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sábado, 9 de diciembre de 2017

¿Vencedores o vencidos?


Hace unos años estuve paseando por la ciudad bávara de Nüremberg. Me impresionó el conjunto monumental que contenía. Pero siempre cuando entraba en uno de sus edificios, especialmente, del casco antiguo leía una y otras vez que se habían reconstruido tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. 

Al llegar a mi casa busqué en Internet las imágenes de lo que fueron los edificios históricos y como quedaron los mimos una vez que la ciudad quedó arrasada tras los bombardeos, siempre se repetía la labor aniquiladora de la escuadra británica dirigida por Harris, Arthur "Bombardero" Harris, Comandante en Jefe del Comando de Bombarderos de la Real Fuerza Aérea y, más tarde, mariscal de la Real Fuerza Aérea británica en su intento de conventrizar la ciudad alemana que había sido el símbolo del nazismo. 

Recordé en ese momento la película de Leni Riefenstahl y su película sobre El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, 1934) en la que la ciudad es tan protagonista como el lunáticos y los lunáticos seguidores de uno de los mayores criminales de la Historia. Criminales que, parte de ellos, fueron juzgados en la ciudad en los llamados en inglés Judgment at Nuremberg. La película que intentó sacar a la luz el papel de la judicatura nazi y su responsabilidad en la consolidación de este régimen totalitario , así como su inhumanidad recibió este título en inglés, aunque en España fue traducido por el de ¿Vencedores o vencidos? 

Se trata de una película estadounidense del año 1961 producida por Philip Langner para la productora Roxlom Films, contando con el amparo de la distribución de la United Artists y la Metro-Goldwyn-Mayer, que manejó un presupuesto de 3.000.000 $ y que dirigida por Stanley Kramer, fallecido en 2001, también un reputado productor - como es este caso- y que contó para la misma con un reparto coral de estrellas estadounidenses y europeas. 

Kramer que era conocido en todo Hollywood por sus ideas liberales y que nunca fue incluido en la lista negra de Hollywood contaría para ello con un guión del escritor judío - de origen ruso- Abby Mann partiendo para el mismo de la obra Sentencia en Nuremberg , escrita en 1959 por el mismo Abby Mann para la serie de televisión de la CBS, Playhouse 90 y donde se foguearon grandes actores y directores como John Frankenheimer . Abby era un hombre que se destacó por utilizar temas de contenido ético en sus guiones para el cine y la televisión. 

De hecho en este caso fue inicialmente fue un drama televisivo homónimo que se emitió en 1959 y en el que participaban Maximilian Schell , Werner Klemperer , Torben Meyer y Otto Waldis en los papeles que repetirían en la película de 1961, pero con un elenco diferente, como Claude Rains en el papel de Spencer Tracy y Paul Lukas en el papel de Burt Lancaster . 

Kramer para esta película tirará de uno de los grandes músicos del momento Ernest Gold, estadounidense pero nacido en Austria y que se mudó a los Estados Unidos en 1938, después del Anschluss de Austria. Tras trabajar en Nueva York y ser pianista de acompañamiento, así como componer canciones, pero también perfeccionarse con maestros Otto Cesana y Leon Barzin en la National Orchestra Association, pasó a Hollywood en 1945 para trabajar con Columbia Pictures . Durante los siguientes diez años, continuó trabajando en películas de serie B , principalmente orquestando y organizando música para western y melodramas. Sin embargo, en 1955 Stanley Kramer le pidió que orquestara Not as a Stranger (1955). La música para la película fue escrita por George Antheil . Esta producción abrió la puerta para que Gold trabaje con otras partituras escritas por Antheil y orquestar más películas de Kramer. Gold trabajó en casi todas las películas que hizo Kramer, incluido A Child Is Waiting y It's Mad Mad Mad Mad World . En 1959 cuando Antheil enfermó y no pudo componer una de sus películas, recomendó a Gold para el trabajo. Gold fue el director musical de la Orquesta Sinfónica de Santa Bárbara y fundador de Los Angeles Senior Citizens Orchestra. 

La labor de fotografía fue del húngaro nacionalizado estadounidense Ernest Laszlo miembro que fue de la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos , y su presidente desde 1972 hasta 1974, y que entre 1961 y 1976, fue nominado para ocho Premios de la Academia a la Mejor Fotografía ,mientras que el montaje lo fue de Frederic Knudtson, habitual editor de la obra de Kramer y que recibió seis nominaciones al Premio de la Academia de Edición de Cine , incluyendo cinco en los seis años anteriores a su muerte acaecida en 1964, a los 57 años. 

El reparto está integrado y encabezado por Spencer Tracy como el Magistrado Jefe Dan Haywood, junto a él aparecen otras estrellas del Hollywood dorado como Burt Lancaster como el juez alemán y nazi Dr. Ernst Janning y Richard Widmark como el Coronel y fiscal , representante de la acusación Tad Lawson y Marlene Dietrich como la Señora Bertholt, Maximilian Schell como el abogado de defensor Hans Rolfe , Judy Garland como la Señora Irene Hoffman Wallner y Montgomery Clift como el testigo de la acusación Rudolph Petersen. 

Junto a ellos aparecen Ed Binns como el Senador Burkette, Werner Klemperer como otro de los jueces acusados Emil Hahn , al igual que el que asuma Torben Meyer como el juez Werner Lampe y Martin Brandt como otro de ellos, Friedrich Hofstetter. También aparece un joven William Shatner como el Capitán Harrison Byers (ayudante de Haywood), al igual que Howard Caine como Hugo Wallner , el esposo de Irene, John Wengraf como el Herr Justizrat Dr. Karl Wieck - ex Ministro de Justicia durante la República de Weimar , Karl Swenson como Dr. Heinrich Geuter , el abogado de Feldenstein, Ben Wright como Herr Halbestadt, mayordomo de Haywood, Virginia Christine como la Sra. Halbestadt, ama de llaves de Haywood, Kenneth MacKenna como el juez Kenneth Norris, Ray Teal como el juez Curtiss Ives, Alan Baxter como Brigada General Matt Merrin, Joseph Bernard como el comandante Abe Radnitz , asistente de Lawson, Olga Fabian como la Sra. Elsa Lindnow , testigo nazi en el caso Feldenstein, Otto Waldis como Pohl, Paul Busch como Schmidt y Bernard Kates como Max Perkins. 

La historia comienza con la imagen de destrucción de la ciudad del norte de Baviera tres años después del final del conflicto, en 1948. Vemos la llegada a la ciudad del juez titular que ha de juzgar a los cuatro jueces, cómplices de la política nazi de esterilización y limpieza étnica, que , al igual que antes con los jerarcas y los oficiales y suboficiales serán juzgados en Nuremberg. 

El que llega ahora procedente de su Maine natal es Dan Haywood (Spencer Tracy), un juez norteamericano retirado, que debe asumir la importante responsabilidad de presidir este juicio contra los jueces que intervinieron como crímenes de guerra nazis. 

Dan Haywood, es consciente que , antes que él, otros muchos jueces han renunciado a juzgar a sus colegas profesionales, porque entre otras cosas, lo que ocurre ya en Alemania, tres años atrás del fin del conflicto ya no interesa en los Estados Unidos. 

Ante el tribunal, defensa y acusación confrontarán sus posiciones sobre si los jueces nazis eran conocedores o no del exterminio que estaba realizando el gobierno alemán apoyándose en testigos que sufrieron esta injusta política. 

El Juez Dan Haywood ( Spencer Tracy ) es el Juez Principal de un plantel de tres jueces que escuchará y decidirá el caso contra los acusados. 

Haywood comienza su examen tratando de averiguar cómo el acusado Ernst Janning ( Burt Lancaster ), un prestigioso y muy reputado jurista antes de la guerra,  pudo haber sentenciado a tanta gente a la muerte. Janning, se revela, es un jurista y erudito legal bien educado e internacionalmente respetado. Haywood busca entender cómo el pueblo alemán podría haber hecho oídos sordos a los crímenes del régimen nazi. 

El juicio da comienzo cuando se abre la sesión pidiendo que Dios bendiga a los EEUU y a este honorable tribunal. Entra el juez principal y los otros dos componentes del tribunal.

Se presentan los cuatro acusados, jueces, que van a representar el juicio de Nuremberg. Emil Hang, Fiedrich Höfsteter, Werner Lampe y el más importante de todos, Erns Janning.

Como se puede ver, los cuatro hablan en alemán, lo que aumenta la tensión y le da un tono casi documental.

Erns Janning protesta contra el juicio quitándose los cascos. Habla el ministerio fiscal. Y señala la peculiaridad del juicio, porque se atribuyen a los acusados crímenes cometidos en nombre de la ley. Personifican lo que pasó con la justicia en el III Reich. Ellos eran jueces. El tribunal es el alma de la ley, y sabiéndolo los jueces nazis destruyeron la justicia y la ley en Alemania.

Pero lo que se les atribuye los crímenes más calculados y perversos de la historia de la humanidad.con los argumentos del Fiscal (Richard Widmark).

Según él, se está ante crímenes cometidos en nombre de la ley. Los acusados pervirtieron el derecho y la justicia en Alemania, sin que puedan justificar sus acciones, amparándose en unas leyes manifiestamente injustas que eran un instrumento al servicio del crimen y de la más absoluta arbitrariedad.

Le replica el abogado defensor que lo hace en alemán y considera que el juicio quiere consagrar de nuevo el templo de la justicia, y el establecimiento de un código de justicia que responsabilice al mundo entero con una clara y honesta valoración de los crímenes.

Destaca el papel de Erns Janning es uno de los juristas más conocidos de Alemania, y su función va mucho más allá de la época nazi. “Un juez no es quien promulga leyes, es quien hace cumplir las de su país”, “mi patria ante todo, con razón o sin ella” dicha por un patriota americano, pero también vale para un alemán.

El argumento de la defensa es pues que estos jueces se limitaron a aplicar las leyes promulgadas por su país, sin entrar a valorarlas o discutirlas, cumpliendo ante todo con su papel de patriotas, más allá de si las leyes que aplican son justas o no. Según el abogado defensor, a quien verdaderamente se juzga es al pueblo alemán.

