Le bonheur

La siempre sorprendente Agnes Varda dirige esta película que fue premiada en el Festival de Berlín con el oso de Plata en el año 1965 , llevándose igualmente el Premio especial del jurado en el festival de Berlín. 

La directora franco belga siguió con la felicidad el camino iniciado con su debut, "Cleo, de 5 a 7".

De espíritu de independiente y de fuertes convicciones feministas la directora intentó en sus primeros firmes dar muestras de las relaciones que se establecen entre el hombre y la mujer planteándolo de manera diferente en cada filme. 

Si su primera incursión narró dos horas en la vida de una mujer en clave documental con la felicidad producida por Mag Bodard Parc por medio de Film partió de un guion dramático escrito por ella en el que se explica una abierta infidelidad. Para dar mayor énfasis a la historia utilizó una familia real para que que representaran la familia que parece en pantalla. El resultado fueron diversos premios internacionales en la historia en la que François es un joven carpintero felizmente casado con su novia , Therèse, a la que conoce desde que hizo el servicio militar y con la que tiene dos hijos. 

Un día conoce un correos a otra mujer, Émilie, que se convertirá en su amante. Franços se convence de que puede vivir con su mujer y su amante de forma paralela. El verdadero problema es que no consigue aclararse con sus sentimientos: ama a su mujer y también a su amante, pero no sabe a cuál de las dos ama más.Los personajes de Thérèse (Claire Drouot), la esposa de François, y su hijo e hija, Pierrot y Gisou, son interpretados por la familia verdadera del actor Jean-Claude Drouot (François en la película). Fue la única vez que aparecieron en alguna película..

La película cuenta con Marcel le Fauré Berlín, Sulvie Saurel, Christian Riehl, Paul Vecchiali como Paul, Gregory Hoblit, Marc Euraud, Manon La dos y Marie France Boyer. 

La película está asociada con la Ola Nueva francesa y ganó dos premios en el 15.º Festival Internacional de Cine de Berlín, incluyendo el Gran Premio del Jurado. 

Comienzo sugestivo con varios planos y contraplanos de girasoles: uno luce radiante y erguido, es hermoso, en el otro aparecen girasoles mustios, y opacos. Fuera de foco a lo lejos se acerca un matrimonio con dos pequeños. El es François (Jean-Claude Drouot) un joven carpintero que trabaja para su tío, vive una vida cómoda y feliz, casado con su mujer Thérèse (Claire Drouot) , una modista. La pareja tiene dos niños: Pierrot (Olivier Drouot ) y Gisou (Sandrine Drouot). La familia suele pasear y hacer pícnic los días libres de primavera en un bosque a las afueras de la ciudad. 

A pesar de que François se siente feliz con su vida y ama a sus hijos y a su esposa, se enamora de Émilie Savignard (Marie-Francia Boyer), una mujer que trabaja en la oficina de correos, que lleva una vida independiente y tiene un apartamento propio. François es muy directo con Émilie y le dice la verdad sobre su familia, su felicidad y el amor que le profesa a su mujer y a sus hijos. Un fin de semana, mientras están en un día de campo, Thérèse le pregunta François por qué parece estar tan feliz últimamente. 

Al principio, él se niega a decirle por temor a herirla pero, tras la insistencia de ella, François explica que está feliz de estar con ella y con los niños, pero que se ha sentido más contento al encontrar a Émilie. Él explica que ella y los niños son como un campo de manzanos delimitado y que otro manzano externo se puede añadir a ese campo, complementándolos. Thérèse expresa su tristeza diciéndole a François que sólo lo quiere a él. 

Tras mantener un encuentro romántico, ambos quedan dormidos. Cuando François despierta, no encuentra a Thérèse y, tras buscarla desesperadamente con sus hijos, encuentra su cuerpo que unos pescadores han sacado del lago. Tiempo después de que algunos parientes se hayan hecho cargo de los niños, pasado el verano, François regresa para trabajar y busca a Émilie. 

Pronto, ella está viviendo en su casa, cuidándolo a él y a los niños, incluso recogiéndolos de la escuela. La nueva familia es muy feliz y salen juntos a pasear al bosque, ahora otoñal, de las afueras de la ciudad acabando así la película

Ella dijo de su película , según señala la Filmoteca de Cataluña "“Esta película es una excursión campestre en que el amor y las meriendas ocupan un gran lugar. Pero los niños también, puesto que se trata de una familia en que la felicidad no puede ser imaginada sin niños. Querría hacer la crónica feliz de cierto ambiente artesano que vive en los alrededores de París y hacerla de una manera cariñosa. Conozco personas que no son envidiosas ni reivindicativas. Finalmente, el amor físico, que ocupa un lugar tan importante en la vida, es tratado no con descripciones sino como elemento de equilibrio, en especial al final del film. Todos los personajes son abiertos y la imagen es coloreada por el verano. Me gustaría que hiciera pensar y suscitara la emoción que siento ante las fotografías de forofos y, en otro aspecto, ante la pintura impresionista” (Agnès Varda). ". 

En un tributo a la memoria de Agnès Varda en 2019, Sheila Heti, TAN Hamrah y Jenny Chamarette incluyeron a Le Bonheur entre sus películas favoritas de Varda, con Charmarette diciendo que era su favorita y describiéndola "como nada más: una película de horror envuelta en girasoles, una excoriante diatriba feminista que toca a la melodía de una balada de amor. Es uno de los filmes más aterradores que he visto." Hamrah llamó a Le Bonheur "la película más impactante de Varda", añadiendo "es profundamente subversiva y funciona como una película de horror [...] ¿Cuántos filmes son realmente impresionantes de la manera en que lo es Le Bonheur? No creo que haya muchos". Heti declaró "no tengo un favorito, pero en el que pienso más a menudo es probablemente Le Bonheur porque tiene un final tan devastador. Es quizás el más directo en cuestión de narrativa, y, al mismo tiempo, realmente radical – emocionalmente radical, llegado el final. [...] Es imposible dejar de pensar en el final y qué dice sobre el amor, la vida, el caos y el destino." 

Papel esencial en la película es su música de Jean-Michel Defaye y la bellísima fotografía -ahora restaurada- de Jean Rabier y Claude Beausoleil llena de encuadres fotográficos, primerísimos planos, insertos y planos detalle que juegan en favor de la estética congujándose con la representación del color, que no sólo está en la puesta en escena sino en la estructura técnica o gramática visual del filme, donde los fundidos a diversos colores, representan o están sujetos a los cambios dramáticos del largometraje. Gran valor merece su montaje labor de Janine Verneau. 

La crítica es unánimemente positiva en todos los lugares en los que se estrenó. En los Estados Unidos Richard Brody en las páginas de The New Yorker señaló que "Es una película en la que la vida emocional y el deleite sensual se ven a través del prisma de la sociología, la psicología y la reflexión filosófica." 

Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader escribió que es "Hermosa y perturbadora (...) Provocativa y adorable. Es una de las mejores películas de Varda." 

Andrew Chan de Slant sostuivo que "El poder de esta película reside en que sigue siendo deslumbrante incluso en nuestra época sabia, dejándonos con incertidumbre y sospecha como a los primeros espectadores." 

