Cautivos del mal

Kirk Douglas falleció en febrero del pasado año a una edad centenaria. Eran 103 años de historia del cine que se iban para siempre como personas, nunca sus obras. Con él casi llegaba el fin de aquellos que brillaron en lo que se conoce como el Hollywood dorado. Cuando se hacía referencia a su vida, pero también a su obra, en todos los reportajes que vi, se repetían en esas quinielas las mismas obras: "Los vikingos", "Duelo de titanes" ·El ídolo de barro"... A los que se suman "Senderos de gloria", "Espartaco", "El día de los tramposos", "20.000 leguas de viaje submarino", "El gran carnaval" y, siempre aparecía en esas quinielas de las mejores películas del actor "Cautivos del mal". De todas ellas había una que no había visto que era precisamente esta última, Cautivos del mal, aunque su título original era The Bad and the Beautiful una obra que hablaba de los entresijos del mundo del cine en aquel Hollywood dorado. TCM publicó un Twitter el 12 de enero del presente año que decía "Si aún no la has visto esperamos que hacerlo estuviera entre tus propósitos de año nuevo". Mi respuesta fue "Lo está". Tocaba verla y anoche la he visto. 

La película dirigido por Vicente Minnelli del que valoramos por aquí una de sus joyas, Un americano en París, fue producida por John Houseman para la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) que se quedó igualmente con la distribución en colaboración con la Loew's Inc. manejó un presupuesto de US $ 1,558,000. 

La película responde a un inteligente guion escrito por Charles Schnee basado en la obra "Homenaje a un hombre malo" de George Bradshaw. La película cuenta con la música compuesta por David Raksin, la fotografía de Robert L. Surtees y el espléndido montaje de Conrad A. Nervig. 

El elenco, espléndido, lo encabeza Lana Turner como Georgia Lorrison, Kirk Douglas como el productor Jonathan Shields, Dick Powell como el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow, Walter Pidgeon como el productor igualmente Harry Pebbel y Barry Sullivan comoel director Fred Amiel. Junto a ellos aparecen Gloria Grahame como Rosemary Bartlow, Gilbert Roland como Victor "Gaucho" Ribera, Paul Stewart como el responsable del casting y agente Syd, Ivan Triesault como el director Von Ellstein, Leo G. Carroll como el director Henry Whitfield, Sammy White como el agente de Georgia, Gus y Elaine Stewart como la amante de Gaucho y Jonathan, Lila. 

Un invisible productor de cine - unicamente se ven las manos y las mangas de su chaqueta- Jonathan Shields(Kirk Douglas),tiránico y manipulador que ha caído en desgracia, llama desde París pidiendo ayuda para su próxima película. 

En primer lugar llama a un director, Fred Amiel (Barry Sullivan), mientras hace una prueba de rodaje sobre la "dolly" y a pesar de que puede ponerse al teléfono, rehusa tomar el mismo. 

Luego llama a casa de una actriz preguntando por Georgia Lorrison (Lana Turner) que en ese momento está en el baño, pero le dice a su sirvienta que no puede ponerse y por último llama a un guionista (Dick Powell), que en este caso se pone para decirle "vete al infierno". 

Desconocemos que relación guarda el produtor Shields con los tres, aunque los tres son integrantes del mundo del cine. Poco después en la sede de una productora de Hollywood , la Shields Productions , los tres - el director Fred Amiel ( Barry Sullivan ), la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y el guionista James Lee Bartlow ( Dick Powell ) son convocados por el productor de cine Harry Pebbel ( Walter Pidgeon) que trabaja para Jonathan Shields. 

Con los tres en su oficina y les explica que Shields los estaba llamando porque tiene una nueva idea de película y los quiere a los tres para el proyecto. Shields no puede conseguir financiación por su cuenta, pero con sus nombres en el proyecto, no habría ningún problema. Pebbel les pide a los tres que le permitan llamar a Shields por teléfono antes de que den su respuesta final. 

Nos enteramos por Harry que el productor Shields los que ayudó a triunfar, pero es conocedor de que tienen sobradas razones para detestarlo. Los tres le reprochan su falta de escrúpulos para alcanzar el éxito sin reparar en las personas a las que traicionaba o engañaba. 

Mientras esperan la llamada de Shields, Pebbel les asegura a los tres que entiende por qué se negaron a hablar con Shields. 

La historia de fondo de su participación con Shields se desarrolla en una serie de flashbacks. Harry comienza a hablar y de inmediato van apareciendo como los tres entraron en contacto con Shields. La primera historia es la del director Fred Amiel ( Barry Sullivan ) . 

Su primer encuentro fue en el entierro de un famoso ex director de estudio que había sido abandonado por la industria, Shieds. Mientras lo entierran Fred Amiel, que es director de apoyo de películas de serie B, actor ocasional y que ahora se gana la vida como extra va realizando comentarios despectivos sobre el padre de Shields, sin saber que el que tiene al lado escuchando los comentarios es su hijo Jonathan. 

Descubrimos que a la salida del entierro  el padre de Shields era tan impopular que su hijo con el poco dinero que le quedaba tuvo que contratar " extras " para asistir a su funeral. Uno de esos extras es Fred Amiel, al que Jonathan se niega a pagar por no habr cumplido su parte del contrato. 

Tan mal se siente por lo que ha hecho que Fred decide ver a Jonathan en su mansión en Hollywood Hills. Allí, mientras Jonathan está a la espera de que lo embarguen, se encuentran y Fred se excusa. 

Como Jonathan está de acuerdo con las disculpas, pero también con los comentarios comienzan a entablar amistad y finalmente Jonathan se traslada al piso de Fred para trabajar conjuntamente ladrándose un futuro juntos. A pesar de los malos sentimientos de la industria hacia él debido a su padre, el joven Shields está decidido a triunfar en Hollywood por cualquier medio necesario. Para ello Shields se asocia con Fred Amiel. 

Una noche van a una fiesta y Jonathan descubre a un productor de un estudio que se dedica a películas de serie B a las cartas. Se trata de Harry Pebbel ( Walter Pidgeon), un jugador que solía perder frente a su padre. Y como él ganaba siempre a las cartas a su padre, les propone a Fred, y a un par de amigos , entre los que está Syd (Paul Stewart ) que le presten lo que tienen para jugar contra él. La idea es que gane Jonathan y con ese dinero levantar un proyecto. Sin embargo, Shields pierde los 1.000 dólares que habían conseguido reunir intencionadamente ya que en vez de pagar el dinero se ofrece al ejecutivo Pebbel para poder participar como productor uno y director otro en sus películas. 

A cambio le devolvería el dinero. Finalmente convence a Harry Pebbel de que le permita pagar la deuda como productor en línea para la productora de películas de serie B. Shields y Amiel aprenden sus respectivos oficios haciendo películas de serie B para Pebbel. 

En uno de sus proyecto El ataque de los hombres pantera negra, viendo que aquello es un fracaso asegurado cambian la idea inicial del proyecto y consiguen hacer una película de serie B tan exitosa como de calidad. La película se convierte en un éxito. 

Esa noche Fred y Jonathan se acerca a un casoplón con apariencia abandonada de uno de los actores de su padre. Se trata de la mansión Lorrison. Una casa enorme en la que Jonathan le habla de lo mucho que admiraba a ese actor que aunque bebía era uno de los más grandes. 

