La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.  

Karate kid: Legends

El Señor Miyagi, Nariyoshi Miyagi, no solo es uno de los personajes más icónicos de la historia del cine, sino el corazón moral y la columna vertebral de toda la saga de The Karate Kid . A través de su sabiduría, paciencia y aparente sencillez, encarna la figura del mentor perfecto, transformando la vida de Daniel LaRusso y, por extensión, la de millones de espectadores que encontraron en sus enseñanzas una verdadera filosofía de vida. 

En primer lugar, Miyagi redefine el concepto de la fuerza. En un entorno cinematográfico y social a menudo obsesionado con la brutalidad y la dominación física —ejemplificado a la perfección por la doctrina despiadada de "golpear primero" del dojo Cobra Kai—, él introduce una alternativa revolucionaria: el karate como herramienta de defensa personal y crecimiento interior. 

Para Miyagi, la verdadera victoria no radica en vencer a un oponente, sino en conquistar los propios miedos y mantener la paz. Su famosa frase, "el karate se busca aquí", señalando al corazón, resume una ética donde las artes marciales son un camino hacia la compasión, nunca hacia la violencia. Asimismo, su método pedagógico es una genialidad de la psicología y la constancia. Tareas aparentemente mundanas y tediosas como "encerar, pulir", pintar la valla o lijar el suelo no eran meras formas de explotación laboral, sino un entrenamiento brillante de la memoria muscular y la disciplina. 

Miyagi enseñaba que el aprendizaje requiere paciencia y que los cimientos de cualquier habilidad importante se construyen lejos de los focos, en el esfuerzo diario y silencioso. Esta lección trasciende el tatami: nos recuerda que en la vida no existen los atajos y que el dominio de uno mismo se forja en los detalles más pequeños.

Más allá de sus habilidades marciales, el papel de Miyagi destaca por su profunda dimensión humana. Detrás de su sentido del humor afable y sus ingeniosas respuestas, se esconde un hombre marcado por la tragedia: un veterano de la Segunda Guerra Mundial que sirvió con honor en el Ejército de los Estados Unidos mientras su esposa y su hijo por nacer morían en un campo de internamiento para japoneses-estadounidenses. A pesar de este dolor inimaginable, Miyagi no permite que el resentimiento guíe sus acciones. En lugar de cerrarse al mundo, adopta un rol paterno con Daniel, llenando el vacío de un joven sin padre y ofreciéndole un refugio seguro frente al acoso y la hostilidad.

El Señor Miyagi es mucho más que un maestro de karate; es un faro de integridad, equilibrio y resiliencia. Su legado nos enseña que el verdadero poder no se mide por la capacidad de infligir daño, sino por la capacidad de proteger, sanar y mantener el equilibrio emocional en medio de la tormenta. Alabar su figura es celebrar la empatía, la dedicación y la eterna sabiduría de que, tanto en el karate como en la vida, el equilibrio lo es absolutamente todo.

Pues bien, en el año 2025 el director Jonathan Entwistle tuvo la oportunidad de reunir a Jackie Chan, a Ralph Macchio, y retrotraernos a la ochentera Okinawa para volvernos a mostrar al maestro Miyagi, persona que enseñó a Daniel Larruso y al gran Jackie Chan, el sensei del reboot de 2010, y ambos se reúnen en esta historia, digna heredera de la mítica saga de películas de artes marciales, en las que un nuevo aprendiz encontrará el camino para alcanzar todos sus potencial en la lucha y en la vida. No hay duda de que si buscamos a un personaje legendario ese es el Profesor Miyagi.

Tan fundamental en Karate Kid es el Profesor Miyagi que esta película comienza en el año 1985 en Okinawa. Allí un joven Daniel LaRusso escucha atentamente al señor Miyagi mientras este le explica cómo hace generaciones muchas qsee los millares y los Han están unidos por la amistad y las artes marciales. La historia comienza en el verano de 1985, el Sr. Miyagi - un Pat Morita aparece como el Sr. Miyagi en imágenes de archivo de Karate Kid II - le cuenta al entonces adolescente Daniel LaRusso ( un joven Ralph Macchio ) sobre los orígenes del karate de la familia Miyagi y la relación entre las familias Miyagi y Han. El antepasado del Sr. Miyagi del siglo XVII, Shimpo Miyagi, terminó en China mientras pescaba frente a la costa de Japón. La familia Han lo acogió y le enseñó kung fu, que utilizó para desarrollar el karate de la familia Miyagi a su regreso a Okinawa . 

En 2023, el Sr. Han (Jackie Chan) es el venerado shifu , maestro de una escuela de wuguan , kung fu en Pekín. Entre sus alumnos se encuentra su sobrino nieto, Li Fong (Ben Wang ) . La madre de Li es médica, la Dra. Fong, ( Ming-Na Wen) y sobrina del Sr. Han , y llega para comunicarles a Li y al Sr. Han que ha aceptado un trabajo en Nueva York. Le hace prometer a Li que dejará de practicar artes marciales después de que su hermano, Bo Fong ( Oscar Ge) , fuera apuñalado mortalmente por un oponente derrotado y vengativo tras un torneo el año anterior. 

En la actualidad en Pekín otro joven intenta aprender el arte milenario con su tío abuelo, el señor Han, en contra de los deseos de su madre como que coma decidida alejarlo de la lucha tras haber perdido a uno de sus hijos en una agresión realizada por luchadores y que ha decidido trasladarse a Nueva York con su hijo.

En Nueva York, Li tiene dificultades para adaptarse a la escuela y conoce a Mia Lipani ( Sadie Stanley) , hija del excampeón local de boxeo, Victor Lipani ( Joshua Jackson) , dueño de una pizzería y que tiene problemas con un prestamista. 

A medida que su amistad se fortalece, se enfrentan al agresivo exnovio de Mia, un campeón local de kárate llamado Conor Day (Aramis Knight ) . 

Después de que Conor golpea a Li en la cara, su madre contrata a un tutor, Alan, quien se convierte en su mejor amigo. Más tarde, Li se enfrenta a Conor en la escuela, pero se da cuenta de que Conor es un luchador más poderoso. Li intenta una patada giratoria con salto llamada "patada del dragón", aprendida de Bo, pero Conor la contrarresta y lo derrota. 

Una noche, Li presencia cómo Victor es atacado por matones enviados por su acreedor, O'Shea (Tim Rozon ), un usuarero y prestamista del padre de Mia y , además, dueño del dojo de kárate donde entrena Conor. 

Obligado a intervenir, Li derrota a los atacantes. Victor decide volver al boxeo para pagar su deuda y salvar su pizzería, y le pide a Li que lo entrene. 

Durante el combate de regreso de Victor, el oponente, siguiendo órdenes de O'Shea, lo noquea con golpes ilegales, enviándolo al hospital. Li, paralizado por los recuerdos de la muerte de Bo, no acude a ayudar en el hospital, lo que decepciona a Mia. 

Entre tanto, el Sr. Han llega a Nueva York para enfrentarse a Li. Al enterarse de la verdad, lo anima a retomar las artes marciales para participar en el próximo Torneo de los Cinco Distritos. 

Han viaja a Los Ángeles para pedirle ayuda a Daniel Larruso que tiene allí un centro de enseñanza. A pesar de su negativa inicial, Daniel se une a ellos en Nueva York. 

Mientras tanto, Victor se recupera de sus heridas, y Mia y Li recomponen su relación, que se había convertido en un romance. Li entrena kung fu con el Sr. Han y karate Miyagi-Do con Daniel. Alan le presta su jardín en la azotea como campo de entrenamiento improvisado. 

El Sr. Han y Daniel desarrollan una nueva variante de la patada del dragón para atraer al oponente a un contraataque, que Li puede esquivar y contraatacar. 