David Pirie de Time Out la definió como "Pura elegancia visual y esplendor romántico" 

Noel Murray de AV Club nos pone a todos de acuerdo con su lacónico "Una gran película" 

Sofía Brucco en la revista digital Encuadra afirma que "Leí alguna vez que Agnes Varda dijo, en relación a Le Bonheur, que se trataba de árboles. De otras cosas también, pero sobre todo de árboles, porque los hombres se comportan como árboles" Y añade " El intenso amarillo de los girasoles, el verde de la vegetación de los jardines rurales. Los colores de la ropa que coincide con el ánimo de las estaciones: rojos, amarillos y naranjas en verano; ocre y marrón en otoño. El imperio del blanco en las escenas de intimidad. Los detalles en los interiores: fotos de estrellas de cine en las paredes, vasijas con enérgicos arreglos florales, ollas de cobre colgadas en la pared de la cocina, envases de perfume de vidrio,decoración al estilo casa Monet. La atmósfera que acompaña las representaciones de dulzura familiares la perfecta puesta en escena de los ideales burgueses, que no sólo se derrumban sobre sí mismos, sino que también arrasan y desgarran. La ingenuidad —y su eventual hundimiento— será el ocaso de la felicidad para esta familia primorosa." Y acaba su comentario con " El film finaliza con un escena que toma las dimensiones de una auténtica película de terror: en un bosque donde el otoño ya se hace presente en el color de los árboles, los cuatros miembros de la nueva familia caminan tomados de la mano, dando la espalda a la cámara, todos utilizando un suéter similar, de un llamativo amarillo pastel los adultos y de un rojo fuerte los niños. La imagen imita la forma, nuevamente, del idilio de la familia perfecta que se nos presenta al inicio de la película. 

La propuesta de Varda es osada y plena de ironía y de sensualidad frente a una sociedad aburguesada, incluso, la del proletariado. Hay una crítica a la familia tradicional y a la conciencia moral judeocristiana en esta historia de infidelidad, llevada a la idealización del amor y la felicidad del hombre, sin un tono moralista o aleccionador, sino más bien un cuento utópico donde el amor de un hombre por su mujer e hijos, es igual al que siente por la sensualidad de una nueva mujer, la felicidad como oda a la honestidad, a la pureza, a la sencillez. No hay gente malvada sino personajes inocentes aunque no exento de egoismo

Pierrot le fou

Jeam Luc Godard crea en 1965, y con vivos colores una película irrepetible sobre dos personajes, Ferdinand que de pronto se transforma muy a su pesar en Pierrot, nombre dado por su amante, Marianne, una chica que provoca que el primero abandone a su mujer. Ferdinand, un hombre infelizmente casado, que escapa de su aburrida sociedad y viaja desde París al mar Mediterráneo con Marianne, una chica perseguida por sicarios de la OEA en Argelia. 

Con esta película, en ese año 1965,  y con esta historia, Jean Luc Godard como director y guionista y el apoyo de Georges de Beauregard y su productora, Films Georges de Beauregard, invirtiendo unos $300,000 , aunque se sumaron S.N.C. y Dino de Laurentis Cinematográfica , traslada al cine la obra Obsession de Lionel White

Fue el décimo largometraje de Godard, estrenado entre Alphaville y Masculin, féminin. La película contó con la música Antoine Duhamel, el sonido de René Duhamelde , la fotografía de Raoul Coutard y el montaje de Françoise Collin. La película nos cuenta la historia de Ferdinand Griffon (Jean-Paul Belmondo), un hombre infelizmente casado con María (Graziella Galvani ) una rica italiana, un intelectual fracasado con ambiciones literarias como escuchamos al inicio cuando habla sobre el pintor Velázquez, que intenta cumplir su deseo artístico, y que recientemente ha sido despedido de su trabajo en una empresa de televisión. 

La mujer le obliga a ir a una fiesta que tiene lugar en la casa del padre de ella, un empresario que quiere presentar a Ferdinand a un importante personaje para que le dé trabajo. Después de asistir a una fiesta sin sentido, llena de conversaciones superficiales entre ellas alguna mantiene con Sam Fuller, que parece extraídas de anuncios publicitarios en París, aunque con él habla de cine , preguntándole qué es el cine.

Ferdinand siente la necesidad de escapar y decide huir de la fiesta. Así que toma el coche de su cuñado y vuelve a casa. Allí encuentra a Marianne, quien había sido su amante cinco años atrás e insiste en llamarlo Pierrot. Él le ofrece llevarla a casa, allí pasa toda la noche, descubriendo por la mañana un cadáver y  que está involucrada en el tráfico de armas perseguida por unos revolucionarios argelinos.

Así que huye junto a Marianne Renoir (Anna Karina ),  dejando a su esposa e hijos y el estilo de vida burgués. 

Ahora Ferdinand sabe que Marianne está siendo perseguida por gánsteres de la OEA. Marianne y Ferdinand, a quien llama Pierrot (un apodo no deseado que significa "payaso triste"), emprenden una huída de la ciudad, pero también se ven inmersos en una ola de crímenes desde que salen de París hasta el Mediterráneo francés mientras huyen en el coche del muerto. 

Llevan una vida poco ortodoxa, siempre huyendo, perseguidos por la policía y por los mafiosos de la OEA. Cuando se instalan en la Riviera francesa después de quemar el coche del hombre muerto (que estaba lleno de dinero, sin que Marianne lo supiera) y hundir un segundo coche en el mar Mediterráneo, su relación se vuelve tensa. 

Durante sus aventuras, la pareja , además de cometer crímenes algunos muy naïfs, intercambian ideas sobre la vida, el amor y las personas. Descubrimos que Ferdinand es un aficionado a la lectura y tiene un diario, tomas de las páginas de éste van apareciendo intermitentemente durante la película. Ferdinand lee libros, filosofa y escribe un diario. Pasan unos días en una isla desierta. Un enano, que es uno de los gánsteres, secuestra a Marianne. Ella lo mata con unas tijeras. 

Ferdinand lo encuentra asesinado y dos de sus cómplices lo atrapan y lo azotan, quienes lo someten a un interrogatorio para obligarlo a revelar el paradero de Marianne. Marianne escapa y ella y Ferdinand se separan. 

Él se instala en Toulon, mientras ella lo busca por todos lados hasta encontrarlo. Después de su eventual reencuentro, Marianne usa a Ferdinand para conseguir una maleta llena de dinero antes de huir con su verdadero novio, Fred, a quien anteriormente se había referido como su hermano. 

Ferdinand dispara a Marianne y Fred (Dirk Sanders ), luego se pinta la cara de azul y decide hacerse estallar atando cartuchos de dinamita roja y amarilla a su cabeza. Se arrepiente en el último segundo e intenta apagar la mecha, pero falla y explota. Mientras la cámara enfoca el mar y el cielo, se oye una conversación entre la pareja protagonista. 

En febrero de 1964, mientras filmaba Bande à part, Godard anunció que tenía planes de adaptar la reciente novela policial Obsession, de Lionel White, que describió como “la historia de un hombre que deja a su familia para seguir a una chica mucho más joven que él. Está confabulada con gente un poco turbia y eso la lleva a una serie de aventuras”. 

Godard le dijo a France-Soir que quien eligiera como protagonista femenina dependía de a quién eligiera como protagonista masculino. Si hubiera elegido a Richard Burton, su primera opción, habría elegido a su esposa Anna Karina junto a él y habría rodado la película en inglés para acomodar a Burton. De lo contrario, si eligiera a su segunda opción, Michel Piccoli, elegiría a "una chica muy joven" como Sylvie Vartan para el papel, temiendo que Piccoli y Karina formaran una pareja demasiado "normal" en la pantalla. Vartan y Piccoli no estaban disponibles, por lo que Godard eligió a Jean-Paul Belmondo para el papel de Ferdinand. 

El casting de Belmondo facilitó la obtención de financiación para la película debido a su estatus de estrella después de su papel en Al final de la escapada o Sin aliento (1960) de Godard. En septiembre de 1964, en el Festival de Cine de Nueva York, Godard anunció que Karina interpretaría a Marianne junto a Belmondo. Más tarde, Godard comentó a Cahiers du Cinéma que elegir a Belmondo y Karina finalmente cambió el tono de la película, ya que "en lugar del tipo de pareja de Lolita o La chienne" que originalmente imaginó, ahora "quería contar la historia de la última pareja romántica", pareja, los últimos descendientes de La novela Heloise, Werther, Hermann y Dorothea. 

