La Tía Tula

Llevar al cine grandes obras literarias es muy arriesgado, pues siempre queda la duda entre la obra original, la escrita e impresa, y la copia, la obra cinematográfica. Hay casos, en los que la copia es tan buena que supera o, al menos, iguala a la original. Me ocurre por ejemplo con la obra de Mario Puzo y su Padrino, en la que la grandeza del libro es igualada (¿o es superado?) por la película; y tres cuartas partes, me ocurre con la obra de Tolkien llevada al cine. 

En el caso español esos ejemplos están también presentes. Me ocurre con Miguel Delibes y sus Santos Inocentes o con nuestro Nobel de Literatura, Camilo José Cela y  La Colmena, llevada al cine por Mario Camus.

También hay historia literarias llevadas al cine y fallidas. Recuerda un par de obras de Baroja, La busca de Angelino Fons y Las inquietudes de Shanti Andia de Arturo Ruiz Castillo, que no estaban mal, pero tampoco para volverse loco.  

Sin embargo, la versión de La Tía Tula, basada en la obra de Miguel de Unamuno, me ha encantado. No hay en ella nada despreciable. Es una versión auténtica y arriesgada, además de una actualización de la obra del escritor vizcaíno. En ella he descubierto una gran película que , de hecho, fue la primera del director jienense Miguel Picazo, inspirado en la novela homónima del escritor Miguel de Unamuno escrita en 1907, pero publicada en 1921, se estrenó en 1964.

La película , una producción de las productoras Eco Films y Surco Films, cuenta con un guión de José Miguel Hernán , Luis Sánchez Enciso , Manuel López Yubero y Miguel Picazo.

En la parte técnica nos encontramos con la música compuesta por Antonio Pérez Olea y la fotografía de Juan Julio Baena.

El reparto lo encabeza  Aurora Bautista como la Tía Tula , que se hace acompañar del actor argentino Carlos Estrada como su cuñado y viudo, Ramiro. Junto a ellos aparecen Enriqueta Carballeira como  Juanita , Irene Gutiérrez Caba como Herminia, Laly Soldevila como Amalita , José María Prada como el Padre Álvarez,  Paul Ellis como el Tío Pedro , Mari Loli Cobo como la sobrina Tulita y Carlos Sánchez Jiménez como Ramirín .

También participan en la misma Julia Delgado Caro , Montserrat Julió , Margarita Calahorra  al igual que Paloma Lorena, Emilia Zambrano , Coral Pellicer, Montserrat Chir Bermejo, Esmeralda Adam, María Hevia, María Teresa Dressel, Mari Loli Cobos, Juana Azorín, Ricardo Díaz, Lola Marquerie, Miguel Armario y Fanny Maral.

La película se inicia en un luto, un periodo de duelo en una casa. El origen del mismo es la muerte de Rosa, la hermana de la protagonista, Tula (Aurora Bautista) que se lleva a vivir a su casa a su cuñado Ramiro (Carlos Estrada) y a sus dos sobrinos, Tulita  (Mari Loli Cobo) y Ramirín (Carlos Sánchez Jiménez). 

Tula, es una mujer soltera de 31 años, de buen ver, cariñosa con sus sobrinos a los que quiere como si fueran sus hijas, y respetuosa con la memoria de su hermana. Es también una mujer virtuosa que vive intensamente la vida en la parroquía con sus amigas y con el sacerdote titular de la misma, con el que colabora en tareas sociales y de atención a los demás.

La convivencia con su cuñado Ramiro, un empleado del banco, no es fácil, ya que el tiende a comportarse como un hombre en areja, y ella se siente incómoda cuando pasea por la casa sin la camisa. No así con sus sobrinos a los que trata y educa como si fuesen propios.

Tula se hace con la nueva situación de la casa, marcando límites. Actúa como una esposa con él, en el sentido de las atenciones y como madre.

Vemos que Tula es celosa de su intimidad y cuando se ve perseguida por un conocido de Ramiro que desea salir con ella, le pide a Ramiro que hable con él para decirle que no quiere nada.

Pero Ramiro es un hombre que sabe que la convivencia no es fácil, así que tiene que salir a beber en las ventas de la carretera , y , en ocasiones, al volver lanza miradas o se aproxima a Tula con intenciones algo más que fraternales, algo que ella no acepta, sino que repudia.

Ramiro, cada vez se siente más atraído por Tula , pero ella rechaza sus afectos. La convivencia se hace cada vez más difícil, debido a que un pretendiente de Tula, Emilio, quiere que Ramiro influya sobre ella y facilitar así la boda con su cuñada. Pero Ramiro se siente inclinado hacia Tula y le propone contraer matrimonio. A medida que crece la frustración sexual de Ramiro, éste un día desatado ya superada una enfermedad en la que ella lo ha atendido con todo detalle, él intenta violar a Tula. 

La situación de alta tensión termina con la visita de Tula a la parroquía y la confesión ante el sacerdote . Éste aconseja a Tula casarse con Ramiro. Pero ella rechaza la idea, más aún conociendo las cartas que encuentra de la relación entre Ramiro y su hermana, llegando a la conclusión que él no la quería a ella.

De cualquier Tula opta por llevar una relación casi platónica de respeto con Ramiro, como si nada hubiese pasado. Tanto es así que Tula se marcha con su cuñado y sobrinos a pasar una temporada a casa de su tío Pedro, en un pueblecito próximo.

Allí en el pueblo, Tío Pedro tiene una hija, Juanita, casi de la edad de Ramirín con el que inicialmente juega. Sin embargo, un día tras bañarse en el río, Tula ve el trato cariñoso del padre con sus hijos y comienza a mirar a Ramiro de otra manera. Sin embargo, Ramiro se fija en la chica, Juanita.

Esa noche se levanta Tula al escuchar un ruido. Se encuentra con , ese encuentro está lleno de amor contenido por su parte, pero Ramiro, que afirma haberse levantado para beber agua, tras ver como ella se mete en su habitación, éste se dirige a la de Juanita con la que mantiene relaciones sexuales.

A la mañana siguiente se van del pueblo. Juanita no sale ni a despedirse , algo que extraña a todos, incluyendo a Tío Pedro.

Tras esto vuelve la rutina  de Tula. De su grupo de amigas de la parroquia una celebra una fiesta de despedida de soltería. La fiesta es un encuentro de amigas que despiden la soltería de la amiga. Se divierten todas. En un momento dado , una de las amigas , Herminia (Irene Gutiérrez Caba), va a un apartado con Tula y le habla de su temor ante el futuro como solterona. Ella da por hecho que tanto ella como Tula serán las solteronas del grupo.

La conversación afecta a Tula de tal manera que está , internamente, replánteándose su futura relación con Ramiro. Pero , al llegar a casa, encuentra a Ramiro serio. Le pide que la escuche y que prefiere darle el mismo la información: Juanita está embarazada. Ramiro le dice que se ve obligado a casarse con ella, llevando a sus hijos y a su nueva esposa a una vida fuera de las provincias y en la ciudad. 

La película acaba con una escena de cierre en una estación que nos muestra  a Tula despidiéndose del os niños y de Ramiro; mientras el tren sale, ella queda resignada a su condición de solterona. 

La película fue rodada en Guadalajara y en los alrededores de la ciudad manchega. Al igual que Calle Mayor, la magistral obra de Juan Antonio Bardem, película en la que hay muchos elementos en común , una capital pequeña de provincia es el marco ideal para presentar esta historia de pasión  y represión contenida. 

La película como la novela tiene un fuerte componente de atracción sexual entre la pareja formada , muy a pesar de ella, por Tula y Ramiro. Evidentemente, entre los dos hay una fortísima atracción, en parte por la belleza que todavía contiene Gertrudis o Tula, tanto exterior, como interior, el hecho de que trate tan amatoriamente a sus sobrinos es un elemento más de atracción para Ramiro. Indudablemente hay aquí una presentación de la condición de satisfacción de muchas mujeres a través de la maternidad, incluso, del amor maternal hacia el prójimo.