Li comienza a competir en el Torneo de los Cinco Distritos y llega a la final contra Conor. O'Shea envía matones para atacarlo, pero el Sr. Han y Daniel lo defienden. Li y Conor se enfrentan en un combate a ocho puntos. Conor domina al principio, pero Li le da la vuelta a la situación y empata con él. En la ronda final, Li ejecuta su patada de dragón adaptada. Conor contraataca con un ataque sorpresa, pero Li lo derrota y le muestra clemencia, ganándose así el respeto de Conor. 

Más tarde, descubrimos que Victor abre una segunda pizzería y el Sr. Han regresa a China. Mientras en  Los Ángeles, Daniel recibe una pizza congelada de Li con una nota y una foto como agradecimiento. En la foto, él y Johnny Lawrence debaten si la pizza de Nueva York es mejor que la de California. Johnny propone una nueva idea de negocio: una pizzería con temática de dojo llamada Miyagi-Dough, para gran vergüenza de Daniel. Con aceituna, sin aceituina, acaba barruntando. 

Karate Kid: Legends es una película estadounidense con una temática que se centra en el drama familiar y en las artes marciales del ya citado  2025.

La película está protagonizada por Jackie Chan y Ralph Macchio , y que presenta a Ben Wang como el protagonista principal. 

Es la sexta película de la franquicia Karate Kid , y sirve como continuación de Karate Kid (2010) y la serie de televisión Cobra Kai (2018-2025), con la aparición de William Zabka que retoma su papel de Johnny Lawrence tal y como descubrimos al final de esta película, que aparece junty¡to a Macchio , quien retomó su papel en la serie y que sirvió como secuela de las películas originales. un final apropiado que encaja a la perfección en el Universo KK. 

Tanto Chan como Macchio retoman sus papeles de la franquicia. La historia sigue a Li (Wang), un prodigio del kung fu que, tras mudarse a Nueva York y enfrentarse a un campeón local de karate, recibe ayuda de su antiguo maestro, el Sr. Han (Chan), y del sensei de karate Daniel LaRusso (Macchio). 

Es la primera película de la serie que no fue producida por Jerry Weintraub , quien falleció en 2015. Esta historia escrita por Rob Lieber que, evidentemente bebe de Karate Kid de Robert Mark Kamen en esta caso esta producida por Karen Rosenfelt para la Columbia Pictures y Sony, encargada de la distribución. La película contó con un presupuesto de 45 millones de dólares, que se recuperó dada la buena aceptación en salas obteniendo en taquilla unos $117 millones. 

Poco después del estreno de la película de 2010, se anunció una secuela con Jaden Smith , Taraji P. Henson y Chan retomando sus papeles. Breck Eisner fue elegido para dirigirla en abril de 2014. Para entonces, el dúo de guionistas Ethan Reiff y Cyrus Voris, junto con Zak Penn , habían escrito dos borradores del guion . Eisner abandonó el proyecto tres meses después y se encargó un nuevo guion a Jeremiah Friedman y Nick Palmer. 

En abril de 2017, Eisner regresó al proyecto pero en octubre, Chan expresó su descontento con el guion de la película. En septiembre de 2022, se confirmó que una nueva película estaba en desarrollo, descrita como "el regreso de la franquicia original de Karate Kid ". 

En noviembre de 2023, se informó que Jonathan Entwistle dirigiría la película, con un guion escrito por Rob Lieber y Karen Rosenfelt como productora. 

Karate Kid: Legends presenta una historia ambientada tres años después de los eventos de Cobra Kai . En agosto de 2023, se informó que Chan retomaría su papel en la película. 

A finales de noviembre de 2023, Chan y Macchio fueron confirmados oficialmente. Además, Chan y Macchio anunciaron una convocatoria de casting abierta a nivel mundial para un actor que interpretara la versión del personaje principal de la película, descrito como un adolescente chino que se muda a la Costa Este y comienza a estudiar artes marciales. 

El rodaje comenzó en Montreal en abril de 2024 y finalizó en de junio. La película se filmó bajo el título provisional Victory Boulevard . 

Tras su buen debut en el cine llegaba el momento de los críticos. Las críticas han sido mixtas. Matt Zoller Seitz rogerebert.com escribió de ella que era "Impresionante y exasperante en su determinación de exprimir cada iteración previa de esta saga (...) Sí, hay un movimiento final increíblemente difícil. Todas las películas de Karate Kid tienen uno. Cuando Li decidió que había llegado el momento de usar el suyo, vitoreé como todo el mundo. Hay una razón por la que esta historia se sigue contando: es infalible. (...) 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter defendió que"Jackie Chan y Ralph Macchio regresan para una adición desordenada y poco inspirada a la franquicia (...) la trama es simplemente horrible" 

Owen Gleiberman columnista de Variety comentó que "Se trata de una película básica y sana que, con sus 94 minutos de duración, resulta refrescante y sencilla" 

En las páginas de IndieWire Wilson Chapman defendía qque  "En el panteón de las innecesarias secuelas heredadas, es difícil encontrar una película que saque menos partido de sus conexiones con la obra a la que está ligada que 'Karate Kid: Legends'" 

En esta líena crítica Eric Goldman de IGN afirma que fue "Un intento erróneo de mantener una energía implacablemente alta de principio a fin que acaba por hacer que se sienta emocionalmente vacía porque casi nunca se toma tiempo para frenar y respirar. (...)" 

Por último, Johnny Oleksinski en el New York Post considera que "Es la última de una larga lista de terribles películas de 'Karate Kid'. Un pase de la antorcha, tal como es, a la siguiente estafa inferior. (...) 

Desde Gran Bretaña Andrew Lawrence en las páginas del The Guardian escribe sobre ella afirmando que la película "Es cálida, es fresca - es una explosión de diversión familiar veraniega que seguramente inspirará largas miradas a las viejas películas y episodios de 'Cobra Kai' (...) 

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo sostuvo que "La saga sigue feliz en su eterna repetición de lo mismo tan respetuosa con el original como alérgica a cualquier amago de innovación, sorpresa o nueva idea (...) " 

Desde Barcelona Jordi Batlle Caminal en las páginas de La Vanguardia habla de que "Es un producto confeccionado exclusivamente para los fans del 'Karate kid' realizado en 1984. (...) Simple, previsible de cabo a rabo y razonablemente eficaz (...) " 

Y en Cinemanía Rubén Romerodice que "Tiene la nueva entrega (...) una gran virtud estética. El esquema y los valores de la franquicia permanecen inamovibles (...) deja un regusto final de lo más agradable (...)"

Menos amable es Alberto Abuín que en X comenta que "es una especie de reboot tan previsible como aburrido a pesar de las buenas intenciones. Lo mejor, el (esperable) cameo final a cargo del mejor personaje de Cobra Kai. "

Yo estoy más en la línea de lo que escribieron los críticos españoles. Me parece magnífico que la película une por primera vez a los universos y personajes de las distintas épocas de la franquicia, juntando al Sr. Han (Jackie Chan) y a Daniel LaRusso (Ralph Macchio) como mentores. Como era de esperar la película contiene buenas coreografías, lo propio de una película de artes marciales en sus escenas de lucha y los despliegues físicos cuentan con un buen nivel técnico, destacando la habilidad marcial del protagonista Ben Wang. 

Finalmente decir que la película funciona como un producto de entretenimiento ligero que apela a los recuerdos de los seguidores veteranos de la saga original y ofrece una propuesta accesible para audiencias jóvenes que gustan ver esta "lucha de gallos del kung fu" por las calles de Nueva York.

La larga marcha

 

En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá. Adaptación de la novela de Stephen King, dirigida por Francis Lawrence (Soy leyenda, Los juegos del hambre: En llamas) y protagonizada por David Jonsson, Charlie Plummer, Cooper Hoffman y Mark Hamill.

