Cobra Woman

La reina cobra , una película de las más representivas de la Reina que fue del Techicolor, la dominicana, el  "ciclón caribeño" como fue bautizada, María Montez. Una actriz que tuvo su momento de gloria con once años profesionales - desde 1940 a 1951- que dejaron títulos míticos en el  cine de aventuras y exotismo como Arabian Nights o Alí Baba y los 40 ladrones o esta Cobra Women, y que falleció por un problema cardiaco a los 39 años en París.

Gran parte de ellos eran productos para la Universal y para la necesidad escapista en un momento en que Estados Unidos estaba inmersa en plena guerra mundial. Aquí aparece acompañada del galán Jon Hall, habitual del género de aventuras orientales especialmente recordado por Huracán sobre la isla de John Ford, junto a otros representantes del cine de los 40 como Sabu, Lon Chaney Jr y la veterana actriz Mary Nash, la auténtica reina relegada por su nieta sacerdotisa, Mary Nash.

Todos ellos están dirigidos en la película por un Robert Siodmak que llevaba tres años en Hollywood tras su llegada en 1941 huyendo de su Alemania natal previo pasó por París. 

Siomak, uno de los directiores de trayectoria vital y profesonal muy azarosa que lo llevarán de un continente a otro dadas la incertidumbre económica tanto en los Estados Unidos, pues aunque nacido en Dresde su familia se instala en los Estados Unidos, pero empobrecía tras el crack del 29 termina en el país que lo vio nacer a él y a sus padres.

Comenzó en Alemania como guionista para la UFA. En 1929 descubrimos a Robert Siodmak dirigiendo junto con Edgar G. Ulmer Los hombres del domingo, su primera película; una película en cuyo guion colaboró Billy Wilder, su hermano Kurt Siodmak, el operador fue Schüfftan, ayudado por otro de los grandes directores clásicos de Hollywood, Fred Zinnemann.

Tras rodar hasta seis películas más, siente las limitavciones impuestas por las autoridades nazis, por lo que marcha a París, dando luego el salto a la Paramount en los Estados Unidos - en 1941- y para 1943 ya está en la Universal. Entre su llegada y su retorno a Europa , Siodmak se especialista en Cine negro. No obstante, también rueda películas alimenticias como lanzaderas de actrices de éxito y con salida al mercado como esta La reina de Cobra.

Este es el caso de Cobra Women que sigue el guion de Scott Darling y Gene Lewis basado en una historia de Scott Darling.

La película es una producción del director, guionista, productor y actor George Waggner, responsable como director y productor de la mítica The Wolf Man, una película de 1941 protagonizada por Claude Rains y Lon Chaney Jr. uno de los mayores éxitos de la Universal en los 40 junto con otros títulos como Frankenstein Meets the Wolf Man (1943) o El fantasma de la ópera (1943) contando además con Lon Chaney Jr con Bela Lugosi o el, citado Rains y rodadas algunas en Technicolor. El está detrás de algunas película de María Montez como White Savage (1943) como director.

Eran casi siempre productos para la Universal Pictures cargados de aparente ingenuidad o buscando ñla sorpresa de la acogida del público y que se convertirán en la seña de identidad de esta productora que pasó del terror de los años treinta combinado con melodramas memorables al lo que llamó Terenci Moix "el filón de Alá" algo que se mantiene hasta los años 50 con nuevas odaliscas como Maureen O´Hara, Arlende Dahl o Rhonda Fleming acompañados en esa década por Tony Curtis o Rock Hudson como vimos hace "Los hermanos barbarroja" o "La espada de Damasco".

En este caso la película que en algunos países se llamará "Hermana contra hermana" contará con la música exótica de Edward Ward y la vistosa fotografía de W. Howard Greene y George Robinson, así como el montaje de Charles Maynard.

En cuanto al elenco destaca la participación de Maria Montez como Tollea / Naja, Jon Hall como Ramu, Sabu como Kado, Edgar Barrier como Martok, Mary Nash como la reina, Lon Chaney, Jr. como Hava así como Lois Collier como Veeda, Samuel S. Hinds como el padre Paul y Moroni Olsen como MacDonald.

En vísperas de su boda, algo que es un acontecimiento en la isla de los Mares del Sur en la que viven una comunidad de hombres blancos y población local, descubrimos que la afortunada  es Tollea ( María Montez) la que se casará con Ramu (John Hall), un hombre valiente y que está decidido por todo para estar con ella.

El día de la boda se persona en la isla un hombre alto que se hace pasar por un músico ciego  de nombre Hava (Lon Chaney, Jr.  ) que se encuentra con uno de los amigos de la pareja, un joven local llamado Kado (Sabu) que intenta hablar con el hombre y sobreentiende que la llegada del músico es para tocar en la boda.

No obstante, cuando están próximos a la ceremonia que va a dirigir el Padre Paul ( Samuel S. Hinds) son informados que el señor alto ha raptado a la chica y que está ha sido conducida hasta una isla dominada, la isla Cobra,  por una malvada sacerdotisa que es su hermana gemela que aterroriza a los nativos con sangrientos rituales.

Sin embargo, la bella Tollea ha sido llevada y  secuestrada a la isla Cobra por la veterana reina de la misma (Mary Nash  ) que es su abuela.

Lógicamente, Ramu quiere ir a por la chica y lo quiere hacer de forma inmediata sin poner en peligro la vida de nadie. Por esa razón advierte al enojado Kado que no la persiga, pero Ramu zarpa hacia la isla prohibida. A pesar de lo que ha dicho en la barca está escondido el joven Kado que lo acompaña como polizón.

Nada más llegar a la isla una pantera ataca a Ramu, quien es salvado por un dardo de la  cerbatana de de Kado. Tras superar ese primer escollo continúan la búsqueda de Tollea por la isla.

