La primera sirena

Creo que es la primera película que he visto de la angelina Esther Williams, una actriz que en mis recuerdos me remite a los elogios que sobre ella me hacía mi madre. 

Fue una actriz estadounidense famosa por sus películas musicales con espectáculos acuáticos, siendo una de las estrellas más populares de la era dorada de la productora cinematográfica Metro Goldwyn Mayer.

Esther Williams fue nadadora especialista en natación sincronizada, y habría participado en los Juegos Olímpicos de Helsinki 1940 de no haberse suspendido por la Segunda Guerra Mundial. Acabado el sueño olímpico, Esther Williams se decidió por el espectáculo, y comenzó a realizar presentaciones con el también nadador Johnny Weissmüller, otro de los actores en parte acuáticos dados sus éxitos olímpicos, que conocimos en sus exhibiciones como nadador en las películas de Tarzán. Sin embargo, la actriz llamó la atención trabajando como modelo a un productor de la Metro-Goldwyn-Mayer, quien le propuso sumarse a la compañía.

Su primera película es de 1942, protagonizada junto al niño prodigio del momento, Mickey Rooney, en donde Esther realiza un pequeño papel. 

Dos años más tarde haría su espectacular entrada como gran estrella con la película de la que me hablaba mi madre, Escuela de sirenas, de George Sidney, un musical de la Metro, donde colaboraba el músico Xavier Cugat y su orquesta, el barítono colombiano Carlos Julio Ramírez y el comediante Red Skelton. 

A partir de esta película recibiría el sobrenombre de «Sirena de América», ocurrencia de su compañero de la Metro Clark Gable. 

Su estrella creció de tal modo que se creó un subgénero dentro del musical, el musical acuático, especialmente para ella. 

A las órdenes del prolífico director Richard Thorpe, protagonizaría Juego de pasiones, Fiesta brave, junto a Ricardo Montalbán, John Carroll, Fortunio Bonanova y Cyd Charisse; y, En una isla contigo, también junto a Ricardo Montalbán, y con Jimmy Durante, Peter Lawford y Xavier Cugat y su orquesta.

Llama la atención la cantidad de artistas hispanos con los que trabajó y se vinculó toda la vida, aunque en 1945 se casó con Ben Gage, de cuya unión nacieron sus tres hijos, Benjamin, Kendrall y Susan. Se divorciaron en 1959. Otro hispano llegaría a su vida, Fernando Lamas, el padre de Lorenzo Lamas. 

En 1949 finalizaría la década con La hija de Neptuno - que lleva precisamente el título de la película que asume representar en la película que he visto , La primera sirena, también del director de la misma-  de Edward Buzzell. Junto a Escuela de sirenas,  La hija de Neptuno se convirtió en un gran éxito  siendo las más relevantes de los 18 películas que había rodado hasta el momento en Hollywood. 

A inicios de los cincuenta rodaría Serenata en el valle del sol de Robert Z. Leonard, y La primera sirena de Mervyn LeRoy  -donde compartía protagonismo con Victor Mature- y que es la película que he visto. 

Esta película lleva en inglés el título de Million Dollar Mermaid, aunque en España se tituló La primera sirena. La película se estrenó el 4 de diciembre de 1952 en el famoso Radio City Music Hall de Nueva York y antes de terminar el año había estableció un récord: una recaudación bruta de 184 000 dólares en una única sala. Fue otro gran éxito para la actriz y un buen negocio para la MGM. Esto les empujó a hacer una secuela, pero el proyecto nunca se llevó a cabo. 

La primera sirena cuenta la vida de Annette Kellerman, la estrella australiana de la natación sincronizada. Para llevarla al cine se contó con el director Mervyn LeRoy, que había dirigido películas míticas como Mujercitas y Quo Vadis? 

Los estudios y, especialmente, el productor Arthur Hornblow Jr. , apostaron , gracias a su buen presupuesto de $2,642,000, por un equipo de grandes profesionales: el guionista Everett Freeman, el músico Adolph Deutsch, el coreógrafo Busby Berkeley y el director de fotografía George J. Folsey, que recibió una nominación al Oscar. 

Como actores y actrices, además de Esther Williams como Annette, y Victor Mature como James Sullivan, Walter Pidgeon como Frederick Kellerman, David Brian como Alfred Harper, Donna Corcoran como la joven Annette de 10 años, Jesse White como Doc Cronnol y Maria Tallchief - bailarina del Ballet de Nueva York- como Paulova. 

La película comienza con el recuerdo del desaparecido teatro del hipódromo de Nueva York, lugar en el que trabajaron grandes artistas como Houdini, Pavlova, Sousa, Marcelino el payaso y por supuesto Annette Kellerman. 

La película sigue la vida y las peripecias de Annette, una niña australiana afectada por la polio, nacida en Sydney, que está enferma y que , a espaldas de su padre (Walter Pidgeon), profesor de música que tiene una Conservatorio Privado- vamos, una escuela de música- que adora la música y la danza, pero que no puede dada su limitación física , se dedica a nadar a espaldas de su padre, que cuando lo descubre le apoya totalmente. Desde ese momento la chica se recupera y comienza a compaginar sus dos pasiones, la natación y el ballet. 

Pero mientras ella va ganando todos los campeonatos amateur que se presenta, siendo campeona de Nueva Gales del Sur, su padre ve como va perdiendo clientela, ante lo que decide junto a su hija, aceptar un trabajo en Londres.

Mientras va a Europa en barco coincide con un estadounidense de origen irlandés, James Sullivan (Víctor Mature), que viaja junto a su socio Doc Cronnol (Jesse White), y quienes se llevan a Londres un canguro boxeador llamado Sydney. El como promotor anima a la chica a unirse a un espectáculo ideado rápidamente por él en el barco. La propuesta tanto a ella como al padre le parece un disparate.

Cuando llegan a Londres el padre descubre que el puesto de profesor ya es inexistente, pues el conservatorio está cerrado. 

Tras vender ella sus únicas pertenencias, sus trofeos obtenidos en Australia, vuelve a encontrarse con Jimmy a quien tampoco el negocio con el canguro le va muy bien, y quien le sugiere propone a Annette, como técnica de publicidad, que realice a nado la seis millas que separan desde el centro de la ciudad hasta Greenwich. Pero ella se ofrece a nadar 26 millas. Se corre la voz sobre la hazaña de Annette que al ser noticia revelándose como un prodigio de la natación. 

De Londres saltará a Estados Unidos. Jimmy sugiere que pueden hacer una fortuna yendo a Nueva York y apareciendo en un ballet acuático en el mítico Teatro del Hipódromo. El gerente del mismo, Alfred Harper (David Brian) no les ofrece trabajo en el programa. 

Ante esto el grupo decide ir a Boston. Annette en las playas de la decente - e hipócrita- Boston decide hacer una prueba a distancia, pero como lleva un bañador adaptado a la natación su baño acaba en un escándalo público, siendo incluso detenida. Todo acaba en un juicio que será muy publicitado. En el mismo se habla del traje de una pieza demasiado revelador para su época, pero al dar ella una solución sale absuelta. 

El espectáculo diseñado por James en la ciudad se convierte en un éxito. Allí su carrera subirá como la espuma, aunque tendrá que lidiar con los problemas amorosos y el dolor, físico y emocional y tendrá que superar sus dificultades y debilidades y sus propios retos. No obstante ante la llegada de una oferta, ella y Jimmy tienen un malentendido y se separan. 

Ella marcha a Nueva York, donde el empresario Harper cambia de opinión y convierte a Annette en la cabeza de cartel de su espectáculo en Nueva York, junto a la bailarina Pavlova o el Payaso Marcelino. Además del éxito de sus coreografías el padre es contratado para dirigir la orquesta. Pero en una de las sesiones Fredericks muere de un infarto. Ella queda desolada. 

Mientras James sigue como buscavidas. Tras salir de Boston, había marchado a Florida con un aviador, pero tras el fracaso de ´ste busca en el mundo de la avición un hueco para sus empresas. Un día recibe la visita de Doc Cronnol que teme por su amigo James. Por eso viaja a Montauk a instancias de Doc para intentar disuadir a Jimmy de participar en una carrera aérea con un premio de 50.000 dólares. Pero ni el encuentra va bien, aunque descubre que James compró un anillo de matrimonio en Boston para ella. Sin embargo, la travesía tampoco va bien. 