Veremos que una de las cosas más importantes que se rastrean en la película es precisamente si se puede atribuir alguna responsabilidad al pueblo alemán, o si todo el período nazi no es más que el resultado de la locura de unos pocos. Los abogados reflexionan sobre esa responsabilidad.

El juez está interesado por conocer a los alemanes, y profundizar en esta verdadera cuestión. Poco a poco comienzan a plantearse aspectos agradables y positivos, tradicionales del pueblo alemán, que dan una imagen distinta en apariencia de lo que fue la época nazi.

Visita el estadio de Nüremberg, lugar de celebración de los famosos mítines de Hitler enla ciudad , mientras oímos de fondo nuevamente el himno nazi y vemos el lugar donde Hitler emitía sus famosos discursos.

El abogado defensor habla con Janning y le da su visión del asunto. Los casos más difíciles son los decretos de esterilización y el caso Feldenstein-Hoffmann.

La acusación propone al primer testigo, el doctor Beack. Profesor de Janning. Especialmente significativa en este sentido es la declaración de el  Dr. Karl Wieck (John Wengraf ) ex Ministro de Justicia durante la República de Weimar , que dice que fue su pupilo en la juventud, un miembro de la judicatura brillante, así como posteriormente tras el triunfo nazi, se incorporó sin duda a la estructura administrativa de la judicatura e impulsó las leyes de Nüremberg, contra matrinonios mixtos o aceptó sin rechazar la  ideas eugenésicas del régimen.

De hecho declara que fue su colaborador en el Ministerio de Justicia entre 1929 y 1935, sirve al Fiscal para aclarar cuál era la situación de los jueces en Alemania antes y después de la llegada del nacionalsocialismo al poder, y también para mostrar que a los acusados les hubiera sido posible dimitir -como hizo el propio Dr. Wieck-, evitando así formar parte de un régimen criminal.

Wieck explica que antes de Hitler, los jueces gozaban de absoluta independencia en Alemania. Después, todo cambió: los jueces dejaron de orientar su labor a la realización de la justicia y comenzaron a juzgar los casos centrando su atención en la protección del Estado, que era el principal cometido del juez.

Asimismo, desapareció la posibilidad de recurrir las sentencias; el Tribunal Supremo fue sustituido por tribunales populares; el concepto de raza adquirió carácter legal, y se generalizó la aplicación de la pena de muerte y la esterilización de personas consideradas "asociales". La consecuencia de todo ello, según Wieck, fue que la administración de justicia se convirtió en un instrumento más de la dictadura.

A la pregunta del juez Haywood sobre si los jueces reaccionaron frente a la pérdida de su independencia, Wieck contesta que algunos lo hicieron y dimitieron o fueron forzados a dimitir, mientras que otros se adaptaron a la situación. A ello añade, en respuesta a otra pregunta del juez, que quizá al principio se pudo albergar alguna duda respecto a cuáles iban a ser las consecuencias de estos cambios, pero que posteriormente era evidente hacia dónde se encaminaba la situación. 

El Fiscal presenta otros dos testigos. Por una parte, llama a declarar a Rudolph Petersen (Montgomery Clift), un ayudante de panadero que fue esterilizado forzosamente a causa de su debilidad mental.

La defensa alega una serie de razones relacionadas con la situación de Alemania: hambre, existía disensiones internas, y había un partido comunista, que era el tercer partido en Alemania y en el que militaba el padre de Petersen.

Sobre la esterilización el abogado defensor lee un párrafo de un alto tribunal: “Hemos visto más de una vez que por el bien público se puede pedir a los mejores ciudadanos la entrega de sus vidas, sería pues extraño que no se pudiera pedir también a los que ya han minado el vigor del estado, un sacrificio menor a fin de prevenirnos de ser inundados por la incompetencia. Es mejor para todos que en vez de esperar a ejecutar a unos degenerados por sus crímenes o dejarles sumidos en la imbecilidad la sociedad pueda impedir su propagación por medios científicos principalmente. Tres generaciones de imbéciles son suficientes”.

El testigo Rudolf Petersen  está nervioso y parece afectado. Ahora se deja en el aire la idea de la debilidad mental que los comunistas podrían representar. El abogado defensor demostrará que Rudolf Petersen es retrasado mental, hijo de comunistas. Su padre era empleado de ferrocarriles, “subiendo y bajando la barrera del paso a nivel para el tránsito”. Cinco hermanas y cuatro hermanos, una gran familia de imbéciles. ”.

El abogado, pretendiendo demostrar su imbecilidad, cree que puede justificar la esterilización. Sólo fue seis años a la escuela, donde no fue un buen estudiante. El abogado trata al testigo como deficiente mental. En la escuela ya se le consideró retrasado mental. Sus padres fueron también retrasados mentales, además de comunistas acusados de  inadaptación social.

Los jueces deliberan y comentan la obra de Janning, que fue uno de los fundadores de la constitución de la Alemania de Weimar. El juez admira a Janning, y en principio piensa en apoyarle si no hay pruebas en contra.

En la cocina se encuentra con la señora Bertolt, antigua dueña de la casa. Ahora es una viuda ( Marlene Dietrich ) , la de un general alemán que había sido ejecutado por los Aliados, una vez juzgado. Ella , persona culta y sin tacha política, le presenta la visión de la clase alta alemana ante el nazismo, pero también como no hicieron nada para frenarlo.  Sale a relucir en la película , el proceso de Malmedy es otro de los procesos en donde se ejecutaron a militares alemanes.

Él habla con varios alemanes que tienen diferentes perspectivas sobre la guerra. En la conversación con los sirvientes, el juez sigue indagando acerca de la responsabilidad del pueblo alemán en la época nazi. Fingen no saber nada de lo que era el nazismo. Su respuesta es que no entienden de política.  Es de notar, cómo la respuesta de estos sirvientes corresponde en apariencia al tono atribuido generalmente al pueblo llano, ignorante y poco comprensivo acerca del alcance de la política. Entre ellos los mayordomos que tienen asignados, personas que dicen no haber conocido nada del campo de prisioneros de Dachau, en las cercanías de Munich, y no muy lejano de esta ciudad bávara. Sin embargo, entrelo que dice el marido y la mujer se reflejan ciertas contradicciones que hacen dudar de la verdad de lo que hizo Hitler.

Les pregunta el juez por Dachau, un campo de concentración, a escasos kilómetros de Munich y relativamente cerca de Nüremberg, y su negativa es tan escurridiza que muestra efectivamente cómo se comprometieron en el nazismo, a pesar de lo que sufrieron en la guerra. La sirviente le dice quye Hitler construyó autopistas y dio trabajo, hizo cosas buenas, se dice, lo demás “no podíamos saberlo, muy pocos alemanes lo sabían”, pero “aun sabiéndolo, qué hubiéramos podido hacer”. Es evidente que lo sabían.

Vemos cómo se manifiesta a lo largo del film esta distinción de clases, que había heredado Alemania, entre nobles y plebeyos que opera detrás de todas las acusaciones.

Otros personajes que el juez conoce son el capitán del ejército estadounidense Byers ( William Shatner ), asignado a la parte estadounidense que conoce los casos, y que lleva dos años en el país ocupado y que , en este momento , está saliendo con una chica alemana.

Janning , mientras en el patio de la prisión en la que está, aparecerá como un noble que odiaba a Hitler, igual que todos los verdaderos soldados alemanes, mientras que quienes le apoyaron , como alguno de sus compañeros, eran todos unos mediocres arribistas oportunistas.

Poco después se recaba la presencia de Irene Hofmann Wallner (Judy Garland) para dar cuenta del caso Feldenstein, en el que Feldenstein, un judío, fue condenado a muerte porque, según algunos testigos, mantuvo relaciones íntimas con Irene Hofmann cuando ello estaba legalmente prohibido por las leyes de Nuremberg.

Además de las esterilizaciones masivas y del caso Feldenstein, el Fiscal presenta cargos contra los acusados por ordenar el arresto y el envío a campos de concentración -como acredita documentalmente- de cientos de personas acusadas de deslealtad o resistencia, aplicando un Decreto firmado por Hitler.

Como testigo personal de las atrocidades cometidas en dichos campos, el fiscal pide que se le tome juramento para testimoniar lo que halló el ejército norteamericano al liberar algunos campos de concentración, al tiempo que ilustra su declaración con la proyección de una película con imágenes dantescas de aquellos campos. 

Pero es de destacar la declaración de Irene Hoffmann ( Judy Garland ). Para conseguir su declaración el abnegado fiscal atraviesa un Berlín en el que vive la chica, devastado por las bombas, y pasa ante los restos del parlamento , la puerta de Brandemburgo hasta dar con la chica.

El fiscal no quiere que queden impunes, el actual marido de Irene le pregunta si no cree que de verdad no quedarán así. Para los testigos, la vida en Alemania se hace muy difícil, entre los alemanes sigue existiendo mucha gente que apoya a escondidas el nazismo, y los testigos tienen miedo.

Un hombre judío, el señor Feldenstein, acusado de haber tratado sexualmente con una mujer aria, fue condenado a muerte por corrupción racial. El juicio fue utilizado en la propaganda del nazismo, coincidiendo con la concentración nazi de Nuremberg.  El reo Emil Hang, actuó como fiscal  encargado de condenar a muerte al hombre judío.

Antes de esto se procede por parte del  fiscal a presentar el decreto firmado por Hitler ordenando que todos los acusados o sospechosos de deslealtad o resistencia de cualquier clase fuesen arrestados secretamente y sin advertir a nadie fueran internados en campos de concentración, y órdenes firmadas por estos jueces.

Vemos ahora parte del famoso vídeo grabado sobre los campos de concentración nazis: Obsérvese los lugares de los campos de concentración nazis. Buchenwald 1933, ochenta mil prisioneros. Lema: destrozar el cuerpo, destrozar el espíritu, destrozar el corazón. Hornos, etc., dientes de oro, pantallas de piel humana, cabezas de obreros polacos reducidas, pelvis empleada como cenicero. Los cuerpos de los que llegaban en vagones a veces morían. Se experimentaba con ellos.