Mientras tanto un cortejo de jóvenes mujeres acompaña a la gran sacerdotisa de la isla. El cortejo es visto por Ramu y en el mismo cree ver a Tollea.

Todavía no sabe que la suma sacerdotisa de la isla es Naja, su hermana gemela. Se lanza al lago sagrado en el que Naja se baña y la besa pensando que ha encontrado a su novia, pero Naja no le saca del error. Naja desde ese momento se ha enamorado de él.

Tras pedir que se retire, Ramu es detenido por los hombres de la sacerdotisa que se lo llevan preso. Mientras tanto Kado descubre en la isla al músico Hava, al que sigue sin saber que es el hombre que vela por la anciana reina, la persona que ha ordenado que Tollea sea devuelta a la fuerza a la Isla Cobra solo para que pueda desplazar a su hermana malvada.

Kado ahora se entera que Tollea y Naja son hermanas gemelas, por eso ambas tienen esa marca en la mano que representa la mordedura de una cobra y que de las gemelas las que primero vio la luz fe Tollea, por lo tanto es la legítima heredera del reino y que siendo niña fue arrojada a un barco extranjero cuando era niña para salvarla de la muerte, ya que su hermana gemela era la elegida por el ritual cobra.

También la abuela le cuenta que la cosa ha empeorado en la isla dada la influencia del principal sacerdote del culto a la Cobra, Martok ( Edgar Barrier), que influye enormemente sobre la gran sacerdotisa  Naja, ha empeorado dada la revitalización de la brutalidad del culto ya que han vuelto los sacrificios humanos o se ha apostado por la muerte de todo intruso en la isla para aplacar el fuego del volcán . La arbitrariedad y la injusticia se ha hecho ley en la isla Cobra.

Como era de esperar Kado es capturado y torturado por el brutal Martok, pero se niega a revelar el paradero de Ramu.

Al sospechar que la llegada de Ramu tiene que ver con el retorno de Tollea a la isla y su legítima aspiración al trono, Martok decide que la subida de Naja ha  de ser inmediata, ya que , por un lado, está previsto que él se case con ella, y segundo, ha de acabar tanto con Tollea como con la legítima Reina, ahora postergada por la nieta y por él.

Ante esto Martok procede a asesinar a la reina algo que hace con brutalidad clavándole un cuello, aunque eso no impidaque ella le hable de todas las desgraciadas que caeran sobre la isla.

Mientras tanto Ramu que ha conseguido liberarse de la prisión en la que lo tiene Mardok, como Kado se encuentran y ven el espectáculo de la condena de hombres y mujeres inocentes que serán llevados al fuego.

Tras la muerte de la Reina y la nueva detención de Ramu, que va a ser lanzado a un agujero para morir ensartado, la violencia recorre la isla. Especialmente, el volcán parece que va  a estallar de forma inmediata.

La única que permanece a salvo es Tollea que en un momento dado se encuentra frente a su hermana. Naja intenta matar a su hermana con una lanza, pero en su lugar tras un forcejeo la primera cae al vacío provocando su propia muerte. momento en el que el volcán ruge con toda fuerza.

Martok insiste en que Tollea, pensando que es Naja, realice el baile de la cobra, prohibido a todos los demás salvo a la auténtica sacerdotisa. Cuando ella se pone a danzar el volcán de la isla comienza a agitarse aún más y a entrar en erupción. Todo cesa cuando el gran Hava mata a Martok.

En principio, el reino queda en manos de Tollea, pero Ramu sabe que ha de regresar a su isla. No obstante, cuando Ramu está en el barco junto a Kado para retornar a casa, Tollea sale de su interior y le pide que se quede y la ayude a gobernar la Isla Cobra, ya que lo importante es que ambos permanezcan juntos , sea donde sea. Y con eso acaba la película.

La Universal anunció la película en junio de 1942 y se informño que la misma iba a estar protagonizada por Montez, Hall y Sabu, incluso antes de que comenzara el rodaje de Arabian Nights .
Lo cierto es que el productor tenía la intención de que a Arabian Nights siguese Cobra Women, pero  White Savage, uan película dirigida por el productior se adelantó . En este caso frente a la posibilidad de la dirección de George Waggner , el elegido era el recién llegado a la Universal, Robert Siodmak que contó en el guon con la mano de un joven escritor y con tiempo director, Richard Brooks.

La filmación tuvo lugar entre abril y mayo de 1943. Se rodó en el Jardín botánico de Los Angeles , el LA County Arboretum & Botanic Garden en Baldwin Avenue, Arcadia, y en los Universal Studios de Universal City.

Para el rodaje se contrataron a muchas mujeres que fueron vestidos con los trajes orientales que tanto triunfaban en este cine compuestos de falditas y top, todas arropando al "ciclón" del Caribe y "Reina del Technicolor"

Siodmak más tarde señaló que esta era una película "tonta pero divertida ... Montez no era una gran actriz, pero tenía una gran personalidad y creía completamente en sus roles: si interpretaba a una princesa, tenía que tratarla como tal durante todo el almuerzo pero si ella fuera una esclava, podría patearla de todos modos y ella no se opondría: era su método de actuación antes de su tiempo, podría decirse ".

La película se estrenó el 12 de mayo de 1944 en un momento del "boom" del Technicolory en el que el romanticismo era sustituido por la aventura, reflejo de lo que estaban viviendo los combatientes.

La película es ante todo una muestra de exotismo que tanto gustaba en ese momento así como de exuberancia en vestuario, decorados, y coreografías  en gran medida protagonizadas de forma espamódica por María Montez que simula el movimiento o el baile de una cobra.

El resultado es una delicia del cine kistch más auténtico. A esto se suma la presencia de Sabu o la de un chimpancé, amigo del anterior, que es capaz hasta de enhebrar una aguja.