De allí se lleva una de sus viñetas, un diablo. Poco antes de salir descubre que su hija, una chica alcoholizada, vive allí. Tras eso Amiel decide que están listos para asumir un proyecto más importante que él ha estado trabajando desde hace años, basada en una obra que se ha intentado , pero que hasta ese momento no ha sido viable siendo rechazada por los estudios. 

Como Fred lleva tiempo estudiándola ha preparado un detallado " book" de cómo se debería llevar a la pantalla. Para ello necesitan contar con un actor importante que se comprometa en el proyecto. Para ello diseñan un plan para captar a uno de los actores del momento Victor "Gaucho" Ribera (Gilbert Roland). Así que lo sacan una noche a bailar, cenar y beber y, finalmente, lee el libreto de Fred quedando encantado con el mismo. 

Finalmente Shields se lo presenta al estudio. Shields obtiene un presupuesto de $ 1 millón para producir la película, pero traiciona a Amiel al permitir que otro director de gran reputación como es el director Von Ellstein (Ivan Triesault), ha sido elegido como director. 

El éxito de la película permite a Shields crear su propio estudio, la Shields Productions, y llevarse a Harry Pebbel a trabajar para él. 

Por su parte, Amiel, ahora independiente de Shields, se convierte en uno de los grandes directores, ganando el Oscar en repetidas ocasiones por derecho propio. 

Tras esta historia Harry Pebble se dirige a la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y le recuerda como comenzó su relación con Shields. Tras aquel encuentro, ella trabajada como extra en algunas películas, en las pocas que le lograba colocar su agente Gus (Sammy White), un hombre bueno y sensible que le logró introducir en un casting como actriz de una sola frase en una de las películas de Shields. 

Cuando la lleva al casting, ella se fija que en la pared está el diablo que había dibujado su padre. Ahora es una desconocida actriz alcohólica, hija de un famoso actor al que Shields admiraba. Él aumenta su confianza y le da ese papel. 

Viendo que ella tiene la carga profesional de su padre, le ofrece, muy a pesar de la opinión de los demás del estudio, el papel principal en una de sus películas a pesar de las objecciones de los demás. Las pruebas iniciales son catrastróficas. Siente la oposición del director del proyecto Henry Whitfield (Leo G. Carroll) pero Jonathan se empecina. 

Ella se irá preparando y cuando queda un par de semanas para el inicio del rodaje le pide que se vaya a descansar a Palm Springs. Georgia llega la noche de antes al lugar de rodaje. Está nerviosa, especialmente cuando ve que jonathan le ha regalado un collar de perlas. Se marcha a beber. Y , al día, siguiente no aparece en el set. Tampoco es localizable durante la semana, por mucho que Syd revise todos los garitos. 

Cuando la posibilidad de ser sustituída es más que real, Jonathan piensa dónde puede estar y la localiza en su viejo apartamento. Allí esta borracha. A la mañana siguiente la tira a su piscina y la recupera para el rodaje. Ella se entrega a él, enamora de él, él le deja pensar que él siente lo mismo para que ella no se autodestruya y él obtenga la actuación que necesita. 

El rodaje sale y el estreno es todo un éxito. Después de que un gran estreno la convierte en una estrella de la noche a la mañana. Sin embargo, Georgia no ve a Jonathan en el estreno. Ella con una botella de champán marcha a su mansión y allí lo encuentra con una hermosa actriz secundaria que le sirve de chófer a Gaucho, Lila ( Elaine Stewart ). 

Cuando Georgia le echa en cara lo que siente, él aleja a Lorrison, diciéndole que nunca permitirá que nadie tenga tanto control sobre él. Aplastada por ser plantada por Shields, Lorrison abandona su contrato con su estudio. En lugar de llevarla a los tribunales, Shields cede sus derechos sobre ella, dejándola libre para ir a otro estudio, lo que le sirve para obtener muchos más éxitos con sus películas al convertirse en una de las principales estrellas de Hollywood. 

Por último, queda el guionista el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow (Dick Powell). Bartlow es un hombre formado en Harvard y la Sorbonne dando ahora clases como profesor de historia en una pequeña universidad. 

Se trata de un hombre satisfecho con su vida. Está felizmente casado una bella y superficial sureña, Rosemary ( Gloria Grahame ) y ha escrito un libro superventas sobre los orígenes del asentamiento de Virginia, ligado a la mítica historia del asentamiento desaparecido de Roanoke, una lección de historia, antropología y sexo. Jonathan Shields compró los derechos de adaptación cinematográfica. Shields quiere que el propio Bartlow escriba en Hollywood y para Hollywood el guión de la película. Bartlow no está interesado, pero su esposa, sí, así que acepta hacerlo por su bien. 

Cuando se instalan ven que, curiosamente, son vecinos de Georgia Lorrison. Van a Hollywood, donde Shields se enoja al descubrir que sus constantes distracciones propiciadas por Rosemary impiden que su esposo trabaje con continuidad y la velocidad requerida. 

Shields consigue a su amigo actor el galán Victor "Gaucho" Ribera ( Gilbert Roland) la entretenga y la mantenga ocupada. Libre de interrupciones, Bartlow marcha a un Lago junto a Shields y allí el escritor desarrolla la obra con las aportaciones introducidas por Shields. El guion así se concluye. Pero lo que no sabe el guionista es que Rosemary, sin embargo, se ha ido de viaje con Gaucho en una avioneta con destino a México y ambos mueren en un accidente aéreo. 

Cuando se completa el guión, Shields hace que el angustiado Bartlow permanezca en Hollywood para ayudar con la producción mientras Shields se hace cargo de la dirección. Shields, director por primera vez, arruina el trabajo, lo que lo lleva a la bancarrota. 

Entonces Shields deja escapar un comentario casual que revela el conocimiento y la complicidad en el romance de Rosemary con Gaucho, por lo que Bartlow lo abandona. Ahora, capaz de ver a su difunta esposa de manera más objetiva, Bartlow escribe una novela basada en ella, algo que Shields lo había animado a hacer anteriormente, y gana un premio Pulitzer por ello. 

De hecho la intención de Shields es llevar la novela al cine. Después de cada flashback, Pebbel está de acuerdo con sarcasmo en que Shields "arruinó" sus vidas, dejando claro que cada uno de los tres, a pesar de sentirse traicionado, está ahora en la cima del negocio del cine, gracias en gran parte a Shields. 

Por fin, llega la llamada telefónica de Shields y Pebbel les pregunta a los tres si trabajarán con Shields solo una vez más; los tres rechazan el motivo. Al salir de la habitación, Pebbel sigue hablando con Shields. 

Fuera de la vista de Pebbel, Georgia toma el teléfono y escucha la conversación a la que se irán sumando los otros dos a escondidas ; mientras Shields describe su nueva idea, y se interesan cada vez más en el mismo. No hay duda, son cautivos del mal. 