La defensa responde al documental. Las operaciones eran secretas, de modo que los alemanes no se enteraban de lo que pasaba. Sólo unos cuantos extremistas eran responsables. Muy pocos lo sabían. Plantea qué tipo de responsabilidad, qué debe hacerse en casos semejantes: abandonar, o continuar mitigando las consecuencias. Aduce que Janning tenía un sirviente judío, que no condenó ni acusó, como si esto justificara algo.

El abogado defensor pretenderá mostrar que en realidad mantuvieron relaciones sexuales, como si ello fuera suficiente argumento para exculpar a los jueces nazis de su condena, “por haberse limitado a cumplir con su deber”.

El abogado defensor alemán Hans Rolfe ( Maximilian Schell ) sostiene que los acusados ​​no fueron los únicos que ayudaron, o al menos cerraron los ojos, al régimen nazi. También sugiere que Estados Unidos ha cometido actos tan malos o peores como los perpetrados por los nazis.

Al presentar el caso de Irene Hoffman, tratando de nuevo de probar que mantuvieron relaciones sexuales, como si esto pudiera ser considerado un delito, incluso aunque una ley lo establezca. Pero el propio Janning le plantea al abogado “¿es que vamos a empezar de nuevo?” queriendo decir que el abogado se comporta como un fiscal nazi que quiere demostrar que la mujer mantiene relaciones con un judío, como si eso probara algo.

Janning, mientras tanto, decide tomar la posición para la acusación, afirmando que es culpable del crimen del que se le acusa: condenar a muerte a un hombre judío por cargos de " contaminación de sangre ", a saber, que el hombre durmió con un joven de 16 años -vieja muchacha gentil- cuando sabía que no había evidencia para apoyar tal veredicto.

Ahora que el juez y profesor Ernst Janning (Burt Lancaster) ha decidido declararse culpable y confiesa que en el caso Feldenstein  se había decidido antes de realizar el juicio y fue una "parodia a la justicia".

Para explicar lo ocurrido  Janning toma la palabras y comenta la época del nazismo. Hambre, corrupción, miedo a todo. Hitler vendió a los alemanes la idea del orgullo alemán frente a comunistas, judíos, gitanos, etc. Por qué participaron quienes no creían en ello, porque amaban a su patria. Las minorías no importan, son una fase, esperaban que la cosa no fuera tan radical. El nazismo dio muestras de gran poder. La persecución a las minorías eran un modo de vivir. Su abogado ha hecho revivir el espectro del nazismo, sugiriendo que todo lo que se hizo fue por el bien del país, por amor a la patria. La salvación de Alemania debe pasar por que los culpables admitan la responsabilidad de lo que han hecho. Reconoce que los campos de concentración eran conocidos. Los vecinos arrestados, las estaciones atestadas de presos, etc., eran conocidas por todos. “Nuestro abogado pretende que no sabíamos nada del exterminio de millones, nos justificaría diciendo que sólo conocíamos el exterminio de unos cientos ¿es que por ventura eso nos hace menos culpables?”

Su declaración muestra cómo todos se involucraron en los crímenes, aprovechándose del poder, de las propiedades de los detenidos, cómplices de aquellos crímenes, activa o pasivamente. Durante su testimonio, explica que las personas bien intencionadas como él aceptaron las políticas de racismo antisemita de Hitler por un sentido de patriotismo, a pesar de que sabían que era incorrecto.

Haywood debe  hacer las consideraciones de conveniencia geopolítica e ideales de justicia. Mientras se juzga las inconveniencias del bando vencido, va surgiendo la Guerra Fría entre los vencedores.

La vista se da por concluida para sentencia. Los jueces se reúnen y se discute la cuestión de la responsabilidad del juez ante la ley y la justicia. Uno de los jueces ayudantes discute si los reos son o no son responsables de crímenes contra la humanidad. Sutilezas legales y especulaciones.

En realidad el verdadero problema es nuevamente el asunto de si aplicar justicia será bueno o malo para los EEUU. Si no se aplica la justicia al caso, ocurrirá como cuando los jueces alemanes aplicaban la ley independientemente de que fuera justa o injusta. Ahora, un caso estratégico puede modificar el juicio y evitar un veredicto que haga justicia a los seis millones de víctimas.

La justicia está por encima de los intereses geoestratégicos, aunque luego se nos informa de que en seis años todos los acusados a cadena perpetua fueron puestos en libertad, con lo que la justicia se pone de nuevo en duda. Los principios morales y legales a los que apela el juez son los compartidos por “todas las sociedades civilizadas” y que "cualquier persona que induce a otra a asesinar, cualquier persona que le provee medios para consumar el crimen, cualquier persona que es cómplice en un crimen, es culpable”.

“La historia y el destino de Janning iluminan la más rotunda verdad que hemos conseguido poner de relieve en este juicio. Si él y los demás acusados hubieran sido seres perversos, y si los jefes que mandaban en el III Reich hubieran sido monstruos sádicos y maniacos, lo ocurrido no hubiera tenido mayor significación moral que un terremoto o cualquier otra catástrofe. Pero este juicio ha demostrado que durante una crisis nacional seres normales incluso hombres capaces y excepcionales pueden engañarse a sí mismos hasta cometer crímenes tan espantosos e ingentes que rebasen cuanto pueda imaginarse […] Reconozco que también en nuestro país hay quienes hablan de la protección de la patria, de supervivencia. Llega un momento en que todo país tiene que tomar una decisión, en el momento en que el enemigo se aferra a su garganta. Entonces parece que el único modo de sobrevivir es emplear los medios del enemigo, hay que sobrevivir por encima de todo, como sea, sin escrúpulos. En tal caso, yo me pregunto, sobrevivir como qué. Una nación no es una roca, tampoco es la prolongación de uno mismo. Es la causa que defiende. Es aquello que defiende cuando defender algo es lo más difícil. Ante los pueblos del mundo permítanme ustedes que proclame en nuestro fallo aquello que defendemos: Justicia, verdad y el respeto que merece el ser humano”.

El juicio de Nüremberg ha terminado. El juez dicta sus sentencias: cuatro cadenas perpetuas a los cuatro jueces juzgados.

El juez sabe que son sus últimos momentos. Llama a la mujer noble para despedirse, pero ello no contestará al teléfono, se siente traicionada.

El abogado defensor habla con el juez y le apuesta que en poco tiempo estarán libres los acusados. El juez le contesta que aunque sea lógico no es justo, y nada podrá hacerlo justo. Es la verdadera cuestión. La lógica no tiene nada que ver con la moral

Por último el  juez hace una visita a Janning, y éste le reconoce que su veredicto fue justo, “en nombre de cuanto hay digno en el mundo”.  Haywood ahora de visita a Janning en su celda y éste le pide que crea que él y los otros jueces acusados ​​nunca desearon el asesinato masivo de inocentes. "Nunca supimos", insiste, "que llegaría a eso". El juez Haywood responde: "Herr Janning, llegó a eso la primera vez que condenó a muerte a un hombre que sabía que era inocente".

Haywood parte; y un título final nos informa  que, de los 99 acusados ​​condenados a penas de prisión en los juicios de Nuremberg que tuvieron lugar en la zona estadounidense , ninguno cumplió sus condenas  en 1961.  

La película examina las cuestiones de la complicidad individual de los ciudadanos en los crímenes cometidos por el Estado, además de un amplio recorrido moral y ético sobre el valor de los derechos humanos.

El guión no tuvo carácter propagandístico, ya que aborda directamente hasta las cuestiones más complicadas. Por ejemplo, el abogado de la defensa Hans Rolfe (Maximilian Schell) plantea argumentos tan espinosos como el apoyo de la Corte Suprema de Estados Unidos a las prácticas de la eugenesia o las palabras de elogio de Winston Churchill hacia Hitler.

La película se basa en un guion escrito para la televisión. Se había emitido el resultado como episodio de la serie  Playhouse 90, de la CBS; en él, Maximilian Schell y Werner Klemperer representaban los mismos personajes que en el largometraje de cine de 1961, que se centra en los históricos juicios de Núremberg y está realizado con la perspectiva que confieren 15 años transcurridos desde el final de la Segunda Guerra Mundial.

El juicio que desarrolla la película está basado en el verídico «caso Katzenberger» en el cual un hombre judío fue acusado de «relación impropia» con una mujer aria y sentenciado a muerte en 1942.
Los acontecimientos de la película se relacionan principalmente con acciones cometidas por el estado alemán contra sus propios grupos raciales, sociales, religiosos y eugenésicos dentro de sus fronteras "en nombre de la ley" (de la declaración de apertura de la fiscalía en la película), que comenzó con Hitler desde que llega  al poder en 1933.

El desarrollo de la trama y el tratamiento temático cuestionan la legitimidad de los fundamentos sociales, políticos y supuestos legales de estas acciones.

El juicio real de los jueces se centró en 16 jueces y fiscales que sirvieron antes y durante el régimen nazi en Alemania y que pasiva, activamente o en una combinación de ambos, adoptaron y aplicaron leyes que llevaron a actos judiciales de esterilización sexual y al encarcelamiento y ejecución de personas por sus religiones, identidades raciales o étnicas, creencias políticas y minusvalías o discapacidades físicas. Un hilo conductor en la trama de la película es una prueba de " impureza racial " conocida como el caso Feldenstein. En este caso de ficción, basado en el juicio Katzenberger de la vida real, un anciano judío había sido juzgado por tener una "relación" (actos sexuales) con una niña aria (alemana) de 16 años, un acto que había sido legalmente definido como un crimen bajo las Leyes de Nuremberg , que había sido promulgado por el Reichstag alemán. Bajo estas leyes, el hombre fue declarado culpable y fue ejecutado en 1935.

Usando este y otros ejemplos, la película explora la conciencia individual, la culpa colectiva y el comportamiento durante un tiempo de inmoralidad social generalizada.

