Klute

Alan J. Pakula, fue un aclamado director, productor y guionista estadounidense, que falleció en noviembre de 1998 a los 70 años de edad. Pakula murió a causa de un extraño accidente automovilístico en la autopista de Long Island (Nueva York). Un tubo de metal salió despedido de otro vehículo, atravesó el parabrisas de su Volvo y le golpeó en la cabeza, causándole la muerte instantánea. Fue un pilar del cine de intriga política y suspense psicológico de los años 70. Klute es considerada la primera parte de su famosa "trilogía de la paranoia", seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976). Estas películas definieron su reputación como un maestro del suspense psicológico y la conspiración. Con Klute consolidó su reputación como un director de primer nivel. Pakula demostró su capacidad para obtener actuaciones magistrales. La película estableció una colaboración clave con el director de fotografía Gordon Willis, utilizando una estética sombría y tensa que se convirtió en sello de la casa, y que estarán presentes en otras películas como La decisión de Sophie (1982), Presunto inocente (1990), El informe Pelícano (1993) o La sombra del diablo (1997).

Pero centrémonos en Klute, una película estadounidense de suspenso psicológico neo-noir de 1971 dirigida y producida por Alan J. Pakula y protagonizada por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Nathan George, Dorothy Tristan, Roy Scheider y Rita Gam.

Es la primera entrega de lo que se ha llegado a conocer informalmente como la "trilogía de la paranoia" de Pakula, seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976), todas películas que tratan temas de paranoia, conspiraciones y vigilancia.

Klute es un thriller del año 1971 dirigido por Alan J Pakula y que le valió un amplio reconocimiento al director de un éxito George básicamente en el trabajo en la personalidad de su protagonista Jane Fonda, tras Danzad, danzad, malditos, su carrera convirtiendo este papel inicialmente aceptado como un remiso económico en el centro de la historia algo que sirvió para hacerse con el oscar a la mejor actriz principal.Su trama sigue a una prostituta de lujo de la ciudad de Nueva York que ayuda a un detective de Pensilvania a resolver el caso de la persona desaparecida de un cliente que podría estar acosándola 

Alan J. Pakula estuvo en la producción de la misma por medio de las productoras Gus Productions y la Warner Bros. Pictures. La crítica recibió con un entusiasmo y especialmente la interpretación del fondo en el que para muchos es el mejor trabajo de su carrera. Y el papel masculino protagonista le correspondió a Donald Sutherland, carisma y estilo propio reconocido un papeles múltiples que le han dado uh el gran reconocimiento hasta la fecha e de su muerte. 

La historia comienza en una comida o cena entre amigos. Entre los comensales está el dueño de una empresa, su mujer, ejecutivos de la misma y el mejor amigo del empresario. Casi de inmediato nos enteramos de que el empresario ha desaparecido.

Tras la desaparición de Tom Gruneman, ejecutivo de una empresa química de Pensilvania, la policía encuentra en su oficina una carta obscena dirigida a Bree Daniels, una prostituta de Nueva York que había recibido varias cartas similares. 

Después de seis meses de investigación infructuosa, Peter Cable, otro ejecutivo de la empresa de Gruneman, contrata a John Klute, amigo de la familia y detective, para investigar la desaparición. Klute alquila un apartamento en el sótano del edificio de Bree, interviene su teléfono y la sigue mientras ejerce la prostitución. 

Bree parece disfrutar de la libertad de trabajar como prostituta independiente mientras audiciona para trabajos de actuación y modelaje, pero le confiesa a su psiquiatra el vacío que siente en su vida. 

Tras descubrir que Klute la ha estado vigilando, Bree afirma no reconocer a Gruneman. Admite haber sido agredida por un cliente dos años antes, pero no puede identificarlo en una fotografía. Además, le confiesa a Klute que es una persona nerviosa y paranoica. 

Bree lleva a Klute a conocer a su antiguo proxeneta, Frank Ligourin, quien había representado a Jane McKenna, una prostituta que le había recomendado al cliente abusivo. Al parecer, McKenna se suicidó, y su otra compañera, Arlyn Page, se convirtió en drogadicta y desapareció. 

Klute y Bree inician un romance, aunque ella le confiesa a su psiquiatra que desearía que la relación terminara porque se sentía más segura de sí misma cuando ejercía la prostitución. Encuentran a Page, quien les dice que la foto de Gruneman no corresponde al cliente, que era un hombre mayor. 

Poco después, el cuerpo de Page aparece más tarde en el río. Klute relaciona los aparentes suicidios de las dos prostitutas, deduciendo que el cliente usaba el nombre de Gruneman. También cree que el cliente mató a Gruneman y que podría matar a Bree a continuación. Klute vuelve a contactar con los conocidos de Gruneman. 

Mediante comparación tipográfica, las cartas obscenas se rastrean hasta Cable, a quien Klute ha estado reportando durante su investigación. Klute le pide dinero a Cable para comprar la "agenda negra" de los clientes de McKenna y así descubrir la identidad del cliente abusador. Deja suficientes pistas para ver si Cable revela su propia complicidad en los asesinatos. 

Cable sigue a Bree hasta la oficina de un cliente y le revela que él le envió las cartas. Le cuenta que, después de que Gruneman lo descubriera accidentalmente abusando físicamente de McKenna, Cable temió que Gruneman usara el incidente para sabotear su carrera, así que intentó incriminarlo dejando la carta en su oficina. 

Tras reproducir una grabación de audio de un asesinato que realizó mientras asesinaba a Page, ataca a Bree. Al ver a Klute entrar corriendo, Cable retrocede bruscamente y se estrella contra una ventana, muriendo en el acto. 

Bree abandona su apartamento con la ayuda de Klute. Una conversación en off con su psiquiatra revela su reticencia a renunciar a su autonomía para iniciar una relación tradicional con Klute, afirmando que perdería la cordura si se sometiera a una vida doméstica. Ella admite que, aunque echará de menos a Klute, no puede decírselo y bromea diciendo que probablemente el médico la verá de nuevo la semana que viene. Al salir del apartamento, Bree recibe una llamada de un cliente y le informa de que se marcha de Nueva York y no piensa volver. Ella y Klute abandonan el apartamento juntos sobreponiéndose los títulos de crédito en rojo sobre la pantalla anunciando el fin. 

El policía deja el cuerpò y ahora se transforma en un detective de medio pelo de una pequeña ciudad de Pensilvania, John Klue, que abandona el cuerpo de policía para investigar la muerte es su mejor amigo, un ingeniero visto por última vez en Nueva York. 

La única pista para seguir su rastro es una carta suya a una prostituta, Bree Daniels, que se dice no saber nada el desaparecido pero que reconoce haber  descubierto a alguien siguiéndola y haber recibido llamadas a nuevas. 

Otra vez de la vida de Bree, conociendo su trabajo y su ambiente, Klute podrá conocer los verdaderos motivos por los que su amigo encontró la muerte o al menos su desapareció. Juntos un sentimiento romántico despiertará entre ellos. 

El guion original de Klute fue escrito por los hermanos Andy y Dave Lewis. Andy en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa, concluyendo: "Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno u otro de nosotros".  Se inspiró en una serie que leyó de niño sobre un hombre que intenta resolver el asesinato de su hermano en la ciudad. El rodaje principal tuvo lugar a finales de 1970 y principios de 1971 en Nueva York. Andy Lewis, un escritor que había trabajado principalmente en televisión, desarrolló el guion de Klute con el objetivo de pasar al cine. Su inspiración inicial para el guion provino de una historia por entregas que había leído de niño en The Saturday Evening Post sobre un hombre del campo que se aventura en la ciudad en un intento de resolver el asesinato de su hermano, quien fue asesinado allí en un terreno baldío. Lewis se centró en dos temas que, a su parecer, resonaban con los estadounidenses: primero, «el paleto que le da la vuelta a la tortilla a los urbanitas», y segundo, la paranoia: «Estoy seguro de que esto afecta a gente de todo el mundo, pero de alguna manera lo considero algo típicamente estadounidense. El patrón oculto de las cosas. La oscuridad. La gente que te observa, que conspira contra ti, que espera para hacerte daño. Los ruidos que oyes por la noche. Los silencios al teléfono. Todo eso. Decidí escribir esto, fuera como fuera, para sacar el máximo partido a este —¿cómo llamarlo?— instinto. Deliberadamente». 

El guion especulativo fue completado por Andy Lewis en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa y concluyó: «Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno de nosotros»

En cuanto al casting, Jane Fonda,  a final del 69 había terminado de rodar They Shoot Horses, Don't They? (1969). En abril de 1970 fue seleccionada para la película En ese momento, Fonda había atraído un escrutinio significativo por su activismo contra la guerra de Vietnam , y gran parte de la publicidad en torno a la película hizo mención de esto. 