Hasta aquí la película que se basó en una historia que publicó una revista en 1949 y que llevaba por título "Of Good and Evil" escrita por George Bradshaw (1909–1973), natural de West Virginia . La misma se amplió a una versión más larga llamada "Memorial to a Bad Man" . Se trataba de la voluntad y el testamento de un productor de teatro de Nueva York que intentó explicar su mal comportamiento con tres personas a las que había herido: un escritor, actor y director. MGM compró los derechos de la película y originalmente Dan Hartman iba a producirla. Pero Hartman se fue a Paramount así que el proyecto le fue ofrecido por Dore Schary, el dramaturgo, guionista y productor cinematográfico de nacionalidad estadounidense, que llegó a ser jefe de producción de MGM y, finalmente, presidente del estudio, a John Houseman y se llamaría Memorial to a Bad Man . 

Houseman decidió cambiar el ambiente del teatro de Nueva York por el de Hollywood porque sintió después de All About Eve un escenario como el de Hollywood tendría más atractivo. 

Cuando recibió el proyecto John Houseman le gustó, pero decidió que lo haría, pero "no como una película de Broadway. Estaba harto de las películas de Broadway. El mismo le dijo a Dore Schary que "No sabría cómo agregar nada a las cosas que se han hecho, pero si me dejas hacerlo como una película de Hollywood, me encantaría hacerlo . " 

En principio en la película tendría que participar Clark Gable junto a Spencer Tracy . Finalmente, Kirk Douglas firmó para ser el protagonista. Vincente Minnelli era el hombre que la iba a dirigir. El mismo director señaló que "La gente que leyó el guión me preguntó por qué quería hacerlo" pues " ( ...) iba e contra Hollywood, etc. Les dije que veía al protagonista (...) con una debilidad, lo que lo hace humano, y segundo, porque es duro consigo mismo. Todos los demás, lo que lo hace honesto. Eso es lo complejo y maravilloso de los seres humanos, ya sea que estén en Hollywood, en el negocio del automóvil o en corbatas ". 

Douglas luego recordó que recordaba el caso de Francis X. Bushman , quien tuvo un pequeño papel en la película. El actor señaló que Bushman le dijo que su carrera se desvaneció porque "en el apogeo de su fama, sin darse cuenta, ofendió al todopoderoso Louis B. Mayer haciéndolo esperar unos minutos. Mayer, a su vez, lo expulsó de MGM y lo puso fuera de la industria. Esta fue su primera vez que aparecía en 25 años. La historia de Bushman me dio una idea útil del personaje despiadado y egoísta que estaba interpretando, otro antihéroe más rudo. Me estaba yendo bien con estos papeles ". 

Ha habido mucho debate sobre qué leyendas de Hollywood de la vida real están representadas por los personajes de la película. En el momento del estreno de la película, las historias sobre su base hicieron que todo el mundo pensara en David O. Selznick, cuya vida real era paralela en algunos aspectos a la del "productor independiente obsesionado por el padre" se dice que mandó a su abogado para que viera la película y determinara si contenía cualquier material difamatorio . Se cree que Shields es una mezcla de Selznick, Orson Welles y Val Lewton . 

Dore Schary , director de MGM en ese momento, dijo que Shields era una combinación de " David O. Selznick y el aún desconocido David Merrick ".

Mientras que el personaje de Georgia Lorrison como hija de un actor de "Gran peso" como John Barrymore (de hecho , la carrera de Diana Barrymore se lanzó el mismo año que la muerte de su padre), pero también se puede argumentar que Lorrison incluye elementos del ex de Minnelli, esposa Judy Garland . 

El Gaucho de Gilbert Roland casi puede ser visto como una auto-parodia, ya que recientemente había protagonizado una serie de imágenes de Cisco Kid , aunque el nombre del personaje, Ribera, también parece ser un guiño al famoso seductor de Hollywood el dominicano Porfirio Rubirosa. Lo curioso es que este actor cuyo nombre era Luis Antonio Dámaso Alonso había nacido en Chiuahua y era de padres españoles y entró en el cine a los 13 años, era un galán de medianoche - como le lalma Guillermo Cabrera Infante- "tanto en el cine como en la vida" y "era simpático y acogedor" con el latin lover que interpreta en la película.  El escritor cubano dice de él qe "al menos muere entre los brazos ( y supongo que entre las piernas) de una de las mujeres más atractivas el mundo, Gloria Grahame, que en otra página de su libre Cine o Sardina señala que corneaba a su marido interpretado por Dick Powell "con ayuda de Gilbert Roland, para morir los dos en un accidente de aviación que era como la retribución del ángel vengador a la adúltera".

El director Henry Whitfield ( Leo G. Carroll ) es un director "difícil" de abscribir aunque pudo estar inspirado en Alfred Hitchcock ya que su asistente, la señorita March ( Kathleen Freeman ), sigue el modelo de la esposa de Hitchcock, Alma Reville . 

El otro director, von Ellstein, puede seguir el modelo de Erich von Stroheim y Josef von Sternberg . El personaje de James Lee Bartlow puede haber sido inspirado por Paul Eliot Green , el académico convertido en guionista de la Universidad de Carolina del Norte de The Cabin in the Cotton . 

Houseman dijo más tarde: "Se pensaba que el productor era Selznick, y por supuesto que en gran medida lo es, pero ... bueno, ¿es el ciudadano Kane, el magnate Hearst? Sí, es Hearst, pero también Pulitzer y muchas otras personas legendarias. Así que fue Selznick , Zanuck y todos los demás. Al igual que el director extranjero podría ser Stroheim o Fritz Lang. Cuando empiezas a trabajar en un mundo legendario, obtienes figuras legendarias ". 

La película fue filmada como Tribute to a Bad Man, pero al estudio le preocupaba que la confundieran con un western por lo que el título fue cambiado por The Bad and the Beautiful por sugerencia del jefe de publicidad de MGM, Howard Dietz, quien lo tomó de F. Scott Fitzgerald . 

Houseman admitió que pensaba que era un "título espantoso, es un título repugnante, barato, vulgar", pero cuando la película tuvo éxito "parecía uno de los títulos más grandes que jamás se haya pensado. Ciertamente ha sido lo suficientemente imitado: en cualquier momento realmente difícil para un título, solo toman dos adjetivos y los encadenan con un "y" en el medio. 

Terenci Moix señala en el tercer volumen de su Historia del cine en el capítulo que le dedica a Vincente Minnelli que"Trabajar con Kirk Douglas en los tres filmes que rodamos juntos fue la colaboración más estimulante y gratificante que recuerdo. En cuanto a Lana Turner señala el escritor catalán que fue Vincente Minnelli quien le ofreció el papel de una diva de cine en su "crónica sangrienta sobre Hollywood"  

La película tuvo como fecha de estreno el habitual entonces, el 25 de diciembre de 1952 en Los Ángeles, quedando para el 15 de enero de 1953 en Nueva York y resto del país. Consiguió una recaudación en su país de $ 3,373,000 . A España llegó en octubre de 1954. 

En los Premios de la Academia , la actuación de la actriz Gloria Grahame como Rosemary Bartlow que ocupó solo 9 minutos y 32 segundos de tiempo en pantalla y fue en ese momento la actuación más corta en ganar un Premio de la Academia , un récord que mantuvo hasta 1977 cuando Beatrice Straight ganó Mejor Reparto por Network y estableció un nuevo récord de 5 minutos y 2 segundos. Este fue uno de los 5 Oscars que ganó. 