La película es notable por su uso del drama judicial para iluminar la perfidia individual y el compromiso moral en tiempos de agitación política violenta; fue una de las primeras películas que no se avergüenza de mostrar imágenes reales filmadas por soldados estadounidenses y británicos después de la liberación de los campos de concentración nazis  y que vemos como parte de las alegaciones del fiscal Coronel Tad Lawson ( Richard Widmark ), las escenas de enormes montones de cadáveres desnudos colocados en hileras y excavados en grandes pozos se consideraban excepcionalmente gráficos para una película convencional de su época.

La película cierra la brecha entre las personas de habla inglesa y alemana en la sala del tribunal presentando la película en inglés, pero implica el uso del idioma alemán a través de auriculares utilizados por personajes cuyo idioma materno es el opuesto al que se habla.

La película está considerada por la AFI's 10 dentro del Top 10 en la categoría de "Películas judiciales" para junio de 2008, por el American Film Institute  después de entrevistar a más de 1.500 personas de la comunidad creativa. Juicio en Nuremberg fue reconocida como la décima mejor película en el género de drama judicial . Además, la película había sido nominada para 100 años de AFI ... 100 películas . "

Como he señalado la película contó con la música de Ernest Gold, pero en la misma además de la suya , podemos escuchar clásicas canciones del momento y anteriores como la de Lili Marleen con música de Norbert Schultze (1938) y letras de Hans Leip (1915) cantada por ¿Marlene Dietrich? . Igualmente suena Liebeslied con música de Ernest Gold y letras de Alfred Perry, Wenn wir marschieren una canción popular alemana (alrededor de 1910), y una par de canciones más de Ernest Gold, así como la Sonata para piano n.º 8 en do menor, Op. 13 de Ludwig van Beethoven.

La película desde su estreno recaudó unos $ 6 millones en los Estados Unidos, y $ 10 millones en la versión mundial.

Stanley Kramer recibió el prestigioso Premio Memorial Irving G. Thalberg .Además esta es una de las pocas veces que una película tuvo múltiples entradas en la misma categoría (Tracy y Schell para Mejor Actor). Muchos de los actores de renombre que aparecieron en la película lo hicieron por una fracción de sus salarios habituales porque creían en la importancia social del proyecto.

Decir que la película de Kramer recibió críticas positivas y fue apreciada como una reconstrucción directa de los famosos juicios de criminales de guerra nazis. El elenco fue especialmente elogiado, incluidos Tracy, Lancaster, Schell, Clift y Garland. La publicación de la película fue perfectamente sincronizada ya que su tema coincidió con el entonces juicio y condena en Israel del oficial nazi Adolf Eichmann .

En el diario británico de The Guardian se dijo de ella que era "La obra maestra de Stanley Kramer hace justicia al juicio de los nazis de la vida real (...) Una película histórica excepcionalmente buena – y cautivadora."

Ya en Estado Unidos Bosley Crowther en las páginas de The New York Times la considera "Una película poderosa y persuasiva (...) Hay muchas insinuaciones perturbadoras y actuaciones reveladoras"

En Variety se dijo que  "Un ritmo más rápido (...) y una edición más incisiva hubieran mejorado la película (...) Las estrellas disfrutan de una caracterización amplia y extensa"

Para Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader "Es lo suficientemente agradable en sus propios términos, pero resulta insufriblemente simplista comparada con algo como 'Shoah'."

En Time Out se trata de "Esta reunión de estrellas en el juzgado (...) suele ser muy impresionante."; mientras que en Los Angeles Times se destaca que "Kramer no era el tipo de persona que se arrugaba ante temas peliagudos, se tratara de racismo (...) libertad o pensamiento y expresión"

Ya en España Luis Martínez en las páginas de El País afirma que se  trata de una "Producción animada por unas interpretaciones soberbias. Mención aparte merece el siempre febril y torturado Montgomery Clift"

Para Carlos Boyero, cuando era columnista de El Mundo se trata de una película "Espléndida, veraz, honesta."

En cuanto a los premios decir que la película fue nominada para once Premios de la Academia. Maximilian Schell ganó el premio al Mejor Actor y Abby Mann ganó en la categoría de Mejor Guión Adaptado . En su discurso de aceptación, Abby dijo: "Un escritor que se precie tiene la obligación no solo de entretener sino de comentar el mundo en el que vive". Las nominaciones restantes fueron a la mejor Película , Stanley Kramer al mejor director , Spencer Tracy al mejor actor, Montgomery Clift al mejor actor de reparto , Judy Garland a mejor actriz de reparto , tambien fue nominada a la mejor dirección de Escenarios, en las personas de Rudolph Sternad y George Milo , Mejor Fotografía en blanco y negro para Ernest Laszlo, Mejor diseño de vestuario para Jean Louis, o y a Frederic Knudtson como la mejor edición de película .

Obtuvo dos Globos de Oro al mejor actor en un drama (Maximillian Schell) y Kramer como director. obteniendo igualmente seis  nominaciones, a la mejor película, mejor actor de reparto para Montgomery Clift,mejor actriz de reparto Judy Garland y un a la mejor película que promociona el entendimiento internacional en la persona de Stanley Kramer

En los Premios BAFTA tuvo tres nominaciones incluyendo a Mejor película . Para el Círculo de Críticos de Nueva York fue el mejor guión del año y valoró como el Mejor actor en la persona de Schell

El Sindicato de Directores (DGA) la nominó  al Mejor director , en la misma medida que el Sindicato de Guionistas (WGA) lo hizo con la nominación al mejor guión dramático.

Spercer Tracy recibió el Premio David di Donatello al mejor actor  y la película a la mejor producción extranjeros . La National Board of Review la incluye entre el  Top 10 mejores películas de aquel 1961.

Una gran película y una auténtica lección de historia. Un ejemplo magnífico del cine clásico con actuaciones impecables y con un equipo técnico de lujo. Una película imprescindible  que hay que ver , te guste el mundo de la judicatura o te interese la historia. No se cuando volveré a Nüremberg, ciudad preciosa como pocas, cuna medieval de Alemania y casa que fue de Durero. Conjunto monumental magníficamente recuperado, piedra sobre piedra, lugar de juicios imborrables sobre crímenes que han de ser indelebles, pues  como defiende en la película el juez Dan Haywood hay que defender por encima de todo la "Justicia, la verdad y el respeto que merece el ser humano”.



jueves, 12 de enero de 2017

Baldosas amarillas


Hubo un musical que hizo cambiar para mí la idea que hasta ese momento tenia. Ese musical fue El mago de Oz (The Wizard of Oz)  la estadounidense del año 1939 producida por Metro-Goldwyn-Mayer. ¿Cóno puede ser eso posible?

Pues lo explico. Tuvo que ser en 1988 o en diciembre del año 1989 cuando televisión española, hasta entonces casi la única,  - Canal sur empezó en ese año 89 con sus emisiones-  y Jordi Battle Caminal decía de ella - era el día 30 de diciembre de 1989- "nadie debería ponerle peros a la nueva exhibición de esta extraordinaria fiesta para los niños -los que lo son por imperativos puramente biológicos y los que mantienen corazón de niño-, carrusel mágico e inmarchitable de hadas buenas y brujas malas, personajes pintorescos -el espantapájaros, el hombre de hojalata, el león cobarde- y, por encima de todos, Dorita, mitad Caperucita mitad Alicia en un país verdaderamente de maravillas y colores más grandes que la vida: Oz, papel que le valió la eternidad a Judy Garland". Yo ya tenía más de una veintena de años y me quedé asombrado con este espectáculo de musical y colores. Hasta ese momento el cine para mi, únicamente contaba con una banda sonora con algunas canciones afortunadas, sin embargo, este película me hizo descubrir un género que desde entonces me apasiona.  

En la actualidad, es considerada una película de culto, a pesar de su proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil. Lanzó al estrellato a Judy Garland que la segunda opción de los estudios Metro Goldwyn Mayer después de que Shirley Temple abandonará el proyecto.

La película está basada en la novela infantil de L. Frank Baum El maravilloso mago de Oz, en la cual una joven estadounidense es arrastrada por un tornado en el estado de Kansas y dejada en una fantástica tierra donde habitan brujas buenas y malas, un espantapájaros que habla, un león cobarde, un hombre de hojalata y otros seres extraordinarios. 

Aparentemente la película la dirige únicamente  Victor Fleming, sin embargo en la misma intervienen más directores , inolvidables directores de cine clásico y de aventuras, como son Mervyn LeRoy , Richard Thorpe y King Vidor, a quien se deben las escenas en blanco y negro que abren y cierran la película. Como productores participan el ya mencionado Mervyn LeRoy y Arthur Freed para esta producción de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), encargada en un momento igualmente de la distribución , aunque en la actualidad los derechos lo tienen la Warner Home Video. Ahora los derechos de la película pertenecen a Time Warner. vía Turner Entertainment , por eso la vi en TCM.

La película contó con un presupuesto de $2,777,000, que, por supuesto, no recuperó. Pero tiempo al tiempo, que lo contaremos.

El señor LeRoy, era todo un hombre del cine, que tras su llegada a Hollywood desde su San Francisco natal pasó por todo (vestuario, laboratorio, asistente del cámara , guionista - escritor de gags, tras su experiencia en el vaudeville- como en la primera versión de Los diez mandamientos de Cecil B. DeMile, pasando finalmente a la dirección ya en el año 1927 cuando su primera película , La frontera del amor (No Place to Go)- en la Warner Bros y luego en la Metro Goldwyn Mayer. Fue considerado uno de los pilares más sólidos de la compañía de los hermanos Warner durante los años treinta y un excelente director de actores. Se adaptó rápidamente al cine sonoro y tuvo la fortuna de triunfar dirigiendo a uno de los grandes hoy olvidado Edgar G. Robinson en el Hampa dorada (Little Caesar) y Five Star Final, así como la de casarse con Doris Warner, la hija del fundador de Warner Bros, Harry Warner, en 1934.

En 1938, LeRoy fue elegido como cabeza de producción de la MGM. Gracias a su habilidad, estos estudios produjeron El mago de Oz (1939). De ahí pasó a la gloria del cine al descubrir a jóvenes y no tan jovenes talentos como Clark Gable , Loretta Young , Robert Mitchum, Vivien Leigh y Lana Turner . En los años treinta, junto al verdadero mago Busby Berkeley, filma Vampiresas 1933 (1933), una de las obras capitales del género, y en la década de los cincuenta se especializará en musicales Lovely to Look At , Million Dollar Mermaid , Latin Lovers y Rose Marie , todos para La Metro,por supuesto, cuya gran relación comenzó en esta historia de baldosas amarillas.

