Amaya

Luis Marquina fue un director español nacido en Barcelona (1904) - y que murió en Madrid (1980), y está considerado como uno de los artesanos cinematográficos españoles cuando tuvimos nuestra floreciente industria cinematográfica. 

En sus inicios fue ingeniero de sonido, pero Luis Buñuel  le dio la oportunidad de rodar su primera película: Don Quintín el amargao (1934), basada en la obra de Carlos Arniches. 

Marquina fue escritor, productor y director, y tuvo una prolífica carrera, escribiendo y dirigiendo todo tipo de géneros con inclinación por el musical y la comedia; también realizó varias coproducciones internacionales. 

Entre sus obras destacan El chismoso (1938), La viudita naviera (1962), Asedio del terror (1970), ¡Backfire!. Crucero de verano, Su hermano y él, Malvaloca, Torbellino, El capitán veneno, Noche fantástica, Ventolera, Navidades en Junio, Fabuloso fraude, Adiós Mimí Pompón, Maribel y la extraña familia. Aunque curiosamente iba a dirigir Amaya años antes Arturo Ruiz Castillo. El rodaje fue bastante accidentado y se interrumpió durante casi un año por cuestiones económicas. Por suerte, casi todo el equipo estuvo disponible para continuarla. José Luis Merino fue ayudante de dirección

Amaya fue uno de sus éxitos. Es una película del año 1952 que comienza con una cartela que dice que los primeros vascos nacidos en los montes de España procedían de una tribu, llegada de Oriente, y regidas por Aitor. Cuantas generaciones se sucedieran conservarían el respeto casi fanático al patriarca Aitor ya cuanto él estableció. Tal fanatismo se convirtió solo en ley de tradición cuando aquellas gentes empezaron a convertirse al cristianismo. 

Aitor trajo de Oriente un fabuloso tesoro, pero temeroso de que su posesión sembrada el odio en la discordia entre los suyos, antes de que se creara un verdadero pueblo , lo escribió celosamente prohibiendo que nadie usara de él mientras no se extinguiera la línea masculina de sus descendientes directos. El secreto del escondite pasaba de padres a hijos sin que ninguno osara violar la consigna de Aitor decretó. 

Por mandato del patriarca su primera descendiente femenina sería la dueña de tal tesoro, la heredera de sus derechos patriarcales como y si se casaba, sería su marido el primer rey de los vascos, pudiendo ambos disfrutar del tesoro para bien de su súbditos. 

Llama la atención que empiece así esta película de la productora valenciana CIFESA y cuenta con José Bodalo como Teodosio entre sus actores pero que también cuenta con Rafael Luis Calvo como Eudonio, Julio Peña Iñigo García y con Susana Canales como la bella Anaya. Así otros como Pedro Porcel como Vladimiro, Ramón Elías como Hermano Paconio, Armando Moreno como Capitán Munio, Porfiria Sanchiz como Amagoya y muchos más, entre ellos colabora igualmente Manolo Morán.

La película se inspira en la novela de de Francisco Navarro Villoslada del año 1879 de título: ‘Amaya o los vascos en el siglo VIII’ y en la ópera de JM Arroitajauregui, del año 1920, con libreto de José María Arroita Jáuregui siendo adaptada y teniendo un guión literario escrito por José Luis Albéniz y Jesús Azkarreta. El guión técnico es de Luis Marquina. 

La banda sonora fue creada por Jesús Guridi basada en la ópera del mismo autor e interpretada por profesores de la orquesta sinfónica de Madrid y en la película igualmente aparece un baile representativo de la cultura vasca, la  Espatadatza, que fue a cargo del grupo de danzas Batz Alai de la Juventud Antoniana vinculada con los padres franciscanos y con Irala Barri de Bilbao.

La fotografía fue la voz de José F. Aguayo y Heinrich Gärtner y los exteriores aparenmtemente  se rodaron en el País Vasco siendo el responsable de cámara Eloy Mella. El montaje fue labor de Magdalena Pulido. Le ofrece el producción fue Felipe Mayo y los exteriores Enrique de Lama. El vestuario sigue los bocetos de Iturribarria Legorburu y fueron confeccionados por Peris hermanos.  Gran parte de la película se rodó en los estudios de Sevilla films siendo objeto jefe general de sonido Jaime torrens y el jefe neto de sonido Gabriel Basagañas. 

Cogió el crédito sindical que fue concebido por el sindicato Nacional de espectáculos y colabora Producciones Cinematográficas HudeSA. 

Se trata de una curiosa película de aventuras medievales ambientada en los tiempos de los Reyes nuevos, antes de iniciarse en la Reconquista. El escenario es el norte de España donde godos y vascos viven en continuo enfrentamiento hasta que Pelayo los une en una lucha común contra los infieles. 

La historioa previa es nuestra gran desconocida a la hora de ver la película. El príncipe godo Ranimiro (Pedro Porcel) se casa con Paula, descendiente del patriarca vasco Aitor. Fue el patriarca Aitor el que trajo consigo un fabuloso tesoro, que ocultó para evitar conflictos entre sus súbditos. Debía ser entregado únicamente a su primera descendiente femenina, que será la hija del vasco y el godo Ranimiro . Ese brazalete cuyo tesoro simboliza tradición de los vascos y que guarda en su interior un lema "El fin es el principio" , es ambicionada por Amagoya, hermana de Paula, que quiere ser la reina de los vascos. Pues bien, Ranimiro y Paula, tiuvieron una hija a la que llaman Amaia. Por la constante pugna y peleas en que vive  vascos y godos es incendiado el palacio de Aitor, en cuyo accidente muere Paula y el marido de Amagoya, pero se salva Amaya. Esto es lo que sabemos pero nos enteramos a lo largo de la película. 

Ranimiro es acusado de haber provocado el incendio, pero más tarde nos enteramos que realmente fue el marido de Amagoya.

En un momento dado, caso al inicio de la película, el príncipe godo Ranimiro y su hija Amaya caen emboscados por los vascos y son hechos hechos prisioneros. La intención de quien ha guiado el ataque, Iñigo Diaz de Amezkua (Julio Peña ) es que sea juzgado por el Consejo de Ancianos, y está a punto de ser condenado a muerte. 

Pero es la persona que dirige el ataque, uno de los señores vascos Íñigo , quien arrestó a Ranimiro, se enamora de su hija Amaya; mientras que el auténto líder, el joven hijo del señor de Goñi, Teodosio de Goñi (José Bódalo), se niega a esto, ya que ha jurado vemnganza por la quema del palacio de Aitor. 

Este intenta impedir la unión entre vascos y godos, pero cuando Ranimiro está a punto de ser condenado a muerte, es cuando llega Pelayo (Rafael Arcos), sobrino del rey Rodrigo, anunciando la invasión de los infieles, y los vascos deciden ir a la lucha por la cruz contra los invasores. Como señala Amaya en un momento de la película "No peligra el imperio, la religión peligra", tal es la proclama la descendiente de Aitor ante el ataque de las fuerzas musulmanas. Los godos y los vascos que han abandonado los ritos paganos para abrazar la fe cristiana deben abandonar sus luchas intestinas y hacer frente al enemigo común. 

Entonces Pelayo, lugarteniente y sobrino del rey visigodo Don Rodrigo, llega anunciando la invasión de los infieles y llamando a los vascos a luchar por la cruz contra los invasores infieles. 

Mientras todo esto ocurre el Señor de Goñi  que presionado por su odio y el de su hijo Teodosio, conspiran para acabar con Ranimiro, pero para desgracia de Teodosio, en una noche de tormenta, está dispuesto a ejecutar su sentencia de muerte así que disàra a un hombre pensando que es un godo resultando ser su padre.

Esto lleva al líder vasco a retirase a una cueva, a renunciar a la guerra y a la jefatura de los vascos, siendo ahora Iñigo quien reuna las mejores condiciones para ellos. Y todo esto ocurre cuando quieren alcanzar el trono su ambiciosa tía, la pagana Amagoya (Porfiria Sanchiz), mientras que en Pamplona, los judíos y el duque de Cantabria (Rafael Luis Calvo) también intentan hacerse con el poder. 

Sin embargo, el caudillo vasco Íñigo que se ha enamorado perdidamente de  Amaya, y tras no pocas peripecias, esta y su marido Íñigo son proclamados reyes de baskonia. 

Rodada en San Lorenzo del Escorial, la película presenta la exuberante y lujosa cinematografía de Enrique Guerner y José F. Aguayo. A pesar de los créditos iniciales que revelan que se rodó en exteriores  del País Vasco y Navarra, la película en realidad se rodó cerca de Madrid.

Jesús Azcarreta y José Luis Albéniz escribieron un guion muy enrevesado, muy declamatorio, con múltiples personajes y demasiados incidentes, resultando en una adaptación pesada que no resulta del todo entretenida ni especialmente bien desarrollada. 

Como era típico de la época, se enfatiza el poder de la cruz, la oración y el espíritu religioso, y gracias a todo ello, los diversos pueblos de España se unen para derrotar al invasor infiel. Todo esto se ve realzado por un vestuario de época algo inapropiado y los habituales decorados de papel maché. 