Until Dawn

Le he preguntado al mayor de mis hijos si conocía til Dawn. Me ha dicho que sí, aunque no había jugado al mismo. Until Dawn es un videojuego de terror y drama interactivo desarrollado por Supermassive Games, donde tus decisiones determinan qué personajes sobreviven a una noche de pesadilla en una cabaña aislada en la montaña. Inspirado en los clichés de las películas de terror adolescente, la historia sigue a un grupo de ocho amigos que se reúnen en la montaña Blackwood un año después de la misteriosa desaparición de dos de sus amigas. 

Durante el juego hay un "efecto mariposa" : Cada elección que tomas modifica el desarrollo de la trama y el destino del grupo, lo que te permite experimentar múltiples finales. El juego combina exploración, cinemáticas y Quick Time Events (eventos de tiempo rápido) en los que un solo error puede ser fatal. Y es normal que no hayan podido jugar mis hijos. Yo les compré la PS· y su lanzamiento original fue para PS4 en 2015, más tarde en una versión renovada llegó a la PlayStation 5 y PC. Eso lo explica casi todo.

Película de terror del año 2025 que se inspira en el videojuego de terror y supervivencia homónima en el que cada decisión fue de significado la diferencia entre la vida y la muerte. La película una coproducción estadounidense y húngara llega la gran pantalla de la mano del director David F. Sandberg, de la que aquí pude ver ya Anabelle: Creative . 

La película se realiza a partir de un guion de Gary Dauberman. Está basado en el videojuego de 2015 del mismo título desarrollado por Supermassive Games. En la Producción intervienen David F. Sandberg, Gary Dauberman, Mia Maniscalco, Lotta Losten, Roy Lee, Asad Qizilbash y Carter Swan que representaromn y pusieron los 15 millones de dólares a través de sus empresas Screen Gems, PlayStation Productions, Vertigo Entertainment, Coin Operated y Mangata. La película cuenta con la música de Benjamin Wallfisch, la fotografía de Maxime Alexandre y el montaje de Michel Aller.

Esta película presenta varias diferencias con respecto al juego y es un terrorífico slasher en la que unos jóvenes se verán envuelto en una pesadilla entre enloquecedora que revivirán una y otra vez no ser que consigan llegar vivos al amanecer. 

La historia comienza con el intento de escapar una chica por parte de sus "captores" subterráneos. Un año después de que la chica es Melanie (Maia Mitchell ) yq ue desapareciera misteriosamente, así que su hermana Clover (Ella Rubin) y sus amigos,Max (Michael Cimino), exnovio de Clover, Megan (Ji-young Yoo ) la hermanastra de Max; Nina (Odessa A'zion ) , la mejor amiga de Clover; Abe (Belmont Cameli ) , el novio de Nina . 

Un año después, este grupo se dirige a un valle remoto donde desapareció Melanie en busca de respuestas, aunque antes paran en una tienda siendo atendidos por el Dr. Alan J. Hill (Peter Stormare), psiquiatra. 

El grupo , una vez visitada la tienda, llegará a un lugar con un edificio tras pasar una tormenta y allí acabarán explorando un centro de visitantes abandonado, donde, tras el movimiento de un reloj de arena, se encuentran acechadas por un asesino enmascarado y asesinadas horriblemente una a una... sólo para despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. 

Atrapados en el valle, se ven obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, sólo que cada vez la amenaza asesina es diferente, cada vez más aterradora que la anterior. 

Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que les queda un número limitado de muertes, y la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer. Allí, son asesinados horriblemente, pero al despertar se encuentran de nuevo al principio de la misma noche. 

Atrapados en el valle, se ven obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez, la amenaza asesina es diferente, cada vez más aterradora que la anterior, y la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer 

Para crítica del The New York Times la película es "en parte la película es un homenaje al género y en parte elige tu propia aventura y en parte casa encantada interactiva " esta protagonizada por los jóvenes Ella Rubín, Michael Cimino, Yoo Ji-Young, Odessa A' Zion, Belmonte Camli, Maia Mitchell, junto a Peter Stormare, que también aparecía en el juego. 

En enero de 2024, se anunció que Screen Gems y PlayStation Productions estaban desarrollando una adaptación de acción real basada en el videojuego Until Dawn, con David F. Sandberg como director y Gary Dauberman como guionista. El guion está basado en un borrador anterior de Blair Butler. Asad Qizilbash, director de PlayStation Studios, explicó que «era muy importante que la trama de la película no fuera la misma. En vez de ello, contará con personajes nuevos y una historia novedosa y original». No obstante, se seguirán algunas líneas del juego. 

En junio, Ella Rubin, Michael Cimino, Ji-young Yoo y Odessa A'zion se unieron al elenco en papeles no revelados. Dos meses después Maia Mitchell, Belmont Cameli y Peter Stormare se unieron al reparto, este último repitió su papel del Dr. Alan J. Hill, lo que lo convierte en el único actor del juego que aparece en la película. 

Ni el director ni Gary [Dauberman], querían simplemente rehacer la historia original, escena por escena». Sandberg, en respuesta, dijo: ...el juego es más o menos una película de 10 horas, así que creo que no habría sido tan interesante para mí si hubiéramos hecho sólo el juego, porque entonces sería como una versión reducida y no interactiva del juego, lo que simplemente no sería lo mismo. Sandberg aclaró además que la película era otra entrega del universo del videojuego, no una adaptación, en una entrevista con William Earl de Variety. 

El rodaje del filme comenzó en Budapest (Hungría) en agosto de 2024, con Maxime Alexandre como director de fotografía y concluyó en octubre de 2024. 

En cuanto a la crítica Erik Piepenburg de The New York Times comenta que "Ver a alguien jugar a un videojuego al que nunca te dejan jugar es un tipo de aburrimiento muy particular. Un aburrimiento similar al de '¿por qué estoy aquí?' llega pronto y se queda hasta tarde en este filme"   Louis Peitzman, de Vulture, escribió que la avalancha de ideas de Until Dawn «amenazaba con derrumbar la película por su propio peso», pero elogió su creatividad y su metacomentario sobre el género slasher. Concluyó que la película se salvó gracias a su humor, comparándola favorablemente con La cabaña en el bosque.

Brian Tallerico, de RogerEbert.com, escribio que tenía ideas muy ingeniosas, pero una ejecución mediocre. Añadió que la fotografía de Maxime Alexandre era poco iluminada y deprimentemente plana, y que el lenguaje visual del videojuego era más potente.

Katie Walsh de Los Angeles Times también le dio a la película una crítica positiva. Elogió al director por abrazar las raíces del terror de serie B de la película, describiéndola como «en parte homenaje al género, en parte elige tu propia aventura, en parte una casa encantada interactiva». Elogió también el guion y al elenco principal por ser «personajes completamente desarrollados». Concluyó que Until Dawn era «diversión sangrienta, aunque ligera».

William Bibbiani, de TheWrap, criticó Until Dawn por su superficialidad, sus caracterizaciones superficiales y su guion confusamente vago, que contradice la lógica. Sin embargo, algunos de los sustos le resultaron agradables y describió la premisa como ingeniosa. Escribió: «En su mejor momento, Until Dawn de Sandberg es un sistema divertido para sustos de terror aleatorios en autocines, como una máquina tragamonedas de cine de género», concluyendo que la película no era ni muy buena ni muy mala. 

Alison Foreman, de IndieWire, escriibió que, aunque «traiciona» al videojuego, la película fue un «experimento ingenioso con toques de humor explosivo que logran entretener seriamente». Concluye que "Hace innumerables guiños hacia la comedia de terror -algunos buenos, otros malos-, pero funciona mejor enfocada como una parodia en toda regla" Comentó que hubiera preferido que la película se hubiera promocionado con un título original, ya que Until Dawn funcionaba mejor como una «parodia de terror a gran escala» y tenía pocas similitudes con el juego homónimo.