Como ocurre con muchas de las películas de Godard, no se escribió ningún guion hasta el día antes del rodaje y los actores improvisaron muchas escenas, especialmente en los actos finales de la película. Aunque la película conservó el esquema básico de la trama del libro de un publicista de mediana edad que se escapa y se obsesiona con la niñera adolescente de sus hijos antes de finalmente matarla, Godard pretendía convertir la película en "algo completamente diferente", como le dijo a Belmondo. 

El crítico Richard Brody escribe que dado que Marianne está indisolublemente ligada a las grandes ambiciones artísticas de Ferdinand, su traición "no sólo rompe el corazón de Ferdinand sino que también destruye lo que iba a ser el trabajo de su vida". Brody señala que este cambio en los temas y efectos de la historia reflejó el matrimonio fallido de Godard con Karina, quien apareció en muchas de sus obras. Karina y Godard se divorciaron a principios de 1965, antes de que comenzara la producción de la película. 

Godard inicialmente entró en pánico una semana antes de que comenzara la producción, al darse cuenta de que muchas de sus ideas originales para la película eran de poca utilidad para él. El propio director comentó que "Según el libro, ya habíamos establecido todas las ubicaciones, habíamos contratado a la gente... y me preguntaba qué íbamos a hacer con todo eso". 

El rodaje se llevó a cabo durante dos meses, comenzando en la Riviera francesa y terminando en París (en orden inverso al de la película editada). Toulon sirvió de telón de fondo para el desenlace de la película, cuya fotografía incluyó imágenes del histórico acorazado francés Jean Bart. 

Como anécdotas señalar como el Ford Galaxie de 1962 que fue arrojado al agua y hundido era del propio Godard. Jean-Pierre Léaud fue asistente de dirección no acreditado en la película (y también aparece brevemente como un joven en una sala de cine) al igual que Sam Fuller hace un cameo como director de cine estadounidense en la escena de la fiesta. 

Como muchas de las películas de Godard, Pierrot le fou presenta personajes que rompen la cuarta pared mirando a la cámara. También incluye sorprendentes opciones de edición; por ejemplo, cuando Ferdinand le arroja un pastel a una mujer en la escena de la fiesta, Godard muestra un fuego artificial que explota justo cuando la golpea. En muchos casos, Godard, en lugar de un corte perfecto entre dos tomas, inserta una tercera imagen no relacionada. 

Lorenz Engell afirma que esta tercera imagen se caracteriza, para Godard, por su realidad y objetividad, y hace que las "cadenas de imágenes" se "separen".El director dijo que la película estaba "conectada con la violencia y la soledad que "Están tan cerca de la felicidad hoy. Es en gran medida una película sobre Francia". 

La película tiene muchas de las características del entonces dominante movimiento de arte pop, haciendo constantes referencias disyuntivas a diversos elementos de la cultura de masas. Como gran parte del arte pop, la película utiliza imágenes extraídas de dibujos animados y emplea una estética visual intencionalmente llamativa basada en colores primarios brillantes. 

El ya citado crítico Richard Brody escribe que la estética de las películas anteriores de Godard se había basado en el modernismo intelectual, como en Une femme mariee (1964) y, a veces, en las convenciones del cine negro, por ejemplo en Breathless (1960). Según Brody, la ira política de Godard por la escalada de la guerra de Vietnam y la menguante inspiración de la historia original de estilo negro de Obsession lo llevaron a alcanzar "nuevas alturas de espontaneidad e invención relámpago" en la película, lo que resultó en la estética del arte pop de la película.

Para Volker Panteburg la película demuestra el interés de Godard por el color y el "poder explosivo de las imágenes" tanto como por la historia, citando la escena final en la que Ferdinand se pinta la cara de "azul Yves Klein" y se suicida con "barras de dinamita rojas de estilo pop".

Como en muchas obras de arte pop, como las de Roy Lichtenstein, Pierrot le fou utiliza de manera destacada texto, a menudo preexistente, para comentar su propia historia e ideas, aislando y resaltando la información extradiegética que normalmente se absorbe de manera semiconsciente. Por ejemplo, justo antes de su primer enfrentamiento importante con la OEA, Ferdinand y Marianne pasan junto a un cartel que advierte sobre un descenso frente al puerto que dice "danger de mort" (peligro de muerte), presagiando sus muertes. 

Godard utiliza a menudo texto comercial en la película y lo recontextualiza, como la palabra "Total", que aparece en una gasolinera, adquiriendo el significado adicional del término "suma total", que pronuncia Ferdinand poco después. Pierrot le fou continúa la tradición de Godard de dirigir la atención a las artes. Richard Brody establece un paralelo entre los "vastos sueños artísticos, cósmicos y casi metafísicos" de Ferdinand y la "propia búsqueda de otro tipo de arte cinematográfico" de Godard, uno que vaya más allá de la presentación visual de objetos y personajes" hacia una presentación más elevada y pura de ideas. . Señala la primera escena de la película, en la que Ferdinand se sienta en su bañera y lee un pasaje del crítico de arte Élie Faure sobre Diego Velázquez. Después del estreno de la película, Godard afirmó que al hacerla, estaba intentando "transmitir el sentido de lo que Balthazar Claës[a] estaba haciendo en La obra maestra desconocida", haciendo referencia a una novela corta de Balzac, a quien se hace referencia en la apertura y el cierre de la película. escenas. The Unknown Masterpiece o La obra maestra desconocida trata sobre un pintor francés que ha estado trabajando solo durante años en un retrato de una mujer que cree que marcará el comienzo de una nueva era del arte. Cuando sus dos amigos creen que todo es un desastre, se suicida. Brody encuentra una similitud entre La obra maestra desconocida, Pierrot le fou, y la vida personal de Godard en el "autorretrato del artista a punto de llevar una investigación filosófica sobre la forma, o más bien la falta de forma, hasta un extremo que lo destruyó no sólo a él mismo sino también a él mismo". También su esposa." Ferdinand cree que podrá realizar su sueño de escribir una novela sobre "la vida misma. Lo que hay entre las personas: el espacio, el sonido y el color", aislándose en una isla con Marianne, un sueño disipado por el aburrimiento de Marianne en la isla. Brody escribe que esto refleja la creencia de Godard de que "la gloria de la naturaleza y una vida de propósito compartido con una mujer amada son... una pareja natural", y cómo esta creencia se vio afectada por su divorcio de Karina. 

Godard explora el consumismo y los medios de comunicación en Pierrot le Fou, de manera más destacada en una de las primeras escenas de un cóctel que demuestra el mundo burgués del que huye Ferdinand. Las interacciones de los invitados consisten únicamente en eslóganes publicitarios, llamando la atención sobre el predominio del comercialismo y la extrañeza del discurso publicitario, mostrándolo fuera de contexto, en un entorno "real". Para enfatizar el carácter guionista y unidimensional de la interacción pública en esta escena, Godard satura la escena con varios colores fuertes, ya sea a través de luces o un filtro en la cámara. 

Godard utiliza la película para llamar la atención sobre la tendencia de la publicidad a sexualizar a las mujeres. En la citada fiesta las mujeres aparecen retratadas tanto vestidas como en topless. En una escena anterior, Ferdinand observa un anuncio de una faja y comenta en off que después de las civilizaciones de Atenas y el Renacimiento, la humanidad está entrando en "la civilización del asno". 

La película fue presentada en el Festival de Venecia (septiembre de 1965) donde algunos del público respondieron inicialmente con abucheos. La película se estrenó posteriormente en Francia en noviembre y no tuvo éxito en taquilla siendo la decimoquinta película más taquillera del año, con un total de 1.310.580 entradas vendidas en Francia. 

Fue seleccionada como Mejor Película en Lengua Extranjera en la 38ª edición de los Premios de la Academia, pero no ni tan siquiera nominada. Recibió elogios de la crítica con elogios hacia el estilo narrativo de la película, las actuaciones de Belmondo y Karina, la dirección de Godard y la cinematografía. En los BAFTA de 1967 Belmondo fue nominado al mejor actor. 

