Ángeles romanos y demonios mundanos

Una película cuyo mejor mérito está en ser una versión cinematográfica de un best seller del año 2.000, el homónimo de Dan Brown, y que más elogiable aspecto es ver como telón de fondo una ciudad eterna como es Roma. Entre medias más que una historia de ambición, una de oposición a la ciencia y revivir una historia querida para un canal como el de History Channel, los Illuminati. 

Lo cierto es que Ángeles y demonios o Angels & Demons es una película normalita del año 2009, aunque muy bien financiada y mucho mejor vendida, realizada por un director más que competente Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks y Ayelet Zurer. En la producción de Brian Grazer, Ron Howard y John Calley representantes de la productora Imagine Entertainment, Skylark Productions y Panorama Films en la que invierten la friolera de 150 000 000. La distribución por parte de la Columbia Pictures – ya he dicho que fue muy bien vendida- permitió recuperar lo invertido con creces acercando su recaudación a los 500 millones de dólares. 

El guión es de David Koepp y Akiva Goldsman basado en Ángeles y demonios, de Dan Brown. Cuenta con la música de Hans Zimmer, la buena fotografía de Salvatore Totino y el montaje de Daniel P. Hanley y Mike Hill. 

La película cuenta con actor en el olimpo como es Tom Hanks como el profesor Robert Langdon, al que la acompaña una fugaz estrella como Ayelet Zurer que interpreta a la científica Vittoria Vetra, con un eficiente Ewan McGregor como el Camarlengo Patrick McKenna, con Stellan Skarsgård como el comandante Ritcher de la Guardia Suiza, Thure Lindhardt como su ayudante, Pierfrancesco Favino como el inspector Ernesto Olivetti, Nikolaj Lie Kaas como el Hassasin, David Pasquesi como Claudio Vincenzi y Armin Mueller-Stahl como el cardenal Strauss. 

La película comienza con la muerte de un Papa, el dolor de las multitudes en la Plaza de San Pedro y el anuncio del inicio de un cónclave para elegir nuevo Papa. 

Mientras en Ginebra, en el laboratorio de partículas del CERN, uno de los investigadores, un sacerdote que investiga sobre la antimateria, es asesinado justamente después de conseguirla. Su pupila la científica Vittoria Vetra (Ayelet Zurer) descubre el cuerpo mutilado del investigador, le han quitado el ojo para pasar por los scanner de reconocimiento, y se han llevado un recipiente que contiene la “partícula de Dios”, que en el fondo puede llegar a ser una bomba de antimateria. 

Tras ocurrir todo esto la escena se centra en una piscina en la que el profesor Robert Langdon (Tom Hanks) está nadando. Allí recibe un encargo por parte de un diplomático del Vaticano que interesa a Langdon pues parece que detrás del robo y del secuestro de cuatro cardenales se encuentran los Illuminati están detrás. Los cuatro cardenales , además, son los preferiti, es decir, los que más posibilidades tienen para convertirse en Papa y que reciben un ultimátum: serán asesinados en un plazo determinado, uno a uno. 

Robert Langdon, profesor de simbología de la Universidad de Harvard y experto en los Illuminati, determina que el “ambigram” es auténtico. Marcha de inmediato a Roma donde es recibido por un inspector de policía, el inspector Ernesto Olivetti (Pierfrancesco Favino). Mientras están charlando en las instalaciones vaticanas Langdon es informado por Vittoria de que los Illuminati han robado el recipiente que contiene la antimateria - la sustancia con potencial destructivo comparable a un arma nuclear, que en el CERN se almacena en un cargador eléctrico único que garantiza la estabilidad de la antimateria, pero cuando se quita la batería de respaldo proporciona energía durante 24 horas después de que la antimateria se autodestruirá. El recipiente está en algún lugar de la Ciudad del Vaticano, con una cámara de seguridad en frente de ella, ya que su reloj digital cuenta atrás hasta la explosión, y en un lugar en el que están secuestrados los preferiti. Langdon y Vittoria se dirigen a la Ciudad del Vaticano. Langdon y Vittoria deben buscar a los Preferiti con la esperanza de que también se encuentra el bote de la antimateria. 

Para dar apoyo logístico y documental a su búsqueda aparece el camarlengo Patrick McKenna (Ewan McGregor), el más estrecho colaborador del Papa y su padre adoptivo) y la Guardia Suiza del Vaticano encabezada por el comandante Ritcher (Stellan Skarsgård) y su ayudante de la Guardia Suiza (Thure Lindhardt). Langdon intenta seguir los pasos de la "Ruta de la Iluminación", un proceso que fue utilizado por los Illuminati como medio de inducción a los nuevos miembros. Se requieren a los aspirantes a ingresar en la extinta y condenada orden seguir una serie de pistas sutiles que quedan en varios puntos de referencia en los alrededores de Roma. Las pistas indican el lugar de reunión secreta de los Illuminati. 

Langdon se embarca en el Camino de la Iluminación con la esperanza de entregar el Preferiti y recuperar el bote de la antimateria. El camino conduce a Langdon a cuatro lugares en Roma, cada uno asociado a uno de los elementos primordiales: 'Tierra', 'Aire', 'Fire' y 'Agua', más un quinto desconocido. 

La primera pista encontrada en los Archivos Vaticanos les lleva al Panteón de Roma, lugar de enterramiento de Rafael Sanzio. Aunque estando allí se dan cuenta que Rafael fue inicialmente enterrado en la Iglesia de Santa María del Popolo, en una tumba piramidal que aparece en la Capilla de Agostino Chigi, debajo de la capilla aparece el primer preferito muerto, el cardenal Ebner, con tierra en su garganta y con el símbolo grabado en el pecho de la tierra. Tras especular un poco deducen que el ángel que acompaña al Habbakuk de Bernini marca la siguiente dirección, el Oeste y vuelven a dirigirse al Vaticano. Buscan una pista vinculada con el aire. 

En la Plaza de San Pedro de Bernini hay reunidos miles de fieles y en el suelo de la misma aparecen unos símbolos que marcan los puntos cardinales. En la cercanía del viento del Oeste aparece otro de los preferiti, el Cardenal Lamasse, con sus pulmones perforados y en el pecho grabada una palabra, Air. 

El tercer símbolo es el fuego. Y antes de saber donde pueden estar tanto Robert Langdon, éste y un agente de la guardia suiza, el teniente Chartrand, sobreviven a un atentado en los Archivos Vaticanos. Sin embargo, una pista los lleva a la Basílica de Santa Maria della Vittoria, lugar del conjunto arquitectónico del Éxtasis de Santa Teresa. Allí descubren entre llamas a un nuevo preferito, el cardenal Guidera, y reciben los disparos del Hassasins o "Janus", cuya verdadera identidad se desconoce.

El inspector de policia Olivetti y bastantes de los agentes que lo acompañan mueren. Langdon se salva milagrosamente. Cuando se desplaza nuevamente al Vaticano se da cuenta que los puntos se cruzan en la plaza Navona, donde Bernini levanta la Fuente de los Cuatro Ríos y allí vincula Robert al cuarto preferito. Efectivamente, cuando Langdon y unos policías llegan el asesino está tirando a la fuente al Cardenal Baggia. Los policías son asesinados, pero Langdon logra salvar al cardenal. Langdon debe completar el Camino de la Iluminación para encontrar al asesino. En este caso junto a Vittoria. 

Su búsqueda lo lleva a Castel Sant'Angelo, donde son detenidos por el asesino, que finalmente escapa, aunque su coche explota. El Mausoleo de Adriano esconde un túnel que conduce directamente a las cámaras del Papa en el Vaticano. Langdon y Vittoriaavanzan hacia el Vaticano a través del túnel. Y llegan a las Estancias Vaticanas. Los dos se apresuran en entrar y hablar con el camarlengo. 

Éste se encuentran con Kohler que, con cierta información, ha llegado para enfrentarse con el Camarlengo en privado. Langdon y Vittoria temen que Kohler es Jano, y que ha llegado para asesinar al camarlengo. Al oír el Camarlengo gritar de agonía, los guardias suizos irrumpen en la habitación y abren fuego contra Kohler. El Camarlengo tiene en el pecho el símbolo del Diamante de los Illuminati. Sin tiempo que perder, la Guardia Suiza evacua la Basílica. 

El camarlengo revela la ubicación del recipiente antimateria. Langdon y el Camerlengo van a las catacumbas y encuentra el bote sobre la tumba de San Pedro. Langdon y el Camarlengo recuperar la antimateria y solicitan un helicóptero para sacar el recipiente del vaticano y salvar con ello a los miles de fieles que esperan el final del Cónclave. 

El Camarlengo que sabe pilotar sube al cielo en helicóptero, aparentando ser el salvador, y abandona finalmente el helicóptero en altura, logrando saltar en paracaídas sobre el techo de San Pedro. En el cielo explota el frasco ante la mirada de la multitud que está en la Plaza de San Pedro. Debido a este "milagro", se debate en el cónclave papal si elegir al Camarlengo como el nuevo Papa. 

Parece el asunto resuelto, pero Vittoria quiere recuperar los escritos de su mentor que son guardados en la sala de video de Kohler. Langdon ve el video y en el mismo descubrimos al Camarlengo asesinando a Kohler. Después de ver la cinta Langdon y Vittoria del asesinato de Kohler, los cardenales se enfrentan al camarlengo. Al final se deduce que el Camarlengo teme que la ciencia destruya la fe. El Papa había mostrado su apoyo a la ciencia. Esa es la razón que le lleva a envenenar al Papa, a contratar a un asesino para llevar a cabo su plan y recuperar la idea de los illuminati , así como secuestrar y asesinar a los Preferiti. 

Tras todo ello el Camarlengo se suicida debajo del Baldaquino de San Pedro. Tras esto, el preferito superviviente, el Cardenal Baggia, es elegido como Papa y el cardenal Strauss (Armin Mueller-Stahl) – al que vemos en tribulaciones permanentes en la película como Gran elector- pasa a ser el Camarlengo. 

Antes de separarse el nuevo Camarlengo le entrega a Langdon los originales de un texto de Galileo, para que pueda terminar su nuevo libro. Se trata de un préstamo indefinido, siempre que regrese al Vaticano cuando el fallezca. Langdon accede sin problemas. 