La historia coherente con el espíritu dominante de una España oficialmente católica, exalta la nobleza, la fe cristiana y el orgullo del pueblo vasco, además de su amor a España en ese período de tiempo en que tuvieron conflictos con la monarquía goda de Don Rodrigo (Rodericus), quien fue traicionado por algunos de sus socios hispanos por lo que el imperio se perdió después de la Batalla del Río Guadalete (711 a.C.), y los resilientes guerreros católicos españoles tuvieron que trasladarse al norte de España para unir sus fuerzas .

"¡Odios, luchas y traiciones en la gigantesca epopeya de una raza! Magnífica visión histórica del siglo VIII, en un apasionado relato novelesco". Así rezaba la publicidad del Teatro Coliseo Albia de Bilbao, allá por agosto de 1954.

Locura de amor

En la España de los años 40, el cine dominante era la comedia, con cerca de la mitad de la producción, pero entre 1939 y 1951 ,serán unas veinte las películas de contenido histórico. Estas películas eran el principal vehículo de propaganda y adoctrinamiento del primer franquismo. El régimen lo utilizó para construir una épica nacionalista, ensalzando la religión, el Imperio español y los valores militares para legitimar su propia dictadura.

La importancia de este género se basó en tres pilares. El primero, la propaganda e ideología que glorificaba la "Hispanidad" y el pasado católico, creando paralelismos entre los Reyes Católicos o los conquistadores y la figura de Francisco Franco como "salvador de la patria". El segundo, la consolidación de mitos a través de biografías heroicas, se fomentaban valores de sacrificio, patriotismo y obediencia, alejando al público de la dura realidad de la posguerra y la autarquía.  Y el tercero el control cultural por parte del Estado que consideraba la cinematografía como una industria de "interés nacional". A través de la Censura Cinematográfica durante el Franquismo y de productoras como Cifesa o Suavia, el régimen dictaba qué historia se podía contar y cómo.

Recuerdo haber visto en los años ochenta el programa La noche del cine español​ que hacía menciópn a alguna de estas películass. Dicho programa se estructuraba de la siguiente manera: una eje cronológico que repasaba de manera minuciosa la producción fílmica española y el reflejo de la sociedad, centrándose de manera muy detallada en el período que abarcó desde el año 1939 hasta 1975; el formato doble ya que cada emisión combinaba un riguroso reportaje documental o de análisis histórico con la posterior proyección de una película representativa de la época tratada. Y finalmente una importante labor de archivo en el que destacaba, por su ingeniosa tarea de documentación, recuperando fragmentos de películas, material del NO-DO y testimonios clave de la industria. 

Alguna de estas películas de género histórico y de prograganda, además fr la mítica Raza, fueron Agustina de Areagón o Alba de América, ambas de Juan de Orduña o el Jeromín de Luis Lucía... El valor del programa de Méndez-Leite consistió en que no solo emitió estas películas, sino que sentó a directores como Juan de Orduña y a sus intérpretes para que explicaran el férreo control del guion, los presupuestos históricos y los objetivos políticos que el régimen les imponía. Una de esas película que referenciaron fue Locura de amor que me impresionó por sus referencias tanmto a nivel de reparto y sus interpretaciones; el despliegue de medios al contar con un presupuesto inusualmente alto para la época de la autarquía. Destacaron los suntuosos decorados diseñados por Sigfrido Burmann y el vestuario de época, pensados para dar una imagen de grandiosidad hacia el exterior o por su impacto cultural , pues fue un taquillazo de la época , dando lugar a uu estilo melodramático que influyó tanto en la época que años más tarde los directores de la modernidad española (como Berlanga y Bardem) lo tomaron como el principal ejemplo a combatir y parodiar para renovar el cine nacional. .  

Película de 1948 dirigida por Juan de Orduña y cuyo guion fue escrito por Alfredo Echegaray y Carlos Blanco, con la colaboración de José Mª. Pemán, adapta la obra teatral “La locura de amor” (1855), de Manuel Tamayo y Baus. Se rueda en los Estudios CIFESA (Valencia) y en exteriores de las proximidades. Producido por Juan de Orduña (1900-1974) para CIFESA, teniendo como productores a Carlos Blanco y José María Pemán se estrenó en noviembre de 1948 en los Cine Windsor de Barcelona.

La acción dramática tiene lugar entre 1504 y 1506, con un prólogo situado en 1516. En esta fecha comienza la película con la llegada a España del emperador Carlos V (Ricardo Acero) que está en Tordesillas de visita a su madre, que desde hace tiempo permanece confinada en el Castillo de Tordesillas debido a su estado mental. 

La visión del Toisón de oro en el pecho del señor de Chievres le recuerda al intrigante Don Filiberto, encubridor de los amores adúlteros de su esposo y tiene un ataque de locura ante su hijo. El capitán Alvar narrará entonces al emperador la historia de Doña Juana. 

Comienza Alvar con la muerte de Isabel I, la católica (26-XI-1504), Juana (Bautista) es proclamada reina de Castilla en virtud del testamento materno. Casada (1496) con Felipe el hermoso (Rey), soberano de los Países Bajos. 

La película cuenta la pasión que siente la princesa Juana de Trastamara, hija de los Reyes católicos y heredera del trono de Castilla por su marido Felipe el hermoso soberano de los Países Bajos e hijos del emperador alemán Maximiliano de Austria y de María de Borgoña. 

Ella no es justamente correspondida y siente celos de las amantes de Felipe y sufre por el comportamiento promiscuo del marido, Felipe ( Fernando Rey) al que Doña Juana (Aurora Bautista) sorprende a su marido en su pabellón de caza en medio de una fiesta y cortejando a una dama en el momento en que ella iba a comunicarle la noticia de la muerte de su madre, añadiendo a dicho dolor el de la traición. es aficionado a la caza, las fiestas y el deporte de su tiempo.

Ya en Castilla, Felipe sigue siendo infiel. Es mujeriego, tiene una relación en el mesón del Toledado, cuyo mesonero (Félix Fernández) la presenta como sobrina, de nombre Beatriz, nombre bajo el que se oculta Aldara, (Sarita Montiel), una musulmana, hija de un rey musulmán, el Zagal, ansiosa tanto de venganza por la muerte de su padre , su exilio.

Ella quiere conquistar al capitán Alvar de Estúñiga (Jorge Mistral) , al que ha seguido desde Italia. Ella siente pasión por el poder y por la venganza. 

Ya en Burgos conseguirá un puesto como dama de la reina gracias al adúltero don Felipe. En la capital burgalesa, y mientras Felipe se dedica a conquistar a otras mujeres, su hombre de confianza, Filiberto de Were va tejiendo, apoyado por parte de la nobleza castellana deseosa de medrar, como a Don Juan Manuel ( Manuel Luna)  y a Diego López Pacheco y Portocarrero,  Marqués de Villena (Eduardo Fajardo) . Otra parte de la nobleza , como la que representa el Almirante de Castilla (Juan Espantaleó ) no aceptan la ingerencia extranjera.

Allí comienbza una intriga para incapacitar a la reina y proclamar rey a Felipe., y a partir de ahí comienza su locura cuando el archiduque prefiere las aventuras y las argucias de Filiberto de Vere (JesúsTordesillas) con otras mujeres cosa que trastorna completamente a Juana. 

El día anterior a la sesión en que las cortes deben declararle rey, Felipe juega con el marqués de Villena a la pelota y bebe agua muy fría. 

Una carta escrita por Aldara al rey llega a manos de la reina que, cegada por los celos hace escribir a todas las damas unas palabras para descubrir a la traidora, sin importarle que el almirante y los hombres que le son fieles presencien tal escena de celos cuando van a tratar graves asuntos de estado. 

La reina sólo aceptará acudir a las Cortes debido a la insistencia del capitán Alvar de Estúñiga, secretamente enamorado de ella. Pero su presencia será contraproducente, pues aparece ante todos como loca al presentar como prueba de la infidelidad de su marido un papel en blanco que ella creía la carta de Aldara, hábilmente sustraída por el señor de Were. 

Alvar se enfrentará con él, si bien será Aldara quien acabe con el traidor para salvar a su amado pese a que es consciente de que el suyo es un amor imposible. 

Al término de la sesión Felipe se siente mal debido a un corte de digestión. La reina cuidará de él con amor hasta su muerte que para ella es sólo un episodio de sueño, por lo que se negará a enterrarle y paseará su cadáver por Castilla tratando de llevarle a Granada, donde nunca llegarían. 

El reparto de actores y actrices es inmenso; se cree que trabajaron casi todos los actores dramáticos dedicados al cine por esos años haciendo hasta de figurantes. 

Dominan la pantalla Aurora Bautista como Doña Juana, Fernando Rey como Felipe el Hermoso, Sara Montiel como Aldara / Beatriz, Jorge Mistral como Capitán Don Alvar de Estúñiga, Jesús Tordesillas como Don Filiberto de Vere, Manuel Luna como Don Juan Manuel, Juan Espantaleón como Almirante, Félix Fernández como Mesonero, Nicolás Perchicot como Pintor en la corte de Flandes y Eduardo Fajardo como Diego López Pacheco y Portocarrero, Marqués de Villena.