Para prepararse para el papel, Fonda pasó una semana en la ciudad de Nueva York observando a prostitutas y madamas de clase alta . También las acompañó en sus salidas a clubes nocturnos para buscar hombres. Fonda notó que ninguno de los hombres mostró interés en ella, lo que ella creía que se debía a que podían ver que en realidad era solo una "pretendiente de clase alta y privilegiada". 

Fonda tenía dudas sobre si podría interpretar el papel y le pidió a Alan Pakula que la liberara de su contrato y contratara a Faye Dunaway en su lugar, pero Pakula se negó. Una de las principales preocupaciones de Fonda era que ella, como feminista emergente, no debería interpretar a una prostituta, pero cuando Fonda le confesó esta preocupación a una feminista veterana, le dijeron: "Si el guion es bueno y es una oportunidad para ser tridimensional, ¡por supuesto que deberías hacerlo!". Para superar sus dudas sobre si podría interpretar tal papel, Fonda recurrió a sus recuerdos de varias prostitutas que había conocido mientras vivía en Francia, todas las cuales trabajaban para la famosa Madame Claude . Recordó que todas ellas habían sufrido abusos sexuales en su infancia, y Fonda usó esto como una "entrada" a su propio personaje y como una forma de comprender las motivaciones de Bree para convertirse en prostituta. A destacar el vestuario realizado por Ann Roth

Donald Sutherland fue elegido para el papel del detective privado John Klute, y se unió al proyecto en mayo de 1970. Sutherland admitió más tarde que tuvo roces con Pakula durante la producción, comentando que "era una película donde el director tenía una idea específica, que yo no entendía particularmente, ni me interesaba particularmente". 

Roy Scheider fue elegido para el papel del proxeneta de Bree, Frank Ligourin, un papel que le brindó una atención significativa y que impulsó notablemente su carrera.

El rodaje principal de Klute comenzó en diciembre de 1970 en la ciudad de Nueva York. En marzo de 1971, se informó que el rodaje había concluido. 

La película fue filmada por el director de fotografía Gordon Willis , colaborador frecuente de Pakula, conocido por su uso de la oscuridad y las sombras en su cinematografía. El estudioso de cine Terence McSweeney escribe en The Other Hollywood Renaissance (2020) que la cinematografía de la película es deliberadamente desestabilizadora y desorientadora, utilizando primeros planos y careciendo de planos generales, y que su estilo de edición cuyo montador fue Carl Lerner presenta transiciones abruptas y una falta de señales cinematográficas tradicionales. 

Donald Sutherland, reflexionando sobre la película, comentó que, "había muchas cosas en Klute que no tenían ningún sentido en términos cinematográficos".

La banda sonora de la película fue compuesta por Michael Small . Klute fue la segunda banda sonora de Small para una película, y la primera en Hollywood después de Out of It (1969). El editor consultor de esa película, Carl Lerner , recomendó posteriormente a Small a Pakula. Small tuvo una gran libertad en el desarrollo de la banda sonora y utilizó una orquesta de cámara , con un xilófono microtonal , percusión poco convencional y voces femeninas. Un motivo central dentro de la banda sonora es la idea de un "llamado de sirena", utilizado para identificar tanto al personaje de Fonda como al asesino. 

Al igual que otras bandas sonoras de Small, la de Klute se prensó en cantidades relativamente pequeñas, y las copias de su edición original en vinilo han alcanzado precios elevados en el mercado de segunda mano. 

Klute se estrenó en cines en Estados Unidos el 23 de junio de 1971, distribuida por Warner Bros. Pictures, con gran éxito de crítica y público.  La película recaudó más de 12 millones de dólares con un presupuesto de 2,5 millones. 

Klute recibió dos nominaciones en la 44.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Original, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz. En la 25.ª edición de los Premios BAFTA, Fonda fue nominada a Mejor Actriz Protagonista. En la 29.ª edición de los Globos de Oro, recibió una nominación a Mejor Guion, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz en una Película Dramática.

En los Premio del Círculo de críticos de Nueva York del año 1972 Fonda se llevó el premio a la mejor actriz. Premio NYFCC 1971: a la mejor actriz (Jane Fonda). 

El Premio de la National Society of Film Critics -NSFC 1972- le concedió el premio  a la mejor actriz (Jane Fonda) y en los Premios Image los premiados fueron tanto Donald Sutherland como Jane Fonda al mejor actor y actriz. 

También se llevó el Premio Fotogramas de Plata 1973: a la mejor intérprete de cine extranjero (Jane Fonda).

La crítica elogió la dirección y el guion, y la actuación de Fonda recibió una amplia aclamación. La escritora Karen Gai Dean señala la paranoia y la vigilancia como temas principales en Klute. Escribe que el uso recurrente de cintas de audio en la película como "temas visuales y auditivos... evocan de manera premonitoria la paranoia de la era Watergate". 

Charles Champlin, del Los Angeles Times , elogió las actuaciones de Fonda y Sutherland, resumiendo: « Klute es visualmente impresionante, llena de sorpresas, desconcertante y llena de suspense, impecable en su ritmo... Como siempre, los mejores misterios ofrecen más que sus distracciones y redime sus sórdidos elementos al comprenderlos y encontrarlos dignos de compasión, no de diversión». 

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribio que, si bien los elementos de suspense estaban mal ejecutados, las actuaciones de Sutherland y, sobre todo, de Fonda, fueron las que sostuvieron la película. Sugirió que la película debería haberse titulado Bree, en honor a su personaje, quien es el "alma" del filme y evita el estereotipo de la prostituta de buen corazón . ¿Qué tiene Jane Fonda que la convierte en una actriz tan fascinante? Posee una especie de intensidad nerviosa que la mantiene tan firmemente metida en el personaje que este parece distraído por los acontecimientos de la película. 

Gene Siskel del Chicago Tribune se mostró igualmente elogioso, escribiendo: «Más interesante que el misterio es el personaje de Bree... lo mejor de su personaje (gracias al guion y a la excelente actuación de la señorita Fonda) es que esta prostituta no tiene un corazón de oro. Es una mujerzuela resentida que, cuando se ve acorralada por la violencia o la ternura, araña y muerde. La película del director Alan Pakula, con su edición impecable, se alarga demasiado solo para extender su conclusión... Los ojos perspicaces resolverán el misterio a mitad de la película. La actuación de la señorita Fonda es superior a su trabajo más reciente en They Shoot Horses, Don't They? ... Sutherland... presenta una postura controlada como el detective diligente. Su bajo perfil equilibra perfectamente el papel explosivo de la señorita Fonda».

J. Luria, en un artículo para la revista Professional Psychology: Research and Practice , elogió la película por sus elementos psicológicos, en particular por su representación matizada de la prostitución, señalando que «una buena trama de misterio y excelentes actuaciones hacen que esta película sea entretenida. Pero el análisis sociopsicológico de la subcultura de la prostitución la hace sobresaliente. La película se desarrolla en varios niveles: la descripción de la prostituta, la lucha por su crecimiento personal, la relación entre Klute y Bree, y el tema del misterio. En general, es una excelente combinación de lo clínico y lo literal».

Roger Greenspun, del New York Times , en una de las pocas críticas negativas, escribió: «Pakula, cuando no se entrega a la subjetividad de la cámara, se esfuerza por dotar a su película de una apariencia de geometría estructural, pero a pesar de los bordes definidos, los espacios dramáticos y la presencia cinematográfica propia de Ciudadano Kane, todo sugiere una mezcla tibia y bastante insípida. La actuación en Klute parece semi-improvisada, y en ella Jane Fonda, que es buena confesando, tiene un éxito general. Todos los demás simplemente hablan mucho, excepto Sutherland, que apenas habla. Siendo un actor normalmente ingenioso, aquí se le da precisamente la libertad para evocar una figura romántica con toda la misteriosa intensidad de un joven Calvin Coolidge ».

En un artículo para el Chicago Reader en 1985, el crítico Dave Kehr declaró que la película era "lo más cercano a un clásico que cualquier cosa producida por el Nuevo Hollywood ".

Marjorie Baumgarten en el Austin Chronicle "Fonda y Sutherland están mejor que nunca en este thriller de misterio que también ofrece una visión fascinante de la mente y el alma de una prostituta de lujo neoyorkina".

En Variety se la describe como "Con una atractiva producción neoyorkina, pero una dirección tediosa de Pakula, es una película de suspense sin mucho suspense". 