En 2003, Sony adquirió los derechos para adaptar dos de las novelas del estadounidense Dan Brown, El código Da Vinci(2003) y Ángeles y demonios (2000). El 11 de abril de 2007 se confirmó que Tom Hanks volvería a interpretar a Robert Langdon y que, por ello, cobraría el segundo mayor salario de un actor: 50 millones de dólares. La producción comenzó en julio de 2008 y su estreno estaba previsto para el 12 de diciembre de 2008. Pero, debido a la huelga de guionistas en Hollywood, fue el 15 de mayo de 2009. 

El rodaje oficial de Ángeles y demonios comenzó el 4 de junio de 2008, en Roma, estando presentes Tom Hanks, Ayelet Zurer, Pierfrancesco Favino, Stellan Skarsgård, el director Ron Howard, Dan Brown, el productor Brian Grazer y todo el equipo de producción. 

La Iglesia Católica no permitió que se rodara en los interiores de las capillas Santa María del Popolo y Santa María della Vittoria debido a las impactantes escenas que debían ocurrir en tales sitios, por lo que debieron conformarse con rodar en los exteriores. Los interiores de las capillas fueron rodados en sets de Sony Pictures en los Ángeles, Estados Unidos, mientras que los interiores del Vaticano en la Reggia di Caserta, al sur de Italia. El rodaje en Roma finalizó el 30 de junio de 2008, para luego trasladarse a los Ángeles. 

El 3 de octubre se dio a conocer el primer póster de la película, y el 28 del mismo mes se abrió la página principal de la película, en donde se encuentran las primeras fotos de la película y el tráiler de la misma. A lo largo de la narración, los pilotos de cabeza en la elección del nuevo Papa se denominan Preferiti, es decir. los que se prefieren. En realidad, se les conoce como papables. La película fue un éxito de público, en parte, a la difusión de la obra de Brown. 

En cuanto a la crítica señalar que fueron mixtas, tan generosas, como críticas. Por ejemplo, Roger Ebert en el Chicago Sun-Times decía "Este tipo de películas requieren que seamos muy benévolos y, si lo somos, prometen entretenernos. 'Angels & Demons' lo logra. (...). En Empire Kim Newman decía que era "Más entretenida que 'El código Da Vinci', pero aún así es un sinsentido. (...). David Edelstein del New York Magazine señalaba que se trataba de un "Violento thriller ocultista que entrega lo prometido. (...) Howard y su equipo han trabajado duro para que el regreso del Profesor Robert Langdon sea un emocionante y rápido paseo por el parque". Peter Travers en Rolling Stone señalaba que "Sin pretensiones de profundidad, la película puede disfrutarse por todo lo endiabladamente tonta que es. (...). 

En España Jordi Costa del Diario El País señalaba que era "Adaptación made in Hollywood que uno podría esperar de Howard (...) razonablemente más entretenida que 'El código Da Vinci', pero sin la insensata locura que propulsaba el libro original.", mientras que Federico Marín Bellón del Diario ABC señalaba que era "Trepidante (...) apenas ofrece un par de cosas, pero ambas están bien empaquetadas e incluyen un lazo final vistoso y bien anudado (...).

Por último, Jordi Batlle Caminal de Fotogramas decía que "Arranca como una desprejuiciada mezcla de epopeya de ciencia-ficción y 'Las sandalias del pescador' (...) la cosa deriva en una suerte de episodio de “24” con alzacuellos (...) Quien no se divierta con 'Ángeles y demonios' es porque no quiere. (...). 

Pocos más que decir, se trata de una película que refleja muy bien lo que es el libro aunque lo modifica, pues tiene un buen envoltorio y una buena trama, pero en base a una historia absurda en todos los sentidos. Puede ser entretenida, pero nada creíble. 

“Angels& Demons” © 2009 Imagine Entertainment, Skylark Productions y Panorama Films y  Columbia Pictures. Todos los derechos reservados para estas millonarias empresas

París años veinte, en la noche temática

Ver La noche temática, es asomarse con curiosidad a un episodio del presente, del pasado o del futuro, a la ciencia, a la historia, a los problemas de nuestro tiempo o de tiempos venideros, asomarse a La noche temática es descubrir lo poco que sabes y disfrutar aprendiendo algo, aunque sea efímero o trascendente. 

Este primer programa del año 15 del presente siglo lleva por título "Paris, los locos años 20" cuyo título original sería Paris, années folles. De Montmartre à Montparnasse. Toda una joya documental realizada bajo la dirección de Fabien Béziat por la productora francesa Program33 con archivos de la época, entiendo que en gran medida coloreados, que refleja la efervescencia de la capital francesa tras las I Guerra Mundial la sangría que supuso para la población francesa la gran guerra, de la que conmemoramos su centenario en su segundo año cronológico. En esos años que van de 1919 al año 1929, en esa década, la que ocupa la mayor parte de los años 20, París vivió una intensidad creativa jamás vista. 

El documental parte de que en París, que no en Francia en su conjunto, la ciudad es un oasis de libertad, un momento único entre dos guerras mundiales. Fueron años en los que los parisinos y expatriados de muchas naciones , voluntariamente o no, y vinculados con el mundo de la cultura disfrutaron de los felices años 20, una década que marcará la historia de la cultura occidental. Nunca París vivió – ni vivirá- una intensidad creativa y una efervescencia tal. 

El documental nos ha ofrecido una oportunidad única de ver imágenes desconocidas de la época. Archivos recuperados de videotecas de todo el mundo, coloreados y sonorizados para conseguir un mayor realismo. El resultado final es un monumento al retrato inédito de la época. 

Todo empieza tras la guerra y sus efectos devastadores físicos y psíquicos y la respuesta natural de una población que sabe que el vivir son dos días. Así que de inmediato empieza una carrera – unas carreras sin fin, y de todo tipo- para vivir a sorbos – en Montmatre, la carrera de asiduos a la taberna es un buen ejemplo de ello- una vida que se sabe corta. Artistas de todo el mundo van a París, pero ya no buscan refugio en un Montmatre decadente, pero popular que busca sobrevivir como lo hace la Goulou , de cualquier manera. Todas las disciplinas artísticas ( pintores, escultores, escritores, fotógrafos, músicos y cineastas), busca ahora su refugio en Montparnasse , el barrio de los bares y terrazas, pero también de boîtes donde el jazz y los nuevos bailes norteamericanos, llegan junto a las tropas negras que han llegado con Pershing. A estos artistas se le suman aristócratas franceses, ingleses o rusos exiliados y millonarios estadounidenses en busca de aventuras y alcohol, pero también gente de a pie, emigrantes, millones de emigrantes italianos, polacos, españoles o armenios, y gente de la bohemia, aunténticos miembros de una generación perdida por el alcolhol, según Gertrude Stein, pero ganada para la literatura y el arte. 

Tres mujeres entre muchos artistas deslumbran , por un lado, la deseada y deseable Kiki de Montparnasse, compañera de cama y de cámara de muchos, pero especialmente de Man Ray, y la belleza energética de color, la “pantera negra” que era Josephine Baker y sus ritmos tan descarados como deseables. Junta a ellas Coco Chanel que revoluciona la moda, los peinados y crea un icono: la garçonne parisina. 

La capital francesa se convierte en un torbellino de fiestas, laboratorio de vanguardias artísticas, de terrazas de Montparnasse, y de clubs de jazz, y centro de la revolución social y sexual, lugar para las transgresiones, la emancipación de la mujer, la liberación sexual y la revolución cultural reflejado en dos barrios: Montmartre, rebelde y de la clase obrera, frente a Montparnasse, el hogar de los intelectuales y la bohemia. Y trufado entre medias el pueblo que acompaña al Panteón masivamente a Jean Jaurès, que ve a los atletas de los juegos olímpicos de 1924 – entre ellos el nadador Jonnhy Weissmuller- , que en la maratón descubre un París, pobre, cercano a la miseria de cualquier ciudad. 

Entre medias descubrimos vidas y miserias de Picasso o Buñuel, pero también de Soutine, Modigliani, Brancussi, Picabea, hasta el delicado Satie aparece, no bailando al ritmo de jazz, pero sí saltando para oponerse a la reacción de los Camelots o de la dereca francesa que parece refugiarse en Juana de Arco, desde ese década Santa y protectora que preside desde Montmatre, un mundo que a sus pies baila , participa en carnavales, espectáculos o disfruta del porno, industria que se desarrollo notablemente en Francia – pero, y añado yo, y también en España-, un ambiente relajado visible en Deuville, pero también en las dársenas del Sena, que no impide que alrededor de Francia, aparezca el fascismo o el nazismo, o que se hunda la bolsa de New York, y con ella un espíritu, el de liberación, respuesta natural se apoderó de la capital francesa al finalizar la primera Guerra Mundial, y que quería olvidar los horrores vividos, inventar un nuevo mundo sin guerras, un mundo de risas y placeres. 

Un gran reportaje el de Fabien Béziat sobre un momento mágico de la historia de capital francesa, pero que fue imposible que se mantuviera en el tiempo. Todo es efímero. 

Agradecer a La noche temática de la 2 y Tlevisión a la carta y al blog de Vida y tiempos del juez Roy Bean por sus imágenes.

El primer Virginiano

Hablar del Virginiano es hablar de un clásico del cine y de las series televisivas norteamericanas que se desarrollaban en un entorno complejo como era el western. No lo sabía pero el creador cinematográfico de esta figura, una constante, en la historia del cine y del western televisivo fue Cecil B. DeMille y a una fecha muy temprana. Estamos en el año 1914, hace un siglo. 

The Virginian es una película del año 1914 basada en la novela The Virginian escrita por Owen Wister. La película es una adaptación de una exitosa obra de teatro que en 1904 habían montado conjuntamente su autor Owen Wister con el dramaturgo Kirk La Shelle. "El virginiano" se estrenó en el Teatro Manhattan de Nueva York el 5 de enero 1904 y cerró tras 138 actuaciones. El protagonista de la mayor parte de las representaciones era Dustin Farnum 

Una vez realizada con éxito su primera película Cecil B. DeMille prosiguió con este género que, precisamente, lo había encaminado al cine, el western. Para ello volverá a contar con Jesse L. Lasky y su compañía la Jesse Lasky Feature Plays así como con un presupuesto que alcanzaba los 17.022 dólares. Así que la segunda película que realiza el duo es: " The Virginian, picturized por Cecil B. De Mille." 