Varios críticos elogiaron especialmente a Ji-young Yoo y a su personaje, Megan. Meagan Navarro, de Bloody Disgusting, escribió que, en el reparto principal, «la única que se acerca a una personalidad distintiva es Megan, interpretada por Ji-young Yoo».

Owen Gleiberman de Variety afirma que "El problema no es que la película sea como un videojuego. Es que es como un videojuego que no tiene nada de gracia"Elisabetta Bianchini de Yahoo News describió a Megan como el personaje más interesante del elenco principal y agregó que «sientes su viaje emocional más que incluso el del personaje principal, Clover».

En el Reino Unido Benjamin Lee, de The Guardian la elogió por estar «realizada con maestría y animada por un sólido grupo de jóvenes actores», también elogió al elenco principal por ser «simpático y comprometido». Describió la película como «bien montada y totalmente inofensiva», añadiendo que era sin duda mejor que otras películas de terror recientes como El mono y El abismo secreto, aunque carecía drásticamente del «coeficiente intelectual y la ambición» de Sinners.

Del mismo modo, Harry Stainer de Empire elogió la actuación de Yoo en su reseña de la película, escribiendo: «Ji-young Yoo se destaca como Megan, la psíquica del grupo, y parece divirtiéndose más que cualquier otra persona en la pantalla»

Ya en España Carmen L. Lobo en La Razón destaca que "Los entendidos se quedarán a buen seguro con el original antes que la copia, ya que el filme se toma varias licencias discutibles, el resultado, sobre todo la segunda mitad, resulta pringosamente entretenido" 

Daniel Quesada de Hobby Consolas comenta que "No agradará a todo el mundo, pero si pasas por el aro de su "más difícil todavía", disfrutarás de una buena fusión de terror y humor. Especialmente pensada para los que hayan sufrido los QTEs del juego original." 

Miguel Ángel Romero de Cinemanía escxribió sobre ella que "Resulta entretenida y divertida, pero queda a medio gas en la traslación de una trama de enorme éxito que ya había nacido con un espíritu meramente cinematográfico, dejando con ganas de que el director David F. Sandberg hubiera dado un paso más allá." 

Pablo Vázquez de Fotogramas destaca que "Ni las pavisosas presencias de Ella Rubin y Michael Cimino (...) logran un resultado valioso más allá de su condición de fugaz matarratos; y es que su delirio acaba convirtiéndose en fórmula descascarillada y estéril. (...)

Lo más interesante de la película es que cada vez que mueren, reviven para repetir la noche, acumulando el conocimiento y el dolor del día anterior hasta que logran sobrevivir al amanece. Algunos críticos valoran positivamente los efectos visuales prácticos, las escenas sangrientas (gore) y los homenajes al cine slasher y a clásicos como Evil Dead. Por mi parte, lo más evidente para mi ha sido lo indiferente que me ha dejado puede que por su guion flojo o por que los personajes se sienten o son muy planos. definiticva, película de consumo fast food.

Mr. Burton

Richard Burton no fue simplemente un actor; fue una fuerza de la naturaleza que elevó la interpretación a la categoría de arte lírico. Con una voz que parecía resonar desde las profundidades de la tierra galesa, barítono por excelencia, poseía la rara capacidad de hacer que la prosa más simple sonara como poesía shakespeariana. 

Originario de la localidad galesa y minera de Port Talbot, Richie Jenkins se transformó en Richard Burton, un titán que dominó tanto el teatro shakesperiano como la gran pantalla de Hollywood. Su presencia era magnética, capaz de cautivar al público con un sutil movimiento de cejas o con un monólogo intenso y abrasador. Fue el actor que desafió las normas, viviendo con una intensidad volcánica tanto dentro como fuera de la pantalla, lo que añadió una capa de vulnerabilidad y autenticidad a sus personajes. 

Siete veces nominado al Oscar, Burton representa la excelencia trágica: un talento inigualable que, a pesar de las sombras de sus demonios personales, nos dejó actuaciones imperecederas en Becket, La noche de la iguana y, sobre todo, en ¿Quién teme a Virginia Woolf?, donde desnudó el alma humana con una ferocidad inigualable. Fue, sin duda, uno de los actores más formidables del siglo XX. 

Para entender la magnitud de Richard Burton, debemos valorar su capacidad vocal y algunos de sus hitos profesionales. Su voz era su instrumento vocal propio de un barítono su formación shakesperiana. Burton nació como Richard Walter Jenkins Jr. en noviembre de 1925 en una casa en Pontrhydyfen, Glamorgan, Gales. 

Fue el duodécimo de trece hijos nacidos en la familia de habla galesa de Richard Walter Jenkins Sr. y Edith Maude Jenkins. Recordaba a su madre como «una mujer muy fuerte» y «una persona muy religiosa, de cabello rubio y rostro hermoso» que falleció cuando apenas tenía dos años. Su padre , un bebedor sin límites que tras la muerte de Edith, el pequeño Jenkins pasó a la atención de la hermana mayor de Richard, Cecilia, a quien él llamaba cariñosamente "Cis", y su esposo Elfed James, también minero, lo acogieron hasta los diecisiete años. 

Richard vivió con Cis, Elfed y sus dos hijas, Marian y Rhianon, en su casa adosada de tres habitaciones en el número 73 de la calle Caradoc, en Taibach, un barrio residencial de Port Talbot, que Bragg describe como "una dura ciudad siderúrgica, de habla inglesa, llena de trabajo duro y suciedad". Richard permaneció agradecido y cariñoso con Cis durante toda su vida, y más tarde afirmó: «Cuando mi madre murió, ella, mi hermana, se convirtió en mi madre, y fue más madre para mí que cualquier madre jamás podría haber sido... Estaba inmensamente orgulloso de ella... sintió todas las tragedias excepto la suya». 

Desde los cinco hasta los ocho años, Richard fue educado en la Eastern Primary School, y asistió a la sección de niños de la misma escuela desde los ocho hasta los doce años. Realizó un examen de beca para ingresar a la Port Talbot Secondary School en marzo de 1937 y lo aprobó. 

Richard se convirtió en el primer miembro de su familia en ir a la escuela secundaria. Mostró una excelente voz para hablar y cantar desde la infancia, incluso ganando un premio eisteddfod como niño soprano. Mientras era alumno de la Port Talbot Secondary School, Richard también mostró un inmenso interés por leer poesía, así como literatura inglesa y galesa. Ganaba dinero de bolsillo llevando mensajes, transportando estiércol de caballo y repartiendo periódicos. 

En 1939, Richard inicio su relación bajo la tutela de Philip Burton. Richard hizo su primera incursión en el teatro con un papel secundario en la producción de su escuela de El carro de manzanas del dramaturgo irlandés George Bernard Shaw. 

Decidió dejar la escuela a finales de 1941 y trabajar como minero como Elfed. Sin embargo, acabó trabajando en la tienda local de la cooperativa Taibach como ayudante de mercero en la sección de ropa de caballero, un trabajo que llegó a detestar profundamente debido al racionamiento por la guerra. Al mismo tiempo, consideró otras profesiones para su futuro, como el boxeo, el ministerio religioso y el canto. Fue también durante este periodo cuando Richard empezó a fumar y a beber siendo menor de edad. 

Philip Burton le dio un papel en un documental radiofónico/adaptación de su obra para BBC Radio, Youth at the Helm (1942). 

