Mi crimen

François Ozon está considerado un director "camaleónico" debido a su capacidad inigualable para cambiar de género, tono y estilo visual en cada película, sin perder una huella autoral distintiva. Su filmografía se caracteriza por una constante exploración de la condición humana, pasando con versatilidad desde el drama intenso hasta la comedia satírica o el thriller. Ha tenido el valor de dirigir musicales pop como 8 mujeres, que me dejaron descolocado, dramas psicológicos como Bajo la arena, thrillers eróticos como El amante doble,  comedias negras como Potiche y dramas sociales históricos como Frantz, cambiando de "piel" en cada proyecto.

A pesar de la variedad de géneros, todos sus filmes exploran temas comunes como la sexualidad humana, la muerte, la manipulación, el deseo y los secretos familiares. Sus películas pueden ser estéticamente bellas y coloridas, o oscuras y crudas, dependiendo de la historia que quiera contar, evidenciando su habilidad para adaptar la forma al fondo. A menudo manipula al espectador, cuestionando la verdad y la identidad, lo que crea una filmografía rica, juguetona y a veces perversa, manteniendo al público adivinando. Es un director que rehúye la repetición, buscando siempre nuevos desafíos narrativos y estéticos, lo que lo convierte en uno de los cineastas modernos más impredecibles y prolíficos de Europa. Es como señala un antropólogo que reside tras una cámara cinematográfica.

La película que me ha traído hasta aquó es Mon Crime es una película francesa del año 2023 dirigida y guionizada por el director francés François Ozon que adapta una olvidada obra de teatro parisina del año 1934 de título homónimo - Mon Crime.... de Georges Berr y Louis Verneuil, creada en 1934 en el Théâtre des Variétés . 

Para esta comedia de enredos al más puro estilo "screeball comedy" de la época dorada de Hollywood. La película cuenta con la producción de Éric Altmayer,Nicolas Altmayer y Geneviève Lemal para las productoras FOZ y Scope Pictures. Música Philippe Rombi Fotografía Manuel Dacosse Montaje Laure Gardette Vestuario Pascaline Chavanne  

Ozon parte del asesinato de un poderoso productor sin escrúpulos a manos de una joven actriz para elaborar una sarcástica, reivindicativa y teatral comedia llena de giros y guion. 

Estamos en el París de 1935 y Madeleine Verdier ( Nadia Tereszkiewicz ), que es una joven y bella actriz que lucha por encontrar trabajo y, por consiguiente, está en la ruina sale de una casa de la lujosa barriada de Neuilly sur Seine. Sale rápido con ganas de no querer saber nada de nadie. Parece ir a casa.

Comparte una buhardilla sin agua corriente con su amiga, Pauline Mauléon ( Rebecca Marder ), una joven abogada que busca clientes constantemente. 

Madeleine está enamorada de André Bonnard ( Édouard Sulpice ), hijo del dueño de una gran fábrica de neumáticos, quien recibe escaso apoyo económico de su padre ( André Dussollier ). Sabemos que ha acudido a una reunión con el productor teatral Montferrand, quien le ofrece un pequeño papel en una obra con la condición de que se convierta en su amante. Ella se niega. Él intenta violarla. Ella se defiende y logra escapar. 

Al llegar a casa, recibe la visita de su amigo André, quien le explica que, para solucionar sus problemas económicos, planea casarse con una rica heredera y convertirla en su amante. Madeleine, que había esperado que André se casara con ella y aceptara trabajar, se desespera. 

Poco después se persona en la casa, Brun ( Régis Laspalès ), inspector de policía, que toca el timbre del apartamento de las dos amigas. En ese momento nos enteramos que Montferrand ha sido asesinado y que Madeleine es sospechosa. 

El juez de instrucción, Gustave Rabuset ( Fabrice Luchini ), informado de la situación, se convence rápidamente de la culpabilidad de Madeleine, aunque ella inicialmente lo niega. Entonces, cuando Rabuset le dice que si puede alegar legítima defensa , no necesariamente será condenada, confiesa repentinamente y contrata a su amiga Pauline como abogada. 

Durante el juicio, Madeleine y Pauline utilizan el caso como símbolo de la opresión de las mujeres por los hombres, y Madeleine ofrece una interpretación muy conmovedora en el papel de la joven indignada escrita por Pauline. Es absuelta por un jurado compuesto exclusivamente por hombres  ante los aplausos de las numerosas mujeres que acudieron a asistir al juicio. 

Gracias al revuelo mediático que rodeó esta sorpresiva absolución, Madeleine es ahora una actriz famosa y Pauline una abogada muy solicitada. Dejan su miserable apartamento y se mudan a una gran mansión en Boulogne. André quiere romper su compromiso con la rica heredera para casarse con Madeleine, pero su padre se opone. 

Es entonces cuando reciben la visita de Odette Chaumette ( Isabelle Huppert ), una antigua actriz de cine mudo cuya carrera se ha estancado desde la llegada del sonido . Les explica que mató a Montferrand y que Madeleine le robó el crimen junto con la fama que le trajo. Exige dinero a las dos jóvenes, quienes se niegan. Por lo tanto, confesará, pero Rabuset, quien, gracias al caso Montferrand, ha sido ascendido y se ha convertido en el juez de instrucción principal, se niega a reabrir este caso que ya ha sido juzgado y le ordena que vuelva a verlo cuando pueda acusarse de un crimen que sí pueda imputar. 

Mientras Odette Chaumette sigue acosando a las dos amigas, Madeleine va a ver al arquitecto Palmarède, quien había contratado una renta vitalicia con Montferrand y, por lo tanto, había obtenido una considerable suma de dinero tras su muerte prematura. Ella lo convence de invertir parte de ese dinero en el negocio en apuros del padre de André. 

Madeleine y Pauline le explican a André que Madeleine no es la asesina, pero, lo que es más importante, le ofrecen la posibilidad de que Palmarède rescate su empresa: él acepta el matrimonio y le da a Odette el dinero que ella exige para no poner en peligro la inversión de Palmarède. 

Odette también consigue un papel importante en la exitosa obra de teatro en la que actúa Madeleine; ambas representan una escena que reinterpreta el asesinato de Montferrand, en la que Odette lo mata para salvar a Madeleine, quien es víctima de un intento de violación.

En los títulos de cr´çeditos nos vamos enterando del papel que van a jugar todos en el futuro. En los mismos nos enteramos que la película está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Isabelle Huppert, Dany Boon, Rebecca Marder, Fabrice Luchini, André Dussollier y Edourd Sulpice. Nadia Tereszkiewicz como Madeleine Verdier, la actriz. Rebecca Marder como Pauline Mauléon, abogada amiga y compañera de cuarto de Madeleine Isabelle Huppert como Odette Chaumette, actriz célebre del cine mudo Dany Boon como el arquitecto Palmarède Fabrice Luchini como el juez Gustave Rabusset André Dussollier como Sr. Bonnard, jefe de una empresa de neumáticos Félix Lefebvre como el periodista Gilbert Raton Édouard Sulpice como André Bonnard, hijo del señor Bonnard y novio de Madeleine Régis Laspalès como el inspector Brun Olivier Broche como Léon Trapu, , el escribano de Rabusset Evelyne Buyle la actriz Simone Bernard Lucia Sanchez como Madame Alvarez Jean-Claude Bolle-Reddat como Émile Bouchard Daniel Prévost como Parvot, el presidente del tribunalFue en junio de 2022 cuando supimos la composición de parte del elenco, incluyendo los nombres mencionados anteriormente pero también el de Dany Boon 

La inspiración de la película, inicialmente mantenida en secreto bajo el nombre en clave "Madeleine", proviene en gran medida de las comedias de Sacha Guitry . El director también admite apreciar "la moralidad de Sacha Guitry ". 

Dado que la película está ambientada en la década de 1930, François Ozon dice que inmediatamente pensó en Renoir y su cine, en particular en la película "La regla del juego" 

Se trata, por lo tanto, de una adaptación de una obra de teatro de 1934, lo que ofrece una interesante oportunidad para la adaptación. Ambientada en la década de 1930, el director puede respetar la atmósfera original de la obra al tiempo que aborda temas contemporáneos, pero con un toque más ligero, "debido a la distancia temporal y la reconstrucción histórica. Esto permite más libertad, quizás incluso más amoralidad, más transgresión ". Si la historia se hubiera trasladado a nuestros días, François Ozon cree que la película podría haberse convertido en un drama, algo en la misma línea que su película Por la gracia de Dios . Mi crimen según su director es la tercera parte de una trilogía sobre la condición femenina iniciada con su filme ocho mujeres al que siguió " Poti he, mujeres al poder".

La cinta temas como la zorro vida la coma las ansias de fama el poder de los medios de comunicación con la sociedad patriarcal todo ello desde la sátira y el humor agudo tal y como se refleja en los títulos de créditos finales. 