En los inicios de los años cuarenta Montez era , junto con Abbott y Costello y Deanna Durbin, una de las atracciones de la Universal, un imán para las taquillas. Como resultado, no se escatimó en gastos para una producción que era la típica que encumbró a la dominicana en lo que se llamó "La fórmula de Maria Montez": un escenario exótico y ficticio, trajes coloridos (y ocasionalmente escandalosos), elaborados efectos especiales (incluidos pinturas mate y tomas de proceso) y conjuntos caros. También fue, como la mayoría de las películas de Montez, filmada en el entonces costoso proceso de Technicolor. Más de 75 años después de su lanzamiento, esta es la película más recordada de Montez, pero ahora es de dominio público.

Es una de las más típicas en la carrera de Montez durante su etapa con Universal Pictures y, aunque casi olvidada hoy por el gran público, es venerada como un clásico por su legendaria danza fálica de la serpiente.

Para Terenci Moix "La reina de Cobra" es un genial disparate demencial de ambiente polinesio" y uno "de los triunfos más apotósicos del Kitsch Universal, y al mismo tiempo la insólita aportación de dos cineastas de gran taento: el director Robert Siodmak y el futuro director Richard Brooks, que asume aquí la tarea de guionista. La personalidad de ambos cineastas hace pensar que estamos ante un ejemplo kitsch intencionado para la gloria de las dos Maria Montez por el precio de una. Es, en efecto, la dulce Tollea y al mismo tiempo su hermana Nadja, suma sacerdotisa del culto al dios Cobra y prodigio de maldades. La danza en honor al dios serpiente sólo es comparable a la de Yvonne de Carlo bailando el "Capicho español" de Rimsky - Korsakov en "Scherezade".

El mismo Moix describe que lo kistsch está repleto de "galas del Folies bergère para rituales sagrados frente a los dioses, torturas imaginativas, alhambras de cartón piedra que aspiran a parecer litografías románticas y que se quedan en tiras de cómics de domingos yanquis,... y como imprescindible concesión al erotismo, serrallos poblados por odaliscas con aspecto de ser nombrada Miss Malibú".

El director y escritor vanguardista  y californiano Kenneth Anger, interante de lo que se ha venido en llamar el QueerCore o Homocore, un movimiento cultural y social aparecido dentro del rock a mediados de los 80 y con relación al movimiento punk que rechaza las reglas y la cultura gay “establecida” y que propició un espacio de activismo y creación y de la que Bruce LaBruce y Kenneth Anger son sus embajadores en el mundo del cine y teatro y que tuvo una gran influencia con sus cortos para directores como John Waters , David Lynch o Martin Scorsese señaló que era "su película favorita" .

El crítico de cine Leonard Maltin la calificó como un "clásico del camp" por su gusto por lo excesivo, lo exótico, lo ostentoso y lo exagerado.

Es el momento del filón de la Orientalia, con sus edenes plastificados, una referencia entrañable e ineludible para los niños de los años cuarenta. Especialmente cuando llegan a España a mediados de los cuarenta, momento en que Maria Montez o su sustituta Yvonne de Carlo son las iniciadoras de las sexualidades precoces de la época.

Y , sin embargo, la película es una inspiración para Steven Spielberg y su "Indiana Jones en el Templo Maldito" u otros, pues algunos críticos condideran que el vestuario de la Princesa Amidala en La Amenaza Fantasma (1999) de George Lucas es de un clara inspiración en la película. En ese sentido es todo un guiño a la misma.

Historias de Filadelfia

Contaba Guillermo Cabrera Infante en su libro "Cine y Sardina" que tuvo la ocasión de conocer a George Culkor. La primera en 1970 en Hollywood. La segunda en Nueva York, diez años más tarde, cuando en 1980 rodaba una secuencia en esta ciudad, en concreto en el vestíbulo del Hotel Algoquin, en la que sería su última película, Ricas y Famosas. Decía el escritor cubano que George Cukor en persona eran tan modesto como molesto, que tenía un ingenio mordaz y quue era un hombre muy generoso.. Añadía que era judío , con extraña boca, corto pero nada perezoso y miope y femenino, pero que se podía ver "en su perfil prognato la voluntad de mandar de un director". 

Es raro , pero es la primera vez que por estas entradas aparece George Cukor, uno de los directores del Hollywood dorado. Amado y odio a la par. Reclamado por artistas y repudiado por actores. Señala el que fuera Premio Cervantes en su capítulo titulado "Cukor quiere decir azúcar" que el director neoyorkino nunca olvidó una humillación: la de ser despedido de la dirección en Lo que el viento se llevó por el que era el amo de Hollywood de la época, el todopoderoso David O´Selznick. 

Lo grave es que, como relata Cabrera Infante, es que Selznick quería a Cukor, Vivian Leight necesitaba a Cukor y hasta el judío húngaro Leslie Howard necesitaba a Cukor. Pero el problema en el rodaje vino de quien había acordado que Cukor fuese el director de la película, Clark Gable. Cuando el rodaje llevaba tres semanas el actor - y divo- descubrió que Cukor era homosexual. Pero Gable durante una toma , delante de todo el equipo, mandó parar la cámara para grtar: "¡No me voy dejar dirigir por un maricón! No soy el señuelo de un pato. ¡Quiero que me dirija un hombre de verdad!". La película la acabaría su compañero de parrandas, Victor Fleming. 