Conforme pasa el tiempo, Harper se enamora de Annette. A ella , gracias a sus espectáculos le llueven las ofertas. Una de ellas para hacer cine en Hollywood. Mientras ella viaja a Hollywood para hacer una película, aparecen Jimmy y Doc, vendiendo mantas de nativos americanos, pero también promocionando un perro llamado Rin Tin Tin que esperan protagonizar algunas películas en la meca del cine. 

Tras llegar a Hollywood comienza su actividad. Cuando acabe se casará con Harper. están rodando La hija de Neptuno, pero en la última escena, la principal, en la que ella ha de introducirse tras un salto en un gran tanque de agua, este estalla durante el rodaje. Annette sufre una grave lesión: un hematoma espinal. 

Con su futuro en duda, Harper se hace a un lado cuando ve por sí mismo lo enamorados que están Annette y Jimmy. Y mientras se besan, la película, acaba. 

Se cuenta que la actriz Virginia Mayo también estuvo interesada en el papel de Annette, pero lo cierto es que en 1947, se informó que Esther Williams quería que MGM comprara los derechos de la historia de vida de Annette Kellerman como vehículo para ella. 

La auténtica Annette Kellerman no tenía un buen concepto de la MGM. La razón estaba en que Kellerman no estaba contenta de que MGM hubiera cambiado mucho su película Neptune's Daughter cuando la rehicieron como un vehículo de Esther Williams. "Lloré tanto por eso que en ese momento nunca hubiera aceptado dejarles hacer la historia de mi vida". pero cuando conoció a la nadadora se implicó de lleno. "Me di cuenta de que ella realmente quería hacer la historia de mi vida. Nunca hubiera pensado en ella para el papel. ¡Creo que es demasiado glamurosa para el papel! Creo que, de verdad, es demasiado hermosa. Preferiría haber visto a Metro-Goldwyn-Mayer elegir a una nueva actriz, tal vez una chica australiana, en el parte. No creas que me estoy quejando", dijo. 

Williams llevó a Kellerman a conocer a los ejecutivos de los estudios MGM y les presentó el proyecto. Ella dice que no recibió respuesta del estudio durante varios meses hasta que leyó un artículo en los periódicos comerciales que decía que se estaba haciendo la película. 

En febrero de 1951, se anunció que MGM había firmado un acuerdo con Kellerman para hacer una película basada en su vida. Originalmente se llamaba The One Piece Suit. Arthur Hornblow Jr. fue asignado para producir. "La señorita Kellerman es una mujer encantadora", dijo Williams. "Y todavía tiene muy buena salud y figura. Era una personalidad teatral famosa e hizo varias películas sensacionales para su época. Creo que su vida será un excelente tema para mí". "Todavía puedo defenderme de Esther del cuello para abajo", dijo Kellerman."Desde el cuello para arriba, creo que es demasiado glamorosa para el papel. Creo que, realmente, es demasiado hermosa". 

A Kellerman le agradaba Hornblow. "Él es el hombre que encuentra vida y drama en las cosas simples, y esa es realmente mi historia. En los dos años previos a que empezáramos a trabajar... revisé media docena de guiones, los cuales rechacé todos porque simplemente "Quería que fuera una historia romántica glamorosa, típicamente de Hollywood. Pensé que eran tontas e indignas". Antes de filmar, Kellerman dice que escribió el esquema del guion que iba a utilizar MGM. "Insistí en el derecho a editar el guión, porque no quería que Hollywood hiciera un desastre con mi historia. Mi vida ha sido hermosa y no quería que hicieran nada que la hiciera parecer barata en cualquier sentido." 

Otro de los puntos difíciles fue la elección del actor para interpretar a Jimmy. Anette quería a Glenn Ford. "Es lo más cercano que se me ocurre a mi querido esposo: no demasiado glamuroso". Pero no lo logró. La MGM apostó por Victor Mature, que estaba en la cima del éxito tras hacer Sansón y Dalila. Kellerman dijo más tarde que pensaba que la representación de Sullivan en la película era "la antítesis" del personaje en la vida real (lo llamó un hombre "tranquilo y sin pretensiones" que "nunca hizo nada barato"). Dijo que sus amigos se burlarían del verdadero Sullivan sobre el casting de Mature y lo saludarían con "Aquí viene Samson". 

Louis Calhern iba a interpretar al padre de Kellerman, pero, finalmente, el papel fue para Walter Pidgeon. El casting de Pidgeon deleitó a Kellerman, quien dijo que "tenía ganas de besarlo" cuando vio las primeras imágenes de él en la pantalla. 

Hubo momentos muy tensos en el rodaje. En una de las secuencias Esther Williams se rompió el cuello tras hacer uno de sus famosos saltos. Años más tarde, la actriz escribió sus memorias y contó lo que pasó ese día. "Cuando estaba subida a la plataforma me sentí desorientada, porque había sufrido la rotura del tímpano hasta en siete ocasiones. Cuando entré en el agua noté la pesadez del tocado y supe que tendría problemas. Y así fue, al caer al agua noté cómo mi cuello crujía. Cuando logré emerger a la superficie podía mover las piernas, pero la parte superior de mi cuerpo estaba paralizado y tuvieron que ayudarme para salir del agua. Horas más tarde me hicieron una radiografía y esta reveló que tenía tres vértebras rotas. Pude haberme quedado parapléjica!". 

Curiosamente, el libro de memorias se titula Million Dollar Mermaid, que era el apodo que Esther Williams tenía en Hollywood. No cabe duda: a pesar del susto, era su película favorita. 

Después del estreno de la película, se informó que Mervyn Le Roy se reunió con Kellerman para discutir una secuela, que cubriría la carrera de Kellerman como estrella de cine y su trabajo para la Cruz Roja en tiempos de guerra. Sin embargo, no se hizo ninguna secuela. 

Señalaba Terenci Moix en su libro la gran historia del cine que muchos de los títulos producidos por la Metro no llegaron a España y a veces a Europa a causa de las dificultades de exhibición que el musical siempre ha encontrado fuera de los ámbitos de lengua inglesa. Incluso los de la más popular de las actrices en el extranjero como Esther Williams quedaron en gran medida aparcados.

Los títulos de Esther se recuerdan con simpatía en especial los que llegaron a tiempo para aportar colores luz y ensueño al agresora de la posguerra. En este sentido poseen un valor sociológico de gran peso y sobrepasan sin duda sus propios méritos. Estos se limitan a la espectacularidad de los inevitables números acuáticos coma colofón de argumentos a menudos endebles donde se explota hasta la saciedad la fórmula chico busca chica sazonada con la intervención de cómicos de muy escasos vuelos, ya postura y simpatía arrugada en taquilla.

Excepción del extravagante número en el hipódromo en la primera sirena firmado por Busby Berkeley , las películas de Esther Williams tenían poco que ver con el musical moderno: era un super espectáculo llevado a sus últimas consecuencias. Todavía eran perlas desprendida de la ya vetusta corona de Ziegfield. 

La siguiente película se tituló Dangerous When Wet (Peligrosa cuando se moja), de Charles Walters, en una increíble escena acuática junto a Tom y Jerry; y La preferida de Neptuno de George Sidney. 

Estos papeles la encasillaron en papeles relacionados con la natación y no podía salirse de ellos. Williams deseaba tener papeles de corte dramático. pero el público de entonces no asimilaba a Esther Williams actuando en ellos. Esta es la última etapa de su carrera profesional. 

A mediados de la década de los cincuenta su estrellato empezó a declinar y rompió su contrato con la Metro y comenzó una carrera como actriz independiente, en la que no recuperó el éxito pasado; de esta época destacan sus películas Sombras de la noche, de Harry Keller, Momento inesperado, película de corte dramático, junto a George Nader, John Saxon, Edward Andrews y Edward Platt, El gran espectáculo, de James B. Clark, con Cliff Robertson como coprotagonista. 

Pero el público no valoró ese gesto y su fama se trasladó a la prensa del corazón, sobre todo tras su boda , la tercera, con el actor argentino Fernando Lamas. Como ella misma contó, fue el actor quien la empujó a dejar el cine y estuvo casada hasta la muerte del galán en 1982. 