Junto al de Grahame, se llevó el de Mejor guión para Charles Schnee, la Mejor fotografía en blanco y negro para Robert Surtees, el Mejor vestuario para Helen Rose y la mejor dirección artística para el equipo formado por Cedric Gibbons , Edward Carfagno , Edwin B. Willis y F. Keogh Gleason . 

En los Globos de Oro fue nominada a Mejor actor de reparto (Gilbert Roland) y mejor actriz de reparto (Gloria Grahame) Por parte del Sindicato de Directores (DGA) fue nominada a Mejor director en la persona de Vincente Minnelli y por el de Guionistas (WGA) lo fue a Mejor guión dramático. 

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Venecia consiguió el Leon de Oro en la persona de Vicente Minnelli.

Hoy día está incluído en la Junta Nacional de Preservación de Películas en el Registro Nacional de Cine  

En cuanto a la crítica en su país el mítico crítico del The New York Times Bosley Crowther dijo de ella que "No aparece un dibujo claro de cómo se hacen exactamente las películas. Es una película colorida y llena de talento, pero es agitada, episódica y difusa."

En IndieWire se señala que "En el contexto de su tiempo, y por la calidad de su guion y gran parte de sus actuaciones, 'The Bad and the Beautiful' es una película notable." 

Para Dave Kehr del Chicago Reader "Bajo la dirección de Minnelli se convierte en un fascinante estudio de un hombre destruido por la ética del éxito de los 50 (...) Douglas está sorprendentemente bien (...) y está bien apoyado por (...) Lana Turner y Dick Powell." 

Noel Murray de AV Club defiende que "Todos los elementos de 'The Bad And The Beautiful' son de primera categoría (...) Esto es un producto de estudio jugoso y muy sofisticado, lleno de observaciones sobre los líos que hay detrás del arte." 

En Variety destaca que "El guion basado en la historia de George Bradshaw está excepcionalmente bien escrito." 

En el Reino Unido Philip French en las páginas del The Guardian sostuvo que "Aunque fue dirigida con la delicadeza característica de Minnelli, es esencialmente una película de productor, hecha por John Houseman (...) Houseman aplica (...) inteligencia y suavidad a un genio despiadado de Hollywood" 

David Parkinson en Empire señaló que "El megalómano de dientes apretados y muecas de Douglas está entre sus mejores trabajos, mientras que el guion de cotilleo (...) se presenta maravillosamente con la exuberancia melodramática de Minnelli (…) " 

Para Cath Clarke de Time Out la película "Está muy cerca del cielo cinematográfico (...) El guion está lleno de deliciosa sátira sobre el dinero en Hollywood (...) El diálogo es dinamita (…)" 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribí en El Mundo comentó que "Para mí una de las diez mejores películas de la historia del cine. (...) Es una película en la que todo funciona a la perfección, con aroma, con un privilegiado sentido del cine."

 Y Miguel Ángel Palomo en El País reflejó por escrito que era un "Asfixiante melodrama (...) Un juego de espejos que desvela verdades y embustes, guiado por el maestro Minnelli. Una absoluta maravilla."

El crítico venerado por Guillermo Cabrera Infante José Luis Guarner escribió en su Historia del cine americano que es "Uno de los mejores films, si no el mejor, de Hollywood sobre Hollywood."

Para Terenci Moix la película responde a algo único en Hollywood: "Siempre se dijo que sólo Hollywood está capacitado para hacer un análisis crítico de su fauna y Cautivos del mal la presentó bajo rasgos poco favorecedores. Sin embargo, revisiones actuales demuestran que la película es un admirable melodrama antes que la crítica implacable que en su momento pretendió ser. Douglas era, en su caso, un productor genialoide cuya imparable ascensión al éxito permite observar retazos de la vida de un gran estudio y, el principio del filme, imágenes fantasmagóricas de un Hollywood poblado de has bee. Se dijo que el personaje estaba inspirado en el niño prodigio de la Metro en los años treinta, el productor Irving Thalberg (quien ya inspiró a Scott Fitgerald su novela inacabada "The LastTycoon"), peroel modelo, si existió, no tarda en apartarse de sus orígenes para dramatizar el típico carácter del arribista sin escrúpulos".

Yo después de lo dicho por estos críticos sólo queda rendirme ante ella y decir que estoy ante una obra maestra del cine que tiene la virtud de hablar del cine, desde el cine. Capolavoro!!!

Un Americano en París

Puede parecer extraño, pero conocí la banda sonora antes que la película que admiraba mi madre. Ya , para aquel entonces no me interesaban los musicales. Imposible en aquellos momentos competir con los western , con el cine de aventuras, las comedias de los clásicos del cine mudo o con cualquier otro. Si había dos géneros que no soportaba , el primero, eran las película de corte romántico; y las segundas, eran los musicales. 

Afortunadamente los años me han hecho cambiar y hace ya varias décadas que la cosa no es así. Posiblemente la razón estuvo en algunas películas de animación de Disney y , aunque parezca mentira en Cabaret, la película interpretada , entre otras, por Liza Minelli. A esta siguió Cantando bajo la lluvia, y con ella ya entraron las demás. muchas , aunque no todas. Una de las que no había vista era esta de Vincente Minelli que tuvo a Gene Kelly como actor y coreógrafo. La suma de dos grandes es igual a una gran película. Pero no nos engañemos. Yo llegué a la música de este Américano en París por la vía auditiva. 

Como ya he contado en estas páginas, hubo una época en mi vida que me gané el pan dando clases de música. Era el último mono de la selva educativa, y al último mono le endosaban la Música. Así que ni corto ni perezoso me fui haciendo con una selección musical para las clases que comenzó con arias de Óperas Famosas, principalmente alemanas y , obviamente, italiana. Tras ello llegaron las obras de los clásicos Mozart , Beethoven, los románticos, la música nacionalista, la barroca, la renacentista , la medieval. Todas pasaron a ser parte de mi conocimiento y de mi vida. Por supuesto a ello se unía la música tropical , vamos, el tropicalismo brasileño, o el Jazz - no podía olvidar la clase de mi profesora de Música en !º de BUP, cuyos apuntes comenzaban con un rotundo "Me gusta el Jazz" (Tremendo, sobre todo sin realizar una puñetera audición a lo largo del curso) - el Rock ( a mis alumnos/as les gustaba que intercalara lo clásico con los grupos de rock muchos de ellos del momento, incluso las aproximaciones desde el rock a la música clásica). 

Pero en eso llegó un neoyorkino , de Brooklyn, a la mi vida musical: George Gershwin . Un músico que murió joven, únicamente vivió 39 años - un tumor cerebral puso fin a su vida en 1937- en lo que consiguió lo nunca visto: una amalgama perfecta entre la música clásica y el jazz. Este chico , con 16 años, hablamos de 1914 , ya está componiendo sus canciones. Estas le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, "La, la, Lucille". Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor, siempre junto a su hermano Ira Gershwin como letrista. A éste siguieron otros títulos como "Lady Be Good", "Oh Kay!", "Funny Face", "Girl Crazy" y "Of Thee I Sing", que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje popular . 