Pero a ello se suma el componente de la convivencia compleja entre un hombre que necesidades , desde el momento, en que el matrimonio, las ha prodigado y satisfecho, frente al interés de Tula, en el que , por un lado, el peso, o -casi más apropiado -la losa moral, impide su realización completa como mujer.

Hay un momento en que por parte de Ramiro todo ello estalla en un intento de violación finalmente abortado por Tula. Desde ese momento, sino antes, hay un estallido de pulsión  erotica sexual tremenda.

A esto se suma la condena - o no- de una antigua práctica antropológica que se ha mantenido en zonas rurales en España: el levirato y el sororato. Quien más, quien menos, en España y en un entorno  antropológicamente rural , tiene conocimiento de como hace tres o cuatro generaciones precedentes tuvo lugar en su familia este tipo de prácticas o figuras. El levirato era un tipo de matrimonio en el cual una mujer viuda que no había tenido hijos se tenía que casar (casi por obligación) con uno de los hermanos de su fallecido esposo,  y viceversa (lo que es el sororato) , es decir, si la que fallecía resultaba la madre o mujer, era casi un deber moral que la hermana soltera de la mujer se casara con el marido y , por ende, padre de sus sobrinos.  Con ello se mantenía la idea de protección dentro de la familia e incluso la idea de herencia y propiedad dentro de ese seno familiar. 

La película fue presentada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde Miguel Picazo, director que debutaba en el cine con esta película, conseguía el Premio San Sebastián a la mejor dirección y consiguió el Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana .

La película fue seleccionada para la Mejor Película de Lengua Extranjera en los 38 ° Premios de la Academia , pero no fue aceptada para estar dentro de las nominadas. 

El Círculo de Escritores Cinematográficos (CeC) la premió en múltiples categorías : Mejor película , Mejor director (Miguel Picazo) , Mejor actor de reparto (José María Prada),  Mejor actriz de reparto (Enriqueta Carballeira) , Mejor dirección fotográfica (Juan Julio Baena) , Mejor labor musical (Antonio Pérez Olea) , Mejores decorados (Luis Argüello) y con el Premio «Antonio Barbero» para noveles (Luis Argüello) 

En su recorrido internacional la National Board of Review en 1966 la consideró dentro de las  Mejores películas extranjeras . Obtuvo además un reconocimiento dentro de los Premios San Jorge a la mejor película española.

No hace mucho, creo que en 2012, el Festival de Cine de Málaga le rindió un homenaje al considerarla como una de las más importantes películas españolas, ya todo un clásico de nuestro cine. 

En cuanto a las críticas ha estado muy considerada desde sus inicios. Fernando Morales en El País dijo de ella que era una "Buena adaptación cinematográfica de la obra homónima de Unamuno. Brillante recuadro de la sociedad provinciana de la época" 

En ese mismo diario, Miguel Ángel Palomo afirmaba que fue "Toda una conmoción para el cine español de los sesenta (...) asombrosa adaptación de la novela de Unamuno que alcanza un rigor dramático y una solidez formal inaudita" 

En un artículo firmado por Jorge B. Montañés / Daniel Izeddin afirman que Miguel de Unamuno lo que nunca supuso "era que la versión cinematográfica de su novela 'La tía Tula', realizada casi 30 años después de su muerte, sufriría un tijeretazo cobarde de hasta ocho cortes por parte de la censura (...) El artífice de esta brillante adaptación fue el director Miguel Picazo -que entre sus grandes logros está también el de darle la alternativa en el mundo del cine a Víctor Erice- quien cuenta con entusiasmo en '35mm de cine español' la ejecución de un proyecto que fue una idea inicial de su amigo el realizador italiano Marco Ferreri, autor de 'El cochecito'(1960). Su largo camino de la mano de 'La tía Tula', que pasó con osadía de las tijeras de la censura al aplauso en España y en el extranjero, merece ser contado. 

El guión, fiel al espíritu de Unamuno pero adaptado a los años 60 -la novela fue escrita en 1907 y publicada en 1921-, es modélico y, como cuenta Picazo, tuvo una elaboración muy compleja. (...) ... Picazo tuvo el acierto de apostar por la gran Aurora Bautista, reina por entonces del cine de Cifesa, la productora más cercana al gusto del régimen, y representante de ese 'star system' nacional creado a golpe de talento, pocos medios y guiones patrióticos. 

Bautista era una gran dama de la interpretación que había seducido al público de la posguerra con papeles protagonistas en taquillazos, la mayoría dirigidos por Juan de Orduña, como 'Locura de amor'(1948), 'Agustina de Aragón' (1950) o 'Teresa de Jesús' (1961)'. Sus compromisos teatrales en Latinoamérica casi la descartan para el papel, pero Picazo retrasó el rodaje un año con tal de contar con ella. A pesar del temor por el contenido del guión, la actriz había dado su palabra. Y la cumplió."

Por su parte, Picazo reconoce que el personaje de Tula necesitaba una réplica potente. "Ramiro tenía que ser alguien que no fuera un galán, pero que tampoco fuera feo", comenta el realizador. Una fotografía que sorprendió a Picazo y una prueba de maquillaje para endurecer su aspecto sirvieron para que el argentino Carlos Estrada lograra el papel. 'La tia Tula' tuvo un gran éxito en el Festival de San Sebastián de 1964. 

El presidente del jurado, Nicholas Ray, director estadounidense de clásicos como 'Johnny Guitar' o 'Rebelde sin causa', reconoció en muchas ocasiones el impacto que le provocó esta película, admiración que comparte Pedro Almodóvar, un cineasta que siempre se ha sentido atraído por la complejidad del mundo femenino. 

Para Laura G. Torres en su artículo " Lo que la censura no dejó ver de 'La tía Tula', un clásico del cine español" : Un cartel llamando al recato en un cementerio, Aurora Bautista (Tula) aplicándose desodorante frente al espejo de su habitación o la violación del personaje de Juanita (Enriqueta Carballeria) por Ramiro (Carlos Estrada) son algunos de los ocho cortes que la censura franquista aplicó a La tía Tula (1964), la película de Miguel Picazo que, pese a todo, alcanzó una gran repercusión internacional y se convirtió en referente del denominado "Nuevo Cine Español" que ponía de relieve, como buenamente podía, la situación de la España del régimen dictatorial. 

Destaca en ese artículo como las imágenes de las secuencias censuradas, cuyo metraje no se conserva pero sí fotografías. Las fotografías forman parte de una muestra patrocinada por la Diputación Provincial de Jaén, provincial natal de Picazo (Cazorla, 1927), y que , inicialmente , se presentó en la Muestra de Cine Español Inédito de Jaén y el Festival de Cine Español de Málaga . Se realizó con el objetivo de "recuperar un clásico del cine español" y "viajar a través de la historia de su rodaje",  siendo el comisario, Enrique Iznaola, director del festival jienense y Premio González Sinde 2012 de la Academia de Cine. 

Son 122 fotografías del rodaje, de las secuencias censuradas y de otras no incluidas en el metraje final para no prolongar su duración, y también curiosidades como el diploma de la Academia de Hollywood seleccionando la cinta para los Oscar, aunque finalmente el Ministerio de Cultura de la época impidió que la película representase a España. Además, reúne los premios logrados por la cinta en Donostia y la correspondencia que Picazo intercambió con Aurora Bautista antes del rodaje en la que actriz, que entonces residía en México, manifestaba sus dudas respecto a hacer el papel de Tula.

En alguna ocasión Picazo ha dicho que la censura franquista metió tanto la tijera que había dejado la película en un tráiler. Y es verdad que se cortaron hasta secuencias enteras de seis minutos. Todo aquello contrario al 'orden establecido', Iglesia y Patria, aunque a veces de modo "absurdo", asegura Iznaola. Por ejemplo, una escena en la que el personaje de Ramiro, contemplado por Ramirín (Carlos Sánchez Jiménez), está sentado bajo el muro de un cementerio bajo un cartel que reza "Cementerio. Lugar sagrado. Se prohíbe el paso en el cementerio a las señoras y señoritas que vayan sin medias y a las parejas que no guarden la debida compostura y moralidad”. "Es verdad que Picazo incluyó el plano por fastidiar, pero es que el cartel estaba puesto en el cementerio de Guadalajara donde se rodó", cuenta el comisario de la muestra. 