Jay Cocks en Time la vio como "Un thriller agudo y hábil sobre asesinato, perversión, paranoia y prostitución y un montón de otras cosas maravillosas sobre la vida en Nueva York" 

Ya en España en El País , Fernando Morales la consideró como una película de "Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" . Y en este mismo diario, Luis Martínez la describe como que "Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico". 

Klute la película dirigida por Alan J. Pakula, es una obra fundamental del cine estadounidense de principios de los años 70 y un pilar del thriller psicológico. Con ella Fonda ganó su primer Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Bree Daniels, una prostituta de lujo neoyorquina. Su actuación es descrita como compleja y valiente, retratando a una mujer sensible ocultada tras una máscara de dureza. Destaca por su tono sombrío, pesimista y una atmósfera lúgubre, potenciada por la fotografía de Gordon Willis. Y aunque funciona como un thriller sobre la búsqueda de un hombre desaparecido por parte del detective John Klute (interpretado por Donald Sutherland), la película pone mayor énfasis en la psicología de los personajes y la dinámica entre Bree y Klute. La cinta fue filmada íntegramente en exteriores de la ciudad de Nueva York (incluyendo Harlem y Wall Street), logrando captar una visión cruda y sórdida de la urbe en esa época. La película aborda el voyeurismo, la deshumanización y la exploración del sexo y la prostitución con un enfoque maduro para la época

La última película

Hay películas que une quiere ver, básicamente porque son Historia del Cine y, sinceramente, The last Picture Show lo es. En uno de estos series que se acercan a la historia del cine nos presentaba como el cine estadounidense de postguerra, es decir, el que se desarrolla poco despues de 1950 es un cine de fuerte carga melodramática, siendo este tema el dominante , especialmente, cuando se hablaba de la juventud o de las dificultades del amor, y , en gran medida, así se mantiene hasta que en 1971 un director Peter Bogdanovich que aquí también actúa como guionista está dispuesto a darnos una botedada a dos manos si lo que esperábamos era eso, encontrar un melodrama, pues esta película lo tiene todo como bien lo sabía el director y otras personas que colaboraron con él en el desarrollo del guion como Larry McMurtry, pues tanto el director como éste adaptaron la novela semiautobiográfica publicada en 1966 del mismo McMurtry. 

Entre otras de las virtudes que destacan de la película es igualmente la música compuesta por Phil Harris , Johnny Standley , Hank Thompson, aunque se suman bastantes temas del momento. Labor igualmente fundamental es el de la magnífica fotografía en blanco y negro producto del saber hacer de Robert Surtees, así como contar con el apoyo de un productor como Stephen J. Friedman y una productora independiente como la BBS Production a la que se sumó una productora surgida específicamente para esta película como Last Picture Show Productionms con la que afrontar los 1.3 millones de dólares de Presupuesto y que contó con el apoyo de la Columbia Pictures en la distribución. 

El reparto de la película incluye a Timothy Bottoms , Jeff Bridges , Ellen Burstyn , Ben Johnson , Cloris Leachman , Cybill Shepherd , Eileen Brennan y Randy Quaid . 

Esta historia de transición a la adultez ambientada en los años 50. Ambientada en un pequeño pueblo del norte de Texas entre noviembre de 1951 y octubre de 1952, es la historia de dos estudiantes de último año de secundaria en pequeño pueblo petrolero de Anarene (Texas) y mejores amigos de toda la vida como son Sonny Crawford (Timothy Bottoms) y Duane Jackson (Jeff Bridges) y sus relaciones. 

Duane sale con la bella pero voluble Jacy Farrow (Cybill Shepherd), una buena chica que busca un poco de emoción siendo la chica más popular del pueblo, con los padres más ricos. Sonny rompe con su novia debido a su enamoramiento secreto de Jacy. 

En un baile de Navidad, noche en la que descubrimos que la madre de Jacy , Lois Farrow (Ellen Burstyn ), le importa poco su matrimonio con Gene (Robert Glenn ) el padre de Jacy, dándosela en público con el capataz de sus pozos , Abilene (Clu Gulager) 

A la entrada del baile, Jacy es invitada por Lester Marlow (Randy Quaid ) a una fiesta de baño desnudo en la piscina de Bobby Sheen (Gary Brockette) , un joven adinerado y aparentemente mejor prospecto que Duane. 

En ese mismo baile, Sonny besa a Ruth Popper, la deprimida esposa de mediana edad de su entrenador de la preparatoria a la que conoció cuando el entrenador le pide que le lleve al médico pues su marido no la soporta. Desde esa noche, el tímido Sonny, por su parte, mantiene una aventura ilícita con la esposa de un entrenador, Ruth Popper (Cloris Leachman), una mujer triste y sencilla cuya única alegría parece residir en los momentos robados que comparten. Al ahondar en las vidas entrelazadas de los diversos residentes del pueblo, la película explora temas como el amor, la soledad, la inocencia perdida y la desilusión. 

Antes de iniciar la relación con Ruth, Duane, Sonny y otros llevan a su joven amigo Billy (Sam Bottoms), con discapacidad mental, a una prostituta para que pierda su virginidad. 

Al regresar a casa, el empresario local Sam "El León" (Ben Johnson ) se enfurece por el trato que le dan a Billy, quien barre habitualmente la calle principal de Anarene. Les prohíbe la entrada a cualquiera de sus negocios, el único entretenimiento del pueblo: el billar, el cine y la cafetería, aunque días después el "León" tiene una conversación con Sonny cerca de un lago en el que evoca su pasado y su amor con una joven local, de la que no quiere dar detalles.

Más tarde, cuando Sam sorprende a Sonny visitando a Billy y a Genevieve (Eileen Brennan) , la camarera, en la cafetería, Sonny se disculpa y Sam le levanta la prohibición. Bobby se le insinúa a Jacy, pero se niega a tener sexo con ella porque es virgen. 

El fin de semana de Nochevieja, Duane y Sonny conducen impulsivamente a México. Antes de irse, el nostálgico Sam les da algo de dinero extra para que se diviertan. 

Cuando los chicos regresan con resaca y cansados el lunes por la mañana, se enteran de que Sam murió repentinamente de un derrame cerebral el día anterior. Sam le deja a Sonny el salón de billar en su testamento. 

Jacy invita a Duane a un motel para tener sexo, pues quiere ser aceptada en el círculo libertino de Bobby. Él no consigue una erección, así que ella lo riñe. 

Más tarde, lo intentan de nuevo y Duane se presenta brevemente, lo justo para que Jacy pierda su virginidad. Rompe con él por teléfono, con la esperanza de volver a tener una relación con Bobby. Sin embargo, Jacy se entera de que Bobby ya se ha casado con otra chica. Por aburrimiento y rechazo, tiene relaciones sexuales con Abilene, el capataz rudo de su padre Gene y amante de su madre. Cuando la deja, lo hace con desprecio y una fríaldad que da miedo.

Al entrar en la casa, Lois, su madre, la sorprende y Jacy rompe a llorar. Hablan del doble vínculo en el que se encuentran: reducidos a objetos de sexualidad, pero castigados si expresan o disfrutan de su sexualidad. 

Disgustado por la ruptura, Duane se alista en el Ejército y, tras el entrenamiento básico, debe servir en la Guerra de Corea . En su ausencia, Jacy se enamora de Sonny, quien abandona a Ruth abruptamente y sueña con casarse con ella. 

Duane regresa a casa de permiso, conduciendo un Mercury nuevo . Discute con Sonny por Jacy, le estrella una botella de cerveza en el ojo y lo envía al hospital. 

Durante su recuperación, se niega a ver a Ruth cuando ella lo visita. Jacy y Sonny se fugan a Oklahoma . De camino a su luna de miel, Jacy revela que les dejó una carta a sus padres contándoles todo su plan. Un policía estatal los detiene y los lleva a casa de los Farrow. 

Gene, furioso, reprende a Sonny y lo lleva a casa. Sonny regresa con Lois, quien revela que Sam fue su primer amor verdadero. Sugiere que Sonny estaría mucho mejor con Ruth que con Jacy. El matrimonio se anula y transcurre poco tiempo. 

En la última noche de vacaciones de Duane, Sonny se reconcilia con él y le revela que Jacy se fue a la universidad en Dallas. Van al cine la última noche. La última función es " Río Rojo" .

 

A la mañana siguiente, cuando Sonny despide a Duane, este le pide que cuide su Mercury después de que Sonny admita que él y Jacy "no llegaron al motel". 

Al abrir la sala de billar, Sonny oye chirriar los frenos afuera. Billy fue atropellado y murió cuando barría la calle. Los vecinos rodean el cuerpo de Billy y lo culpan fríamente de estúpido y descuidado. Afligido, Sonny les grita por su comportamiento y se lleva con cuidado el cuerpo de Billy, cubriéndose la cara con su chaqueta de béisbol. Enfadado y deprimido con su vida, Sonny conduce hasta los límites de la ciudad. 

