de nuestra vida".

Sobre el hecho de no estar rodada en euskera la directora señaló que no se lo he planteado, de hecho hay una mención del personaje, le preguntan: ¿sabes euskera? No. No tienes de qué avergonzarte. Además "no hubiera sido fiel a la verdad tampoco. Porque ella no sabía euskera. Fue arriesgado apostar por esta historia, fue complicado sacarla adelante pero además es que se atreve a hablar con mucha libertad de muchos temas, eso es muy interesante. A mí me parece muy interesante hablar de ETA porque ETA en el cine español siempre ha servido para criminalizar o para poetizar la figura del terrorista. Y aquí, ni lo uno, ni lo otro".

La película se estrenó en marzo de 2000 - aunque ETA había vuelto atentar en enero de ese año-  consiguiendo una importante recaudación en taquilla. Columbia Pictures se encargó de la distribución en España con 100 copias e Intrafilms, de Italia, de las ventas internacionales. La película obtuvo una excelente acogida de crítica y público. Llegó a recaudar 127'8 millones de pesetas.

Fue la película española del año 2000 más premiada internacionalmente junto con El Bola y una de las más taquilleras del año. Consiguió muchos premios.

En España consiguió un par de premios. En la XVII Semana del cine vasco se llevó el Premio del público a la mejor película vasca del 2000 y en la XIII Muestra internacional de Cine y Mujer de Pamplona se llevó el Premio a la mejor película.

En Europa destaca el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary fue nominada al Globo de Cristal. En el VI Festival de Cinespaña de Toulouse se llevó el Premio del público a la mejor película y una mención especial del jurado de estudiantes.

Pero fue en América Latina donde la película fue más premiada y valorada. En el Festival internacional de cine de Mazatlán (México) se llevó en Gran Premio del jurado a la mejor película. Pero sobre todo fue en América Latina donde cosechó más premios.

En el XII Festival de Viña del Mar (Chile) se llevó tres premios: el Premio del jurado a la mejor dirección, el Premio del público a la mejor película y el Premio OCIC a los derechos humanos.

En el XXIX Festival del Gramado (Brasil) llevó un premio y una nominación . El Premio fue a la mejor película latina (jurado popular) , mientras que la nominación se centro en el Kikito de oro.

En el XLI Festival Internacional Cartagena de Indias (Colombia) ganó el Premio a la Mejor ópera prima , siendo nominada a la Mejor película.

En el Festival de cine de Santo Domingo (República Dominicana) ganó el Premio del público a la mejor película.

En el XII Festival internacional de San Juan de Puerto Rico (Cinemafest) se llevó dos: el Premio del público y el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Puerto Rico.

En cuanto a la crítica señalar que, en general, fue bien valorada. Hay que hablar de un tono general elogioso, algo que dice mucho de un trabajo tan arriesgado en su temática y más teniendo en cuenta el momento político tan desafortunado en que Yoyes llega al público, pues coincidiendo con el estreno en salas ETA volvía a matar.

Javier Ocaña en Historia de nuestro cine de televisión española señaló que "Yo creo que "Yoyes" es una película que contiene varias películas y eso es muy bueno, a la medida de una historia complejísima en lo moral y en lo político y apasionante en lo dramático. En primer lugar, hay una película sobre una terrorista sobre una mujer que tuvo puestos de mando. En segundo lugar hay una película sobre una mujer de una gran dignidad y con unas ideas muy claras a lo largo de las distintas etapas de su vida y con unas convicciones feministas muy fuertes dentro de una banda fundamentalmente machista. Y luego, en tercer lugar, es una película sobre la historia de una banda terrorista que es ETA que comenzó matando en dictadura y que continuó matando en democracia que no tenía piedad de ejecutar incluso a los suyos, que no admitía reinserciones y que por ejemplo, en el año 2000, que es el año en que se estrena "Yoyes" asesinó a 23 personas entre ellas Ernest Lluch. La protagonista de la historia es Yoyes, una mujer, y también la directora de la película es una mujer, Helena Taberna, y se da la circunstancia de que era una debutante, es su primer largometraje. Lo que es aún más meritorio... Película arriesgada. Debutar con esa valentía y con un personaje y una historia tan compleja, además en un tiempo aún muy sangriento. Y además en la película se introducen sucesos relevantes en aquella época, dentro del mundo de la política en nuestro país. Eso es, está, por ejemplo, el atentado en la cafetería Rolando de Madrid un atentado fundamental en el seno de la banda porque creó mucha polémica, en el que murieron 11 personas y que llevó a la separación, a la división entre los milis y los polimilis, entre ETA político-militar y ETA militar.