Para encontrar a las dos actrices principales de su película, François Ozon realizó un largo casting en el que participaron 200 personas. El cineasta aún no había visto las películas *Les Amandiers * y *Simone, le voyage du siècle* , protagonizadas por Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder, respectivamente. Sin embargo, esto resultó innecesario, ya que el director "inmediatamente (...) sintió una conexión entre ellas ", lo cual consideró importante dado el tema de la película. También sintió que las dos actrices tenían "un aspecto muy de los años 30". 

El director también mantuvo consigo a miembros del equipo técnico que eran habituales en sus rodajes, como la diseñadora de vestuario, Pascaline Chavanne , tres veces ganadora del premio César , o el director de fotografía Manu Dacosse . De igual modo, algunos actores ya han trabajado con François Ozon en el pasado. Así, veinte años después de 8 Women , se reencuentra con Isabelle Huppert, pero también con Fabrice Luchini ( In the House , Potiche ) y André Dussollier, con quien filmó Everything Went Well . 

Para el cineasta, dado el ritmo casi anual de sus producciones, trabajar "con gente con la que me llevo bien, a la que soy leal, es más sencillo, el trabajo es más rápido"  

La historia de la película se remonta a junio de 2022 cuando se anuncia que el rodaje. El mismo  comenzó en abril. La película se rodó en París (en la Maison de la Mutualité , la Brasserie Floderer y el Palais de Justice ), en el Tribunal Administrativo de Melun , en el Château de Vaugien , en las calles del centro de Burdeos y en la región de Île-de-France (en los estudios de Bry-sur-Marne ), así como en Bélgica en Charleroi y Bruselas , en particular en la Villa Empain (escenario del crimen). La escena en el baño de la mansión privada se filmó en el Hôtel Frugès de Burdeos. 

Reconozco que no tuvo grandes reconocimientos. Únicamente en los Premios César del 2024 se llevó el Premio al mejor diseño de vestuario para Pascaline Chavanne 

En cuanto a la crítica señalar que Olivier de Bruyn, escribiendo para Les Échos , habla de un «François Ozon, inspirado desde el primer hasta el último plano, [que] ofrece una ficción “ lubitschiana ” y amoral del mejor gusto. Una farsa que, lejos del academicismo habitual del cine popular francés, se distingue por su originalidad, su audacia y su incorrección » . 

El crítico Laurent Cambon, en su reseña para el sitio web aVoir-aLire , quedó completamente cautivado por la película. «En un relato barroco y alegre, el director, adorado por el público francés, se deleita mostrando todos los excesos de los que es capaz una actriz sin caer jamás en el mal gusto ». El crítico elogió las interpretaciones de las dos actrices protagonistas, así como las de los actores masculinos. Subrayó las sutilezas ocultas en el guion: «Detrás de esta historia aparentemente desenfadada se esconde una profunda defensa de la condición de la mujer, cuyas principales víctimas seguimos viendo hoy a manos de sus parejas violentas ». Concluyó su reseña de la película de la siguiente manera: «Pero no nos equivoquemos. Mi crimen no es una película política. Es un ejercicio cinematográfico completo donde la escenografía, el vestuario, los movimientos de cámara y la dirección de los actores alcanzan una especie de perfección » . 

Caroline Vié, para 20 Minutes , habla de una película con "constante buen humor" , que, según ella, sería uno de los "principales activos de una comedia tan sabrosa como un dulce del que uno sale encantado". 

Para Sophie Joubert, de L'Humanité , "Brillantemente escrita y dirigida, francamente divertida, Mi crimen deja, sin embargo, un sabor amargo: defensoras extravagantes de la causa de las mujeres, Madeleine y Pauline son también mentirosas y manipuladoras. Como si Ozon, al adaptar esta obra de teatro de bulevar anticuada, quisiera absolutamente dar garantías al bando contrario". 

En La Voix du Nord , Christophe Caron resume sus pensamientos de la siguiente manera: "Nos hubiera gustado un espectáculo de fuegos artificiales final más deslumbrante, pero la impresión de una fábula brillante permanece. Perfecto para el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer" .

Para Olivier Delcroix, de Le Figaro , «Sin ser militante, la película captura sutilmente el espíritu de la época, vistiéndolo con la ropa interior con volantes de la Francia de los años treinta. El ejercicio cinematográfico está bien filmado, controlado, tan ligero como serio. Con ese pequeño toque de astucia que conquista a los espectadores» . 

Antoine Desrues, para el sitio web Écran Large , resume su reseña de la siguiente manera: "Al abordar la comedia disparatada y adoptar la artificialidad teatral que hizo tan atractiva a 8 Women , François Ozon ha realizado su película más divertida en... demasiado tiempo con Mon crime . Una obra menor, pero encantadora". 

Para Mathieu Macheret, de Le Monde , "Desde su primer largometraje Sitcom , Ozon ha hecho costumbre de destrozar formas huecas para inocularlas con un fermento de subversión, lo que hace aquí con vodevil, bastante polvoriento, para hacer resonar un mensaje feminista. Pero la operación se convierte rápidamente en una alabanza de la falsedad que respira cinismo". 

Según Luc Chessel de Libération , "Mi crimen, obviamente, es 'cautivadora' y 'desnuda', va a toda velocidad, siguiendo o adelantándose a sus actrices y actores. El juicio de Madeleine Verdier es sin duda la pieza de bravura de la película, aquella en la que todo empieza a funcionar en conjunto: el tribunal como escenario, un estudio de cine y un espacio público de escándalo, donde los elogios de los medios al asesinato de hombres y lo ridículo de la indignación de los reaccionarios anti-woke pueden declararse con júbilo". 

En los Estados Unidos, Guy Lodge Variety "Es tan efervescente y fácil de olvidar como una botella de vino espumoso de marca blanca" 

Para bBeatrice Loayza del The New York Times "El prototipo de película de confort, adornada con la nostalgia del viejo Hollywood y que se desarrolla a ritmo de subasta" 

Moira MacDonald del Seattle Times comentó que la película era "Una deliciosa pieza del maestro François Ozon" 

Anthony Lane en The New Yorker sostuvo que "Ozon, como siempre, no sólo se divierte. También hace travesuras con la política sexual de la trama"

Sheri Linden del The Hollywood Reporter "Si no es tan divertida como pretende, es porque la mayoría de los personajes sólo tienen una nota que tocar. Pero lo hacen con un entusiasmo irresistible".

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian la película "Está bien rodada, interpretada con solidez y es entretenidamente superficial (...) 

En las páginas de Empire Miriam Balanescu escribe que "Una película camaleónica a la altura de un director camaleónico (...) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily escribió que "Varias generaciones de los mejores actores dramáticos de Francia claramente están pasándolo en grande en esta elegante historia (...) Comedia amoral sorprendentemente honesta" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País sostuvo que era "Una comedia gozosa con aire de vodevil que fluye como un manantial de la mano de un reparto sembrado, capaz de moverse entre diálogos brillantes y endiablados, y una trama con todos los ingredientes posibles" 

El crítico de ABC  Oti Rodríguez Marchante dijo que la película  "Es una pura golosina, una obra espumosa y desenfadada que se construye con el aire de una intriga criminal, un juicio pintoresco y unos personajes con un divertido toque estrambótico." 

Sergi Sánchez en La Razón dejó por escrito que la película "Es refrescante que el director de “Bajo la arena” parta de una premisa afín al discurso del #metoo quitando hierro al asunto (...) una película que se divierte de lo lindo corroborando que la vida es puro teatro. (...) " 

Nando Salvá en las páginas de El Periódico de España "Funciona a la vez como demostración involuntaria de ideología reaccionaria y como cínico argumento con el que convencernos de que todo es manipulación, falsedad y simulación. (...)" 

Philipp Engel desde el barcelonés diario La Vanguardia señaló que "A la banda sonora le faltan canciones reconocibles, el París de época queda demasiado acartonado y las jóvenes heroínas pueden resultar incluso irritantes. Con todo, hay que reconocer que funciona. (...)" 

Irene Crespo de Cinemanía destacó que "Ozon (...) se ha rodeado de un reparto brillante (...) Y los coloca (...) en unas secuencias tradicionales, casi teatrales que beben del mejor cine dorado americano (...). Un divertimento sensacional. (...) " 

Roger Salvans de Fotogramas comentó que tenía "Un título cargado de guiños a las screwball comedies del Hollywood dorado que, sin embargo, se siente rabiosamente actual. (...) divertimento que nos devuelve al Ozon más desenfadado. (...) " 

Por su parte, Marta Medina habitualñ en las páginas de El Confidencial destaca que "Es un alegre divertimento que funciona en su candidez (...) es un Ozon disfrazado de ligereza, divertido y sofisticado, rodeado de un elenco disfrutón, con un diseño de arte y una fotografía impecables. (...)".

Poco más, que ya es mucho. Un Ozon más. Y, únicamente un detalle. En relación a lo que presentaron en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba, la Facultad más bella de las de la capital,  el 1 de junio - aunque lo presentaron el 22 de mayo de 2025 en un programa diseñado por Cine Cercano, una asociación cultural sin ánimo de lucro que dice disfrutar de una programación de cine de actualidad, diversa y multicultural, con obras de calidad de lo mejor de la producción española, europea y mundial- me remite a que 36 años antes, en un mes de mayo pero del año 1989, y enmarcado en su fiesta de Primavera, con un Soler al frente del aula de Estudiantes, una de las películas que emitieron fue Senderos de Gloria, lo que fue un descubrimiento para mi. Pero es otra historia. 