Durante años su nombre fue un reclamo comercial para vender piscinas con marca registrada de su nombre, trajes de baño y una línea de productos relacionados con la natación, deporte que practicó hasta los últimos años de su vida. 

Tras la muerte de Lamas estuvo unos años viviendo sola, cuidada por sus tres hijos, y en 1994 celebró su cuarta boda, fue con Edward Bell. Williams siguió practicando la natación hasta los 90 años de edad. Fue una de más hermosas estrellas de Hollywood de todos los tiempos. Llegó a decir que " Nadar es el único deporte que puedes practicar desde tu primer baño hasta el último de tu vida y sin lesiones ". Murió en junio de 2013, cuando tenía 91 años. 

La torre de las ambiciones

Executive Suite es el nombre original de esta película dirigida por Robert Wise y Alain Dayan  en 1954 y conocida con el nombre de La torre de las ambiciones. 

EC: En construcción

Viaje al fondo del mar

Mismo director , Irwin Allen, un año antes, distinta época, y bajo el apocalipsis nuclear. Así es la historia, inesperada que me he encontrado con un Lorre bastante desubicado, así como otras estrellas, algo estrelladas en la película.

*EC: En construcción 

Cautivos del mal

Kirk Douglas falleció en febrero del pasado año a una edad centenaria. Eran 103 años de historia del cine que se iban para siempre como personas, nunca sus obras. Con él casi llegaba el fin de aquellos que brillaron en lo que se conoce como el Hollywood dorado. Cuando se hacía referencia a su vida, pero también a su obra, en todos los reportajes que vi, se repetían en esas quinielas las mismas obras: "Los vikingos", "Duelo de titanes" ·El ídolo de barro"... A los que se suman "Senderos de gloria", "Espartaco", "El día de los tramposos", "20.000 leguas de viaje submarino", "El gran carnaval" y, siempre aparecía en esas quinielas de las mejores películas del actor "Cautivos del mal". De todas ellas había una que no había visto que era precisamente esta última, Cautivos del mal, aunque su título original era The Bad and the Beautiful una obra que hablaba de los entresijos del mundo del cine en aquel Hollywood dorado. TCM publicó un Twitter el 12 de enero del presente año que decía "Si aún no la has visto esperamos que hacerlo estuviera entre tus propósitos de año nuevo". Mi respuesta fue "Lo está". Tocaba verla y anoche la he visto. 

La película dirigido por Vicente Minnelli del que valoramos por aquí una de sus joyas, Un americano en París, fue producida por John Houseman para la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) que se quedó igualmente con la distribución en colaboración con la Loew's Inc. manejó un presupuesto de US $ 1,558,000. 

La película responde a un inteligente guion escrito por Charles Schnee basado en la obra "Homenaje a un hombre malo" de George Bradshaw. La película cuenta con la música compuesta por David Raksin, la fotografía de Robert L. Surtees y el espléndido montaje de Conrad A. Nervig. 

El elenco, espléndido, lo encabeza Lana Turner como Georgia Lorrison, Kirk Douglas como el productor Jonathan Shields, Dick Powell como el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow, Walter Pidgeon como el productor igualmente Harry Pebbel y Barry Sullivan comoel director Fred Amiel. Junto a ellos aparecen Gloria Grahame como Rosemary Bartlow, Gilbert Roland como Victor "Gaucho" Ribera, Paul Stewart como el responsable del casting y agente Syd, Ivan Triesault como el director Von Ellstein, Leo G. Carroll como el director Henry Whitfield, Sammy White como el agente de Georgia, Gus y Elaine Stewart como la amante de Gaucho y Jonathan, Lila. 

Un invisible productor de cine - unicamente se ven las manos y las mangas de su chaqueta- Jonathan Shields(Kirk Douglas),tiránico y manipulador que ha caído en desgracia, llama desde París pidiendo ayuda para su próxima película. 

En primer lugar llama a un director, Fred Amiel (Barry Sullivan), mientras hace una prueba de rodaje sobre la "dolly" y a pesar de que puede ponerse al teléfono, rehusa tomar el mismo. 

Luego llama a casa de una actriz preguntando por Georgia Lorrison (Lana Turner) que en ese momento está en el baño, pero le dice a su sirvienta que no puede ponerse y por último llama a un guionista (Dick Powell), que en este caso se pone para decirle "vete al infierno". 

Desconocemos que relación guarda el produtor Shields con los tres, aunque los tres son integrantes del mundo del cine. Poco después en la sede de una productora de Hollywood , la Shields Productions , los tres - el director Fred Amiel ( Barry Sullivan ), la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y el guionista James Lee Bartlow ( Dick Powell ) son convocados por el productor de cine Harry Pebbel ( Walter Pidgeon) que trabaja para Jonathan Shields. 

Con los tres en su oficina y les explica que Shields los estaba llamando porque tiene una nueva idea de película y los quiere a los tres para el proyecto. Shields no puede conseguir financiación por su cuenta, pero con sus nombres en el proyecto, no habría ningún problema. Pebbel les pide a los tres que le permitan llamar a Shields por teléfono antes de que den su respuesta final. 

Nos enteramos por Harry que el productor Shields los que ayudó a triunfar, pero es conocedor de que tienen sobradas razones para detestarlo. Los tres le reprochan su falta de escrúpulos para alcanzar el éxito sin reparar en las personas a las que traicionaba o engañaba. 

Mientras esperan la llamada de Shields, Pebbel les asegura a los tres que entiende por qué se negaron a hablar con Shields. 

La historia de fondo de su participación con Shields se desarrolla en una serie de flashbacks. Harry comienza a hablar y de inmediato van apareciendo como los tres entraron en contacto con Shields. La primera historia es la del director Fred Amiel ( Barry Sullivan ) . 

Su primer encuentro fue en el entierro de un famoso ex director de estudio que había sido abandonado por la industria, Shieds. Mientras lo entierran Fred Amiel, que es director de apoyo de películas de serie B, actor ocasional y que ahora se gana la vida como extra va realizando comentarios despectivos sobre el padre de Shields, sin saber que el que tiene al lado escuchando los comentarios es su hijo Jonathan. 

Descubrimos que a la salida del entierro  el padre de Shields era tan impopular que su hijo con el poco dinero que le quedaba tuvo que contratar " extras " para asistir a su funeral. Uno de esos extras es Fred Amiel, al que Jonathan se niega a pagar por no habr cumplido su parte del contrato. 

Tan mal se siente por lo que ha hecho que Fred decide ver a Jonathan en su mansión en Hollywood Hills. Allí, mientras Jonathan está a la espera de que lo embarguen, se encuentran y Fred se excusa. 

Como Jonathan está de acuerdo con las disculpas, pero también con los comentarios comienzan a entablar amistad y finalmente Jonathan se traslada al piso de Fred para trabajar conjuntamente ladrándose un futuro juntos. A pesar de los malos sentimientos de la industria hacia él debido a su padre, el joven Shields está decidido a triunfar en Hollywood por cualquier medio necesario. Para ello Shields se asocia con Fred Amiel. 

Una noche van a una fiesta y Jonathan descubre a un productor de un estudio que se dedica a películas de serie B a las cartas. Se trata de Harry Pebbel ( Walter Pidgeon), un jugador que solía perder frente a su padre. Y como él ganaba siempre a las cartas a su padre, les propone a Fred, y a un par de amigos , entre los que está Syd (Paul Stewart ) que le presten lo que tienen para jugar contra él. La idea es que gane Jonathan y con ese dinero levantar un proyecto. Sin embargo, Shields pierde los 1.000 dólares que habían conseguido reunir intencionadamente ya que en vez de pagar el dinero se ofrece al ejecutivo Pebbel para poder participar como productor uno y director otro en sus películas. 

A cambio le devolvería el dinero. Finalmente convence a Harry Pebbel de que le permita pagar la deuda como productor en línea para la productora de películas de serie B. Shields y Amiel aprenden sus respectivos oficios haciendo películas de serie B para Pebbel. 

En uno de sus proyecto El ataque de los hombres pantera negra, viendo que aquello es un fracaso asegurado cambian la idea inicial del proyecto y consiguen hacer una película de serie B tan exitosa como de calidad. La película se convierte en un éxito. 