El fotografo de la misma es Alvin Wyckoff, mientras que el montaje lo fue de Cecil B. DeMille y Mamie Wagner. La Paramount Pictures será la encargada de la distribución desde el 7 de septiembre de 1914. 

El elenco de actores está formado por Dustin Farnum (the Virginian) y Winifred Kingston (Molly Wood), - pareja en la vida real que ya conocemos de la primera película de DeMille. A estos se unen Jack W. Johnston (Steve), Sydney Deane (Tío Hughey), William Elmer (Trampas), James Griswold (conductor de la diligencia), Horace B. Carpenter (un malvado Mexicano), Tex Driscoll (el secuaz bajito), Cecilia de Mille (la pequeña Jennie), Anita King (Mrs. Ogden), Dick La Reno (Balaam), Mrs. Lewis McCord (Mrs. Balaam), Monroe Salisbury (Mr. Ogden), Russell Simpson y Hosea Steelman (Lin McLean). 

La historia comienza con la presentación del Virginiano protagonista (Dustin Farnum) y sus virtudes como hombre y como vaquero que lleva una vida profesionalmente intachable en el lejano oeste. Es buen amigo de Steve (Jack W. Johnston), persona en la que confía, y para los pies a los broncos del pueblo en el que viven, Bear Creek, Wyoming. 

En paralelo conocemos a la protagonista femenina. Se trata de Molly Wood (Winifred Kingston), una maestra que enseña en Vermont y que al quedar en paro recibe una carta para marchar al lejano oeste a dar clase. Allá se dirige ella. 

Nada más bajarse del tren una diligencia conducida por un borracho (James Griswold). Éste intenta abusar de ella, pero ella se lo quita de encima. Sin embargo, pocos metros después el conductor mete la diligencia en un arroyo, sacándolo del atolladero al conductor y a la chica el virginiano protagonista. 

En Bear Creek se recibe con entusiasmo a la profesora por parte de la comunidad, en la que viven también desde tahures como Trampas (William Elmer) y sus secuaces (Horace B. Carpenter, el mexicano o el bajito Tex Driscoll) hasta honorables miembros de la comunidad como Tío Hughey (Sydney Deane), Mrs. Ogden (Anita King), Balaam (Dick La Reno), Mrs. Balaam (Mrs. Lewis McCord), Mr. Ogden (Monroe Salisbury) o Lin McLean (Hosea Steelman), así como una multitud de pequeños. Beben, bailan y Steve se dedica a gastar bromas intercambiando la ropa y confundiendo a las familias, una vez acabada la fiesta. 

Tras la fiesta vemos que , por un lado, el Virginiano y la maestra comienza a estar enamorados, mientras que Steve empieza a caer en el ámbito del mal por medio de Trampas. Trampas y los suyos comienzan con el robo de ganado, mientras que el virginiano y el resto de honorables ciudadanos de Bear Creek comienzan a seguirles, hasta localizarlo en su escondite. 

Trampas y Shorty escapan, mientras el grupo encabezado por el Virginiano sorprende a Steve y al mexicano. Estos son detenidos y finalmente el grupo los condena a la horca. En la noche previa al ahorcamiento, Steve y el Virginiano recuerdan momentos alegres del pasado, algo que entristece a ambos, pero la sentencia se cumple sin miramientos. La sombra de los ahorcados se impone en la imagen. 

Más tarde, Shorty y Trampas prosiguen su fuga. Pero parte del diario que leía Steve le sirve al Virginiano para descubrir el nuevo paradero de los dos fugados. Trampas haciendo honor a su nombre traiciona y mata a Shorty. Pero el Virginiano prosigue la persecución del cuatreto. 

Mientras en Bear Creek los niños repiten el modelo de Steve y el Virginiano simulando un ahorcamiento que es parado por la señorita Molly Wood. 

Por su parte, el Virginiano prosigue su persecución ya en solitario tras el forajido Trampas. Tras convencer a los miembros de la comunidad india que la persona que les sigue lleva mucho dinero , los nativos americanos se preparan para una emboscada al Virginiano. Éste escapa, a pesar de sus heridas, milagrosamente de la emboscada. 

Mientras Molly escribe una carta renunciando a su puesto de trabajo y tras ello se marcha con dirección al Este. Pero unas millas más hacia el este se encuentra con el Virginiano herido en un arroyo. 

La siguiente escena se remite a la convalecencia. En ella vemos a la pareja tonteando y prometiéndose en un futuro matrimonio. 

El día de la boda coincide con el regreso de Trampas al pueblo. Nada más ser informado el Virginiano de ello se encamina al bar para reencontrase con su enemigo. En la habitación del hotel, Molly sufre en silencio pues no sabe lo que va a pasar. 

En el bar hay un enfrentamiento dialectico entre el forajido y el Virginiano. Ambos se emplazan para la caída del sol. El nerviosismo devora a Molly que le pide al Virginiano que abandone ese enfrentamiento, pero él no puede especialmente después de lo ocurrido con Steve. La noche va llegando y el consiguiente duelo favorece al Virginiano. 

En la escena siguiente nos encontramos con la pareja abrazándose a la luz de una hoguera. Y así acaba la película. 

La película se rodó en Santa Clarita, Newhall y San Diego, todas ellas localidades de California. Y en ella volvemos a encontrarnos con un DeMille valiente que narra de manera precisa la historia del Virginiano, una historia que no decae en ningún momento. Es menos melodramática que la anterior y , posiblemente, tenga menos fondo, pero yo creo que está más conseguida. 

Los trabajos de los actores son menos teatrales, especialmente, en Dustin Farnum no así en su mujer Winifred Kingston, aquí Molly Wood. 

La película funciona como un corto de 53 minutos y es que el tiempo pasa muy rápido y sin ningún tiempo de inactividad. 

Hay más oficio y más estilo en este Cecil B. DeMille y eso que sólo han pasado siete meses de diferencia con respecto al “Prófugo”. Dustin Farnum está mucho mejor, haciendo un trabajo admirable Tiene sus momentos cómicos como esa docena de vaqueros en torno a una puerta de la habitación o cuando despierta al conductor ebrio de la diligencia en un río. Hay un buen uso del primer plano, por ejemplo, para resaltar la nota. Estamos ante una buena película que no envejece mal, lo hace con solera, como un buen vino.

Last Christmas, según el Dr

El primer regalo de reyes, tenía que haber sido de Navidad , pero ha sido de Reyes, es el episodio especial que por Navidad emite la BBC - ¡Thanks BBC!- de la serie del Dr y que llevaba por título "Last Christmas" y que fue emitido por la televisión británica el pasado 25 de diciembre de 2014. Last Christmas, o sea, la Última Navidad es el décimo episodio extraordinario que por Navidad y desde 2005, se ofrece y en este caso el primero de este Duodécimo doctor. 

El episodio fue escrito por Steven Moffat y dirigida por Paul Wilmshurst, siendo los productores ejecutivos el propio Moffat y Brian Minchin. El editor fue David P Davis y el productor Paul Frift. 

El papel del duodécimo Doctor lo asume como ya sabemos y lo hemos comentado Peter Capaldi y su acompañante es la encantadora Jenna Coleman, para nosotros Clara Oswald. En este episodio especial aparecen igualmente Nick Frost como Santa Claus, Samuel Anderson como Danny Pink, Dan Starkey como Ian, Nathan McMullen como Wolf, Faye Marsay como Shona McCullough, Natalie Gumede como Ashley Carter, Maureen Beattie como Fiona Bellows y Michael Troughton como el Profesor Albert Smithe. 

La historia comienza con Clara Oswald despertándose en la nochebuena dado los ruidos que se producen en su azotea. Investigando voces cercanas, ella se sorprende al encontrar a Santa Claus, dos elfos, un trineo y renos voladores varado en su techo. Al salir se encuentra con Santa Claus (Nick Frost) y dos elfos Ian (Dan Starkey) y Wolf ( Nathan McMullen), sus ayudantes que están teniendo problemas en la distribución de juguetes y con los renos, especialmente con Rudolph. 

Clara le pregunta a Santa Claus si es quien piensa que es, y éste le explica todos los regalos que le ha traído. Justo en el momento en que Santa Claus le pregunta por qué dejó de creer aparece el Dr. con la TARDIS. El Doctor (Peter Capaldi) se encara con Santa Claus y le pide encarecidamente a su compañera Clara Oswald (Jenna Coleman) que se meta en la TARDIS Pero no antes de que Santa le diga que necesitará de su ayuda antes de que termine la noche, mientras que el repartidor le entrega una mandarina. 

Mientras esto se produce la historia se traslada al Polo Norte, lugar en qué un grupo de científicos intenta salvar a sus compañeros de personal de la base, y que han atacados por los mortales cangrejos del espacio o del sueño que inducen a estados de sueño. Se interrumpe el intento de salvarlos por parte de Shona McCullough (Faye Marsay) al llegar a la escena el Doctor y Clara. 

Mientras se realizan las presentaciones, se produce un nuevo ataque de los cangrejos, pero en este caso quien los rescata es Santa Claus y sus elfos. Santa se ofrece a prestar ayuda para frenar a las criaturas. El doctor identifica a las criaturas como los Cangrejos del sueño – auténticamente Aliens- que inducen a agradables sueños, y dejan eufóricos a sus futuras víctimas antes de morir tras devorar el cerebro de una persona. Durante este tiempo, tanto el doctor y Clara revelan que, dolorosamente, se habían mentido a sí durante su último encuentro: Clara mintió sobre Danny al decirle que Danny había regresado de la Nethersphere, mientras que el doctor afirmó falsamente haber encontrado Gallifrey. 