La viuda

Con el título de Greta, Neil Jordan volvió la carga, o al menos, volvió a la carga para mí puesto que llevaba mucho tiempo sin ver una película suya. 

Greta o la viuda que fue el nombre que se le dio a la película en su estreno en España es una película del año 2018 sorprende la presencia de Isabelle Huppert, así como Chloé Grace Moritz en una película que es una mezcla de cine de terror y thriller o , más bien,  suspense psicológico escrita por Ray Wright y Jordan. 

La película está protagonizada por Isabelle Huppert , Chloë Grace Moretz , Maika Monroe , Colm Feore y Stephen Rea , y sigue a una joven que se hace amiga de una viuda solitaria que se obsesiona inquietantemente con ella.

La película nos cuenta en la historia de Greta (Isabelle Huppert ) y de Frances (Chloë Grace Moretz ). Esa última es una joven, dulce  e ingenua que trabaja en Nueva York como camarera y que vive con una chica, Erica (Maika Monroe),  ahora su amiga, en Tribeca.

Tras la muerte de su madre se muda a Manhattan para convivir con esa chica, ya que con su padre hay cierta distancia, pues ha buscado sustituta excesivamente pronto, según nos enteramos después. Frances todavía se está recuperando de la muerte de su madre un año antes y mantiene una relación tensa con su padre,  Chris (Colm Feore), que además es adicto al trabajo. 

Un día casualmente regresando del trabajo de camarera en un restaurante elegante, se encuentra en el metro un bolso extraviado. Tras buscar en su interior descubre a la legítima dueña del mismo. Se trata de una mujer de nombre Greta Hideg.

Al día siguiente se persona en su casa con el fin de devolver el bolso, a pesar de que su amiga, Erica, le dice que no sea tonta.

Cuando se conocen descubre que Greta es una pianista de origen francés con una desesperada necesidad de compañía. Una amable Greta la invita a tomar un café.

Rápidamente Greta y Francés se convierten en grandes amigas de los amistad. Greta le dice a Frances que es viuda de un músico francés, y que su hija Nicola todavía está allí, estudiando en París. 

Frances comienza a pasar tiempo con Greta para hacerle compañía, Visita la iglesia donde su esposo tocaba el órgano y la ayuda a adoptar un perro, a pesar de las objeciones de Erica de que su amistad no es natural. 

Una noche, mientras cena  en casa de Greta, Frances encuentra un armario lleno de varios bolsos, idéntico al que encontró en el tren. Adjuntos a las bolsas hay nombres y números de teléfono, incluido el de Frances. Ella, perturbada por su descubrimiento, decide cortar los lazos con Greta. 

Greta comienza a acosar a Frances, viéndose a sí misma como un reemplazo de la difunta madre de Frances; la llama varias veces e incluso aparece en el restaurante donde trabaja Frances y se sienta afuera, mirándola. 

Greta también acecha a Erica; Frances y Erica solicitan una orden de restricción, pero la policía le informa que el proceso podría llevar meses. 

Más tarde, Frances conoce a una ex amante de la hija de Greta y descubre cuán profundas son las mentiras de Greta: no solo es realmente húngara y no francesa, sino que la hija de Greta se suicidó hace cuatro años debido al comportamiento sádico de su madre, y que Greta sufre problemas mentales. 

Más tarde esa noche, Greta aparece nuevamente en el restaurante e insiste a Frances en que su madre tuvo que morir para que se conocieran, y lo hace montando un escándalo impresionante, que finalmente provoca una escena inquietante que resulta en la hospitalización de Greta y el despido de Frances.

Frances se debate entre volver a casa con su padre o irse de vacaciones con Erica. Luego, Erica sugiere que Frances le mienta a Greta, diciéndole que se irá mientras se esconde en secreto en su apartamento. 

A la mañana siguiente, Greta droga y secuestra a Frances; encierra a Frances en un baúl de juguetes de madera en una habitación secreta, luego usa el móvil de Frances para enviar mensajes de texto por separado a Erica y Chris, diciéndoles a cada uno que Frances está con el otro. 

Cuando Frances sale del baúl, encuentra prendas de vestir e identificaciones de otras mujeres jóvenes que Greta había secuestrado previamente; se da a entender que Greta los ha matado a todos.

Mientras Erica y Chris  viven en la inopia hasta que, finalmente, el padre se persona en la casa descubriendo que Frances no está con ninguno de los dos. 

A medida que pasa el tiempo, Greta obliga a Frances a aprender húngaro y a tocar el piano, tratando de convertirla en su nueva "hija". 

Durante una lección de cocina, mientras Greta está distraída, Frances le corta el dedo meñique a Greta con un cortador de galletas y la deja inconsciente con un rodillo. Intenta escapar pero descubre que todas las puertas y ventanas están selladas. Frances corre al sótano para buscar una salida y encuentra a una de las víctimas anteriores de Greta debajo de una lámina de plástico. Greta se acerca sigilosamente detrás de Frances y la asfixia hasta que se desmaya.

Mientras tanto Chris contrata a Cody (Stephen Rea)  un investigador privado, para encontrar a su hija e investigar a Greta. Cody se entera de que Greta fue enfermera hasta que la despidieron por mal uso de anestésicos. Cody se encuentra con Greta en su casa. Frances, amordazada y atada, intenta llamar su atención sacudiendo la cama, pero Greta bloquea el ruido con música. 

Cuando Greta sale de la habitación, Cody descubre que hay una habitación secreta detrás del piano. Greta aparece de repente y le clava una jeringa en el cuello. Saca su arma cuando pierde el conocimiento y Greta la usa para matarlo a tiros.

Pasa un tiempo indeterminado. Greta deja otro bolso en el metro y una joven lo lleva a casa de Greta. Ella invita a la chica a pasar y les prepara una taza de café; Greta bebe su taza y empieza a sentirse débil. 

La mujer de repente pierde su acento sureño, pues decía ser de Texas, se quita la peluca y se revela como Erica, después de haber drogado la copa de Greta. Ella revela que lleva mucho tiempo buscando el bolso en el metro. Greta se desmaya y Erica encuentra a Frances. 

Mientras intentan escapar, Greta, recuperando la conciencia, emerge de las sombras y agarra la cara de Frances antes de desmayarse nuevamente.

Erica y Frances colocan el cuerpo inconsciente de Greta en el baúl de juguetes y se van, usando una baratija de metal de la Torre Eiffel para cerrarlo. Después de salir de la habitación para llamar a la policía, Greta comienza a hacer sonar la tapa del cofre y la baratija se mueve acabando así la película.

La película fue producida por Metropolitan Films en cooperación con Lawrence Bender Films, Little Wave Productions y Sidney Kimmel Entertainment. También recibió una subvención de producción de 650.000 euros del Irish Film Board . 

En mayo de 2017, se anunció que Isabelle Huppert y Chloë Grace Moretz habían firmado para protagonizar la película, entonces titulada La viuda .  

En agosto de 2017, Maika Monroe se unió al elenco. En septiembre de 2017, también se agregaron Stephen Rea , Colm Feore y Zawe Ashton . 

El rodaje se llevó a cabo en Dublín y sus alrededores a partir de octubre de 2017. También se filmó en locaciones de Toronto y la ciudad de Nueva York.

La película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2018. Poco después, Focus Features adquirió los derechos de distribución de la película por 4 millones de dólares, otros hablan de 6 millones de dólares. 

Se estrenó en cines el 1 de marzo de 2019 en los Estados Unidos y, en general, tuvo buena crítica. Para Keith Uhlich en The Hollywood Reporter lo destacble es que "Hupper, Moretz y Monroe dan lo mejor de sí mismas en la vulgar pero provocadora fantasía adulta de Neil Jordan (...) El sufrimiento emocional y el ardiente erotismo de este cuento al estilo Grimm es decididamente maduro". 

Para Steve Pond en la emergente The Wrap comenta que "Seguramente no pasará a la historia como una de las mejores obras de Jordan, pero es un embrollo realmente entretenido si le das una oportunidad" 

Peter Debruge en Variety sostuvo que se trata de "Un thriller teatral pero efectivo (...) La historia del pasado de Greta es confusa e inconsistente —y francamente, innecesaria." Para Gregory Ellwood de The Playlist "Es uno de esos thrillers en los que ves venir cada giro que da el argumento, pero que cuenta con actores tan entregados que acaban atrapándote (...) Lo único que falla en la película es Moretz (...) Hupper es una maravilla" 

A. O. Scott del The New York Times comenta que la película es "Es irregular, un thriller psicológico ejecutado con habilidad que no es lo suficientemente psicológico ni estimulante para ser tan perturbador o entretenido como quiere ser." 