Esa noche Fred y Jonathan se acerca a un casoplón con apariencia abandonada de uno de los actores de su padre. Se trata de la mansión Lorrison. Una casa enorme en la que Jonathan le habla de lo mucho que admiraba a ese actor que aunque bebía era uno de los más grandes. 

De allí se lleva una de sus viñetas, un diablo. Poco antes de salir descubre que su hija, una chica alcoholizada, vive allí. Tras eso Amiel decide que están listos para asumir un proyecto más importante que él ha estado trabajando desde hace años, basada en una obra que se ha intentado , pero que hasta ese momento no ha sido viable siendo rechazada por los estudios. 

Como Fred lleva tiempo estudiándola ha preparado un detallado " book" de cómo se debería llevar a la pantalla. Para ello necesitan contar con un actor importante que se comprometa en el proyecto. Para ello diseñan un plan para captar a uno de los actores del momento Victor "Gaucho" Ribera (Gilbert Roland). Así que lo sacan una noche a bailar, cenar y beber y, finalmente, lee el libreto de Fred quedando encantado con el mismo. 

Finalmente Shields se lo presenta al estudio. Shields obtiene un presupuesto de $ 1 millón para producir la película, pero traiciona a Amiel al permitir que otro director de gran reputación como es el director Von Ellstein (Ivan Triesault), ha sido elegido como director. 

El éxito de la película permite a Shields crear su propio estudio, la Shields Productions, y llevarse a Harry Pebbel a trabajar para él. 

Por su parte, Amiel, ahora independiente de Shields, se convierte en uno de los grandes directores, ganando el Oscar en repetidas ocasiones por derecho propio. 

Tras esta historia Harry Pebble se dirige a la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y le recuerda como comenzó su relación con Shields. Tras aquel encuentro, ella trabajada como extra en algunas películas, en las pocas que le lograba colocar su agente Gus (Sammy White), un hombre bueno y sensible que le logró introducir en un casting como actriz de una sola frase en una de las películas de Shields. 

Cuando la lleva al casting, ella se fija que en la pared está el diablo que había dibujado su padre. Ahora es una desconocida actriz alcohólica, hija de un famoso actor al que Shields admiraba. Él aumenta su confianza y le da ese papel. 

Viendo que ella tiene la carga profesional de su padre, le ofrece, muy a pesar de la opinión de los demás del estudio, el papel principal en una de sus películas a pesar de las objecciones de los demás. Las pruebas iniciales son catrastróficas. Siente la oposición del director del proyecto Henry Whitfield (Leo G. Carroll) pero Jonathan se empecina. 

Ella se irá preparando y cuando queda un par de semanas para el inicio del rodaje le pide que se vaya a descansar a Palm Springs. Georgia llega la noche de antes al lugar de rodaje. Está nerviosa, especialmente cuando ve que jonathan le ha regalado un collar de perlas. Se marcha a beber. Y , al día, siguiente no aparece en el set. Tampoco es localizable durante la semana, por mucho que Syd revise todos los garitos. 

Cuando la posibilidad de ser sustituída es más que real, Jonathan piensa dónde puede estar y la localiza en su viejo apartamento. Allí esta borracha. A la mañana siguiente la tira a su piscina y la recupera para el rodaje. Ella se entrega a él, enamora de él, él le deja pensar que él siente lo mismo para que ella no se autodestruya y él obtenga la actuación que necesita. 

El rodaje sale y el estreno es todo un éxito. Después de que un gran estreno la convierte en una estrella de la noche a la mañana. Sin embargo, Georgia no ve a Jonathan en el estreno. Ella con una botella de champán marcha a su mansión y allí lo encuentra con una hermosa actriz secundaria que le sirve de chófer a Gaucho, Lila ( Elaine Stewart ). 

Cuando Georgia le echa en cara lo que siente, él aleja a Lorrison, diciéndole que nunca permitirá que nadie tenga tanto control sobre él. Aplastada por ser plantada por Shields, Lorrison abandona su contrato con su estudio. En lugar de llevarla a los tribunales, Shields cede sus derechos sobre ella, dejándola libre para ir a otro estudio, lo que le sirve para obtener muchos más éxitos con sus películas al convertirse en una de las principales estrellas de Hollywood. 

Por último, queda el guionista el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow (Dick Powell). Bartlow es un hombre formado en Harvard y la Sorbonne dando ahora clases como profesor de historia en una pequeña universidad. 

Se trata de un hombre satisfecho con su vida. Está felizmente casado una bella y superficial sureña, Rosemary ( Gloria Grahame ) y ha escrito un libro superventas sobre los orígenes del asentamiento de Virginia, ligado a la mítica historia del asentamiento desaparecido de Roanoke, una lección de historia, antropología y sexo. Jonathan Shields compró los derechos de adaptación cinematográfica. Shields quiere que el propio Bartlow escriba en Hollywood y para Hollywood el guión de la película. Bartlow no está interesado, pero su esposa, sí, así que acepta hacerlo por su bien. 

Cuando se instalan ven que, curiosamente, son vecinos de Georgia Lorrison. Van a Hollywood, donde Shields se enoja al descubrir que sus constantes distracciones propiciadas por Rosemary impiden que su esposo trabaje con continuidad y la velocidad requerida. 

Shields consigue a su amigo actor el galán Victor "Gaucho" Ribera ( Gilbert Roland) la entretenga y la mantenga ocupada. Libre de interrupciones, Bartlow marcha a un Lago junto a Shields y allí el escritor desarrolla la obra con las aportaciones introducidas por Shields. El guion así se concluye. Pero lo que no sabe el guionista es que Rosemary, sin embargo, se ha ido de viaje con Gaucho en una avioneta con destino a México y ambos mueren en un accidente aéreo. 

Cuando se completa el guión, Shields hace que el angustiado Bartlow permanezca en Hollywood para ayudar con la producción mientras Shields se hace cargo de la dirección. Shields, director por primera vez, arruina el trabajo, lo que lo lleva a la bancarrota. 

Entonces Shields deja escapar un comentario casual que revela el conocimiento y la complicidad en el romance de Rosemary con Gaucho, por lo que Bartlow lo abandona. Ahora, capaz de ver a su difunta esposa de manera más objetiva, Bartlow escribe una novela basada en ella, algo que Shields lo había animado a hacer anteriormente, y gana un premio Pulitzer por ello. 

De hecho la intención de Shields es llevar la novela al cine. Después de cada flashback, Pebbel está de acuerdo con sarcasmo en que Shields "arruinó" sus vidas, dejando claro que cada uno de los tres, a pesar de sentirse traicionado, está ahora en la cima del negocio del cine, gracias en gran parte a Shields. 

Por fin, llega la llamada telefónica de Shields y Pebbel les pregunta a los tres si trabajarán con Shields solo una vez más; los tres rechazan el motivo. Al salir de la habitación, Pebbel sigue hablando con Shields. 

Fuera de la vista de Pebbel, Georgia toma el teléfono y escucha la conversación a la que se irán sumando los otros dos a escondidas ; mientras Shields describe su nueva idea, y se interesan cada vez más en el mismo. No hay duda, son cautivos del mal. 

Hasta aquí la película que se basó en una historia que publicó una revista en 1949 y que llevaba por título "Of Good and Evil" escrita por George Bradshaw (1909–1973), natural de West Virginia . La misma se amplió a una versión más larga llamada "Memorial to a Bad Man" . Se trataba de la voluntad y el testamento de un productor de teatro de Nueva York que intentó explicar su mal comportamiento con tres personas a las que había herido: un escritor, actor y director. MGM compró los derechos de la película y originalmente Dan Hartman iba a producirla. Pero Hartman se fue a Paramount así que el proyecto le fue ofrecido por Dore Schary, el dramaturgo, guionista y productor cinematográfico de nacionalidad estadounidense, que llegó a ser jefe de producción de MGM y, finalmente, presidente del estudio, a John Houseman y se llamaría Memorial to a Bad Man . 

Houseman decidió cambiar el ambiente del teatro de Nueva York por el de Hollywood porque sintió después de All About Eve un escenario como el de Hollywood tendría más atractivo. 