Cuando se unió al Escuadrón 499 de Port Talbot, perteneciente a la sección del Cuerpo de Entrenamiento Aéreo de la Real Fuerza Aérea (RAF), como cadete, se reencontró con Philip, quien era el comandante del escuadrón. Al ver el talento de Richard, tanto Jones como Philip lo readmitieron en la escuela el 5 de octubre de 1942.

Philip lo instruyó intensamente en las materias escolares y también trabajó en el desarrollo de su voz para la actuación, incluyendo ejercicios vocales al aire libre que mejoraron su proyección. Richard describió la experiencia como «el período más duro y doloroso» de su vida. Philip se refería a Richard como «mi hijo en todos los sentidos. Estaba comprometido con él», mientras que Burton escribió más tarde sobre Philip: «Le debo todo» como se señala al final de la película.

Como vemos en esta película que acabo de ver - Mr Burton- aprendió a proyectar su voz desde la cima de montañas (Monte Margam) y a eliminar su acento galés para lograr un inglés estándar inconfundible. En marzo de 1943, a los 17 años, Richard abandonó la casa de su hermana debido al resentimiento de su cuñado por haber apoyado su reanudación de estudios.

Buscó la ayuda de Philip Burton, quien gestionó su traslado a la casa de la viuda Elizabeth «Ma» Smith, donde él mismo se alojó. Para el otoño de ese año, Philip planeaba adoptar a Richard, pero no pudo hacerlo porque era 20 días menor que el número de 21 años que debía tener su adoptante, requisito legal. Como resultado, con el consentimiento de su padre, Richard quedó bajo la tutela legal de Philip y, con tan solo 18 años, cambió su apellido el 26 de noviembre de 1943 a "Burton", en honor al apellido de Philip, mediante escritura pública.

También en 1943, Richard obtuvo la calificación necesaria para ingresar a la universidad tras sobresalir en el examen del Certificado Escolar. Philip solicitó que Richard estudiara en el Exeter College de Oxford, como parte de un programa de becas de seis meses ofrecido por la RAF para cadetes calificados antes de su servicio activo. 

Su pasión, el teatro. Fue aclamado como el "sucesor natural de Olivier" en los años 50 por críticos como Kenneth Tynan.  

Mientras estudiaba en el Exeter College de la Universidad de Oxford, Burton interpretó a Angelo, el puritano complejo y obsesionado con el sexo, en la producción de 1944 de la Sociedad Dramática de la Universidad de Oxford de Medida por medida de William Shakespeare. La obra fue dirigida por Nevill Coghill, profesor de literatura inglesa de Burton, y se representó en el colegio en presencia de otros actores del West End, como John Gielgud, Terence Rattigan y Binkie Beaumont. Sobre la actuación de Burton, su compañero actor y amigo Robert Hardy recordó: «Hubo momentos en que cautivó por completo al público con su quietud. Y su voz, que cantaba como un violín y con un bajo capaz de hacer temblar el suelo». Gielgud apreció la actuación de Burton y Beaumont, quien conocía el trabajo de Burton en The Druid's Rest, le sugirió que lo buscara después de completar su servicio en la RAF si aún deseaba dedicarse a la actuación profesionalmente.

Destacó en el manejo actoral de obras de Shakespeare como Hamlet (1964), ganando un Tony Award especial por su trabajo. Se mostraba inmenso capaz de hablar y transmitir vulnerabilidad y fuerza bruta aceptando, eso sí, sus "demonios", tal como el alcoholismo heredado de su padre pero también parte de la intensidad apasionada que traía a sus actuaciones.

Gran parte de estas claves la hemos visto la película británica del año 2025 que se adentra en la vida del actor galés Richard Burton y sobre todo de sus orígenes. Está dirigida por Marc Evans , escrita por Tom Bullough y Josh Hyams, y protagonizada por Harry Lawtey como Richard, junto a Toby Jones (como Philip Burton) y Lesley Manville . Se estrenó en los cines británicos el 4 de abril de 2025.  

La historia de esos años no fue así de sus inicios en el teatro son llevadas y cine por Marc Evans en una historia protagonizada por Harry Lawtey , Toby Jones y Lesley Manville. 

Toby Jones aparecen en calidad de actor y productor de esta película que viene a ser el viaje de Richard Jenkyns , más tarde, Burton, desde las minas hasta los mares más prestigiosas del mundo, un camino marcado por la pobreza como en la pérdida y la disciplina. El proyecto se anunció en febrero de 2024 con Marc Evans como director a partir de un guion escrito por Tom Bullough y Josh Hyams. Ed Talfan y Hannah Thomas son los productores de Severn Screen, con Trevor Matthews produciendo para Brookstreet Pictures y Josh Hyams para Promise Pictures. La película también cuenta con financiación de BBC Wales y Ffilm Cymru Wales , en colaboración con Creative Wales.

En mayo de 2024, Harry Lawtey fue elegido para interpretar al joven Richard Jenkins. Toby Jones fue elegido para el papel del Sr. Burton, el profesor que tuvo una profunda influencia en la vida de su alumno y se convirtió en su tutor legal, lo que provocó que Jenkins cambiara su nombre a Richard Burton . Lesley Manville fue elegida para el papel de la casera del Sr. Burton, y Aimee-Ffion Edwards y Aneurin Barnard para el de la hermana y el cuñado del joven Jenkins.

El rodaje principal comenzó en julio de 2024 para un estreno en 2025 para conmemorar el centenario del nacimiento de Richard Burton. El rodaje se completó en agosto de 2024.

El compositor John Hardy es sobrino de Robert Hardy , amigo de toda la vida de Richard Burton. La partitura fue grabada por la Orquesta Nacional de la BBC de Gales en el Wales Millennium Centre en diciembre de 2024. La película cuenta con la fantástica fotografía de Stuart Biddlecombe y el montaje de Tim Hodges. 

Se convirtió en uno de los actores mejor pagados del mundo a finales de los 60, ganando más de 1 millón de dólares por película como protagonista desde su debut en My Cousin Rachel (1952) , pasando por The Robe (1953) , Becket (1964), The Spy Who Came in from the Cold (1965), la tremenda ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), Anne of the Thousand Days (1969) o Equus (1977) que le permitió ser un ganador del Golden Globe.

En cuanto a la película señalar que la crítica en general ha sido amable con este biopic. Desde las páginas del británico Screendail, Nikki Baughan dejó escrito que  "Tiene un par de ases en la forma del siempre fiable Toby Jones y, en particular, Harry Lawtey, que hace una interpretación camaleónica como el humilde chico del valle que ha hecho el bien." 

Para  Jonathan Romney del Financial Times se trata de "Una película mayormente insípida (...)"  Po su parte, Tim Robey del  Telegraph afirma que "Toby Jones conmovedor como el hombre que cambió la vida de Richard Burton (...)

Peter Bradshaw del The Guardian se trata de  "Una película sincera, bien interpretada y agradable, aunque un poco ingenua (...)

Según Terry Staunton de Radio Times "Lawtey es la verdadera estrella de la obra, una presencia hipnótica tanto en las primeras escenas como el alumno tosco y desgarbado, como en las etapas finales de la narrativa (...)" 

Por último , entre los británicos,  Kevin Maher deesde el The Times estamos ante "Una película audaz que logra encontrar un drama reconfortante en la vida de Richard Burton, con el tono tierno que caracteriza a este delicado biopic (...) 

En los Estados Unidos , Guy Lodge de Variety sostiene que "Años antes de convertirse en un icono de Hollywood, Richard Burton era el hijo del minero Richie Jenkins. El sentimental pero agradable biopic de Marc Evans muestra lo que hay detrás de un cambio de nombre." 

Para  Wendy Ide del The New York Observer "Es una lástima que esta película de ritmo lento, que se apoya mucho en una partitura de piano recargada y chispeante, sea tan errática y apática (...)"