El doctor envía Clara a la sala cuando es atacada por un cangrejo ya que al pensar en ello se activan las conexiones telepáticas . El caso es que el cangrejo del sueño cobra vida y ataca a Clara. Enviados al mundo de los sueños deseables, Clara se reencuentra con su amante muerto, Danny Pink, pero descubre pizarras con mensajes (que simbolizan los intentos del Doctor para comunicarse con ella) que le advierte del peligro en que viuve, ya que de hecho se está muriendo. Sin embargo, Clara los ignora deliberadamente, sin dejar de centrarse en Danny. El doctor, para ayudarle, cae víctima voluntaria de otro cangrejo con el fin de entrar en su mundo de sueños y enfrentarse a ella. Ella todavía se resiste obligándose a despertar, hasta que Danny – que ya es consciente del peligro, de su propia muerte y de la situación de Clara en ese estado de sueño - le dice que debe seguir adelante con su vida. Como Clara acepta la realidad de su muerte, ella y el doctor despiertan, descubriendo que las criaturas cangrejeras han muerto y se convierten en polvo. 

Al despertar de nuevo en la estación de investigación, sin embargo, el doctor se da cuenta de que no han despertado realmente - que son simplemente en una capa diferente de un sueño de múltiples facetas y ha sido así desde el ataque inicial cuando llegaron. 

En realidad, ninguno de ellos escapó de los cangrejos. El doctor lo demuestra haciendo que los científicos leen individualmente cuatro ejemplares de las instrucciones de la base. Ellos encuentran que la primera palabra de cualquier página elegida al azar por Clara es diferente para cada uno de ellos, en lugar de idénticos como debe ser. El doctor deduce, además, que el sueño de los cangrejos no pudo detener su subconsciente y Santa Claus explica la difícil situación al grupo y les ayuda a despertar. A medida que el doctor se prepara para abandonar la base, Clara le recuerda que conocieron a Santa antes de llegar, demostrando que todo el escenario hasta el momento ha sido un sueño. 

La realidad es que todos los científicos son extraños entre sí, y personas de diferentes épocas y lugares, cuyos sueños están vinculados con el doctor y con Clara a través de los Cangrejos sueño. Uno de los científicos pronto cae e incluso los rostros infectadas del Doctor y de Clara emergen de la TARDIS. El grupo está rodeado. Frente a la derrota, el doctor les recuerda a todos que Santa les ayudó a sobrevivir del ataque anterior y les pide soñar con Santa Claus, que llega justo a tiempo en su trineo y les devuelve a la seguridad. Los "científicos" pronto se dan cuenta de que son, de hecho, la gente común, todos los cuales pronto se despiertan, uno por uno, a sus vidas reales, hasta que sólo queda Clara. 

El doctor, al quedar libre del sueño se da cuenta de la dificultad en la que está Clara y regresa para salvarla con su destornillador sónico. Consigue retirar el Cangrejo, pero ahora Clara es una anciana. Han pasado 62 años desde su última reunión. Su reencuentro es súbitamente interrumpido por la llegada de Santa, que ordena el doctor que actúe antes de que sea demasiado tarde. El doctor, al darse cuenta de que todavía sueña, se despierta de verdad y se apresura a salvar a la real Clara, despertarla y descubre para su alivio mutuo, que es la misma edad que la última vez que la vio. El Doctor le ofrece ahora todo el tiempo y el espacio, y le implora a Clara unirse a él de nuevo. Clara acepta encantada. Cuando salen, no son conscientes de que una mandarina ha sido dejado en el alféizar de Clara. 

"Last Christmas" fue visto por 8,28 millones en el Reino Unido, la cifra más baja jamás para un especial de Navidad, pero , sin embargo, las crónicas sobre el valor del episodio ha sido muy positivas alabando su historia, la actuación y las influencias cinematográficas tanto de la película Aliens como de La cosa. . Previamente a la emisión del episodio unos cuantos pensábamos que sería el último de Jenna Coleman en la serie dado la crisis vivida entre ellos en esta temporada. Al final de este episodio descubrimos que no, que Clara decide seguir viajando con el Doctor. Hace unos días Moffat reveló que Coleman aparecería en toda la novena serie. El rodaje de "Last Christmas" fue programado para septiembre de 2014 y Paul Wilmshurst dirigió el episodio. El rodaje comenzó el 8 de septiembre en Cardiff.. 

Sobre el episodio Alasdair Wilkins escribió "El guión de Steven Moffat es extraordinariamente inteligente en la forma en que utiliza los símbolos de propios de la Navidad para poner encima el horror de una buena historia de monstruos a la antigua. Alabó igualmente la actuación de Peter Capaldi y cierto aire melancólico real, en ese título de "Last Christmas". El cronista del Telegraph calificó de" maravillosamente feliz " el episodio. Den de Geek elogió el episodio, afirmando que " Last Christmas " que es uno de los mejores episodios del Doctor Who de los últimos tiempos". Estamos de acuerdo, y desde luego a nosotros sí que nos ha gustado.

The Squaw Man en los albores

Ya sabemos que una puerta abre otra y ayer tras ver The Cheat y recabar información por la misma, me encontré en la Historia del Cine , la obra de Terenci Moix, referencia al primer western filmado en Hollywood por Cecil B. DeMille y que se convirtió oficialmente en su primera película. Esta claro que un western vale mucho y yo no iba dejar de verlo,  así que entre esta madrugada y esta tarde he visto la película que lleva por título The Squaw Man , que se puede traducir como El prófugo (aunque en el Reino Unido fue conocida como El Hombre Blanco). 

Se trata de un western melodramático del año 1914 y, evidentemente mudo y en riguroso blanco y negro, protagonizada por Dustin Farnum. La película fue dirigida por Oscar Apfel y Cecil B. DeMille y producido por DeMille y Jesse L. Lasky, el guión fue adaptado por Cecil B. DeMille, Oscar Apfel de una obra homónima de Beulah Marie Dix que , a su vez, parece inspirarse en una obra de 1905 , escrita por Edwin Milton Royle. La fotografía corrió a cargo de Alfred Gandolfi y la edición y montaje por Mamie Wagner. 

El director artístico fue Wilfred Buckland. La distribución recayó en manos de Famous Players-Lasky Corporation, que presentó la película en sociedad el 12 de febrero de 1914 con sus 74 minutos de duración. Contó con una recaudación de 244,700 dólares. 

El elenco de actores y actrices está compuesto por Dustin Farnum (Capt. James Wynnegate y Jim Carston en los Estados Unidos), Monroe Salisbury (Sir Henry , Conde de Kerhill), Winifred Kingston (Lady Diana, condesa de Kerhill), William Elmer (Cash Hawkins), Foster Knox (Sir John), Joseph Singleton (Tab-y-wana). A estos se unieron Red Wing (nombre real de Lillian St. Cyr) que interpreta a Nat-u-ritch, 'Baby' Carmen De Rue como Hal, Mrs. A.W. Filson como la viuda Lady Elizabeth Kerhill , Haidee Fuller como Lady Mabel Wynnegate , Foster Knox como Sir John,, Dick La Reno como Big Bill, Richard L'Estrange como Grouchy, Fred Montague como Mr. Petrie ,, el mismísimo Cecil B. DeMille as Faro Dealer, Cecilia de Mille como el Chico, así como Hal Roach y Art Acord como ciudadanos, y Raymond Hatton . La mayor parte de los actores están “uncredited”. 

La historia es la siguiente. James Wynnegate (Dustin Farnum) y su primo, Henry (Monroe Salisbury), miembros de la aristicracia inglesa, son los responsables o fideicomisarios para el fondo de un orfanato. Uno de ellos, Henry que tiene una adicción al juego, pierde el dinero en una apuesta en una carrera de caballos y malversa secretamente todo el dinero de "fondo" para pagar sus deudas. 

Cuando Wynnegate atrapa a su primo en el acto, se lo echa en cara, pero Wynnegate está enamorado de Diana(Winifred Kingston) la esposa de Henry y carga con la culpa. Cuando los funcionarios de la oficina se les informa de que el dinero que falta es el del "fondo", consideran que el culpable es James, pero este escapa con éxito a los Estados Unidos. Tras pasar por Nueva York, descubre en un estado poco poblado que le sirve de refugio, Wyoming . 

En Wyoming compra un pequeño rancho y pronto entra en conflicto con Cash Hawkins (William Elmer), un matón local. Al poco de llegar James rescata a una india Nat-U-Rich (Lillian St. Cyr), hija del jefe de la tribu Ute, que está siendo molestada en la taberna de la estación del ferrocarril por un forajido de nombre Hawkins (William Elmer). Hawkins al verse humillado por el británico, que ahora ha tomado de nombre de Jim Carson, espera tener un momento para vengarse, pero dichos planes se frustran por la intervención de Nat-U-Ritch que fatalmente le dispara. 

Nat-U-Ritch (Red Wing) confiesa a Wynnegate que ella ha disparado y él le dice que lo mantendrá en secreto. En un rancho se instala Jim y un día cuando marcha a las montañas nevadas a recoger los caballos James Wynnegate tiene un accidente en la montaña cegado por la nieve y tropieza en algunas aguas termales venenosas. Nuevamente la india Nat-U-Ritch le sigue la pista y le lleva de vuelta a la seguridad de su poblado. 

Como ella lo cuida de nuevo recupera la salud, y se convierten en amantes. Wynnegate ve como la india va realizando pequeños mocasines, dándose cuenta de que está embarazada, así que busca a un juez de paz. Más tarde tienen un hijo. Allí viven felizmente. Mientras en los Alpes durante una exploración por la montaña, Henry cae por un precipicio. Antes de que muera por sus lesiones, Henry firma una carta de confesión declarando la inocencia de James en la malversación de fondos. 

Ante la noticia sobre la verdad de los hechos, la viuda de Henry Lady Diana (Winifred Kingston) y otros amigos británicos marchan a Wyoming en buscar de recuperar la dignidad de James. Llegan en tren , el mismo día que el sheriff que intenta repetir en su puesto, inicia una investigación para esclarecer la muerte de Hawkins. De todo ello se entera el jefe indio Tab-y-wana que se adelanta para informar a los hombres de James. Al llegar a la residencia en la que conviven James y de Nat-U-Ritch, el Sheriff recupera el arma homicida que se utilizó contra Cash Hawkins en el interior de la residencia de la pareja. 