  

La película lanzó al estrellato Aurora Bautista con Juana la loca y en la misma aparece Fernando Rey como Felipe el hermoso Sara Montiel y Jorge Mistral como Don Álvar de Estúñiga, así con todo un elenco de secundario magníficos. En ella vemos como su locura se acentuará con la prematura muerte de su marido en Burgos, donde Felipe ejerce el poder real sin contar con la opinión de la Reina. Cuando Felipe muere a los 28 años. (25-IX-1506), por accidente o envenenamiento, se hace cargo de la regencia de Castilla Fernando II de Aragón, el católico, que la delega más tarde en el Cardenal Cisneros hasta que el príncipe Carlos (Arce) es proclamado mayor de edad (a los 15 años) y rey de Castilla y Aragón (1516). 

Juana nunca fue legalmente incapacitada, las Cortes de Valladolid se negaron a hacerlo y siempre fue citada como reina hasta su fallecimiento (1555). Vivió recluida en el castillo de Tordesillas (Valladolid), por decisión de su padre Fernando el católico y de su hijo Carlos I, hasta el final de sus días, a los 75 años de edad. El film construye una historia de ficción, de carácter dramático y romántico, con elementos folletinescos y melodramáticos, que se aparta de la verdad histórica. Juana está profundamente enamorada de Felipe, no quiere pleitear con él, es muy religiosa, devota y austera. 

Forma parte del conjunto de obras sobre temas históricos que en los años 40 y primeros 50 cuentan con gran aceptación de un público popular que sublima sus frustraciones y miserias con relatos épicos y grandes historias, como “Alba de América” (1951), “Agustina de Aragón” (1950) y otros. 

El estilo narrativo es ampuloso y grandilocuente. Reproduce las imágenes de dos cuadros famosos: “Doña Juana la loca” (1877, Museo del Prado), de Francisco Padilla, y, “El testamento de Isabel la católica” (1884, Museo del Prado), de Eduardo Rosales.

La banda sonora, de Juan Quintero Muñoz (“Agustina de Aragón”), ofrece composiciones corales religiosas (de difuntos, de acción de gracias...) y cortes vibrantes de acompañamiento. La fotografía, de José F. Aguayo (“A tiro limpio”, Pérez-Dolz, 1963), compone imágenes opresivas y lúgubres, coherentes con el desarrollo de la historia, excelentes perspectivas generales de multitudes (entrada en Burgos) y composiciones de numerosos personajes. Se beneficia, además, de unos decorados suntuosos. El montaje fue de Juan Serra. 

La película presenta diálogos brillantes, con actores y actrices de dicción colosal y su ritmo impecable, fruto de la experiencia del cineasta. "Su locura no tiene remedio. Pero es la más hermosa locura del mundo. Locura de amor."

En 2001 Vicente Aranda retomó el argumento para su película Juana la Loca. 

La película obtuvo dos Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo como el de mejor película y la Mejor actriz para la actriz a Aurora Bautista. En la 4.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos consiguió el de mejor película y mejor actriz para Aurora Bautista. Obtuvo seis premios en el Primer Certamen Cinematográfico Hispanoamericano, celebrado entre el 27 de junio y el 4 de julio en Madrid: mejor película española, director, actriz (Aurora Bautista), actor secundario (Jesús Tordesillas), decorados (Burmann) y música (Quintero). 

Para Fotogramas supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.Un film mítico que aunó el éxito popular con el dudoso prestigio cultural. Basado en un dramón histórico de Manuel Tamayo y Baus, supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.

Para el Mundo " Uno de los mayores éxitos de la productora CIFESA, que lanzó al estrellato a su protagonista, Aurora Bautista, gracias a la que apenas era su segunda película. Otro beneficiado de su enorme repercusión comercial fue su director, Juan de Orduña, que gracias a él se convirtió en uno de los grandes nombres del cine español de la época, además de un un especialista en superproducciones de corte histórico, como las posteriores 'Vendaval', 'Agustina de Aragón', 'La leona de Castilla' o 'Alba de América'. "

Nevenka

Hay películas que se basan en historias reales y que como historias son conocidas previamente por el espectador. Este es el caso de Soy Nevenka, una película española de drama biográfico dirigida por Icíar Bollaín, la directora de ‘Maixabel’ por la que consiguió tres premios Goya y la película dramática española más vista en las salas de cine en 2002, que , al igual que la película sobre la mujer vasca, viudad de un asesinado de ETA, se inspira en el caso real de Nevenka Fernández, la concejala de Hacienda del Ayuntamiento de Ponferrada que consiguió, por primera vez en España, una condena a un político por acoso. 

En este caso Iciar Bollaín coescribió el guion junto a Isa Campo y parece ser que se basó en la novela de  Juan José Millás. Para su película, la directora contactó como director artístico con Mikel Serrano en esta producción en la que está implicado Koldo Zuazua y que está avalada por la productoras Kowalski Films, Feelgood Media, con la producción asociada de la italiana Garbo Produzioni y Movistar Plus+ 

La película contó con la música de Xavi Font , el maquillaje de Karmele Soler, la fotografía de Gris Jordana, el montaje de Nacho Ruiz Capillas y el vestuario de Clara Bilbao.

Está protagonizada por Mireia Oriol y Urko Olazabal en sus principales papeles y se estrenó en cines españoles  en septiembre de 2024, de la mano de Buena Vista International España. 

La historia se inicia con la primera entrevista entre la protagonista, Nevenka Fernández(Mireia Oriol)  con su abogado, Adolfo Barreda (Font García). Éste le pide que empiece por el principio. Ella se remonta poco antes de las elecciones municipales de mayo de 1999, cunaod una joven Nevenka que acaba de terminar su licenciatura en Económicas en Madrid. Ese es el momento en que un edil de Ponferrada (Urko Olazabal) y un amigo de la familia, Mario (Carlos Serrano), se entrevistan con ella y le dicen que la quieren como tercera en las listas del Partido Popular de cara a las próximas elecciones municipales. 

Ella, que había pedido un cargo con el que poder compaginar sus prácticas, se vio, tras ganar por mayoría absoluta, con 24 años al frente de la concejalía de Hacienda y Comercio. 

La relación de amistad entre alcalde y concejala que, en principio, parece auténtica, especialmente cuando éste le hace partícipe de la enfermedad terminalk de su mujer, se desvirtúa y , tras el fallecimiento de ella, comienza una breve relación sentimental aunque con dudas por parte de ella. 

Nevenka, incómoda, decide ponerle fin y es entonces cuando empiezan los problemas: llamadas y mensajes insistentes, desplantes en el pleno, encerronas e insultos. "Eres muy tonta, Kenka y no sabes lo que te conviene", le espeta Álvarez en un momento de la película. 

Tal es el poder que tiene el edil que los propios padres de Nevenka, desconococedores de la relación que hubo entre la edil y el alcalde, se ponen en su contra. Ante la falta de apoyos y en vista de que el comportamiento del alcalde no cambia, Nevenka se marcha a Madrid a pasar un fin de semana y allí se reencuentra con un compañero de facultad, con Lucas (Ricardo Gómez), un amigo de la universidad en el que se apoya y con quien comienza a salir. 

Nevenka, fruto del miedo, comienza poco a poco a cambiar su aspecto y a hacerse más pequeña, más frágil. "Me quedé. No sé por qué. Dentro de mí yo sabía que no era verdad. Yo sabía que me estaba mintiendo. No entiendo por qué no me fui. No entiendo por qué hice tantas cosas. Es como si no fuera yo. Es... no me reconozco. A veces pienso que estoy loca. ¿Estoy loca?", se pregunta en un momento de la película. 

Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público. 

En la capital, donde ella, tras varios episodios de acoso, tanto en lo progfesional, en un pleno en el que le increpa y le llama inepta, hasta en lo sexual, cuando van a una boda y el alcalde la viola, le expiden una baja por depresión debido al acoso sexual, se pone en contacto con Adolfo Barreda (Font García), el abogado que prepara su querella. 

Ella le cuenta la historia sabedora de que pocas personas testificarán a su favor si se plantea denunciarlo. Le cuenta como ha sufrido una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. 

En marzo de 2000 tiene lugar la rueda de prensa en la que denunció públicamente al alcalde de Ponferrada, Ismael Álvarez, por acoso sexual. Aquel día aseguró que luchaba por su dignidad, pero su credibilidad fue cuestionada desde el primer momento, incluso durante el propio juicio debido en parte a que la popularidad de Ismael Álvarez y sus años como edil —se mantuvo en el poder desde 1995 hasta 2002— consiguieron que el pueblo de Ponferrada se pusiera de su lado. No solo fue su amabilidad la que encandiló al municipio. Sus lazos como empresario, también con los padres de Nevenka, fueron clave para que muchos vecinos tuvieran miedo de testificar en su contra. 

Solo unas pocas personas, como la líder del PSOE la médico Charo Velasco ( Lucía Veiga), tuvieron el valor de hacerle frente. 

Nevenka, consciente de que no puede arruinar más la vida de sus seres queridos, redujo su número de testigos para no ponerles en un aprieto. Sus dudas —en realidad las de muchas víctimas— fueron cuestionadas en el juicio de 2002. 