Para Peter Travers de Rolling Stone la película "Con la omnipresencia de estas dos actrices enérgicas [Huppert y Moretz], esta película tensa te mantiene cautivado (...) " 

Brian Tallerico en la web del mítico crítico, rogerebert.com, destaca de ella que   "No es un desastre absoluto, pero sólo empieza a convertirse en la película que deseas después de una hora de diálogos planos y conductas confusas." 

En Gran Bretaña Benjamin Lee en las páginas del The Guardian afirma que "No está del todo claro qué aspiraba a conseguir Jordan: ¿un thriller psicológico sobre la obsesión y la soledad? ¿Una película de serie B? Es todo y nada, no añade nada nuevo a la fórmula del género (…) " Y en las Screendaily Fionnuala Halligan afirma que  "'Greta' se entiende mejor como una irónica comedia femenina. Es la prueba, sin duda, de que pese al considerable éxito que ha obtenido, Hupper no ha caído en la trampa de tomarse muy en serio a sí misma" . 

Y ya en España, Fausto Fernández en las páginas de Fotogramas afirma que "Se ha de ser muy sosainas para no aplaudir el encadenado de secuencias y golpes de efecto imposibles, para no llegar casi al orgasmo con la asunción que la película hace de los mecanismos del giallo más disparatado (…)" También en esta revista Daniel Mantilla pone el foco en  "Neil Jordan vuelve al thriller más noventero (...) Huppert se entrega de lleno a una villana memorable (...) En 'Greta' pasan muchas cosas y todas ellas antes de lo que el espectador lo espere" Y en Cinemanía, Irene Crespo dice que "La buena noticia es lo divertida que resulta la película, cada giro esperado, cada bailecito de Huppert (...) Nunca Isabelle Huppert dio tanto miedo. Sí, has leído bien. (…)".   

Francisco Marinero en El Mundo destacó que "Una película de género que mantiene el interés de principio a fin pese a algunas inverosimilitudes llamativas y de difícil explicación. (…) "

Javier Ocaña en Lo País advierte que "Durante una hora, mantiene vivo el interés gracias a un jugoso juego de artificio (...) en un último tercio disparatado en su guion, el castillo del acoso, y sobre todo el de la soledad, se vienen abajo por culpa de la absoluta falta de lógica interna"  ; mientras en el ABC Antonio Weinrichter resalta el papel de la dirección al decir que "Neil Jordan, que ha tenido una carrera errática en el cine, plantea la película como un retorno a la buena forma, pero no funciona (…) " 

Desde Barcelona, Quim Casas en El Periódico afirma que "Es un filme agradable si no se pretende otra cosa que presenciar un juego lúdico de 'thriller' psicológico (...). Es como un producto de otra época. Hay que verlo con cierta nostalgia. (…) " 

Por mi parte señalar que si bien la película es bien planteada, y el trabajo de Madame Huppert impresiona, da miedo, auténticamente pánico. Desde el momento que dsescubrimos lo que ocurre la tensión va a más, resultando una película tensa, con ciertas dosis de violencia física y psicológica, que aporta más que quita. Si la ves, relájate y disfruta.  

La pianista

Michael Haneke es un director alemán inmenso. Un arquitecto desde el punto de la vista de la composición - que planos cenitales de las manos con el piano o la imagen final, rodada desde el exterior de la sala de conciertos- y un "enfermo" desde el punto de vista de la intensidad narrativa. Tanto es así que en ocasiones es brutal, sin medida, sin límites. Eso ,lo hacer controvertido, pero inmenso e intenso. Esto es así en La pieniste, Cuanto rueda no le importa dar auténticos puñetazos en sus narraciones. 

Y en el caso de La pianista, la película basada en la novela homónima de Elfriede Jelinek, - autora que ganó el Premio Nobel de Literatura en el 2004- transformada en guión por el propio Haneke, con la que Isabelle Huppert, la protagonista absoluta de esta película, física, sexual, brutal, con la que consiguió el Premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 2001 , no podía ser de otra manera en esta historia de una mujer llena de secretos y debilidades, pero también de perfeccionismo, obsesión represión y masoquismo. 

Es coherente con lo que suele hacer la actriz francesa quien alguna vez declaró que "No interpreto personajes, cuento estados mentales". En este caso representa a Erika Kohut una mujer que llega a decir "No tengo sentimiento Walter. Métetelo en la cabeza. Y aunque algún día los tenga nunca triunfarán sobre mi inteligencia" 

La película se centra en Erika Kohut, una profesora de piano en un prestigioso conservatorio de Viena. Vive con su madre, una mujer dominante que controla todos sus movimientos y con quien mantiene una relación de amor-odio con aristas violentas. 

Bajo su aspecto serio y disciplinado, Erika mantiene ocultos comportamientos sexuales de naturaleza diferente y parafílica donde el morbo está siempre presente , pero junto a ello aparece el voyerismo , el sadomasoquismo y las autolesiones. Y eso a pesar de sus aires mostrándose en público como una mujer segura, distante, aunque su soledad y represión sexual se despierta en la intimidad. 

Tras escucharla tocar en un concierto privado, organizado por el Doctor Blonskij y su esposa, Erika conoce a Walter Klemmer, un joven con aspiraciones de ingeniero, que también toca el piano y que expresa su admiración por el talento de Erika para la música clásica. Ambos comparten su amor por la música de Schumann y Schubert. 

Walter intenta ingresar al conservatorio para recibir lecciones de Erika. Su audición impresiona a los demás profesores, pero Erika, aunque visiblemente conmovida por su actuación, vota en su contra; cuestiona sus motivos y su interpretación del Andantino de Schubert . A pesar de esto, Walter se convierte en uno de los estudiantes de Erika. 

Mientras tanto, Anna Schober, otra estudiante, sufre de ansiedad por la presión que Erika y su exigente madre. Cuando Erika ve a Anna y Walter tonteando y entendiéndose, la profesora se introduce en el vestuario del conservatorio, rompe un vaso y pone los fragmentos en uno de los bolsillos del abrigo de Anna. Esta última se corta la mano con el cristal, lo que le impedirá tocar en un concierto que se aproxima. 

El joven Walter Klemmer que ha estado presente en el incidente, y ve la reacción de Erika, busca seducirla en un baño público. Allí él la besa apasionadamente, pero ella responde con una frialdad extrema , frustrándolo y humillándolo repetidamente. Luego lo masturba antes de hacerle sexo oral , pero de repente se detiene cuando él no cumple con sus obligaciones. Ella le dice que le escribirá una carta para un próximo encuentro. 

Más tarde, en el conservatorio, Erika finge ser empática con la madre de Anna, diciéndole después que en esa etapa, ella es la única que puede reemplazarla. Walter insiste cada vez más en su deseo de tener una relación sexual con Erika, pero esta última quiere que él satisfaga sus fantasías sadomasoquistas . 

Una noche mientras él la espera en el portal y tras entrar en la habitación que cierran con un mueble, ella le hace entrega de la carta que contiene los actos que ha de hacer, pero la lista molesta a Walter. Más tarde, ella vuelve junto a la cama de su madre y se le lanza sobre ella. 

Otro día, después de la práctica de hockey sobre hielo del estudiante, Erika llega para disculparse con él y comienzan a tener sexo en el vestuario; sin embargo, Erika se siente incapaz y vomita. Él la rechaza y le dice que huele y que le resulta repugnante. 

Más tarde esa noche, Walter llega al apartamento de Erika y, tras golpear a la madre y encerrarla en su cuarto, la ataca siguiendo lo que ella describió en su carta. Tras pegarle repetidas veces, y a pesar de que ella le pide que no lo haga acaba violando a Erika . 

Al día siguiente, Erika , que tiene un importante concierto, sustituyendo precisamente a su alumna por ella herida, toma un cuchillo de cocina y lo introduce en el bolso con el que ha de acudir al concierto. Cuando llega espera la llegada de Walter, que parece despreocupado por lo ocurrido. parece estar feliz y riendo con su familia, y saluda alegremente a Erika. Momentos antes del inicio del concierto, Erika se apuñala en el hombro y sale del conservatorio. Acabando así la película 

la película está producida por Veit Heiduschka por medio de MK2, Les Films Alain Sarde, Arte Francia Cine y Wega Film. Responsables técnicos de la misma son Christian Berger en la fotografía, en el montaje, Monika Willi, en la escenografía , Christoph Kanter y en el vestuario, Annette Beaufaÿs. A destacar además de Huppert, la actuación de Benoît Magimel que no sabía tocar el piano ni leer partituras. Aprendió durante cuatro meses especialmente para la película. En el caso de Isabelle Huppert toca el piano en la película; anteriormente asistió a clases durante doce años. 

Para el papel de la madre de Erika se asignó primero a Jeanne Moreau . Mientras se probaba el vestuario, la actriz canceló su participación en el rodaje diez días antes y fue sustituida rápidamente por Annie Girardot. Jeanne Moreau no se arrepentirá de su elección a pesar de los tres premios de Cannes y el César a la mejor actriz de reparto obtenido por Girardot . 

La película consiguió el Gran Premio del Jurado , aunque no la Palma de Oro, y su pareja protagonista fue galardonada con los dos premios a la mejor interpretación, así como un gran reconocimiento en los Premios del Cine europeo de ese año. 

