El jefe de Nueva York

Es mejor pasar desapercibido que llamar la atención. Esa es posiblemente la conclusión a la que tuvo que llegar Frank Lucas, el protagonista estelar de American Gangster, y uno de los gansters más famosos de la historia del crimen organizado en los Estados Unidos. Se trata de un personaje real y tuvo la particularidad de ser el más poderosos afroamericanos dado el control que tuvo de la heroína , llegando en algún momento a estar por encima de otros clanes mafiosos, la de los sicilianos, irlandeses o judíos.

Fue el primer afroamericano en tocar con sus manos el Olimpo del éxito en el mundo del hampa, convirtiéndose casi en el rey de Harlem, desde finales de los sesenta hasta su caída en los primeros  setenta. Entendió el negocio de la droga, en concreto, el de la heroína como eso, un negocio al que había que darle un marchamo de calidad, con el doble de pureza, a un precio adecuado y sensiblemente más bajo que el de sus competidores y un marca sugerente. Su producto fue el Blue Magic que a él lo convertirá en multitudinario, a pesar de que su consumo condenó a miles de familias norteamericanas.

Creó un modelo mafioso similar al de la Cosa Nostra, modelo que conocía, y que se sostenía en un clan familiar en el que la mayor parte se sustentaba en la familia directa y en la extensa que se mantuvo en la cima hasta que las investigaciones del detective Richie Roberts, dieron sus frutos en 1975.

Su droga estuvo presento por toda la ciudad neoyorkina y en la vecina New Jersey. Cuando este verano estuve en Nueva York, me alojé realmente en Union City, en la zona cercana a Bergen, que aparece en algún momento en la película. Recuerdo que hablé con un señor que me comentó que el barrio latino en el que vivíamos en su momento, entre los 70 y 80, había vivido momentos terribles como se apreciaba en la comisaria que estaba en Bengeline Avenue. Habló de3l alto consumo de cocaína y de la heroína. La historia posiblemente colocó a Frank Lucas en ese momento.

Esta es básicamente la historia que nos narra magistralmente Ridley Scott en American Gangster una película estadounidense del año 2007, dirigida por Ridley Scott, y protagonizada por Denzel Washington y Russell Crowe, en los papeles respectivos de Frank Lucas, un importante traficante de heroína durante la guerra de Vietnam, y Richie Roberts, un detective que trata de derribar el imperio de Lucas.

Se trata de una producción profunda y muy acertada sobre la subida y caída de Frank Lucas en la que intervienen como productores el mismo Ridley Scott junto con Brian Grazer. La historia parte del guión escrito por Steve Zaillian que a su vez se inspiró en el artículo periodístico titulado The Return of Superfly de Mark Jacobson.

La magnífica banda sonora es labor de Marc Streitenfeld y no queda atrás en calidad la fotografía de Harris Savides o el montaje de Pietro Scalia. Detrás de la misma estaba la productora Universal Pictures, Imagine Entertainment , Relativity Media y Scott Free Productions. Para su realización contó con unos 100 millones de dólares quedando la distribución para la Universal Pictures que consiguió recaudar el doble , alcanzando la cifra de 266.465.037 $

El reparto está encabezado por Denzel Washington como Frank Lucas, Russell Crowe como el Detective Richie Roberts, Ted Levine como Capitán. Lou Toback, Cuba Gooding Jr. como Nicky Barnes, Josh Brolin como Detective Reno Trupo, Clarence Williams III como Ellsworth "Bumpy" Johnson, T.I. como Steve Lucas, Carla Gugino como Laurie Roberts, Common como Turner Lucas, Idris Elba como Tango, John Ortiz como Detective Javier Rivera, Chiwetel Ejiofor como Huey Lucas, Norman Reedus como Detective Norman Reilly, Lymari Nadal como Eva Kendo Lucas, Roger Guenveur Smith como Nate, John Hawkes como Detective Freddie Spearman, RZA como Detectives Moses Jones, Yul Vazquez como Detective Alfonso Abruzzo, Malcolm Goodwin como Jimmy Zee, Ruby Dee como Mama Lucas, Ruben Santiago-Hudson como Doc, Armand Assante como Dominic Cattano, Ric Young como Khun Sa, entre otros.

Nada más empezar la película conocemos a un influyente, contenido e inteligente gánster afroamericano, Ellsworth "Bumpy" Johnson (Clarence Williams III), un hombre maneja con su mano izquierda el crimen organizado en Harlem, en connivencia con la Mafia italiana controlada aparentemente por los Cattano, encabezado por su jefe Dominic (Armand Assante). Lo vemos repartiendo pavos en día de acción de gracias entre la población afroamericana de Harlem. Bumpy tiene como hombre de confianza y chófer a un joven, Frank Lucas (Denzel Washington), que ha crecido junto a él, al cual trata de traspasar su experiencia y su forma de manejar los negocios ilícitos en Harlem.

Bumpy Johnson mientras que analiza junto a Frank la situación del barrio muere de un ataque cardíaco en el interior de una tienda.

Tras la muerte de Bumpy, y mientras se celebra el funeral del mismo se personan tras la ceremonia otros criminales que quieren hacerse cargo de sus negocios destacando entre todos Tango, persona que debe todavía a Bumpy algo de dinero. Frank, que es tratado por alguno de ellos con displicencia , especialmente por Tango,  los ve sólo como mediocres oportunistas  e incapaces de gestionar ese peculiar barrio.

Frank entonces decide seguir los pasos de su amigo y tutor, Bumpy Johnson, actuando siempre desde la modestia, el anonimato, con firmeza , pero sin destacar nunca o sin excesos. Apuesta por una vida metódica. Se levanta muy temprano, desayuna a diario en la misma cafetería y se plantea el negocio de la droga como una empresa.

Mientras esto se produce vamos conociendo al detective Richie Roberts (Russell Crowe), del departamento de policía de Newark en New Jersey. Descubrimos que se trata de un hombre inteligente y honesto, con relaciones de amistad en la mafia, algunos de ellos fueron compañeros de estudios , incluso uno es el padrino de su hijo, que se está formando para ser abogado, pero cuya vida personal y profesional no está exenta de problemas desde el momento que hizo un decomiso de dinero que le hubiese solucionado la vida tanto a él como a su compañero Javier. Su vida se debate entre problemas matrimoniales y laborales. Su esposa lo acusa de infidelidad, y desea el divorcio y la custodia del hijo de ambos.

Los colegas de Richie del departamento de policía se alejan de él, cuando recupera cerca de 1 millón de dólares de la mafia y lo devuelve a las autoridades. Además, Richie tiene ambiciones de convertirse en abogado y estudia por las noches.

Mientras en el país aumenta el consumo de heroína, especialmente entre la juventud y los soldados que están participando en la guerra de Vietnam. Igualmente esos años son de auténtica degradación en el cuerpo policial que recibe mordidas por parte de la Mafia y , especialmente, de aquellos que están ligados a la lucha contra la droga. No sólo aceptan sobornos, sino que a veces se quedan y colocan en el mercado la droga decomisada, una vez cortada  y degradado.

Mientras esto ocurre se producen algunos éxitos policiales como el desmantelamiento de la llamada conexión francesa, la principal organización de abastecimiento de heroína en Estados Unidos, y con ella un encarecimiento de la misma, pero llegan igualmente a los oídos de Frank los comentarios de dos soldados que regresan de Vietnam, que comentan la pureza y bajo precio de la heroína allí.

Tras meditar sobre la calidad del productor y el precio del mismo , llama a un primo suyo, Nate(Roger Guenveur Smith) realmente el ex marido de una prima suya, que está en Bangkok, en la retaguardia de Vietnam, y tras hablar con él Frank decide viajar a Tailandia en busca de un fabricante directo de heroína que lo pueda abastecer, aunque para ello tenga que ir a una zona controlada por el Kuomintang a entrevistarse con Luchai Rubiwat , aunque esté la zona presionada por el Vietcong.

Allí negocia con el productor principal y le explica como ha de llegar por medio de los militares norteamericanos comprando su voluntad por una buena cantidad de dólares. El viaje a Tailandia había sido exitoso para Frank.

Nada más llegar el primer porte a Fort Bragg, Carolina del Norte y una vez analizada la pureza, organiza una laboratorios en Harlem controlados por unas chicas especialistas en el corte para tratar y empaquetar la heroína en dosis, las cuales llama Blue Magic. Tras este primer pedido, comienza a aparecer en el mercado y en las calles un nuevo tipo de heroína llamada Blue Magic, de alta pureza y bajo precio.