A partir de ese momento Cukor se volvió el espíritu de la discreción. Pero el mal ya estaba hecho. Algunas revistas de la época empezaron a afirmar que "Georgie era capaz de acariciar a varias mujeres con la cámara al mismo tiempo, pero no de hacerles el amor". Nunca más trabajaría con su antiguo amigo productor. Sería otro de los grandes, Louis B. Mayer, el que intentará silenciar algunos graves y complejos momentos en lo personal de este director que durante su larga vida (Nueva York, 1899- Hollywood, 1983) fue encarcelado por la prácticas que tanto irritaban a Gable. 

De cualquier manera desde que en 1932 se inicia en la dirección contó en sus películas con grandes actrices. Se le consideran un gran director de actrices. Una de las que más veces estuvo bajo su batuta de director fue Katherine Hepburn, que fue huésped perenne en su casa de Hollywood a pesar de que en momentos puntuales hubo sus más y sus menos. Independientemente fue el director elegido por la actriz para llevar al cine una exitosa obra de teatro que llevaba por título The Philadelphia Story , o sea, Historias de Filadelfia. 

Estaba basada en la obra teatral del mismo título escrita por Philip Barry (1896 - 1949) y publicada en 1939. La película contará con la producción de Joseph L. Mankiewicz para la productora ( y distribuidora en este caso) Metro-Goldwyn-Mayer que contó con un presupuesto de $914.000. La película contó con el guión de Donald Ogden Stewart, la música de Franz Waxman, la fotografía de Joseph Ruttenberg y el montaje de Frank Sullivan. 

En otros apartados técnicos destacan los decorados de Edwin B. Willis y el trabajo de Jack Dawn -maquillaje- y Sydney Guilaroff -peluquería-. 

El reparto lo encabeza Katharine Hepburn como Tracy Samantha Lord, Cary Grant como y James Stewart como Mike Connor. Junto a ellos aparecen Ruth Hussey como Liz Imbrie, John Howard como George Kittredge, Roland Young como tío Willie, John Halliday como Seth Lord, Mary Nash como Margaret Lord, la joven Virginia Weidler como Dinah Lord y Henry Daniell como Sidney Kidd. Igualmente participan en la misma Lionel Pape como Edward, un mayordomo, Rex Evans como Thomas, el mayordomo y David Clyde como Mac, el vigilante nocturno.  

Esta historia gira alrededor de una dama de la alta sociedad a punto de contraer matrimonio por segunda vez.

La protagonista es Tracy Lord ( Katharine Hepburn ) , la hija mayor de una rica familia de  la alta sociedad de Filadelfia. Vemos al principio la separación efectiva de ella de su marido, CK Dexter Haven ( Cary Grant ), diseñador  de yates y miembro de alta sociedad local, igual que ella, pero que acaban de romper. En una imagen -rodada bajo los cánones del cine mudo - vemos como él es expulsado de la casa por parte de ella. Lazando fuera de la mansión su maleta y su bolsa de palos de golf, de la que cae uno. Ella lo recoge y lo rompe delante de sus narices.  Y éste, irritado  se dirige a la puerta y cuando va a pegarle, cambia de opinión y le pone la mano en la cara  pero abriéndola no la empuja haciéndole caer al suelo. Finalmente, vemos como ella, aturdida, se levanta del suelo.

Tras eso descubrimos que han pasado dos años - estamos en 1939-  y volvemos a encontrar a Tracy Lord preparando su boda con un nuevo pretendiente. Se trata de George Kittredge (,John Howard), un nuevo rico con aspiraciones políticas.

Sabemos que Tracy se divorció de su marido hace ya dos años y descubrimos que la razón es que ella consideraba que C.K. no estaba a la altura de los estándares exigentes que ella establecía para todos sus amigos y familiares. Este desencuentro entre él y ella derivo por parte de CK en que , finalmente, buscara su refugio en la bebida. Cuando Tracy se lo recriminada él bebió  más hasta hasta romper definitivamente.

Ahora la mansión de los Lord se prepara para celebrar la segunda boda de Tracy Lord  con el rico George Kittredge . Descubrimos igualmente que la madre Margaret Lord (Mary Nash)  acaba de separarse de su padre un rico hombre de negocios , Seth Lord, (John Halliday) que tener una aventura con una bailarina,  - aunque se encuentra muy sola y está dispuesta a perdonarle- y a la pequeña hermana menor de Tracy, Dinah Lord ( la joven Virginia Weidler) que añora el encanto de  CK Dexter Haven  y que desea que vuelve a la casa con su hermana.

De cualquier manera v vemos algunos rasgos de Tracy. Es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Respeta a su prometido, George, pero no está apasionadamente de él, como saben tanto Dinah como el tío Willie (Roland Young), un hombre maduro y mujeriego empedernido al que descubrimos leyendo una revista de sociedad, Spy, revista que Tracy odia con toda su alma por meterse en vidas ajenas.

Tras ello descubrimos a una pareja de periodistas. Se trata de Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), que trabajan , muy a su pesar, para la revista Spy. Y que descubrimos que van a hablar con el editor de la revista Sidney Kidd (Henry Daniell) un hombre al que desprecian en lo personal y lo profesional. Pero , como dice, Elizabeth hay que comer todos los días, y ni una ni otro han conseguido triunfar en lo suyo. Ella es fotógrafo  y  Macauley es escritor  cuyo libro no ha sido muy exitoso.

En la reunión con su jefe,  éste le ordena que han de cubrir para la revista Spy, la boda de Tracy, Ellos son están muy por la labor, pero , al entrar en el despacho, otro de los que supuestamente está invitados, el primer marido de Tracy, C.K. Dexter Haven deciden ir a la boda que se celebrará en un par de días en la mansión señorial de Filadelfia (Pensilvania) de los Lord. Inicialmente piensa que la intención de CK es importunar tanto a Tracy como a George Kittredge (John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre que a diferencia de Dexter ha llegado a la cima escalando desde lo más bajo, pero la historia es más compleja y que le dominan unas ansias de venganza.