Como era de esperar, la censura no dejó pasar la escena en la que Ramiro viola a Juanita y otra en la que Tula se desnuda en la habitación, para quedarse en combinación, y se aplica desodorante frente al espejo, algo que a los censores les debió parecer peligrosamente erótico. 

También sufrió el tijeretazo una secuencia completa de una reunión canónica de la sección femenina de la Falange leyendo pasajes de la Biblia que invitan a Tula y otras beatas -entre ellas Irene Gutiérrez Caba como Herminia y Laly Soldevila como Amalita- a meditar sobre cuestiones como la virginidad y la castidad. 

Pese a todo el esfuerzo censor, La tía Tula resulta "una de las piezas esenciales del cine español superando el problema de la censura y ofreciendo una visión real de la España de la época", asegura el comisario de la muestra, que recuerda que Picazo adaptó el argumento de la novela homónima de Miguel de Unamuno (escrita en 1907 y publicada en 1921 y que versa sobre los sacrificios que Tula realiza durante su vida para llenar sus ansias de maternidad) a la España de los años 60. 

La cinta fue el debut en el largometraje de Miguel Picazo, que pocos años antes no pudo rodar Jimena (este guion original también puede verse en la exposición de la Academia), por impedimento también de la censura, pues era "una visión bastante atrevida de la España medieval", señala Iznaola, que recuerda que el cineasta jienense solo rodó cinco largometrajes a lo largo de su carrera (Once sueños de agosto, 1967; Los claros motivos del deseo, 1977; El hombre que supo amar, 1979; y Extramuros, 1985, su último trabajo como realizador). No obstante, Picazo desarrolló una prolífica como realizador para TVE, como la serie Entre visillos (1974) y adaptaciones de obras como Soledad, Rinconete y Cortadillo, Cartas a mamá, El jardín de senderos que se bifurcan o Sonata de primavera.

En un artículo publicado en la revista Tonos Digital publicado en 2013 se estudiaba la obra de Picazo desde la disciplina de los Estudios Culturales, analizando la película desde los cinco ángulos que según Stuart Hall determinaban el producto cultural. Miguel Picazo con "La tía Tula", su primera y mejor película, un clásico para el cine español y un ejemplo de la adaptación literaria al cine. 

En el fondo este es el homenaje que televisión española rindió a este jienense de Cazorla a su muerte , acaecida este años, y el mio, igualmente. "La tía Tula" es una gran película y un documento sociológico de lo que era este país tanto a mediados de los sesenta y o poco - o nada-  que había cambiado desde principios del siglo XX  y un retrato psicológico y social de la sociedad española de provincias. 

También es un retrato de la moral pacata y represiva ante el deso que durante tanto tiempo ha tenido los hombres y sobre todo las mujeres de este país. 

En cuanto al trabajo de actores y actrices es sobresaliente. Destaca entre todas por supuesto, Aurora Bautista con un trabajo memorable  y portentoso, pero que l resto no le queda atrás. Quería resaltar a dos actrices que después dejaron una profunda huella en el cine español tanto en el drama , como Irene Gutiérrez Caba, o en la comedia a ese portento en la interpretación que era Laly Soldevilla, aquí cantando y bailando de manera grandiosa. 

Por último destacar la escena final (clara metáfora de aquello que se deja escapar) y es que algo tienen los andenes de tren con ese vapor envolviéndolo todo, porque se convierten en escenas especiales con una enorme fuerza emocional en este notable drama costumbrista. Gran película, de lo mejor , junto a Calle Mayor, como retrato psicológico de la España del franquismo. Imprescindible 

Joe

Joe es una sórdida película desarrollada en la América profunda, en el Deep South, pero en la que simbólicamente se pasas de la destrucción (del bosque) a la regereneración de un vivero dedicado a la reforestación. 

Lo curioso de esta película de cine independiente es que tiene como protagonista a uno de los actores de Hollywood más representativos del sistema. A mi , personalmente , es lo que menos me gusta. De hecho siempre he dicho si quieres saber saber si una película es buena o mala, uno de los elementos para identificarlas en la presencia o no de Nicolas Cage, uno de los actores más soporíferos de la esfera interpretativa norteamericana. Muchos no estarán de acuerdo conmigo, pero suele coincidir. En este caso, el actor representa a Joe, un hombre duro pero noble que se entrega por los demás, pero que se desprecia a sí  mismo.

Joe se trata de  un película dramática surgida del cine independiente en el año 2013 y que fue dirigida y coproducida por David Gordon Green , un joven director de cine , televisión y teatro de Arkansas, conocedor de la realidad del sur de los Estados Unidos, pues en la actualidad vive en Nueva Orleans.

David Gordon Green es un director que en ocasiones suele incluir a actores no profesionales en sus películas como pasa en esta con Gary Poulter , un hombre sin hogar de Austin, que murió en las calles de Austin el 19 de febrero de 2013, dos meses después de que terminó el rodaje.

Aunque en la producción igualmente están presentes Lisa Muskat, Derrick Tseng y Christopher Woodrow por medio de las productoras Worldview Entertainment ,  Dreambridge Films y  Muskat Filmed Properties que invirtieron en la película unos 4 millones de dólares y con distribución de Worldview Entertainment y Lionsgate Films. La recaudación estuvo muy por debajo de lo esperado alcanzando menos de 3 millones, en concreto $ 2.36 millones . 

El guión de la película está escrito por Gary Hawkins , que hizo una adaptación de la novela de Larry Brown publicada en  1991 con el mismo nombre. 

A destacar en el apartado técnico la música de Jeff McIlwain , la fotografía Tim Orr y el montaje de Colin Patton .

En el reparto destacan Nicolas Cage como Joe Ransom, Tye Sheridan como Gary Jones , Heather Kafka como Lacy Ronnie,  Gene Blevins como Willie , Brian Mays como Junior , Sue Rock como Merle , Adriene Mishler como Connie,  Gary Poulter como Wade , Dana Freitag como Sue y Anna Niemtschk como Dorothy. 

La historia comienza en el Estado sureño de Mississippi. Conocemos de inmediato a dos de los protagonistas, un señor mayor con problemas de alcoholismo, y su hijo, Gary, un joven de quince años que desea huir de un hogar destruido por un padre alcohólico, dispuesto a llevar la casa sobre sus espaldas dada la nula aportación del padre a la familia. El padre es un señor violento , devorado por el alcohol que lleva a su hijo , a la hermana de éste y a su mujer a los infiernos, y a un mundo itinerante y errático en el que bronca , peleas y golpes se dan permanentemente la mano. 

Por otro lado, conocemos a Joe, un hombre de unos 46 años, expresidiario, que ha vivido siempre al límite. Joe Ransom- ese es su verdadero nombre-  es capataz de una cuadrilla de hombres de color que se dedica al envenenamiento de árboles en la zona rural de Texas. Su cuadrilla está formada por hombres que saben de la dureza de la vida, que trabajan al sol del sur y bajo las intensas lluvias que azotan la zona, pero que respetan, casi veneran, a su jefe de cuadrilla.

Un día mientras están trabajando se persona Gary , que le pide a Joe un trabajo y que lo impresiona con su ética de trabajo. Joe descubre que el chico es un gran trabajador, organizado y concienzudo que está dispuesto a recibir órdenes , siempre que las mismas sean razonables.