En principio logran impedir que el sheriff actúe. De hecho, James está más interesado en la formación del futuro conde, su hijo, pero cuando marcha la carreta que llevará al hijo a Gran Bretaña, el sheriff lo detiene. Una dolorida Nat-U-Rich, que siente , por un lado, como va a perder su hijo, como, por otro, como va a perder la libertad, decide quitarse la vida. Y en los lamentos de James acaba la historia. 

Estamos ante la primera versión cinematográfica de una historia que Cecil B. DeMille llevará en varias ocasiones – tres, en concreto en 1918 y 1931- a la gran pantalla. 

También se trata del primer largometraje filmado específicamente en un arrabal de Los Ángeles que era conocido con el nombre de Hollywood. No era la primera que rodaba en el área de Los Ángeles, pues algunas escenas se habían rodado en San Pedro, California, y en las vías del ferrocarril en el valle de San Fernando. Se rodó igualmente en Camp Keen cerca de Idyllwild, y en el Monte Palomar, todos ellas en California. 

En esta película aparecen por primera vez indios nativos americanos, aunque no es el caso de Joseph Singleton que interpretó el papel de Tabywana, el padre de Nat-U-Ritch. Sin embargo, ella, Nat-U-Ritch era la Princesa Redwing o Lillian St. Cyr una nativa americana miembro de la tribu Ute. El tema central de esta película fue el mestizaje. En el estado de California, las leyes contra el mestizaje existieron hasta el año 1948. A pesar de que los afroamericanos no podían casarse legalmente con los blancos en el estado de California durante el proceso de filmación, fueron reconocidos los matrimonios entre los nativos americanos y los blancos. Y los blancos fueron los que asumieron durante mucho tiempo los personajes indios. 

Hasta 1913, Cecil B. DeMille había sido un actor que buscaba el éxito en el mundo de la interpretación, éxito que sí habían disfrutado su padre y su hermano mayor, William. En esos años el cine era un entretenimiento vulgar que atraía a clientes de bajos ingresos huídos de los teatros y en nickelodeons donde las hazañas de Florence Lawrence, Bronco Billy Anderson y Mabel Normand estaban deleitando al nuevo público. En ese momento De Mille descubre que el cine es el futuro. 

Esta idea estaba en las mentes de muchos inmigrantes judíos como Adolph Zukor (Hungría), Marcus Loew (Austria), Louis B. Mayer (Rusia), William Fox (Hungría), los Warner Brothers (Polonia), y Carl Laemmle (Alemania), y Sam Goldfish (más tarde Goldwyn), que abandonó Varsovia, a pie en 1898, sin un centavo en el bolsillo y que al llegar a la ciudad de Nueva York a través de Canadá en enero de 1899, donde trabajará como vendedor de guantes, llegando a ser Vicepresidente de Ventas de la Elite Glove Company. Sam Goldwyn (antes "Goldfish") un judío vendedor de guantes cree en ese momento de todo corazón en el poder del cine. 

En esos años conoce a Jesse Lasky, de San Francisco, al casarse con su hermana de Blanche Lasky. Su cuñado era el productor Jesse L. Lasky, que había trabajado con DeMille en operetas de un solo acto. Goldwyn y Lasky invitan a DeMille a entrar en su mundo. Y con El prófugo, una obra teatral y popular por entonces, y que no requería mucha inversión desde el momento en que se podía grabar al aire libre casi en su totalidad. Lasky y DeMille compraron los derechos de la obra de Edwin Milton Royle por 4.000 dólares y había que buscar a alguien para dar la cara y éste fue Dustin Farnum - que recibió un salario de 250 dólares a la semana-  y su esposa en la vida real, Winifred Kingston. Con Dustin Farnum volverá a trabajar en otro de sus western de aquel año "The virginian / El virginiano", igual que Winifred Kingston que trabajará en su película "The call of the North".
A ellos se unió en esta pelícuila Red Wing (de la Nación Chunk Ho Nación) contratada para interpretar a la esposa india americana.
DeMille y Lasky, conjuntamente con Goldwyn y y el abogado Arthur Friende, decidieron apostar por el futuro del cine, al quedar entusiasmados después de ver conjuntamente "Asalto y robo de un tren" de Porter, y con una inversión de 26.500 dólares, fundando la Famous Players-Lasky Corporation. A los jóvenes deMille y Lasky lo que le apasionó era "la posibilidad de contar una historia a través de la imagen" como hacen cortar Gene Ringgolg y Dewitt Bodeen en "The films of Cecil B. De Mille" (Citadel Press, 1969. Nuevas ediciones: The complete films of...).
En preparación para su trabajo como director, DeMille pasó un día en los estudios de Edison aprendiendo el juego de imágenes en movimiento. Lasky y Goldwyn además contrataron a Oscar Apfel, persona con experiencia en cortometrajes desde 1911 que eran un negocio más rentable que una película de larga duración. 

La película tenía que haberse hecho en Flagstaff, Arizona (DeMille y Apfel adaptaron el guión en el viaje en tren desde Nueva York) pero DeMille encontraron el paisaje, la lluvía y la luz inapropiada para sus propósitos. Como llovía en Arizona, Ewing Miles "Lucky" Brown, cuyos parientes tenían en propiedad el estudio que, con el tiempo, se convertiría en Paramount, dijo, que en "Hollywood", no caería una gota. Lo cierto es que el éxito de Hollywood, con su paisaje, los bajos costes laborales, el clima cálido. También se dice que fue Dustin Farnum el que sugirió Los Ángeles como una alternativa. Otra teoría dice que la decepción en Flagstaff hizo que DeMille, Farnum & Co. permanecieron en el tren hasta que se llega al final de la línea: la ciudad de enlace de Los Angeles. Iban a la deriva y llegaron a Hollywood Según Mary Claire Kendall, DeMille alquiló un granero en Vine Street por 200 dólares al mes, justo al norte de Sunset Boulevard, el primer estudio de la compañía de cine Lasky. El granero fue la semilla de la que Paramount Pictures eventualmente crecer, y aún sigue en pie, conservada como museo de principios del cine de Hollywood. Y comenzó a filmar El prófugo el 29 de diciembre 1913 y la imagen que aparece por debajo es una escena de conjunto de ese primer e histórico día de rodaje en Hollywood.

Para la filmación al aire libre, él era su propio explorador de locaciones y encontró hermosos escenarios: San Pedro era el lugar ideal para las escenas portuarias; el Valle de San Fernando sólo el lugar para la berlina occidental; Keen Camp en Idllwild, perfecto para el pastoreo de ganado escenas en el campo abierto; y, el Monte Palomar para escenas de nieve. Para agregar escala y el drama de las escenas en un pequeño pueblo del oeste, construyó un conjunto para el depósito de tienda a unos pocos metros de una vía del ferrocarril por lo que las escenas filmadas son interrumpidas por el vapor de los trenes. 

Incluso en su primera película, DeMille muestra un buen ojo para la iluminación (influenciado por las obras de teatro de David Belasco). Utilizando técnicas rudimentarias, DeMille y su director de fotografía Alfred Gandolfi lograron los efectos de la luz del fuego y luz de las velas.

La película se terminó de rodar, pero tras algunas dificultades técnicas con las perforaciones de arrastre Sam Goldwyn envió la película al laboratorio cinematográfico de Lubin. La película finalmente se estrenó el 17 de febrero 1914 y que era todo lo que DeMille, Goldwyn y Lasky podrían haber esperado. La película había costado cerca de 15.000 dólares para producir y obtener un beneficio neto de $ 244.000. Tanto DeMille , ya como director general de  de la Jesse L. Lassky Feature Play Compañy, como Lasky habían triunfado.  Con el tiempo la compañía de Lassky se integraría en la Paramount, pero De Mille será supervisor en dicha compañía , consejero y jefe de producción, guionista y codirector de muchas de las obras de esta productora

A diferencia de la película vista y comentada en el día de ayer aquí las actuaciones siguen siendo muy teatrales y llenas de grandes gestos, aquí lo importante es la historia narrada, una secuencia se encadena con otra lo que permite avanzar a la historia. Y lo más importante de la película indudablemente está en el peso que DeMille le da al paisaje, razón del traslado de la industria del cine a Hollywood. Lo cierto es que El prófugo (1914), una película de 78 minutos eclipsó todos los cortometrajes realizados hasta ese momento, y creo una infraestructura adecuada para que en aquel lugar del rodaje apareciera un lugar llamado Hollywood.

Armaggeddon, una película de sobremesa

Hablar del Armaggedon era hacer referencia a un libro bíblico, el libro de las revelaciones, y era el lugar de reunión de los ejércitos que participarían en la batalla que pondría fin al mundo. Sin embargo, para el común de los mortales Armaggedon es una película estadounidense de ciencia ficción y de desastres del año 1998 y que fue dirigida por Michael Bay, producida por Jerry Bruckheimer, y distribuida por la Touchstone Pictures.

Es importante entender el contexto de la película. Estábamos en el año 1998 , dos años antes del fin del milenio, y el cine buscará en los aspectos milenaristas un filón especialmente en el cine que hablaba del desastre o del fin de los días. Armageddon se en fechas cercanas a Deep Impact, otro film en este caso protagonizado por Robert Duvall y Morgan Freeman. Las dos aparentemente tenían argumentos interesantes desde el punto de vista científico, mejor en Deep Impact que Armageddon que fue un éxito internacional de taquilla, consiguiendo alcanzar los 553 millones de dólares en taquilla, llegando a superar a la que , para mí, era la película del año: Salvad al soldado Ryan de Steven Spielberg. 

Lo cierto es que en la producción están un trío formado por Michael Bay, Jerry Bruckheimer y Gale Anne Hurd que con un tino perfecto hacia el negocio y a través de sus productoras Touchstone Pictures, Jerry Bruckheimer Films y Valhalla Motion Pictures que invirtieron en ella unos 140 millones de dólares y cedieron la distribución a Buena Vista Pictures, y aprovechando lo que era la cercanía del último milenio, quisieron contar con una historia ideada por Robert Roy Pool y Jonathan Hensleigh, adaptada al cine por Tony Gilroy y Shane Salerno pero cuyo guión pasó por las manos de Jonathan Hensleigh y el gran J. J. Abrams. 