En el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León, el fiscal José Luis García Ancos embistió contra ella en varias ocasiones, hasta el punto de que se le tuvo que recordar que no era la acusada. Fue el artífice de la polémica frase "Usted no tenía por qué aguantar eso. Usted no es la empleada de Hipercor que le tocan el trasero y se tiene que aguantar porque es el pan de sus hijos". 

Finalmente consiguió que los tribunales le dieran la razón y, por primera vez en España, un cargo político fue condenado por ese delito. Sin embargo, la sentencia no le evitó el desgaste y la incomprensión sociales: mientras su acosador conservaba apoyos, ella acabó marchándose al extranjero para rehacer su vida. 

La sentencia, de la que recibimos información al final de la película, y que fue ratificada por el Tribunal Supremo, condenó a Ismael Álvarez a una multa de 6.840 euros y 12.000 de indemnización por acoso sexual. 

Tras conocerse el fallo, Ismael renunció a todos sus cargos. Su escarmiento judicial no impidió que en 2011 volviera a presentarse a las elecciones municipales con la formación Independientes Agrupados de Ponferrada (IAP), con la que consiguió cinco concejales. 

Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia basada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral. 

Como película en enero de 2023 se empezaron a difundir rumores de que Icíar Bollaín había visitado la ciudad de Ponferrada, en busca de localizaciones para rodar una película sobre el caso de Nevenka Fernández.​

El 18 de enero de 2024 se anunció que el rodaje de una cinta original de Movistar Plus+ sobre el caso, Soy Nevenka, había empezado su rodaje en Bilbao y Zamora, con Bollaín en la dirección y con Mireia Oriol y Urko Olazabal como protagonistas.​ El presupuesto total de la cinta es de 4.6 millones de euros, incluyendo 1.2 millones de euros procedentes de las ayudas generales del ICAA 

En enero de 2024, poco después del anuncio del inicio del rodaje de la película, el PSOE de Ponferrada, la localidad donde tuvo lugar el caso, criticó la decisión de no rodar la película en dicha localidad y demandó explicaciones al alcalde de Ponferrada,​ especialmente por el hecho de que Bollaín había visitado la localidad en verano de 2023, presuntamente en busca de localizaciones para el rodaje de la cinta.​ La productora de la película respondió que eligieron rodar en Zamora debido a las facilidades que la localidad les dio para el rodaje de la película, en contraste con el poco apoyo aportado al proyecto desde Ponferrada. El set se desplazó finalmente a Zamora, Bilbao y North Shields, en Reino Unido. 

La película compitió por la Concha de oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Durante la gira publicitaria Urko Olazabal que asume el papel del alcalde señaló declaró sobre el perfil psicológico de su personaje que "Lo primero que hacen es ser encantadores y agasajar a sus futuras víctimas. [...] Pero después, cuando la víctima se niega a seguir siendo agasajada, es cuando intenta recuperar, por las buenas o por las malas, a esa persona que está perdiendo. Y es ahí donde encontramos el perfil más detestable de los acosadores" 

Por su parte, Mireia Oriol recuerda el duro trabajo que fue hacer de Nevenka. "No queríamos hacer una imitación ni de Nevenka ni de Ismael, pero sí fue muy importante para mí poder hablar con ella y sentir cómo había logrado, tras haber sufrido ese trauma y tener que irse de su país, superar ese trauma e incluso convertirlo en algo bonito, en algo que nacía desde el amor y la sanación", cuenta. Además, reconoce que las secuencias, algunas muy duras, dejaban "un poso" en ella, así que tuvo que aprender a entrar y salir de su personaje para que no le afectara. 

Inspirada en el libro ‘Hay algo que no es como me dicen’ de Juan José Millás, publicado por Alfaguara, 'Soy Nevenka' está protagonizada por Mireia Oriol (‘El arte de volver’, 'Alma') y Urko Olazabal (Premio Goya al mejor actor de reparto por ‘Maixabel’). Los acompañan Ricardo Gómez (‘La ruta’), Carlos Serrano (‘La ley del mar’), Lucía Veiga (‘Rapa’), Luis Moreno (‘Vergüenza’), Javier Gállego (‘El desorden que dejas’), Mercedes del Castillo (‘Instinto’) y Font García ('Vida Perfecta', ‘En los márgenes’). 

En los 39 Premios Goya (2025) que valoraban las películas del 2024 obtuvo un ramillete de nominaciones al Mejor actor principal (Urko Olazabal), Mejor actriz revelación (Lucía Veiga), Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y Mejor fotografía (Gris Jordana) 

En la 72º edición del Festival de San Sebastián 2024 se presentó a la Concha de Oro a la Mejor Película 

En los XII Premios Platino del Cine Iberoamericano estuvo nominada al Premio Cine y Educación en Valores En la 30º edición de los Premios Forqué 2024 la película estuvo nominada a los Premio al Cine y Educación en valores; mientras que en los Premios Feroz 2025 la nominación fue al Mejor actor (Urko Olazabal). 

En la 80.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos la nominación fue al Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y al Mejor actor principal (Urko Olazabal), siendo ganadora a la actriz revelación (Lucía Veiga) 

En cuanto a la crítica Salvador Llopart en La Vanguardia sostuvo que "'Soy Nevenka' resulta, en realidad, un brillante ejercicio en el género del horror. Con una víctima, Nevenka, interpretada con sutileza por Mireia Oriol. (...)" 

Luis Martínez en El Mundo destaca que fue "Una mirada miope al cine y a la realidad (...) Un relato tan cuidadoso en no equivocarse que renuncia a ir más allá. Y que incluso se olvida de ser relato. (...) " 

En Cinemanía Andrea G. Bermejo dice de ella que "Logra transmitirnos la angustia, la confusión, la culpabilidad y el desgaste emocional que supone el acoso sexual. (...) Gran parte del mérito recae en los actores (...) funciona también como retrato de un país" Y en la misma revista Toni Vall comenta que "Bollaín relata con tino y claridad —quizá cierta planicie también— los hechos sustanciales del caso (...) Demasiado fría, es cierto, no se eleva fílmicamente por encima de su historia porque su historia es lo que más interesa (...)"

Carlos Boyero en El País escribe que es "Una adaptación que solo me parece correcta, a la que asisto sin que me provoque frío ni calor. No hay nada en ella detestable, pero tampoco que me altere para bien. La veo y la escucho sin tedio, pero con escasa pasión" En este diario, Gregorio Belinchón , por su parte, señala que  "Icíar Bollaín crea el relato que Nevenka Fernández merecía. (...) 'Soy Nevenka' es importante y necesaria".

Oti Rodríguez Marchante en ABC la describe como una pel´ícula en la que "La directora narra con enorme pulcritud los pormenores de aquel suceso (...) Está bien contada, bien ambientada y bien interpretada, especialmente por el 'mentiroso y despreciable' Urko Olazábal, que consigue dar repelús." 

Carlos F. Heredero en Caimán señala que  es una "Bienintencionada película, respetuosa (...), encuentra su mayor limitación al filmar todo ello de manera tan limpia como aséptica, tan convencional como transparente (...) Le falta capacidad de ahondar en el retrato del monstruo" 

En El Cultural Mariona Borrull dice de ella que  "No hay nada incorrecto, pero tampoco brillante en la recreación de Bollaín (...) Así como tampoco nada que resulte inaccesible fuera del sumario o el artículo del caso en la Wikipedia; si acaso, Soy Nevenka consigue hacer más gráfico el sufrimiento de ella"  España Diario El País 

En Fotogramas Eulàlia Iglesias señala que  "Para conocer a fondo a una mujer clave en la lucha contra el acoso en España (...) Lo mejor: Urko Olazabal (...) Lo peor: si se ha visto la serie, el film sabe a poco. (...) 

La verdad es que Nevenka  ganó en los tribunales, pero la sociedad española y los medios de comunicación y la presión mediática hizo que tuviera que marcharse, primero a Reino Unido y luego a Irlanda, donde vive en la actualidad con su marido y sus tres hijos. 

No fue hasta 2017, como ella misma cuenta, cuando consiguió un trabajo sin tener que ocultar quién era. En una entrevista en el Telediario de TVE animó a las víctimas a contar sus testimonios: "Hablar me salvó la vida". 

Yo tengo que reconocer que me había olvidado de una historia que realmente nunca seguí en prensa, aunque fue mediática. Sin embargo, en 2024 estuvo en Ponferrada. Recuerdo ir a la plaza de ayuntamiento, - dejé el coche relativamente cerca- y desde allí fuí al Castillo templario, su momento más significativo. Tras pasar la mañana en la localidad leonesa y pasera junto al río decidimos marchar a Astorga y dejar ya las localidades bercianas, pero cuando me dirigía en coche para la autovía ví algo que me llamó la atención. En una rotonda, vi que me hizo recordar la historia que colocó a Ponferrada en prensa, radio y televisión, era la rotonda o plaza dedicada a Nevenka Fernández, una glorieta que en marzo de 2023, el Ayuntamiento de Ponferrada inauguró como el nombre de Glorieta de la Valentía de Nevenka en homenaje a Nevenka Fernández, primera mujer en conseguir una condena por acoso sexual contra un político en España. El espacio está ubicado en la zona de la rotonda de La Peregrina. Si vas por ellí la verás, y sobre todo, te acordaras de la historia.