De ella escribieron tras su estrenos grandes críticas. Lisa Schwarzbaum en Entertainment Weekly que "Aquellos que sigan a Haneke en sus espeluznantes exploraciones, serán recompensados por unas interpretaciones brutales y entregadas de Huppert y Magimel" y Jan Stuart en Newsday que era "Una historia de anti-amor desconcertante y fascinante". 

Por su parte, Peter Traves dijo de ella en Rolling Stone que "Verla es, a un tiempo, un desafío y un castigo. Pero ver a Huppert, una gran actriz, arrancándose en un papel trascendental, es fascinante" ; mientras que Desson Thomson en The Washington Post comentó que "Un tango entre ternura y brutalidad, perturbadoramente desenvuelto". 

Ya en España Carlos Boyero, por entonces columnista de El Mundo dijo de ella que era una "Película muy atractiva, inquietante, violenta, triste" y Ángel Fernández Santos en El País que era un "Cine poderoso y punzante". 

Yo opino que es mucho más que eso, es una película contundente, dura y profunda como la vida del que no quiere mostrarse a los demás. 

Lo cierto es que con Haneke y tanto en esta como en Elle de Paul Verhoeven (2016) y con esta misma actriz, no había visto algo tan intenso en lo emocional y en una relación tan destructiva desde El último tango en París de Bertolucci.  Impresionante

Madame Hide

El género de los días de escuela y la tensión en los institutos es muy del gusto del cine francés. Desde Zéro de conduite (1933) o Cero en conducta de Jean Vigo a Entre les murs (conocida en España como La clase, 2008) dirigida por Laurent Cantet o el Ça commence aujourd'hui, en España Hoy empieza todo de Bertrand Tavernier o la mitica Les quatre cents coups (1959) aquí Los 400 golpes de Francçois Truffaut o pasando por Le thé au harem d'Archi Ahmed de Mehdi Charef (1989) una de mis favoritas, el cine francés ha visto como el espacio escolar en el que se junta toda la sociedad cuando aún está en proceso de formación, puliéndolos como personas , pero igualmente sacando sus propios jugos y excrecencias generando lo mejor y , en ocasiones, lo peor de lo que fluye en la sociedad sacando a la luz lo hermoso y lo terrible, la solidaridad y las miserias de una sociedad como un crisol. Así que tenemos entre el alumnado el disciplinado, el líder, el tímido, el triste, el alegre, el sumiso, el locuaz, pero también el matón, el chulito, el que se solidariza con los demás, el que es egoísta, mostrándonos al fin y al cabo lo que destila la sociedad. 

Junto a ellos un equipo de profesores y profesionales que pueden ser competentes o no, comprensivos o soberbios, ser conscientes de su labor o pasotas integrales. Y entre medio, los representantes de la dirección y la inspección que están , pero que , a veces, no se ve. Lo dicho una microsociedad. 

El cine francés, valiente como pocos, atrevido casi siempre, es capaz de hacer lo que otros no se atreven en este complejo entorno como llevar un texto clásico, el del "El extraño caso del dr. Jekyll y Mr. Hyde", la novela de Robert Louis Stevenson en la que el protagonista se desdoblaba en dos personalidades al entorno educativo. Toma ya!!! 

Es más para desarrollar esta historia se embarca una de las actrices más consolidadas y de mayor peso del cine francés, Isabelle Huppert, que es capaz de ser desde una insegura profesora (el ego), la madame Géquill - bonito juego de palabras con repecto al original-, a trasformarse tras un tras un experimento tecnológico fallido en un nueva profesora con nueva personalidad, la Madame Hyde (el ello) del título de la película. ¿Quién ha sido el osado? Pues no otro que un director de cine , crítico de cine en Cahiers du cinéma y actor francés aunque antes de todo ello fue profesores en barrios marginales. 

Hablamos de Serge Bozon, que desde que se estrenó con L'Amitié en 1998 y más tarde con Mods en 2003 ha sido el director de otros trabajos como La France (2007) o Tip Top en 2013. Su siguiente título ha sio precisamente la película que he visto, Madame Hyde. 

Una película de 2017 que sigue el guion escrito por el mismo director junto a Axelle Ropert, su guionista, compañera y cómplice habitual, lógicamente partiendo de la novela de Robert Louis Stevenson y que con el apoyo de muchas productoras en régimen de coproducción Franco-belga tales como Les Films Pelléas, Ciné+, Frakas Productions, Cinémage 11, Canal+, Arte France, Haut et Court Distribution, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma, arte France Cinéma, Région Ile-de-France, Indéfilms 5, Soficinéma 13, Région Auvergne-Rhône-Alpes, CNC, Casa Kafka Pictures, Le Tax Shelter du Gouvernemt representados por Philippe Martin, Olivier Père, Jean-Yves Roubin, David Thion y Cassandre Warnauts que han levantado una película que contó con un presupuesto de 4,637,933 euros. 

 La película cuenta con la música de Benjamin Esdraffo y la fotografía de Céline Bozon, mientras que la edición fue labor de François Quiqueré. 

En el reparto lo encabeza Isabelle Huppert como Marie Géquil, Romain Duris como el director, José García como Pierre Géquil -aunque su papel estuvo a punto de ser asumido por Gérard Depardieu- y Adda Senani como Malik. Junto a ella Patricia Barzyk como la vecina dueña de los perros y profesora de canto de Pierre, Guillaume Verdier como el profesor en prácticas de Marie, Pierre Léon como el inspector, Karole Rocher como la compañera de trabajo de Marie, François Négret como un nuevo profesor, Charlotte Very como la profesora de francés y las jóvenes Roxane Arnal y Angèle Metzger como las delegadas de la clase. Junto a ellos los alumnos Jamel Barbouche, Nassim Amaouche, y Tidiane Traoré. 

La película se inicia con unos fotogramas que muestran a un grupo de alumnos en un aula de Tecnología de una escuela secundaria técnica de ¿París?, el Lycée Arthur Rimbaud mientras se desarrollan los títulos de crédito. 

Tras eso comienza propiamente dicha la historia que nos presenta a Madame Marie Géquil (Isabelle Huppert ), una excéntrica profesora preocupada por sus alumnos, pero incapaz de hacerse con su clase en un Bachillerato tecnológico de una barriada marginal del extrarradio de una imprecisa ciudad francesa. 

La profesora es despreciada tanto por sus compañeros de trabajo por la dirección del centro ya que choca una y otra vez con el director del mismo (Romain Duris), un hombre algo excéntrico, como por sus alumnos/as y los padres de ellos. 

La conocemos en una reunión entre padres, dos representantes del grupo , las delegadas (Roxane Arnal y Angèle Metzger ) , el director y ella. 

María es incapaz de responder a las demandas de sus alumnas ni a la indignación de los padres y madres que tienen la sensación de que la profesorada está incapacitada para atender a un grupo tan problemático, pero es tan frágil en su actitud que no puede dejar de actuar como lo hace en clase. 

Casi de inmediato vemos su actuación en el aula. No la controla, los alumnos se rien de ella. La mayor parte de los chicos son hijos de inmigrantes magrebíes, subsaharianos, portugueses...franceses de segunda generación. 

Uno de ellos es Malik (Adda Senani ) un chico discapacitado físico que se desplaza con andador y que la profesora ve en él algo, posibilidades. Pero en clase, él participa del descontrol, de la mala educación, del desastre absoluto. 

Mientras tanto la vida diaria de la profesora es poco satisfactoria. Cuando va a la piscina pública se encuentra al padre de Malik que le echa en cara el tiempo libre que disponen los profesores mientras que sus hijos aprenden poco o nada. 

En su casa Marie vive con su marido , un buen hombre de nombre Pierre Géquil ( José García) amante de la música y del canto al que está instruyendo su vecina (Patricia Barzyk) , dueña de dos perros que alimenta a escondidas Marie. Pierre no para de darle consejos, pero la teoría no necesariamente se ajusta con la práctica. 

La profesora será evaluada por la inspección educativa y el director, para ayudar - o no- va a poner a su disposición a un profesor en formación, un alumno del Master, sin experiencia que ve el desastre que hay montado en clase día tras día. 

Un día Marie entra en una representación teatral que interpretan un par de chicas de humanidades y ve que como ellas desarrollan magníficamente las competencias de expresión verbal y su capacidad de aprender a aprender en base a una representación. Ella reclama desarrollar un taller para intentar acercar de verdad la materia al alumnado. 

Un día al atardecer estalla una tormenta mientras ella está en el laboratorio de física instalado en una caseta en el patio del centro. Un rayo la alcanza una descarga eléctrica le alcanza. Ella pierde el conocimento; cuando recobra el sentido, Madame Géquil se siente completamente cambiada. 

Vuelve a casa y cena como nunca, con deseo esa noche no da de comer a los perros. Y en mitad de la noche se despierta. Vemos que su cuerpo es energía pura, llega incluso a quemar un banco de madera. Al volver al instituto parece tener más entereza. Plantea la materia de tal manera que poco a poco la actitud de los alumnos va cambiando. 