Al día siguiente, Gary trae a su padre alcohólico, Wade, con él al trabajo, pero Wade no es como su hijo. Quiere vivir en el pozo y en la queja. La actitud y la pereza de Wade, que no se esfuerza ni muestra interés alguno por aprender y que se bebe el agua de los compañeros provoca que Joe despiden a los dos. Eso sí, Joe paga a Gary, que ha trabajado como el que más, pero no a Wade. Tras darle el dinero,  Joe es testigo de cómo Wade golpea a Gary para quedarse con  su dinero.

Joe , tras el trabajo se marcha a casa. Allí vive sólo acompañado únicamente de su perro. Sus salidas igualmente se centran en un colmado que vende desde jamón y pan a armas, por el bar y una casa de citas en la que hay un perro que lo odia a muerte. En su casa recibe la visita de una chica que le propone vivir con él, dado que ha llegado un antiguo amante que lo golpeó. 

Mientrasque esta en casa con la chica, Gary se llega a la casa de Joe para pedirle que le  vuelva a contratar con su equipo de trabajo. Joe lo acepta, y Gary comienza a trabajar para él regularmente, escondiendo su dinero de Wade.

Mientras tanto, Willie Russell, un criminal con el que Joe tiene una enemistad desde hace mucho tiempo, le dispara a Joe cuando abandona la casa de un amigo.

Más tarde, Gary , que está con su padre intentando que se levante tras una borrachera de libro, se encuentra con Willie en un puente. Gary ha visto como Willie  ha arrojado el arma que ha usado contra Joe por el puente, pero le  pregunta si puede acercarlo al pueblo; cuando Willie hace  preguntas a Gary sobre la familia y hace comentarios lascivos sobre la hermana menor de Gary, Dorothy, Gary lo golpea.

Volvemos a ver a Gary trabajando en la cuadilla de Joe y ganándose su confianza como trabajador y como persona. DE hecho, descubrimos que Joe lo protege como si fuese su hijo y le aconseja. Gary,  además, le propone comprar su furgoneta con los ahorros que está consiguiendo.

Más tarde, vemos que la deriva alcohólica de Wade va a peor y un caluroso día vemos como ve a otro compañero de desventura de color al que sigue a su chabola. Allí le cuenta una falsa hisoria sobre la enfermedad de su mujer. En un momento dado toma una barra de hierro del suelo y golpea hasta la muerte al vagabundo, robando su botella de vino.

Por su parte,  Willie se enfrenta a Joe en un bar y le pregunta dónde vive Gary en un intento de encontrarlo y vengarse. Joe no responde, y cuando Willie continúa presionándolo, Joe lo golpea. Joe le dice al camarero que llame a la policía antes de marchar al burdel dónde quiere tranquilizarse.

Al llegar Joe ve como el perro del burdel le sale, marchándose el a su casa en busca del suyo, una mastín americano, un perro de pelea curtido ya en batallas. Después de tomar a su perro y montarlo en el coche  Joe regresa al burdel y lanza su pero contra el  perro guardián que se lanzan uno contra otro, mientras él tiene relaciones sexuales con una prostituta. Tras terminar pronto, se va del prostíbulo con su perro, que ha matado al perro guardián.

Cuando retorna a casa dos agentes de policía paran su caminoneta y lo mantienen a punta de pistola mientras deja escapar a su ensangrentado perro fuera de su camioneta. Joe los desafía a una pelea. Joe , tras esto, es arrestado, y más tarde liberado.

Mientras tanto,  Wade le pide dinero a Gary, pero Gary le dice que no tiene ninguno. Entran en una discusión que termina con Wade  amenazando con un cuchillo a Gary. Wade se va al pueblo, pero promete regresar y encontrar el resto del dinero de Gary.

Posteriormente  Gary visita a Joe, quien le cuenta que una vez cumplió 29 meses de prisión por agredir a tres oficiales de policía. Joe le propone a Gary buscar a su perro y éste acepta ayudar a Joe.

Tras una infructuosa búsqueda por las granjas de la zona en las que Joe pensaba que podía alojarse el animal, Gary propone buscarlo en el sitio en el que lo soltaron y , efectivamente, encuentran al perro, y Joe le da a Gary su encendedor como recuerdo afirmando que eso será una seña de identidad y una  manera de impresionar a las chicas.

Tras esto, Joe, ahora sin fuego, necesita que alguien le de y  encuentra a Wade caminando al costado de la carretera. Joe lo invita a subir a su camioneta. Joe menciona que Gary quiere comprar su camioneta, pero cuando Wade insulta a Gary, Joe lo agarra por el cuello y amenaza con machacarlo si le sucede algo al niño.

Tras un tiempo más de faena, Gary le dice a Joe que tiene suficiente dinero para comprar su furgoneta, y ellos va a comprar uno nueva. Joe, antes de montarse en la nueva,  le dice a Gary que guarde el dinero que iba a usar para comprar el camión de Joe, y que lo use para comprar un seguro.

Mientras Joe conduce a su casa con su nueva furgoneta, todavía sin placas, un policía nuevo en la zona que está de patrulla lo detiene e intenta hacerle una prueba de alcoholemia, pero Joe se niega y se marcha. Se produce un altercado en el que Joe le pega al oficial.

Un oficial de policía, Earl, amigo de Joe, visita a Joe y le dice que el chico era nuevo, pero le advierte que tenga cuidado pues puede acabar en la cárcel, a pesar de que el piensa que es un buen chico.

Poco después,  Gary llega a la casa de Joe con la cara amoratada y le pide a éste prestada la  camioneta y Joe pregunta el por qué. Gary revela que Wade lo golpeó, robó su camioneta y se llevó a Dorothy, con la intención de prostituirla con Willie. Los dos van tras Wade.

Mientras tanto, Willie le paga a Wade $ 30 y se prepara para violar a Dorothy. Joe llega en ese momento y se enfrenta a Willie, mientras  Gary se va con Dorothy. Willie le ruega a Joe que no le mate, pero mientras Joe se prepara para matarlo, uno de los matones de Willie le dispara en la pierna.

Joe mata a Willie y al que le ha disparado, y va cojeando hacia el puente en el que está Wade, que está parado en un puente cercano. Él intenta dispararle, pero falla. Intenta dispararle a Wade de nuevo, pero descubre que se ha quedado sin balas. Wade le pregunta a Joe si es su amigo, y cuando Joe no le responde, salta del puente hacia el vacío.

Tras esto llega Gary llega y abraza a Joe mientras ésta se desangra hasta morir. Más tarde, se ve  que Gary heredó la camioneta y el perro de Joe, y que ahora se le asigna un nuevo trabajo . Ya no es acabar con un bosque, sino replantar el mismo bosque que mataron a Joe y su equipo.  La película acaba con una conversació entre Gary y su nuevo capataz, un hombre que conoció a Joe y del que opina que era un buen hombre, acabando así la película.

La película se rodó en diversos puntos de Texas , tales como Austin, Bastrop, Taylor y Lockhart, así como en Los Ángeles.

Como ya hemos dicho a David Gordon Green quiso incluir a un auténtico "homeless" entre los protagonistas. Ese fue el caso de Poulter, que interpretó a Wade en la película, no tenía hogar, sufría de alcoholismo y ya estaba gravemente enfermo. Su único otro crédito de actuación fue como fondo extra en la serie de televisión Thirtysomething . A los productores les preocupaba que elegir a Poulter en la película fuera un riesgo debido a su alcoholismo, pero Green se mantuvo comprometido a tenerlo en la película.

La película se estrenó en el 70º Festival Internacional de Cine de Venecia el 30 de agosto de 2013, con una proyección posterior en el Festival Internacional de Cine de Toronto de ese año y  obtuvo diversos premios  como el recibido en el Festival de Venecia al mejor intérprete joven (Tye Sheridan).

La película fue distribuida por Worldview Entertainment y Lionsgate Films el 11 de abril de 2014. , pero fue un fracaso de taquilla , recaudando solo $ 2.36 millones de un presupuesto de $ 4 millones, pero recibió críticas positivas de los críticos, especialmente por el trabajo de Cage, el de Tye Sheridam y Poulter, así como  y el de Green. dirección. 