Cuando recibió el proyecto John Houseman le gustó, pero decidió que lo haría, pero "no como una película de Broadway. Estaba harto de las películas de Broadway. El mismo le dijo a Dore Schary que "No sabría cómo agregar nada a las cosas que se han hecho, pero si me dejas hacerlo como una película de Hollywood, me encantaría hacerlo . " 

En principio en la película tendría que participar Clark Gable junto a Spencer Tracy . Finalmente, Kirk Douglas firmó para ser el protagonista. Vincente Minnelli era el hombre que la iba a dirigir. El mismo director señaló que "La gente que leyó el guión me preguntó por qué quería hacerlo" pues " ( ...) iba e contra Hollywood, etc. Les dije que veía al protagonista (...) con una debilidad, lo que lo hace humano, y segundo, porque es duro consigo mismo. Todos los demás, lo que lo hace honesto. Eso es lo complejo y maravilloso de los seres humanos, ya sea que estén en Hollywood, en el negocio del automóvil o en corbatas ". 

Douglas luego recordó que recordaba el caso de Francis X. Bushman , quien tuvo un pequeño papel en la película. El actor señaló que Bushman le dijo que su carrera se desvaneció porque "en el apogeo de su fama, sin darse cuenta, ofendió al todopoderoso Louis B. Mayer haciéndolo esperar unos minutos. Mayer, a su vez, lo expulsó de MGM y lo puso fuera de la industria. Esta fue su primera vez que aparecía en 25 años. La historia de Bushman me dio una idea útil del personaje despiadado y egoísta que estaba interpretando, otro antihéroe más rudo. Me estaba yendo bien con estos papeles ". 

Ha habido mucho debate sobre qué leyendas de Hollywood de la vida real están representadas por los personajes de la película. En el momento del estreno de la película, las historias sobre su base hicieron que todo el mundo pensara en David O. Selznick, cuya vida real era paralela en algunos aspectos a la del "productor independiente obsesionado por el padre" se dice que mandó a su abogado para que viera la película y determinara si contenía cualquier material difamatorio . Se cree que Shields es una mezcla de Selznick, Orson Welles y Val Lewton . 

Dore Schary , director de MGM en ese momento, dijo que Shields era una combinación de " David O. Selznick y el aún desconocido David Merrick ".

Mientras que el personaje de Georgia Lorrison como hija de un actor de "Gran peso" como John Barrymore (de hecho , la carrera de Diana Barrymore se lanzó el mismo año que la muerte de su padre), pero también se puede argumentar que Lorrison incluye elementos del ex de Minnelli, esposa Judy Garland . 

El Gaucho de Gilbert Roland casi puede ser visto como una auto-parodia, ya que recientemente había protagonizado una serie de imágenes de Cisco Kid , aunque el nombre del personaje, Ribera, también parece ser un guiño al famoso seductor de Hollywood el dominicano Porfirio Rubirosa. Lo curioso es que este actor cuyo nombre era Luis Antonio Dámaso Alonso había nacido en Chiuahua y era de padres españoles y entró en el cine a los 13 años, era un galán de medianoche - como le lalma Guillermo Cabrera Infante- "tanto en el cine como en la vida" y "era simpático y acogedor" con el latin lover que interpreta en la película.  El escritor cubano dice de él qe "al menos muere entre los brazos ( y supongo que entre las piernas) de una de las mujeres más atractivas el mundo, Gloria Grahame, que en otra página de su libre Cine o Sardina señala que corneaba a su marido interpretado por Dick Powell "con ayuda de Gilbert Roland, para morir los dos en un accidente de aviación que era como la retribución del ángel vengador a la adúltera".

El director Henry Whitfield ( Leo G. Carroll ) es un director "difícil" de abscribir aunque pudo estar inspirado en Alfred Hitchcock ya que su asistente, la señorita March ( Kathleen Freeman ), sigue el modelo de la esposa de Hitchcock, Alma Reville . 

El otro director, von Ellstein, puede seguir el modelo de Erich von Stroheim y Josef von Sternberg . El personaje de James Lee Bartlow puede haber sido inspirado por Paul Eliot Green , el académico convertido en guionista de la Universidad de Carolina del Norte de The Cabin in the Cotton . 

Houseman dijo más tarde: "Se pensaba que el productor era Selznick, y por supuesto que en gran medida lo es, pero ... bueno, ¿es el ciudadano Kane, el magnate Hearst? Sí, es Hearst, pero también Pulitzer y muchas otras personas legendarias. Así que fue Selznick , Zanuck y todos los demás. Al igual que el director extranjero podría ser Stroheim o Fritz Lang. Cuando empiezas a trabajar en un mundo legendario, obtienes figuras legendarias ". 

La película fue filmada como Tribute to a Bad Man, pero al estudio le preocupaba que la confundieran con un western por lo que el título fue cambiado por The Bad and the Beautiful por sugerencia del jefe de publicidad de MGM, Howard Dietz, quien lo tomó de F. Scott Fitzgerald . 

Houseman admitió que pensaba que era un "título espantoso, es un título repugnante, barato, vulgar", pero cuando la película tuvo éxito "parecía uno de los títulos más grandes que jamás se haya pensado. Ciertamente ha sido lo suficientemente imitado: en cualquier momento realmente difícil para un título, solo toman dos adjetivos y los encadenan con un "y" en el medio. 

Terenci Moix señala en el tercer volumen de su Historia del cine en el capítulo que le dedica a Vincente Minnelli que"Trabajar con Kirk Douglas en los tres filmes que rodamos juntos fue la colaboración más estimulante y gratificante que recuerdo. En cuanto a Lana Turner señala el escritor catalán que fue Vincente Minnelli quien le ofreció el papel de una diva de cine en su "crónica sangrienta sobre Hollywood"  

La película tuvo como fecha de estreno el habitual entonces, el 25 de diciembre de 1952 en Los Ángeles, quedando para el 15 de enero de 1953 en Nueva York y resto del país. Consiguió una recaudación en su país de $ 3,373,000 . A España llegó en octubre de 1954. 

En los Premios de la Academia , la actuación de la actriz Gloria Grahame como Rosemary Bartlow que ocupó solo 9 minutos y 32 segundos de tiempo en pantalla y fue en ese momento la actuación más corta en ganar un Premio de la Academia , un récord que mantuvo hasta 1977 cuando Beatrice Straight ganó Mejor Reparto por Network y estableció un nuevo récord de 5 minutos y 2 segundos. Este fue uno de los 5 Oscars que ganó. 

Junto al de Grahame, se llevó el de Mejor guión para Charles Schnee, la Mejor fotografía en blanco y negro para Robert Surtees, el Mejor vestuario para Helen Rose y la mejor dirección artística para el equipo formado por Cedric Gibbons , Edward Carfagno , Edwin B. Willis y F. Keogh Gleason . 

En los Globos de Oro fue nominada a Mejor actor de reparto (Gilbert Roland) y mejor actriz de reparto (Gloria Grahame) Por parte del Sindicato de Directores (DGA) fue nominada a Mejor director en la persona de Vincente Minnelli y por el de Guionistas (WGA) lo fue a Mejor guión dramático. 

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Venecia consiguió el Leon de Oro en la persona de Vicente Minnelli.

Hoy día está incluído en la Junta Nacional de Preservación de Películas en el Registro Nacional de Cine  

En cuanto a la crítica en su país el mítico crítico del The New York Times Bosley Crowther dijo de ella que "No aparece un dibujo claro de cómo se hacen exactamente las películas. Es una película colorida y llena de talento, pero es agitada, episódica y difusa."

En IndieWire se señala que "En el contexto de su tiempo, y por la calidad de su guion y gran parte de sus actuaciones, 'The Bad and the Beautiful' es una película notable." 

Para Dave Kehr del Chicago Reader "Bajo la dirección de Minnelli se convierte en un fascinante estudio de un hombre destruido por la ética del éxito de los 50 (...) Douglas está sorprendentemente bien (...) y está bien apoyado por (...) Lana Turner y Dick Powell." 

Noel Murray de AV Club defiende que "Todos los elementos de 'The Bad And The Beautiful' son de primera categoría (...) Esto es un producto de estudio jugoso y muy sofisticado, lleno de observaciones sobre los líos que hay detrás del arte." 