Una noche vuelve a salir de casa tras despertar en medio de la noche. Al salir a la calle vemos que resplandece. Cerca de su casa se reunen algunos chicos que viven en los suburbios. Entre ellos está Malik, mientras discuten entre ellos ella, iluminada se acerca y pone sus manos sobre uno carbonizándolo. 

Al llegar al instituto está cambiada. Su gris existencia se ha transformado en energía que didácticamente atrae a sus alumnos cuando experimenta con la jaula de Faraday. El que más parece haber cambiado es Malik, presente en la muerte del chico del suburbio. Desde ese momento participa activamente en el taller de fisica de la profesora y asume los principios que ella quería trasmitir: la reflexión y el aprendizaje crítico . 

Finalmente vemos que su relación con el director ha mejorado y en sus clases la teoría y la práctica van a la par. Incluso su experimento de la jaula es visto por el inspector que le aprueba en su gestión académica. 

Una vez competente profesionalmente es aceptada por todos. Pero el toque de fuego vive en ella. Una noche acaba con los perros y esa misma noche es identificada por algunos de los alumnos del centro incluso por el propio Malik que saben que ella acabó con el chico. Su marido Pierre es consciente que ella se ha transformado. 

Cuando el curso terminado el curso todos han aprendido, pero para ella el final es una despedida. Como un personaje de Stephen King su cuerpo emite energía con la que acaba con el centro que estalla en llamas. Ella ya no puede poner otro ladrillo en el muro de la educación. 

Película rodada en septiembre de 2016 en el Lycée Lumière de Lyon, en Garges-lès-Gonesse, en la localidad de Oullins en el departamento de Rhône cerca de Lyon, la Rue Diderot y en la Place Anatole-France.  

Bozon junto a su colaboradora habitual, Axelle Ropert, optaron por dividir el guion en tres partes, tres capítulos que abordan diferentes géneros y tonos narrativos y ante todo el paso de Géquil a Hyde por parte de la profesora, de la debilidad a la fortaleza. 

El primero corresponde a la presentación de Madame Géquil una sutil comedia del extrañamiento, que a través de una trabajada puesta en escena -construcción del plano, dirección de actores, montaje, repentinos movimientos de cámara- remite a las cintas más cómicas de Aki Kaurismäki. 

El segundo capítulo, dedicado a Malik, reduce el nivel cómico para dar paso a un subgénero dramático típico de la cinematografía francesa, aquel que aborda la educación en las aulas desde el punto de vista de los profesores -sin ir más lejos, varias de las obras de Laurent Cantet. 

El tercer capítulo, Madame Hyde, que desarrolla el último tercio de la película el tono pase de ser trágico a siniestro, helando la sonrisa y terminando de reventar cualquier capacidad de anticipación por parte de un público que desde el primer minuto asiste atónito a un universo tan coherente como impredecible. Con un estilo formal que se basa en la sencillez representativa y una estridencia contenida, Bozon entrega una obra cuya capacidad para reformularse a sí misma parece inagotable. 

La película se presentó a competición en el Festival de Locarno donde Isabelle Huppert fue premiada como Mejor actriz. También se presentó en el Festival de Mar del Plata donde fue película de apertura. Director y película estuvieron presentes en Filmadrid en septiembre de 2018.

Con respecto a la crítica señalar que en las páginas del The Hollywood Reporter Boyd van Hoeij escribe que la película es "Excéntrica y ocasionalmente hilarante, es otra creación Bozoniana única (...) Huppert parece disfrutar la oportunidad de interpretar a alguien prácticamente invisible y espectacularmente poco espectacular" 

Para Jessica Kiang de Variety se trata de "Una comedia diferente y efervescente que se vuelve algo floja al final (...) Por desgracia, no vemos a Huppert en el papel del egoísta y voraz monstruo que el título promete." 

James Lattimer en Slant dijo de ella que "La interpretación de Huppert transmite una sensación de propósito que la propia película no transmite (...) Las secuencias cómicas no acaban de funcionar del todo" 

Eric Kohn de IndieWire destaca el papel de Huppert al decir que "La actriz sobresale (...) Una película irregular pero con frecuencia perceptiva, llena de observaciones interesantes y desarrollos enigmáticos" 

En el Reino Unido Allan Hunter de Screendaily comenta que "Tiene algo de humor y algunos momentos inteligentes, pero no lo suficiente para ser algo más que una curiosidad forzada (...) 'Mrs Hyde' tiene algunos elementos remarcables, pero no los ha refinado para hacer un film coherente." 

 Ya en España Jordi Costa en las páginas de El País recalca la coherencia del director cuando afirma que "'Madame Hyde' desmonta todas las expectativas y prejuicios alimentados por la suma de su título y su estrella. Y, por supuesto, es puro Bozon. O pura alquimia Bozon/Axelle Ropert, su guionista, compañera y cómplice habitual. (...) una película de caligrafía chispeante" Y añade que "Bozon siempre se ha confesado deudor de la vivacidad expresiva y la flexibilidad tonal de los artesanos del cine clásico: aquí, los paseos sonámbulos de esa radiactiva Madame Hyde reavivan el recuerdo de Jacques Tourneur en el desarrollo de una película de caligrafía chispeante, donde movimientos de cámara a traición rematan algunas escenas con la energía cinética de un resbalón propio del slapstick. ". 

Antonio Weinrichter en ABC dice de ella que "La falta de definición o de dirección de la película podría parecer un mérito pero se convierte en un lastre insalvable. La cada vez más frágil y etérea Huppert justifica, como siempre, el desplazamiento. (…) " 

El crítico catalán Quim Casas en las páginas de El Periódico de Barcelona entiende que es "Una excelente Isabelle Huppert (...) recupera la idiosincrasia original del texto de Stevenson, su reflexión sobre el bien y el mal, situándolo en el contexto de la enseñanza, la superación y la autoestima. (…) " 

Víctor Esquirol en El Mundo comenta que es "Uno de los trabajos más soportables de su autor, básicamente por el incomparable e inimitable carisma de Huppert (...) una película pasadísima de rosca en su excentricidad (...) Repulsiva a simple vista, pero extrañamente atractiva." 

Daniel De Partearroyo en la revista Cinemanía quiere resaltar lo que "Son detalles así de sutiles, como la particularidad de todos los actores, los que marcan el ingenio de una adaptación heterodoxa de Jekyll/Hyde que cumple todos los objetivos pedagógicos." 

Y la crítica Desirée de Fez en Fotogramas dice de ella que "Resulta interesantísima, pero esa misma combinación desbordante y veleidosa de ideas, tonos y géneros cinematográficos alterados, a ratos, sume a 'Madame Hyde' en una indefinición algo caprichosa e irritante. (…) " 

Por último desde el cono sur, en Argentina Diego Batlle al verla escribe en La Nación que "Huppert continúa en estado de gracia (...) otra delirante apuesta como director de Serge Bozon." Y a tarvés de  Twitter dijo de ella algo con lo que estoy muy de acuerdo: "comedia deforme y muy disfrutable sobre la enseñanza de ciencias en la secundaria ". 

Estamos ante la relectura de un clásico de la literatura muchas veces visto, aunque pocas veces tan original. Huye del relato clásico. Ya no hay doctores ni clínica. Ahora la responsable de esta narración filmica es ahora una mujer además profesora que tiene en sus manos algo realmente difícil enseñar al que se opone a ser enseñado. 

Bozon para ello cuando con una magistral Isabelle Huppert que vuelve a introducirse en cuerpo y alma en el papel de la profesorada que se muestra absolutamente vulnerable, pero que m´s tarde adquiere una fuerza en paralelo al poder penetrante tras el accidente.

Me gusta la sensibilidad del cine francés con este género educativo, algo que ellos han desarrollado con maestría como señalé al inicio. En este caso me ha servido para descubrir a un desconocido para mi, Serge Bozon. Aunque solo sea por eso, merece la pena la película.

Estoy absolutamente en desacuerdo con aquellos que ven la parte inicial como una comedia. Es una tragedia. Únicamente una persona que haya trabajado en un centro como así, - yo reconozco que he sido jefe de estudios de un centro de similares características y con alumnos y alumnas que son así,- sabe que el dolor que puede sentir el profesorado que es maltratado así por sus alumnos/as es el propio de una vejación absoluta-. 

No nos equivoquemos, nunca el primer tramo puede entenderse como una comedia. He visto llorar a docenas de profesionales al salir de sus clases. Nadie se merece eso. Bozon, que al parecer fue docente, no lo presenta en clave de tragedia. Es más, considero que presenta a la profesora como heroína al superar su desgracia profesional. Como decía Saramago, los últimos héroes míticos que quedan, que son aquellos que luchan contra las adversidades, son los profesionales de la educación que luchan para formar incluso con aquellos que no quieren y que únicamente piensan que “La escuela es la muerte, la calle, la vida” ". 

Los poseídos

Grabé esta película de una televisión francesa, TV5 que emite en francés, así la he visto, pero que en las película rotula en castellano. Decir que hay momentos que no rotula, pero bueno, gracias a los años de estudio, he conseguido seguir está difícil película que grabé por que hablaba del Anarquismo nihilista. Así que antes de nada he buscado si los términos son sinónimos o complementarios y he llegado a la conclusión de qué no lo son. 