Sirāt

Sirāt es una palabra que aparece en el Corán que hace referencia a un estrecho puente entre el paraíso y el infierno. Supongo que ese puente estrecho e imperceptible está en ese minuto treinta que Oliver Laxe nos coloca en la película que dirige siendo la película del año en España, nominada a los Óscar en la categoría de mejor película internacional y mejor sonido gracias al trabajo de Laia Casanovas, Yasmina Praderas y Amanda Villavieja que contó con el guion del propio Laxe y Santiago Fillol.

La película que ganó seis premios Goya tras ser nominada en 11 categorías: mejor película, dirección, guion original, fotografía, montaje, música original, dirección de producción, dirección de arte, maquillaje y peluquería, sonido y efectos especiales, llevándose el de dirección de fotografía, la mejor música original y la dirección de producción en la que está presente la fotografía de Mauro Herce, el montaje de Cristóbal Fernández, la música de Kangding Ray y teniendo en la producción a Esther García y Oriol Maymó como representantes visibles de las productoras Movistar +, El Deseo, Filmes da Ermida, Uri Films, 4A4 Productions 

La película que ha sido representante española en los Óscars 2026 que finalmente se hizo con el premio, Valor sentimental, de Joachim Trier. Y eso que el viaje de Sirat ha sido largo. Empezó en mayo del 25, en Cannes y ha llegado a marzo del 26. El viaje ha sido sencillamente abrumador y hasta deslumbrante. 

Al shock inicial que produjo la película en Cannes siendo recibida con un entusiasmo que nada tenía que ver con la recepción de la película en España lo que llevo a Laxe a declarar poco antes de la ceremonia, que "Desgraciadamente me he tenido que legitimar siempre fuera de España". 

Desde septiembre de 2025 cuando Pablo Berger anunció en la sede de la Academia de Cine, superando a las otras candidatas: Sorda, de Eva Libertad, y Romería, de Carla Simón hasta hoy ha sido elogiada y denostada a partes iguales.

Esta coproducción entre España-Francia, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2025, donde fue galardonada con el Premio del Jurado y el Premio Cannes Soundtrack a David Letellier (Kangding Ray), por la mejor composición musical.

La película protagonizada por Sergi López y Bruno Núñez bajo la dirección de Oliver Laxe, Sirāt en palabras del mismo director es una" experiencia cinematográfica poderosa y brutal que acompaña a unos personajes que deambulan por el desierto entre el paraíso y el infierno" es precisamente el puente que une ese paraíso y ese infierno, y en un momento dado la película lo cruzan los protagonistas. 

Tras la desaparición de su hija en una fiesta rave, un padre, Luis (Sergi López), viaja a Marruecos con su hijo pequeño Esteban (Bruno Núñez) para buscarla en ese ambiente de fiestas de música electrónica y de fiestas rave en los desiertos de Marruecos .

Ambos buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Conocen a un grupo de raveros y deciden seguirlos a una última fiesta que se celebrará en el sur del desierto, en las cercanías de Mauritania donde esperan encontrar a la joven desaparecida. Pero en un momento dado todo cambia pues estalla un conflicto que parece ser la tercera Guerra Mundial. 

Titulada originalmente After, el director Óliver Laxe describió la película como su «más política» y «más radical». Además de Sergi López y Bruno Núñez, la película cuenta con actores no profesionales como Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy. 

El rodaje fue de mayo a junio de 2024 en Teruel (Rambla de Barrachina), Huesca (Jubierre y Castejón de Monegros), y Marruecos (Erfud y Errachidía). Se rodó en Super 16 mm. 

El punto de partida de Sirāt es una auténtica rave que el equipo organizó legalmente en Teruel, según lo dispuesto en la Ley de Espectáculos de la Comunidad de Aragón. Invitaron a raveros franceses por considerar que mantienen una filosofía pura que viene de las free parties de los años 70-80, y vinieron entre 1500 y 2000 travellers. 

Los protagonistas de la película proceden de una subcultura con muchas ramas y fueron seleccionados mediante un casting en distintas raves. 

La película ha tenido múltiples reconocimientos internacionales. En los Premios del Cine Independiente Británico (BIFA) 2025 fue la representante de España en la categoría de Mejor Largometraje Internacional. 

En los Globos de oro fue nominada en la categoría de mejor película de habla no inglesa y a mejor banda sonora original. 

En los Premios Feroz 2026 sellevó el de Mejor tráiler, a Aitor Tapia y Mejor música original, a Kangding Ray. 

En los Bafta y en los César fue nominada en la categoría de mejor película de habla no inglesa. En los Premios Gaudí de 2026 fue premiada con la Mejor Película en lengua no catalana, Mejor música original, a Kangding Ray, Mejor dirección artística, a Laia Ateca, Mejor maquillaje y peluquería, a Zaira Eva Adén, Mejores efectos visuales, a Pep Claret, Lluís Rivera y Benjamín Ageorges y Mejor sonido, a Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas. 

Las responsables del sonido han opinado sobre el valor adquirido en la película."Ha sido un viaje muy emocionante desde el principio. Ya en Cannes, notamos algo. Leíamos críticas en las que se mencionaba el sonido expresamente. Eso normalmente no pasa", comentaba tiempo atrás Laia. "El mundo del cine", añadía Yasmina, "es muy curioso. Todo depende del lugar y el momento. He trabajado en proyectos maravillosos en los que pusimos muchas esperanzas y, al final, no pasó nada. No es el caso". Y la tercera (es decir, Amanda) insistía: "Lo fascinante es que se trata de una película en la que el sonido, como se dice, no solo produce un efecto inmersivo, Sirat es muchas más cosas: es hipnótica, es absorbente y, a medida que avanza, muta". 

En cuanto a la crítica ha sido, salvo puntuales excepciones, muy elogiadas. En España  Elsa Fernández-Santos  en El País recalcó que "Laxe revienta Cannes con el trágico y brutal trance de ‘Sirât’. (...) una desoladora respuesta a un presente descarrilado. (...) Poderosa película". Y en este mismo diario, Carlos Boyero señaló que "Durante todo el metraje estoy dentro de esta película, se adueña la fascinación ante el poderío visual de lo que transmite la pantalla, no me distraigo en ningún momento, me engancha la atmósfera que desprende la historia."  

Luis Martínez Diario El Mundo "Una propuesta tan radical y honda como sorprendente, clara y arriesgada. (...) El resultado es un trabajo que conmueve (...) Definitivamente, el cine de Laxe no para de crecer. (...)" Y tras la entrega de los Óscar este mismo periodista escribio que "Sirat se ha acabado por transformar en la referencia de película anómala en un mundo que, ahora mismo, pelea contra la normalización y el algoritmo como la única oportunidad de supervivencia".

Nando Salvá  en El Periódico comentó que era un "Brillante ejercicio de hipnosis (...) una obra apabullante que deja al espectador en estado de trance (...) Mezcla extremadamente singular de western, road movie y disquisición metafísica"  Y el crítico Quim Casas también en este diario catalán comenta que  "Laxe da un convincente salto cualitativo con (...) una obra muy libre de impactante calado visual (...) porque Laxe y el extraordinario director de fotografía Mauro Herce se complementan a la perfección (...)

Sergi Sánchez en La Razón "“Sirât” es una película áspera pero hipnótica, es ‎imposible librarse de su influjo.‎ (...) es la película más accesible, pero ‎también la más radical, de su autor. ‎(...) " 

Pepa Blanes en Cadena SER afirmó que "Laxe impacta con la brillante 'Sirât', una oda antisistema. (...) una película sorprendente, emocional, reflexiva y comunitaria, como la cultura rave."

Javier Zurro en el digital eldiario.es señala que "Laxe sorprende con una película hipnótica que embriaga para luego conmocionarte (...) un viaje sensorial, poético y político sobre la imposibilidad de salirse del sistema." 

Philipp Engel habitual de La Vanguardia dice de la película que "El viaje hay que hacerlo, porque es toda una experiencia, además de una de las grandes películas del año (...) " 

Andrea G. Bermejo de Cinemanía comenta que es "Una de las películas del año (...) un filme excepcional. (...) "También en esta revista Daniel De Partearroyo  afirma que el "Cuarto largometraje [de Oliver Laxe], su mejor película y un avance notable (...) un relato de supervivencia y dolor al límite de lo soportable que acaba convirtiendo 'Sirat' en una parábola de lienzo en blanco (...) "

Oti Rodríguez Marchante es el crítico español menos favorable a la película cuando escribe en el ABC que estamos ante "Una película extraña, rasposa, que no se deja agarrar fácilmente (...) tiene una progresión inesperada (...) entre su macabro rollo 'rave' y su macabro modo de ponerse rugosa, deja al personal impresionado. El hecho de que uno no sepa qué le quiere contar ni para qué, ya es secundario" 

Carlos Reviriego en las páginas de El Cultural  sostiene que es  "Un pozo de dolor sin fondo que deja devastado al espectador (...) Una buena obra que deja muy mal cuerpo. Si opera en la magia del espíritu, eso ya va con cada espectador y cómo buenamente lo negocie."