En Variety destaca que "El guion basado en la historia de George Bradshaw está excepcionalmente bien escrito." 

En el Reino Unido Philip French en las páginas del The Guardian sostuvo que "Aunque fue dirigida con la delicadeza característica de Minnelli, es esencialmente una película de productor, hecha por John Houseman (...) Houseman aplica (...) inteligencia y suavidad a un genio despiadado de Hollywood" 

David Parkinson en Empire señaló que "El megalómano de dientes apretados y muecas de Douglas está entre sus mejores trabajos, mientras que el guion de cotilleo (...) se presenta maravillosamente con la exuberancia melodramática de Minnelli (…) " 

Para Cath Clarke de Time Out la película "Está muy cerca del cielo cinematográfico (...) El guion está lleno de deliciosa sátira sobre el dinero en Hollywood (...) El diálogo es dinamita (…)" 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribí en El Mundo comentó que "Para mí una de las diez mejores películas de la historia del cine. (...) Es una película en la que todo funciona a la perfección, con aroma, con un privilegiado sentido del cine."

 Y Miguel Ángel Palomo en El País reflejó por escrito que era un "Asfixiante melodrama (...) Un juego de espejos que desvela verdades y embustes, guiado por el maestro Minnelli. Una absoluta maravilla."

El crítico venerado por Guillermo Cabrera Infante José Luis Guarner escribió en su Historia del cine americano que es "Uno de los mejores films, si no el mejor, de Hollywood sobre Hollywood."

Para Terenci Moix la película responde a algo único en Hollywood: "Siempre se dijo que sólo Hollywood está capacitado para hacer un análisis crítico de su fauna y Cautivos del mal la presentó bajo rasgos poco favorecedores. Sin embargo, revisiones actuales demuestran que la película es un admirable melodrama antes que la crítica implacable que en su momento pretendió ser. Douglas era, en su caso, un productor genialoide cuya imparable ascensión al éxito permite observar retazos de la vida de un gran estudio y, el principio del filme, imágenes fantasmagóricas de un Hollywood poblado de has bee. Se dijo que el personaje estaba inspirado en el niño prodigio de la Metro en los años treinta, el productor Irving Thalberg (quien ya inspiró a Scott Fitgerald su novela inacabada "The LastTycoon"), peroel modelo, si existió, no tarda en apartarse de sus orígenes para dramatizar el típico carácter del arribista sin escrúpulos".

Yo después de lo dicho por estos críticos sólo queda rendirme ante ella y decir que estoy ante una obra maestra del cine que tiene la virtud de hablar del cine, desde el cine. Capolavoro!!!

Planeta prohibido

Leslie Nielsen tuvo pasado como actor y el cine de ciencia ficción una deuda en el  Planeta prohibido o como se le llamó originalmente Forbidden Planet, una de las primeras películas de ciencia ficción por parte de los estadounidenses. Pero no nos engañemos la ciencia ficción está prácticamente presente desde los incios del cine. Ese Viaje a la Luna que es sino la plasmación en el cine de la historia de una aventura fantástica.

He visto , mejor dicho, he querido ver en esta película guiños de fantasía en esta historia. Por ejemplo, el hecho de tener esa atmósfera respirable o el papel indudable de los científicos en esta loca aventura futurista. 

Es cierto que no hay una llegada tan espectacular a este planeta como como el que ideó Méliès , pero el hecho de mostrarnos la existencia de una sociedad aquí mucho más desarrollada , es decir, organizada y con vida inteligente es o podría ser un guiño.

También es probable que para  1956 , el director de Planeta Prohibido  Fred M. Wilcox  ignorarse al clásico de Méliès, pero, más trascendente si cabe es ver que esta película si que abrió una importante ruta al cine y, sobre todo, al género ya que ella nos sólo nos dio un modelo de robotización, aquí concretado en Robby, un personaje que dará mucho de sí en la historia del cine y de la televisión, sino que apostó por algo más trascendental: el cine de Ciencia Ficción, tendría que apostar por los efectos especiales, por grandes artistas  ( en este caso tres estrellas en alza Walter Pidgeon, Anne Francis y Leslie Nielsen) y asumir grandes inversiones y riesgos en los presupuestos. 

El director fue  Fred M. Wilcox un hombre de Virgínia, nacido en 1907 y que muere muy joven , a los 56 sños, en  Beverly Hills, (1964) . Como director de cine será más conocido por haber colaborado con uno de los grandes como ayudante de realización en 1929 en Hallelujah! de King Vidor, pasando casi una decada después  a la dirección en 1938. Es el "padre putativo", también fue guionista y productor,  de unos diez largometrajes con cierta repercusión entre  1943 y 1960, como esas tres películas de la serie cinematográfica de la perra  Lassie (El coraje de Lassie el 1946, que, en parte, dio a conocer a  Elizabeth Taylor , que sale junto a Frank Morgan), la adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett El jardín secreto, pero sobre todo  el clásico de ciencia-ficción Planeta prohibido (1956). Como vemos tras ésta, ningún éxito salpica su carrera.

El texto original, escrito por Irving Block y Allen Adler en 1952 y titulado The Fatal Planet, fue adaptado cuatro años después por Cyril Hume y retitulado Forbidden Planet. Aunque parezca mentira la trama es una recreación de La tempestad, una obra teatral escrita por William Shakespeare en 1611, eso sí, ambientada en la era espacial tal como los propios autores reconocieron luego del estreno de la película.

La película es una producción de Nicholas Nayfack y detrás de la misma está la Metro-Goldwyn-Mayer que invirtió en ella cerca de 2 millones de dólares , en concreto, su presupuesto fue de $1.900.000  que se recuperó hasta casi doblarla ( con una recaudación de $3.250.000).

La música de la misma cuenta con la labor de Louis y Bebe Barron , mientras que la fotografía fue de George J. Folsey y el montaje de Ferris Webster . La he visto en castellano, pero en su versión original hay un narrador que es Les Tremayne.

El plantel del elenco estuvo integrado por Walter Pidgeon como el  Dr. Edward Morbius , Anne Francis como la bella ( y sensual) Altaira Morbius y el aquí serio y formal Leslie Nielsen como el Capitán John J. Adams. Junto a ellos se encuentran  Warren Stevens como el  Teniente 'Doc' Ostrow,  Jack Kelly -como el Teniente Jerry Farman,  Richard Anderson como el  Jefe ingeniero Quinn , Earl Holliman como  James Dirocco. Junto a ellos están George Wallace  y  Jack Kelly 

A principios del siglo XXIII, creo recordar que algo más allá del año 2200, el Crucero de los Planetas Unidos C-57-D es enviado a un planeta, el Altair IV situado en el sistema estelar Altair, a dieciséis años luz de la Tierra, para saber qué le pasó a una expedición enviada 20 años antes. 

Al final del largo viaje, superior al centenar de días, desde la partida el comandante John J. Adams (Leslie Nielsen) contacta poco antes de llegar con el Dr. Edward Morbius (Walter Pidgeon), un  filólogo integrante de la expedición anterior, quien le advierte que se mantenga alejado, pero se niega a dar una razón. 

Cuando se aproximan ven que en el planeta no hay restos ni indicios de la expedición anterior. Al aterrizar, la tripulación es recibida por Robby, el robot, que conduce a Adams, su primer oficial, al teniente Jerry Farman (Jack Kelly), y al teniente «Doc» Ostrow (Warren Stevens) a la casa de Morbius. 

Morbius explica que, un año después de la llegada de la expedición, alguna fuerza desconocida hizo desaparecer a casi todos los de la expedición y vaporizó su nave cuando los últimos supervivientes trataron de escapar. 

Sólo él, su esposa (que más tarde murió por otras causas no explicadas) y su hija bebé sobrevivieron. Morbius teme que la tripulación del C-57-D pueda correr la misma suerte siendo esa la razón, de su recelo, a la llegada de la nueva expedición. 

Los oficiales quedan alucinados  por la casa y su tecnología, mucho más avanzada de lo que conoce la humanidad, incluyendo a Robby, al que Morbius afirma haber «concebido... durante mi primer mes aquí». 

Adams se mantiene escéptico, y le recuerda a Morbius que su campo es la filología, no las ciencias físicas. 