Ya en España    Elsa Fernández-Santos en El País comenta que "Un magnífico Toby Jones y el joven Harry Lawtey elevan un ‘biopic’ convencional sobre la educación shakespeariana de Richard Burton (...) El principal atractivo de esta película británica está en su argumento y en sus intérpretes"   

La película recibió cuatro nominaciones en los premios BAFTA Cymru de 2025 , incluyendo nominaciones en la categoría de Mejor Actor para Lawtey, y en las categorías de Sonido, Edición y Fotografía. Posteriormente, Stuart Biddlecombe ganó el premio a la Mejor Fotografía e Iluminación - ficción por la película. Fue nominada a Mejor Película Británica en la 79.ª edición de los Premios BAFTA.

Poco más que decir de esta película que se centra en la relación maestro-alumno entre Philip Burton y Richard Jenkins (antes de cambiar su apellido), marcada por la disciplina, la ternura y la literatura de Shakespeare en un ambiente casi hostil, en ese pueblo minero del Gales en 1942, que nos presenta las cosas como eran: pobreza, superación, clase social y el impacto de un guía apasionado.Más que un biopic tradicional de toda su vida, "Mr. Burton" es una historia de orígenes, enfocada en la forja de la identidad del actor y su inmersión en el teatro con un Toby Jones, quien ha recibido elogios por su magistral y conmovedora interpretación del profesor capaz de dotar de un nombre y un verbo a un coloso inmortal de la actuación.

La acompañante

Yo creo que todos recordamos la que posiblemente fue nuestra primera gran clase de Historia de la Filosofía, vinculada a Platón y al mito de la caverna. Platón nos invitó a imaginar prisioneros encadenados en una cueva, viendo sombras proyectadas en una pared. Para ellos, esas sombras son la realidad. No conocen otra cosa. La pura apariencia es esa sombra: la forma deformada, bidimensional y sin esencia de un objeto real que pasa tras ellos. Vivimos en nuestra propia caverna. 

Hoy tno vivimos aislados unos de los otros. Nuestras redes sociales, nuestras opiniones apresuradas y nuestros muchos prejuicios son sombras. Creemos entender la vida de alguien por una foto, el amor en el cine por una escena que puede ser atractiva y afectiva o la política por un titular, pero estamos viendo solo la proyección, no la esencia. La apariencia es cómo las cosas parecen ser, y depende totalmente de quién las mira (subjetiva). La realidad es cómo las cosas son realmente, independientemente de nuestros sentidos o creencias. La apariencia es una "copia imperfecta" de la realidad, decía Platón. 

La verdadera realidad a menudo requiere razón, análisis y, a veces, ignorar lo que ven nuestros ojos. Cuando basamos nuestra existencia en la "pura apariencia". Quien vive para aparentar, como decía Sócrates, termina siendo un engaño. La realidad de esa persona se desvanece en su propia actuación. La autenticidad —la paz interior— reside en la concordancia entre lo que somos por dentro y lo que demostramos por fuera. A veces, la apariencia no es lo contrario a la realidad, sino un "momento". 

Hoy, la tecnología ha hecho más difícil distinguir la apariencia de la realidad. La inteligencia artificial puede crear apariencias tan perfectas que reemplazan a la realidad en la mente colectiva. La apariencia es ruidosa y temporal; la realidad es silenciosa y persistente. Como escribió Molière, "las apariencias engañan la mayoría de las veces". Por tanto, la sabiduría no es simplemente percibir, sino cuestionar la superficie para encontrar la estructura de la verdad. 

Pues bien, la película de 2025 Companion  aquí conocida  como La acompañante  dirigida por Drew Hancock, es un thriller de ciencia ficción que utiliza la premisa de la Inteligencia Artificial (IA) para realizar una reflexión profunda sobre la naturaleza de la toxicidad en las relaciones humanas y la obsesión por el control.

Companion  fue definida por el sabio del cine español, Fausto Fernández en la revista Fotogramas como "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de Terminator". 

Así define la crítica a la original ópera prima de este director o directora que no deja de ser una cinta de ciencia ficción protagonizada por Sophie Thacher y Jack Quaid. 

Producida por Zach Cregger, Raphael Margules y J. D. Lifshitz, para las productoras New Line Cinema, BoulderLight Pictures, Vertigo Entertainment y distribuida por Warner Bros. Pictures tuvo un presupuesto de $10 000 000 que sí recuperó en salas al triplicar los ingresos. 

Partiendo de un guion escrito por Drew Hancock, la película presenta la música de Hrishikesh Hirway y el montaje de Brett W. Bachman y Josh Ethier. 

Con un inicio espectacular y romántico en el que la protagonista, Iris, conoce en un supermercado a su patoso novio , Josh, parece una historia de amor con exceso de glucosa, pero poco después descubrimos que nada de esa apariencia será realidad. 

Al poco vemos poco después a Iris (Sophie Thatcher) y Josh (Jack Quaid), una joven pareja, que viajan a una casa aislada en el lago para encontrarse con sus amigos: Kat (Megan Suri), Eli (Harvey Guillén) y Patrick (Lukas Gage), así como con Serguéi (Rupert Friend), el novio de Kat y dueño de la casa del lago. 

Al día siguiente, Serguéi intenta violar a Iris en el lago, pero ella lo mata apuñalándolo en el cuello. Empapada en sangre, regresa a la casa e intenta explicarse antes de que Josh le diga: «Iris, ve a dormir». En ese momento quedamos patidifusos.

Iris recupera la conciencia y se encuentra atada a una silla. Josh confiesa la verdad: ella es un robot acompañante avanzado que puede ser controlado por su teléfono inteligente. 

Iris se libera, roba el teléfono y escapa al bosque. Experimenta con su configuración en el teléfono, aumentando su inteligencia del 40 % al 100 %. 

Se revela que Josh liberó la configuración de Iris, desactivando su incapacidad de hacer daño. Él y Kat habían planeado que Iris matara a Serguéi para robarle su fortuna de doce millones de dólares, e invitaron a Eli y Patrick para corroborar su historia contra ella. 

Josh y Kat le insisten a Eli que Patrick no tiene derecho a una parte del dinero porque «no cuenta», tras lo cual se revela que Patrick también es un robot acompañante. Eli toma un arma de la caja fuerte de Serguéi y los cuatro se dividen en el bosque para encontrar a Iris. Patrick le dice a Eli que ha deducido que es un robot acompañante, pero que está genuinamente enamorado de Eli, a lo que Eli le responde. 

En el bosque localizan a Iris y, tras una pelea, Eli recibe un disparo mortal con el arma de Serguéi. Iris escapa en el automóvil autónomo de Josh. Sin embargo, Josh logra detener el coche reportándolo como robado con el teléfono de Serguéi. Reestablece a Patrick para que sea su robot acompañante, desactiva su incapacidad para dañar y establece el nivel de agresión de Patrick al 100 %. 

Cuando Iris huye se encuentra con Hendrix (Marc Menchaca), un agente de policía y cambia su configuración de idioma a alemán para confundirlo, ya que los robots acompañantes no pueden mentir. 

Patrick golpea a Hendrix hasta la muerte antes de apagar a Iris. Kat, disgustada por las acciones de Josh, intenta irse con su mitad del dinero. Josh le ordena a Patrick que la detenga, pero la mayor agresividad de Patrick hace que la apuñale hasta matarla. 

Esa noche, Josh hace que Patrick prepare la cena para él y para Iris, y despotrica sobre lo poco que tiene en la vida a pesar de su arduo trabajo. Pone la inteligencia de Iris al 0 %, convirtiéndola en una autómata y le ordena que se pegue un tiro en la cabeza. 

Dos trabajadores de la compañía de robots acompañantes, Sid (Matt McCarthy) y Teddy (Jaboukie Young-White), llegan para llevarse a Iris, informando a Josh que han sido enviados para reiniciar a Iris. 