La película recibió críticas positivas. En Le Nouvel Observateur, el crítico Michel Cournot escribió: "No me avergüenza declarar que Pierrot le fou es la película más bella que he visto en mi vida", mientras que en una reseña de primera plana de Les Lettres Françaises, el novelista y poeta Louis Aragon elogió la película y afirmó: "Hay una cosa de la que estoy seguro... el arte actual es Jean-Luc Godard". 

Escribiendo en 1969, Andrew Sarris llamó a Pierrot le fou "el tipo de última película que un director puede hacer". hacer sólo una vez en su carrera.

De ella en el Chicago Reader se dice que es "Una obra maestra".  Renata Adler del  The New York Times dijo de ella que es "Una de los películas más humildes y apacibles de Jean-Luc Godard ... caprichosa y bella".

En Gran Bretaña, en The Times, Edward Porter defendió que   "Demuestra que una película puede interpretar todo tipo de juegos postmodernos y seguir tocando las emociones del espectador"  Y Peter Bradshaw en The Guardian  afirma que es "Cautivadora y seductora -quizás a pesar de sí misma - y una parte vital de la Historia del cine (...)" 

Ya en España en la revista Fotogramas se describe esta película "Como sucede siempre con este director, la brillantez expositiva tiene como contrapartida una tendencia a la elubración gratuita con apariencia trascendente. Los resultados son atractivos pero algo irritantes. (...) " 

Uno de los habituales de la revista , Fausto Fernández comentó sobre esta película surrealista y experimental que "El Godard que se emborrachaba de cine y con el cine, el que lo montaba y desmontaba como si le fuera la vida en ello. El Godard de Pierrot el Loco, el Amor a quemarropa aliteral de Belmondo y Anna Karina. " El la califica de "Road movie y viñetas monocolores en un Godard tan mítico como seguramente desconocido por las nuevas generaciones".

La gran matanza Sioux

Acercamiento a la historia de lo ocurrido al VII de Caballería en Little Big Horne , contado a través de uno de los colaboradores directos del general Custer mientras se juzga la actuación del mismo y la de sus oficiales. Sobrio que pretende ser veridico western que en nada se parece al de Murieron con las botas puestas de Hathaway. 

*EC: En construcción

El mundo sigue

Una película para mi desconocida que es toda una obra de arte, que gracias al centenario del genial Fernando Fernán Gómez he desubierto con asombro. ¿Cómo es posible que el régimen permitiera una película que habla de todo esto? Magistral. 

*EC: En construcción

La carrera del siglo

Si te suena Penélope Glamour y su rosado Compact Pussycat, su eterno admirador, Pedro Bello, Pierre Nodoyuna junto a su fiel perro Patán, los Hermanos Macana y su Rocomóvil, el Espantomóvil, con campanario en la punta, donde hay un dragón que le brinda "mil llamaradas de fuerza", y lo comanda la Pareja Horripilante, una suerte de Frankenstein y un minivampiro púrpura , y compañía ( el Súper Convertible, que puede ser auto, avión o barco, y lo conduce el Profesor Locovich; el Stuka Rakuda, del barón Hans Fritz, as de la aviación; el Súper Chatarra Special, manejado por el sargento Blast y el soldado Meekly ; la Antigüalla Blindada, con Mafio y sus pandilleros;el Alambique Veloz, conducido por el granjero Lucas y el Oso Miedoso ; el Troncoswagen, que manejan Brutus y Listus, un leñador y un castor) tienes un problema - o no, con la edad- pues sabrás que son de la mítica serie de dibujos animados Los autos locos, producida por el estudio de animación Hanna-Barbera Productions. La serie animada se inspiró en la comedia La carrera del siglo (The Great Race, 1965), dirigida por Blake Edwards y protagonizada por Jack Lemmon, Tony Curtis, Natalie Wood y Peter Falk que verán como la carrera que se inicia en Nueva York acaba en París y con la destrucción  de la Torre Eiffel. 

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Giulietta de los espíritus

 

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Los héroes de Telemark

 

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El espía que surgió del frío

 

El 12 de diciembre de 2020 fallecía el novelista británico especializado en relatos de suspense y espionaje ambientados en la época de la Guerra Fría más importante. Hablamos de John le Carré el nombre bajo el que escribía David John Moore Cornwell. 

Tenía 89 años , había sido profesor en Eton entre 1956 y 1958. Ese año llegó a convertirse en miembro del MI5 (la inteligencia interior) y dos años despues, en 1960 fue transferido al MI6, la rama del servicio de inteligencia que operaba en el extranjero, y trabajó en la embajada británica de Bonn, supuestamente como «secretario segundo», hasta que en 1964 un espía doble reveló su identidad. 

Esto puso fin a su carrera como espía y fue el incio de su pasión por la escritura, que lo llevó a publicar Llamada para el muerto en 1961 y Asesinato de calidad en 1962, antes de escribir la que está considerada como una de las grandes novelas del siglo XX, El espía que surgió del frío. Era un hombre que no admitía ningún tipo de premio literario ni títulos ni distinciones y los rechazó en numerosas ocasiones a pesar de haber escrito obras tan notables como El espía que surgió del frío, El topo, El jardinero fiel, Llamada para el muerto, La chica del tambor y La casa Rusia. 

Un hombre que llegó a decir que “El Brexit es la mayor idiotez perpetrada por el Reino Unido”. A lo largo de su extensa carrera como escritor llegó a publicar 25 novelas. La última, cuando tenía 88 años, Un hombre decente. 

Un buen número de sus novelas se han llevado al cine, muchas protagonizadas por el espía George Smiley, una especie de alter ego que nada tiene que ver con James Bond. 

De hecho Smiley es uno de los personajes de The Spy Who Came In from the Cold, aunque en ella el protagonismo lo asume Alec Leamas, el que fuera responsable del espionaje británico en la Alemania comunista. 

La película se estrenó en 1965 y sería dirigida y producida por Martin Ritt que fue también actor y guionista estadounidense que trabajó en cine y teatro. Este neoyorkino nacido en 1914 y fallecido en 1990. 

Comenzó en el mundo del teatro, pero a partir de la década de 1930, se integra al igual que muchos directores y guionistas de la época, simpatizó con el Partido Comunista de los Estados Unidos, aunque siempre se mostró crítico con las líneas básicas del partido. Posteriormente aclaró que nunca militó en el partido. 

Del teatro en los 50 pasó a la televisión y en 1952, estuvo actuando y dirigiendo telefilmes y programas hasta que la caza de brujas entró de lleno en el mundo del cine estadounidense. Al ser mencionado en el Boletín informativo de un grupo anticomunista llamado Contraataque, publicado por American Business Consultants, alegando que Ritt había ayudado al aparato de afiliación del Partido comunista en Nueva York y que había donado dinero para China en 1951. 

Estos hechos fueron suficientes para sentenciarlo directamente, por lo que el director tuvo que abandonar la televisión y dedicarse al teatro durante los siguientes cinco años y encontrando refugio en el mundo del cine en el que debuta en 1956 con el título Donde la ciudad termina. Después de este filme, dirigiría 25 más. Entre sus títulos, cabe citar El largo y cálido verano (1958), Hud - aquí llamada El indomable- con la que consiguió 7 nominaciones a los Oscar, consiguiendo - , El espía que surgió del frío (1965), Sounder (1971), El romance de Murphy (1984), La loca (1987) y Cartas a Iris (1990).

En 1965 el objetivo de Martin Riit era producir está película amparado por la Salem Films Limited y por la Paramount Pictures. La película sigue el guion de Paul Dehn y Guy Trosper adapatndo al cine la novela de John Le Carré y publicada en 1963 y que cosechó excelentes críticas y tuvo un gran éxito de ventas. En 2006 la revista Publishers Weekly la eligió como la mejor novela de espionaje de todos los tiempos. 