Manu Yáñez de Fotogramas comenta que la película es "Una aventura que serpentea entre lo físico y lo espiritual. Un camino que Laxe recorre con una libertad apabullante, traspasando los límites de su propio cine. (...) "

En los Estados Unidos en Variety Jessica Kiang Variety "Una visión brillantemente extraña y de culto de la psicología humana puesta a prueba hasta sus límites" Estados Unidos

Justin Chang columnista del The New Yorker "Una desgarradora y estimulante danza de la muerte. (...) una película asombrosa (...) en cuanto a pura excitación visceral y fuerza emocional sostenida, no he encontrado otra igual este año." 

Lovia Gyarkye de The Hollywood Reporter dice de ella que es "Una película llena de energía, un proyecto decidido a despertarnos" 

Damon Wise de Deadline sostiene de que "Se trata sin duda de un viaje, una nueva forma de enmarcar la familia y la pérdida, con una banda sonora de infarto para los más duros" 

Ben Kenigsberg en la prestigiosa web de cine rogerebert.com nos dice que "Estructuralmente, no teme dejar al espectador con la boca abierta, y hay algunos desarrollos de la trama tan crueles que son difíciles de perdonar, por mucho que parezcan encajar en el diseño de la película" 

David Katz de IndieWire comenta de que la película "Se trata, sin duda, de la obra más completa de Laxe, que destaca también por incorporar los placeres viscerales del cine de género contemporáneo e incluso de las superproducciones" 

Gregory Ellwood en The Playlist que "Laxe sostiene que no hay baile hacia el fin del mundo. Sólo existe la muerte, y cuando llegue, te hará pedazos" 

Steve Pond de The Wrap afirma que "Es audaz en su descripción de un mundo en decadencia en el que algunas personas aún pueden encontrar liberación" 

En Gran Bretaña John Bleasdale en Time Out afirma que "Sorprendentemente original, sorprendentemente desternillante y profundamente inquietante (...) 

Robbie Collin del Telegraph "Su título se refiere al mítico puente islámico que cruza el infierno, en el que un paso en falso conduce a la perdición. El camino que recorre el propio filme no es menos arriesgado, pero estiliza la travesía de forma asombrosa (...) " 

Peter Bradshaw del The Guardian comenta que "Oliver Laxe guía a su audiencia hacia un desierto de falta de sentido en esta extraña y opresiva película poco gratificante (...) 

Para Kevin Maher de The Times destaca que la película de Oliver Laxe es un "Cine original, explosivo y digno de ovaciones (...) Humanista, introspectiva, hipnótica, política, cruda y salvaje, esta road movie"

Por mi parte destacar que la película de Oliver Laxe, destaca como una obra cinematográfica audaz que combina el cine de autor con una experiencia sensorial intensa, descrita a menudo como una "terapia de choque" o una "odisea mística" en el desierto y que entre sus principales valores están esa elevación espiritual y metafórica presenta ya en el título que hace referencia al "Sirat", el puente estrecho de la tradición islámica que separa el paraíso del infierno. 

La película funciona como una metáfora del tránsito humano entre la culpa, la fe y la libertad, donde el desierto marroquí actúa como un espejo del alma y de la comunidad. Pero tan destacable como eso es la experiencia sensorial y la radicalidad de los que Laxe filma en 16mm para capturar la textura granular del desierto, creando un contraste entre la contemplación y la energía frenética de las raves clandestinas. Es una obra que se siente en el cuerpo más allá de la razón, valorando lo polisémico y lo ambiguo sobre el relato convencional. 

La película es un viaje de transformación y resiliencia, más que una búsqueda física, es un "rito de pasaje". Los personajes atraviesan situaciones límite que los obligan a despojarse de lo superficial para afrontar la pérdida, el dolor y, finalmente, encontrar fuerza y transformación así como una crítica sociopolítica y de contraste cultural que contrapone la búsqueda desesperada de un padre (Sergi López) con la cultura rave de evasión y la situación de los habitantes del Sáhara Occidental. Invita a reflexionar sobre la modernidad, la resistencia antisistema y la apatía del turista europeo frente a los conflictos territoriales llegando finalmente a un humanismo radical más aún en entornos extremos, retratando a personajes rotos que se encuentran en la comunidad (incluso en esa tan variopinta) un refugio frente al vacío que lo embarga y , finalmente, lo hunde.

8

Julio Medem ha sido considerado históricamente uno de los directores con más proyección, reputación y personalidad del cine español., especialmente desde su irrupción en los años 90 hasta principios de los 2000. Su estilo intimista, metafórico y simbólico lo situó como una cineasta de culto y uno de los principales representantes del "cine de autor" en España, con una fuerte repercusión internacional. 

Debutó con gran éxito con Vacas (1992), por la que ganó el Premio Goya a la Mejor Dirección Novel.Sus primeras películas, La ardilla roja (1993) y Tierra (1996), fueron bien recibidas en festivales de prestigio como Cannes.

Los amantes del círculo polar (1998) y Lucía y el sexo (2001) le consolidaron como un director clave, siendo esta última un gran éxito de taquilla. 

El 21 de septiembre de 2003, dentro de la Sección de Especiales Zabaltegui del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Julio estrenó 'La pelota vasca. La piel contra la piedra', un documental sobre la problemática política y social existente en Euskadi. Este trabajo generó una gran polémica. 

Tras 'La pelota vasca' Julio iba a plasmar en su sexto largometraje de ficción la historia de 'Aitor. La piel contra la piedra', película hermana del documental, pero que definitivamente aparcó para lanzarse hacia otros derroteros fílmicos y narrativos con 'Caótica Ana', estrenada en el verano de 2007 y que supuso una gran apuesta personal del director, puesto que hablaba de una joven pintora de Ibiza de 18 años que viaja a Madrid y allí descubre hasta los 22 años que su inconsciente alberga las vidas de otras mujeres jóvenes fallecidas trágicamente, siendo un viaje hipnótico de transformación personal contra la tiranía masculina inspirándose en su hermana fallecida y su viaje que le sumergió en sus emociones, arte y la pintura como vía de escape. 

En los primeros meses de 2009 filmó su octavo largometraje, el séptimo de ficción, 'Habitación en Roma', su primer historia rodada íntegramente en inglés, protagonizada por Elena Anaya y Natasha Yarovenko y basada en la película 'En la cama' del director chileno Matías Bize. 

En 2012 presentó su primera obra literaria, 'Aspasia, amante de Atenas', obra que nació tras la imposibilidad de transformar en película un ambicioso guión sobre el político griego Pericles, un influyente personaje de la edad de oro de Atenas. Medem escribió esta novela en Los Ángeles (Estados Unidos), ciudad donde comenzó a desarrollar varios proyectos. 

En 2014 regresa a España para rodar una nueva película, 'ma ma', protagonizada por Penélope Cruz, Luis Tosar y Asier Etxeandia. El filme, producido por la protagonista y el propio director, se estrenó internacionalmente en el Festival de Toronto en septiembre de 2015. 

Lo cierto es que tras Lucía y el sexo la estrella de Medem oscureció y aunque en décadas posteriores su cine ha recibido críticas más mixtas por parte de ciertos sectores, ha seguido manteniéndose fiel a su poética personal como demostró eeste pasado 2025, cuando regresó con su película 8 , presentada en el Festival de Málaga, primero donde consiguió la Biznaga Premio del Público en Sección Oficial Fuera de Concurso, y en San Sebastián, evidenciando la continuidad de su concepto cinematográfico. 

En 8 Julio Medem está como director y como responsable del guion y montaje , de una película amparada por las productoras AIE, Quexito Films, Eidan Produce, RTVE, Movistar Plus+ que reflexiona sobre la historia de España a través de una historia que entrelaza la vida de dos personajes en ocho capítulos. En una película dedicada a todos los españoles y en la que participan en conjunto enorme de productoras encabezadas por Álvaro Longoria, Rodrigo Espinel y el mismo Julio Medem, intenta reflexionar sobre el papel de España en esta película del año 2025. 

La película la componen Ocho capítulos, 8 lienzos, rodados en ocho planos secuencia y ambientados sin ocho momentos históricos del último siglo entre el año 1931 y 2021 y que en su conjunto componen lo que en palabras del mismo director vasco un " poema cinematográfico" sobre el amor y el perdón protagonizado por Javi Rey y por Ana Rujas. 

La historia la protagonizan Octavio y Adela, unos chicos que nacen el mismo día , el 14 de abril de 1931, y lo hacen en dos pueblos vecinos de una sierra cercana a Madrid, en el mismo amanecer en que se proclama la II República. Uno nace con dificultades pues es fruto de un parto difícil, y lña otra 

Así, desde el primer día, y sin ellos saberlo, sus destinos discurren conectados, enlazados en forma de '8', dos bucles con un cruce en el centro, mientras de fondo transcurre España; la que le toca vivir a cada uno.

Los 90 años de vida de Octavio y Adela ocurren en 8 capítulos, que son 8 momentos, 8 sinuosos planos en continuidad en 8 fechas decisivas de la historia de España, entre 1931 y 2021, con paradas en 1939, Octavio y Adela nacen en dos pueblos vecinos de una sierra cercana a Madrid el mismo amanecer en que se proclama la II República. 

Así, desde el primer día, y sin ellos saberlo, sus destinos discurren conectados, enlazados en forma de '8', dos bucles con un cruce en el centro, mientras de fondo transcurre España; la que le toca vivir a cada uno. 