Mientras tanto el compañero de Richie, Javier Rivera, (John Ortiz) con el que había encontrado en una bolsa un millón de dólares llama a éste una noche para comentarle que tiene un problema. Ha matado a un traficante en Harlem y hay un grupo de personas que lo quiere linchar. Richie va en su ayuda y lo saca dada su habilidad para salir de los casos. Al salir descubre que Javier es un yonki y el entiende que ha de denunciarlo por su asesinato. Javier huye aunque aparece días después muerto por una sobredosis. En su bolsillo encuentra un sobre con el nombre de la droga: Blue Magic.

Mientras el ambiente en el departamento de policía se pone difícil para Richie, al ser aislado por sus propios colegas que le retiran su apoyo en peligrosas operaciones. Richie, que sigue, con una pelea legal por su hijo, ya que su mujer se lo quiere llevar a Las Vegas, se siente agobiado y perdido alejándose del cuerpo de policía.

Sin embargo, el superior de Richie, el capitán Lou Toback (Ted Levine) impresionado por su honestidad, y viendo los problemas que tiene con sus colegas, le asigna la creación de un grupo policial especial en el Condado de Essex (Nueva Jersey), donde el tráfico de drogas es mayor; y la misión de encontrar al proveedor de Blue Magic.

El dinero comienza a ingresar en las cuentas de Frank y él comienza a invertirlo en bienes raíces y otros negocios de pantalla para la distribución. Decide traer a su madre y a sus cinco hermanos que se encuentran en Carolina del Norte, y les asigna a sus hermanos un puesto de trabajo en su nueva organización.

Frank ve como su negocios comienzan a prosperar, y se esfuerza por mantener un perfil bajo. Prefiere pasar desapercibido, en las antípodas de otros mafiosos como su competidor, Nicky Barnes, o Tango, al que mata sin piedad delante de sus hermanos, para demostrar su poder. Acude los domingos a la iglesia con su familia, y realiza obras de caridad entre los necesitados de Harlem.

Mientras Richie y su grupo, un grupo de policías honestos, comienzan a crear un organigrama entre los miembros del hampa y toman muchas fotografías. Así se van enterando de los lazos entre la mafia y los distribuidores, así como en la relación perversa existente entre las brigadas de policía que persiguen al crimen organizado, especialmente al tráfico de drogas , y los sobornos policiales.

Especialmente molesto para Richie es descubrir no ya en New Jersey, sino en Nueva York, como un brigada especial de policía que, aparentemente, lucha contra el tráfico de drogas está compuesta por unos extorsionadores que reciben pagos de la mafia y del tráfico de drogas. Especialmente preocupante el grupo encabezado por el detective Detective Reno Trupo (Josh Brolin), capaz de robarles a los ladrones y que en un momento dado amenaza al mismo Richie.

A través de la disciplina, el orden y una actitud implacable, el nuevo estatus de riqueza de Frank, lo transporta desde Harlem a un nuevo mundo social. En una fiesta conoce a su futura esposa unaa reina de belleza de Puerto Rico después de entrar en contacto con ella en un club nocturno. Se trata de la portorriqueña Eva Kendo (Lymari Nadal).

Sin embargo, a pesar de su deseo de independencia, Frank sabe que tiene que relacionarse con la mafia. Como cabeza se encuentra un capo Dominic Cattano (Armand Assante); al que finalmente convierte en  subsidiario de su entramado delictivo, aunque él italoamericano parece creer lo contrario.

El combate de boxeo entre Joe Frazier y Muhammad Ali en el Madison Square Garden es un punto de encuentro social para toda la sociedad neoyorkina, incluida la mafiosa. A este encuentro se presenta Frank vestido con un abrigo de visión de dos colores con sombrero a juego regalo de su mujer tras la entrega por parte de Frank de un valioso anillo de compromiso.

Se dirige al combate y allí y allí Frank, se encuentra con Dominic Catano, situándose por delante de éste. Su situación , producto de su posición, y de una entradas regaladas por Joe Frazier hacen descubrir a Frank que está junto a Eva, ante los ojos de Richie , pero también ante el detective Trupo. El portar el abrigo de chinchilla , que rompe con la máxima que él le había contado a su hermano Huey  llama la atención del público, y de los policías.

De regreso al despacho, Richie que ha estado tomando fotografías para su organigrama empeiza a descubrir de quién se trata. Su perspicacia policial nota que un personaje desconocido para él, Frank, ocupaba mejores asientos que el jefe de la mafia, Dominic Catano, y le toma una fotografía. Al final, llega a la ocnclusión, Frank es la cúspide de la pirámide.

En esa caída, la su detección ante la opinión pública, se van sumando otros aspectos que no ayudan al imperio de Frank.  Entre estos problemas que se detectan aparece el policía corrupto de Nueva York, el detective Trupo (Josh Brolin), que lo detiene en la calle el mismo día de su boda con Eva, para amenazarlo y exigirle un dinero. La respuesta de Frank no se hace esperar ni a nivel doméstico , cuando llega a casa quema el abrigo, ni  hacia el policía, ya que al llegar el día de acción de gracias Trupo recibe en casa un pavo vivo, pero mientras abre la puerta su querido coche, un Shelby Mustang, salta por los aires.

Y a esto también se le une el que comienza a aparecer en las calles dosis de heroína de baja pureza, que son vendidas bajo el nombre de Blue Magic. Huey identifica al responsable, se trata de un traficante de menor nivel que también opera en Harlem, Nicky Barnes (Cuba Gooding, Jr.), que había comenzado a comprar dosis originales y que las estaba cortando.

Frank se enfrenta con Barnes y finalmente acuerdan que Barnes venderá su droga bajo otro nombre , Red Magic. A la vuelta el grupo de Trupo detiene a Frank y a su hermano, pero en vez de detenerlos se quedan con el paquete de drogas que Huey llevaba en el coche. Todo esto es visto por Richie, desde la distancia.

En el día de navidad, la esposa de Frank, Eva, es víctima de un atentado, cometido por desconocidos, del cual salva ilesa. Nadie reivindica el atentado , pero se supone que detrás del mismo está Barnes. A Eva esta situación a ella le incomoda hasta el infinito, y su matrimonio parece haber entrado en crisis

Mientras la guerra de Vietnam está llegando a su fin como anuncia Nixon ante las cámaras. Y con ello la red de transporte está en vías de desaparecer.

Frank decide realizar el último transporte, esta vez ocultando la droga en los ataúdes de los últimos soldados muertos repatriados de Vietnam.

Uno de sus parientes de los que han llegado desde Carolina del Sur y que no  sólo es gran consumidor sino el encargado de la recepción de drogas, comete un intento de asesinado contra su novia. Esto es aprovechado por el equipo de Richie para sacarle información y para que testimonie contra Richie.

Richie sigue en sus investigaciones y empieza a unir hilos, que llegan hasta Frank Lucas. Arresta al acusado, le saca información y lo obliga a llevar un micrófono oculto para escuchar sus conversaciones telefónicas con Frank. De esta manera se entera de que tiene que llegar un último transporte.

Efectivamente, ante el inminente fin de la guerra de Vietnam y cerrar así su entrada privilegiada de heroína a través del ejército de los Estados Unidos, Frank decide hacer un último viaje a la selva de Thailandia en busca de la adictiva droga. Se despide en la práctica del señor de la guerra y productor a gran escala. Habrá una última entrega.

Al escuchar la llamada en clave deduce Richie que lo que  el transporte con la droga es en realidad un avión del ejército norteamericano. Richie, con una orden del juez, procede a casi desmantelarlo, pero no encuentra la droga.

En ese momento igualmente el detective Trupo procede a allanar la casa de Frank. Trupo, que sentía un gran resentimiento hacia Frank, después de que éste le reventara el coche con una bomba realiza un recorrido por la casa intimidando a la madre y esposa de Frank. Trupo encuentra un bolso con el dinero de reserva que había ocultado Frank debajo de la caseta del perro, al que previamente ha matado y se apropia del dinero.

Richie está convencido de que la droga viene oculta en los ataúdes y los abre para revisarlos, pero es detenido por oficiales del gobierno, que no desean que trascienda ninguna implicación del ejército en el tráfico de drogas. Los criminales sacaban la heroína oculta en un doble fondo de los ataúdes.  Richie decide entonces vigilar el destino de los ataúdes, llegando finalmente uno de los parientes de Frank. el sobrino promesa de jugador de beísbol, a recogerlos. Lo siguen y ven hasta donde llegan las toneladas de droga dispuestas a ser cortadas.