A partir de la década de los veinte, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto, pero en febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in Blue ( en este momento no olvido dos momentos con esta canción; una en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles de 1984; el otro, una película que he visto decenas de veces con mis hijos: Fantasía 2. 

Gershwin opinaba, para aquel entonces, que: «... el jazz es un elemento muy poderoso que está en la sangre y en el corazón de cualquier estadounidense más que cualquier otro estilo de la música popular. Creo que se le puede reconvertir en obras sinfónicas serias, de valor permanente». Pero el entendía que su calidad como interprete estaba por debajo de otros así que en esos felices años 20 está en París , en esa ciudad que bulle intelectualmente, e intenta formarse aún más como músico. Allí, entre la realidad y la leyenda se dice que intentó contactar con Maurice Ravel y Nadia Boulanger y que fue rechazado como alumno. El vasco francés le dijo - dicen- lo siguiente: «Usted perdería su gran espontaneidad melódica para componer en un mal estilo raveliano. ¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?» 

Además siempre se ha contado una anécdota entre el músico neoyorkino y su intento de ser discípulo de Igor Stravinsky. Según cuentan las malas lenguas, éste le preguntó: "«¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?». «200.000 dólares», respondió el joven Gershwin. «Entonces yo debería tomar clases con usted», respondió el maestro, rechazando su solicitud. Esto no le impidió componer estrenando en diciembre de 1928 en el Carnegie Hall de Nueva York bajo la batuta de Walter Damrosch. El músico dijo de su composición: «Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un estadounidense que visita París; mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe el ambiente francés... La primera parte está desarrollada en un estilo típicamente francés, a la manera de Debussy o el Grupo de los Seis». Así fue. 

Reconozco que en mis dos intentos absolutamente fracasados como realizador amateur, la primera un documental que montamos con los pies; y, la segunda, una historia de ficción en la que apostamos por contar una historia en con la cámara puesta a la altura de los pies, en el segundo que era estrictamente una narración visual apoyada en imágenes y textos , utilizamos para el inicio la música de un Americano en París. Aún recuerdo como en la llegada al escenario en el que se desarrollaba la historia y en el momento en que subíamos las escaleras la música era la que daba inicio a la obra. Qué buena idea, qué mala ejecución. Allí acabaron mis días de cine, hasta que comencé este blog como aficionado insolvente e incompetente al cine.

Dicho lo cual confesaré que hasta anoche no había visto en su integridad Un Americano en París. Anoche sí, y me acosté infinitamente más feliz. De hecho, mientras escribo esto salta la música una y otra vez en mi cabeza. Cumplí aquí con lo escrito por Cabrera Infante en Cine y Sardina que " el musical se ha movido siempre con el péndulo de éxito sobre el pozo del fracaso". Y que en ese sentido Vicente Minelli , para el escrito cubano, era el más notable director de comedias musicales que volviendo a las palabras de Cabrera era " el único género que nació para la felicidad , o al menos, para hacernos felices".

Añadía el que fuera Premio Cervantes que los autores posibles  de una comedia musical eran  subailarín ( en este caso Kelly), al igual que su coreógrafo ( coincide con el protagonista) y su director ( en este caso Minnelli). A veces es su productor como ocurre en gran parte de las producciones de Arthur Freed de lmuchos de los éxitos de la Metro - Goldwin - Mayer, o su fotógrafo, y " aunque parezca increíble,  su guionista- y no sólo en el caso de Alan Jay lenner , escrito de Un americano en París, de My Fair Lady y de Gigi, ésta como Un Americano en París escrita especialmente para el cine. John Kodal , auotr de Gotta Sting, Gotta Dance, afirma que el verdadero autor de una comedia musical  ¡es el público!".  

Otro día hablaré largo y tendido de Vincente Minnelli, al que - según Cabrera Infante- "debemos el regreso de la comedia musical tradicional y origen del musical moderno"- ahora decir que fue una producción de Arthur Freed o Arthur Grossman , contó para ello con un presupuesto de $ 2.7 millones. Ambos eran hombre de la Metro- Goldwyn - Mayer. El director trabajó para la Metro 20 años seguidos de 1943 a 1963.

El productor que comenzó su carrera como cantante de canciones y pianista en Chicago, y que tras conocer a Minnie Marx , cantó junto a los hijos de ella, los Hermanos Marx , en el circuito de vodevil , y también escribió material para ellos. Pero pronto comenzó a escribir canciones y finalmente fue contratado por Metro-Goldwyn-Mayer . Durante años, escribió letras para numerosas películas, muchas de ellas con música de Nacio Herb Brown.

En 1939, después de trabajar , aunque sin acreditar, como productor asociado en The Wizard of Oz , fue ascendido a jefe de su propia unidad dentro de MGM, y ayudó a colocar a su estudio como el principal creador de películas musicales . Su primer crédito en solitario como productor fue la versión cinematográfica del exitoso musical de Broadway, Babes in Arms (también en 1939), con música y letra del duo integrado por Rodgers y Hart , lanzado solo unos meses después de The Wizard of Oz y contando con Mickey Rooney y Judy Garland , la que , con el tiempo, se convertiría en esposa de Vincente entre 1945 y 1951 y madre de Liza, y compañera de baile en ocasiones de Gene Kelly.

Freed formó un sólido equipo de escritores, directores, compositores y estrellas que produjo un flujo constante de musicales populares y aclamados por la crítica hasta finales de la década de 1950. Él dio rienda suelta a sus directores y coreógrafos, algo inaudito en aquellos días de películas musicales de producidos por la Metro. Dos de sus películas ganaron el Premio de la Academia a la mejor película : un estadounidense en París y Gigi, película de Minelli en la que Freed permitió al equipo musical de Lerner y Loewe el control total en su escritura de Gigi (1958). En la noche en la que An American en París ganó la Mejor Película, Freed recibió un Oscar Honorífico, y su versión de Show Boat también ganó dos Oscar ese año, aunque perdió contra An American en París . Freed se fue de MGM en 1970 falleciendo tres años después en la soleada California a la edad de 78 años.

En el caso de un Americano en París el guión era de  Alan Jay Lerner aunque inspirado en Un americano en París de George Gershwin, contando con su música así como los arreglos de  Johnny Green con letras de su hermano Ira , con música adicional de Saul Chaplin , el director musical.

La fotografía en color fue de John Alton - siendo su primera película en color del cineasta un director de fotografía que tenía una sólida reputación por su trabajo en blanco y negro- y  Alfred Gilks ; mientras que el montaje lo fue de Adrienne Fazan .

Importantísima en la película es la escenografía de E. Preston Ames, junto a Cedric Gibbons, F. Keogh Gleason, Edwin B. Willis, así como el vestuario del trío integrado por Orry-Kelly, Walter Plunkett e Irene Sharaff.