A mediados de los sesenta decide que su ciclo ha terminado y se retira. Escribirá sus memorias: Mervyn LeRoy: Take One, y recibirá en 1975 un Oscar especial "Irving Thalberg", por su aportación a la industria del cine.

En el año 1938 apuesta por llevar al cine la novela de L. Frank Baum The Wonderful Wizard of Oz publicado inicialmente por la George M. Hill Company de Chicago en 1900 e ilustrado por W. W. Denslow era uno de los libros más editados tanto en Estados Unidos como en Europa, siendo una de las historias más conocidas de la cultura popular norteamericana y el primer libro de cuentos infantiles con personajes y lugares típicos de Estados Unidos en una época donde todos los cuentos infantiles describían paisajes y personajes europeos. Pues bien este libro será transformado en guión por Noel Langley, Florence Ryerson y Edgar Allan Woolf. Y se le encarga el apartado musical a Herbert Stothart, Harold Arlen y E.Y. Harburg. Mientras que una luminosa fotografía es responsabilidad de Harold Rosson y el montaje de Blanche Sewell.

Contó con las actuaciones de Judy Garland como Dorothy Gale, Frank Morgan como el Profesor Marvel, pero también El Asistente , el Portero , el Guardia y el Doctor, Ray Bolger como Hunk / Espantapájaros, Jack Haley como Hickory / Hombre de hojalata, Bert Lahr como Zeke / León cobarde, Billie Burke como Glinda la buena bruja del norte, Margaret Hamilton como Miss Almira Gulch / La Bruja Malvada del Oeste, Clara Blandick como tía Em. Charley Grapewin como tío Henry, Pat Walshe como Nikko (el Rey de los Monos Alados ), el Perro Terry como Toto, Mitchell Lewis como el capitán de la Guardia Winkie.

Junto a ellos una multitud de Munchkins entre los que hablan Charlie Becker como alcalde de Munchkin, Meinhardt Raabe como el Coronel Munchkin , Jakob "Jackie" Gerlich como Lollipop Guild / Munchkin, Jerry Maren como Lollipop Guild / Munchkin, Billy Curtis como Braggart Munchkin, Harry Monty como soldado / mono alado, Mickey Carroll como soldado monos alado, Karl Slover como trompetista principal / Soldado. Y además Olga C. Nardone, Margaret Pellegrini, Ruth Duccini. 

La película nos presenta a Dorothy Gale (Judy Garland), una joven huérfana de 14 años que vive en Kansas con su tía Emma Clara Blandick, su tío Henry y su perro Totó . Allí además hay tres pintorescos peones: Hunk (Ray Bolger), Zeke (Bert Lahr) y Hickory (Jack Haley). 

Ella sueña con viajar "más allá del arco iris", tal y como nos canta, pero vive también la realidad y un día, la severa vecina Miss Gulch (Margaret Hamilton) es mordida por el perro de Dorothy, Totó. Miss Gulch se presenta en la casa de Dorothy y se lo lleva por orden del sheriff, a pesar de las súplicas de Dorothy, y las protestas de tía Emma y del tío Henry. 

De camino a casa en su bicicleta, Miss Gulch ve como Totó escapa de la cesta que lo contiene y regresa junto a Dorothy, quien se alegra enormemente, pero luego, al darse cuenta de que Miss Gulch regresará, opta por huir, llevándose a Totó, en busca de una vida mejor «en algún lugar sobre el arco iris». 

En su viaje, Dorothy se encuentra al supuesto adivino "profesor" Marvel (Frank Morgan), que, con la intención de que la niña vuelva a su hogar, la engaña haciéndole creer que tía Emma está enferma. Dorothy se apresura de vuelta a la granja, pero mientras retorna a casa ve como se forma un enorme tornado. Por efecto de éste, tanto la tía como el tío de Dorothy se esconden en un refugio, mientras el tornado empieza a dar muestras de virulencia. 

En ese momento, Dorothy cae inconsciente dentro de la casa a consecuencia de un golpe, debido al tornado que ya había forzado a su familia a esconderse en un sótano trasero. Una confundida Dorothy despierta para descubrir que la casa se desplaza dentro del tornado. 

A través de la ventana de la habitación, ve a Miss Gulch transformándose en una bruja montada en una escoba. Momentos después, el tornado deja caer la casa con Dorothy y con Totó sobre el arco iris en Oz. 

Al salir de la casa, Dorothy descubre un mundo de color y comprueba que la misma ha caído sobre la bruja Mala Del Este. No lo sabe todavía , pero ha caído en Oz y en concreto en la tierra de los Munchkins. 

De repente aparece una pompa rosa de donde sale Glinda, la Bruja Buena del Sur (Billie Burke), que llega e informa a Dorothy que se encuentran en Munchkinland (Pequeñilandia en la versión española). Le dice a Dorothy que ha matado a la Bruja Mala del Este 'dejando caer una casa' encima de ella. La bruja calzaba unos zapatos o chapines de rubí y Glinda le dice que se los tiene que poner. Animados por Glinda, los tímidos munchkins salen de sus escondites en setos diversos que rodean a la chica y celebran la muerte de la bruja hasta que su hermana, la Bruja Mala del Oeste (también interpretada por Margaret Hamilton), aparece para reclamar las poderosas zapatillas de rubí. Glinda transporta mágicamente los zapatos a los pies de Dorothy y le recuerda a la bruja que su poder no tiene efectos en Munchkinland. 

La Malvada Bruja del Oeste (Margaret Hamilton),  jura vengarse de Dorothy y desaparece mágicamente. Glinda le dice a Dorothy que la única manera de regresar a Kansas es pidiéndole ayuda al misterioso Mago de Oz en Ciudad Esmeralda, y que para ír allí tiene que seguir el camino de baldosas amarillas. Because, because, because, because, because... 

Al poco de comenzar su camino junto a su perro Totó, Dorothy se encuentra con un espantapájaros sin cerebro (Ray Bolger), que le cuenta que no es feliz pues carece del mismo. Al decirle ella que su intención es ir a Oz a ver al mago, el espantapájaros se suma a ello. Because, because, because, because, because... 

Durante el camino, son atormentados por un bosque de furiosos manzanos que le lanzan manzanas. Trascurrido un momento los dos y el perro se encuentran con un hombre de hojalata sin corazón (Jack Haley) que no puede moverse, pues lleva en esa posición un año, primero les pide que le apliquen aceite para la juntas y , finalmente, se une para ir a Oz. Because, because, because, because, because... 

Luego, el trío y el perro cruzan un bosque frondoso y del mismo ven a un león (Bert Lahr) que en principio les asusta pero al enfrentarse Dorothy se transforma en un cobarde. Ante esta falta de valor y la necesidad de adquirir esa propiedad marcha junto a ellos en busca del Mago de Oz, con la esperanza de obtener sus deseos (un cerebro, un corazón y coraje, respectivamente). Hay en el recorrido numerosos intentos fallidos de la bruja para detenerlos. 

Al fin llegan a la Ciudad Esmeralda, y descubren que todo son dificultades. Solo consiguen ver al mago después de que la bruja vuele sobre ellos, escribiendo en el cielo con su escoba humeante «Ríndete Dorothy» ("SURRENDER DOROTHY"). 

El mago (Frank Morgan) aparece como una terrorífica cabeza flotante rodeada de fuego y humo y con una voz que retumba. Accede a ayudarles solo si demuestran ser valientes e intrépridos apoderándose de la escoba voladora de la bruja. 

 En su camino al castillo de la bruja, los cuatro son atacados por unos monos voladores que colaboran con la malvada bruja . Con habilidad se llevan a Dorothy y a Totó y los entregan a la bruja, quien reclama las zapatillas de rubí. 

Cuando Dorothy se niega, la bruja trata de quitárselas, pero una lluvia de chispas la detiene. Al comprender que no puede quitarle las zapatillas mientras Dorothy esté viva, trama cómo destruirla. 

En esto que Totó se escapa y encuentra al espantapájaros, al hombre de hojalata y al león que se aproximaban al castillo de la bruja . Totó los guía hasta el castillo, donde entran disfrazados con la ropa de tres soldados a quienes han dejado inconscientes. Una vez dentro, liberan a Dorothy e intentan escapar, pero son cercados en una terraza por la bruja y sus soldados. La bruja usa su escoba para prender una llama y lo aproxima al espantapájaros quien empieza a arder. Pero , ante lo que le pasa a su amigo, Dorothy toma una cubeta de agua para apagarlo y accidentalmente moja a la horrorizada bruja, quien a causa de esto se derrite hasta desaparecer. 

Para sorpresa del grupo, los soldados son ahora felices. Ellos le dan a Dorothy la escoba de la bruja como agradecimiento por haberles liberado de ella. 

De regreso a la Ciudad Esmeralda, el grupo es nuevamente recibido por el Mago de Oz. Dorothy le da la escoba al mago pero entonces Totó, al tirar del cordón de una cortina cercana, revela la verdad: el "mago" es un hombre normal y corriente (un aeronauta de Kansas que llegó a Oz en globo) y que usa trucos de ilusionista para parecer un mago. Al saberlo, se sienten estafados con el engaño, pero el mago resuelve sus deseos a través del sentido común: al espantapájaros le da un diploma en el que se acredita la inteligencia y sentido común que posee; al hombre de hojalata le da un reloj con forma de corazón en reconocimiento al gran corazón que ha manifestado tener y al león le entrega una medalla de valor. 

Tras ello promete llevar a Dorothy a casa en el mismo globo en que él llegó, pero solo después de dejar al espantapájaros, al hombre de hojalata y al león a cargo de Ciudad Esmeralda. Justo antes de despegar, mientras se despiden de las diversas comunidades que viven en Oz, Totó salta de la canasta del globo detrás de un gato. Dorothy salta para atraparlo y el mago, incapaz de controlar el globo, se va sin ella. 