Poco a poco cambia de opinión y regresa, aparcando cerca de casa de Ruth. Tímidamente, le pide entrar a tomar un café. Deprimida, ella se ha encerrado en casa. Ruth lo deja entrar y estalla de dolor y rabia. Se da cuenta de que Sonny está completamente destrozado. Exigiéndole que la mire, él lo hace y le toca suavemente la mano. La ira de Ruth se disipa y ella lo consuela. Sus últimas palabras son: «No te preocupes, cariño. No te preocupes», al final de la película. 

Al entrar en The Last Picture Show, Peter Bogdanovich era un actor de teatro, ensayista cinematográfico y crítico de 31 años. Bogdanovich había dirigido una película, Targets (también conocida como Before I Die ), en colaboración con su esposa y colaboradora, Polly Platt . Como Bogdanovich explicó más tarde a The Hollywood Reporter , mientras esperaba en la fila de la caja de una farmacia, miró por casualidad el estante de libros de bolsillo y su mirada se posó en un título interesante, The Last Picture Show . La contraportada del libro decía que trataba sobre "niños que crecen en Texas" y Bogdanovich decidió que no le interesaba y lo devolvió. 

Unas semanas después, el actor Sal Mineo le entregó a Platt una copia del libro. "Siempre quise estar en esto", dijo, "pero ya estoy un poco mayor", dijo Mineo, quien recomendó que Platt y Bogdanovich lo llevaran al cine. 

Según Bogdanovich, Platt dijo: «No sé cómo se convierte en película, pero es un buen libro». Según Platt, en una cena con ella y Bogdanovich, el productor Bert Schneider «le preguntó a Peter qué quería dirigir a continuación, y Peter no tenía una respuesta clara, pero yo le comenté sobre este gran libro, The Last Picture Show , y Bert mostró cierto interés». Platt sostuvo que después de que Schneider aceptara financiar la película a través de BBS Productions, convenció a Bogdanovich de superar sus dudas sobre el material original y comprometerse con el proyecto.

Bogdanovich, McMurtry y Platt adaptaron la novela para la película homónima.  Stephen Friedman era abogado en Columbia Pictures, pero estaba ansioso por entrar en la producción cinematográfica porque había comprado los derechos cinematográficos del libro, por lo que Bogdanovich lo contrató como productor.

Después de discutir la película propuesta con Orson Welles , su invitado en ese momento, Bogdanovich estuvo de acuerdo con él en que filmar la película en blanco y negro funcionaría estéticamente, lo que para entonces era una elección inusual. 

La película se rodó en Archer City , el pequeño pueblo natal de Larry McMurtry , ubicado en el centro-norte de Texas, cerca de la frontera con Oklahoma. McMurtry había renombrado el pueblo como Thalia en su libro; Bogdanovich lo bautizó como Anarene (por un pueblo fantasma a 13 km al sur de Archer City). La similitud con el famoso pueblo ganadero de Abilene, Kansas , en Río Rojo (1948) de Howard Hawks fue intencional precisamente "la última película", que Sonny y Duane ven al final de la película. 

Después de terminar el rodaje, Bogdanovich regresó a Los Ángeles para editar el metraje de la película en una Moviola . Bogdanovich ha dicho que editó toda la película él mismo, pero se negó a acreditarse como editor, argumentando que director y coguionista eran suficientes.   Cuando se le informó que el Motion Picture Editors Guild requería un crédito de editor, sugirió a Donn Cambern , que había estado editando otra película, Drive, He Said (1971), en la oficina de al lado y había ayudado a Bogdanovich con algunos trámites de compra relacionados con la óptica de la película.  Cambern lo niega, afirmando que Bogdanovich hizo una edición de la película, que proyectó para una selección de invitados, incluidos Jack Nicholson , Bob Rafelson y él mismo. El consenso fue que la película iba a ser genial, pero necesitaba más edición para alcanzar su máximo potencial. Cambern afirma que Bogdanovich lo invitó a hacerlo, durante la cual hizo contribuciones significativas a la forma final de la película. 

Bogdanovich obtuvo una rara exención del Sindicato de Directores de Estados Unidos para que su nombre apareciera solo al final de la película, después de los créditos de los actores, ya que sintió que era más significativo para el público ver sus nombres después de sus actuaciones. 

La película presenta música completamente diegética , incluyendo muchas canciones de Hank Williams Sr. y otros artistas de música country y western , así como de música popular de la década de 1950. En entrevistas, Bogdanovich enfatizó que se prestó mucha atención a que la música fuera precisa y contemporánea al lapso de tiempo narrado entre noviembre de 1951 y octubre de 1952, y que no se usaron canciones que se lanzaron después de esa fecha 

La película recaudó 13,1 millones de dólares , multiplicando con creces lo invertido en ella. Desde el principio tuvo varios premios y galardones. En la 44.ª edición de los Premios Óscar (1972) fue nominada a 8 premios entre ellos el de Mejor película , Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ), Mejor actor de reparto ( Jeff Bridges ) que fue el ganador,  Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ) ,  Mejor actriz de reparto ( Ellen Burstyn ) que fue ganadora,  Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman ) , Mejor guión adaptado ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich )  y Mejor fotografía ( Robert Surtees ) 

En la 29.ª edición de los Globos de Oro (1972) fue nominada a Mejor Película - Drama´tica, pero ganó el premio a Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ) siendo nominada a Mejor actor de reparto en una película ( Ben Johnson ) , Mejor Actriz de Reparto  ( Cloris Leachman  y Ellen Burstyn ) , así com,o a la recién llegada más prometedora - Mujer ( Cybill Shepherd ) 

En los BAFTA  fue nominada a Mejor película, ganando el de Mejor director ( Pyotr Bogdanovich ) así como el premio a la Mejor actriz de reparto ( Eileen Brennan ) siendo nominada a Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman )  , siendo nominada a Mejor actor de reparto ( Ben Johnson )  y  Mejor guión ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich ).

En los Premios del Sindicato de Escritores (WGA)  fue nominada a Mejor guión de drama adaptado ( Larry McMurtry , Peter Bogdanovich )  y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York la nominó a Mejor película, Mejor guion, Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ), ganando en el de Mejor director ( Pyotr Bogdanovich )   y Mejor Actriz de Reparto ( Cloris Leachman  junto a Ellen Burstyn ) 

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine 1971  fue concedido como ganador a Mejor actor de reparto ( Ben Johnson ) y nominada a la Mejor actriz de reparto ( Ellen Burstyn  y Cloris Leachman ) así como Mejor fotografía ( Robert Surtees 

En cuanto a la cróitica destaco la del crítico del Chicago Sun-Times, Roger Ebert, quien la nombró la mejor película de 1971. Más tarde la añadió a su lista de "Grandes películas", escribiendo que "La película posee una honestidad sin adornos que fue un golpe tras la pirotecnia de finales de los años 60 (...); la película es sobre todo una evocación de estados de ánimo. Trata sobre un pueblo sin razón de existir y gente sin razón de vivir allí. La única esperanza está en la transgresión". 

También en Illinois, Gene Siskel del Chicago Tribune le dio a la película cuatro estrellas de cuatro y escribió: "Como pocas películas en los últimos años, The Last Picture Show de Peter Bogdanovich termina con nosotros queriendo ver más de las personas que habitan el mundo de la pequeña ciudad que es Anarene, Texas, en 1951. Esta emoción no se logra fácilmente. Es el resultado de una investigación exhaustiva de Peyton Place en las habitaciones de Anarene, los autos estacionados, los partidos de fútbol, ​​el cine, el restaurante y el salón de billar". 

Y para acabar con la prensa de Illinois, o parte de ella, en el Chicago Reader Dave Kehr  sostuvo que "Es una historia psicológica íntima, salpicada de referencias a películas de Hollywood (...) Todo está bastante calculado, aunque Bogdanovich sabe cómo elegir actores y destacar los giros de los personajes".

Vincent Canby, de The New York Times, la calificó como una "película encantadora" que "redescubre e iliumina mucho más que un segmento de una época, un lugar, una forma cinematográfica y una pequeña pero importante parte de la experiencia estadounidense más que cualquier otra película estadounidense en la historia reciente (...) Está llena de detalles cuidadosamente investigados de tiempo y lugar". 