Tras un minucioso proceso de preparación el grupo encabezado por Richie y sus hombres se dispone a asaltar el laboratorio.

Se organiza una gran redada en Harlem, y la policía junto al grupo dirigido por Richie detiene pot un lado a los hermanos y familiares de Frank, Huey, incluido. Mástarde detienen a Frank que acaba de llegar de Asia y frenado por su madre , ante su deseo irrefrenable de matar a Trupo,  a la salida de la iglesia.

Frank es arrestado y más tarde se inicia un proceso judicial contra él. Richie, que actua como acusación, condenado a nivel federal por los delitos de tráfico de estupefacientes, asociación ilegal y crimen organizado, entre otros, contra el estado de Nueva Jersey.Más tarde, Richie  le ofrece un trato de una sentencia reducida si entrega los nombres de sus colegas y compinches y, especialmente,  los de los policías corruptos involucrados en el tráfico de heroína. Frank acepta y Richie cumple su palabra.

Un gran número de policías corruptos son arrestados. El detective Trupo se suicida para evitar ser juzgado. Richie, tras ello, se encarga del proceso de Frank en los tribunales. Más tarde, Richie se convierte en el abogado defensor de Frank, y la condena de 70 años se reduce a 15 años.

Frank obtiene su libertad en 1991. Había estado en prisión desde 1975, y tiene que regresar a una sociedad desconocida para él. El testimonio de Frank dio como resultado la apertura de 150 casos contra numerosos acusados, incluyendo tres cuartas partes de la Agencia de Nueva York de Control de Drogas y 30 miembros de su familia. Su madre retornó a Carolina del Sur, mientras que Eva se marchó a Puerto Rico. Como recompensa por su información, su condena se redujo a 15 años, y fue liberado en 1991. Acabando así la muy buena película.

La película obtuvo varios premios y reconocimientos en forma de nominaciones como las dos al Oscar: Mejor actriz de reparto (Ruby Dee), y a la mejor dirección artística (Arthur Max y Beth A. Rubino)

Igualmente se reconoció su valor con las tres nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor película dramática, director y actor

Cinco nominaciones obtuvo en los BAFTA, incluyendo mejor película, montaje, banda sonora, fotografía y guión original

Dos nominaciones tuvo en los Critics' Choice Awards, a la mejor película y canción.Para el Sindicato de Actores (SAG) se reconoció un premio a la mejor actriz secundaria (Ruby Dee) y nominada al Mejor reparto.

En los  Premios Satellite del año 2007 se valoró como el mejor montaje (Pietro Scaglia). Se llevó igualmente el Premio Sant Jordi del público a la mejor película extranjera (Ridley Scott).

En los Premios de la revista Empire consiguió el premio  al mejor thriller, al igual que el  Premio World Soundtrack Awards por su banda sonora revelación del año (Marc Streitenfeld).

Fue rodada con cerca de cien millones de dólares de presupuesto. El rodaje tuvo lugar en toda la ciudad de Nueva York - en más de 180 lugares diferentes- ,y llegó a la conclusión en Tailandia .

En 2000, la Universal Pictures y Imagine Entertainment compró los derechos de "The Return of Superfly", un artículo en una revista nepyprkina escrito por Mark Jacobson sobre el ascenso y caída del capo heroína en los años 70, Frank Lucas. Oliver Stone estuvo a punto de hacer suyo el proyecto, pero abandonó por diferencias con los productores.

En 2002, el guionista Steven Zaillian hizo un guión de 170 páginas con el director Ridley Scott , quien expresó su interés en hacer dos películas de ella. Sin embargo, Scott no siguió inmediatamente el proyecto, la elección de hacer previamente "El reino de los cielos" en su lugar lo alejó de éste.

En noviembre de 2003, Universal e Imagine entró en negociaciones con Brian De Palma para dirigir Tru Blu, con guión de Zaillian basado en la figura de Frank Lucas. Zaillian interpreta la historia como la de un hombre de "negocios afroamericano", centrándose en temas sociales. La producción fue programado inicialmente para empezar en la primavera de 2004.

En marzo de 2004, el estudio introdujo nuevas negociaciones con Antoine Fuqua para dirigirla, aunque las diferencias surgidas posteriormente, se desmarcó del mismo, aunque ya contaba con Denzel Washington en el papel de Frank Lucas, aunque en algún momento se planteó la posibilidad de contar con Will Smith . En mayo siguiente, Benicio del Toro entró en negociaciones para protagonizar al detective Richie Roberts. Los raperos TI , RZA y Common se agregaron para atraer a un público más joven.

La producción de Tru Blu, pues inicialmente así se iba a llamar el proyecto,   se restableció para comenzar a principios del otoño de 2004, con la película programada para una fecha de lanzamiento de 3 de junio de 2005.

En septiembre de 2004, Dania Ramírez entró en negociaciones para unirse al reparto de la película, ahora titulado American Gangster . Más adelante, en 2004 estuvo a punto de ser dirigida por Anthony Fuqua, pero Universal se echó atrás un mes antes de iniciarse el rodaje, ante el imparable aumento del presupuesto. Universal Pictures informó que se dio luz verde a American Gangster con un presupuesto de $ 80 millones, pero se disparó a $ 93 millones, y más tarde a 100.

Para la banda sonora desarrollada por Streitenfeld y de Shocklee, se completó, y es un acierto, con canciones de los 60 y 70, incluyendo obras de músicos de blues y soul, como Bobby Womack , The Staple Singers , Sam & Dave , y John Lee Hooker.

American Gangster se estrenó en Nueva York el 20 de octubre de 2007 en el Teatro Apollo en Harlem, y fue lanzado en los Estados Unidos y Canadá el 2 de noviembre La película fue bien recibida por la mayoría de los críticos de cine, y recaudó más de US $ 266,5 millones en el mundo.

Muchas de las personas retratadas, incluyendo Richie Roberts y Frank Lucas, han declarado que la película tuvo muchas licencias creativas con la historia, y tres ex DEA agentes demandaron a la universal por la pésima imagen de la agencia que lucha contra las drogas. 

En una entrevista en la MSNBC , Lucas expresó su entusiasmo por la película aunque señaló que sólo una pequeña porción de la película era cierto, y que gran parte de ella se fabricó para el desarrollo. En esa misma línea estuvo Richie Roberts. Sterling Johnson, Jr. , un juez federal que trabajo como fiscal especial narcóticos para el Tribunal de Distrito Este de Nueva York y que asistió a la detención y el juicio de Frank Lucas, describió la película como "una realidad de Hollywood ". Además, Johnson describe la vida real Lucas como la de un "analfabeto, vicioso, violento, nada de lo que Denzel Washington representa."

American Gangster fue nominado a veintiún premios, La crítica la ha valorado muy positivamente.Entre las listas de clasificación American Gangster estuvo considerada como una de los mejores del año según The Miami Herald , Rolling Stone y la Associated Press .

Peter Travers en la revista Rolling Stone dijo de ella "Llámala la 'Scarface negra', o 'El Padrino de Harlem', o simplemente 'una película endiabladamente excitante', el hecho es que 'American Gangster' ya aparece como la contendiente principal a importantes premios. (...) Y Ridley Scott, en plena forma, dirige como un hombre poseído. (...)

Para el gran y desaparecido Roger Ebert del  Chicago Sun-Times la película era "Una historia apasionante, bien narrada con fluidez (...)

Todd McCarthy en Variety comentaba que  "Es absorbente, excitante a ratos e innegablemente entretenida, y está destinada a ser un gran éxito comercial. Pero no es genial. (...) La película acusa su duración."

Claudia Puig en USA Today opinó que era "Una deslumbrante épica criminal. (...) basada en hechos reales, toma sorprendentes giros hasta enderezarse al llegar a su escalofriante final (...)

Wesley Morris del Boston Globe escribe lo siguiente: "La película entera está atrapada entre ser un trabajo serio o un trabajo absurdo. (...) Scott, Zaillian, y el productor Brian Grazer parecen pensar que realmente nos están ofreciendo algo sorprendente. Pero esto es 'New Jack City' con ganadores de Oscar. (...)