La película narra la historia romántica de Octavio y de Adela cuyo destino marcado por el azar se entrelaza como el número ocho a lo largo de ocho décadas desde el nacimiento de ambos el 14 de abril de 1931 hasta que son ancianos con 90 años en 2022. Desde el primer momento los encontramos, sin que ellos quieran o lo sepan enfrentados, respondiendo al verso machadiano “Una de las dos Españas ha de helarte el corazón” (Antonio Machado). 

Empiezan enfrentados como víctimas silenciosas del cainismo español, cuyas familias se matan en la Guerra Civil - el padre de ella mata al padre de él, en los momento finales de la guerra, en la misma medida que el nacimiento del protagonista supone la muerte de la madre de la protagonista- y en la Postguerra- Octavio, hijo de Octavio, el fusilado inmisericorde por los republicanos participa del peotón de fusilamiento del hombre que ha matado al padre de Adela- , pero a medida que pasa el tiempo la silueta del número “8”, que les ha mantenido separados - pero unidos por el azar- comienza a atraerlos haciendo que compartan el deseo, la pasión, la tragedia, el perdón… y el amor, incluso un hijo.

Con muchos el director afirma que quería hacer algo que" me fascinará, le sedujera y que fuera enigmático", firma que con esta película quiere abordar temas como la polarización de la sociedad, el trauma colectivo, la evolución del papel de la mujer o la libertad. 

La película cuenta en su reparto con Álvaro Morte, Tamar Novas, Loreto Mauleón y Carla Díaz entre otros. La música fue labor de Lucas Vidal mientras que la fotografía de Rafael Reparaz. En otros campos aparecen Montse Sanz como directora de arte, Maite Tarilonte como diseñadora de vestuario, Eduardo Torres como jefe de peluquería, Cecilia Escot como jefa de maquillaje, Rubén Samos como responsable del efectos especiales de maquillaje, Jaime Barros como jefe de sonido directo, Pilar Moya como montador, Elena Alcolea como supervisora de postproducción, Carmen García como supervisora de VFX, Raquel de la Haza como colorista, Pilar Moya como directora de casting, y Mamen Tortosa e Idoia Artxanko como directoras de producción

Se estrenó en el Festival de Málaga el 16 de marzo de 2025, y luego se estrenó en cines españoles el 21 de marzo de 2025, con distribución de Vercine. En marzo de 2023, se anunció por primera vez que Julio Medem estaba preparando la producción de la película 8, cuyo rodaje estaba previsto para comenzar en octubre de ese año. Finalmente, el rodaje de la película comenzó a finales de febrero de 2024, y concluyó en abril de 2024. El rodaje de la película tuvo lugar en varias localizaciones de la provincia de Vizcaya, incluyendo Orduña, Guecho, Arrigorriaga y Bilbao 

Recibida sin entusiasmo por la crítica, realmente lo contrario en ocasiones, las críticas se centraron en aspectos tales como lo que comentó Luis Martínez en las páginas de El Mundo al escribir que "Medem se estrella contra su poética imposible (...) El director se arriesga en un ejercicio de cine tan provocador y al límite como finalmente reiterativo y exageradamente ingenuo (...) " 

Menos duro fue Juan Pando en Fotogramas al comentar que la película era "Atractiva en lo visual y por su virtuosismo técnico, sello de la casa, '8' llega con fluidez a un final con consejo (...)" Para el crítico lo mejor es su propuesta por la convivencia entre dispares y lo peor es que se exageran algunas situaciones al filo del cliché. 

Desde Barcelona, Salvador Llopart columnista en La Vanguardia sostuvo que "Bienintencionada película, limitada en lo dramático, donde todos acaban por ser Cain y Abel al mismo tiempo. Interesante sobre el papel. Decepcionante en la pantalla. (...)" 

Alfonso Rivera en Cineuropa dice del director que "Medem vuelve a demostrar que el miedo al ridículo no va con él en una poética y arrebatada historia de amor (...) el discurso político del film, subrayado en exceso, acaba enturbiando esas escenas arrebatadas y líricas". 

Por mi parte destacar alhgunos aspectos y criticar otros de la película. Entre lo positivo destacar la ambición formal y narrativa de Medem al utiliza esos ocho planos secuencia (o falsos planos secuencia) para representar ocho fechas clave en la historia de España entre 1931 y 2021, lo que ofrece una estructura visual única y desafiante. Igualmente destacar la buena actuación de los protagonistas Ana Rujas y Javier Rey con actuaciones solventes y con momentos de gran química y vulnerabilidad; a destacar igualmente la belleza estética y emocional que evocan el estilo melodramático romántico de trabajos anteriores de Medem como Los amantes del círculo polar  o la mirada humanista a la historia y a lo que no es historia como la memoria histórica y la polarización política de las "dos Españas" desde una perspectiva humana, buscando el perdón y la conexión emocional por encima del conflicto político directo. Por úlitmo, el peso que Medem da a una banda sonora, la de Lucas Vidal. Por contra es más criticable el uso de croma/VFX (efectos visuales) qie resultan artificiales o fallidos, restando naturalidad a la propuesta, o ese guion y algunos diálogos qie parecen forzados desde el momento que se intenta unir el romance con la reflexión histórica y filosófica provoca, a veces, diálogos artificiales y una trama inverosímil o precipitada. También el ritmo desigual más impactante al inicio que en la segunda mitad. Por último la película habla de algo elogiable y noble como el perdón y la reconciliación, pero puede percibirse como algo pueril o ingenuo , dada la profundidad del cainismo español que intenta retratar. Es normal, quien mucho aprieta, poco abarca. 

¿Es el enemigo?

Si, hablamos de la película de Gila y su mítica inicio en sus historias. En el Madrid de 1936, un joven llamado Miguel Gila (Óscar Lasarte) vive tranquilo y feliz con sus abuelos en una buhardilla. Pero el estallido de la Guerra Civil obliga a Miguel, junto a su amigo Pedro (Carlos Cuevas), a acudir a la lucha. Allí Gila sobrevive a miserias, batallas, al fusilamiento y a la cárcel gracias a su humor. 

La verdad es que a Miguel Gila le tocó vivir la Guerra civil española justo cuando peor le venía de los diecisiete a los veinte años. Más de seiscientas mil personas perdieron la vida en el conflicto, incluyendo su amigo Pedro Tabares. Miguel sobrevivió para hacernos reír juntos de nuevo convirtiéndose el padre del humor moderno en España. Interpretó el monólogo de la guerra durante más de 50 años siendo considerada en la actuación más longeva de la historia. Miguel Gila falleció en su casa de Barcelona en 2001 pocos días después de su última aparición en televisión. 

La película es el sorprendente relatos de la juventud de Gila, el origen dramático de su particular humor y su talento para atrás formar la desgracia en gracia. 

La película del año 2024 está dirigida por  Alexis Morante, pero interpretada por Óscar Lasarte, Carlos cuevas, Natalia de Molina y salva reina así como con aportaciones de adelfa Calvo, Vicente Romero, Iván Villanueva, y Antonio Bachiller. 

En es el enemigo en la película de Gila Alexis Morante lleva a cabo un homenaje al gran Miguel la fila que recorre los años de Gila en la guerra civil, quien ha regañadientes y obligados por una España convulsa, se dio arrastrado alistarse en el bando republicano. Allí sobrevivió a la batallas, alambre, a la cárcel y a ese fusilamiento fallido del que siempre hablaba. 

A lo largo de las escenas se van introduciendo las anécdotas más conocidas de los monólogos de Gila. Mientras la acción transcurre en medio del miedo, del campo de batalla o de un escondite del batallón, Miguel Gila la va acompañando rellenando silencios, distrayendo las penas o alegrando los corazones, con sus ocurrencias medio absurdas e irónicas, sencillas pero entrañablemente divertidas 

La película, una comedia dramática de carácter biográfico y con temática bélica es del año 2024 y fue dirigida por Alexis Morante, experto en el cine documental sobre temas musicales, y protagonizada por Óscar Lasarte. Fue escrita por Morante y Raúl Santos en base a una historia del productor José Alba y Morante, a su vez inspirada en el libro autobiográfico El libro de Gila, Antología cómica de obra y vida del cómico Miguel Gila.

En este libro de Gila. Antología cómica de obra y vida (Blackie Books), que viene a ser un monólogo y que se basaba en las experiencias de Gila en la Guerra Civil donde llegó a ser fusilado. "Nos fusilaron al anochecer; nos fusilaron mal" Su director, Alexis Morante explica que " el germen de la película son estas memorias. Al leerlas te das cuenta de lo mucho que él sufrió en la guerra. Y cuando ves que els convirtió esta tragedia en humor es donde te das cuenta de que quiero un personaje único. El guion mezcla esas memorias con sus monólogos. Yo no sabía que había estado en la guerra de verdad y cuando ves cómo fue capaz de hacer ese humor universal sobre tanto sufrimiento es donde te das cuenta de que fue alguien único". 