Joe recibió críticas positivas de los críticos. En Rotten Tomatoes se informa que el 87% de los críticos le dieron a la película una crítica positiva basada en 126 comentarios y una puntuación promedio de 7.3 / 10, . En Metacritic , tiene un Metascore de 74, lo que indica revisiones "generalmente favorables" basadas en 36 críticas. 

Al escribir para RogerEbert.com , Peter Sobczynski calificó la actuación de Poulter de "impresionante" y "una de las mejores actuaciones one-shot en la historia del cine".

Justin Chang en Variety comenta que es "Un drama que ofrece una paciente observación y a menudo una inquietante violencia, pero que no deja de resultar demasiado familiar en algunos de sus detalles; resulta rico en la textura rural, pero flojo en su impulso narrativo o en sus sorpresas"

David Rooney en The Hollywood Reporter sostiene que "Con la energía de las crudas pero medidas interpretaciones de Nicolas Cage y Tye Sheridan (...) la película capta la determinación y la compasión del dolor de sus personajes, que son los elementos distintivos del estilo del escritor Larry Brown"

Por otro lado,  Oliver Lyttelton en Indiewire comenta que "Es una obra potente y con textura que va cambiando con seguridad de tonos y de géneros, y que cuenta con un rico y gratificante trabajo de Cage, y otra excelente interpretación de su joven compañero de reparto Tye Sheridan"

Peter Travers en Rolling Stone sostiene que "La película es de Cage. Puedes sentir su compasión a medida que Joe desafía las reducidas opciones de su vida. No hay ni un momento falto de sentimiento en la interpretación de Cage. O en la película. (...) "

Para Stephen Holden en The New York Times "Cage ofrece su interpretación más comprometida en años dando vida a esta alma dividida, pero todavía se queda corta en comparación con la encarnación de la maldad en estado puro del Sr. Poulter."

Ya en  España Carlos Boyero en El País escribe que "Su actuación [de Cage] es tan intensa como olvidable. (...) 'Joe' se hace muy pesada aunque pretenda ser lírica y bronca." En este mismo diario  Jordi Costa comenta que "Todo en 'Joe' transpira violencia (...) un conjunto que revive un realismo americano de alma áspera" España

Para  Luis Martínez en  El Mundo "De repente, Nicolas Cage. El actor sorprende con una de esas interpretaciones que amplían la pantalla. (...) un cine que ocupa cada esquina de la pantalla; cada esquina de la retina"

Antonio Weinrichter en el ABC habla de "Un drama rural realista (...) Nicolas Cage, sin muecas ni tics ni extensiones capilares, nos recuerda por qué nos gustaba tanto (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" ; mientras que   Salvador Llopart en la  La Vanguardia "Poulter y el resto de personajes de 'Joe' muestran la grandiosidad de lo pequeño: lo que hace que una película como 'Joe', dada a la observación y al detalle, sea algo emocionante y vivo (...) "

Sergi Sánchez en Fotogramas afirma que "David Gordon Green no acaba de resolver la sensación de déjà vu que desprende el film, aunque demuestra que Nicolas Cage puede ser un excelente actor a pesar del botox y que, a veces, la sensibilidad no está reñida con la materia prima del Gótico Sureño más manido"

Rubén Romero Cinemanía habla de "Un Nic Cage superlativo, tan brutal como tierno (...) Gordon Green demuestra un pulso admirable para el thriller en un último tercio de filme (...) "

Poco más que decir de esta historia de un hombre atormentado que da amparo  a un niño de 15 años, que posiblemente se siente como él  a su misma edad y que pretende que no comenta sus mismos errores a los 48 años. Es cierto que es una historia de pobreza y de violencia, pero ¿desde cuándo la pobreza no es violenta?

Jo, ¡qué noche!

No me ha resultado muy interesante este After Hours o Jo, ¡qué noche! del director Martin Scorsese estrenada en 1985 . Bueno, matizo. Reconozco que la primera mitad de la misma, hasta el minuto 45, una vez que Marcy y Kiki dejan de tener peso en la película en beneficio de oros personajes que ya van detrás de Paul, es cuando declina la película. Y vuelvo a matizar, el final con Paul en su trabajo, sucio, ante su ordenador que le saluda, con un plano secuencia por todo el laberinto de mesas de unos compañeros que lo ignoran me parece grandiosos; pero, poco más, la película destila dosis del mejor Scorsese, pero no, no reconozco su estilo. 

Únicamente , salvo pequeñas dosis, sólo veo una personaje deambulando por el SoHo de Nueva York , animoso al principio, lenguaraz siempre, pero incapaz de salir de sus limitaciones, en parte, debido a sus extrañas reacciones y a esas series de desdichas que comienzan en el taxi, con la pérdida de los 20 $ y que concluyen con él ante el ordenador.  Y eso que me gusta que la película pase por escenarios y calles que pude disfrutar , junto a mi familia, no hace mucho tiempo cuando visité la ciudad del este de los Estados Unidos. 

Esta décima película del director italonorteamericano se basa en una guion de Joseph Minion, aunque , es posible, pero no está acreditado del mismo director. La película es una producción de Robert F. Colesberry, Griffin Dunne- sí, señor el actor e hijo del escritor Dominick Dunne y director de una productora neoyorkina, Double Play, en sociedad con Amy Robinson. - y Amy Robinson - también actriz cuyo primer papel en el cine como la protagonista femenina fue con Martin Scorsese en Mean Streets y, finalmente- por medio de sus productoras The Geffen Company, Double Play Productions y que contó con la distribución de la Warner Bros. La película contó con un presupuesto de $ 4.5 millones y cumplió uno de los objetivos de Scorsese: hacer caja, pues alcanzó los $ 10.6 millones en taquilla.

Para esta película el director volvía a  contar con la música de Howard Shore, la fotografía de Michael Ballhaus y el montaje de Thelma .

El elenco está interpretado por Griffin Dunne como Paul Hackett, Rosanna Arquette como Marcy Franklin, Verna Bloom como June, Tommy Chong como Pepe, Linda Fiorentino como Kiki Bridges, Teri Garr como Julie, Cheech Marin como Neil, Catherine O'Hara como Gail, John Heard como Thomas «Tom» Schorr, Will Patton como Horst, Clarence Felder como gorila del Club de Berlín, Dick Miller como Pete, el camarero, Bronson Pinchot como Lloyd, Martin Scorsese como operador del reflector del Club Berlin, Victor Argo como el de la cafetería, Larry Block como taxista y Rocco Sisto como el cafetería.

La historia comienza en un final, el de la jornada laboral de un solitario empleado de una compañía de informática (Griffin Dunne), que se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevan al que era uno de los peores barrios de Nueva York en los ochenta , ahora es todo lo contrario- el Soho- y lo hace sin dinero, sin posibilidad de transporte, con una muerta de por medio , siendo seguido como un criminal y en una aventura urbana extraña.

Después de un largo y aburrido día de trabajo, Paul Hackett ( Griffin Dunne ), este empleado de una compañía de informática neoyorkina que únicamente se comunica con su procesador de textos, incapaz de pasar una noche más en la soledad más absoluta. Se va a una cafetería con el libro de Miller, Trópico de Cáncer, para releerlo, y mientras se pide un café entabla conversación con Marcy Franklin ( Rosanna Arquette ) .

Tras hablar de su interés común por la obra de Henry Miller , hablar del extraño cajero que hay en el bar, un bailarín - por cierto, está en una mesa contigua la madre y el padre de Scorsese - la chica Marcy le deja a Paul su número de teléfono y le informa que vive en casa de una escultora llamada Kiki Bridges ( Linda Fiorentino ), en el SoHo, que fabrica y vende pisapapeles de yeso que se parecen a unos pasteles de queso crema.

Más tarde cuando llega a su apartamento cerca de las once, llama por teléfono a la chica, con el pretexto de comprar un pisapapeles. Primero Kiki y después la chica le dice a Paul que lo espera y este se lanza a buscar a Marcy.