La neoyorquina Pauline Kael El neoyorquino La estilizada fotografía de Robert Surtees (...) ayuda a clarificar el tema. La película necesita urgentemente esta estilización, porque, por supuesto, su superficial visión general de la vida urbana roza peligrosamente la televisión. Estados Unidos Inclinación Budd Wilkins Inclinación Para los miembros del Nuevo Hollywood, fue una ventana que se abrió brevemente a una cinematografía revitalizada y a una narrativa audaz (…) 

Charles Champlin del Los Angeles Times calificó a la película como "el tributo más considerado, artesanal y elaborado que hemos tenido hasta ahora a lo que fueron las películas y cómo figuraron en nuestras vidas". 

Gary Arnold del Washington Post la llamó "una película narrativa extremadamente bien hecha y atrapante con objetivos decentes, que nos anima a comprender y preocuparnos por sus personajes, aunque no a emularlos". 

Paul Zimmerman del Newsweek simplemente dijo que era "Una obra maestra" 

En el Reino Unido  Peter Bradshaw de The Guardian comentó que "Sigue siendo una obra maestra se mire por donde se mire (...) La banda sonora de Hank Williams y otros es una delicia. Imperdible (...) "

En Empire Kim Newman defendió la idea de que era " La perfecta recreación que Bogdanovich hace del sentido del tiempo y el lugar, y su capacidad para combinar ingenio y emoción, hacen de esta una película encantadora y atemporal (…)  

El británico Tim Robey de Telegraf destacó de ella que "Se ve cada vez más nítidamente impresionante y remota (…) " 

Anthony Quinn de The Independent sostuvo que "Su humildad se vuelve extraordinariamente conmovedora (...) [Bogdanovich] le da a todo su peso apropiado" . Por último, David Parkinson de Radio Times  consideró que " Esta es una clase magistral sobre cómo crear personajes completos y darles una vida real (...) Jeff Bridges y Cybill Shepherd sobresalen (...)

La edición de febrero de 2020 de la revista New York Magazine incluye a The Last Picture Show entre "Las mejores películas que perdieron el premio a la mejor película en los Oscar".

Bogdanovich reeditó la película en 1992 para crear una " versión del director ". Esta versión restaura siete minutos de metraje que Bogdanovich recortó del estreno de 1971 porque Columbia había impuesto un límite firme de 119 minutos. En ella dos escenas se alargaron ligeramente: el regreso de Ruth y Sonny del médico, y el regreso de Billy con Sam tras su encuentro con Jemmie Sue; ambas contaron con diálogos adicionales. Además, se reintrodujeron varias tomas individuales, en particular una toma de enfoque profundo al estilo Gregg Toland frente al Teatro Real, mientras todos suben a sus coches. 

Bogdanovich dirigió una secuela en 1990, Texasville , basada en la novela homónima de McMurtry de 1987 , en la que gran parte del elenco original retomaba sus papeles. Texasville no logró igualar el éxito de crítica ni de taquilla de su predecesora. 

En 1998, la Biblioteca del Congreso seleccionó The Last Picture Show para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética. No es para menos, es una maravilla, una obra maestra del cine, un clásico de lo que se vio emn llamar el Nuevo Hollywood , aclamada por su fotografía en blanco y negro, su reflejo frealista de una adolescencia que iba cambiando, la crítica social que mostraba el aburrimiento, la pérdida de la inocencia, el primer amor, la sexualidad y el fin de una era en un pueblo de Texas, uns actuaciones naturales ( Jeff Bridges , Cybill Shepherd ),el excelente reparto secundario que incluye a Ben Johnson y Cloris Leachman, la gran dirección de Peter Bogdanovich en su debut , su evocadora fotografía de Robert Surtees que le dan un tono nostálgico y atemporal, realzando la desolación del paisaje y la crudeza emocional y su profunda exploración de la transición a la adultez en la América rural que va languideciendo. . 

Bananas

Película que tenía pendiente desde los años...ochenta, al menos. Pues si bien algunas de Allen sí que había visto, incluso en cine, como El sueño de una noche de verano que pude ver en octubre de 1982 en mi única asistencia al Cine Fuensanta lo cierto es que no esta quedaba pendiente. Aprovechando que estaba en Prime y que en unos días terminaba, he apostado por verla. 

Se trata de una producción del año 1971 en la que aparece como productor Charles H. Joffe junto a Jack Rollins, y que fue distribuida por la United Artist. Woody Allen aparece como director y actor principal además de guionista junto a Mickey Rose. Partes de la trama se basan o se inspiran en el libro Don Quixote, U.S.A. de Richard P. Powell.

La película cuenta con la fotografía de Andrew M. Costikyan y la música setentera de Marvin Hamlisch así como un par de aportaciones musicales en castellano. 

El título es un juego de palabras, «bananas» siendo parte del término slang, to go bananas («volverse loco»), además de ser una referencia a la frase «república bananera» que describe el escenario de la película. Cuando se le preguntó a Allen por qué la película se llamaba Bananas, su respuesta fue: «Porque no hay bananas en ella». Algunos escritores han hecho la conexión entre esto y The Cocoanuts (Los cocos), la primera película de los hermanos Marx, por quienes Allen estaba fuertemente influenciado en ese momento, y que no presentaba cocos. 

La película comienza con la cobertura de un periodista real, Howard Cosell, que se interpreta a si mismo, ya que estaba previsto y es lo común en el país, del magnicidio del presidente de la ficticia «república bananera» de San Marcos y un golpe de Estado que trae al general Emilio Molina Vargas (Carlos Montalbán ) al poder. 

Tras eso conocemos a Fielding Mellish (Woody Allen) es un judío neoyorquino que trabajo como obrero, que es  neurótico y está psicoanalizado y que trabaja como probador de productos en una fábrica. 

Un día al regresar de su rutinario trabajo, del que está cansado, llega una chica, activista de causas liberales, a su casa pidiéndole una firma. Fielding trata de impresionar a la activista social, una chica llamada Nancy (Louise Lasser) tratando de pasar como hombre entendido y de espectro social , ponerse al tanto de la revolución en San Marcos. 

Desde ese momento participa en las movilizaciones contra el régimen militar de San Marcos y a favor de la revolución , lo que le cuesta alguna que otra detención o escapándose milagrosamente de la misma.

Un día Nancy le deja ya que quiere estar con alguien de nivel y de interés político reconocido. Fielding se despide de la empresa y se marcha de visita a la república e intenta mostrar su preocupación por los lugareños. Sin embargo, Vargas ordena en secreto a sus hombres, disfrazados de oponentes de Vargas, que maten a Mellish, para hacer quedar mal a los rebeldes para que Estados Unidos envíe ayuda financiera a Vargas. 

Mellish evade a los asesinos de Vargas, pero poco después es capturado por los verdaderos rebeldes. Vargas declara muerto a Mellish de todos modos, lo que no deja a Mellish más remedio que unirse a los rebeldes durante unos meses. En su campamento Mellish aprende, torpemente, cómo ser un revolucionario. 

Cuando la revolución triunfa, Esposito, el líder de los rebeldes que asume la presidencia, se corrompe rápidamente así que los rebeldes deciden reemplazarlo con Mellish como presidente. 

Cuando viaja de regreso a los EE. UU. para obtener ayuda financiera, Mellish (que luce una larga barba falsa) se reúne con Nancy y queda expuesto, siendo acusado de traición. 

En la corte, Mellish intenta defenderse de una serie de testigos incriminatorios, incluida la reinante Miss America y una mujer afroestadounidense que dice ser J. Edgar Hoover disfrazado. Uno de los testigos brinda testimonio favorable a Mellish, pero el secretario judicial, cuando se le pide que lea este testimonio, responde con una interpretación completamente diferente y totalmente desfavorable. 

Mellish finalmente es sentenciado a prisión, pero su sentencia se suspende con la condición de que no se mude al vecindario del juez. 

Nancy luego acepta casarse con él. La película termina con la cobertura de Howard Cosell de la consumación de su matrimonio, un evento que terminó mucho más rápido de lo que Nancy había anticipado, con Mellish anticipando una «revancha» o segunda vuelta a principios de la primavera.

Filmada en locaciones de la ciudad de Nueva York y Puerto Rico.

La película recibió críticas positivas de los críticos. Vincent Canby de The New York Times elogió la película y dijo: «La visión del mundo de Allen está cargada de todo, excepto de pathos - y lógica-, y es una visión que encuentro muy divertida. Aquí no hay un hombrecito que sobrevive con una sonrisa pálida y un encogimiento de hombros, sino un tipo enano y bromista cuyos impulsos iniciales hacia la cobardía parecen realmente heroicos en el loco orden en que están las cosas». Concluyó: «Cualquier película que intente mezclar el amor, la revolución cubana, la CIA, las madres judías, J. Edgar Hoover y algunas otras cosas raras (incluida una secuencia en la que alguien pide 1000 sándwiches de queso a la parrilla) está destinada a ser un poco rara, y muy bienvenida». 