En 1995, la Mystery Writers of America lo incluyó en su lista de las cien mejores novelas de misterio de todos los tiempos. La música fue compuesta por Sol Kaplan quedando la fotografía en blanco y negro en manos de Oswald Morris y la edición como responsabilidad de Anthony Harvey. 

El elenco lo encabeza Richard Burton como Alec Leamas, Claire Bloom como Nan Perry, Oskar Werner como Fiedler, Sam Wanamaker como Peters y George Voskovec como abogado defensor de Alemania Oriental. Junto a ellos el inevitable Rupert Davies como George Smiley, Cyril Cusack como Control, Peter van Eyck como Hans-Dieter Mundt, Michael Hordern como Ashe, Robert Hardy como Dick Carlton, Bernard Lee como Patmore, Beatrix Lehmann como presidenta del Tribunal, Esmond Knight como Viejo juez, Tom Stern como agente de la CIA, Niall MacGinnis y George Mikell como los dos guardias del Checkpoint , Scott Finch como un guía alemán, Anne Blake como la bibliotecaria señorita Crail, Richard Marner como Capitán Vopo, Warren Mitchell como el Sr. Zanfrello, Nancy Nevinson como la Sra. Zanfrello, Steve Plytas como juez de Alemania Oriental, Richard Caldicot como el Sr. Pitt y Michael Ripper como el Sr. Lofthouse. 

La oficina del MI6 en Berlín Occidental , dirigida por el jefe de estación Alec Leamas (Richard Burton) ha sufrido un par de fracasos que le han dejado en mal lugar. 

La muerte en el mismo Checkpoint Charlie de uno de los espías del otro sector cuando lo cruzaba en bicicleta demuestran sus fallos y su ineficacia. Es llamado a Londres por parte del Jefe máximo del MI6 Control (Cyril Cusack) poco después de la muerte de uno de sus agentes. 

A pesar de que sus últimas misiones son bastante irrelevantes, el agente secreto británico Alec Leamas no desea abandonar la clandestinidad para ocupar un despacho oficial. Pero Control le pide que preste un último servicio. 

Aparentemente es expulsado de la agencia, pero en realidad, Control, el jefe de la agencia, ha organizado una pantalla que transforma a Leamas en un apestado. 

Leamas, pareciendo estar deprimido, amargado y alcohólico, se hace pasar por demandante de empleo , siendo enviado a trabajar como asistente en una biblioteca local. Allí descubre la rutina y el vaío de una actividad monótona. Sin embargo, no está solo. 

Allí comienza una relación con su compañera de trabajo Nan Perry (Claire Bloom ), una joven e idealista partidaria del amor libre y miembro del Partido Comunista Británico. Leamas es invitado a comer por Nan , pero este no muestra ningún interés. A ella cuando le confiesa que forma parte del partido comunista Británico le dice a Nan "No creo en Papá Noel, no creo en Dios ni en Karl Marx. No creo en nada que mueva al mundo." Parece un nihilista que sólo cree en la bebida, aunque la cerveza le parece poco y gasta la mayor parte de su corto sueldo en alcohol. 

Pero se ve sin fondos. No tiene dinero ni para comprar. Cuando va a una tienda de ultramarinos pide que le fie, pues no cobrará hasta el sábado. El tendero Mr. Patmore (Bernard Lee ) se muestra esquivo a esa opción. 

Otro día cuando va a esa misma tienda descubre en ella a una pareja de inmigrantes italianos, el señor y la señora Zanfrell (Warren Mitchell y Nancy Nevinson). Se muestra como un racistas. Borracho y alterado como está ataca a Mr. Patmore. Al comerciante que le niega el crédito. Tras eso es encarcelado brevemente. 

A la salida de la cárcel le espera Nan, pero también le esperan dos agentes de los servicios secretos que trabajar para el otro lado del telón de acero. Su situación y su caída en desgracia es percibida por algunos de los integrantes del Servicio de Inteligencia de Alemania Oriental como un potencial desertor. 

Así que un agente de nombre Ashe (Michael Hordern) contacta con él y lo lleva a una cafetería donde se ve con otro de superior rango, Dick Carlton (Robert Hardy) quien le hace un ofrecimiento. 

Cuando se sabe libre de contacto con esos nuevos "colaboradores" tiene lugar un encuentro con su superior en el MI6, Control, y con el agente George Smiley (Rupert Davies ) el hombre que le servirá de cobertura. La única condición que pone a Control y Smiley es dejar en paz y al margen a Nan. 

La propuesta negociada con unos - pero también y otros- es salir de Gran Bretaña con destino a los Países Bajos, pasar desde allí a Suiza para recibir una fuerte cantidad de dinero por sus filtraciones. Nada más llegar a los Países Bajos Carlton lo pone en contacto con el aparentemente hombre fuerte del espionaje en la zona. 

Un hombre de nombre Peters (Sam Wanamaker) que finalmente opta por ponerlo en contacto con el servicio de inteligencia de Alemania Oriental. A ellos le expresa Leamas, su voluntad de desertar y vender secretos británicos por dinero. Peters, quien decide que su información es lo suficientemente importante como para enviarlo a Alemania Oriental. 

En una casa de campo alemana Leamas conoce a Fiedler (Oskar Werner ), quien se convierte en su principal interrogador. Fiedler es un integro interrogador de origen judío que sospecha que la persona que ha causado algunos problemas de solvencia entre los espías de su país no puede ser otro que un hombre llamado Mundt. 

Leamas , mientras pasea por la montaña con su permanente compañero e interrogador, comienza a llevar a cabo su misión secreta, que es compartir información que sugiere que un oficial de inteligencia de alto rango de Alemania Oriental llamado Hans Dieter Mundt (Peter van Eyck ) y de oscuro pasado nazi es un informante pagado de los británicos. La evidencia es circunstancial y, aunque parece implicar a Mundt, 

Leamas refuta repetidamente esa conclusión, afirmando que un importante funcionario de Alemania Oriental no podría haber sido un agente británico sin su conocimiento. 

Sin embargo, y para sorpresa de Leamas y de Fiedler el propio Mundt llega inesperadamente al complejo y arresta tanto a Leamas como a Fiedler por conspirar contra él. Una vez que Fiedler explica sus hallazgos a sus superiores, las tornas cambian y Mundt es arrestado. 

Se convoca un tribunal secreto para juzgar a Mundt por espionaje, y Leamas se ve obligado a testificar. Fiedler presenta un caso sólido para que Mundt sea un agente doble pagado. Sin embargo, el abogado de Mundt descubre varias discrepancias en la transformación de Leamas en informante, lo que sugiere que Leamas es un falso desertor. 

La credibilidad de Leamas se derrumba cuando aparece de golpe Nan, quien se había pedido unos días de persona para ir a un acto del cultural amparado por el partido en Leipzig , pero que el verdad ha sido llevada Alemania Oriental para que testifique y no para el intercambio cultural. 

Tanto ella como él se ven obligadas a testificar en el tribunal y, sin saberlo, revela que ha estado recibiendo pagos de un oficial de inteligencia británico que no es otro que Smiley , como lo había acordado Leamas. 

Ante este testimonio, Leamas admite a regañadientes que efectivamente es un agente británico. Mundt es rehabilitado y Fiedler es arrestado como un embaucador cómplice. Leamas inicialmente cree que ha fallado en su misión y teme una severa represalia por parte de Mundt. 

Sin embargo, en medio de la noche, ve que la puerta se abre. Cuando sale del complejo en el que está encarcelado ve a Mundt que es la persona que ha liberado a Leamas y Nan de sus celdas y les proporciona un plan de escape a ambos. 

Mundt explica que la verdadera misión de Leamas ha tenido éxito; Mundt en realidad es un agente británico, y Fiedler había sido el objetivo de la operación todo el tiempo, ya que había comenzado a sospechar demasiado de su supervisor. Esto es un shock para Leamas. Se da cuenta de que él es un peón en la compleja red en la que se ha visto atrapado y el riesgo en el que lo han puesto sus propios superiores . Explica toda la trama a la aún idealista Nan mientras conducen su coche prestado hacia la frontera. Ella lo reprende por estar involucrado en lo que equivale al asesinato de Fiedler, quien solo estaba haciendo su trabajo. 