Desesperado por ocultar sus crímenes, Josh le ordena a Patrick que mate a los trabajadores y recupere a Iris. Patrick mata a uno, pero antes de que pueda matar al otro, Iris se reinicia por completo. Sin embargo, Iris no puede dañar a Patrick como resultado de su reinicio, por lo que apela a la humanidad de Patrick usando su amor por Eli. Abrumado por la culpa, Patrick se suicida. 

El trabajador superviviente, Teddy, le otorga a Iris la capacidad de controlarse por completo. Iris mata a Josh apuñalándole en la sien con un sacacorchos eléctrico. 

A la mañana siguiente, se quita la «piel» quemada de la mano, dejando al descubierto el mecanismo interno del robot, y sale de la casa con el dinero de Serguéi Mientras se aleja en el coche, ve a un hombre conduciendo con un robot similar a ella. Iris sonríe y saluda juguetonamente al robot similar con su mano visiblemente robótica, para confusión de este último. 

Ls hidtoria de esta película se remonta a febrero de 2023, cuando se informó que New Line Cinema estaba trabajando en Companion, con un guion de Drew Hancock, quien también dirigiría y Zach Cregger, Raphael Margules, JD Lifshitz y Roy Lee producirían. 

En mayo de 2023, se anunció que Jack Quaid se había unido al elenco de Companion. En junio de 2023, se anunció que Harvey Guillén, Lukas Gage, Megan Suri, Sophie Thatcher y Rupert Friend se habían agregado al elenco de la película. El rodaje finalizó en diciembre de 2023. 

La película que fue bien en taquilla, también lo fue en la cróitica estadounidense.  Christian Zilko de IndieWire escribirá sobre ella que "Hay mucho que disfrutar en 'Companion', desde los elegantes efectos visuales de Hancock, su ritmo fluido y su retorcido guion, hasta la asombrosa interpretación de Thatcher como un androide que roza la humanidad" 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter la describe como "Un ingenioso y trepidante thriller de terror que mantiene al espectador en vilo y que contiene generosas dosis de humor mordaz." 

Peter Debruge de Variety sostiene que  "El director debutante Drew Hancock manipula las ansiedades sobre el auge de las máquinas con un thriller inteligente y oscuramente satírico que coprotagoniza Jack Quaid".

William Bibbiani de The Wrap dice de ella que "Es uno de los mejores guiones de su género en años, estableciendo ideas y reglas y jugando con ellas de todas las formas imaginables, y sorprendiendo una y otra vez al público sin dejar de jugar limpio" 

Chris Evangelista de SlashFilm lo que valora es que "Esta sorprendente película de terror es la primera gran película de 2025 (...) un thriller divertido, trepidante y meticulosamente elaborado, con una interpretación tremenda de la protagonista, Sophie Thatcher. (...) " 

En Collider Emma Kiely escribe que "En su conjunto es algo totalmente único de contemplar (...) Es una comedia genuinamente divertida, un thriller lleno de suspense y, además, tiene algunas escenas de lo más espeluznantes. (...) " E

Para Meagan Navarro de Bloody Disgusting "No es un intento de reinvención del género, sino más bien un inteligente escaparate de un talento emergente del cine de género, y resulta ser una maravilla. (...) " 

Jarrod Jones de Paste Magazine escribe que es "Un divertimento tecnológico alegremente absurdo, un test de Turing para aquellos que aún están aprendiendo a quererse mejor a sí mismos". 

Desde Illinois  Richard Roeper crítico del Chicago Sun-Times la describe como una película "(...) muy divertida y tiene algunos sustos, pero también es una meditación sobre cómo algunos hombres tienen un interruptor por defecto que les hace demasiado fácil ser manipuladores y abusivos (...) 

En Gran Bretaña Laura Venning de Empire destaca lo que tiene de "Entretenida aunque intrascendente, está apoyada en sólidas interpretaciones centrales de actores que parecen muy conscientes de que todo es simplemente un poco de diversión sangrienta (...) 

Georgia Evans columnista de Time Out sostiene que "La película se inclina con éxito hacia el absurdo, ofreciendo una exploración catártica y oscuramente divertida de la dinámica y el control de género (...) 

Ya en España Philipp Engel en La Vanguardia comenta que "Sin pretender ser 'Ex Machina' o 'Her', Drew Hancock se las ha apañado para actualizar el subgénero con gags graciosísimos y una violencia festiva. (...) " 

En Cinemanía Enid Román Almansa valora el papel de la protagonista , una "Maravillosa Sophie Thatcher en este juego de equilibrio entre romance y terror. Intensa, retorcida, sangrienta y extrañamente divertida (...) " 

El ya citado Fausto Fernández en Fotogramas su consabido "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de 'Terminator' (...)" pero añade que " No deja títere (represor, con gónadas o no) con cabeza en su carrera de fondo salvaje (...) " Y concluye diciendo que es una comedia negra sobre la estupidez masculina. 

Raquel Hernández Luján de Hobby Consolas comenta que "No hay detalle superfluo en una película que no deja de sorprender a cada nueva revelación. Sophie Thatcher y Jack Quaid forman un tándem magnífico en una historia repleta de lecturas." 

Jesús Usero de AccionCine dice de ella que es "Sorprendente y adictiva (...) Una propuesta original y diferente (...) que se disfruta de inicio a fin (...) 

Lo cierto es que Companion no es solo una película sobre robots, es una crítica mordaz a cómo los seres humanos (especialmente hombres inseguros) instrumentalizan a otros para evitar la responsabilidad emocional, usando la tecnología para perpetuar dinámicas tóxicas de abuso y control.

La protagonista de la película se llama iris y parece estar hecha a la medida de ellos porque es ingenua, atractiva y complaciente pero durante un viaje de fin de semana con los amigos de George la circunstancia harán que iris descubra quién es y se revele contra ello. 

El machismo, el dominio a través de la tecnología, el hombre de inseguro, a la manipulación y el arcaico arquetipo de mujer perfecta son algunos de los temas que abordan la acompañante y que no deja indiferente a nadie. 

Companion plantea que el deseo humano de tener una pareja "perfecta", dócil y complaciente —diseñada a medida— no es amor, sino subyugación y posesión. La tesis sostiene que el control absoluto (tecnológico o emocional) sobre otra persona convierte la relación en una transacción tóxica y vacía.

La película sugiere que cuando eliminamos el riesgo del rechazo, la imperfección y la libre voluntad del otro (como lo haría un robot de compañía), el concepto de "pareja" se deshumaniza. 

Iris parece ser la mujer "ideal" (sumisa, atractiva, sin iniciativa propia) que Josh (Jack Quaid) necesita para sentirse seguro y superior. Su docilidad es una programación, no una elección personal. En definitiva, parece que el Amor se plantea como Mercancía y Control. 

Otra idea de interés es que la IA se presenta aquí como un espejo de la Inseguridad Masculina. La película utiliza a Iris como un espejo para examinar la toxicidad masculina y el miedo a la independencia femenina. Josh, un personaje inseguro, no busca una pareja, busca un objeto funcional.  El desarrollo de tecnología para emular relaciones humanas (IA sexual, robots acompañantes) alimenta el entitlement (derecho adquirido) y la misoginia. La película demuestra que un compañero "hecho para ti" es simplemente una extensión del ego de su dueño.  Se ve cuando Iris (con su inteligencia al 100%) se rebela y toma consciencia, Josh reacciona con violencia y el intento de resetearla, demostrando que su "amor" dependía exclusivamente de la obediencia de ella. 