Manohla Dargis en The New York Times considera que la película está llena de una " grandeza merodea a las afueras de 'American Gangster', llamando, echando el anzuelo para que la dejen entrar. (...) Como muchos directores (y espectadores) Mr. Scott ama al malo demasiado, y convierte a Lucas en una figura que seduce más que repele"

Paul Byrnes del The Sydney Morning Herald sintieron que American Gangster era "una de las películas de gángsters más inteligentes en años" Ya en  España E. Rodríguez Marchante del Diario ABC nos dice que "Ridley Scott: a un paso de la cima. (...) con momentos de gran visceralidad (...) pero el género [de mafiosos] permanece igual que antes (...) una buena película, con buenos personajes y con unos grandes actores. Que sólo es poco para Scott. (...)

Francisco Marinero en el Diario El Mundo entiende que se trata de un "Magnífico guión (...) Una perfecta narración en imágenes que va a lo sustancial de la trama, haciéndose corta su larga duración."

Por último, Nando Salvá en Cinemanía nos dice que "Se disfruta. (...) la película no oculta cierta mirada romántica al gangster (...).

Estamos ante una gran película, que , efectivamente, puede ser como una visión beatificada del terrible hombre que pudo ser Frank Lucas y que , como un ángel de la muerte, llevó la desgracias a muchas familias de Harlem, el Bronx, o a mi querida Union City. La narración es tensa y lineal , manteniendo la tensión a lo largo de toda la película, que es larga, pero tan intensa que no acaba notándose, desarrollándose con minuciosidad en el tiempo y combinando magníficamente las historias de los dos protagonistas que , finalmente, coinciden. Posee una gran banda sonora y una fotografía precisa que nos lleva al Harlem de los años 70.

Y como he leído por ahí debe ser vista en las escuelas de negocios de todo el mundo , pues es modélica en el sentido del emprendimiento, análisis de la competencia, recursos humanos, gestión de problemas, estudios de mercado, etc... En ella, los dilemas morales sobre quién es malo, y quién es peor. Muy recomendable y aleccionadora en el sentido de que al final lo mejor para algunas cosas es pasar desapercibido.

De Mèlies a Douglas Fairbanks

En la tarde noche de ayer fuimos a la exposición temporal que la obra social de "La Caixa" que tiene en mi ciudad dedicada a Georges Méliès y el cine de 1900. Una exposición de fotos , maquetas y carteles que toman como referencia la vida y obra del primer director de cine en el sentido narrativo del término. 

La exposición parte de cómo era el mundo para el año 1900 y como en esos cinco años que le anteceden, aparecen el cinematógrafo de los hermanos Lumière, siempre que escribo pienso en la casualidad de que portaran precisamente ese apellido tan luminoso, de su primera proyección en los últimos días del año 1895 y de su concepción del invento casi centrado en su idea básica de imagen en movimiento. Con ellos aparece el sentido documental y de perpetuidad del invento, no así , aunque con el "Regador regado" no se cumple, de su idea de que el mismo sirviese con sentido narrativo. 

Para eso hubo que esperar a Georges Méliès. Méliès , por su parte, sí que revolucionó el cine. Desde que estuvo en esa primera representación en el Café des Capuchines, sí que tuvo claro que aquello iba con él. Y , aunque proviene y empieza como un espectáculo de feria, termina transformándolo en su más extenso sentido. Prueba de ello es que construye su primer estudio de rodaje, la primera sala específica para disfrutarlo, impulsó en la producción y distribución de películas. Se metió tanto en el mismo que acabó siéndolo todo: directo, actor , guionista, como se dirá en unos de los breves documentales que se acompaña a la exposición se convertirá en el "primer hombre orquesta" en el mismo sentido que hará más tarde Orson Welles. Palabras mayores estas. 

De su vida conocemos bastante, así que no la reflejo aquí, pero su historia como hombre de cine comienza en 1896 en ese contexto de barraca de feria , pero con sentido comercial, por un lado, y pleno de ilusión e ilusión por medio de juegos y montajes. Tras hacerse con un espacio cinematográfico se lanzó al CINE, sí , sí, con mayúsculas. 

Como se nos informa en la Exposición y como se emite en ella alcanza la gloria más absoluta con la película que le ha permitido entrar en el Parnaso Cinematográfico: la increíble Voyage dans la Lune, la primera película en superlativo de la historia, en inversión, en imaginación y en espectadores. Del cénit, sin embargo, pasó al olvido en parte por la concepción capitalista de un negocio que empieza a ser rentable y controlada por productoras/distribuidoras como Pathé o la Gaumont. Del éxito pasó al olvido, al más absoluto olvido. 

Su negocio se vino abajo y con él su espíritu creador , que previamente había abarcado hasta la publicidad. Pero los héroes han de pasar al Olimpo, claro siempre pasando una prueba. En este caso la casualidad llevó al periodista León Druhot a un puesto de juguetes en Montparnasse en 1925. Cuando lo pienso me imagino a Picasso, Juan Gris o al mismo Buñuel pasando junto a él, e ignorando quien era. 

El periodista tuvo el valor y la inteligencia de reívindicarlo, y desde entonces para todos los que amamos el cine Méliès, es Méliès, le grand père. 

El padre tuvo hijos no sólo en Francia o Italia ¡Grande la Cabiria de 1914 en la que está presente Segundo de Chomón, español que seguro reconoció en Mèliès su maestro y mentor ¡¡¡Entre nosotros, copió algunas de su obras, incluyendo su viaje lunático!!!, pero también en Estados Unidos, lugar en el que para 1914 y 1915 triunfaban directores como Griffith o Chaplin, pero también comenzaban a destacar actores o actrices de la talla de Mary Pickford. Curiosamente su marido, en un momento fue el segundo personaje de hoy, Douglas Fairbanks, impulsor entre los otros citados de una productora para la historia United Artist, y no sólo uno de los principales actores de esta década y la siguiente, sino también uno de los más reputados productores de la historia inicial del cine. 

Es Fairbanks el gran protagonista de The Mystery of the Leaping Fish o El misterio del pez que salta una película estadounidense de 1916, muda evidentemente, una comedia en la que intervienen junto a Douglas Fairbanks , Bessie Love , y Alma Rubens .

Se trata de una curiosa película dirigida por John Emerson y Christy Cabanne, cuya historia está escrita por una persona trascendental en la historia del cine como es Tod Browning y que contó con los intertítulos escritos por otra de las guionistas, la novelista Anita Loos . La fotografía fue de John W. Leezer y con Karl Brown como ayudante La película fue producida y distribuida por Triangle Film Corporation y DW Griffith como el supervisor.

Como ya hemos señalado la película está protagonizada por Douglas , Doug, Fairbanks en el papel del detective Coke Ennyday,  Bessie Love como la chica, Alma Rubens como su cómplice femenina, Allan o AD Sears como el jefe de la banda , Charles Stevens como el cómplice japonés,  Tom Wilson como jefe de la policía IM Keene, George Hall como otro cómplice japonés y William Lowery el como líder de la banda, Joe Murphy como un criado y  BF Zeidman como editor de escenario.

En este comedia de Fairbanks, descubrimos que interpreta a un detective, "Coke Ennyday"una parodia de Sherlock Holmes, adicto a la cocaína y al laudano, al que descubrimos nada más empezar la película inyectándose antes de recibir un encargo por parte del jefe de policía IM Keene, al supuesto mejor detective científico del mundo.

Coke Ennyday lleva una bandolera de jeringas usadas en el pecho, y además se ayuda de una sombrerera grande llena de polvo blanco con la etiqueta "Cocaine" en su escritorio.

Coke  Ennyday regula su día con un reloj  especialque le va indicando los momentos de "Sueño", "Comer", "Drogas", y "beber". El dopaje es su actividad preferida, la cocaína y su droga de elección. Se trata de una visión satírica de Sherlock Holmes, pues lleva un sombrero de detective a cuadros, ropa e incluso coche, junto con la necesidad permanente de inyectarse  cocaína cada vez que se siente mal y , a continuación, riendo con deleite.

Tiene un extraño dispositivo en casa que utiliza para los visitantes que le sirve de observación, una especie de  "periscopio científico", algo así como un circuito cerrado con una moderna televisión .

El agente de policía que se presenta en la casa le da el encargo de atrapar a una banda de traficantes de droga, encabezada por AD Sears.

Para ello se persona en un área cercana a la costa y en concreto en una caseta regentada por una chica (Bessie Love).

En el camino, se encuentra con ella que parece alquilar flotadores en forma de pez y , además, contará con Alma Rubens y Charles Stevens le prestan su apoyo.

Coke tendrá que salvar a la chica que se encuentra atrapada en una lavandería china, lo que da más oportunidades para el astuto detective se dope.