Leamas, agitado por su ingenuidad, estalla en una confesión airada y autodespreciable y le dice: ¿Qué diablos crees que son los espías? ¿Filósofos morales comparando todo lo que hacen con la palabra de Dios o con Karl Marx? Ellos no están. Son sólo un montón de bastardos sórdidos y sórdidos como yo, hombrecitos, borrachos, maricones, maridos domesticados, funcionarios públicos que juegan a "indios y vaqueros" para alegrar sus pequeñas vidas podridas. ¿Crees que se sientan como monjes en una celda, equilibrando el bien con el mal? Ayer habría matado a Mundt porque lo consideraba malvado y enemigo. Pero no hoy. Hoy es malvado y mi amigo. 

Sin embargo, el agente acaba descubriendo que su misión es una simple tapadera y él un instrumento al servicio de un complot secreto. Leamas y Nan llegan al Muro de Berlín y reciben instrucciones para pasar a Alemania Occidental en una escalera de emergencia mientras un reflector se apaga intencionalmente. 

Leamas está en la parte superior de la pared tirando de Nan detrás de él cuando de repente el reflector brilla directamente sobre ellos, suenan las alarmas y Nan es asesinada a tiros por los agentes de Mundt, silenciando al único testigo civil de la operación. 

Leamas se congela en estado de shock y horror, y los agentes de ambos lados lo instan a regresar a Occidente. En cambio, comienza a descender hacia el cuerpo de Nan en el lado este de la pared y también es asesinado a tiros. 

La película sigue de cerca la trama del texto fuente original. Una excepción es que el nombre del personaje femenino principal de la novela, Liz Gold, se cambia a Nan Perry en la película, supuestamente porque los productores estaban preocupados por la posible confusión en los medios con la entonces esposa de Burton, Elizabeth Taylor . 

Los estudios Ardmore en Irlanda y los estudios Shepperton de Inglaterra se utilizaron para el rodaje de escenas de interiores. 

The Spy Who Came In from the Cold fue un éxito de taquilla, alcanzando los $ 7,600,000. Recibió críticas positivas y varios premios, incluidos cuatro premios BAFTA  a la Mejor Película británica (Martin Ritt), Actor británico (Richard Burton ), Fotografía en blanco y negro (Oswald Morris), Dirección artística británica (Tambi Larsen ) 

Por su actuación, Richard Burton recibió el Premio David di Donatello al Mejor Actor Extranjero, el Laurel de Oro y una nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor en un Papel Protagonista. 

La película fue nombrada una de las diez mejores películas de 1966 por la Junta Nacional de Revisión - National Board of Review- de los Estados Unidos 

Obtuvo 2 nominaciones al Oscar, al mejor Actor (Burton) y ala mejor dirección artística enblanco y negro (Hal Pereira, Tambi Larsen, Ted Marshall, Josie MacAvin) 

En los Globo de Oro el premio fue al mejor Mejor secundario (Oskar Werner) . El Sindicato de Guionistas (WGA) fue nominada al Mejor guión drama.

La Sociedad Británica de Cinematógrafos le concedió el Premio a la mejor fotografía Oswald Morris , también consiguió el Premio Edgar Allan Poe a la mejor película y mejor guion  para Paul Dehn, Guy Trosper

En los Premios Laurel , le fue concedido el premio a la mejor Actuación dramática masculino para Richard Burton

En cuanto a la crítica  Bosley Crowther de The New York Times escribió: "Después de todas las películas de espías y misterio de naturaleza romántica e inverosímil que hemos visto, es genial ver una tan realista y creíble también, como 'El espía que vino de la Fría '". 

Variety calificó la película como" un excelente drama de espionaje contemporáneo de la Guerra Fría que logra un impacto sólido a través del énfasis en los valores humanos, la ausencia total de trucos mecánicos de espías y una interpretación inferior perfectamente controlada ". 

Philip K. Scheuer de Los Angeles Times escribió: "No es una imagen fácil, ciertamente no agradable, para sentarse; demasiado impersonal, demasiado objetiva, para hacernos llorar, de modo que su final sólo puede dejar nosotros tremendamente deprimidos ". 

Richard L. Coe de The Washington Post declaró: "No habiendo compartido la admiración evidentemente generalizada por 'El espía que vino del frío' en su forma original como novela, sin embargo, la encuentro una imagen totalmente absorbente". 

Brendan Gill de The New Yorker lo llamó "en todos los aspectos una traducción admirable [a] la pantalla del thriller fantásticamente popular de Jean [ sic ] le Carré". 

The Monthly Film Bulletin escribió: "Se exige concentración; y se gana por la tensión y precisión del diálogo y el alto nivel de actuación ... [el elenco] todos ofrecen actuaciones de un tipo que captan la atención al instante, incluso si los personajes apenas se desarrollan más allá del punto en el que los conocemos por primera vez ". 

Ya en España Fausto Fernández en Twitter dijo de ella que "Todo aquello que os ha maravillado en las nuevas películas de espionaje ya estaba en El espía que surguí del frío".

Por miparte decir que estamos ante una gran película de espías. Bien planteada por el director y magníficamente interpretada por Richard Burton, como siempre soberbio. Aguanta perfectamente la cámara en los primeros planos y se entrega a la interpretación al personaje en cuerpo y alma. A destacar la puesta en escena, sobria, lacónica, precisa. 

Por último quiero, y eso es únicamente una opinión, ver en el personaje interpretado por Claire Bloom al alter ego de Ritter. El neoyorkino como Nan, declara abierta su militancia y su fe en la causa comunista, con la que comulga. Pero descubre en sus propias carnes que más allá de la ideología hay estrategias y el deseo que permanencia en el poder. Hay únicamente superviviencia política. Ella no llega a renuncar a la causa, pero le cuesta entender que la causa no contempla la humanidad , sino cumplir con las consignas partidistas. La demostración del carácter acientífico de un socialismo que se quedaba con lo doctrinario, algo que es contrario a la ciencia. 

La colina

 

La batalla de las colinas de Whisky

 

Título mítico que no recordaba haber visto, aunque conocía a la perfección el tema principal de su banda sonora que sin mirar en ningún sitio podía atribuir al gran compositor musical que fue Elmer Berstein. Su música tienen un sonido absolutamente indentificable, una marca de agua permanente. Lo cierto es que tenía como objetivo ver desde hacía años esta película presentada en España como La batalla de las colinas del whisky, aunque su nombre oficial es The Hallelujah Trail, y el objetivo se ha conseguido. 

Estamos hablando de un western, pero en clave de comedia, presentado como una épica batalla con narrador incluído y , efecticvamente, la película responde a ese idea de desmitificar al mito, desde el humor que irán protagonizando una partida de indios sioux, unos integrantes de la caballería, un grupo de mujeres feministas y partidarias de la eliminación del alcohol, un empresario que se gana su sustento con el whisky, un grupo de mineros sedientos que temen por su diversión así como una partida de carreteros irlandeses que pretenden defender sus derechos laborales. Todo ello unido a la música, a situaciones absurdas, a la interacción de los grupos y a un excelente elenco dan lugar a un western en clave de comedia inolvidable. 

El encargado de poner orden en este previsible desorden no fue otro que el director y en este caso también productor John Sturges, ese director de Illinois nacido en 1910 que por aquí ha pasado ya en varias ocasiones con algunos de sus títulos, unos pulicados y otros no,  responsable que fue de películas como Fort Bravo, Conspiración de Silencio, El Sexto Fugitivo, Duelo de Titanes, Más Rápido que el Viento, Desafío en la Ciudad Muerta, Joe Kidd, McQ, El Viejo y el Mar, El Último Tren de Gun Hill, Los Siete Magníficos, La Gran Evasión, Estación Polar Cebra, Atrapados en el Espacio... o esta La Batalla de las Colinas del Whisky. 