Gene Siskel, del Chicago Tribune, calificó la escena inicial como «una de las partes más divertidas de la película», aunque pensó que el romance «se interpone en el camino» y «podría haberse omitido fácilmente». En otro diario de Illinois Chicago Reader, Dave Kehr señala que "Una película muy divertida - no es consistente y desde luego tampoco coherente, pero cuando acierta nos hace reír a carcajadas." 

Charles Champlin, de Los Angeles Times, escribió que «Allen parece no haber podido encontrar un final adecuado para la trama, que no llega a su punto máximo, sino que se detiene. Aun así, los mejores chistes tienen una locura gloriosa sobre ellos. Dada la disminución de la capacidad de reír como idiotas en estos días, Bananas es bienvenida incluso si Allen no está en la cima de su forma». 

Gary Arnold de The Washington Post escribió que la película era «en una palabra, hilarante» y «una inmensa mejora» con respecto a Take the Money and Run.10​ Richard Combs de The Monthly Film Bulletin pensó que «los chistes parecen un poco más brillantes que en Take the Money», pero también encontró el humor disperso «demasiado indisciplinado y dispar». 

John Simon escribió sobre la trama de la película: «Nada de eso tiene sentido o desarrolla un humor sólido, y gran parte es de mal gusto». Según una entrevista en las notas del lanzamiento del DVD de la película, Allen dijo que no hay sangre en absoluto en la película (incluso durante las ejecuciones) porque quería mantener intacto el tono cómico ligero de la película. 

Para David Parkinson de la revista británica Empire ""Gags de primer nivel y algunas bromas muy graciosas hacen de esta película uno de los primeros clásicos de la filmografía de Allen (…) " Y para Geoff Andrew de Time Out lo mejor es "Una serie de maravillosas bromas incoherentes (...) Las absurdas nuevas políticas del Partido Revolucionario son toda una reflexión sobre la corrupción del poder" 

De la película destaca la presencia de Nati Abascal, aunque no dice ni mu, y un joven Sylvester Stallone que no aparece ni acreditado como uno de los dos jóvenes italoamericanos con chupas de cuero que asaltan a los usuarios del metro , entre ellos a Fileding. Para Stallone fue uno de esos momentos de encrucijada que él ha vivido contando la historia de cómo, en 1970, él y otro joven actor estaban haciendo un casting para los papeles de dos atracadores en el set de 'Bananas', de Woody Allen, cuando entraron a la estación de metro donde se estaba filmando la escena y el asistente de dirección les dijo que no los necesitarían. "Woody Allen, que es muy tímido, se volvió hacia él, le susurró algo y se alejó. Y el director asistente nos miró y dijo: 'No cree que seas lo suficientemente intimidante'", recordó Stallone. "Básicamente dije, al diablo con eso, le dije a mi amigo 'Me voy de aquí'". 

Sin embargo, continuó contando Stallone, su amigo lo convenció de que no renunciara a la oportunidad, así que fueron a una farmacia, compraron vaselina y se peinaron el cabello hacia atrás, se frotaron un poco de suciedad del metro en la cara y regresó al set. “Vi a Woody Allen en la distancia y me acerqué a él, le di una palmada en el hombro, se dio la vuelta, se sobresaltó y le dije: '¿Te intimido ahora?' Ya sabes, exagerando. A lo que el director dijo: 'Está bien, está bien, tú estás bien'. Y obtuvimos el papel". 

Igualmente destacan junto a Woody Allen como Fielding Mellish, su ex mujer Louise Lasser como Nancy. Allen y Lasser habían estado casados entre 1966 y 1970 y estaban divorciados cuando se hizo la película. 

Junto a ellos aparecen Carlos Montalbán como General Emilio Molina Vargas, Nati Abascal como l revolucionaria Yolanda. Howard Cosell, Don Dunphy y Roger Grimsby que se interpretan a si mismos. Jacobo Morales como el revolucionario Espósito, Miguel Ángel Suárez como Luis, David Ortiz como Sánchez, René Enríquez como Díaz y Jack Axelrod como Arroyo. Aparecen Martha Greenhouse como la psicoanalista Dra. Feigen, Dan Frazer como el sacerdote católico vendedor de cigarros, Stanley Ackerman y Charlotte Rae como Dr. Mellish y Sra. Mellish, padres de Fielding. Igualmente aparece Axel Anderson como hombre torturado. 

Decir que Eddie Barth y Nicholas Saunders debutan en el cine como los personajes de Paul y Douglas, mientras que el comediante Conrad Bain interpreta a Semple y el actor Allen Garfield interpreta al Hombre en la Cruz. 

Apariciones no acreditadas incluyen al citado Sylvester Stallone como un matón del metro, Mary Jo Catlett como una mujer en el vestíbulo de un hotel, y Tino García en un papel no revelado. El veredicto final en el caso legal de Mellish se presenta como el titular de un noticiero de Roger Grimsby. 

En la escena se incluye una parodia de un anuncio televisivo de cigarrillos «Nuevo Testamento» con un sacerdote católico (Dan Frazer) promocionando la marca ficticia mientras realiza el sacramento de la Eucaristía. La película recibió una clasificación C (condenada) de la Oficina Nacional Católica de Películas debido a la parodia. La película fue nominada por el Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guion original comedia

El inspector Tipps contra la organización

Todo comenzó con "En el calor de la noche" (1967). Del Sur profundo y racista nació un inspector de policía. De la historia, que funcionó a la perfección, nació una trilogía que culminó en esta película que es una producción de Walter Mirisch para la productora Mirisch Company y la United Artists. 

El protagonista absoluto de esta historia creada por James R. Webb es Sidney Poitier que gobierna de principio a fin en esta película de acción y suspense, que completa la trilogía del inspector Tibbs, el personaje creado por John Ball e iniciada con "En el calor de la noche" (1967) de Norman Jewison y que tuvo continuación con "They call me Mr. Tibbs!" (1970) de Gordon Douglas. 

En este caso el director es Don Medford, un realizador con una amplísima experiencia en series televisivas (Alfred Hitchcock Presents, The Detectives, The Twilight Zone, The Fugitive…) y quien también hiciera el piloto para la famosa serie, “The Man from U.N.C.L.E.”, titulado, “To Trap a Spy”. la película cuenta con la fotografía en formato de DeLuxe Color de Joseph Biroc y el montaje de Ferris Webster. 

Esta película comienza con un atraco perfecto por parte de un grupo heterogénero de ciudadanos que durante cinco minutos asaltan brillantemente la oficina de la sede de una empresa en San Francisco , aunque es la tapadera de un grupo de narcotraficantes conocido como la Organización y roba heroína valorada en cinco millones de dólares para evitar que llegue a las calles. 

Tras el asalto se produce una llamada a la policía. Para sorpresa de todos, especialmente de los asaltantes,  en la escena del delito aparece el cadáver de John Bishop, el gerente de la empresa,uno de los ejecutivos ha sido asesinado y el guardia de seguridad ha sido apaleado. 

No se trata de un simple robo, ya que el ejecutivo fue asesinado por disparos de dos armas diferentes, no se robó nada y hay varios otros hechos sin explicar. Al lugar se persona Virgil Tibbs ( Sidney Poitier ). 

Por la noche, una vez recoge a su hijo que ha recibido una charla sobre sexualidad y charla con su mujer Valerie (Barbara McNair) recibe una llamada. Para su sorpresa es contactado por el grupo que cometió el robo y se llevó la heroína por valor de cinco millones de dólares. Se trata de un grupo de personas que por diversos motivos - especialmente por tener intención de que la droga no llegue a la calle- y quedan en la habitación de un hotel. 

Allí los asaltantes le explican que la empresa es una fachada para el narcotráfico. Tenían la esperanza de que el allanamiento llevara a la policía a investigar a la propia empresa y quisieran usar la heroína para llegar a los líderes de la organización. 

Tibbs no se compromete pero le preocupa la idea de la corrupción policial , especialmente cuando el jefe de narcóticos se suicida de un disparo. Al entrar en el asunto se lleva a interrogar al guardia de seguridad, pero del guarda a es asesinado mientras está sentado en el auto de la policía. Poco después va con el teniente a visitar a la mujer de Morgan (Sheree North ) , quien no parece estar muy afectada. 

Tibbs acepta ayudar al grupo si cooperan con él. Un miembro del grupo de origen latino, Joe Peláez (Ron O'Neal) es perseguido y golpeado por los traficantes de drogas y otra chica de origen japonés y de enorme velocidad que intervino, poco después, es asesinada apareciendo su cuerpo en el puerto de Sausalito, al otro lado de la bahía. 