Javier Ocaña igualmente destaca en la película el trabajo de "Ana Torrent, auténtica protagonista de esta historia y ella dijo en su momento que había sido el personaje más complejo de interpretar, está fantástica. Está fenomenal. Está con una fuerza dramática y con una variedad de registros importantísima y una histórica de nuestro cine desde niña, desde sus papeles en "El espíritu de la colmena" y en "Cría cuervos", y cuatro años después solo de otro papel fundamental en su carrera que es el de "Tesis" de Alejandro Amenábar y junto a ella, como su marido, Ernesto Alterio que además él es hijo de exiliados argentinos y cuando se desarrolló la película él dijo que era un papel que le había tocado por dentro, evidentemente, por ese pasado".

Por su parte,  Miguel Ángel Palomo en El País escribió sobre ella que era un "Acercamiento biográfico al personaje de la banda terrorista ETA, narrada con pulso firme (...) excelente interpretación de Ana Torrent". También en este diario Héctor Márquez escribía "un valiente ejercicio fílmico sobre un pasado reciente lleno de heridas ".

En El Mundo se señala que es "El primer filme de la directora navarra Helena Taberna (''La buena nueva'') fue considerado por la crítica como arriesgado y valiente. En lugar de poner el acento en su antigua militancia política, Taberna subraya el aspecto humano de esta mujer, interpretada en la película por Ana Torrent (''El espíritu de la colmena''). Sin embargo, no la mitifica, simplemente pretende mostrar con su historia, las consecuencias de este tipo de conflictos, que no favorecen a nadie.Taberna filmó la película con toda discreción y aprovechando una tregua de ETA, por eso pudo desplazar el equipo de rodaje a los lugares reales donde sucedieron lo hechos."

Inma Garrido en Cinemanía califica la película de "Sincero y creíble thriller político cuyo desarrollo se sigue con expectación". En esta revista Taberna afirmó:“La película está centrada en el territorio emocional del personaje y si muestro a ETA , a la prensa; y a los GAL es porque son como el ruido de fondo de ese periodo histórico que afecta a mi protagonistas.”

Y en Fotogramas se hace una amplia valoración de la misma. Allí se escribe que es " La mirada desconfiada y dolorida de Ana Torrent, su actitud, sus movimientos, la sequedad con que aborda su personaje, presiden y dominan esta primera película de Helena Taberna sobre la vida y la muerte de María Dolores González Catarain, responsable política de ETA en los 70, asesinada por la organización cuando ella había optado por la privacidad y el silencio. Ana Torrent, definitivamente convertida en una gran actriz, se desquita así del olvido de la Academia de Cine cuando hace unos años premió todas las nominaciones de Tesis, otro título cargado sobre sus espaldas, salvo la de ella, y se coloca en lista de espera con muy alta puntuación para los Goya del próximo año. Helena Taberna ha buscado la forma de contar esta historia y ha optado con sabiduría por la interiorización. Yoyes se desarrolla en la cabeza y el corazón de una mujer que busca su lugar en el mundo, primero comprometiéndose en la lucha contra el franquismo, más tarde implicándose en una lucha armada cada vez menos comprensible y finalmente buscando en su propia individualidad, su marido, su hija (hijo en la realidad), sus estudios, su trabajo- un camino para despejar sus dudas, ya patentes en su etapa terrorista.La película se sigue sin pestañear, mantiene el interés y consigue la difícil identificación con tan singular personaje. Y ello se debe, una vez más, a Ana Torrent, pero también a la compleja estructura de un guión construido en flashbacks y elipsis dominados con acierto por la directora, y al muy brillante trabajo de puesta en escena en la que muestra un absoluto control sobre los distintos materiales narrativos y técnicos. Yoyes, que se beneficia igualmente de una música espléndida de Ángel Illarramendi, es una película desapacible como no podía ser menos, un film adulto que habla de cosas cercanas sin hacer aspavientos, con serenidad, sentido común y fuerza interior. Un ejemplo de cine bien anclado en la realidad y una muestra de la capacidad de ficcionar nuestro pasado todavía presente.Lo mejor: que es una película seria y adulta. Y Ana Torrent. Lo peor: las escenas con los jerarcas del Ministerio del Interior."