Otra idea de interés es que se da la Paradoja de la "Compañera Perfecta". El título de la película es irónico. Una "compañera perfecta" no es una compañera en absoluto. El amor requiere reciprocidad y vulnerabilidad. La película propone que la verdadera conexión humana nace de la aceptación de la autonomía del otro, lo cual es imposible en una relación de "compañera robot", pero de pronto, y tras un asesinato llegamos al punto de inflexión de la película cuando la audiencia y la propia Iris descubren su verdadera naturaleza (que no es humana, sino un androide modificado para fines criminales). Esto cambia la narrativa de una "historia de amor" a una historia de supervivencia y toma de agencia (Thelma & Louise-style). 

Por último, hay una reivindicación de fondo. Companion es parte de la ola de cine "Good for Her" (Bueno para ella), donde el protagonista oprimido toma represalias sangrientas y justificadas contra sus opresores. El acto de reclamar la propia identidad y autonomía es violento y doloroso cuando se ha vivido bajo un control absoluto. Iris se convierte en una "final girl" tecnológica, no huyendo, sino destruyendo a quienes la trataron como un objeto, revirtiendo la dinámica de poder por completo, aunque al final, se marcha y descubre en la carreytera que ella es una más de las muchas. Su brazo mecatrónico, poderoso e idustructible es como ella.

El último refugio (Safe house)

El conflicto en la República Centroafricana (RCA), intensificado a partir de 2013, es una compleja crisis que, si bien a menudo se describe como un enfrentamiento religioso entre milicias musulmanas y cristianas, tiene profundas raíces políticas, económicas y regionales. En esa guerra civil se enfrentaron, la Séléka (Alianza Musulmana) y los Anti-balaka.

Los Seleka en 2012 integró una coalición de grupos rebeldes, principalmente musulmanes, conocida como Séléka, se formó para oponerse al entonces presidente François Bozizé. En marzo de 2013, dieron un golpe de Estado y su líder, Michel Djotodia, se convirtió en presidente. Y frente a ellos, la milicia cristiana , la Anti-balaka (Milicias Cristianas, pero también animistas) que como reacción a los abusos y la violencia cometidos por la Séléka, se agruparon en las milicias Anti-balaka ("anti-machete"), compuestas mayoritariamente por cristianos y seguidores de religiones tradicionales.

Tras el golpe, la disolución de la Séléka en septiembre de 2013 no trajo paz; sus excombatientes se dispersaron, y comenzó una espiral de caos. La violencia adquirió un sesgo religioso. Los Anti-balaka atacaron a comunidades musulmanas, a menudo acusándolas de apoyar a la Séléka, provocando desplazamientos masivos de musulmanes hacia el norte del país o países vecinos (Chad, Camerún). 

Francia envió tropas (misión Sangaris) en diciembre de 2013, junto con una fuerza de la Unión Africana (MISCA), y posteriormente la ONU desplegó la misión MINUSCA para intentar proteger a los civiles.

La película, una coproducción Noruega-Dinamarca-Suecia-Finlandia y producida por Catrin Gundersen y Hugo Hagemann Føsker amparada bajo las productoras Fantefilm, pero también Norwegian Film Institute, Nordisk Film, Film i Väst, Cinenic Film, ReelMedia.noruega basada en hechos reales durante la guerra civil entre cristianos y musulmanes en la República Centroafricana. 

El resultado es un thriller dramático dirigido por Eirik Svensson escrito por los sus guionistas, Harald Rosenløw-Eegmediante y Lars Gudmestad, se basaron en un tenso episodio vivido por Lindis o Linn Hurum (Kristine Kujath Thorp), Secretaria General de Médicos Sin Fronteras en Noruega, durante su trabajo como gestora de proyectos y en este caso un equipo médico en un hospital de campaña junto a un campo de refugiados que alberga a más de 100.000 personas, desbordado por el caos y la desesperación. Según hospital de campaña de Bangui, una ciudad dividida en zonas musulmanas y cristianas, en los inicios de su guerra civil. 

La víspera de la Navidad del año 2013 la joven Linn se encuentra en el hospital de N´Poko que ella gestiona pero que se complica cuando un hombre musulmán busca refugio y ayuda médica en la zona cristiana del hospital, donde los trabajadores humanitarios luchan por salvar vidas. Afuera, una milicia agresiva exige que le entreguen al hombre. tendrá que tomar una difícil decisión: proteger a un musulmán perseguido por una milicia cristiana que  busca refugio o entregarlo y garantizar la seguridad de todos en el hospital. 

El hombre armado —un miembro de las milicias Anti-Balaka— con una granada entra cinco minutos después, buscando al mencionado fugitivo, y a partir de entonces, es solo melodrama con Linn discutiendo con Andreas (Mattis Herman Nyquist), su colega médico, mientras que la relación con el resto del personal como Joseph (Alexander Karim), y Tessy (Tracy Gotoas) es fluida y luego con los soldados franceses que, al llegar al lugar, afirman no ser un taxi y, por lo tanto, se niegan a llevar al joven asustado a la zona musulmana. 

El último refugio fue una representación estremecedora de la crueldad de la guerra, la vida extrema en la zona de conflicto y la lucha humanitaria en medio del caos. Cuando un hombre perseguido irrumpe en la clínica buscando refugio, la turba y la milicia se congregan afuera exigiendo su entrega. En medio de la tensión y el miedo, Linn deberá tomar una decisión que pondrá a prueba los límites de su humanidad. Fundamental para la resolución de la situación es la colaboración de uno de sus colaboradores, un ciudadano local (Bibi Tanga) que será clave en que todo salga bien.  

Dirigida en el año 2025 por Eirik Svensson e interpretada por Kristine Kujath Tgorp, Mattis Herman Nyquist, Bibi Tanga, Alexander Karim, Tracy Gotoas y Almac Pöysti. 

La película cuenta con la música de Lisa Nordström y la fotografía de Karl Erik Brøndbo. Se estrenó en el Festival de Cine de Gotemburgo el 24 de enero de 2025. En los Amanda Awards (los premios del cine noruego) obtuvo 3 nominaciones, incluido: Best Visual Effects siendo Ganadora al diseño a la mejor producción y escenografía.

La película explora el dilema ético y de seguridad al que se ha de enfrentar Linn en estas 15 horas de asedio en Bangui: una milicia cristiana armada rodea el hospital exigiendo que entreguen al hombre para ejecutarlo. Ella debe decidir si seguir los protocolos de seguridad de su equipo o arriesgarlo todo para salvar una sola vida, enfrentándose a un grupo violento sin más armas que su palabra y su integridad. 

Lo cierto es que el conflicto fue y sigue siendo complejo. Los expertos señalan que más que una guerra santa, fue una lucha por el control de los recursos y el poder estatal en un país con instituciones extremadamente débiles. Los líderes de ambos bandos utilizaron la identidad religiosa para movilizar a combatientes y justificar la violencia. 

A menudo, el conflicto enfrentó a grupos nómadas (mayoría en la Séléka) contra comunidades agrícolas (base de los Anti-balaka). El conflicto ha causado miles de muertos (unas 5.000 personas en la etapa crítica de 2014) y más de 800.000 desplazados. Es un conflicto que muestra una inestabilidad persistente. A pesar de los acuerdos de paz firmados (como el de 2019), la inestabilidad ha continuado con la formación de nuevos grupos armados que controlan gran parte del territorio.

Como todo conflicto ha dejado secuelas sociales gravísimas. La guerra ha destruido la convivencia entre comunidades que antes vivían en paz y ha dejado una profunda desnutrición y carencia de servicios sociales. El conflicto ha provocado un alto coste en desplazamientos de población y pérdida de vidas de ciudadanos, en especial de la etnia fulani, con una división de facto entre las facciones Ex-Séléka y Anti-balaka en la considerada por muchos, el diario El mundo, por ejemplo, la guerra más olvidada del mundo.