El propio Tibbs es sospechoso ante sus superiores, especialmente su teniente (Gerald S. O'Loughlin ) y el Teniente de estupefacientes Jessop (Bernie Hamilton ) cuando la división de narcóticos lo vincula con las drogas robadas, por lo que es retirado del caso y suspendido entregando placa y arma. Sin embargo, persuade a uno de sus colegas para que lo ayude con información sobre la empresa falsa detrás del tráfico de drogas . 

Uno de los jóvenes, Juan (Raúl Juliá), se pone en contacto con los narcotraficantes y les ofrece la droga por 500.000 dólares. Lo organiza inteligentemente, proponiendo cambiar la primera mitad de las drogas por la mitad del dinero, usando maletas idénticas en una plaza muy concurrida, la de Washington Square. 

Una vez que se realiza el intercambio, otro de los jóvenes 'roba' la maleta que contiene el dinero. El narcotraficante dispara a un policía y trata de escapar, pero Juan lo ataca y lo arresta. Juan observa la placa del auto del ejecutivo criminal que había venido a supervisar el trato. 

El joven escapa con dinero, perseguido por algunos integrantes de la banda que se han organizado y dispuesto en las obras de la inconclusa estación de Montgomery Street . 

Tibbs va a la casa de la esposa del guardia de seguridad. Cuando llega el colega de Tibbs, Tibbs se enfrenta a la esposa, la acusa de ser una de las traficantes de la Organización, muestra heroína en un paquete que acaba de llevar a casa y le dice que puede elegir entre la cárcel o ser asesinada por la mafia como su marido. 

Ella se rinde e identifica a los dos jefes de la organización.Los jefes son arrestados por un gran grupo de policías, incluido Tibbs. Cuando los llevan al coche de la policía, un sicario de la mafia los saca antes de que puedan hablar. Tibbs ahora ve que ganó una batalla pero está perdiendo una guerra. 

La película se rodó por las calles de un San Francisco muy distinto al actual. Con la zona del puerto ocupada por las vías del tren, con la ciudad en obras y sin intentar destacar las maravillosas calles de la ciudad. La película recibió críticas mixtas por parte de los críticos. 

Roger Ebert dijo de ella que "la trama no es exactamente creíble", , mientras que AH Weiler en The New York Times escribió " La Organización puede ser dura tanto con los detectives de las superciudades como paro los cinéfilos " . A destacar la música de corte jazzística de los 70 de Gil Melle, un grande del Jazz.

David y Catriona

 

Kidnapped es la historia de David y Catriona en el contexto de la fallida lucha por la independencia de  Escocia de los jacobitas que nos relató Robert Louis Stevenson. Un buen elenco para una historia mucho más interesante de lo que parece. Y en la que el protagonista, que no es Michael Caine, defiende en un momento que "Fui educado en la creencia de que la Ley significa lo que dice y no lo que ciertas personas pretenden que signifique"  

*EC: En construcción

Reza al muerto y mata al vivo

 

Sábado matinal para limpiar pescado. Objetivo calamares en su tinta. La limpieza exige atención y experiencia. He apostado más por lo segundo quer por lo primero y así que me he puesto a disposición de mi televisor cocinero y buscar una película. 

Tras hacer un recorrido por varios canales, BOM incluído, he visto que en TRECE empezaba un eurowestern, que es como hoy llaman al spaguetti western de toda la vida. El título, largo y extraño como gran parte de los qye salieron de las factorías italiana, española , inclusive la alemana. 

En este caso el título original era Prega il morto e ammazza il vivo que en España se presentó como Reza al muerto y mata al vivo, pero que en su recorrido internacional fue vendida como Renegade Gun o Shoot the Living & Pray for the Dead. 

El responsable de este producto era el director Giuseppe Vari un hombre de largo recorrido en la cine italiano, pero que tenía necesidad de salir al mercado mundial. Este señor nacido en 1924 y que fallecó en Roma en octubre de 1993 fue un director de cine, editor y guionista italiano. Vari comenzó su carrera como editor de películas y documentales, colaborando entre otros con Federico Fellini , Damiano Damiani y Giorgio Simonelli . 

En 1953 debutó como director con Infame accusa , luego se especializó en películas melodramáticas en los años 50, pasó por el Peplum a principios de los 60, buscando incluir en su película actores y actrices internacionales que habían tenido su recorrido como John Drew Barrymore -el que fuera hijo de John y padre de Drew - , Anthony Steel, Cameron Mitchell, pero en cuanto comenzó la fiebre del spaghetti western recaló en él dejando películas como esta. 

Desde principios de los sesenta se centró en películas de género, especialmente Spaghetti Westerns , a veces firmada con el nombre Joseph Warren incluso como Walter o Al Pisani o Joseph Green. Cosas de esta época. Entre sus películas están Degüeyo , Poker with Pistols , (1967), Death Rides Along , (1967), L'ultimo killer , , Un buco in fronte , Un posto all'inferno (1969), la que he visto Shoot the Living & Pray for the Dead , ( 1971), Il 13º è semper Giuda , (1971), ¿Quién mató al fiscal y por qué? , (1972) , Beffe, licenzie et amori del Decamerone segreto , (1972) , La padrina (1973) ,Metti ... che ti rompo il muso (1973), Il lupo dei mari (1975), Suor Emanuelle , ( 1977) , Ritornano quelli della calibro 38 (1977), Urban Warriors (1987) . 

Siempre como director y en ovcasiones como guionista y editor. En este caso la película estaba producida por Otello Cocchi para la productora Castor Films El guion fue escrito por A. Bonzzoni como Marc Saltzer. La película cuenta con la música de Mario Migliardi, la fotografía de Franco Villa rodada en Eastmancolor y presentada en CinemaScope y la edición del mismo dorector, Giuseppe Vari.

El reparto internacional  hay tras esos nombres británicos o italianos un poco de todoun alemán, algún noruego y alguna argentina, lo encabeza Klaus Kinski como Dan Hogan, Paolo Casella que se identifica como Paul Sullivan como John Webb o Parker, Dante Maggio o Dan May como Jonathan, Dino Strano o Dean Stratford como Reed, Patrizia Adiutori como Sandi o Santa, Goffredo Unger o Freddy Unger como Fran Skelton, Aldo Barberito o Aldo Barber como Greene, Victoria Zinny como Eleanor y Anna Zinnemann como Marietta 'Baby Doll'. 

Junto a ellos Anthony Rock (Oswald) ), , Fortunato Arena o Ares Lucky com o Carl / Sam, Adriana Giuffrè como Daisy , Gianni Pulone, John Ely (Dick), así como Mimmo Maggio (Cobra), Mario Dardanelli (Ramon). 

Una banda de asesinos, dirigidos por Dan Hogan (Klaus Kinski) dan un gran golpe. Asaltan un banco en Phoenix y roban 100.000 dólares en lingotes de oro. Para evitar que haya suspicaciones entre ellos Dan entrega el lote del robo a la madre de su hijo, una chica de nombre Eleanor (Victoria Zinny) para que la lleve al punto de destino, un rancho que sirve de parada de postas y de hotel conocido como el rancho de Jackal para repartirse el dinero. 

Sin embargo, antes de llegar al rancho llega a él un misterioso hombre llamado John Webb ( Paolo Casella) que sabe de la presencia de esta partida ya que ha conseguido información de un vendedor de armas que iba de servir de guía para llegar a México a los hombres de Hogan. 

El rancho de Jackal está en mitad de la nada. Un área polvorienta y alejada de todos los sitios. Su gran ventaja es que está a unas jornadas de la frontera con México. En el rancho habitado por un hombre de edad avanzada , Jonathan (Dante Maggio), que se encarga del telégrafo y que cuida de una chica, la joven Santa o Sandi (Patrizia Adiutori ). Ella lo que quiere es salir de allí y conocer mundo, pues casi de inmediato la pregunta si conoce San Francisco o New York. El ha estado en ambos lugares y ella se postula para huir con él. 

Mientras tanto al rancho llegan algunos integrantes de la partida de Hogan que están nerviosos, pues el dinero todavía no ha llegado. Es mucho el dinero - $ 100,000 en lingotes de oro- así que algunos comienzan a dudar de Dan Hogan y de la novia de éste, Eleanor (Victoria Zinny). 

Todos recelan de John Webb (Paolo Casella), pues es un extraño que sabe del robo, del dinero, del guía, pero además todos recelan de los presentes. Además Webb se ofrece a cambio de recibir la mitad de su oro a cambio de llevarlos a México. 

Finalmente llega al puesto una diligencia. Además del cochero en la misma van una corista Marietta 'Baby Doll' (Anna Zinnemann) y una pareja de ingleses ricos, la formada por Oswald y Daisy. Pueden manifestar ser ricos, pero ella se muestra como una mujer de pasado turbio, casada exclusivamente por interés económico. 