El reparto lo integran Gene Kelly como el pintor Jerry Mulligan, Leslie Caron como Lise Bouvier, Oscar Levant como el pianista Adam Cook - que había sido amigo persona de George Gershwin y amigo personal de Arthur Freed y Vincente Minnelli- , Georges Guétary como el cantante Henri "Hank" Baurel. Junto a ellos aparecen Nina Foch como Milo Roberts, Eugene Borden como Georges Mattieu y sin acreditar están prsentes John Eldredge como Jack Jansen, Anna Q. Nilsson como Kay Jansen - la pareja que regenta el bar donde se reúnen los artistas- así como Hayden Rorke como amigo de Milo , Noel Neill , que tiene un pequeño papel como estudiante de arte estadounidense que trata de criticar las pinturas de Jerry. Igualmente aparece el músico de jazz Benny Carter interpreta al líder de un grupo de jazz que toca en el club donde Milo toma por primera vez a Jerry. Madge Blake , como cliente en la perfumería en la que trabaja Lise. Judy Landon y Sue Casey aparecen como bailarinas en la secuencia "Stairway to Paradise". Asimismo aparecen Alex Romero y Dick Humphries.

La película comienza con los acordes de la obra de Gershwin en la que se presentan todos los temas que luego escucharemos. Poco después conocemos a Jerry Mulligan (Gene Kelly) , un pintor estadounidense que se ha trasladado a París al terminar la Segunda Guerra Mundial para ganarse la vida como pintor, algo que siempre deseó ser como nos cuenta y canta en "Nice Work If You Can Get It" /" Buen trabajo si puedes conseguirlo " . Vive junto a un amigo pianista Adam Cook (Oscar Levant ) un pianista desempleado que llegó a París becado . Sus viviendas están en el barrio de Montmartre.

Un día, éste último recibe la visita de un cantante francés Henri "Hank" Baurel (Georges Guétary) un famoso cantante francés con el que trabajó que le cuenta por medio de una canción (" By Strauss / Por Strauss") que está a punto de casarse con una hermosa joven.

Mientras, Jerry sale a exponer sus cuadros que nadie compra en las plazas y cuestas de Montmatre en el camino se encuentra con Adam, quien le presenta a Henri. Tras contar y cantar como se ha enamorado, Jerry sale a vender su obra.

Al llegar al lugar en el que expone y tras escapar de una joven que intenta analizar su obra pictórica, algo que irrita sobremanera, se persona una chica rubio. Se trata de Milo Roberts (Nina Foch), una estadounidense millonaria que aprecia sus cuadros comprándole dos y que , aparentemente, se enamora de Jerry. Milo le compra dos cuadros, pero al percatarse que no traía dinero le pide que la acompañe al hotel en el que estaba hospedada para pagarle.

Ya en el hotel, Milo conversa con Jerry para conocerlo más y lo invita a una "supuesta" fiesta para conocer a personas.

Después de cantar con niños franceses en el camino a casa (" I Got Rhythm " "Tengo Ritmo" ), el artista, por su parte, comprobará esa misma tarde que Milo Roberts, además de ser compatriota y millonaria, y que "fiesta" es en realidad una cita individual. Jerry le dice a Milo que no tiene ningún interés en ser un acompañante pagado. Cuando él intenta irse después de devolverle el dinero, ella insiste en que solo está interesada en su arte y que únicamente intenta promocionar al pintor.

En el restaurante de Montparnasse Jerry se siente algo incómodo porque cree que Milo desea convertirlo en su amante pagado, pero ella le explica que desea promocionarlo convencida de que Jerry tiene mucho talento como pintor. Jerry, para sentirse más cómodo, le pide que vayan a un lugar que pueda pagar y Milo le recomienda el Café Flodair, un club de jazz en el que toca Benny Carter.

Algunos de los amigos de Milo llegan, y mientras están sentados con ellos, Jerry descubre a una chica sentada con amigos en la mesa de al lado . Él ignora a Milo y sus conocidos, y en cambio finge que ya conoce a la chica que responde al nombre de Lise (Leslie Caron ) y baila con ella.

Tras bailar con Lise Bouvier (Leslie Caron) una joven muy hermosa, que resulta - sin que el lo sepa la prometida del cantante Henri Baurel- . Ella se muestra distante y le da a Jerry un número de teléfono incorrecto, pero alguien la corrige inocentemente.

Milo está molesto por el comportamiento de Jerry y de repente decide irse a casa. En el camino a casa, ella le dice a Jerry que fue muy grosero con una chica que no conoce mientras estaba en su presencia. Cansado de Milo, Jerry sale del auto y se despide de ella.

Al día siguiente, Jerry llama a Lise a su trabajo, pero ella le dice que nunca la vuelva a llamar. Jerry y Milo se reúnen en un café, y ella le informa que un coleccionista está interesado en sus pinturas y ella ha organizó una exposición ese mismo día. Antes de ir a la presentación, él va a la perfumería donde trabaja Lise y ella accede a una cena tardía con él.

Ella no quiere que la vean comer con él en público, pero comparten una canción romántica ( El amor está aquí para quedarse"/" Love Is Here to Stay ") y bailan en las orillas del río Sena a la sombra de Notre Dame .

Jerry se enamora de Lise y ella le corresponde, pero ambos se sienten comprometidos con otras personas. Sin embargo, ella rápidamente se apresura a encontrarse con Henri después de su actuación en un teatro (" Voy a construir una escalera al paraíso / " Stairway to Paradise ", "), donde Henri le dice que le han pedido que salga de gira por Estados Unidos y le pide que se case con él.

Más tarde, Adam, con humor, sueña despierto con el concierto de Gershwin en F para piano y orquesta para una audiencia de gala en una sala de conciertos. A medida que avanza la escena, también se revela que Adam es el director de orquesta, así como otros miembros de la orquesta e incluso un miembro entusiasta del público que se aplaude a sí mismo al final.

Mientras , por su parte, Milo le consigue a Jerry un estudio de arte y le dice que ha planeado una exposición de su obra para tres meses. Inicialmente rechaza el estudio porque no tiene dinero para ello, pero finalmente lo acepta bajo la condición de que se le devuelva a Milo cuando sus ganancias artísticas lo permitan.

Aproximadamente un mes después y después de mucho cortejo, Lise se escapa bruscamente cuando ella y Jerry llegan en taxi a su apartamento. Cuando Jerry se queja a Adam, Adam se sorprende al darse cuenta de que tanto Henri como Jerry están enamorados de la misma mujer. Henri y Jerry discuten sobre la mujer que aman ( "Es maravilloso / It´s wonderful "), sin saber que ella es la misma mujer.

Esa noche, Jerry y Lise se reunen en el mismo lugar a orillas del Sena, cerca de Notre Dame. Ella le informa que se va a casar con Henri al día siguiente y se va a América. Lise tiene un sentido del deber hacia Henri, con quien se siente en deuda por mantenerla a salvo durante la Segunda Guerra Mundial. Ella y Jerry hablan del amor que siente el uno por el otro, pero ella se marcha escaleras arriba.... y desaparece.

Sintiéndose menospreciado, Jerry invita a Milo a la fiesta de disfraces de los estudiantes de arte y la besa. En la ruidosa fiesta, con todos los asistentes con disfraces en blanco y negro, se encuentran con Henri y Lise que también están disfrutando de la misma.

Tras salir de la fiesta a una terraza de Montmatre que mira sobre un París oscurecido Jerry finalmente le cuenta a Milo sobre sus sentimientos por Lise. Sin que él lo sepa la conversación es oída por Henri que poco después escucha a Jerry y Lise despidiéndose el uno del otro y se dicen lo mucho que se quieren.