Al final alcanza su objetivo , eso sí, lo hace después de haber consumido la mayor parte del opio .El final es una batalla entre Ennyday y el villano, y el momento más propicio para las acrobacias del actor, seguido por una coda que muestra Fairbanks contando la historia al editor de un estudio de cine.

La película se estrenó el 11 de junio de 1916, aunque se prohibió en algunas ciudades como ocurrió en Boston   y todavía se conserva una copia en 35 mm de la película que fue restaurada por The Museum of Modern Art of New York, aunque ahora es de dominio público .

El misterio de Salto del pescado fue lanzado al púbico en 1916, un año antes de que la Ley Harrison fuese promulgada. Esta ley fue la primera prohibición de narcóticos que eran todavía un concepto nuevo en los Estados Unidos, ya que el uso de opiáceos y de cocaína estaba mucho más aceptada socialmente que hoy.

Por otra parte, la censura Código Hays no se instituyó por otros catorce años después del estreno de la película. Con la introducción del código, las representaciones en la que tuviesen lugar el consumo de drogas intravenosas quedaron prohibidas.

La producción fue inicialmente rodada por Christy Cabanne que más tarde fue despedido de la producción, pasando más tarde John Emerson a la dirección de la misma, aunque se realizaron algunas modificaciones de las que se encargó  Tod Browning .

La película se rodó en el barrio chino de Los Ángeles , por lo que la producción fue atacada por miembros de la comunidad, porque no habían solicitado permiso para rodar la película en el barrio.

La película fue una lanzadera  para Fairbanks , llamando la atención, indudablemente, la temática satírica de este nuevo Sherlock y el trasfondo de su consumo de cocaína. De hecho, el misterio del pez volador es la segunda película de Fairbanks , al menos, bajo la dirección de John Emerson, esposo de Anita Loos, precisamente,  y fue un éxito.

A día de hoy la película es ante todo una rareza e incluso está considerada casi como una película de culto  por sus relaciones entre la comedia y el consumo de drogas, Sin embargo,  Fairbanks odiaba la película y siempre dijo que había que quitarla de la circulación. El biógrafo de Fairbanks Jeffrey Vance describe la película  como "la película más extraña que Fairbanks hizo", y que todo el escenario es "una absurda odisea alucinógena  ...."

Para Janiss Garza, Rovi, del New York Times la película fue reivindicada en los años 70 del siglo pasado "debido al aumento en su consumo".

La batalla del Somme

El pasado lunes mientras buscaba la película de Buster Keaton se me ocurrió, como siempre , que debería seguir viendo películas centenarias compo me gusta hacer todos los años. Cuando a primeros de enero busqué una de ella y me encontré con la ya comentada de Chaplin, di con otras que  me resultó llamativa, casi chocante. Se llamaba La batalla del Somme, una película documental realizada por operadores británicos que había ido al frente estabilizado que se había establecido en la zona occidental casi desde el principio de la guerra.

El film tenía una finalidad propagandística, como otros en aquella guerra algunos ya comentados aquí como El hundimiento del Lousitania o el mismísimo Armas al hombre de Chaplin. Lo cierto es que los británicos van a tener en muchas ocasiones a lo que hoy se llamarían periodistas encastrados que convivían hombre con hombre, aquí nunca mechor dicho, con los soldados. Para su realización contarán con la colaboración del Almirantzago.

Uno de ellos , instando por el mismísimo Almirantazgo es La Batalla del Somme, que nos va narrando la batalla desde sus preparativos hasta la conclusión final , más bien parcial, de la misma. Para ello el ejercito británico contará con un equipo de operadores en el frente, que contribuyen a la realización de este primer “battle film”. Se trata del más conocido de los films “oficiales” sobre este enfrentameinto bélico y en el mismo, como ya he señalado, se describe la ofensiva aliada en aquel julio de 1916. 

Los dos camarógrafos oficiales mandados por el Topical Committee, ya liberados de las restricciones de la Oficina de Guerra de filmar en el frente, recogieron espectaculares imágenes de una de las batallas más importantes en la que los británicos participaron durante toda la guerra, especialmente por ser la primera con un ejército masivo formado por civiles uniformados. 

La película fue rodada, entre el 26 de junio y el 9 de julio de 1916, por Geoffrey Malins (de la 29ª División del 8º Cuerpo) desde posiciones próximas a Beaumont Hamel, en la parte norte del campo de batalla, y por J.B. McDowell (de la 7ª División del 15º Cuerpo) en la parte sur, cerca de Fricourt, localidad esta última nombrada en múltiples ocasiones en los intertítulos existentes en los distintos cinco partes, y a los que podemos hacer responsables de la dirección, del guión y de la fotografía. Se trató de una producción de William F. Jury para el British Topical Committee for War Films. En el montaje de la misma participan Charles Urban y Geoffrey Malins; y en la versión que yo he visto la restauración de  la película preservada desde 1931 en el Imperial War Museum , que en 2005, además que inscribirse en los registro de la Unesco, fue restaurada digitalmente y al año siguiente, 2006 se le incluyó la agradable música de Laura Rossi.

Esta “battle film”, al que se le considera el primer documental  de guerra de la Historia, con imágenes de batallas reales será en 2005 , como ya hemos señalado, inscripta en el Registro Unesco de la Memoria del Mundo como patrimonio documental de interés universal. 

La película dividida en cinco partes o capítulos con secuencias divididas y descritas por intertítulos describe el ejército británico en las preliminares y primeros días de la batalla del Somme (1 de julio - 18 de de noviembre de 1916). La primera parte muestra los preparativos para la batalla detrás de la primera línea británica; en ella vemos secuencias de tropas marchando hacia el frente, los campesinos franceses que continúan su trabajo agrícola en las zonas traseras, el almacenamiento de municiones, al general Beauvoir De Lisle dirigiendo a la 29 División y algunas de las actividades de preparación al fuego de artillería de muy diversas libras , pulgadas y diversas armas de fuego, obuses y morteros.

La segunda parte representa más preparaciones, las tropas se mueven en las trincheras de primera línea. Vemos igualmente como se intensifica la barrera de artillería de obuses, un pesado mortero y la detonación de la brutal mina Hawthorn .

La tercera parte comienza con el ataque al Primer día en el Somme (1 de julio 1916), realizadas con algunas recreaciones y muestra la atención de los heridos y el trato humanitario a los prisioneros alemanes por parte de los británicos.

La cuarta parte muestra más escenas de británicos y alemanes heridos, la limpieza de los campos de batalla y algunas bajas. La parte final muestra escenas de devastación, incluyendo las ruinas del pueblo de Mametz , especialmente su Main Street, las tropas británicas descansando y los preparativos para la próxima ataque.

La película describe esa guerra estática, de frente estables que supuso la guerra de trincheras , mostrando a los distintos cuerpos de infantería participantes en la batalla, en marcha al frente, con alguna escena de la población civil que inicialmente continuó con su labores agrícolas tradicionales, los disparos de artillería sobre las posiciones alemanas, las tropas británicas a la espera para atacar el 1 de julio, la valentía de los soldados británicos, se sacrificio saliendo de las trincheras, los boquetes de las minas y bombas, el tratamiento humanitario de los soldados británicos con sus camaradas de armas y con los alemanes heridos, los equipos y posiciones de los británicos, el material incautado a los alemanes, los muertos, heridos y los prisioneros.

Sin embargo, la película no cuenta como tras siete días de bombardeos tan intensos que pudieron casi escucharse desde Londres, 14 gigantescas explosiones bajo las trincheras enemigas marcaron a las 7.28 de la mañana el inicio de una ofensiva destinada a cambiar el curso de la I Guerra Mundial en el frente occidental. Convencidos de que la artillería había machacado las posiciones alemanas, los soldados salieron al paso hacia las trincheras enemigas. Sin embargo, las defensas estaban casi intactas. Fueron barridos de forma implacable por las ametralladoras alemanas, oleada tras oleada. En los primeros seis minutos se produjeron 20.000 víctimas. Al anochecer, 20.000 militares habían muerto y 40.000 resultaron heridos. Uno de los reclutas que participaron en esa batalla fue un joven recién graduado en Oxford llamado John Ronald Reuel Tolkien. Su experiencia en este horror fue su inspiración para su Mordor.