En el diario Gara " la crítica de Gara describía a un público que abandonaba la sala "silencioso y cabizbajo, a la vez que sin signos de haber tenido que sacar el pañuelo para secar alguna emocionada lágrima".Acto seguido hablaba de "fría acogida".

Por último, destacar en la película el elemento humano por encima del político. Lo más destacable en ella es su intento por reconducir su vida en el plano familiar y profesional, por lo tanto las dudas que siente estando en París o a su vuelta a España.

Esas dudas salen en muchos de sus escritos como destaca Iciar Cerezo Sagarduy en una entrada de blog recogida del reportaje de Baltasar Magro sobre Yoyes “No deje la organización solo por cansancio, sino porque había cosas en ella, posiciones de diverso tipo que no me gustaban, y el tiempo me ha dado la razón porque tengo la sensación que muchas de ellas se han exacerbado y en definitiva la han debilitado, llegando a la situación actual que a mí no solo me parece terrible, sino también desastrosa”

En un segundo - o incluso tercer plano - queda la idea de la simplificación de la historia de ETA, la transformación de los nombres para no identificarlos a sus correspondientes en la vida real -¿puede ser Koldo, Txomin Iturbe? ¿Fue Francisco Mujika “Pakito” el que ordenó la muerte de Yoyes y Antonio López “Kubati” quién la asesinó?- o en la idea de no ocultar lo que fue, el terrorismo de estado primero del Batallón Vasco Español, pero el más evidente de los GAL que, al fin y al cabo, acabaron con la vida de, al menos, 27 personas.

También hay una velada crítica al que fuese Gobierno de González y a la conexión entre intereses gubernamentales y periodísticos con conexión continuas e interesadas.

En lo técnico el uso adecuado del flashback para desarrollar una historia que abarca 13 años, desde su salida de Ordizia hasta su asesinato en la misma localidad- Y en cuanto a actores el buen trabajo de Ana Torrent que aquí asume el papel de la madre, la hija, la hermana y la mujer, bien respondido por Héctor Alterio, incluso por el encanto de Florence Pernel.

La actriz principal declaró a El País en una entrevista que "Es el personaje más difícil que he hecho nunca. No sólo porque era una mujer real, y eso implica menos libertad y más condicionantes, sino también porque era una mujer con muchos matices, militante, enamorada, madre" Y ñadió ""He descubierto a una persona muy comprometida, muy trabajadora y muy pensativa, que quería llegar a sus propias conclusiones sin ayuda de nadie, muy severa a veces" ".

La película destaca igualmente por el uso de textos reales de escritos de Yoyes y ETA. Un día después del crimen, ETA reivindicó el atentado para prevenir futuras deserciones. Habían matado a Yoyes por “abrir fisuras en los sectores más vulnerables del movimiento de liberación nacional”; por haberse traicionado a sí misma y al pueblo vasco; por colaborar “con los planes genocidas de las fuerzas de ocupación del Estado opresor español”.

Una película y una historia dedicado a la víctima más inocente de todas a Arkaitz, el hijo de Yoyes en la vida real, que puede resultar dolorosa, pero que hay que conocer.