La oposición nihilista al Estado era una total oposición a casi todo: la familia, el arte tradicional, la cultura burguesa, etc. Y no está orientada en torno a su formulación de cómo lograr un mundo mejor. Es posible que muchos nihilistas deseaban y desean una sociedad comunal sin estado, pero no veían su resistencia al régimen como un vínculo directo hacia ese deseo precisamente. Lo que el nihilismo ofrecía era una alternativa a la alternativa de la alternativa . Para ellos era ridículo hablar sobre la sociedad “después de la revolución”, pues ellos negaban del mundo existente. El nihilismo es la filosofía política que comienza con la negación de este mundo. 

Hay algo que puede nos permite distinguir el anarquismo de lo que Turgeniev llamó “nihilismo” –de nihil, nada–. 

El anarquismo - del griego anarkhia - es la ausencia de autoridad, y esta sólo es posible si existe una profunda fuerza moral en los individuos que forman el común. En este sentido, todo verdadero anarquista está en íntima relación con el orden ético. Si viola la ley, si se opone a la autoridad o la desafía es porque la autoridad ha violentado la ética en la vida de la ciudad. Su fuerza, por lo tanto, no radica en la violencia ni en la destrucción sino en la profundidad de su conciencia ética y en un accionar cuyos medios estén en consonancia con ella.

Un verdadero anarquista es en este sentido paciente, dialogante, claro, creativo, perentorio; alguien que conoce los límites, que practica la mesura –el rostro de un gobierno sin Estado–, que quiere el equilibrio y se rehúsa a cualquier fanatismo. Si desobedece lo hace, como lo mostraron Thoreau y Gandhi, desde una ética impecable que asume desde esa impecabilidad la consecuencia de sus actos sin dejar lugar al resentimiento. En esta relación estrecha entre acción y ética, la presencia de un anarquista es ya en sí misma un desafío al autoritarismo y a la violencia. 

El nihilista, por el contrario, aunque tiene fuertes elementos anarquistas, se niega a sostenerse en la ética. Turgeniev lo definió en su novela Padres e hijos –la lucha de los estudiantes rusos de mediados del siglo XIX desilusionados por los lentos avances del reformismo–: “Nihilista es quien no se inclina ante ninguna autoridad, que no acepta ningún principio como artículo de fe”. Alguien que niega radicalmente, que clama una reivindicación de todo y, por lo mismo, termina por reivindicar nada.

Pues una de las personas que quisieron mostrarnos eso del nihilismo fue el escritor ruso Fiódor Dostoyevski  a través de una obra titulada Los demonios o Los poseídos, y que fue llevada al cine, por eso pasa por aquí por un director polaco que en 2016 fallecía .

Se trata de uno de los más relevantes de la Escuela Polaca de Cine. Nos referimos a Andrzej Wajda. El director nacido en marzo de 1926 en Suwałki, ganó no sólo la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 1981, sino que cuatro de las obras de Wajda, The Promised Land, Las señoritas de Wilko, El hombre de hierro y Katyn fueron en su momento nominadas para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. La última en 2007 , cuando siete años antes en el 2000, Wajda ya recibió un premio honorífico de la Academia y en 2006 al obtener un Oso de Oro honorífico por toda su carrera en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 

Autor de 44 obras cinematográficas desarrolladas su gran mayoría en Polonia, no siempre se trabajó en su país con exclusividad, sino que tambien lo hizo en otros como Alemania y , especialmente, Francia sobre todo en la década de los años ochenta con obras como Danton (1983) o Les possédes (1988), periodo en la que el director polaco vio como por su implicación en el el movimiento polaco del sindicato Solidaridad - como se demostró con el rodaje de El hombre de mármol (1976) y El hombre de hierro (1981), con el líder de Solidaridad Lech Wałęsa haciendo de sí mismo - así que el gobierno polaco llegó a ilegalizar la productora de Wajda. 

Esta , en parte, era la razón por la que en 1988 Andrzej Wajda rodó , a caballo entre Polonia y la financiación de Francia - gran parte de los técnicos y actores son polacos y Francia, gran parte de los protagonistas son franceses como la actriz Isabelle Huppert o internacionales como Omar Shariff - la película Les Possédés , también conocida como The Possessed que participó en la trigésimo octava edición del Festival Internacional de Cine de Berlín. 

La película está basada en la novela de Fiódor Dostoyevski titulada Los demonios o Los poseídos , una novela del escritor ruso escrita entre 1871 hasta 1872 en un diario ruso - The Messenger - , y cuya composición inició en 1869 . En la misma el de San Petersburgo contaba la historia de un grupo de jóvenes revolucionarios que quieren derrocar el orden establecido, y cuyo líder, Pyotr Stepanovich Verhovensky, quiere colocar al príncipe Nikolai Vsévolodovich Stavroguine , un fascinante aristócrata que tiene relación con los revolucionarios, en la dirección del movimiento. Según el eslavo Georges Nivat , Los Demonios sería su título más correcto; y que The Possessed sería un error de la traducción inglesa tomada por Albert Camus , Boris de Schoelzer y André Markowicz van en la misma dirección. The Possessed o Les Possédés es sin embargo el título de la primera traducción francesa de la obra (por Victor Derély), publicada por Plon en 1886.

Dostoievski , convencido nacionalista y conservador, quiso con ella expresar su miedo a una posible revolución a través de una ficción con el héroe (conservadores) contra los "enemigos de Rusia " (los socialistas , el nihilistas ); también deseaba mostrar la conexión directa entre el liberalismo de la década de 1840 y el nihilismo ruso en la década de 1870 , como escribió en su carta al futuro Alejandro III .

Sin embargo, el libro que se desarrolla en una provincia anónima cerca de San Petersburgo demuestra ser una crítica con visión de futuro de todas las ideologías. La idea de la novela llegó a Dostoievski ante la noticia del asesinato por insubordinación del estudiante Ivanov, un miembro de la organización Narodnaya Volya por su líder, Sergey Nechayev , el 21 de noviembre de 1869.

El director polaco dio con la obra del ruso Fyodor Dostoyevsky y buscó en la productora francesa, Margaret Ménégoz apoyo que consiguió en la Gaumont Film Company - que igualmente estará en la distribución- , a las que se unieron en coproducción Films A2, Les Films du Losange y el Centre National de la Cinématographie (CNC) financiación para su película. La Gaumont Film Company apoyó la propuesta de Andrzej Wajda con un guión redactado por el mismo Wajda junto a Agnieszka Holland , Edward Zebrowski y Jean-Claude Carrière, encargado igualmente de la dirección artística.

El mismo Jean-Claude Carrière fue el encargado de los diálogos. Wajda contó como director asistente con el francés Romain Goupil, la fotografía de Witold Adamek y con la música del polaco Zygmunt Konieczny.

En la película participan Isabelle Huppert como Maria Sjatov, Jutta Lampe como Maria Lebjadkin, Philippine Leroy-Beaulieu como Lisa, Bernard Blier como El Gobernador, Jean-Philippe Écoffey como Peter o Piotr Verchovenskij, Laurent Malet como Kirillov, Jerzy Radziwilowicz como Sjatov, Omar Sharif como Stepan, Lambert Wilson como Nikolaj Stavrogin, Philippe Chambon como Chigalev, Jean-Quentin Chatelain como Virguinski, Rémi Martin como Erkel, Serge Spira como Fedka, Wladimir Yordanoff como Lebjadkin y Zbigniew Zamachowski como Liamchine.

La historia se desarrolla en 1870 en una ciudad rusa. Conocemos casi de inmediato a un grupo de jóvenes revolucionarios anarquistas nihilistas que se proponen derribar el régimen zarista y la sociedad tradicional rusa por medio de la violencia, mediante acciones terroristas. Pero las tensiones surgirán entre ellos con la llegada de sus dos líderes: Peter o Piotr Verchovenskij (Jean-Philippe Écoffey) y Nikolaj Stavrogin (Lambert Wilson).

La llegada de Peter Stepanovich Verkhovensky (Petrusha), hijo de uno de los presentes, Stepan Trophimovich, nos presenta al principal instigador del drama. Frente a él esta su padre Stepan Trophimovich Verkhovensky (Omar Sharif) un señor mayor, que dejó a su hijo Peter Stepanovich,de joven a una de sus tías. Es un intelectual, profesor , liberal e idealista, amigo íntimo de Barbara Petrovna Stavrogin, y tutor de los Stavrogin, en concreto de Nicolás Vsevolodovich Stavrogin (Lambert Wilson), un hombre joven , elegante, inteligente y refinado. También lo fue de Elizabeth Nikolaievna Touchine (o Lisa) (Philippine Leroy-Beaulieu), la hija del general Drozdoff, igualmente hermosa, inteligente y rica. Ambos están próximos a llegar a la localidad desde ¿San Petersburgo?.