Mientras Henri y Lise se van, Jerry sueña con estar con Lise en todo París al ritmo de la composición de George Gershwin An American en París surgido de un boceto que Jerry ha dibujado de los Jardines de las Tullerías desde el mismo Jerry baila y en un momento dado Lise entra saltando de un lienzo parisino a otro . Su ensueño se rompe con la bocina de un auto, el sonido de Henri trayendo a Lise de regreso a él. Se abrazan cuando termina la composición de Gershwin (y la película).

Como ya he comentado la película está intercalada por canciones y números de baile coreografiados por Gene Kelly e inspirados en la música de Gershwin. Las canciones y la música incluyen " I Got Rhythm ", " I'll Build A Stairway to Paradise ", " S Wonderful " y " Love Is Here to Stay ". El punto culminante de la película es el ballet "The American in Paris", un baile de 17 minutos que presenta a Kelly y Caron en París al ritmo de Gershwin .

Arthur Freed tuvo la idea de hacer la película cuando asistió a una producción en la Hollywood Bowl de clásicos de George Gershwin y se inspiró especialmente en el número "An American in Paris". Durante los siguientes tres años, discutió ideas con Vincente Minnelli, Gene Kelly, Johnny Green y Alan Jay Lerner. Arthur Freed e Ira Gershwin llegaron a un acuerdo durante su partida de billar semanal, consiguiendo los derechos cinematográficos de "An American in Paris - A Tone Poem for Orchestra" de George Gershwin por $ 158,750, e Ira recibió $ 56,250 como consultor para escribir las nuevas letras necesarias.

La secuencia de ballet costó casi medio millón de dólares en rodarse.La secuencia de ballet que dura 17 minutos, presenta conjuntos y trajes que hacen referencia a pintores franceses como Raoul Dufy , Pierre-Auguste Renoir , Maurice Utrillo , Henri Rousseau y Toulouse-Lautrec , siendo la misma el punto culminante de la película. En ella Freed, el productor , dio rienda suelta a Kelly , el coreógrafo y al director para romper limites con ese ballet que duraba más de quince minutos al final de An American en París (1951), y tras el cual la película concluye momentos después sin más diálogo ni canto.

Con este proyecto, Arthur Freed vio la oportunidad de combinar dos de sus favoritos personales: la música de George Gershwin y el impresionismo francés. Irene Sharaff diseñó un estilo para cada uno de los conjuntos de secuencias de ballet, reflejando a varios pintores impresionistas franceses: Raoul Dufy (la Plaza de la Concordia), Edouard Manet (El mercado de las flores), Maurice Utrillo (una calle de París), Henri Rousseau (la feria) , Vincent van Gogh (la Place de l'Opera), y Henri de Toulouse-Lautrec (el Moulin Rouge). Los fondos tardaron seis semanas en construirse, con 30 pintores trabajando sin parar. Irene Sharaff usó 25 tonos diferentes de amarillo para el segmento Toulouse-Lautrec del ballet final.

Decir que la producción de la película se rodó en los Metro-Goldwyn-Mayer Studios de Culver City, aunque algunos exteriores se rodaron en la capital francesa, París. A pesar de las objeciones de Gene Kelly, que quería rodar en locaciones en París, la película se filmó en los estudios MGM en California, en 44 escenarios construidos para la película. Los sets fueron construidos por el maestro director de arte E. Preston Ames en Hollywood, quien había estudiado en la capital francesa y conocía bien la ciudad.

El rodaje se extendió desde primeros de agosto de 1950 a la primavera de 1951, pero señalar que se detuvo el 15 de septiembre de 1950. Minnelli se fue para dirigir otra película, El pequeño dividendo del padre . Al finalizar esa película a fines de octubre, volvió a filmar la secuencia del ballet.

El rodaje estaba en parte condicionado a la capacidad física de Leslie Caron que, aparte de no manejar bien la lengua , aunque era la materna de su madre, no estaba acostumbrada al riguroso programa de filmación de una película y como se cansaba con facilidad debido a la malnutrición infantil solo podía trabajar cada dos días. Leslie Caron fue la elegida porque Gene Kelly sugirió a la chica como protagonista femenina al sentir que esta película necesitaba a una chica francesa "real" para el papel de Lise, aunque tuviese el actor y bailarín 19 años más que la chica. El mismo Kelly descubrió a la actriz y bailarina en unos ensayos de ballet.

Maurice Chevalier fue originalmente considerado para el papel de Henri. En lo que se refería al papel de Milo Roberts, Minnelli se inclinaba por Celeste Holm cuando se le pidió que considerara a la actriz contratada Nina Foch, una actriz de cine negro. Minnelli estaba contenta con la lectura de Foch, y ella consiguió el papel.Durante el rodaje, Nina Foch enfermo de varicela. Regresó al trabajo tan pronto como pudo, pero como resultado, todo un equipo de maquilladoras tuvo que trabajar para cubrir sus marcas.

El triunfo de la película situó a la Metro Goldwyn Mayer como la auténtica productora referente de los musicales de la década de 1950. Logró recaudar entre 6 y 7 millones de dólares más que ninguna otra película previa de la MGM , desde su lanzamiento el 4 de octubre de 1951 (Nueva York) y 11 de noviembre de 1951 (EE. UU.) y consiguió ganar 6 premios Oscar.

Por otro lado, Vincente Minnelli, que en esos momentos estaba en proceso de divorcio de la Garland, y Gene Kelly sorprendieron a todo el público ofreciendo una nueva concepción del musical, basado en la conjunción de la fotografía, el decorado, la coreografía y los protagonistas. Dos años más tarde llegó Cantando bajo la lluvia de Stanley Donen , pero también película de la Metro con Freed en la producción .

La película fue multipremiada . Obtuvo 6 Oscars de la Academia de Hollywood: Película, argumento, guión, música, dirección artística, vestuario color y dos nominaciones más al mejor director (Vincente Minnelli) y mejor Edición de Película (Adrienne Fazan).

En los Globos de Oro dee¡ ese 1951 recibió el Golden Globe a la Mejor película - Comedia o Musical, siendo nominada en al mejor director - Película (Vincente Minnelli) y al mejor actor de Comedia musical o comedia ( Gene Kelly).

En los Premios BAFTA fue nominada a mejor película. El Sindicato de Directores (DGA) nominó a Minelli como Mejor director y el de Guionistas (WGA) la consideró al Mejor guión musical. La National Board of Review la incluyó en el Top 10 Mejores películas. Fue, en el Festival de Cannes, nominada a la Palma de Oro a la mejor película.

En 1993, fue seleccionado para su conservación por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en el Registro Nacional de Películas por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". Está incluida en las "1001 películas que tienes de ver antes de morir", editada por Steven Schneider.

Cuando el ballet culminante de esta película se proyectó en 1974 en It's Entertainment, el narrador / presentador del programa Frank Sinatra se refirió a él como "El mayor número musical que jamás se haya filmado". Kelly recibió un Premio de Honor de la Academia ese año por "su versatilidad como actor, cantante, director y bailarín, y específicamente por sus brillantes logros en el arte de la coreografía en el cine". Fue el único Oscar de su vida del bailarín de las coreografías atléticas.