Comenta igualmente que "Es una película profundamente antibélica —añade—. Por eso no podíamos quedarnos solo en la comedia, sino que también teníamos que mostrar los horrores de la guerra. Creo que a mitad de la película hay un gran cambio que deja en shock al espectador porque hasta entonces era casi una película de aventuras, pero de pronto ocurre algo que hace que te des cuenta de que la guerra no es ningún juego, como le decía su abuela a Gila, y que tampoco es graciosa. Es entonces cuando él intenta llevar esa forma de ser suya, optimista, a esa tragedia que está viviendo. Por eso también mostramos la muerte, la crueldad, el dolor, el odio, el enemigo que siempre está latente en la película. Siempre hay un enemigo enfrente. No se sabe muy bien cómo es o qué cara tiene. Creo que todo esto hace que la película sea genuinamente antibelicista". 

Sostuvo el director que “Por eso hemos querido que el tono de la pelí fuera un poco ingenuo, una tragicomedia, que es lo que él hacía con sus personajes. El reto era conseguir que la película pareciera real, pero también una mezcla con su característico humor. E intentar mostrar cómo Miguel, ese chaval ingenuo de 17 años que participó en la guerra, se va convirtiendo en Gila. Ese era nuestro reto. Creo que todas esas cosas trágicas que le pasan le fuerzan a madurar. Y al final, me parece que ahí reside también un poco el secreto de su sentido del humor, porque debió pensar: 'O me río para superar esto o voy a acabar regular'”. 

Y añade "Gila es un icono de nuestra historia, de nuestra sociedad, de nuestra cultura del humor. Un padre del humor. Para mí es un privilegio poder haber hecho una película sobre él y poder contarla, además, con total libertad, mostrando el origen de su humor y cómo vivió una de las tragedias más grandes que hemos pasado como país, que es la Guerra Civil". 

Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en septiembre de 2024, y su distribución a través de Filmax. Lo cierto es que en mayo de 2023, se anunció que Alexis Morante estaba desarrollando su segunda película de ficción, una película biográfica sobre el cómico Miguel Gila titulada ¿Es el enemigo? en razón a su famosa frase: "¿Es el enemigo? Que se ponga " 

Las productoras implicadas en este proyecto fueron Pecado Films, Arcadia Motion Pictures y Nu Boyana Portugal y con a participación de RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur, 3Cat. Financiada parcial por el ICAA y con apoyo de CreaSGR. que manejaron un presupuesto de €3.7 millones que estuvieron representados en calidad de productores José Alba, Odile Antonio-Báez, Ibon Cormenzana, Ignasi Estapé, Sandra Tapia Díaz y Ángel Durández. La dirección artística fue responsabilidad de Beatriz López Herrerías mientras que el diseño de producción fue de Esmeralda Díaz. En otros apartados técnicos apàrecen en la música Miguel Santos, en el sonido Tomás Garzón, en el maquillaje Paula Cruz y Bárbara Quero, en la fotografía Carlos García de Dios y en el montaje José M. G. Moyano. 

El rodaje de la película tuvo lugar en varias localidades de Vizcaya, incluyendo Durango que viene a ser el Madrid de la juventud del protagonista.

El hecho de que la familia de Gila, en particular su hija Malena Gila, haya dado su apoyo al proyecto, añade autenticidad y también responsabilidad en la recreación de esos momentos 

Para el actor Óscar Lasarte, en su primer papel protagonista, interpretar a Gila ha sido un sueño hecho realidad: ”Conocí a Gila por mi abuelo y por esos recopilatorios de Nochevieja de Televisión Española. Y me marcó tanto que a los 14 años ya imitaba Gila. Y luego lo metí en mis shows de magia, hasta que mi madre y mi abuela me dijeron que lo quitara, que no me salía muy bien. Interpretarlo ha sido una responsabilidad enorme, pero también un privilegio gigantesco”. Y el actor añadió que “Para interpretarlo, sobre todo he visto sus monólogos una y otra vez –asegura el actor—, para intentar averiguar de dónde venía ese acento tan característico y mezclar un poco esa imagen que todos tenemos de él con lo que averiguamos durante la investigación para la película”. "Lo más complicado —nos comenta Óscar—, ha sido mostrar cómo la guerra cambió a Gila. Cómo ese chico tímido de Madrid, que estaba muy metido en su mundo, tuvo que usar el humor para afrontar esa guerra y esa marabunta de tragedia que se le vino encima. Y, además, cómo usó esa experiencia para decirle a la gente que, gracias al humor, podemos encontrar la fuerza para sobrevivir a esas tragedias e incluso llegar a reírnos de ellas". 

Una de las mayores dificultades de Óscar a la hora de interpretar a Gila es que todos lo recordamos como un hombre mayor. "Hay alguna foto suya de joven en el Libro de Gila —nos comenta—, pero es cierto que fue difícil encontrar más cosas de esa época. Yo me inspiré mucho en la película El hombre que viajaba despacito (Joaquín Luis Romero Marchent, 1957), en la que interpretaba a un soldado joven. La forma de hablar y de moverme ha salido de ahí. Y también me he visto todos sus monólogos. Incluso he descubierto algunos que no conocía y que son geniales, como El concierto de violín, en el que quiere tocar el violín, pero descubre que se lo ha dejado en casa. Y al final dice: 'Bueno, tampoco se han perdido nada porque toco de oído y no me dejo aconsejar', me hace mucha gracia". 

Natalia de Molina que interpreta a Rosa, la única miliciana del grupo de soldados en el que acaba Miguel Gila. “Es una tipa con mucho carácter, lo que contrasta con esa inocencia del joven Miguel Gila. Ella era mucho más consciente de lo que implicaba estar en esa guerra y de que no era ninguna broma”. “Cuando leí el guion tuve un viaje emocional: empecé riendo y acabé llorando. Y que te pase eso ya con un guion es bastante insólito. Eso es una cosa que me gusta mucho de la película –añade—, que muestra esa ternura y ese sentido del humor, con momentos realmente divertidos, pero cuando entramos en batalle es cruda, no dulcifica nada. Y eso creo que impacta mucho”. 

En cuanto a sus recuerdos de Gila, Natalia asegura: "Recuerdo vagamente a ese señor que iba disfrazado de soldado y que siempre llevaba un teléfono, pero no era muy consciente del humor que hacía y lo que representaba. Y gracias a esta película yo creo que también generaciones como la mía, o más jóvenes incluso, van a descubrir a esta figura que realmente merece un homenaje como el que se le hace en la película. Porque hacía un humor con un tema muy delicado, pero con el que lograba aunar a todo el mundo". Para mí eso es muy importante porque el sentido del humor nos salva a todos. Es un mecanismo de defensa y de supervivencia innato. Yo creo que quien no tiene sentido del humor tiene un problema, porque la vida es jodida, es muy dura y creo que es muy importante saber reírse de ella, como hizo Gila". 

La película tuvo varias menciones y premios centrados principalmente en su actor principal , Oscar Lasarte, siendo nominados a Mejor actor revelación en los Goyas y premiado en la 80.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos, al mejor actor revelación. El premio Carmen de la Academia del Cine de Andalucía, entregado en la Filmoteca de Córdoba fue para su director, Alexis Morante- quien conjuntamente con Raúl Santos se llevó el premio al mejor guion adaptado-  y para su actriz secundaria, Adelfa Calvo.

Tuvo además buenas críticas. Entre las profesionales destacan las positivas , entre ellas la de Luis Martínez en El Mundo que escribió sobre ella que era "... una película amable, pero sin faltar al buen gusto (para nada cursi); triste, pero sin caer en la manoseada melancolía; obvia si se quiere, pero de forma muy consciente. (...)" 

En ABC Oti Rodríguez Marchante destacó de la misma que "El personaje queda expuesto de forma meridiana (...) Los diálogos tienen naturalmente el sello de Gila y sus observaciones son el alma de la película (...) lo sobresaliente de la película es la interpretación (...)" 

Desde Barcelona Salvador Llopart en La Vanguardia afirma que "A Gila lo fusilaron de verdad. (...) Las balas le perdonaron la vida. Quizá de esa otra ‘broma’ inesperada del destino surgió su sentido del humor y la profunda humanidad que tan bien refleja esta tragicomedia. (...)" 

Toni Vall en Cinemanía destaca que la película es "Muy madura, muy humana, muy emotiva película sobre la juventud de Gila (...) tan sorprendente, tan adulta, tan estupenda (...) Una película bella, un homenaje de hondo calado al maestro Gila. (...)" 

Y en Fotogramas Fausto Fernández señala que "Alexis Morante demuestra, con esta historia que se acerca a la figura del inolvidable cómico, que el drama destaca más si lo miramos con el humor de esos hombres que andaban despacito (...)"

En la última imagen podéis ver otras valoraciones realizadas sobre la película, una película llena de humanidad y ternura, no exenta de horror y drama, magníficamente rodada e interpretada. La película insiste en ser una “fábula optimista”, aunque no oculta lo trágico. Busca equilibrio entre lo dramático de la guerra y la capacidad humana de resistir con humor. Es , igualmente, una reflexión sobre la guerra como experiencia transformadora, no solo para quien la vive directamente sino para la identidad y la cultura, eso sí, con un tono genuinamente antibelicista: mostrar claramente la crueldad, el dolor, pero también la humanidad que sigue existiendo, la capacidad de reír ante lo insoportable.. Una película muy recomendable.