Dexter, confabulado con una revista sensacionalista del corazón -Spy-, argumenta que va a la boda por invitación del hermano de Tracy y que como no estará presente desea tener un reportaje sobre la misma desde el día antes de la boda, contando con el periodista y escitor , Macauley "Mike" Connor (James Stewart), y de una reportera gráfica, Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey) para inmortalizar el momento.

La llegada del trío es recibida con alegría por parte de Margaret y Dinah, aunque Tracy vuelve a mostrar su carácter ingobernable y obstinado mostrándose dura con Dexter, que no para de llemarle pelirroja, y muy distante con los reporteros Macaulay "Mike" Connor ( James Stewart ) y la fotógrafa Liz Imbrie ( Ruth Hussey ).

Dexter , al que todos creían por  América del Sur.  los presentará como amigos de del hermano de tracy y Dinah, Junius , un diplomático estadounidense en Argentina.

Tracy no se deja engañar, pero Dexter le comenta que harán el artículo sobre su boda para impedir que salga un artículo cargado de insinuaciones sobre el asunto de su padre Seth ( John Halliday ) con una bailarina.

Tracy se encuentra profundamente molesta con la infidelidad de su padre, lo que ha provocado que su madre haya echado de casa y ahora, muy a pesar de Margaret, viven separados. Para proteger la reputación de su familia, ella acepta dejar que Mike y Liz se queden.

Dexter es recibido de nuevo con los brazos abiertos por la madre de Tracy Margaret ( Mary Nash ) y la hermana adolescente Dinah ( Virginia Weidler ), para su molestia.

Además, poco a poco descubre que Mike tiene cualidades admirables, e incluso se toma la molestia de encontrar su libro de cuentos en la biblioteca pública en la que tanto ella como Mike se encuentran cuando el escritor y periodista va a buscar información sobre la familia.

Tras descubrir la sensibilidad de Mike deciden salir juntos dando un paseo hasta la mansión por unos jardines, invitándole luego a bañarse, momento en que llegan tanto George como Dexter, cuusando tensión entre ambos.

Esa misma tarde noche tendrá lugar una fiesta a la que son invitados los periodistas . También para la misma se persona el padre de Tracy, que busca el perdón de su esposa, con la que desmontan la idea inicial que era la de presentar a tío Willie como el padre de los Lord.

Tracy ahora se encuentra desgarrada entre George, Dexter y Mike. Durante la  fiesta beben champagne en gran cantidad especialmente Tracy- que se emborracha sólo por segunda vez en su vida  - y Mike. Lo que le lleva a estar chispeante junto al periodista y éste con ella. Tras bailar un rato juntos Mike, ya ebrio, decide ir a ver a Dexter, al que le dice que él sabe que aún está enamorado de Tracy. Tras esto habla de que en el fondo no quiere hacer el reportaje , sino revelar el carácter miserable de su editor , que en el fondo se dedica a amenazar a todos, comentándole algunos secretos que él sabe de su vida personal y profesional. Dexter , al escucharlo, lo copia para enviarlos en una carta y evitar así que los periodstas hagan un trabajo que no quieren y ,a demás, evitar la publicación sobre el padre de ella.

Poco después se personan en coche tanto Liz - que está silenciosamente enamorada de Mike- como Tracy, que ha bebido.

Tras quedarse Liz trabajando con Dexter, Tracy y Mike van a la mansión. Ella sintiéndose atraída por el escritor le pide bañarse juntos a la luz de la luna, cosa que hacen.

Al rato llega Dexter que descubre el breve romance que ha habido entre Tracy y Mike, pero también George que se indigna ante lo ocurrido. Al rato Mike acompaña a Tracy a la habitación, pero él sale rápidamente.

A la mañana siguiente, Tracy siente muchas dudas en esta inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un ex-marido que la irrita por su forma de ser . George al llegar le que se siente con derecho a una explicación antes de seguir adelante con la boda. Ella se resiste debido a su falta de fe en ella y rompe el compromiso.

Entonces se da cuenta de que todos los invitados han llegado y están esperando la ceremonia para comenzar. Mike se presenta como voluntario para casarse con ella lo que genera  la angustia de Liz, pero Tracy declina. También se da cuenta, por primera vez, de que no es perfecta y no debe condenar constantemente a otros por sus debilidades. En este punto, Dexter se ofrece a casarse con ella de nuevo, y ella acepta, acabando así  una modélica comedia romántica. 

La película plantea un análisis sobre los convencionalismos e hipocresía de la clase burguesa norteamericana en los años 40, salpicado con toda clase de enredos. Lo hace en un tono  humorístico entre los tres personajes principales.  Pero en realidad, el problema al que se enfrenta Tracy es otro: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano -como ella dice al final-, o seguir igual.

El proceso de reflexión y decisión es complejo por la falta de tiempo, los prejuicios y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres.

Se sabe que el dramaturgo Philip Barry quería traer a la actriz de vuelta a los escenario después de haber recibido críticas desastrosas para la obra "The Lake" en Broadway. A finales de los años treinta la actriz había encadenado varios fracasos, hasta el punto de que Harry Brandt , el dueño de la sala de cine de Manhattan, decidió confeccionar una lista en 1938 en la que compiló de actores considerados "venenos de taquilla" y que la catalogó a la actriz públicamente como “veneno para la taquilla”. Katharine no se acobardó  y abandonó Hollywood.