Tras esto sale y toma un taxi , por cierto con música flamenca a tope, hasta su apartamento, un taxista que por que no le dirige la palabra.

En su camino a casa de Marcy, se le vuelan por la ventana los $ 20 que lleva dejándolo únicamente con las monedas del bolsillo que no suman ni un dólar. El taxista está furioso porque no puede pagar, así que enfadado pero lo deja.

Esta será la primera de una larga serie de desventuras e inconvenientes para Paul que va a empezar a vivir esa noche, la mayoría sin responsabilidad suya. Nada más llegar entrar en el apartamento de Marcy, una vez que Kiki , la escultora, le lanza el manojo de llaves a la calle, Paul se encuentra con la escultora Kiki , que está terminando una figura humana con papel untado en escayola y goma.

Tras preguntarle por Marcy, y deambular por el apartamento, le dice Kiki que ha ido a una farmacia por medicamentos. Al no estar Marcy , Kiki le pide que le de un masaje con no muy claras - o clarísimas- intenciones; pero al rato, cuando está a punto de iniciar una relación sexual con Kiki llega Marcy .

Esta se muestra contenta por verlo, pero parece tener algunas quemaduras en las piernas y el torso. De cualquier manera, ella le cuenta que ha estado casada y que esa noche venía de una fiesta antes de haberla conocido y que en ella ha roto con su novio.

Al verse en un "fuego cruzado" tiene una tensa y extraña conversación con Marcy, que acaba con la salida de Paul del apartamento.

Luego Paul, bajo una intensa lluvia, intenta irse a su casa en metro, pero esa misma noche la tarifa se ha incrementado y descubre que con el dinero que lleva en el bolsillo ya no tiene suficiente para comprar una ficha.

Ante esas circunstancias hostiles decide entrar en un bar donde una camarera, Julie ( Teri Garr ), se interesa por él y le pasa una nota en la que dice que está cansada de trabajar en el bar. Mientras habla con el barman Paul es informado que ha habido una serie de robos en el vecindario.

El barman, Tom Schorr ( John Heard ), ofrece prestar dinero a Paul para cubrir la tarifa del metro, pero al no poder abrir la caja registradora, le pide que vaya a su casa. Como fianza deciden intercambiarse las llaves de su casa, así que Paul va a casa de Tom a buscar las llaves de la caja registradora.

Después de entrar en el apartamento de Tom y coger las llaves, se cruza en las escaleras de su apartamento- seguimos en ese SoHo ochentero- con un grupo de vecinos de Tom, que interrogan a Paul ya que le acusan de ser sospechoso de los robos.

Una vez camino de regreso al bar, pasa cerca del apartamento de Kiki y , en ese momento, ve a los dos ladrones reales, Neil ( Cheech Marin ) y Pepe ( Tommy Chong ), que portan , además de una televisión , ucon una de las esculturas de Kiki.

Después de que intenta pararlos, huyen, dejando caer al suelo tanto la televisión - que se rompe- como la escultura.

Cuando Paul devuelve la escultura al apartamento de Kiki y Marcy, descubre que Marcy se ha suicidado.

Tras intentar marcharse aparece Kiki y un hombre corpulento llamado Horst que se han vestido para ir al Club Berlin, un club nocturno con muestras de artistas alternativos. Paul intenta regresar al bar de Tom, pero está cerrado, con un cartel que indica que Tom regresará en media hora.

Paul , tras ver dinamitada su posibilidad de regreso, se encuentra con Julie, la camarera, en la calle, quien lo invita a su cercano apartamento a esperar a que Tom abra nuevamente el bar. Julie, que parece estar enamorada de Paul desconcierta a éste.

Ante la extraña actitud de la chica, obsesionada con su cardado, Paul regresa al bar de Tom, encontrando a un Tom que atiende a dos gays de bigotes y cuero, y que en un momento recibe una llamada que le informa de la muerte de Marcy.

Afligido por la muerte de Marcy, quien era su novia, Paul, que se siente responsable de su muerte, decide salir del regreso al departamento de Julie donde ella comienza a dibujar su retrato mientras hablan. En última instancia, Paul rechaza los intentos de acercamiento de Julie - que por cierto, tiene el buscado pisapapeles de Kiki- y tras salir, marcha al Club Berlin para encontrar a Kiki y Horst, donde una colección de punks intenta afeitarle la cabeza con un peinado Mohawk .

En la calle, Paul es reconocido nuevamente por los vecinos de Tom con el ladrón y es perseguido implacablemente por una turba de residentes locales. Mientras huye y ahora con algo de dinero divisa a un taxi del que baja una mujer. El taxista, lo reconoce de inmediato, ya que fue el que lo llevó al SoHo, así que toma el dinero y parte.

La chica que se ha bajado es Gail, que es conductora de un camión de helados le ofrece llevarlo a casa, pero en el desplazamiento Gail ve un cartel con la cara de Paul que lo acusa como el ladrón que está poniendo el barrio patas arriba, así que sale corriendo.

Mientras huye Paul se encuentra con Tom otra vez, pero ahora el también lo acusa de los robos , así que Tom , junto a Julie, Gail y los vecinos persiguen a Paul. Paul descubre en su huida que, como venganza por haberla rechazado, Julie usó su imagen en un póster que lo acusa como el ladrón. Finalmente busca refugio en el Club Berlin.

Paul usa sus últimas monedas para hacer que suene " Is That All There Is? " de Peggy Lee y le pide a una mujer llamada June, una asidua del bar, que baile con él. Paul explica que lo persiguen y June, también escultora, se ofrece a ayudarlo. Ella le dice que lo protegerá, pero Paul intenta huir y en el intento se vierte yeso sobre él lo que es aprovechada por June - que también es escultora como Kiki- para disfrazarlo como una escultura.

Sin embargo, ella no lo dejará salir del yeso, que eventualmente se endurece, atrapando a Paul en una posición que se asemeja al personaje de Edvard Munch "El grito", muy parecido al realizado por Kiki en la casa . La turba que lo busca no lo encuentra , así que lo abandona allí.

Por último, el dúo de ladrones entra al Club Berlin y roba esta vez la escultura con el fin de resarcirse de la que se les cayó por la intervención de Paul , colocándolo en la parte trasera de su camioneta. Van a toda pastilla por las calles de un Nueva York dónde amanece. En una curva se abre la furgoneta y cae del cargamento robado, entre ellas la escultura. Del coche de los ladrones pierde parte de la carga , entre ella la escultura , que al caer al suelo se rompe, en concreto, a las puerta del edificio de oficinas en el que trabaja Paul, justo cuando sale el sol en Manhattan.

Paul se cepilla, entra en su oficina, enciende su ordenador que le saluda y se pone a trabajar, completando así el círculo de la película que, finalmente, se cierra.

La historia de esta producción comienza cuando la Paramount Pictures abandonó la producción del que tenía que haber sido décimo proyecto de Martin Scorsese: Última tentación de Cristo. Este fue una enorme decepción para Scorsese, lo que le impulsó a centrarse en compañías independientes y proyectos más pequeños.

La oportunidad de un nuevo proyecto le fue ofrecida por su abogado Jay Julien, quien lo puso en contacto con una productora independiente de la que formaban parte los actores Griffin Dunne - reconocible y recordado por su interpretación en El hombre lobo americano en Londres, ya comentada aquí- y por la actriz y antigua pupila que trabajó a las órdenes de Scorsese en su primera película, Amy Robinson. Ellos eran los titulares de la "Double Play Company".

El proyecto inicial se llamaba "A Night in Soho" y se basaba en el guión de Joseph Minion . El guión, originalmente titulado Lies , como se llamaba el monólogo de Joe Frank del año 1982 que inspiraba la historia, y que fue escrito como parte de una tarea para su curso de cine en la Universidad de Columbia, en concreto, en la Columbia Film School. Obtuvo una "A" de su maestro, el director yugoslavo Dusan Makavejev . Minion tenía 26 años cuando se produjo la película. De ese inicial guión surgió finalmente After Hours después de que Scorsese hizo sus enmiendas finales. De hecho Scorsese lo califica el guión como "un rompecabezas chino".