El objetivo de la ofensiva, para la que habían sido movilizados solo entre los británicos medio millón de soldados, era romper las líneas alemanas en el oeste del frente occidental. Los británicos atacaron más el norte, y los franceses, que encontraron menos dificultades, el sur. Todo lo que pudo salir mal, salió mal. Los británicos anularon las llamadas “brigadas de colegas” (pal brigades), que reunían a amigos que se habían alistado juntos o a personas del mismo barrio, pueblo, fábrica, clase… Hubo localidades que perdieron a casi todos sus varones en edad de guerrear. Las comunicaciones no funcionaban, no se sabía lo que ocurría en el campo de batalla.Los avances fueron insignificantes. Desaparecieron 4.300 soldados. Lo más grave es que toda la batalla fue una inmensa maniobra de distracción para obligar a los alemanes a desplazar tropas desde Verdún hasta este nuevo frente y así aliviar la presión contra los franceses. Nada de este desastre se refleja en la película. De hecho lo que se presenta es el mapa de la expansión británica.

La historia de la producción de esta película documental se remonta al 2 de noviembre de 1915, cuando el ya citado British Topical Committee for War Films encargado de las películas propagandísticas de guerra, envía, apoyados por el Ministerio de la Guerra , dos camarógrafos a Francia. Se trataba de Geoffrey Malins de la Gaumont británica y Edward Tong de Jury´s Imperial Pictures, encargados de realizar unos cortos.

A principios de junio Tong , que había caído enfermo y había sido enviado a casa es sustituido por John McDowell, de la British and colonial film company, pues se ofreció ir para reemplazarlo y se fue a Francia el 23 de junio de 1916.

Al día siguiente, el 24 de junio, el ejército británico comenzó los preparativos del bombardeo de la artillería de las posiciones alemanas para la batalla del Somme . La película comenzó a rodarse dos días después, entre el 26 de junio y los días 7-9 de julio por Malins, que filmó en las cercanías de Beaumont Hamel , en unión con la 29 División (VIII Cuerpo) y McDowell, trabajando más al sur, cerca de Fricourt y Mametz con la 7ª División (XV Cuerpo). Antes de la batalla, Malins trabajó en el extremo norte del sector británico del Somme, fotografiando las tropas en movimiento y haciándose a la artillería pesada al oeste de Gommecourt .

El comandante de la 29 División, el general De Lisle sugirió a Malins que grabara desde una altura elevada el bombardeo de Beaumont Hamel , él no sólo se centrará en eso , sino que filmará escenas de las trincheras ocupadas por los británicos. El 1 de julio, Malins filmó a las tropas del 1er Batallón de Fusileros de Lancashire , así como  la explosión de la mina Hawthorn Ridge montada por los  Royal Engineers . También rodó en  La Boisselle , antes de viajar a Londres el 9 de julio.  Después el camarógrafo regresó a Francia y desde 12-19 de julio filmó secuencias del fuego de artillería y de avance de las tropas de trincheras, y del  Tercer Ejército .

McDowell llegó despues que Malins al  Somme y comenzó a filmar los preparativos británicos, el 28 o el 29 de junio, y cubrió  el primer día de la batalla, desde las inmediaciones de Carnoy. El éxito de la 7ª División permiió a McDowell  filmar las trincheras alemanas capturadas, cerca de Fricourt y Mametz .

La película fue un gran éxito, y fue vista por cerca de 20 millones de británicos en las primeras seis semanas de exhibición desde su primera proyección visionada por el primer ministro Lloyd George el 2 de agosto de 1916- aunque los primeros en verlos fue en la sede del IV Ejército británico del Cuerpo Expedicionario Británico  que estaba en Montreuil- y sobre todo desde el 10 de agosto, cuando se inició su pase público en el Scala Theatre de Londres, y cuando la batalla aún no había finalizado. Una sesión privada de proyección se realizó el 2 de septiembre en el castillo de Windsor en presencia del rey Jorge V. Más tarde, el documental se distribuirá por otros dieciocho países.

El diario The Times , el 22 de agosto, dijo de la misma que "las salas estaban llenas de un público... interesado ​​y emocionado al ver la realidad de la guerra (...) la opinión es que era conveniente que los británicos viesen en casa la labor de nuestros soldados y sufrimiento en la Picardía.

El impacto de la batalla resultó indudable, ya que nadie olvidará que el día 1 de julio de ese año se convirtió en el día con más caídos de la historia del ejército británico. Los informes hablaron de 57.470 bajas, incluidos 19.240 muertos y 35.493 desaparecidos; aquel día fue llamado “the bloodiest twenty-four hours in the entire history of the British Army” (Las 24 horas más sangrientas en la historia del ejército británico).

La expectación lógicamente era grande y el proceso de montaje se agilizó con el fin de que los acontecimientos no quedaran superados por el tiempo. Estrenada apenas seis semanas después de los hechos, supuso un éxito inmediato gracias al impacto de unas imágenes que no reducían el dramatismo de la batalla.

En Londres se estrenó el 10 de agosto en 34 cines que se abarrotaron de inmediato dejando a miles de espectadores sin entrada. Se calcula que unos 20 millones vieron la película durante las primeras seis semanas de exhibición.

Al ser la primera batalla en la que intervinieron ciudadanos de la Commonwealth reclutados en masa, la batalla del Somme (del 1 de julio al 18 de noviembre de 1916), tuvo un tremendo impacto en la retaguardia, ya que miles de familias de Gran Bretaña, Canadá, Australia y Nueva Zelanda sufrieron la pérdida de algún ser querido.

El impacto que causaron las terribles imágenes que mostraba la película fue fácilmente manipulable tanto por parte de los pacifistas como por la de los partidarios de seguir combatiendo hasta la victoria, sin importar el precio en vidas humanas que iba a cobrarse.

Con imágenes de soldados heridos transportados desde el frente, el propio monarca al verla en el pase privado dijo “el público debe ver este tipo de películas, así se hace una idea de lo que está haciendo el ejército y lo que significa”.

El film no solo sirvió para el mercado interno sino para buscar más apoyos exteriores, entre ellos los entonces neutrales Estados Unidos, hecho de indudable importancia que también debemos valorar en clave cinematográfica.

El film se considera el primer largometraje documental, pionero en filmar escenas reales de combate , aunque también se recrearon algunas acciones.

La película logró el deseado impacto e incluso desde las instituciones hubo una reorganización en la producción con la creación del Comité Cinematográfico de la Oficina de Guerra (War Office Cinematograph Committee) para que coordinara la producción oficial que sufrió varias alteraciones hasta el fin de la guerra.

Desde La batalla del Somme  los británicos tuvieron claro la utilización del cine como un arma útil de propaganda, no tanto para convencer de las razones de la guerra sino para levantar y proteger la moral del pueblo en tiempos difíciles.

Sin embargo, el proceso estuvo plagado de excesiva burocracia por medio del Departamento de Propaganda de Guerra (War Propaganda Bureau) establecido en la Wellington House, que influía en la incipiente industria del cine para estimular la producción de films patrióticos. Lo cierto es que el excesivo  deseo de muchas productoras que querían enviar a sus equipos al frente obligó a la  Oficina de Guerra (War Office), bajo la autoridad del Ministro de Guerra, Lord Kitchener, a frenar e incluso a expulsarlo alegando motivos de seguridad.

Por su parte, visto lo visto Francia sí permitió que los  técnicos de Pathé, Éclair, Gaumont y Eclipse filmaran  en el frente, algo que no fue ajeno a los alemanes, que  establecieron una unidad especial estable, obligando a los británicos a utilizar su material reeditándolo para exhibirlo de nuevo.

El Departamento de Propaganda ante esto decidió contactar con las principales productoras para la realización de de noticiarios siempre que se firmase un acuerdo con el Topical Committee of Film Manufacturers Asociation. Para 1920 los negativos de esta obra pasaron al Imperial War Museum. Su trabajo cambiaría el rumbo del cine propagandístico británico.

Eso no nos impide valorarlo como gran documento histórico y como ese ejemplo del cine propagandístico que culminará con una enorme variedad de producciones durante la segunda guerra mundial, no sólo como películas de narración o ficción, sino como grandes documentales dirigidos por hombres de la talla de Frank Capra, Alfred Hitchcock o John Ford, por ejemplo.

Sin embargo, reconozco que hay algo que me ha impresionado más. Se trata de los muertos. Todos los que salen en las imágenes están a día de hoy muertos. No queda nadie que viviese en sus carnes la Primera Guerra Mundial, pues hace unos años murió el último soldado de ese británico, Claude Stanley Choules, que tras Harry Patch, era el último combatiente que quedaba vivo de la I Guerra Mundial, que falleció en Australia a los 110 años en el 2011, así que he tenido la misma sensación que el niño del "Sexto Sentido": ¡ He visto muertos! y lo digo con todo el respeto que le tengo a aquellos hombres y mujeres que participaron en un atroz conflicto bélico como fue este de la Gran Guerra, y que dio lugar a la Gran Quiebra moral de Europa.