En 1939, Philip Barry Jr escribe especialmente para Katharine Hepburn el texto de Historias de Filadelfia, obra que la actriz representará con gran éxito en el   Shubert Theatre el 28 de marzo de 1939 junto a Joseph Cotten (en el papel de C.K. Dexter) y Van Heflin (como Macauley Connor) y Anne Baxter interpretó a la hermana menor. La obra tuvo una duración de 415 actuaciones, con casi 1 millón de dólares en taquilla. Luego la obra tuvo otras 250 actuaciones y un adicional de $ 750,000 en ventas  de taquilla. La producción original de Broadway de "The Philadelphia Story"  dejó de estar en cartelera el 30 de marzo de 1940 ya como protagonista a Katharine Hepburn , Shirley Booth , Joseph Cotten y Hayden Rorke .

Durante un año llenó cada noche el teatro de Broadway en el que representaba Historias de Filadelfia, una función hecha para su lucimiento. Katharine ocultó que ella fuera la productora y la dueña de los derechos y esperó a que los magnates de Hollywood hicieran cola ante su puerta.

Sólo a un año más tarde llegará al cine después de que la misma Hepburn cediera los derechos de una obra de teatro que aún estaba en fase de escritura (que previamente le había regalado el magnate Howard Hughes, su amante por aquel entonces,   que fue quien los compró y se los regaló) a Louis B. Mayer, a condición de poder elegir al director y a los actores principales que habrían de acompañarla en la pantalla. Lo cierto es que  Samuel Goldwyn en la Paramount le ofreció a hacer la película pero con William Wyler dirigiendo y Gary Cooper como Mike Connors, mientras que  Jack L. Warner en la Warner Bros. le ofreció   hacer la película con Errol Flynn como CK Dexter Haven.

Al final quien se llevó el gato al agua fue el todopoderoso Louis B. Mayer en una negociación en la que Kathy trató de exigir condiciones.

Solicitó que su buen amigo George Cukor fuera el director. Mayer le ofreció entonces a James Stewart y 150.000 dólares extras para gastarlos en cualquier otro actor. El elegido fue Cary Grant, que trabajó solo tres semanas y que donó su sueldo a una asociación benéfica.

George Cukor declaró que “Cuando la Metro Goldwyn Mayer compró los derechos de Historias de Filadelfia grabaron una de las funciones con la idea de descubrir dónde se producían las risas. Cuando la película estuvo terminada la comparamos con esa grabación y descubrimos que las risas se producían en otros momentos. En el teatro toda la comedia descansaba sobre la agudeza de Phil Barry, pero en el cine una gran parte era visual, se trataba de gestos, reacciones y cosas así. Por eso me gusta dejar que la comedia suceda en la pantalla”

Fortalecida por el atronador éxito en Broadway, Hepburn, una mítica actriz que para aquel entonces era considerada "veneno para la taquilla", ya con los  derechos en su poder decidió llevarla al cine.

La Hepburn puso todo su empeño en llevar la adaptación a buen puerto para ello buscó como productor a Joseph L. Mankiewicz  y George Cukor como director eran apuestas seguras hacia el éxito y la calidad. En la primera escena de Katharine Hepburn en la película, ella aparece en un elegante traje de pantalón diseñado para ella por Adrian . El jefe de la MGM, Louis B. Mayer, que la compró solamente $ 250.000 a cambio de que Hepburn tenga veto sobre el productor, director, guionista y reparto, eso sí se opuso, pero finalmente tuvo que ser convencido por el productor de que dejara el traje. Hepburn impuso al guionista Donald Ogden Stewart , un amigo de Barry y un especialista en la adaptación de obras de teatro a la gran pantalla.

La actriz quiso imponer a Clark Gable y Spencer Tracy en los papeles , pero visto lo ocurrido el año anterior con Cukor y Gable, optó por la pareja masculina formada por Cary Grant y James Stewart, ta que , a su vez, Spencer Tracy   estaba comprometido con 'El increíble caso del doctor Jekyll' ('Dr. Jekyll and Mr. Hyde', Michael Curtiz, 1941), Así que no dudó en reunirse de nuevo con Cary Grant (con quien un par de años atrás obtuvo un sonoro fracaso de taquilla con la por otro lado magnífica La fiera de mi niña, de Howard Hawks) para ofrecer, junto a James Stewart y bajo la dirección de George Cukor, uno de los títulos esenciales del screwball. Como en toda "screwball comedy" el final, y como comedia romántica sofisticada, termina con una Tracy dispuesta a cambiar y donde la historia pone a cada uno de los personajes en su sitio.

La historia de Tracy Lord  está inspirada en una dama de alta sociedad llamada Helen Hope Montgomery Scott de Filadelfia, famosa por organizar  unas fiestas espectaculares en su finca de 800 acres  en Radnor, Pennsylvania. El estudio supuestamente tenía la intención de rodar la película en Ardrossan (el nombre   de la finca), pero decidió en contra de ella después de ver el tamaño y la escala de la casa principal y la extensión de la finca. Según los informes, los productores pensaron que nadie creería que alguien pudiera vivir así, particularmente en Estados Unidos en los años cuarenta. Finalmente, la película fue rodada en los Estudios de la Metro-Goldwyn-Mayer en el 10202 W. Washington Boulevard en Culver City, California.

La película fue filmada entre seis y ocho semanas, es decir, más o menos desde el 5 de julio al 14 de agosto de 1940, cinco días por debajo del calendario programado. y no requirió reanudaciones. Durante la escena donde a James Stewart le entra hipo cuando está borracho, se puede ver Cary Grant mirando hacia abajo y sonriendo. Puesto que el hipo no estaba programado, Grant estaba a punto de romper a reir y tuvo que centrarse rápidamente. Stewart pensó en hacer el hipo en la escena en la que está borracho, sin decirle a Grant. Cuando empezó a hipo, Grant se volvió hacia Stewart diciendo: "Disculpe". La escena requería sólo una toma.

Cary Grant llama a lo largo de la película  a Katharine Hepburn pelirroja pues ese era su color natural del pelo.   Por cierto, Katharine Hepburn renunció a su salario por el 45% de los beneficios .