Para ello contó con el respaldo en este último título por las productorasThe Mirisch Corporation , Kappa, y con un presupuesto de $ 7 millones y el respaldo en la distribución de la United Artists. La película parte del guion escrito por John Gay basado en el libro del mismo título (publicado originalmente como "El tren del aleluya") de Bill Guilick en 1963. 

En la mítica música de la película está el citado Elmer Bernstein y cuenta además con la participación en la fotografía de Robert Surtees y el montaje de Ferris Webster. 

En cuanto al reparto lo encabezan Burt Lancaster como coronel Thaddeus Gearhart y Lee Remick como Cora Templeton Massingale. Junto a ellos están Jim Hutton como el capitán Paul Slater, Pamela Tiffin como Louise Gearhart ( por cierto fallecida hace muy poco, en diciembre de 2020), Donald Pleasence como Oracle Jones, Brian Keith como Frank Wallingham y Martin Landau como Walks-Stooped-Over. Junto a ellos aparecen John Anderson como el sargento Buell, Tom Stern como Kevin O'Flaherty, Robert J. Wilke como Jefe sioux 5 Barriles, Dub Taylor como el jefe de la milicia de los mineros Clayton Howell, Whit Bissell como Hobbs, el editor del periódico, Helen Kleeb como Henrietta, una de las mujeres , Val Avery como camarero de Denver, Noam Pitlik como el presunto intérprete indio, Billy Benedict como Simpson, uno de los mineros, Hope Sommers como la Sra. Hasselrad, Ted Markland como , Larry Duran como uno de los cuñados sioux, Jerry Gatlin como otros de los cuñados del jefe, Marshall Reed como el teniente Carter, James Burk como Elks Runner, uno de los indios, John McKee como Rafe Pike, uno de la milicia, junto con Bing Russell como Homer, y Buff Brady como Bilkins. 

La película se abre con unos títulos de crédito de historieta que parece augurar el tono cómico. Y tras ello comienza con en un estilo pseudodocumental sobre lo que supuso el fin de la guerra de secesión y la expansión por el oeste. 

Tras esto se nos habla de la grandeza de ese espacio lleno de montañas y praderas , donde habitaban los nativos americanos y el que llegaron miles de colonos. Todo ello narrado con cierta ironía por John Dehner que proporciona antecedentes históricos y contexto, e interrumpe periódicamente la historia narrada para mostrar gráficos animados que ilustran las posiciones estratégicas de los distintos grupos participantes. 

Estamos en el otoño de 1867, y el primer espacio urbanizado que vemos del oeste es la floreciente ciudad minera de Denver en Colorado que se venir un grave problema para el inminente invierno: no les queda whisky para poder pasar el largo y crudo invierno como predice el Oráculo de la ciudad, un borrachín, un guía local y vidente (pero solo cuando está bajo la influencia del alcohol) llamado Oracle Jones (Donald Pleasence) , ante la pregunta del líder de los mineros Clayton Howell, (Dub Taylor) y del camarero jefe del saloon (Val Avery). 

Preparan entonces un plan para traer un gran cargamento de bebida a la ciudad y dar satisfacción a los ciudadanos bebedores que temen una escasez de whisky . Siguiendo el consejo de Oracle Jones ( Donald Pleasence ), la población organiza un envío masivo, cuarenta vagones llenos de whisky que serán fletados por la Wallingham Freighting Company, bajo la dirección del propietario de la empresa Frank Wallingham ( Brian Keith ), quien se describe a sí mismo como un " buen contribuyente y un buen republicano ". 

El cargamento es portado por un grupo de carretas dirigidos por conductores irlandeses que tienen como líder a Kevin O'Flaherty (Tom Stern ). 

Mientras tanto en el Fort Russell ante la ausencia de la máxima autoridad del mismo el coronel Thaddeus Gearhart ( Burt Lancaster ) está bajo la dirección del joven capitán Paul Slater ( Jim Hutton ) de la Caballería de los Estados Unidos que a su vez está saliendo con la hija de Gearhart ( Pamela Tiffin ). 

La hija de Gearhart está comprometida con Slater pero también fascinada por el mensaje de la Sra. Massingale que ha llegado al fuerte procedente de Julesburg. Precisamente el Capitán Slater ha autorizado un acto dentro del fuerte Russell protagonizado por líder de la Liga antialcohólica y a favor del derecho de las mujeres como es Cora Templeton Massingale ( Lee Remick), una mujer que ha enviudado en dos ocasiones, y que ha reunido a un buen grupo de sus seguidoras en el fuerte. 

Precisamente cuando el coronel está a cierta distancia en pleno desierto escucha las canciones propulsadas por la Liga mientras desfilan en su interior ue se hacen acompañar por la banda de la Caballería de los Estados Unidos desplegada en el fuerte a la que se han sumado las salvas de los cañones de la entrada. 

Nada más llegar el Coronel descubre lo que está pasando y tras ordenar el encarcelamiento de los integrantes de la banda militar da un plazo de un día para que salga la activista Cora así como ordena a su hija cierta compustura en su relación con Slater y como seguidora de Cora Templeton Massingale. Sin embargo, el coronel recibe la orden de custodiar el cargamento. 

Ante esas noticias las mujeres del grupo de Cora Templeton Massingale, encabezada por ella, desean interceptar el tren y destruir su contenido; su grupo será escoltado por una segunda división de caballería bajo el mando de un reacio coronel Gearhart. 

Por otro lado los indios sioux , encabezados por los jefes Five Barrels o Cinco Barriles ( Robert J. Wilke ) y el chamán del grupo, Walks-Stooped-Over ( Martin Landau ), no llegan a un acuerdo con los crow para hacerse con la expedición de whisky ya que las noticias de que están recorriendo las llanuras en dirección a Denver han llegado a sus campamentos.

Como vemos esta carga se convierte en el objetivo de varios grupos diversos, cada uno con sus propios líderes y planes. 

El joven capitán Paul Slater ( Jim Hutton ) de la Caballería de los Estados Unidos es asignado por el comandante de Fort Russell, el coronel Thaddeus Gearhart ( Burt Lancaster ) para escoltar el Wallingham Wagon Train, y simplemente desea cumplir sus órdenes. 

Mientras tanto en la Wallingham Wagon Train comienzan a protestar un grupo de camioneros irlandeses , contratados como conductores de carretas, que desea hacer huelga a menos que se distribuyan raciones de whisky. 

A pesar de sus personalidades extremadamente diferentes y su incapacidad para verse cara a cara, el curtido Gearhart y la hermosa Cora Massingale se enamoran. Mientras desde Dever una milicia de ciudadanos de Denver, dirigida por Clayton Howell ( Dub Taylor ) y guiada por Oracle, preocupada por el suministro de bebidas se lanza a custodiar la carga así que van a su encuentro. 

Inevitablemente, los diversos grupos convergen en un punto que desde entonces será las colinas del Whisky.Sobre tres colonias se han asentado los sioux para atacar la caravana del whisky, pero desde el Oeste se aproxima la milicia y desde el este el cargamento ahora acompañado por el capitán Slater. Igualmente desde el norte llega el grupo del coronel Gearhart con las mujeres. 

Cuando los indios están preparados para atacar se orih¡gina una enorme tormenta de arena cegadora en la que unos grupos van a luchar contra otros por la propiedad de la carga. Muchos disparos, muchas escaramuzas , pero ningun daño. 

A la mañana siguiente , tras el fracaso de todos, unos de defender la carga, otros de apoderarse de ella el Coronel decide iniciar propuestas diplomáticas para poner fin al dasaguisado. Vemos que Gearhart está cada vez más cansado de la situación ya que tras la incruenta batalla los indios quieren negociar un regalo que no es otro que el cargamento de whisky. 