Seven Chances

Hace muchos años Televisión Española cuando era la única no sólo  se dedicaba a emitir ciclos de los grandes directores, de grandes actores o actrices, sino que también apostaba por géneros. Las dos únicas cadenas eran un foco de cultura cinematográfica en la que los televidentes , especialmente los jóvenes nos educamos viendo grandes joyas del cine. Pero la cosa no acababa aquí, pues los "silent films" también tenían su espacio , ya no recuerdo si los jueves o los viernes alrededor de las ocho de la tarde. Allí pide ver no sólo clásicos de Chaplin, el más popular de todos elllos, sino también me dieron a conocer a otros actores como Harold Lloyd, a Roscoe "Fatty"Arkbucle o al gran Buster,

Buster Keaton. Reconozco que Harold y Buster - cuyo nombre significa "porrazo" y le fue puesto por Houdini intregante de la compañía Mohawk Medicine Co. junto con los padres de Keaton- me llegaron al corazón y que con ellos me tronchaba. De una y de otro vi grandes películas, pero si una guardaba en mi recuerdo era aquellas de Buster Keaton perseguido por decenas de mujeres que querían casarse con él.

El título de esta película cayó en el olvido , aunque no quien la interpretaba ni de qué iba. Bastantes años después leyendo la famosa lista de las "1001 películas que hay que ver antes de morir", editado por Steven Schneider. descubrí que para el año  1925 había que ver una película , evidentemente muda, dirigida y protagonizada por Buster Keaton y que llevaba por título Seven Chances. Era ella, pensé, y acerté.

En el día de hoy se cumplían 50 años de la pérdida de este genial actor , director y productor , victima del cáncer, o la espiral alcohólica con la que trató de aliviar su sentimiento de fracaso, el olvido del público, la ruina económica y artística  y que como diría Guillermo Cabrera Infante "A quienes el cielo quiere descubrir, primero los hace estrella" y como homenaje, que ¡menos que ver una obra suya!, y la seleccionada no podía ser otra que esta Siete ocasiones. 

Carlos Boyero en El País publicaba hace un par de días  con motivo de su cincuenta años de pérdida que era el personaje de la historia del cine que más quería. Y destaca del mismo que fue uno de los creadores de las formas  visuales  más impresionantes que han existido. 

Volviendo a la película comentar que Seven Chances no era una obra enteramente suya. De hecho se basaba en una obra de teatro escrita por Roi Cooper Megrue, que había sido producida en 1916 por David Belasco. Sin embargo, y  a pesar de que nunca la tuvo en mucha estima  Buster Keaton  será su director y productor, aunque aquí acompañado por Joseph M. Schenck siendo un  producto de la Buster Keaton Productions estando ya detrás la Metro-Goldwyn Pictures Corporation (1925) en la distribución.

El guión era de Clyde Bruckman,  Jean Havez, Joseph A. Mitchell partiendo de la obra de David Belasco , autor de la famosa comedia que había triunfado años antes.

En la fotografía aparecen de Byron Houck , Elgin Lessley y en la banda sonora , al menos, la versión que yo he visto es la ejecutada por Robert Israel en 1995.  

Este mediometraje por su duración -56 minutos- y en el que aparecen los intertítulos  en inglés- al menos en la versión que he visto-  está interpretado por Buster Keaton como el empresario, heredero y enamorado Jimmy Shannon, T. Roy Barnes como su compañero Billy Meekin, y por un clásico del cine mudo y compañero de  Snitz Edwards como su abogado Ruth Dwyer . En esta película la chica es Mary Jones, siendo Frances Raymond  su madre. Aparece Erwin Kelly como el clérigo Jules Cowles y Jean Arthur la recepcionista en el club de campo , aunque no está acreditada.

Buster encarna a un tímido joven incapaz de declararse a su chica, Mary Jones, tras un año largo de tonteo a la puerta de su casa. Ante ella pasa el tiempo, la estaciones incluso vemos como crece el perro.

Pero también Buster Keaton en esta ocasión es Jimmy Shannon, un joven empresario que participa con un socio en un despacho junto a su socio Billy Meekin (T. Roy Barnes). La empresa que ellos gestionan, Meekin & Shannon, y que está al borde de la ruina financiera. se encuentra casi en la bancarrota.

El mismo día se persona en la oficina el abogado Ruth Dwyer ( Snitz Edwards), al que inicialmente no le dejan pasar pensando que con él los problemas crecen, y lo hace , pero en otro sentido. Tras escapar de él, finalmente en el Clu de Campo el abogado les aporta una noticia sorprendente: un acaudalado familiar, el abuelo de Jimmy, ha muerto y le ha dejado en herencia 7 millones de dólares bajo la condición de que esté casado el día que cumpla 27 años a las 7 de la tarde. 

Desgraciadamente, esa noticia le llega el mismo día de su 27º cumpleaños, por lo que debe casarse en solo unas horas para conseguir la fortuna que salvaría su negocio.

Shannon busca inmediatamente a su novia, Mary Jones, que fácilmente acepta su propuesta. Sin embargo, cuando torpemente explica por qué tienen que casarse ese día, ella rompe con él, pues parece que lo hace por inercia, y no por la quiera. 

Tras el rechazo regresa al club de campo para darle la noticia a su socio y al abogado. Aunque el corazón de Jimmy se encuentra en Mary, Meekin lo persuade para tratar de conseguir el matromonio con cualquier mujer que esté a su alcance para salvar a los dos de la ruina o incluso posiblemente la cárcel. 

Jimmy tiene su mirada en el comedor del club. Allí Jimmy ve a siete mujeres , son sus siete  posibilidades. Conforme Jimmy les hace su proposición están lo rechazan generando un escarnio a su alrededor insufrible como vemos en el comedor, en el campo de golf, en diversos puntos del club, únicamente le acepta el matrimonio una niña vestida de mujer que es rescatada por su madre. Ni un bella recepcionista accede. Todas lo rechazan.

El mejor momento es cuando su socio Billy intercede por él e intenta convencer a una joven de las cualidades de Jimmy, pero ésta se cree que el hombre del que está hablando es el  abogado que sonríe , generando espanto en la chica.

El abogado y su amigo Billy le dicen que ellos solucionarán el tema por su cuenta. Le piden que mientras busca a una chica, ellos por su cuentan buscarán y le pide que vaya a la iglesia minutos antes de las siete de la tarde. El abogado y Billy van a la prensa y ponen un anunció informando que joven millonario necesita casarse esa misma tarde.

Mientras tanto, Jimmy en su búsqueda desesperada de encontrar una mujer para casarse, pasa por delante de un baño turco exclusivamente de mujeres de donde es expulsado y por un teatro de variedades. Allí hay un gran cuadro de un artista visitante que está actuando en el local. Keaton soborna al portero para que le deje entrar. En el momento en que se marcha , un operario quita una caja que estaba ocultando la parte inferior del cartel, y en el que vemos el nombre del "artista": Julian Eltinge. Eltinge fue un famoso que imitaba a las mujeres. De inmediato sale Keaton con el sombrero destrozado y quitando el billete al portero y  mirando desconcertado. 

Mientras tanto, la madre de Mary la persuade a reconsiderar la propuesta de matrimonio. Ella escribe una nota aceptar casarse con Jimmy y envía a un criado  para entregarlo.

Seguidamente, un desesperado Jimmy intenta buscar a su futura esposa entre cualquier mujer que encuentra por la calle. 

Jimmy llega a  la Iglesia Broad Street a las 5 pm y , aunque el no lo sabe, el anuncio ha tenido efecto. Poco a poco van llegando mujeres a la iglesia y se van sentando , mientras Jimmy está durmiendo en la primera banca.

Poco a poco hordas de mujeres con velo llegan al lugar. Cuando descubren a Jimmy (que se había quedado dormido en un banco), comienzan a luchar entre ellas por él. Entonces aparece el clérigo y le dice que esto parece una broma. 

Enfurecidas todas las mujeres persiguen a Jimmy, quien recibe noticias de que Mary accede a casarse. Mientras se esconde, las mujeres furiosas lo buscan por toda la ciudad.

En el camino a casa de Mary tropieza una y mil veces con una avalancha irrefrenable que lo sigue por las calles, solares abandonados, vías del tranvía, incluso por terraplenes. De hecho la imagen que nuca he olvidado de la película surge cuando Jimmy huía ladera abajo y una avalancha de piedras cae tras él. 