Tras ellos llega Eleonor (Victoria Zinny) con el dinero. Se excusa por la tardanza, pero lo primero que hace es preguntar por el hijo , no mostrando interés alguno por el dinero. De todas maneras ella esperaba encontrar allí a su hijo, que es igualmente el de Hogan. Pero allí no está. 

La situación se tensa pues llegan unos Rangers que van detrás de Hogan, que se ha refigiado en la habitación de la parte superior. También hay tensión pues algunos de los hombres de Hogan dudan de su buena voluntad, mientras que otros únicamente quieren satisfacer sus pulsiones, incluída la sexual. Tanto es así que uno de los hombre mata a Marietta, mientras que otro acaba con la vida del asesino. Además saltan chispas entre la pareja de ingleses pues ella se bebe hasta el agua de los floreros y se muestra tan vulgar como buscona. 

Mientras tanto John Webb se reinvindica para ayudar en la travesía. Propone ir a México a cambio de poder quedarse con la mitad del botín. El líder acepta la propuesta y se disponen a seguir su camino, huyendo de la ley por el terrorífico desierto de México. Con ellos marchan Daisy y Santa que son llevadas como rehenes. 

La travesía por el desierto pone a cada uno en su sitio. Alguna como Daisy muere en arenas movedizas, algunos de los hombres de Hogan son asesinados por el mismo. Tras ellos van los Rangers acompañado por un Jonathan que quiere recuperar a su nieta. 

Lo peor es que nadie sabe que Webb planea acabar con la banda de Hogan, ya que durante sus primeros días con el Ku Klux Klan , había matado al padre que no era otro que el juez Parker y a los hermanos de Webb que está allí para cumplir con su venganza. Esta finalmente es doble, por un lado, Eleonor ha engañado a Hogan sustituyendo los lingotes por barras pintadas en color oro y por otro Webb/ Parker acaba con la vida del hombre que le hizo sufrir. Tras esto acaba la película. 

Rodado en Italia. En estudio la parte correspondiente a la estación de diligencia y al aire libre en un área desértica que podría ser el desértico paisaje de Crete Senesi en la región del Desierto Accona, región italiana de Toscana, al sur de Siena o el Camposecco de Camerata Nuova. Algunos apuntan a los pozos de arena de Roma.La película se rodó simultáneamente con El último traidor ( Il tredicesimo è semper Giuda ), otro Spaghetti Western que también fue dirigido y escrito por Vari y Bolzoni. 

El guión de Adriano Bolzoni estaría inspirado en las películas estadounidenses de crimen negro de las décadas de 1930 y 1940. Alguna escena se remitiría a película de cine negro americano como la entrada de Kinski en escena que repite la presencia de Edward G. Robinson en Key Largo (1948). 

Con sus muchos estrenos internacionales, la película tenía títulos adicionales en inglés de Pray to Kill and Return Alive , To Kill a Jackal y Renegade Gun . 

Para algunos se trata de uno de los mejores exponentes del Spaghetti Western con esos titulos largo y atormentados, marca del subgénero; otros incluso apunta a que más que western es un thriller de misterio disfrazado de western. 

Se estrenó en agosto de 1971 y contiene todos los elementos propios de este subgénero. Todo, incluído la estética, está llevado al plano más innoble. Con malvados que no perdona, violan, matan, roban y abusan sin freno y justicieros que ocultan su historia en el anonimato o en la falsedad de nombres que encubren su pasado La película está llena de poses y miradas así como contiene un sentido de reivindicación y lucha contra los que abusan de su riqueza, los que abusan de las mujeres o los que desprecian a otros por razones de raza o ideología. En ese sentido el spaguetti western es un cine de combate, muy moderno. 

Aunque abusa de sus miradas que ante una cámara capaz de colocarse en los sitios más inverosímiles , son exageradas sus miradas que pueden ser inquitantes, torvas, cobardes, malvadas, tentadores, libidinosas, retadoras, huidizas o enloquecidas. A esto se suman los diálogos que son cortos, pero coriáceos, llenos de frases lacónicas y cortante. Un ejemplo lo tenemos a la mitad de la película cuando una de las mujeres le dice a uno de los asaltantes - ¿Por qué es Ud. bandido? y el contesta - Por vocación. ¡Señora, no tengo sus encantos para procurarme un marido rico!." 

De su estreno en Alemania, Das Filmmagazin dijo que en principio no había nada malo en que Klaus Kinski estuviera en este Spaghetti Western a pesar de que el actor y el género han estado en mejores producciones. El papel de Dan Hogan fue una oportunidad perfecta para que Kinski creara un personaje que era un lunático. Das Filmmagazin también consideró que el alcance reducido de las ubicaciones limitadas a la casa de postas y al desierto le permitió al director usar tomas de mano para crear una tonalidad surrealista. Los primeros planos vacilantes de rostros capturaron la intensidad de las expresiones, tomas cortas con distancias focales amplias, ángulos de cámara inclinados y otros trabajos de cámara inusuales se utilizaron para generar estado de ánimo. Resumieron escribiendo "Ein spannender, nahezu minimalistischer Italowestern, der zwar nicht mit den Besten seines Fachs mithalten kann, aber in der zweiten Liga eine ziemlich gute Figur macht". (Un Spaghetti Western emocionante, casi minimalista, que, aunque no puede competir con los mejores en su campo, es una figura bastante buena en la segunda división).

La base de datos de Spaghetti Western califica la película de "thriller de misterio completamente interesante disfrazado de western" y representativo de "uno de los mejores ejemplos de las joyas olvidadas del Spaghetti Western". 

Por otro lado, el crítico de cine italiano Paolo Mereghetti criticó la película, calificándola de "un western absolutamente convencional, con un Kinski al mínimo de sus capacidades actoral". En su reseña para el sitio web Sense of View , Carsten Henkelmann, aunque destacó la falta de ritmo ("La acción es en su mayor parte muy tranquila, la narración es bastante lenta"), elogió la originalidad de la trama (" es un western que utiliza los tiroteos habituales como último recurso "). 

Quentin Tarantino clasificó a la película en el puesto 16 en su personal "Los 20 spaghetti westerns favoritos". 

Ya en España Fausto Fernández , el sabio crítico de cine, habitual en Fotogramas y un gigante del conocimiento tuitea lo siguiente de este western que el califica de "Western malrrollero en un clásico del eurowestern o spaghetti western con todos los tópicos Leone, tesoro, traiciones, oro robado y México incluidos, en este festival de tiroteados por la espalda, con un Klaus Kinski desatado con el aliciente de la psicópata interpretación de su protagonista" del que dice" Klaus Kinski, absoluto y reptiliano protagonista, mira mal a todo el mundo, dentro y fuera del set, liándola parda en la purulenta ficción y en la infernal realidad de su rodaje, donde el papi de Nastassja no hacía sus escenas si el director estaba presente" Y todo ello "mientras disfruta como un mono rabioso en celo siendo el protagonista de esta enfermiza película. Era el tipejo ideal para soltar una frase tan lapidaria como la que da título a la película. Darle un protagónico a Klaus Kinski en un western era ser consciente de que el guión se la sudaría, que burrearía al director si le veía verde y que montaría un happening. Por todo ello mola".

En el Mundo "Película dirigida por el cineasta Giuseppe Vari (''Guerreros de la ciudad'', ''Vuelven los del calibre 38'') y escrita por Adriano Bolzoni (''Vicios prohibidos'', ''La ley del desierto''). El reparto lo conforman Klaus Kinski (''Nosferatu, vampiro de la noche''), Victoria Zinny (''De amor y de guerra''), Paolo Casella (''Reza al muerto, mata al vivo''), Dino Strano (''Los siete del grupo salvaje'') y Antonio La Raina (''Antonio Gramsci: i giorni del carcere''), entre otros. ''Reza al muerto, mata al vivo'' fue filmado a la vez que se realizaba el rodaje de ''The Last Traitor'', ambas dirigidas por Giuseppe Vari y escritas por Adriano Bolzoni el año 1971".

Por mi parte decir que se deja ver. Tiene sus cosillas como ver matar una boa en el desierto de México o el hecho de ocultar la verdadera naturaleza de la historia, la venganza, en otra historia, el éxito de una huída, aunque lo que está presente es otra, la avaricia. 

En definitiva, una película que se deja ver pues es modélico en todos los sentidos y con un Klaus Kinski desatado y unas mujeres que destilan en la película más perversión y deseo que otro cosa. Por cierto, los calamares en su tinta fueron la base de unos espaguetis. !!!Qué menos que coherencia!!! Estaban fenomenales.