Dorothy se resigna tristemente a pasar el resto de su vida en Oz y llora amargamente por no poder decirle a su tía Em lo mucho que la quiere y darle las gracias por haberla acogido, hasta que Glinda aparece y le dice que puede usar las zapatillas de rubí para regresar a casa con Totó. 

Glinda, la Bruja Buena del Norte (Billie Burke),  le explica que no se lo dijo en un principio porque la niña necesitaba aprender que «Si no puedes encontrar el deseo de tu corazón en tu propio patio, entonces nunca lo perdiste realmente». Dorothy y Totó se despiden de sus amigos y siguen las instrucciones de Glinda que son muy básicas: «golpea tus talones juntos y repite las palabras 'No hay lugar como el hogar'. 

La película vuelve al blanco y negro. Ella se despierta en la habitación de su casa rodeada de su familia y amigos y les cuenta su viaje. Todos se ríen y le dicen que todo fue un mal sueño. Una feliz Dorothy, todavía convencida de que el viaje fue real, abraza a Totó y le dice «Realmente no hay lugar como el hogar».

El desarrollo de la película comenzó tras el éxito de Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney , un éxito de crítica y público que demostraron que las películas que eran capaces de adaptar cuentos de  niños o que se presentaban como cuentos de hadas podrían tener éxito. 

En enero de 1938, la Metro-Goldwyn-Mayer compró los derechos de esta novela que era enormemente popular.

Samuel Goldwyn , que había planteado la idea de hacer una película como un vehículo para Eddie Cantor , que estaba bajo contrato con el Estudios Goldwyn y que Goldwyn quería lanzar como el espantapájaros.

Eddie Cantor era un actor, comediante, cantante y compositor estadounidense y sobre todo una estrella de Broadway y de la radio tremendamente popular , entre otros cosas, por sus gracejo y por el movimiento de sus ojos cuando cantaba y bailaba le valieron el mote de Banjo Eyes (Ojos de banjo), pero tras dejar atrás 1921 a 1925 un contrato en exclusiva con Columbia Records, dedicando el resto de la década a Victor Talking Machine Company. Sin embargo, el crack del 29 le dejó tocado del ala y absolutamente empobrecido, pues había perdido toda su fortuna. Sin embargo, finalmente, quedó fuera del proyecto.

Tras este inciso sobre Cantor decir que el guión pasó por una serie de escritores y revisiones antes del rodaje final.

Inicialmente, William H. Cannon, ayudante de Mervyn LeRoy , presentó un breve bosquejo de cuatro páginas. Debido a que las películas de fantasía recientes no le habían ido bien en la taquilla, recomendó que los elementos mágicos de la historia se atenúen o eliminen. En su esquema, el Espantapájaros era un hombre tan estúpido que la única manera de conseguir empleo era vestirse como un espantapájaros y ahuyentar cuervos en un campo de maíz, y el leñador de la lata era un criminal endurecido tan cruel que fue condenado a ser colocado en un traje de lata para la eternidad. La tortura de estar encerrado en el traje lo había ablandado y lo había hecho suave y amable. Su visión era similar a la primera adaptación cinematográfica que había realizado Larry Semon en 1925 de la historia, en la cual el elemento mágico estaba ausente.

Después de eso, LeRoy contrató a otro guionista Herman J. Mankiewicz para trabajar en un guión. A pesar de la reputación notoria de Mankiewicz en ese momento por ser un alcohólico, pronto entregó un borrador de 17 páginas de las escenas de Kansas, y unas semanas más tarde, le entregó otras 56 páginas.

Noel Langley y el poeta Ogden Nash también fueron contratados para escribir versiones separadas de la historia. Ninguno de los tres escritores implicados sabía que alguien más estaba trabajando en un guión, pero no era un procedimiento poco común. Nash pronto entregó un bosquejo de cuatro páginas, Langley entregó 43 páginas y un guión completo de la película. Se convirtió en tres más, esta vez incorporando las canciones que habían sido escritas por Harold Arlen y Yip Harburg .

Apenas lo había completado, Florence Ryerson y Edgar Allan Woolf enviaron un guión y fueron llamados para retocar la escritura. Serían responsables de asegurarse de que la historia se mantuviese fiel al libro Baum.

Sin embargo, el otro productor Arthur Freed estaba descontento con su trabajo y lo reasignó a Langley.

Durante la filmación , Victor Fleming y John Lee Mahin revisaron el guión, añadiendo y cortando algunas escenas. Además, Jack Haley y Bert Lahr son conocidos por haber escrito parte de su propio diálogo para la secuencia de Kansas.

El borrador final del guión se completó el 8 de octubre de 1938, después de numerosas reescrituras. En general, fue una mezcla de todos, pero Langley, Ryerson y Woolf obtuvieron los créditos de la película. Junto con los colaboradores ya mencionados, otros que ayudaron con la adaptación sin recibir crédito oficial son: Irving Brecher , Herbert Fields , Arthur Freed, Yip Harburg, Samuel Hoffenstein , Jack Mintz, Sid Silvers, así como los directores Richard Thorpe , George Cukor y King Vidor .

Como escribió el hijo del compositor Harburg (y su biógrafo) Ernie Harburg "De todos modos, Yip también escribió todo el diálogo en ese momento y la configuración de las canciones y también escribió la parte donde se entregan el corazón, el cerebro y el nervio, porque él era el editor final del guión. Y él - había once guionistas en eso - juntó todo, escribió sus propias líneas y dio coherencia y unidad a la historia para que se convirtiera en una obra de arte. Pero no apareció en los crédito por eso."

Los productores originales pensaron que una audiencia como la del año 1939 era demasiado sofisticada para aceptar a Oz como una fantasía. Por lo tanto, se reconocía como una secuencia de sueños larga y elaborada. Debido a la necesidad percibida de atraer a una audiencia joven atrayendo a modas y estilos modernos, la partitura ofreció originalmente una canción llamada " El Jitterbug ", y en el guión se presentó una escena que contenía una serie de números musicales. En el mismo una princesa mimada y egoísta en Oz había prohibido todas las formas de música excepto la clásica y la opereta , y se enfrentó a Dorothy en un concurso de canto en el que su estilo de swing encantaría a los oyentes y con el que ganaba el gran premio. Esta parte fue escrita inicialmente para Betty Jaynes . Esta idea se abandono más tarde.

Otra escena, que fue eliminada antes de la aprobación de la escritura final y nunca filmada, fue una escena final en Kansas después del regreso de Dorothy. Hunk (el operario que se transformará en El Espantapájaros) se va a la universidad agrícola y saca una promesa de Dorothy para escribirle. Esto explicaría algo así como un romance entre los dos, lo que también podría haber sido la intención de explicar la parcialidad de Dorothy por el Espantapájaros sobre sus otros dos compañeros. Esta idea de la trama nunca fue totalmente abandonada, pero es especialmente notable en el guión final cuando Dorothy, justo antes de que ella deje Oz, le dice al Espantapájaros, "Creo que voy a extrañarte más que a todos".

En su libro El Maravilloso Mago de Oz , Baum describe a Kansas como un lugar "en tonos grises". La casa y la propiedad estaban situadas en medio de una pradera donde la hierba estaba quemada por el sol abrasador. La tía Em y el tío Henry eran "grises por su edad". Efectivamente, el uso de tonos sepia monocromáticos para las secuencias de Kansas fue una elección estilística que evocó el ambiente gris .

Además del gris, se prestó mucha atención al uso del color en la producción, con el equipo de producción MGM que favorece algunos matices sobre otros. En consecuencia, el departamento de arte del estudio tardó casi una semana en instalarse en la sombra final de amarillo que se usaba para el camino de baldosas amarillas.

Tras la depuración del guión y de los técnicos y operarios de la Metro tocaba elegir al elenco. Mervyn LeRoy siempre había insistido en que quería lanzar a Judy Garland para interpretar a Dorothy desde el principio; Sin embargo, durante la preproducción el nomre que más sonaba para Dorothy era el de  Shirley Temple que participaría como préstamo de la 20th Century Fox .

También hubo un persistente rumor que señalaba que la Fox, a su vez, cedería a  Clark Gable y a Jean Harlow como un préstamo de MGM. Sin embargo, todo  falso, ya que Harlow murió en 1937, antes de que MGM hubiera comprado los derechos a la historia. A pesar de esto, la historia aparece en muchas biografías de películas (incluyendo la propia autobiografía de Temple).

El documental The Wonderful Wizard of Oz: The Making of a Movie Classic afirma que Mervyn LeRoy estaba bajo presión para lanzar a Temple, entonces la estrella infantil más popular, pero en una audición no oficial, el pilar musical de la MGM,  Roger Edens la escuchó cantar y sintió que se necesitaba a una actriz con un estilo diferente.

La actriz Deanna Durbin , que estaba bajo contrato con Universal Studios , también fue considerada como Dorothy. Durbin más dotada para un estilo operístico que para un estilo más jazzístico  que eran las intenciones de la Metro.

Ray Bolger fue  originalmente contratado para el papel del hombre de la lata y Bubby Ebsen para el espantapájaros. Bolger, sin embargo, anhelaba ser el Espantapájaros, pues su ídolo de la infancia, Fred Stone, lo había interpretado en el teatro en 1902. Ahora infeliz con su papel como el hombre de la lata, Bolger convenció al productor Mervyn LeRoy para darle ese papel. Bubby Ebsen no objetó;  quedando definitivamente relegado Eddie Cantor.

Sorprendentemente Buddy Ebsen  que hizo todos los ensayos como el "Tin Man" finalmente salió del elenco  debido a la reacción al maquillaje de polvo de aluminio que usaba, polvo que al respirarlo después de diez días le había cubierto los pulmones. Ebsen fue hospitalizado en estado crítico, y posteriormente se vio obligado a abandonar el proyecto. Al final quedándose con el papel Jack Haley como Hickory / Hombre de hojalata.