Finalmente , cuando llega a la casa de Mary, Meekin le muestra su reloj; y , por pocos minutos es demasiado tarde. Mary de cualquier manera quiere casarse con él, con dinero o sin dinero,  pero él se niega a dejar que compartan su desgracia inminente. Afortunadamente, cuando sale, ve por el reloj de la iglesia y descubre que el reloj de Meekin está adelantado. Él y Mary se casan justo a tiempo. Y acaba la película. 

La película fue rodada en Los Ángeles en concreto en Chatsworth, Greater Page Temple - West Adams Boulevard & La Salle Avenue, West Adams, Jefferson Boulevard & Arlington Avenue y Beale's Cut, Newhall y se estrenó el 11 de marzo de 1925. 

Comentar que a Buster Keaton le daba mucha pereza hacer este proyecto, ya que había sido  impuesto  por el productor Joseph M. Schenck, que había comprado los derechos de la exitosa comedia de Broadway de Belasco.La producción original de Broadway se llamaba  "Seven Chances" y estaba dirigida por  Roi Cooper Megrue siendo un éxito total en el Teatro de George M. Cohan desde su estreno el 8 de agosto 1916. Tuvo 151 representaciones. A Keaton trabajar con proyectos de otros no le estimulaba nada , así que retrasó todo lo que pudo la película hasta que  el productor Joe Schenck lo impuso. 

En aquella época Keaton, al igual que sus compañeros de profesión Harold Lloyd y Charles Chaplin, gozaba del privilegio de poder producir sus películas de forma totalmente independiente. El estudio le proporcionaba la financiación necesaria para realizar sus films y a partir de ahí Keaton trabajaba por su cuenta con su propio equipo de técnicos y guionistas sin tener que rendir cuentas a nadie. Esto se debía a que , a diferencia de otros géneros, las comedias slapstick gozaban de muchísimo éxito en la época, y sus creadores necesitaban realizarlas cuando ellos se encontraban inspirados y capacitados para improvisar y cuidar los detalles de sus gags. Por ello, el privilegiado Keaton se sintió molesto cuando su productor le comunicó que había comprado los derechos de una obra de teatro para que la adaptara sin pedirle permiso o consejo. 

Para Keaton además la obra era floja y, lo peor de todo, se basaba en un tipo de humor totalmente diferente al suyo. Por lo tanto, el planteamiento de Keaton fue mantener la esencia de la historia, especialmente en la primera parte, pero darle el toque Keaton a la segunda mitad de la misma.

La primera parte del film surge directamente de la obra original, narrando los infructuosos intentos por parte de Jimmy de encontrar una mujer dispuesta a casarse con él. Es el segmento menos inspirado pero aún así resulta divertido. Aquí el humor es más gestual, más de imagen y sensaciones de ridículo, humillación  y frustración. 

Sin embargo, tras su salida del Club de campo la película vuelve a estilo más auténticamente Keaton, más slapstick, Es la huída de esa horda de  cientos de mujeres vestidas de novia para casarse con el futuro millonario lo que permite a Keaton dar su toque. Por tranvías, coches, grúas, sólo o acompañado de policías que huyen y a una velocidad de vértigo. Especialmente logrado es la escena de la ladera en la que resultó surgir de la casualidad ya que Keaton, viendo como caída una piedra,  y como tenía que esquivarla, y viendo como en el preestreno el público se reía especialmente aquí decidió crear un desprendimiento de cientos de piedras de papel maché, lo que  encantaría al público. Y acertó. Esta memorable y frenética persecución, que ya tenía algunos precedentes en el cine , se convirtió en una de las escenas más emblemáticas del slapstick 

Una de las costumbres habituales en la época del slapstick era exhibir el film ante el público y, posteriormente, realizar cambios dependiendo de sus reacciones. Esta actitud en la que se prima el criterio del público sobre la concepción del artista era vista como algo normal: los cómicos slapstick no dejaban de ser artistas de vodevil, y como tales estaban acostumbrados a adaptar sus números a la reacción de la audiencia y , por eso, exagero las primeras y la duración de la bajada, pues comprobó que en ese momento la gente se reía más. 

Fue un éxito de público. la crítica , siempre severa, no la aplaudió tanto. Mordaunt Hall, el que fuera crítico de cine del The New York Times, escribió una crítica no especialmente amable sobre el film. Sin embargo, otros fueron más generosos como Dennis Schwartz que escribió sobre ella que estaba ante una comedia menos ambiciosa " y , sin embargo, una hilarante comedia de Buster Keaton. Está tomado de la obra teatral de David Belasco y escrita por un equipo de escritores. Esta película de menor importancia se basa en una premisa de una broma , pero tiene una de las mayores escenas de persecución  jamás rodada. Keaton demuestra que es un maestro en la construcción de la comedia hasta que alcance su punto de ruptura absoluta ". 

En la revista Time Out de Londres dio a la película una crítica positiva y en ella se decía que : "Menos ambicioso y menos preocupados por los valores plásticos , sin embargo es lo mejor de Keaton, esto es, una comedia deslumbrante ballet en la que Buster tiene una horas para casarse y conseguir esposa y heredar siete millones de dólares ... A partir de este inicio pausado, la película se  centra en una persecución gloriosamente inventiva, en la que Buster escapa de la multitud que le persigue sólo para encontrar una avalancha creciente de rocas que pisan sus talones (...) las rocas hacen  uno de los grandes gags de  acción de Keaton "

Para Terenci Moix  esta persecución de cientos de mujeres que sigue a un despavorido Buster hasta un acantilado  lleno de rocas, "obstáculo éste que provoca  una de las más delirantes secuencias de la historia del cine".

Comentar que en la lista de las siete mujeres, sus siete oportunidades o posibilidades, sus "Seven Chances" incluye los nombres de Eugenia Gilbert, Judy King, Hazel Deane y Bartine Burkett, que eran los nombres reales de varias actrices que aparecen en la película. 

La carrera y las piedras es ese momento crucial para mí en la historia del cine. Es una obra culminante, evidentemente no la única, de esta gran rostro de piedra "the great stone face" El rostro de un extraño, según Moix, colocado sobre un cuerpo apto  para realizar mil gestas atléticas. La comicidad de nuestro pamplinas tenía mucho de racional  y de dignidad. para mantener esto último decidió que su personaje  estuviese incapacitado  para la risa como para el llanto ( su contrato  le obligaba a no sonreír jamás en la pantalla , ni en lugares públicos). En sus momentos estelares, cuando asumía el rechazo, adoptaba un aire de extrema tristeza, capaz de conmover. De repente, todo su cuerpo se erguía , dispuesto a luchar  y vencer, pero la expresión facial  continuaba siendo un misterio para el espectador.

James Agee escribió sobre él: "Llevó la comedia física  a su punto más alto. Detrás de su falta de emoción siempre había algo sardónico; más allá, aportando una inquietante tensión y grandeza a la locura , no había rastros de pathos , sino de melancolía. Debajo del humor , de la acción o de a habilidad artesanal aún quedaba una suerte de belleza sonambulística...".

Para Carlos Boyero "fue uno de los creadores de formas visuales más impresionantes que han existido. Y la gracia en estado puro, aunque su rostro no sonriera jamás delante de la cámara . Era un poeta que jamás utilizó el sentimentalismo ni apeló a la compasión del público. De sus obras señala el crítico del diario "El País " ...Era bonito escuchar las ininterrumpidas risas de un público entregado, con la expresión feliz al terminar que solo proporcionan los clásicos, comentando sin tregua los gags y las situaciones, la diversión que provocaba ese personaje dotado de una inventiva torrencial.

Keaton representa la determinación, la pureza moral, la épica en las condiciones más adversas, la infatigable lucha por las convicciones propias contra los enemigos más poderosos, incluida la naturaleza cuando decide ponerse salvaje. Es un héroe que no espera aplausos ni recompensas, que hace lo que tiene que hacer. Sobrevive a todos los peligros y acorralamientos con una astucia, una fortaleza y un sentido práctico admirables. Y, cómo no, después de múltiples malentendidos y hazañas termina llevándose a la chica que ama. Se lo merece.

Y continua diciendo que "Cortázar lo incluyó entre sus grandes cronopios, Buñuel le declaró su amor incondicional cuando solo existía un monarca en el cine llamado Chaplin. Quiero pensar que su arte está destinado a la eternidad. Por mi parte, le amaré siempre.