En cuanto a la crítica Bosley Crowther de The New York Times presentó una reseña mayoritariamente positiva en gran parte sobre la fuerza del cierre del baile que él llamó "uno de los mejores puestos en la pantalla", así como la actuación de Leslie Caron, escribiendo que la película "adquiere su propio resplandor de magia cuando Miss Caron está en la pantalla. Cuando no lo está, se mueve lentamente como un programa de música convencional ".

Variety calificó la película como "una de las confecciones musicales más imaginativas producidas por Hollywood en años ... Kelly es la estrella principal de la imagen y califica cada centímetro de su facturación. Su baile diversificado es excelente como siempre y su actuación es sobresaliente . "

Harrison's Reports , una revista comercial cinematográfica con sede en la ciudad de Nueva York que se publicaba semanalmente desde 1919 hasta 1962, y que fue muy influyente consideró la película "un excelente entretenimiento, un deleite para la vista y el oído, presentado de una manera que dará a todos los tipos de público un placer extremo".

Richard L. Coe de The Washington Post la calificó como "la mejor película musical que he visto", y elogió su "espíritu de originalidad y sofisticación que rara vez se encuentra en una pantalla musical". 

John McCarten, de The New Yorker, lo calificó como "una película musical muy agradable ... Nunca tan estrechamente limitada por su esbelta historia: 'Un estadounidense en París' salta del amor a la luz de la luna a los hermosos ballets con la mayor facilidad. y el Sr. Kelly siempre está listo, dispuesto y es capaz de ejecutar un baile de tap ".

El boletín mensual de cine publicado en septiembre de 1951 dijo de ella que era "simplemente un buen musical, mucho más atractivo que la mayoría, pero mucho menos de lo que el material parecía prometer. Esto se debe en parte al uso poco imaginativo de los escenarios de París, una vista muy obvia del turista, y al modo bastante curioso de La historia, después de aumentar el interés en la pintura de Jerry y en su exposición individual, simplemente deja a un lado todo el asunto ".

Al revisar la película en 2011, James Berardinelli escribió que "cae en la categoría de un débil ganador del Oscar. La película es lo suficientemente agradable como para verla, pero representa una mala elección como portadora de la lista de 1951 Y concluye diciendo en ReelViews que es " una "Buena película , divertida con muchas canciones geniales y bailes, pero no hay nada en esta producción que haga que se destaque cuando se compara con uno de los muchos musicales de la época" Y añadía que "La película mezcla con inteligencia varios trabajos de Gershwin del siglo 20 (...) Es más de tono, bailar y cantar que de personajes y trama (...) "

Roger Ebert en su web rogerebert.com afirma que "Las razones para verla son las secuencias de baile de Kelly, el ballet del final, las canciones de Gershwin, las radiantes localizaciones y los momentos con el encanto de Oscar Levant (...) "

Kate Cameron en las páginas del New York Daily News afirmaba que "Todos los elementos románticos de París están reunidos en una hermosa película para nuestro deleite."

Dave Kehr en The New York Times comenta de forma directa y contundente que "Es única (...) Es un musical notablemente íntimo" Y Noel Murray de AV Club señala que "'An American in Paris' es confusa como declaración artística e insatisfactoria como producto convencional de Hollywood (...) Puede ser sorprendentemente elegante"

En el Reino Unido Philip French en las páginas de The Guardian sostiene que "Las canciones de Gershwin son magníficas y la escena final de ballet es toda una hazaña." Kate Muir en The Times dice que es "Uno de los mejores musicales de MGM."

Y en esta línea, Tom Huddleston de Time Out afirma que estamos ante "Un musical revolucionario y asombroso (...) Las cosas geniales se mantienen geniales (...) " Por último, Tony Sloman, de Radio Times dice qie "Gran parte de la película sigue siendo una delicia (...) "

En español Pablo Kurt cuenta en FilmAffinity que estamos ante un " Gozoso y colorista musical con un Gene Kelly en plena forma, que al año siguiente estrenaría la más maravillosa todavía "Cantando bajo la lluvia" (Singin' in the Rain, 1952). Advertencia: ver "Un americano en París" -cualquiera de las dos- transmite ganas de bailar... y de vivir.

En Fotogramas se escribe que es un "Memorable musical que combinaba la música de Gershwin con una visión pictórica de París, básicamente impresionista. Minnelli demostró su cultura y su buen gusto artístico, aunque en algunos momentos tendió al exceso, apabullando con un recargamiento de referentes culturales. Pese a ello, sus resultados siguen formando parte de la mejor tradición del musical. "

Terenci Moix dice que "el filme que se empeñó en demostrar que el musical podía acercarse a la cultura con mayúsculas y formar parte de ella. La exquisita dirección de Minnelli, su gusto por los valores pictóricos y un ballet final ...a los acordes vertiginosos de Gershwim, hicieron que muchos intelectuales concediesen al cine musical un crédito que hasta entonces le habían negado. Constituyó a su vez la culminación  del prestigio del propio Kelly... el más cinematográfico de los bailarines ( en definición de Fred Madjalany)".

Y poco después añade el escritor catalán que el gran ballet de la película concilía las dos tendencias existentes en la obra de Minelli, por un lado, un manifiesto del color , el distintivo "rojo Minnelli" , expuesto a partir de una doble característica personal: el pintor que hay en él y el barroco vocacional. "Se ha dicho y repetido hasta la saciedad que este fue el filme que desvió la atención del público de élite hacia el musical, y en tal sentido no es de extrañar que aparezca programado como un catálogo de cultura visual. París, en efecto, la ciudad soñada por un pintor , pero quien levanta el plano es un diletante que no esconde su condición de esnob, antes bien lo proclama a los cuatro vientos. Los homenajes a los grandes maestros de la pintura francesa no solo están implícitos, sino que su obra y su moda, y tras un sorprendente despliegue de candelabros y figuras teñidas de purpurina, parace adentrarse en una estilización de las Mil y una Noches".

Es posible, y con voy acabando, que el tándem Kelly y Minnelli concibiesen de una manera plena algo esencial en esta película: el decorado. Es éste una de las expresiones más directa de los ensoñaciones de Minnelli que en la película  es modificada , como dice, Terenci Moix "si Gene Kelly la sueña como pintor - en el ballet final- o si la idealiza como enamorado - en el delicado número con Leslie Caron en una quai del Sena"

Es casi lógico que Kelly conociera lo que el crítico Deems Taylor narró en las notas al programa del estreno de Un Americano en París en Nueva York  de la obra de Gershwim en aquel 13 de diciembre de 1928, al decir que "la obra comienza con un paseo por los Campos Elíseos; una riña con un taxista, el paseo abandonado del turista y el paso a la orilla izquierda del río Sena son las excusas para el lucimiento de las trompetas, el trombón y el clarinete, respectivamente. Un amable violín nos evoca una escena de amor nocturna... cuando aparece el blues, sólo de trompetas con sordina, como recordando Estados Unidos, sensación reafirmada con la entrada de las trompetas lanzando el tema con aire del ragtime propio de los años veinte. El argumento habla ahora del encuentro con otro estadounidense, y entre recuerdo y recuerdo musical de las vivencias anteriores, se oye un ritmo cercano al swing. La obra termina en el punto de partida, el paseo, despidiéndose con el tema de blues grandioso y más estadounidense que parisino".