Por su parte, Cary Grant exigió una facturación superior y un salario de $ 100,000 - una cantidad enorme en ese momento. Sin embargo, resultó que donó toda su ganancia al British War Relief Fund. A Cary Grant se le dio la elección de cuál de los dos papeles principales masculinos quería jugar. Sorprendentemente, eligió la parte menos vistosa.

James Stewart recibirá al final el Oscar al mejor actor, pero realmente nunca sintió que se merecía ese Oscar d por su actuación en esta película, ya  que inicialmente se había sentido mal. Siempre sostuvo que Henry Fonda debería haber ganado en lugar de Las uvas de la ira (1940), y que el premio era probablemente "pago diferido por mi trabajo en Caballero sin espada (1939)". De hecho, James Stewart no tenía planes de asistir a la ceremonia de los Oscar el año en que fue nominado para esta película. Justo antes de la ceremonia comenzó, recibió una llamada en casa "aconsejándole" que se pusiera una chaqueta  y asistiera a la ceremonia. Lo hizo y recibió el premio al mejor actor. El Oscar que recibió fue mostrado en la ventana de la ferretería de su padre localizada en Philadelphia Street en la localidad de Indiana, Pennsylvania.

James Stewart no estaba del todo cómodo con algunos de los diálogos, especialmente con la escena de la piscina, lo que también le obligaba a actuar con una bata. Él dijo en ese entonces que si tuviese que mostrarse en traje de la natación hubiese  sido el final de su carrera.

Se cuenta que antes de filmar la escena en la que Connor recita apasionadamente su poesía a Tracy, James Stewart estaba extremadamente nervioso y seguro de que actuaría mal. Al plató llegó Noël Coward - sí, el de la original The Italian Job-  de visita en el set ese día y, después de que le pidieran que le dijera algo para animar a Stewart de George Cukor , Coward le dijo algo a Stewart: "¿He mencionado que eres un actor fantástico?". Stewart poco después realizó la escena sin problemas y.

Cuando Tracy Lord menciona al poeta chino que se ahogó tratando de besar el reflejo de la luna en un río, se refiere a Li Po (también conocido como Li Bai) que, según la leyenda, se ahogó mientras se acercaba desde su barco para tomar el reflejo de la luna.

La película fue rehecha como un musical , retitulado High Society o Alta sociedad (1956) de Charles Walters protagonizada por Grace Kelly en el papel de Katharine Hepburn , Frank Sinatra en el papel de Mike (James Stewart) y Bing Crosby haciendo de Dexter ( Cary Grant ).

'Historias de Filadelfia' es una radiografía sin piedad de las relaciones amorosas llevada hasta sus últimas consecuencias y que podría enmarcarse fácilmente dentro de la screwball comedy sin llegar el frenetismo y la hilaridad de por ejemplo 'La fiera de mi niña' ('Bringing Up Baby', Howard Hawks, 1938) —uno de los pocos éxitos taquilleros de la actriz en aquellos años—, entre otras cosas porque los estilos de Hawks y Cukor son completamente distintos.

La trama y la subtrama -el lío escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación- son conducidas por el director con delicadeza, gracia e ingenio. La trama y subtrama están perfectamente dibujadas. Los diálogos son polifónicos, rapidísimos y brillantes, irónicos y llenos de sofisticación, gracias al extraordinario trabajo de J. L Mankiewicz. 

La historia parte de un magnífico guión. En su autobiografía, Donald Ogden Stewart escribió que la obra original era tan perfecta, adaptarla había sido  el trabajo más fácil que tenía que hacer en Hollywood. La obra en la que se sustenta el  film junto a las interpretaciones y la perfecta dirección de actores bajo la dirección de George Cukor, al que se suma la genialidad del equipo que  le permitió rodar la película en ocho semanas sin necesidad de repetir tomas.

Con una música excelente, una fotografía que sobresale por su magnífico dibujo y el manejo del color -claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.-, y una dirección que impone elegancia, sutileza y un fino sentido del humor.

Ciertamente, tal como explica Cukor, y sin obviar en ningún momento la eficacia del texto original, la versión fílmica de Historias de Filadelfia brilla sobre todo por el juego de gestos, reacciones y miradas entre sus tres protagonistas (sin lugar a dudas uno de los mejores castings de la historia de la comedia romántica  ).

La película te electriza desde el  prólogo con la escena de la ruptura entre C.K. Dexter (Cary Grant) y Tracy Lord (Katharine Hepburn) y culmina en la  secuencia nocturna entre Tracy y Macauley Connor (James Stewart) en la víspera de bodas de la protagonista  , pasando por momentos como la llegada de Dexter a la residencia de los Lord tres días antes de la boda (en el que se aprecia la inmediata complicidad del exmarido con la madre, Margaret - Mary Nash –, y hermana, Dinah - Virginia Weidler), en el encuentro de un Macauley borracho y con hipo con Dexter en la mansión  de éste  (adonde el periodista acude completamente borracho para averiguar si Dexter sigue enamorado de Tracy  ), o la doble declaración de matrimonio de los dos personajes masculinos a Tracy.

El primer tercio de la película es en la que el tono de comedia domina, tanto en el prólogo como en la   llegada de la pareja de periodistas a la residencia de los Lord con equívocos y simulaciones en la que Tracy l descubre de inmediato su misión y les sigue el juego a fin de evitar un escándalo relacionado con las correrías sentimentales de su padre, Seth Lord  o el momento en que se perona Dinah hablando en francés como se escucha en la versión original, que es la que he visto  y cuyo ridículo  snobismo es entendido por los periodistas con un “debe ser retrasada”,  como concluye Macaulay  o el episodio en que Tracy hace pasar a su despistado tio Willie - Roland Young - por el cabeza de familia.