Por su parte los carreteros irlandeses siguen en huelga reivindicando mejoras salarias y materiales, los militares quieren marcharse al Fuerte y la milicia llevarse el whisky a la ciudad , ante la oposición de la mujeres. Sin acuerdo alguno, aunque los militares creen que sí dado el error en la tradución por parte del interprete (Noam Pitlik) que se entera de la mitad de lo que dice. 

Aunque no hay acuerdo la caravana toma dirección a Denver por la llanura de las arenas movedizas. Antes de entrar en ese peligroso espacio y mientras el capitan Slater cree que está llegando a un acuerdo con los indios se va a producir un hecho que lo cambia todo. 

Los sioux capturan un grupo importante de mujeres del grupo de la Templanza para reforzar sus demandas de bebidas alcohólicas, mientras esto se producía Massingale introduce en las carretas a algunas de sus activistas para acabar con la carga. 

A la vez Wallingham compinchado con Oracle Jones está organizando la ruta por el pantano de arena movediza para evitar que las carretas y su carga se hunden en los pozos. 

Como la posición de los indios se hace fuerte, se negocia con ellos para que se lleven diez carromatos cargados con una buena cantidad de barriles tanto de whisky como de champán a cambio de las mujeres retenidas. 

La salida a toda carrera de los carromatos es aprovechada por la milicia para seguir la linea marcada por Oracle por el pantanal cenagoso, sin saber que el grupo de Cora ha cambiado los puntos de indetificación por lo que la mitad de la carga terminará hundiéndose en las arenas movedizas. 

Por su parte los indios borrachos con el champán son perseguidos por la caballería ya que Walks-Stooped-Over ha secuestrado a Cora. 

La carrera, el champán y beber en cantidad lleva a la derrota de estos que renuncian a su "regalo". Los participantes se dispersan, en su mayoría decepcionados. 

Sin embargo, para el coronel Gearhart y el capitán Slater, la historia termina con una doble boda en el Fuerte Russell. Mientras que Wallingham y Oracle esperan en el pantano a que el suministro de whisky reflote, cosa que ocurre al final vcuando los barriles broten de las arenas movedizas. 

Por último el narrador nos informa que la vida en el oeste continúa, pero que ese año el invierno de 1867 se convirtió en uno de los más suaves. 

La película se rodó entre el verano y el otoño de 1964, en distintos puntos del oeste y en estados distintos. Se rodó en Portal, Arizona, pero especialmente en Nuevo México , en concreto en Gallup, Shiprock, Coyote Canyon, Santa Rosa, Tohatchi y Twin Lakes. Igualmente se rodó en California en las Alabama Hills, sitas en Lone Pine. 

Durante el rodaje en Nuevo México, el equipo se enfrentó a unas inusuales lluvias, la más fuertes en esa región en 50 años. En el  mismo falleció un especialista. En concreto, Bill Williams murió el 13 de noviembre de 1964 mientras realizaba un truco que involucraba a un carro que caería por un acantilado. El truco requería que Williams y otro especialista guiaran un carro tirado por caballos hacia un acantilado. Cuando los caballos se separaron, se suponía que ambos hombres saltarían mientras la carreta continuaba por el acantilado. Williams no logró saltar a tiempo y murió como resultado de la caída. La escena se mantuvo en la película. Se suponía que la secuencia en la que murió el especialista Bill Williams se eliminaría durante la edición, como quería John Sturges. . Pero los productores, los hermanos Mirisch, insistieron en mantenerla en la película.

Según el guionista John Gay, Doris Day estaba interesada en el papel que finalmente fue para Lee Remick. Al parecer, Burt Lancaster no se llevaba bien ni con Brian Keith ni con Lee Remick. 

Lo cierto es que Burt Lancaster fue obligado por United Artists a hacer cuatro películas por 150.000 dólares por cada una de ellas en la década de 1960: Los jóvenes salvajes (1961), El hombre de Alcatraz (1962), El tren (1964) y La batalla de las colinas del whisky (1965) y en lugar de su tarifa normal de $ 750,000, debido a sobrecostos que había sufrido su compañía de producción, Hecht-Hill-Lancaster, de la cual él era personalmente responsable. 

La película fue una de varias comedias "épicas" de gran formato y pantalla ancha producidas en la década de 1960, muy parecidas a La gran carrera y El un mundo está loco, loco, loco , combinado con la grandeza épica del western. Como las anteriores era una película coral y fue filmada en Ultra Panavision 70 y presentado en cines seleccionados a través del proceso de gran tamaño Super Cinerama . 

A destacar su música , especialmente el Hallelujah Trail y el We Will Save compuesto por Elmer Bernstein y Ernie Sheldon y que resuenan en gran parte de las 2 horas y 45 minutos. 

La película se estrenó el 23 de junio de 1965 consiguiendo una pobra taquilla de $ 4,000,000, muy por debajo de lo esperado. 

Con respecto a la crítica señalar que La guía de películas de Leonard Maltin (edición 2013) destaca de The Hallelujah Trail el personaje de Lee Remick que se presenta como un "líder rebelde de la templanza" y concluyendo el artículo con "la sátira western es amable, pero pesada, y sigue y sigue". 

Para Steven H. Scheuer escribió sobre ella señalando que "había poco de qué aplaudir en esta confusa saga" y como "el director John Sturges y las estrellas tropiezan en un camino largo -casi tres horas- y banal que ha sido explorado mucho más satisfactoriamente por innumerables cineastas en el pasado ”. Al describir la trama como "torpe" y señalar a los "indios sedientos de caricaturas de Hollywood", la revisión concluyó que "Lancaster parece comprensiblemente aburrido hasta la muerte, y Lee Remick está mal interpretado y perdido".  Concluyendo que era una "comedia torpe" . 

Al igual que en Maltin , The Motion Picture Guide (edición de 1987) a "basicamente, esta es una trama de una broma con algunas viñetas y gags a lo largo del camino. (El relato) se mantiene unido por una narración discreta de Dehner, que en sí misma es bastante inteligente. Sin embargo, la descripción de los indios en esta película es más que un poco inquietante ". 

Entre las referencias de la crítica británica, Leslie Halliwell , en su Film and Video Guide señala que la película está " inflada, prolongada y poco inventiva western de comedia con una narrativa de pobre agarre; todo vestido y sin ningún lugar adonde ir ". 

Ya en España Fernando Morales en El País escribió en El país que es un "Divertido western en clave de comedia, que narra las aventuras de una caravana repleta de bebida para unos sedientos mineros. Simpática cinta encabezada por un jovial Burt Lancaster".

Más duro es en este caso Fausto Fernandez quien en distintos tweets considera que la película es un "Acromegálico western cómico de J. Sturges no del todo conseguido, aunque disfrutable". Pero después irá endureciendo su crítica al señalar que es una "Elefantiásica comedia (sin gracia), un western en Cinerama donde John Sturges pone oficio y poco más, mientras que Martin Landau hace el indio borrachín". Y añade "No se acaba nunca este western cómico sin gracia (Martin Landau algo), infladísimo y, eso sí, con un score de Elmer Bernstein dando la talla. Es ...mera acumulación pero ni así. Un auténtico desperdicio de actores, metraje y dinero para nada, para dormir la siesta, interminable y presuntamente cómico (nunca me ha hecho gracia) western. Una lata... 

Por mi parte señalar que me ha gustado este western en clave de comedia que hoy no pasaría un filtro de lo politicamente correcto por su presentación de la comunidad nativaamericana, aunque sí por el deseo de mostrar una auténtica reivindicación feminista embarcada en una cruzada contra el alcohol que influye tan negativamente en los hombres condicionando tanto a las mujeres. 

Considero que su punto debil está en un metraje extenso, pero que la labor de actores y actrices y algunos gags cómicos permiten que funcione la película y fluyan las historias hasta llegar a su final. Destacar del mismo su banda sonora , el tono coral, ligero ne todo momento y los espacios como siempre una parte fundamental en estas historias. Hallelujah, hallelujah...