Por su parte,  Bert Lahr fue contratado para el León Cobarde el 25 de julio de 1938; y poco después Charles Grapewin fue elegido como tío Henry. WC Fields fue elegido originalmente para el papel del Mago, un papel rechazado por Ed Wynn, ya que  era un papel demasiado pequeño, pero  a esto se unió la exigencia salarial de Fields por lo que fue sustituido por Frank Morgan.

Gale Sondergaard fue lanzado originalmente como la bruja , pero rechazó el papel cuando vio que era una brija y fue reemplazada el 10 de octubre de 1938, apenas tres días antes del rodaje comenzado, por Margaret Hamilton  que ya había desempeñado un papel similar a la  bruja en Babes in Arms.

En cuanto al rodaje intervienen en el mismo muchos directores. Con Richard Thorpe comenzó la filmación el 13 de octubre de 1938 en Culver City, reemplazando al director original Norman Taurog , quien filmó sólo algunas pruebas tempranas de Technicolor y luego fue reasignado. Thorpe filmó inicialmente durante cerca de dos semanas de metraje (9 días en total) que implicaba el primer encuentro de Dorothy con el espantapájaros, así como varias secuencias en el castillo de la bruja así como el rescate de Dorothy.

Diez  días después del rodaje, Buddy Ebsen sufrió una reacción al maquillaje de polvo de aluminio que usaba y al polvo que respiraba diariamente cuando se aplicaba que le había cubierto los pulmones. Ebsen fue hospitalizado en estado crítico, y posteriormente se vio obligado a abandonar el proyecto.

La salida médica repentina de Ebsen causó que la película cerrara mientras que un nuevo actor fue se contratado. Curiosamente, no hay imágenes de Ebsen como el hombre de hojalata, sólo las fotografías tomadas durante la filmación y las fotos de prueba. MGM no publicó las razones de la salida de Ebsen hasta décadas más tarde, en un documental promocional sobre la película. Su sustituto, Jack Haley , simplemente asumió que había sido despedido.

Tras Thorpe le tocó la misión de dirigir la película a  George Cukor . El productor Mervyn LeRoy, después de revisar las imágenes y sentir que Thorpe estaba apurando la producción, afectando negativamente las actuaciones de los actores, reemplazó a Thorpe.

Durante la reorganización de la producción, George Cukor asumió temporalmente la dirección , bajo supervisión de LeRoy.

Inicialmente, el estudio había hecho que Garland usara una peluca rubia y un pesado maquillaje de "muñeca", y ella había  interpretado  a Dorothy de una manera exagerada. Ahora, Cukor cambió el maquillaje y los trajes de Judy Garland y Margaret Hamilton, y le dijo a Garland que "fuese ella misma". Esto significaba que todas las escenas que Garland y Hamilton ya habían completado tenían que ser desechadas y reconstruidas.

Cukor también sugirió que el estudio contrata  a Jack Haley, de la 20th Century Fox, como el Tin Man. Para mantener bajos los costos de producción, Haley sólo volvió a grabar "Si solo tuviera un corazón" y las líneas solistas durante "The Jitterbug" y "If I Only Had the Nerve"; Como tal, la voz de Ebsen todavía se puede escuchar en las canciones restantes con el hombre de lata en voces de grupo.

El maquillaje utilizado para Haley se cambióa una pasta de aluminio, con una capa de clown blanco y grasa debajo para proteger su piel; Aunque no tuvo el mismo efecto desagradable en Haley, en un momento sufrió una infección ocular.

Durante este tiempo, Cukor y LeRoy decidieron que una interpretación más enérgica sería mejor para el encuentro inicial de Dorothy con el Espantapájaros y se volvió a grabar.

Tras esto llegó el que firmó como director Victor Fleming, el director principal. Cukor no filmó en realidad ninguna escena de la película, actuando simplemente como un "asesor creativo" de la problemática producción, y debido a su compromiso anterior de dirigir Gone with the Wind , partió el 3 de noviembre de 1938, cuando Víctor Fleming asumió la responsabilidad de la dirección.

Como director, Fleming optó por no cambiar la valoración creativa de Cukor, ya que el productor LeRoy ya había manifestado su satisfacción con el nuevo rumbo que estaba tomando la película.

Fleming es el encargado de rodar en la producción la mayor parte de las secuencias de Technicolor en lo que fue un largo y engorroso proceso que duró más de seis meses, desde octubre de 1938 hasta marzo de 1939.

La mayoría de los actores trabajaban seis días a la semana y tenían que llegar al estudio muy pronto entre  las 4:00 / 5:00 de la mañana, para ser equipado con maquillaje y trajes, y no salir del mismo  hasta 19:00 o 20:00 de la noche.

El engorroso maquillaje y los trajes se hicieron aún más incómodos por la luz del día-la iluminación brillante del proceso de Technicolor temprano requerido, que podría calentar el conjunto a más de 38 ° C.

Según Ray Bolger, la mayoría de los directores de Oz prohibieron comer en el estudio debido a sus trajes. El maquillaje de Margaret Hamilton significaba que no podía comer alimentos sólidos, por lo que prácticamente vivía con una dieta líquida durante el rodaje de las secuencias de Oz.

Además, hubo  más de 12 tomas para que el perro de Dorothy Toto corriese junto a los actores mientras saltaban por el camino de ladrillos amarillos.

Todas las secuencias de Oz fueron filmadas en tres bandas Technicolor. Los créditos de apertura y cierre , así como las secuencias de Kansas, fueron filmados en blanco y negro y coloreados en un proceso de tono sepia.

La película coloreada en sepia también fue utilizada en la escena donde la tía Em aparece en la bola de cristal de la bruja traviesa.

Gran parte de la complejidad del rodaje lo fue en las escenas colectivas que resultaban algo caóticas sobre todo las secuencias de Munchkinland. Para conseguir el elenco de enanitos, la MGM registraron toda Califoria para encontrar a más de cien personas pequeñas que formarían a los ciudadanos de Munchkinland; Esto significó que la mayor parte de las secuencias de Oz de la película tendrían que ser rodadas antes de que el trabajo en Munchkinland pudiera comenzar.

De acuerdo con el actor Jerry Maren , uno de los Munchkin  los actores recibieron $ 125 a la semana por sus actuaciones. Se diseñaron más  de 100 trajes para las secuencias de Munchkin. Luego tuvieron que fotografiar y catalogar a cada Munchkin con su traje para que pudieran aplicar correctamente el mismo traje y maquillaje cada día de producción.

El rodaje resultó ser peligroso a veces. Margaret Hamilton se quemó en la escena Munchkinland. La grasa en su maquillaje a base de cobre comenzó a arder y tuvo que ser auxiliada  rápidamente antes de que las quemaduras de segundo grado le afectaran las  manos y la cara.

El trabajo lo acabó King Vidor como director. El 12 de febrero de 1939, Victor Fleming reemplazó apresuradamente a George Cukor en la dirección Gone with the Wind . Al día siguiente , King Vidor fue asignado como director por el estudio para terminar el rodaje de El Mago de Oz , principalmente las secuencias sepia de Kansas, incluyendo el canto de Judy Garland de " Over the Rainbow " y el tornado.

Con el tiempo y ya siendo la película un clásico, Vidor  declaró que no quiso estar en los créditos públicos por su contribución hasta después de la muerte de su amigo Fleming en 1949. La fotografía principal concluyó con las secuencias de Kansas el 16 de marzo de 1939

No obstante, las reanudaciones y recolecciones se filmaron a lo largo de abril y mayo y en junio, ahora bajo la dirección del productor LeRoy.

Después de la eliminación de la repetición de "Over the Rainbow" durante las pruebas posteriores a principios de junio, Judy Garland tuvo que ser traída de nuevo una vez más para volver a decir  "Tía Em, estoy asustada!" una escena sin la canción.

Las imágenes de la Tía Em con  Clara Blandick, grabadas por Vidor fueron reutilizadas. Después de la tortuosa experiencia de Margaret Hamilton en  Munchkinland, esta se negó a volver a grabar una escena allí, por lo que LeRoy optó por introducir a Betty Danko en escena. Como resultado, Danko resultó gravemente herido al hacer la escena debido a un mal funcionamiento en el mecanismo de humo.

Tras esto comenzó una postproducción larga y ardua. Herbert Stothart tuvo que componer la música de fondo de la película, mientras que A. Arnold Gillespie tuvo que perfeccionar los diversos efectos especiales que la película requería, incluyendo muchos de los planos.

El departamento de arte MGM también tuvo que crear las diversas pinturas mate para el fondo de muchas de las escenas.

Una innovación significativa planeada para la película era el uso de la impresión de la plantilla para la transición a Technicolor. Cada marco debía ser teñido a mano para mantener el tono sepia. Sin embargo, debido a que esto era demasiado costoso y laborioso, fue abandonado y MGM utilizó una variación más simple y menos costosa del proceso.

Durante las reanudaciones en mayo, el interior de la casa de la granja fue pintado de sepia, y cuando Dorothy abre la puerta, no es Garland, sino su doble Bobbie Koshay, vistiendo un vestido de sepia, que luego retrocede fuera de marco. Una vez que la cámara se mueve a través de la puerta, Garland vuelve a entrar en el marco en su vestido de color azul brillante , tras esto aparece el resplandor brillante de la iluminación Technicolor.

Los exámenes de prueba de la película comenzaron el 5 de junio de 1939.  Oz inicialmente tenía casi dos horas de duración. LeRoy y Fleming sabían que por lo menos un cuarto de hora necesitaba ser borrado para que la película llegara a un tiempo de funcionamiento manejable, ya que las películas en 1939 que funcionaban tenían una duración de sólo 90 minutos.

Tres vistas previas de la película en pruebas se hicieron en en Santa Bárbara , Pomona y San Luis Obispo, todas en California , que ayudaron a guiar a LeRoy y Fleming en el corte.

Entre los muchos recortes se encontraba el número de "The Jitterbug", la secuencia elaborada de la danza del Espantapájaros después de "If I Had Had a Brain", una repetición de "Over the Rainbow" y " Ding-Dong The Witch Is Dead " así como secuencias de diálogo más pequeñas.