Una de las aportaciones de Scorsese incluye el diálogo entre Paul y el portero del Club Berlin, inspirado en Before the Law de Kafka , una de las historias cortas incluidas en su novela El proceso . Como Scorsese le explicó a Paul Attanasio, la historia corta reflejaba su frustración hacia la producción de La Última Tentación de Cristo , por lo que tuvo que esperar continuamente, como Joseph K , protagonista kafkiano de El Proceso. Se utilizó una técnica conocida como "slating final" para capturar la reacción de Paul cuando ingresa al club Berlin, que estaba casi vacío. Justo antes de filmar la toma, Griffin Dunne fue a un bar a la vuelta de la esquina, pidió bebidas a los clientes y luego salió corriendo sin pagar. La escena se abre inmediatamente después de que esto sucedió fuera de cámara. .

Parece ser que esta película en principio tendría que ser dirigida por Tim Burton , pero Scorsese leyó el guión y Burton como ya he dicho parece ser que se apartó alegremente cuando Scorsese expresó interés en dirigir. After Hours fue la primera película dirigida por Scorsese desde su Alicia, ya no vive aquí, Alice Does not Live Here Anymore del año 1974. Scorsese a finales de los ochenta había realizado películas de gran vuelo estético, pero aparte de 'Taxi Driver' (1976), no podía hablar de éxitos en taquilla,sino de sonoros fracasos.

Scorsese admiraba desde un principio la brillantez de los diálogos del guión de Lies, escrito por Minion, pero necesitaba transformar una escritura demasiado literaria a una expresión más audiovisual.

Antes de entrar a fondo en el proyecto Scorsese se trasladó de Los Angeles a Nueva York. Tras regresar a su ciudad natal se lanzó con 'After Hours'. La película , como gusta al neoyorkino, se rodó en diversos puntos de la ciudad de Nueva York, especialmente, en el SoHo como el 128 y el 307 de Spring Street, en el Emerald Pub ( siguiente edificio en el 308 Spring Street), el 28 Howard Street, el Metropolitan Life Tower en el 11 Madison Avenue, el Moondance Diner en la 80 Sixth Avenue, y en la Spring Street Station, donde me monté expresamente en el metro, siguiendo las indicaciones de un italoamericano al que vimos en la calle.

Tras un rodaje de cuarenta días y muchas noches en las calles del SoHo neoyornino y una vez realizada la película y estrenada el 13 de septiembre de 1985, ésta recaudó $ 10,609,321 en los Estados Unidos.

El director británico Michael Powell participó en el proceso de producción de la película (Powell y la editora Thelma Schoonmaker se casaron poco después). Nadie estaba seguro de cómo debería terminar la película. Powell dijo que Paul debía terminar de regreso en el trabajo, pero esto fue inicialmente descartado como muy improbable y difícil. Hay quien dice que Martin Scorsese no pudo encontrar un final adecuado para la película, así que pidió a Brian De Palma y Steven Spielberg que vieran la película para poder dar su opinión sobre cómo debería terminar la película. Probaron muchos otras finales, y, al parecer, algunas incluso fueron filmados, pero la única que todos sintieron que realmente funcionaba fue hacer que Paul terminara de nuevo en el trabajo justo cuando el nuevo día comenzaba.

Aunque no fue bien recibido abrumadoramente por el público, sí que recibió críticas positivas y pasó a ser considerada una película de Scorsese "infravalorada" y un clásico de culto . Actualmente tiene una calificación del 90% en el agregador de revisiones Rotten Tomatoes .

El crítico de cine Roger Ebert dio a After Hours elogió la película como una de las mejores del año y dijo que "continúa el intento de Scorsese de combinar la comedia y la sátira con una presión implacable y una sensación de paranoia omnipresente". Luego agregó la película a su lista de "Grandes Películas".

En las páginas del The New York Times , Vincent Canby le dio a la película una crítica mixta y la llamó una "broma entretenida, con secuencias de arrestos individuales que fueron bien interpretadas por el Sr. Dunne y los demás, pero que te hacen sentir algo estafado".

En España Fernando Morales del diario El País dice de ella que es una "Comedia sofisticada y enloquecida, llena de fuerza (...) Gran trabajo del inolvidable Griffin Dunne".

Pablo Kurt en filmaffinity escribió sobre ella que es la historia de "Un neoyorquino pierde el último metro de la noche. Así comienza una aventura urbana inquietante, fascinante y peligrosa. Los agobios del estupendo Griffin Dunne ante la fauna nocturna de la gran manzana esconden un interesante viaje a la personalidad de cada individuo y su sitio en la sociedad. Todo ello aderezado con excelentes toques de comedia.

Para Adrián Massanet, editor de la antes blog de cine y ahora Espinof, se trata de un viaje de Kafka en el Soho , llamando así su crónica . El editor comenta que "Scorsese contó por primera vez con el sensacional director de fotografía Michael Ballhaus, que desde entonces sería un colaborador bastante habitual en sus películas, y que aportó su enorme experiencia y capacidad de trabajo para iluminar y crear la imagen de la película. Sobrino del mismísimo, y legendario, director Max Ophüls, Ballhaus debe gran parte de su fama y su prestigio a sus trabajos con el cineasta italoamericano, y aquí empezó a ganárselos. Director y operador se alían a la perfección a la hora de narrar las vicisitudes de este pobre desgraciado cuyo único objetivo, esa noche, era llevarse a la cama a la misteriosa Marcy (Rosanna Arquette), y que no imagina la cantidad de hechos extraños que va a experimentar. Creo que Dunne, un cómico algo limitado, está aquí bastante bien, aunque sin grandes alardes. Cumple en su rol de pringado acosado por una realidad que le supera a todas luces, y cuya única salida es correr y sobrevivir, mientras nosotros, espectadores, sufrimos con él y nos reímos de lo absurda que puede ser la vida. Concluye el editor de Espinof que el director "se entrega con todo su desparpajo narrativo, pero que da la impresión que no le mueve ni le importa demasiado, en el fondo" y que "(...) Sería el prólogo al inicio de una plenitud que empezaba a asomar por el horizonte".

Comentar igualmente que el artista de radio Joe Frank, más tarde, una vez estrenada la película presentó una demanda, alegando que el guión levantó la configuración de la trama y partes del diálogo, particularmente en los primeros 30 minutos de la película, procedían de su monólogo de NPR Playhouse de 1982 "Lies". Aunque Frank nunca recibió crédito oficial, según los informes, fue "pagado generosamente" en un acuerdo.

Algunos críticos presentan una visión psicoanalítica de la película. Paul es mutilado constantemente por mujeres en la película: por Kiki con su agresividad sexual y su ansia de masoquismo , Marcy rechaza sus avances sexuales, Julie y Gail incitando a una multitud vigilante, y June atrapándolo en papel maché , haciéndolo indefenso. Hay muchas referencias a la castración dentro de la película, la mayoría de las cuales se muestran cuando las mujeres están presentes. En el baño del Berlín Bar, donde Julie encuentra a Paul por primera vez, hay una imagen garabateada en la pared de un tiburón mordiendo el pene erecto de un hombre. Kiki sostiene un cigarrillo en los dientes cuando lo encuentra por primera vez, un símbolo fálico , y Marcy hace una referencia a su marido usando un doble sentido cuando dice: "Rompí todo" . Una de las trampas para ratones que rodea su cama se cierra cuando Julie intenta seducir a Paul. Es , efectivmente, la historia de un hombre castrado. De hecho se comenta que Martin Scorsese le dijo a Griffin Dunne que se abstuviera de tener sexo y dormir durante el rodaje para obtener una sensación más realista de paranoia.