Con este ramillete de personas y ese fajo de dinero pasaron a contar con un equipo técnico de peso. En el mismo destaca el fotógrafo John Schwartzman, el montaje de Mark Goldblatt, Chris Lebenzon y Glen Scantlebury y la música de Trevor Rabin. 

Cuenta con un reparto que incluía a Charlton Heston en la narración en su versión inglesa, a los que se suman Bruce Willis como Harry Stamper, el jefe de la nave Libertad, Ben Affleck como A. J. Frost, novio de Grace y líder de la nave Independence , Billy Bob Thornton como Dan Truman, Liv Tyler como Grace Stamper, Will Patton como Charles "Chick" Chapple, Steve Buscemi como "Rockhound", Michael Clarke Duncan como J. Otis "Bear" Kurleen Bear, Owen Wilson como Oscar Choice, Clark Heathcliffe Brolly como Fred Noonan, Peter Stormare como el astronauta ruso Lev Andropov, William Fichtner como el Coronel Willie Sharp, Ken Hudson Campbell como Max Lennert, Keith David como el General Kimsey, Jessica Steen como el Copiloto Jennifer Watts, Grayson McCouch como Gruber, Jason Isaacs como el Dr. Ronald Quincy y Chris Ellis como Walter Clark. 

La historia comienza cuando la NASA, tras la explosión del transbordador espacial Atlantis en el espacio debido a una lluvia de meteoros masiva , y ve cómo una franja de tierra de la costa este de Estados Unidos incluyendo la ciudad de Nueva York sufre una terrible lluvia de meteoritos, tras lo cual, descubren que un asteroide con aristas del tamaño de Texas ha pasado a través del cinturón de asteroides y empujó hacia delante una gran cantidad de desechos espaciales y se dirige hacia el planeta Tierra, con una previsión de colisión en 18 días. El asteroide podría provocar una extinción de la vida terrestre. Científicos de la NASA, liderados por Dan Truman, tras barajar varias hipótesis para evitar el cataclismo, deciden que lo mejor es perforar el asteroide e introducir una bomba dentro, que al estallar separaría el asteroide en dos pedazos, cambiándole la trayectoria, con lo que pasarían alejados de la Tierra, evitándola. Harry explica él necesitará su equipo, incluyendo AJ, para llevar a cabo la misión. Están de acuerdo en ayudar, pero sólo después de que su lista de premios y demandas inusuales se cumplen. 

Tras esto, Dan Truman (Billy Bob Thornton) decide traer al mejor perforador de petróleo en aguas profundas del mundo, Harry S. Stamper (Bruce Willis) para realizar la misión. Harry acepta, a cambio de llevar su propio equipo, formado por los hombres con los que habitualmente perfora en alta mar en busca de petróleo. Harry viaja a la NASA con su hija Grace, para mantenerla alejada de su nuevo novio y uno de los perforadores de Harry, AJ Frost. Entre los miembros de su equipo están el ya nombrado A. J. Frost (Ben Affleck), quien mantiene una relación sentimental con Grace, (Liv Tyler) quien es la hija de Harry; Rockhound (Steve Buscemi); Bear / Oso (Michael Clarke Duncan); y Oscar (Owen Wilson). 

Tras tener Harry y su grupo listos para entrenarse en la base de la NASA, les explican la misión: consistirá en que dos grupos repartidos en dos transbordadores espaciales, el Libertad y el Independencia, tendrán que acoplarse a la MIR (estación espacial rusa), cargar las naves con combustible, prepararse para dar una vuelta a la Luna utilizando su gravedad y aterrizar justo cuando el asteroide pase al lado de ésta, y los restos de la cola sean atraídos por la gravedad lunar. Tras llegar al asteroide, tendrán que usar los armadillos, unos sofisticados vehículos equipados con las máquinas necesarias para perforar y con ellos, perforar hasta los 240 m, colocar una bomba atómica e irse de allí, todo esto antes de que el asteroide haya pasado la denominada «barrera cero», es decir, una distancia límite calculada en 600 km para que los dos trozos de asteroide restantes tras la explosión atómica, se separen lo suficiente como para no colisionar con la Tierra. 

Tras recibir un duro entrenamiento con ejercicio físico, prácticas con los armadillos, ensayos de perforación en piscinas simuladoras de baja gravedad y vuelos supersónicos a más de 5 veces la gravedad de la Tierra, se preparan para despegar justo un día después de que un trozo del asteroide colisionara en Shangai, destruyendo la ciudad y provocando un tsunami, provocando la muerte de 50.000 personas y provoca que la NASA haga público que un meteorito se aproxima a la Tierra. Con esto, las esperanzas del mundo están puestas en ellos. Es entonces cuando el presidente de los Estados Unidos da un mensaje de esperanza a toda la humanidad: 

Hoy les hablo no como Presidente de los Estados Unidos ni como líder de la nación, sino como ciudadano de la Humanidad. Nos estamos enfrentando al más grave de los desafíos. La Biblia llama a esto el Armagedón. Y aun así, por primera vez en la Historia del planeta, las especies tienen la tecnología para evitar su propia extinción. Todos aquellos que rezan con nosotros necesitan saber que todo lo que se puede hacer para evitar este desastre ha sido puesto en servicio. La sed humana por la excelencia y el conocimiento, todos los escalones en la escalera de la ciencia, cada aventura hacia el espacio, todas nuestras tecnologías modernas combinadas e imaginadas, e incluso las guerras que peleamos nos proporcionaron las herramientas para librar esta terrible batalla. A lo largo del caos que es nuestra historia, de todos los errores y las discordias, todo el dolor y el sufrimiento de todas nuestras épocas hay una cosa que ha nutrido nuestras almas y elevado a nuestra especie por encima de su origen y eso es nuestro valor. Los sueños de todo un planeta esta noche están enfocados en esas catorce almas valientes que viajarán por los cielos. Ojalá que todos los ciudadanos de este mundo veamos el final de esto. Dios los bendiga y buena suerte a todos. 

En el transbordador Independencia se encuentran A. J., Oscar, Oso y Freddy, y en el Libertad, Harry, Chick, Rockhound, Max y el coronel Sharp de las fuerzas aéreas y la copiloto Watts al mando de la misión. 

Deben acoplar los transbordadores a la estación internacional rusa, donde el cosmonauta Lev Andropov (Peter Stormare) les proporcionará el hidrógeno líquido (el combustible que usan los transbordadores) necesario para rodear la Luna y aterrizar. Durante la estancia, una fuga de hidrógeno provoca un fallo y hace que la estación espacial estalle, estando a punto de fallecer el cosmonauta Andropov y A. J. Finalmente el cosmonauta se marcha en el transbordador Independencia. 

Luego, los astronautas se dirigen a la Luna para usar su gravedad como una resorte e impulsarse hacia el asteroide. Al perder la comunicación con la Tierra, activan sus propulsores y se disparan a una velocidad de 22.500 mph (36.000 kph), alcanzando una gravedad más 10 veces superior a la de la Tierra. Tras rodear la Luna y ponerse en la parte de atrás del asteroide, listos para aterrizar, un pequeño asteroide de la cola, colisiona contra el transbordador Independencia y daña uno de sus motores, haciendo que se estrelle. El Libertad logra aterrizar pero no en el lugar previsto, sino que aterrizan a 26 km de distancia del sitio previsto en una placa en la que el suelo a perforar es de ferrita comprimida, lo cual hace que sea más difícil la perforación, rompiendo uno de los perforadores antes de los 3 m de profundidad. 

Mientras tanto, a la colisión del transbordador Independencia, han sobrevivido A. J. Lev y Oso, que cogen el armadillo y se disponen a reunirse con el Libertad. Tras dos horas y media, el equipo de Harry tan solo ha logrado perforar 17 m lo cual según los cálculos previstos, no permitirá terminar la perforación a tiempo, ya que solo disponen de ocho horas. 

El coronel Sharp se dispone a contactar con la Tierra para dar un informe de progresos. Mientras tanto en la Tierra, además de recibir la mala noticia, descubren que la gravedad lunar afecta a las comunicaciones y que en doce minutos, tal vez ya no puedan contactar más con el transbordador y perderán la capacidad para detonar la bomba a control remoto de forma permanente. 

Tras esto, el presidente de Estados Unidos decide activar la bomba atómica a distancia antes de que termine la perforación, matando a todos los hombres que están en el asteroide, ya que no les ha avisado. Activan la bomba y el coronel Sharp se dispone a evacuarlos y largarse del asteroide, sin embargo Harry no se rinde tan fácilmente y tras una discusión está a punto de estrangular al coronel Shark, pero se detiene y le jura al Coronel Shark que si desactiva la bomba, logrará perforar hasta los 240 m y terminar la misión. Sharp y su compañero logran desactivar la bomba justo a tiempo. 

Se ponen manos a la obra y tras un terremoto producido al topar con una bolsa de gas en la perforación, ésta explota bajo el armadillo que Max pilota y lo destruye lanzándolo al espacio, acabando con toda esperanza para la humanidad. 

Se dan las alarmas en todo el mundo, y el caos empieza a producirse en las ciudades. Un fragmento enorme del cometa cae en París a más de 30.000 kph arrasándola por completo. 

Se disponen resignados a activar la bomba y marcharse, habiendo perforado tan sólo 165 m cuando el otro armadillo con A. J., Lev y Oso, tras muchas dificultades, logra llegar a donde se encuentra el equipo de Harry, devolviendo las esperanzas al mundo. Tienen una hora para perforar 75 metros, colocar la bomba e irse.

 Tras topar de nuevo con una bolsa de gas estando a punto de perder también el segundo armadillo, logran perforar y alcanzan los 240 m, pero un tubo se ha atascado y no deja meter la bomba, lo cortan y justo entonces se produce un terremoto en el asteroide. Uno de los pilotos de la nave fallece. Cuando se disponen a colocar la bomba definitivamente descubren que ésta, tras el terremoto, se ha averiado y ha perdido el control a distancia, lo que significa que alguien debe sacrificarse y quedarse allí a detonarla. 