Intentado explicar esto , una vez desarrollada la comida de invitación, cuando en la sal se persona la hija de Morbius de diecinueve años de edad, Altaira (Anne Francis) que incumple parcialmente la orden dada por su padre, de no aparecer durante la comida, pero al haber terminado ella entra en la sala.

Altaira ha crecido sin tener conocimiento de hombre alguno, excepto su padre, y es muy curiosa, por lo tanto, en cuanto se refiere a las relaciones humanas. Igualmente descubren que cerca de la casa se aproximan algunos animales propios de la tierra como un ciervo, algún mono y un tigre. Descubrimos que Altaira se relaciona a la perfección con los mismos. 

Como ella es una desconocedora del mundo y de las relaciones humanas , los tres oficiales están más que dispuestos a ayudar con su educación, especialmente el Teniente Farman, que parece el más vivo. 

Sin embargo, Adams le afea lo que hace tras ver que la intención de Farman es libidinosa y que intenta explicarle lo que es un beso y lo que implica , o puede conllevar.

Adams  mantiene a raya a su Teniente y es muy borde con Altaira. Le echa en cara su desconocimiento así como la ropa tan atrevida que lleva. Ella al llegar a casa le pide a Robbi que le diseñe un nuevo traje más largo y que no muestre nada de su cuerpo.

Al día siguiente Adams va al encuentro de Morbius que aparece encerrado en su despacho. Ante esto Adams da la orden a Doc para que lo espere y el va en busca de la chica, a la que encuentra dándose un baño sin pudor alguno.

Tras eso, Adams besa a la chica, pero igualmente ella descubre que siente algo , pero en la misma medida que el tigre ha cambiado su actitud hacia ella, pues la ataca. Con un rayo fulmina Adams al animal.

Luego vuelve al salón y junto a Doc entra en el despacho de Morbius. El no está allí , sino que aparece desde un tunel excavado no por él, sino por la civilización que antes dominó el planeta, los Krell. 

Morbius le cuenta a Adams y a Doc que ha reconstruido la historia y la ciencia de los Krell, los nativos extintos, que tenían ya una tecnología y una sociedad millones de años antes de la humanidad, pero todos habían muerto 200 000 años antes en una sola noche tras una inexplicable destrucción. Él muestra a sus invitados lo por ellos realizado, dándole especialmente importancia a lo que él llama «educador plástico». Morbius cuando lo usó por primera vez, dijo, estuvo en coma durante casi dos días, pero también duplicó su intelecto, lo que le permitió construir a Robby y el resto de los dispositivos maravillosos. 

Morbius también los lleva a un paseo por una instalación subterránea de los Krell, con forma de cubo, con la potencia de 9200 reactores termonucleares soterrados 50 millas por debajo de la superficie, que han estado funcionando y autorreparándose desde la extinción de los Krell. Preguntado sobre su finalidad, Morbius evita responder. Menciona, sin embargo, que se reconfiguraron unos 16 años antes. 

Esa misma noche tiene lugar una visita inesperada a la nave por parte de algo desconocido y que no es detectado por los vigilantes que ha puesto Adams alrededor de la nave.  Lo cierto es que una pieza valiosa del equipo en la nave ha sufrido daños pero los centinelas no ven ningún intruso. En respuesta, crean un campo de fuerza para proteger la nave. Poco después detecta energía y cómo la misma se acerca. 

Sin embargo, el campo de fuerza y la armas resultan inútiles cuando una cosa invisible atraviesa la valla y mata al ingeniero jefe Quinn (Richard Anderson), dejándolo despedazado. 

En un primer momento las sospechas recaen sobre Robby, pero es descartado cuando el cocinero de la nave le ofrece una coartada. La misma tiene que ver con decenas de botellas de Whyskie de Kansas que el robot ha suministrado al cocinero jefe.

De cualquier manera , se han avistad huellas. Después se hace un yeso de una de las enormes huellas encontradas en el suelo. El Dr. Ostrow manifiesta su perplejidad por lo que puede deducir de ella, habida cuenta de que la criatura parece violar todas las leyes de la evolución. El intruso vuelve la noche siguiente y solo se hace visible cuando atraviesa la valla y es blanco de las armas de la tripulación. El extraño ser mata a dos hombres,, así como al Teniente Farman. 

Mientras en su casa, Morbius estaba teniendo una pesadilla y despierta por el grito de Altaira. En ese momento, el atacante invisible desaparece. 

Mientras Adams va al hogar de los Morbius, con el objeto de intentar una explicación a lo ocurrido. Va junto a Ostrow, y a pesar de la oposición de Robbi para dejarles pasar , lo cierto es que Altaira le da la orden de paso. 

Tras estar un momento con Ataira descubre a Robby con el cuerpo del Doctor. Lo ha encontrado junto a educador plástico y todo apunta que lo ha utilizado. Antes de morir por sus efectos, declara que la gran máquina fue diseñada para materializar cualquier pensamiento del Krell que la utilizara. Luego agrega «¡Sin embargo, los Krell olvidaron una cosa! ¡Los monstruos, John! Monstruos del Id». Esto puede significar que, aunque los Krell se consideraban civilizados, empezaron a cometer los actos más oscuros, lo que resultó en su destrucción. 

Cuando Morbius objeta que no existe ningún Krell para generar la criatura, Adams afirma que el responsable es el subconsciente de Morbius y que este causó la muerte del grupo del Bellerophon cuando la expedición votó a favor de regresar a la Tierra, siendo que «el más profundo deseo de Morbius  estudiar a los Krell y sus máquinas» y esto les impidió abandonar su mundo. 

Morbius rechaza la idea de que su subconsciente esté produciendo el monstruo. Pero cuando Altaira declara su amor por Adams en contra de su padre, el monstruo viene por ellos destruyendo el bosque cercano y el muro de contención imposible de quebrar. Robby recibe la orden de matar al monstruo pero, dado que su programación le prohíbe tomar la vida humana, sus circuitos se colapsan al intentar matar al monstruo, porque comprende que este es en realidad un alter ego o la ampliación del Dr. Morbius. 

El monstruo invisible irrumpe en la casa y se abre paso a través de la puerta casi indestructible de la bóveda de los Krell donde Adams, Altaira y Morbius se habían refugiado. 

Morbius, finalmente, acepta la terrible verdad y trata de renunciar a su creación. Cuando es mortalmente herido, el monstruo desaparece. 

Morbius, moribundo, pide a Adams que accione una palanca para destruir las máquinas de los Krell, lo que también dará lugar a la destrucción total de Altair IV. 

Tras hacerlo,  Adams, Altaira, Robby y la tripulación superviviente escapan del planeta a gran velocidad en su nave espacial y son testigos de la destrucción del planeta, desde una distancia segura en el espacio. 

Adams le dice a Altaira que cuando el hombre avance hasta el punto de alcanzar a los Krell, el trabajo del Dr. Morbius será reconocido, acabando así la película. 

Planeta Prohibido fue la primera película de ciencia ficción con un presupuesto millonario. Se rodó en los Metro-Goldwyn-Mayer Studios en 10202 W. Washington Blvd., de la californiana Culver City. Un espacio en el que rodó la serie The Twilligt zone , una serie que es deudora de esta misma película o hace poco comentada La fuga de Logan de Michael Anderson.

De esta película emergió la figura de  Robby, el robot, que contribuyó en gran medida al éxito del film y cuyo protagonismo paso a otras películas - The Invisible Boy, Amazonas en la Luna (Amazon Women in the Moon, 1987, en un fragmento dirigido por Joe Dante) y Las chicas de la Tierra son fáciles (Earth Girls Are Easy, Julien Temple, 1989) - y series  como la mencionada The Twilight Zone, , Perdidos en el espacio (Lost in Space), Vacaciones en el mar e incluso en Colombo. De hecho, la nave espacial C57D con su característica forma de platillo volante fue reutilizada por la MGM en numerosas producciones incluida la serie The Twilight Zone.

La película tiene un buen número de efectos especiales. Para la única secuencia en que se ven los monstruos del Id se emplearon técnicas de animación suministrado por Disney, que también se utilizaron para los disparos de las armas de los protagonistas. Esto se debió a que unos años antes de entrar en la producción del film, MGM había desmantelado su sección de animación, por lo que tuvo que pedir cedido a Disney el trabajo de Joshua Meador que se encargó de realizar las animaciones del monstruo o las sobrecargas de Robby.