Esto dejó la parte final sin canciones, sólo el dramático subrayado. Una canción que fue casi borrada fue "Over the Rainbow". MGM consideraba que  la secuencia de Kansas era demasiado largo y se alegaba de  la audiencia infantil. El estudio también pensó que era degradante para Judy Garland cantar en un corral.

El productor Mervyn LeRoy, el productor asociado sin acreditar Arthur Freed y el director Victor Fleming lucharon por mantenerlo, y ganaron. La canción  ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción del Año, y llegó a ser identificado tan fuertemente con Garland misma que ella lo hizo su tema.

En 2004, la canción fue clasificada en el puesto número  1 por el Instituto de Cine Americano en 100 años de AFI ... en su lista de 100 canciones.

Después de la vista previa en San Luis Obispo a principios de julio, con el placet en la mano, El mago de Oz fue lanzado oficialmente en agosto de 1939 en sus actuales 101 minutos de tiempo de duración.

El estreno tuvo lugar en  Hollywood el 15 de agosto de 1939, en el Grauman's Chinese Theatre . El estreno de la ciudad de Nueva York, fue en el Capitol Loew dos días más tarde, el 17 de agosto de 1939, con la presencia de Judy Garland y una co-estrella de la MGM, Mickey Rooney. Ellos continuaron actuando allí después de cada proyección durante una semana, ampliado en el caso de Rooney por una segunda semana y en Garland . también aparecieron Ray Bolger y Bert Lahr reemplazando a Rooney para la tercera y última semana. La película se estrenó a nivel nacional el 25 de agosto de 1939.

Según los registros de MGM, durante el lanzamiento inicial de la película, ganó 2.048.000 dólares en los EE.UU. y Canadá y 969.000 dólares en otros países en todo el mundo, lo que resulta en las ganancias totales de $ 3,017,000. Si bien estas ganancias eran considerables, el alto costo de producción, en asociación con diversos costos de distribución y otros, significó que la película registró inicialmente una pérdida de $ 1,145,000 para el estudio.  En 1955 la película fue vendido a la televisión y consiguió por fin la audiencia esperada por su productora y una recaudación final de $ más de 16, millones de dólares.

Sin embargo, por todos los riesgos y costos asumidos por la MGM será considerada toda un éxito cuando nadie pensaba que lo sería.

De acuerdo con Christopher Finch, autor de la biografía de Judy Garland, Rainbow: The Stormy Life de Judy Garland , "La fantasía es siempre un riesgo en la taquilla. El Mago de Oz había tenido un gran éxito como libro. Pero los intentos previos de llevarla a la pantalla habían sido fracasos. "

Finch también escribe que después del éxito de The Wizard of Oz , Judy Garland firmó un nuevo contrato con MGM con un aumento sustancial en el salario, convirtiéndola en una de las diez primeras estrellas de taquilla en los Estados Unidos.

En cuanto a las canciones la música y las letras fueron escritas por Harold Arlen y E.Y. "Yip" Harburg, quienes ganaron dos premios Óscar por mejor música original y la  mejor canción por «Over the Rainbow». La canción "The Jitterbug", una de las más esperadas en estilo  swing, y que estaba destinado a la secuencia en la que los cuatro están en camino hacia el castillo de la bruja mala quedó en nada. Por falta de tiempo, la canción fue cortada de la versión teatral final.

Además, una breve repetición de "Over the Rainbow" para ser cantada nuevamente por Garland, mientras que Dorothy se encontraba atrapado en el castillo de la bruja, que cortada porque se consideró demasiado intensa. aunque todavía existe la grabación de la banda sonora original

A destacar por mi parte además de " Over the Rainbow " interpretada por  Judy Garland como Dorothy Gale y Follow the Yellow Brick Road/You're Off to See the Wizard" – Judy Garland as Dorothy, and the Munchkins

En cuanto a las críticas señalar que  desde su mismo estreno fue muy bien valorada. Uno de los críticos más importantes de la época, Frank Nugent en The New York Times , consideró que la película era una "maravilla maravillosa de trabajo que tenía los ojos de los jóvenes brillando y trajo un brillo silencioso y divertido a los más sabios de los viejos." Como la  Blancanieves de Disney tiene algo fantástico . Con respecto a los efectos especiales Nugent  habla "de la voluntad y el ingenio" pero no les parece muy conseguidos los Munchkin o los Mono Volador. Según Nugent, "la Dorothy, de Judy Garland, es una señorita atrevida y de cara fresca con los ojos maravillosamente iluminados de una creyente en cuentos de hadas, pero la fantasía de Baum está en su mejor momento cuando el Espantapájaros, el Leñador y el León están en el movimiento." Nugent dijo además que era "Una deliciosa y maravillosa obra que hizo que los ojos de los jóvenes brillaran, y que trajo un tranquilo destello de diversión a los más sabios de los mayores."

John C. Flinn, en Variety , predijo que la película era "probable una hazañas y será un récord de la magia de la taquilla", señalando, "Algunos de los pasajes escénicos son tan hermosos en diseño y composición como para agitar las audiencias por sus despliegue ". También dijo de Garland que "una figura atractiva" y los números musicales "jóvenes y brillante".

No todos los comentarios fueron positivos. Algunos espectadores pensaban  que Judy Garland, de 16 años, era un muy mayor para interpretar a la niña que Baum originalmente pretendía que fuera Dorothy.

Russell Maloney, por el contrario, del The New Yorker escribió que la película no mostraba "ningún rastro de imaginación, buen gusto o ingenio", mientras que Otis Ferguson de The New Republic escribió: "Tiene enanos, música, Technicolor, personajes extravagantes y Judy Garland ... No se puede esperar que tenga  también sentido del humor ... y en cuanto al ligero toque de fantasía, pesa como una libra de pastel de frutas empapada ".

El Mago de Oz se situó séptimo en la encuesta nacional de fin de año en  Film Daily en los que votaron 542 críticos que nombraron las mejores películas de 1939.

Roger Ebert el cronista del Chicago Sun-Times la elegió como una de sus Grandes Películas y dijo de ella que "Además añade que " El Mago de Oz tiene una maravillosa superficie de comedia y música, efectos especiales y emoción, pero aún la vemos seis décadas después porque su historia subyacente Su historia subyacente penetra directamente en las inseguridades más profundas de la infancia, las agita y luego las apacigua. (...) ".

Todd McCarthy retoma lo que dijo en Variety John C. Flinn años atrás "Es una película vintage que vive plenamente su condición de clásico y debería funcionar con gran éxito entre el público contemporáneo de todas las edades."

Para Peter Stack del San Francisco Chronicle dijo de ella que "Su maravilloso jugueteo se ve mágico en la pantalla grande: los colores son un picnic para los ojos, los detalles se acercan tan claramente que parece que se puedan tocar y hay un sentido de la eternidad en esta película que siempre estará vivo."

Según Owen Gleiberman del  Entertainment Weekly"'El mago de Oz' sigue siendo la más extraña, más aterradora, más excéntrica, más inquietante y más inolvidable película para niños que es en realidad una película para adultos que jamás se haya hecho en Hollywood."

El crítico de cine y escritor de San Francisco Chronicle , Mick LaSalle, declaró que la " secuencia entera de Munchkinland , desde la llegada de Dorothy a Oz hasta su salida en el camino de baldosas amarillas, tiene que ser una de las más grandes en la historia del cine - una obra maestra de escenografía, vestuario, coreografía, música, letras de canciones, narración de cuentos y pura imaginación ".

El británico Peter Bradshaw en The Guardian sostenía que "Es una película que habla de la fascinación no reconocida de Hollywood por lo exótico, lo loco, lo irreal. (...)"

En España Fernando Morales complementa lo que dijo Jordi Battle Caminal - y ya dije al principio- en El País nos dice que fue "Magnífico espectáculo de color y música que se ha convertido por méritos propios en un clásico del cine musical. Acertadísima Garland, bien dirigida y con una banda sonora de altura"

El escritor Salman Rushdie reconoció que el Mago de Oz fue mi primera influencia literaria " Cuando vi por primera vez al Mago de Oz , me hizo escritor ". Su primer cuento, escrito a la edad de 10 años, fue titulado "Over the Rainbow".

En el sitio del crítico crítico de cine Rotten Tomatoes , el 99% de los 109 críticas dieron a la película una revisión positiva, con una puntuación media de 9.4 / 10 y en Metacriticun 100",  lo que indica "la aclamación universal".

La película también ha sido considerado como "culturalmente significativa" por los Estados Unidos Biblioteca del Congreso , que lo seleccionó para la preservación en el Registro Nacional de Cine en 1989. En junio de 2007, la película fue incluido en la UNESCO el Registro Memoria del Mundo .

El Mago de Oz fue uno de los primeros videocassettes (en formato VHS y Betamax para la versión de 1980) por MGM / CBS Home Video en 1980-

Obtuvo multitud de Premios en 1939 como dos Oscars a la mejor canción original para EY Harburg y Harold Arlen por "Over The Rainbow", y a la BSO para Herbert Stothart tras seis nominaciones, incluidas a la mejor Película Mejor que perdía ante Lo que el viento se llevó, dirigida por Victor Fleming , también lo fue a la mejor dirección de Arte para Cedric Gibbons y William A. Horning , mejor fotografía en color para Harold Rosson y mejores efectos especiales para  A. Arnold Gillespie y Douglas Shearer.

Un especial premio de la Academia Juvenil de "mejores actuaciones de un menor de edad"  para  Judy Garland .

En 1977, Aljean Harmetz escribió The Making of El mago de Oz , una descripción detallada de la creación de la película basada en entrevistas y la investigación; que fue actualizado en 1989.

Según Krugman y Obstfeld consideran que el cuento es una alegoría directa de la lucha política y económica entre los partidarios del patrón oro y sus contrarios en Estados Unidos a fines del siglo XIX. La carretera de ladrillos amarillos sería la falsa promesa del oro, en Kansas el estado agrícola endeudado, mientras que los zapatos de rubí que la llevan a casa desde Oz, que. or cierto, pudiera ser referencia a la medida de peso del oro (oz. = onza). ¿Quién sabe? Lo que si se es que como musical es una joya. Inolvidable este camino de baldosas amarillas.