Deciden echarlo a la suerte y A. J. es quien finalmente deberá hacerlo, Harry le acompaña abajo para despedirse de él, pero le abre el conducto del oxígeno asfixiándolo y lo encierra en el compartimento decidiendo que la detonará él, ya que A. J. debe casarse con su prometida, la hija de Harry. Le entrega también el parche de su uniforme que lo identifica con el transbordador Libertad, le dice que está orgulloso de que él vaya a casarse con su hija y lo envía de vuelta al transbordador pese a las súplicas de A.J. Finalmente se preparan a despegar para marcharse, pero la nave se ha averiado y los motores no responden. 

Mientras tanto, Harry realiza una transmisión para despedirse de su hija en la Tierra. Debido a que Watts no consigue hacer que la nave responda, Lev consigue "reparar" la nave golpeando con una llave inglesa la turbina y logrando que responda. Mientras Harry le dice a Sharp que se vayan de una vez, otro terremoto sacude el asteroide, haciendo que Harry, ahora solo, casi muera. Harry consigue llegar a la bomba y detonarla justo antes de que pase la barrera cero, destruyendo el asteroide. 

Los que lograron sobrevivir, A. J., Oso, Lev, Rockhound, Chick, Sharp y la teniente Watts, llegan a la Tierra, donde son recibidos como héroes. A. J. y Grace se casan, durante la boda, en atriles, están colocadas las fotografías de Harry, Oscar, Max y Freddy. Al final lágrimas para todos. 

Fueron nueve los escritores trabajaron en el guión, cinco de los cuales se acreditan. Además de Robert Roy Pool, Jonathan Hensleigh, Tony Gilroy, Shane Salerno y JJ Abrams, los escritores involucrados incluido Paul Attanasio, Ann Biderman, Scott Rosenberg y Robert Towne. Originalmente, era el guión de Hensleigh, que había sido luz verde por parte de la Touchstone. Entonces el productor Jerry Bruckheimer contrató a ese ejército de guionistas. Estando el productor Jerry Bruckheimer de por medio y , Joe Roth el presidente de Walt Disney Estudios estaba claro que en ella no iba a ver miserias. De hecho el número de guionistas fue una buena muestra de ello, pero igualmente en la mejora de efectos especiales que tuvieron un añadido de 3 millones de dólares más de presupuesto para incluir escenas con efectos especiales adicionales, y todo ello meses antes del estreno, y una vez vistos los de Deep Impact. 

Armageddon recibió sobre todo críticas negativas por parte de los críticos de cine, que vieron un problema en "el ritmo frenético de su edición". La película fue una de las más denigradas por Roger Ebert. Ebert afirmó que "La película era un ataque a los ojos, los oídos, el cerebro, el sentido común y el deseo humano de ser entretenido" Todd McCarthy de Variety también dio a la película una crítica negativa, señalando estilo de corte rápido de Michael Bay como lo más negativo: "Gran parte de la confusión, así como la falta de ritmo dramático o el desarrollo de los personajes, resulta directamente del estilo de Bay, que se asemeja a una ametralladora atascada en la posición de disparo de 2 horas y media. 

En España Ángel Retamar en Cinemanía decía lo siguiente: "Otra prueba más del poderío tecnológico de Hollywood (...) Representa el apocalipsis en plan bruto frente a la vertiente melodramática de 'Deep Impact', a todas luces más discreta, pero más emotiva" 

Y Pablo Kurt en filmaffinity: nos comentaba que “ el tándem Jerry Bruckheimer (productor) y Michael Bay (director) acertó de pleno y de nuevo arrasó en taquilla. El primero se forró con una historia inverosímil que apabulla por sus efectos especiales… El segundo puso lo -¿único?- que sabe hacer y lo que se pedía de él: ruido y habilidad técnica en una superproducción excesiva a mayor gloria de Estados Unidos y sus héroes de postín. (…)El despropósito de "Armageddon" era realmente colosal. Pero con todo, y a pesar de sus dos horas y medias, como conjunto consigue ser medianamente entretenida. 

El director Michael Bay comentó en The Miami Herald que el problema residía en que “ ... Tuvimos que hacer toda la película en 16 semanas. Era una tarea enorme. (…) Fue terrible”. 

La película recibió cuatro nominaciones a los Premios de la Academia en los 71 edición de los Premios de la Academia , incluyendo; Mejor sonido (Kevin O'Connell, Greg P. Russell y Keith A. Wester), Mejores Efectos Visuales, Mejor Edición de Efectos de Sonido y Mejor Canción Original ("I Do not Wanna Miss a Thing", interpretada por Aerosmith). La película recibió los Premios Saturn a la Mejor Dirección y Mejor películas de ciencia ficción (donde empató con Dark City). Pero no todas son rosas. Hubo espinas, y grandes. 

También fue nominado a siete premios Razzie, incluyendo: Peor actor (Bruce Willis), peor película, peor director, peor guión, peor actriz de reparto (Liv Tyler), la peor pareja en pantalla (Tyler y Ben Affleck) y Peor Canción Original . Sólo un Razzie se le concedió a Bruce Willis que recibió el premio Peor Actor por Armagedón, pero también por sus apariciones en Mercury Rising y The Siege, ambos de ese año. 

Señalar que la película puede ser todo lo que se le ha criticado y mucho más, es inverosímil cercana al absurdo absoluto, es una americanada reflejada en esos dos naves (Libertad e Independencia), es prescindible por momentos ( la duración es excesiva para salvar poca cosa), es cursi y sensiblera hasta el infinito, pero nadie puede negar que hay finos toques de humor en las bocas de algunos de sus actores, hay espectáculo, explosiones, momentos vitales y mucho entretenimiento. Esta película son como las lentejas unos días saben mejor y otros peor, pero lo más importante, que si quieres las comes y si no,  las dejas. 

“Armageddon” © 1998 Touchstone Pictures, Jerry Bruckheimer Films y Valhalla Motion Pictures. Todos los derechos reservados para estas empresas

The Cheat

Hay que empezar un año y qué mejor que empezarlo con cine. Lo tenía claro: la película elegida tenía que ser del año 1915. Y mi sorpresa ha sido mayúscula al descubrir que hace 100 años aparecieron algunas de las grandes películas de la historia de la humanidad y que han sido consideradas imprescindibles por muchos críticos e historiadores cinematográficos. Estamos hablando de joyas tales como El nacimiento de una nación, Der Golem, The Tramp, The Vampire, Regeneration, The Champion de Chaplin, Les Vampires, The Italian, Alice in Wonderland, Martyrs of the Alamo, Madame Butterfly, Anna Karenina, The two Orphans, Enoch Arden, o The Cheat de Cecil B. DeMille . Como veréis en un abanico enorme y elegir era complicado. Alguna ya está comentada en este blog como la de Martirs of the Alamo , pero había que decantarse y elegir, eso sí, he elegido y – creo- que bien y ha sido The cheat ("El tramposo " o "La marca de fuego") de Cecil B. DeMille la señalada. 

The Cheat o El tramposo es una película estadounidense, lógicamente, y muda del año 1915 dirigida por Cecil B. DeMille, y protagonizada por Fannie Ward, Sessue Hayakawa, y Jack Dean (1874-1950), el marido de la vida real de Ward. Aunque el director no está acreditado todo hace suponer que Cecil B. DeMille es el autor material de la misma. Aparece en la producción conjuntamente con Jesse L. Lasky y se basan en un guión escrito por Hector Turnbull y Jeanie Macpherson. El resultado final en un drama enorme con tres protagonistas que más tarde describiremos.
El fotógrafo fue un virtuoso Alvin Wyckoff, del que hablaré al final, mientras que en el montaje participa activamente el director Cecil B. De Mille La película fue producida por la Jesse L. Lasky Feature Play Company, siendo la distribución, cosa que igualmente me ha sorprendido, la Paramount Pictures. La película, de 58 minutos, contó con un presupuesto de 17,311 dólares. Y se estrenó en diciembre de 2014.
La banda sonora que he utilizada para verla, pues era muda absoluta ha sido diversas sinfonías de Joseph Haydn como son la Symphonien nº 32 “Der Philisoph”, la nº 26 “Lamentationes” y la nº 53 L´Impériales, interpretada por los Musici di San Marco / Alberto Lizzio. Una magnífica banda sonora.
El elenco de actores y actrices lo encabeza una de las grandes divas del momento Fannie Ward como Edith Hardy, su marido en la vida real Jack Dean como Richard Hardy y Sessue Hayakawa como Hishuru Tori – más tarde, pues el lobby americano-japonés fue importante- Haka Arakau desde 1918 un empresario brimano, rey del marfil. Este trío estelar está acompañado por James Neill como Jones, Yutaka Abe como el mayordomo de Tori /Haka, Dana Ong como el fiscal del distrito, Hazel Childers como Mrs. Reynolds, Arthur H. Williams como el Juez, Raymond Hatton como un espectador al igual que Dick La Reno. También aparece Lucien Littlefield como la Secretaria de Hardy (no acreditada)
La historia comienza presentando a Haka Arakau - desde 1918- un empresario birmano, rey del marfil y que aparece entre tinieblas sellando sus piezas de marfil para identificarlas como propias.. Además parece gustarle estar reconocida socialmente. Casi de inmediato conocemos a la bella Edith Hardy, una mujer casada y manirrota, que tiene gustos extravagantes y a la que le gusta llevar un tren de vida muy superior al que se puede permitir.
Su marido es Richard (Dean), un corredor de bolsa , sensato al que le gusta controlar sus gastos, vivir sin excesos y trabajar de firmeza y seguridad en un mercado tan volátil y especulativo como el bursátil.
Ella conoce a Haka y aunque su marido no aprueba, Arakau gasta una gran cantidad de tiempo en compañía de Edith, y ambos marchan a una fiesta solidaria de la Cruz Roja para recaudar fondos destinados a ayudar a los belgas que viven ocupados por los alemanes desde el año anterior. Como le gusta figurar se gana la confianza de las personas de la Cruz Roja para guardar el dinero, convirtiéndose en tesorera de unos 10.000 dólares, en su caja fuerte doméstica.
Mientras su marido rechaza proposiciones que le alejen del trabajo como ir a jugar al golf. Su marido tiene todo su dinero invertido en una inversión muy prometedora, e insiste en ello a su esposa a la que quiere limitar sus gastos. De hecho cuando llega a casa y ve que su marido ha enviado de vuelta un vestido caro que acababa de comprar, se da cuenta de sus limitaciones presupuestarias. En esto que el trío va a una fiesta. En la misma, el amigo de su marido le habla de una posible inversión que le puede aportar una buena cantidad de dinero, pero como carece de liquidez utiliza los fondos de caridad para realizar su inversión en Wall Street con la esperanza de comprar algunos vestidos nuevos. Ella le pregunta a un conocido lo que podía hacer con $ 10,000, él le asegura que podría duplicarse durante la noche. Ella le da a los fondos de la Cruz Roja le han sido confiadas como tesorero de la caridad. Sin embargo, la inversión es un fiasco y pierde todo el dinero.
Ante la imperiosa necesidad de devolverlo a la Cruz Roja, y el temor de Edith a un gran escándalo, Arakau ofrece a darle los $ 10.000 a cambio de favores sexuales. Ella está de acuerdo. Recibe la ayuda económica de Tori/Haka su rico amigo oriental. Pero ella sabe que ese préstamo contiene mucho veneno, el de la lujuria por parte de Haka y , por supuesto, su virtud. Una vez devuelto el dinero y ya en casa llega a la misma su marido eufórico puesto que son ricos, las inversiones realizadas han sido un éxito. Sin embargo, ella se siente en la obligación de devolver el dinero y diciéndole que ha tenido una mala mano en las cartas , así que le pide a su marido esta la cantidad que pidió prestado.
Esa misma noche ella sale de casa a hurtadillas y se dirige a casa de Haka /Tori con el fin de entregarle el dinero y saldar la deuda. Sin embargo, su marido se da cuenta y la sigue. Se presenta en casa de Haka / Tori, y trata de pagar pero éste se niega a recibir el dinero y cancelar la deuda. La quiere a ella, pero la quiere para su propiedad y uso. Ella amenaza con quitarse la vida, pero él está tan seguro de que ella es un farol que le entrega una pistola. Así que, a pesar de sus súplicas, le marca su hombro con el sello con el que marca toda su propiedad. Edith dolorida y aterrada coge la pistola y le dispara en el hombro, y luego huye. Richard, habiéndola seguido después de salir de su casa, encuentra a Tori, que está siendo asistido por sus criados y recoge el arma ante la llegada de la policía y , ante la misma, se autoinculpa del intento de asesinato y confiesa el crimen para proteger a su esposa.
Más tarde tenemos a Richard en la cárcel. Cuando Edith le visita en la cárcel, Richard le ordena guardar silencio. Ella va a la casa de Haka y le pide retirar la denuncia.