Originalmente el presupuesto inicial de la película fue de un millón de dólares, pero cuando comenzó la producción, sólo la construcción de los lujosos decorados ya costó esa cifra. MGM no estaba muy segura del posible éxito del film y corrigió partes del guión como el personaje cocinero de la tripulación. Una escena que añadió MGM narraba una escena del cocinero pidiendo a Robby compañía femenina, en una confusión del robot, Robby le traía un chimpancé hembra. La escena al parecer nunca se rodó.

La película contó con una banda sonora compuesta enteramente con instrumentos electrónicos realizada por el matrimonio Bebe y Louis Barron, que trasmiten desasosiego muy interesante, por cuanto parece ocultar en forma de “banda sonora” un peligro invisible, una amenaza latente pero que no se hará visible hasta el final. Para evitar conflictos con la Federación Americana de Músicos, el Sindicatos de los Músicos,  a causa del hecho que no tenía arreglo orquestal, sus vanguardistas composiciones fueron denominadas por ello “tonalidades electrónicas” en lugar de “música” ya que llegó a bloquear los créditos de la película obligando a cambiar banda sonora por esas tonalidades electrónicas.

La película se estrenó en los Estados Unidos el 15 de marzo de 1956 y en España se estrenó 11 años después de filmada, el 13 de marzo de 1967, debido a una prohibición expresa de la censura franquista. La razón está en Anne Francis y su traje.

Fue la primera actriz que aparece en minifalda en la historia del cine; Por ello se prohibió la película no solo en España, sino también en varios países y además  Anne aparecía descalza en todas las escenas. Aún así el film fue un éxito comercial.

Para el diario ABC la película fue uno de los clásicos indiscutibles de la ciencia-ficción de los años 50 siendo de la misma opinión que la web Alohacriticón opina que la película fue todo un clásico de la ciencia-ficción de la década de los 50 ​, mientras que para Espinof la película es un film serio e inteligente al que su influencia no ha sido del todo aún bien considerada.

Fotogramas opina, que "la película es una imaginativa recreación de "La tempestad", de William Shakespeare, en clave de ciencia-ficción. . La trasposición es admirable, sabiendo combinar el aliento ìclásico con las exigencias del género. Sus aportaciones fantásticas fueron considerables, destacando la creación del inolvidable Robby el robot. El conjunto evidencia como la imaginación no debe estar supeditada al efectismo".

Finalmente Alberto Abuín ‘Planeta prohibido’ o ‘Forbidden Planet’,(...) es una de las muestras más representativas de la ciencia-ficción de los años cincuenta, etapa cinematográfica obsesionada por el comunismo, las mutaciones y los platillos volantes.

La película se toma su tiempo en exponer, o descubrir, el auténtico meollo de la cuestión, algo que se convertiría en un modelo a seguir en futuras películas del género.  en la que tiene mucho que ver el poder del subconsciente.

Destaca Abuín en el blog de Espinoff que destacan los decorados de Cedric Gibbons –director artístico en más de mil películas, once Oscars en su haber y un currículum con el que la palabra impresionante se queda corta− también ayudan lo suyo, a pesar de cierto toque kitsch así como el monstruo invisible, impecablemente filmado por Wilcox a través de huellas en el suelo o con el uso de la cámara subjetiva, y cuya visibilidad se produce a través de un campo de fuerza a cuya creación ayudó Walt Disney prestando algunos de sus efectos visuales.

Hay que reconocer en ella a una gran deudora del mundo Trekkie, ya que Gene Roddenberry ha reconocido públicamente que Planeta prohibido fue su principal inspiración a la hora de crear la saga de Star Trek. El número de serie de la Enterprise es 1701, que es la hora en la que la nave C57D de Planeta Prohibido entra en órbita alrededor de Altair IV.

También fue una de las principales referencias de la serie Perdidos en el espacio. Planeta Prohibido significó el nacimiento de un mito de la ciencia ficción: Robby El Robot.

Poco después de su estreno, apareció la versión novelizada de Forbidden Planet escrita por Philip MacDonald utilizando el seudónimo W. J. Stuart. Aunque inspirada en el guión del film, la novela se ganó con el tiempo su propio espacio entre las obras de culto del género por su particular forma de abordar el tema (a partir de los relatos personales de sus protagonistas) y una serie de detalles y alusiones mitológicas que no aparecen en el filme. La hoy desaparecida editorial Tor de Buenos Aires publicó la novela en español en 1957; y como detalle curioso, en la portada se titulaba «El planeta desconocido», mientras que en la primera página aparecía su título original, «El planeta prohibido».

Planeta Prohibido fue la primera película de ciencia ficción con un presupuesto millonario. Hasta entonces era un género de Serie B y su éxito supuso un gran impulso para la ciencia ficción que vio como aumentaron las producciones del género en los años posteriores.

En cuanto a los Premios la película tuvo una nominación en los Oscar de1957  a los mejores efectos especiales en base a maquetas, disfraces y audaces , pero hoy rudimentarios trucos visuales, al igual que en los Premios Saturn y fue incluida en el Film Registry (2013).

La película es además producto de su tiempo. Pensemos que rodó en 1956, en plena escalada de la Guerra Fría y también de la carrera espacial, pero además de Star Trek , muchos aspectos de esta película son posibles detectarlo en otras y algunas trascendentales dentro del género.

Rastro de Planeta Prohibido encontramos en la saga Alien, aquella que creó Ridley Scott, pero visiblemente en la segunda entrega, Aliens El Regreso . Recordar una nave militar enviada a un planeta con la misión de averiguar qué ha ocurrido con la expedición transportada 20 años donde igualmente se encuentran con que casi todos han muerto. A eso habría que añadir los mensajes de advertencia o ese enemigo que los protagonistas de Planeta Prohibido denominan "criatura salvaje", que "posee las características de un animal pero se mueve como un bípedo y muestra una estructura de depredador que disfruta descuartizando a sus presas". No menos intrigante resulta un robot se desdobla entre la colaboración y la amenaza (como los sintéticos de Alien). Por último, pero no menos importante, están los Krell, una civilización muy avanzada ética, de donde recogen algunas especies, y acaban creando algo que les destruye. Dan O´Bannon, uno de los guionistas originales de la saga Alien, nombró Planeta Prohibido como una de las películas que le inspiraron a la hora de crear la historia.

Star Wars no está al margen de esta película pues nos muestra una nave que se desplaza a la velocidad de la luz ( a la velocidad de la luz va el Halcón milenario y se desplaza por el hiperespacio) o el uso de las pistolas laser. La idea del robot capaz de hablar 187 idiomas "con sus dialectos y sus subdialectos" y que se da baños de aceite para lubricarse creado en un planeta semidesértico (con dos lunas en vez de dos soles) pudo servir de inspiración al creador de la saga, George Lucas . El holograma animado en miniatura de la hija de Morbius transmitiendo un mensaje (como Leia), las expresiones y lenguaje ininteligibles para solventar explicaciones técnicas complejas (cosas como "corta los vectores espirales primarios" o "solenoides estabilizadores") o la de unas puertas romboides...

Igualmente Robocop de Verhoeven comparte alguna idea con Planeta Prohibido. Por ejemplo, Robby el Robot no puede obedecer una orden (llegando a paralizarse) porque en su programación hay una directriz inviolable que le impide eliminar a seres humanos  como le ocurría a Robocop . Y en otras de sus películas, Desafio total , juega un peso específico el tema de la energía . Si en Planeta Prohibido los Krell construyeron una gigantesca instalación subterránea en Altair IV con forma de cubo con una potencia de 9200 reactores termonucleares, capaces de producir cantidades ingentes de energía.

Lo interesante de la película está precisamente en ver que estamos ante el manantial inagotable que permitió el desarrollo de un nuevo concepto de cine de ciencia ficción que marcará a toda una generación que , si bien no descubre el cine con el género sí que nos llevó - y lleva- masivamente a las salas en cada una de sus convocatorias.  Como se señalaba en la publicidad de la película cundo se estrenó en aquel 1956: Amazing, o lo que es lo mismo, extraordinaria.