Descubrimos que Piotr o Peter no siente ningún apego por su padre, un hombre que simpatiza con la corriente, pero mucho más prudente el el resto.

Integrante del grupo es Sjatov (Jerzy Radziwilowicz), Ivan Pavlovich, el hermano de Daria Pavlovna, la confidente de Peter Stepanovich, un pobre hombre que tiene una imprenta , extraño y taciturno, que ha roto con los nihilistas convirtiéndose para ellos e en un nacionalista. Y , al que vemos , al principio de la película tirando de un carro y enterrando una imprenta. La imprenta es la que ha utilizado el grupo para expandir su pensamiento.

La llegada de Piotr generará tensión entre todos, pero especialmente en Sjatov. En la estación es recibido entre otros por Ignace Timofeevich Lebadiadkin o Lebjadkin (Wladimir Yordanoff ) como , un oficial retirado, hermano de Marie Timofievna que está para ver y recoger a su hermana Marie Timofeeievna Lebiadkine (Jutta Lampe).

De cualquier manera el grupo espera la llegada de Nikolai Vsevolodovich Stavrogin , quien, después de una vida de libertinaje en San Petersburgo y en el extranjero, llega a la estación algo más sereno. Poco después de su llegada nos enteramos que está vinculada sentimentalmente supuestamente por capricho, se casó en el momento de San Petersburgo con María Timofievna Lebadiadkin, la hermana mentalmente enferma del alcohólico Lebadiadkin: financieramente la apoya sin amarla o vivir con ella. Nikolai Stavrogin es una persona que intenta demostrar su libertad al no creer en nada y burlarse de todo y de todos a su alrededor.

Desafortunadamente, Stavrogin influye en muchas personas. Sus discursos son elocuentes y dejan marcas profundas en los demás .

Pues bien, los Lébiadkin están esperando a Nikolai, su "noble príncipe", y éste la reconoce como su esposa, lo que le impide casarse con la rica Elizabeth Nikolayevna Touchine (Lisa), (Philippine Leroy-Beaulieu), la hija del general Drozdoff, que está enamorada de él.

Mientras vamos conociendo al hijo de Stepan Trophimovich, Pyotr Stepanovich Verkhovensky , aparece al mismo tiempo que Nikolai. Es un hombre intrigante , amigo y admirador de Nikolai, y persigue el objetivo de derrocar a todas las autoridades seculares y religiosas. Para ello, se utiliza sin escrúpulos grupo de cinco conspiradores . Son los funcionarios Liputine Lemchine o Liamchine(Zbigniew Zamachowski), Virginski (Jean-Quentin Chatelain) y su hermano Zhigalov y Tolkatchenko, un empleado de los ferrocarriles, que también pertenecen al círculo en el que estuvo bien integrado Ivan Pavlovich Sjatov, el ingeniero Alexis Nilitch Kirilov (Laurent Malet) y el intelectual Chigalev (Philippe Chambon).

Piotr les hace creer que existen son una de las miles de células revolucionarias dispersas en todo el país que estarían vinculadas a una revolución global preparada en Europa.

Con la ayuda de Nikolai quién debe representar para la todos ellos el papel del Mesías, les dice Piotr que quiere establecer en el país un sistema político propuesto por Chigalev en el que el 90% de la humanidad debe trabajar en las condiciones de vida más primitivas y estaría dominado sin reservas por el 10% restante, porque según él, en Rusia, nada es posible sin disciplina. Espera que la igualdad llegue aunque sea a través de una dictadura y de la deshumanización. En ese sentido apuesta por unos atentados y la acción directa para crear un clima de psicosis y de desconfianza mutua entre la población, pese a que en realidad tanto revolucionarios como opresores están siendo manipulados por este diabólico individuo que se sirve de la violencia para satisfacer sus venganzas personales.

Mientras tanto vamos conociendo a otros protagonistas de la película como Alexis Nilitch Kiriloff (Laurent Malet), un ingeniero que vive en la misma casa que Sjatoff y Lebadiadin que se nos muestra como uno de los más acérrimos partidarios del nihilismo, pero también como un suicida convencido.

Igualmente , como representante del poder aparece André Antonovitch von Lembke (Bernard Blier), el gobernador de la provincia. Poco después se revelan los conflictos entrelazados por Stavrogine durante una reunión con el grupo de personas que tienen puestas en él las esperanzas. El grupo discute atropelladamente sobre si están reunión en sesión o no. Y tras muchos discutir aparece la controversia ideológica entre la anarquía y la creencia ortodoxa atea.

Vemos las diferencias de opinión de Ivan Pavlovich Sjátov y el mismo Stavrogin . Sjátov está profundamente ofendido por el romance de Stavrogine con su esposa María (Isabele Huppert). Piotr usa estas tensiones en su propio interés.

Así, siguiendo los pasos de Stavrogin, lanza al asesino fugitivo y andrajoso Fedka (Serge Spira) a quien propone matar a Lebiadkine y a María para permitirle casarse con Lisa . Él rechaza la propuesta.

Sin embargo, los posibles culpables se sienten alentados por el comportamiento no resuelto de Nikolai para alcanzar su objetivo. Stavrogin luego se enreda en sus nuevas operaciones con trágicas consecuencias, aunque trata de liberarse de sus malvados demonios y asumir su pasado y confiesa su incapacidad para creer y amar así como su turbio pasado.

Mientras tanto, Piotr se pone en contacto con el nuevo gobernador Andre Antonovich von Lembke y se gana su confianza y los utiliza para servir a sus planes revolucionarios y su propio interés. Así, él denuncia falsamente a su padre como un revolucionario para vengar el abandono que ha sufrido, por lo que está temporalmente encarcelado. Pero no logra su objetivo principal, es decir, ganar Stavrogin para su causa y convertirlo en el líder de su revolución.

Además incita  a que el terror se haga con todo y ¿por qué no? a que Fedka organice el incendio de los principales edificios de la ciudad.

Mientras la ciudad arde. María regresa , pero Sjatov se reconcilia con ella cuando reaparece en su casa, embarazada y gravemente enferma, y ​​la lleva a ella y a su hijo a casa . La alegría parece llenar la vida de Sjatov por su pequeña familia -el hijo de María debe tomar su nombre Iván- pronto se ve turbado por la conspiración que ha tramado Piotr. Aparecen asesinados Lebyadkin y su hermana . El incendio ha sido provocado por Fedka que lo desató para borrar las huellas del asesinato de Lebidadin y Maria.

Por su parte, Piotr logra que Alexei Nilich Kirilov , antes de su suicidio, asuma la responsabilidad por los asesinatos de María, su hermano y Sjatov, y le dicta falsas confesiones . De hecho, Alexei ha desarrollado su propia filosofía y explica que se suicida para demostrar a todos que Dios no existe, que el hombre es libre y que él mismo es Dios, una especie de "Suicidio educativo".

Además, como anteriormente, Piotr había sugerido al grupo de socialistas que Sjatov quería traicionarlos los convence de que lo mataran. Después de lo cual se desasocia del grupo para ir a San Petersburgo, mientras que los miembros del grupo, roídos por el remordimiento, terminan encarcelados. Stepan Trophimovich , caído en desgracia, decide abandonar la ciudad, pero se enferma en el camino y es encontrado por Lisa , pero lo ve moribundo. Le habla de sus errores y , finalmente, muere, y con la música acaba la compleja película.

La película fue rodada en Polonia. Más concretamente en la Universidad de Varsovia, en su Campus Principal, Krakowskie Przedmiescie, Sródmiescie, en la región de Mazowieckie. 

Fue presentada en el Festival de Berlín del año 1988 , en la Sección oficial de largometrajes. En el blog o web de Vicent Ostria la novela de Dostoievski fue "Revisada y corregido por un director polaco e interpretado por actores franceses, por lo que la obra pierde su intensidad y su llama. La locura de los personajes, que descansaba en los diálogos encendidos e intrincados de Dostoievski transpira muy poco aquí. Un fracaso". 

He leído en ImDB que se trata de una adaptación incompleta y un comentarista se pregunta si alguien que no haya leído la novela podría seguir la trama. Por lo pronto Stavrogin, que es el personaje central de la novela de Dostoievski, en esta película no es así y se centra en Sjatov, el único personaje con el que uno podría identificarse. De todas maneras tanto los revolucionarios como represores salen malparados pues la condición humana de un individuo se sirve de unos y de otros para por la violencia satisfacer sus venganzas personales. 

Posiblemente Wajda optó por presentarnos la historia desde el punto de vista de Sjatov. Y lo hace mostrándonos la angustia de un hombre que ya no comulga con los principios del grupo, el de un hombre dolido con el que fue su líder, con su hombre que anhela ser , simplemente, un hombre, un buen hombre, un buen marido y un buen padre.

La presencia de Isabelle Huppert es casi anecdótica , por el ínfimo peso de su trabajo en la misma. aunque mucho en la estabilidad emocional de Sjatov.

De cualquier manera la trama de esta película franco polaca resulta confusa , desalentadora en su percepción de la condición humana y en muchos casos, incomprensible como , en ocasiones, esa línea que dividía el anarquismo y el nihilismo.