Durante el juicio, tanto él como Tori dan testimonio en el estrado y él vuelve a presentarse como el responsable del intento de asesinato. El jurado escucha atentamente las alegaciones de los abogados, del juez y a los encausados y víctima. La sala , llena hasta la bandera, está expectante ante el veredicto. Richard es declarado culpable. Pero en ese momento, Edith se precipita al juez y comenta que fue ella quien disparó y explica el por qué.

Cuando muestra la marca el juez y los funcionarios de la corte tienen grandes dificultades para mantener a los asistentes como público que indignados quieren agredir a Tori. El juez anula el veredicto, y Edith y Richard salen gloriosamente de la sala. 

La película fue un éxito de público y lo invertido, alrededor de 17.311 dólares fue recuperado y multiplicado ya que tanto en los Estados Unidos como fuera del país alcanzó o superó los 135.000 dólares y a pesar de que El New York Times lo calificó como un "melodrama anticuado" y "basura sensacionalista".
Para Terenci Moix en su historia del cine, en su primer volumen, (Página, 261)  nos comenta  como "Este truculento drama fue considerado el colmo de la modernidad, el descubrimiento de una nueva dimensión cinematográfica- el filme psicológico- y la imposición de una temática más adulta". Y prosigue con estas palabras en referencia a los teóricos europeos "(...) las audacias expresivas de "La marca de fuego" se creyesen ante un nuevo Griffith, mucho más moderno que el anterior".
"La marca de fuego" según Terenci Moix fue acogida por las élites europeas como el alba  de un nuevo cine. Así un hombre de la reputación de Louis Delluc  escribiría que "Por primera vez vemos un filme que merece tal calificativo". Y prosigue el escritor catalán  comparando la obra de Cecil B. De Mille con la ópera y "es la "Tosca" del cinema" en palabras de Delluc

Sin embargo, no tuvo un fácil recorrido comercial por dos razones una técnica y otra social. Según cuenta Cecil B De Mille en sus memorias, los empresarios se negaban a exibir una obra como esta en la que por razones técnicas, en concreto, de iluminación el público no vería nada más que la mitad de los actores. De Mille mandó a la central de Nueva York un telegrama redactado en los siguientes términos: " Si sus empresas son tan ignorantes que no conocen la luz a lo Rembrant, por lo menos cuando la vean aplicada al cine que no se atrevan a censurarme...". El departamento de publicidad seapoderó de la frase y "luz a lo Rembrant" acabó siendo un concepto de uso corriente en la jerga cinematográfica.
El segundo tema complicado fue un tema más sensible, menos técnico. lTras su lanzamiento, el personaje de Hishuru Tori que era un comerciante de marfil japonés, fue visto por la población japonesa-americana como un mal modelo para la comunidad y protestaron contra la película por retratar a una persona de origen japonés tan siniestro. Las protestas fueron ignoradas inicialmente. Pero cuando la película fue relanzada en 1918, el personaje de Hishuru pasó a llamarse "Haka Arakua" y se describe en los títulos como el "rey de marfil birmano". El cambio de nombre del personaje y la nacionalidad se realizaron debido a que Japón fue un aliado de Estados Unidos en los últimos años de la Primera Guerra Mundial. A pesar de los cambios, la película fue prohibida en el Reino Unido y nunca fue lanzado en Japón.

La película tuvo un remake en 1923, con George Fitzmaurice como director y Pola Negri y Jack Holt como protagonistas. Otro remake hubo en 1931, George Abbott como director y protagonizada por Tallulah Bankhead y siempre controlado por los Estudios Paramount. Años más tarde, en 1937 y con el título de Forfaiture se realizó otro remake en este caso francés dirigida por Marcel L'Herbier en la que también volvía a participar el gran Sessue Hayakawa, el actor oriental con trayectora más próspera y prestigiosa de Hollywood.
La película fue rodada en Big Bear Valley, San Bernardino National Forest, California. 

Una copia de The Cheat o El tramposo se conserva en el George Eastman House con el metraje de 1918 y en 2010, la película fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos y es de destacar que es una obra de dominio público Llama la atención el modelo cinematográfico tan logrado que tenemos ya en este año 1915. Mucho más desarrollado del que vimos el año pasado en películas como Cabiria. Aquí ya hay una narración articulada y un trabajo de actores y, especialmente, técnico muy destacado.

Especialmente destacable es la labor fotográfica que , en ocasiones, parece recordarnos el gusto por la pintura de Caravaggio extrapolado al cine, un uso casi expresionista de la luz. Especialmente significativa en la técnica está el momento en que el marido descubre la salida de su mujer para devolverle el dinero a Haka. En un fondo negro, de pronto parece una luz focalizada en rostro de Richard. Igualmente elogiable es el papel de luces y sombras conseguidas a través de las puertas de papel japonesa, ya que logramos ver la escena en primer plano y la de segundo plano. Y especialmente loable, desde el punto de vista técnico es ese final que se centra en la pareja victoriosa que sale centrada rodeada por aquellos que han asistido al juicio. Tres momentos espectaculares y que no hablan del gran talento que llegaría ser Cecil B. de Mille. El trabajo de actores y actrices es notable. Desde el villano Sessue Hayakawa hasta el debut de una brillantísima Fannie Ward que alcanzó con esta película un gran éxito personal, demostrando como señala Terenci Moix , en la escena en que enseñaba al jurado su espalda marcada poseer expesión de gran actriz.

La única crítica dirigida a la película se ha producido debido a un supuesto tono de "racista". Brownlow llamó "racista sin complejos." Edward Wagenknecht, en Great Fifty Silent Films 1912-1920 (Dover, 1980) dijo: "Lo más sorprendente de hoy 'El tramposo' es su atractivo prejuicio racial" así como el contarste entre la posición social de Arakau en la élite del círculo social de Long Island, y ese final convulso del público ante la marca que implica que Arakau es un villano, y no una víctima. 

Sobre los trabajos de actores y actrices el crítico del New York Times dijo, que "la señorita Ward, podría aprender algo para ayudarla a cumplir su destino como una gran actriz trágica de la pantalla mediante la observación del hombre que actuó el villano japonés en su imagen." De acuerdo con Variety, "... el trabajo de Sessue Hayakawa está por encima de la actuación de la señorita Ward y Jack Dean" En su autobiografía (Prentice-Hall, Inc., 1959) De Mille señala que "Sessue, era un caballero de alto nivel de educación de un gusto exquisito, y que continuó con éxito en el cine mudo hasta los veinte años cuando salió de Hollywood e hizo películas en Europa. Fue destacado una vez más en las películas americanas a finales de los años 1940 y 1950 cuando las piezas de caracteres japoneses eran abundantes. 

"El tramposo" fue la primera aparición en el cine de Fannie Ward y de inmediato le hizo una estrella. Jack Dean, o Richard Hardy, también era su esposo en la vida real. Ward, pasó a tener una exitosa carrera en el cine en los próximos cinco años, muchos de ellos co-protagonizada con Dean. Sin embargo, después de 1921, decidió que prefería vodevil. 

Aunque "El nacimiento de una nación", también realizado en 1915, es, obviamente, de mucho mayor alcance, "El tramposo" es una película más pulida, y por algunas de las razones expuestas como la sofisticada iluminación o el uso de los biombos para jugar con las siluetas o la estética dominante especialmente en la escena inicial en la que nos presenta a Arakau como un auténtico personaje misterioso, o incluso la creación de un nuevo género cinematográfico: el de los juicios. . Con The Cheat, De Mille estaba buscando la calidad en la cinematografía, la importancia de la actuación y el peso de una historia... Y la encontró.