A partir de este momento, el film se centra en el conflicto principal de la protagonista: su “intolerancia con la debilidad”, en palabras de Dexter (“como una estatua de bronce”, según sentencia su propio padre), que en realidad no es sino una coraza para protegerse frente a la vulnerabilidad de sus sentimientos , pero que él termina concluyendo que va por la vida como una diosa, alejada del resto de los mortales.

Después Dexter reactiva su amor por ella con la entrega de la maqueta del velero que Dexter regala a su exesposa como regalo de boda (el barco "True Love" o “amor verdadero”, en el que la pareja celebró su luna de miel, una embarcación “fácil de manejar, rápida al timón, veloz y ligera” y que, al final, le hace confiesar a su padre justo antes de celebrar su segundo matrimonio con Dexter que “¿Cómo me veo?”, “Como una diosa”, “¿Pues sabes cómo me siento? Como un ser humano”.

La película fue todo un éxito de taquilla, de crítica y de reconocimientos. Por ejemplo sus tres de sus actores fueron nominados a los Oscar por la película: Ruth Hussey, James Stewart -ganó el Óscar por esta interpretación- y obtuvo otro al mejor guión adaptado en la persona de  Donald Ogden Stewart - y Katharine Hepburn, de las seis nominaciones que tuvo (Mejor Película , Mejor director: George Cukor , Mejor actriz: Katharine Hepburn y Mejor actriz de reparto: Ruth Hussey),  quedando la película como  un clásico del cine.

La película está considerada por la  American Film Institute (AFI) integrante en el puesto 5 del Top 10 en la categoría "Comedia romántica". En 1995 fue seleccionada para la preservación en el registro nacional de la película de los Estados Unidos.

Tuvo una recaudación espectacular con unos $3.259.000  la película fue la quinta más popular en la taquilla de los EEUU en 1941.La película se estrenó en la ciudad de Nueva York en la semana del 27 de diciembre de 1940 y se mostró en ciertos cines durante el mes de diciembre, pero MGM había acordado mantener su lanzamiento general hasta enero de 1941 para no competir con la obra teatral, que si bien es cierto ya no estaba en Broadway, pero estaba de gira por el país. Su gran desarrollo fue a partir del 17 de enero de 1941.

El círculo de críticos - NYFCC - de Nueva York la premió a la  Mejor actriz (Hepburn)  que conceden los críticos de Nueva York.

En cuanto las críticas Bosley Crowther , entendía que la película "tiene casi todo lo que una comedia debe tener: un guión ingenioso y romántico ..., el sabor de la elegancia de la alta sociedad, y un espléndido elenco de artistas encabezados por Hepburn, Stewart y Grant. La MGM y George Cukor en estado de gracia. Pablo Kurt en filmaffinity habla de que "Pocos nombres cinematográficos despiertan tantas simpatías como cuando oyes "C.K. Dexter Haven", el personaje interpretado por un Cary Grant en estado de gracia en esta inmortal comedia, protagonizada por tres de las más gloriosas leyendas del cine americano. Una producción de Joseph L. Mankiewicz para la MGM llena de encanto, sonrisas e inteligencia. Imprescindible.

Fernando Morales dijo de ella en el diario El País que era "Un clásico irrepetible"

En Fotogramas se afirma que es una " espléndida comedia que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería, llegando a mejorar la obra teatral de Philip Barry con la que Katharine Hepburn había triunfado en Broadway. En pocas ocasiones se ha dado la conjunción de un reparto impecable, una puesta en escena elegante y un tono narrativo tan ácido como inteligente".

Alan Rickman , ya fallecido, lo nombró como una de sus películas románticas favoritas . Esta incluido entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Según aparece en un artículo publicado en El país se dice que es una  comedia chispeante, frívola y entretenida, pero al mismo tiempo crítica y burlona. Un guion en el que se combina la elegancia y la sofisticación con gags puramente físicos hechos a base de golpes y caídas, llena del ritmo cinematográfico al que le gustaba Cukor. Una comedia en la que nada sobra y nada falta y en la que todo dura lo que debe durar.

En sus memorias Katharine Hepburn recordaba el rodaje con una magnífica experiencia: “Se hizo todo en las condiciones más lujosas: estupendos interiores, música, etc. El guión de Don Stewart mantuvo el humor y la calidad delirantes de la obra. Como siempre en las películas de George nos divertimos mucho haciéndola”.

Por su parte, Katharine Hepburn, que también estaba nominada, se quedó a las puertas del premio, pero logró, si cabe, un premio aún mayor: volver por la puerta grande y consumar una venganza contra un Hollywood que le había dado la espalda.

Puede que por momento sea una película políticamente incorrecto ya sea con la escena inicial o con todas las intervenciones de un antológico Roland Young en el papel de tío Willie, un viejo verde , con un deseo sexual puro y duro, la infidelidad y los celos o una historia en el que corazón humano si no acepta que este puede ser débil, explicando con elegancia y coherencia, casi justificando, la infidelidad que aquel cometió hacia la madre de ella.

Historias de Filadelfia revela al mejor Cukor, aquel que poseía una mano exquisita para las mujeres, y a pesar de que todo el reparto está magnífico —la química entre Cary Grant y James Stewart es tan perfecta que uno se lamenta que estos dos actores no hayan coincidido más veces en una película— con un Katharine Hepburn,hermosa, radiante, viva, pasional y cerebral, y jugando con la imagen que el público tenía de ella y que tuvo la suerte de dar vida a personajes femeninos con fuerte personalidad y tan bien escritos.

En los últimos cinco minutos, frenéticos y de un romanticismo embriagador, el amor triunfa a través de la unión de los amantes. Es lo normal, es una historia de Filadelfia.