En cuanto a la música señalar que el encargado de aquello fue Howard Shore , colaborador en ocasiones de Scorsese. A pesar de que nunca se lanzó un álbum de la banda sonora oficial, muchas de las canciones incluidas por Shore responden al gusto musical clásico como la "Sinfonía en re mayor, K. 95 (K. 73n): primer movimiento" atribuido a Wolfgang Amadeus Mozart (la obra no figura entre las sinfonías oficialmente numeradas de Mozart, pero a veces se numera como 45). como obras de Johann Sebastian Bach y su " Air on the G String (Air From Suite No. 3)" , pasando para mi sorpresa por "En la Cueva" interpretado por Cuadro Flamenco o las sevillanas interpretadas por Manitas de Plata, obras del gran Cole Porter como "Night & Day " "Body & Soul " de John Green, "Someone to Watch Over Me", de los Gershwin, interpretada por Robert y Johnny así como otras interpretadas por estoso el interesante " Is That All There Is ", compuesto por Jerry Leiber y Mike Stoller, interpretado por Peggy Lee que juega un papel importante en el personaje de Paul con la escultora June.

Sin embargo, la película le valió a Scorsese el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes de 1986 y le permitió al director tomarse un descanso en el desarrollo tumultuoso de La Última Tentación de Cristo .

La película recibirá diversos premios como en el Festival de Cannes de 1986 al mejor director, siedno nominada a la Palma de Oro como mejor película. En los Premios César de ese año fue nominada a la mejor película extranjera.

Por su parte, los ingleses nominaron el trabajo de Rosanna Arquette por su trabajo como mejor actriz secundaria en los BAFTA. En los Premios Independent Spirit ganó el de mejor producción para Robert F. Colesberry y mejor director, obteniendo hasta cinco nominaciones en fotografía (Michael Ballhaus), guión ( Joseph Minion) y mejor actriz para Rosanna Arquette. En los Golden Globes fue nominado como mejor actor de comedia el actor y productor Griffin Dunne.

Es decir, la crítica y los galardones de peso hicieron y favorecieron el recorrido de esta obra de Scorsese, que, por lo pronto, dejó de ser veneno para la taquilla, como lo era hasta el momento - con la excepción de Taxi Driver- y se solucionó la historia de este Paul / Griffin Dunne entre la fauna nocturna del Soho,por cierto, un barrio magníficamente recuperado , al igual que Tribeca, por el que es un placer el paseo entre recuperados edificios de ladrillo, naves que son centros cultural o espacios para conciertos, como el que pude disfrutar hace casi tres años cuando visité el barrio de esta gran manzana regular.

Como he dicho en múltiples ocasiones no soy muy de comedia y esta para mi, ha tenido dos momentos, uno brillante - el inicial- y otro menos estimulante, posiblemente el mejor. Reconozco que verla a las dos de la mañana , una vez que has salido por la noche no es la mejor de las opciones, pero desde luego el que algo quiere algo le cuesta. Y si bien las aventuras y desventuras de Paul, por momentos son sorprendentes y absurdas , reconozco lo bien trazada y lo redonda que es la historia, en la que el propio Scorsese hace su habitual cameo.

Habla Adrián Massanet que la película contiene múltiples guiños cinéfilos a 'El proceso' de Orson Welles (1962), así como a una parodia seguiendo el estilo de Hitchcock. Los movimientos de cámara elaborados hacen eco de secuencias en Marnie, la ladrona (1964), mientras que el música de Howard Shore emula el estilo de , Bernard Herrmann . Al menos con respecto a la primera decir que para saberlo hay que verla, y yo, todavía, no lo he hecho. Estaré a la expectativa.  Pero espero no acabar de verla pasadas las tres de la mañana ¡Jo, qué noche!

El teniente corrupto

Pocas historias han presentado una autoridad tan despreciable en el ejercicio de su actuación profesional como la de este teniente malo, corrupto, desagradable con sus hijos, mentiroso, impresentable, nada profesional, alcohólico, putañero, sórdido, ruín, mezquino, ladrón, jugador, drogadicto, consumidor de crack, ladrón de cocaína, irresponsable , abusón, lascivo, miserable, descreído, onanista, mirón, mal padre, peor hijo y todo mientras está en el trabajo. 

Pero también, un hombre que es consciente de haber tocado fondo y busca la redención, inspirado por una monja que es violada ante un altar y que, al final, consciente de su propio fin, y sobre todo cercano, actúa en consecuencia. Llegué a la película allá por el año 1993, tras leer una crónica no se si en El País o en El Mundo. Leí de todas las "virtudes" y "flaquezas" de esta película y me quedé con la gana de verlo. Así que cuando pude la vi, y di con una película que era un golpe directo en el mentón. 

Eso es lo que nos plantea Abel Ferrara en Bad Lieutenant , una película dramática del año 1992 dirigida y protagonizada por un aparentemente desquiciado Harvey Keitel. 

El guión fue coescrito por la actriz y modelo Zoë Tamerlis Lund, que también tiene un pequeño papel en la película y el mismo Abel Ferrara, aunque también he leído que Paul Calderon intervino igualmente. La película fue una producción en la que está presente Mary Kane, Edward Pressman con la intervención de las productoras Lions Gate Films, Edward R. Pressman Production, Bad Lt. Productions y la distribución de Aries Films. 

El filme contó con un presupuesto de $ 1 millón y consiguió en taquilla unos $ 2 millones. En el apartado técnico la película contó con la música de Joe Delia, la fotografía de Ken Kelsch y el montaje de Anthony Redman. 

Los actores necesarios para está brutal película fueron un inspirado Harvey Keitel como el Teniente o Lieutenant, Victor Argo como el Policía Beat, Zoë Lund como la drogadicta Zoe, Vincent Laresca como J.C., Frankie Thorn como la monja, Fernando Véléz como Julio, Joseph Micheal Cruz como Paulo, Paul Hipp como Jesús, Frank Adonis como Large, Anthony Ruggiero como Lite, Victoria Bastel como Bowtay, Eddie Daniels como la Jersey Girl que va de pasajera, Bianca Hunter como la Jersey Girl (conductora), Brian McElroy como uno de sus hios al igual que Frank Acciarito, Leonard Thomas como uno de los policías y Bo Dietl como el detective Bob. 

La película comienza después que el Teniente( Harvey Keitel ) , - no , no tiene nombre propio- tenga que llevar a sus dos hijos varones y pequeños a una escuela católica de Nueva York. Lo hace muy cabreado con ellos y con la tía de los chicos, que según ellos, ocupa el baño mucho tiempo. 

Mientras se desplaza escucha los comentarios sobre la final de las series mundiales de beisbol en las que se enfrentan un equipo de New York , los Mets, y otro de Los Ángeles, los Doggers. Tras dejar a sus hijos en la escuela marcha para supervisar el cuerpo de dos chicas que acaban de matas tras ser tiroteadas. 

Del coche que ha sufrido los disparos busca y se lleva una bolsa con cocaína que encuentra, no sin antes, hablar con sus compañeros de las apuestas sobre el partido de beisbol sin atender o sin estar afectado por la escena de un doble asesinato en el Bronx . 

Al irse, el teniente encuentra a un traficante de drogas y le da la bolsa de drogas de la escena del crimen, a cambio de crack ; el distribuidor le promete darle el dinero que gana vendiendo las drogas que le ha suministrado en unos días. 

Tras salir de allí hace una llamada a su corredor de apuestas para invertir lo acordado con sus compañeros, más un adicional de 15.000 dólares. Cuando se desplaza es testigo de un asalto de unos jóvenes ladrones a un comerciante asiático. El Teniente abusa de su autoridad, dispara y tras sacar al oriental para que presente la denuncia le dice a los dos chicos que les entreguen los 500 dólares de la caja. Tras eso marcha a un apartamento, en el que el Teniente se emborracha y se involucra en un trío con dos mujeres. 

Mientras todo esto ocurre, una monja es violada dentro de una iglesia por dos jóvenes matones que no tienen reparos ni ante el hábito ni ante el espacio sagrado. 

A la mañana siguiente, el teniente se entera de que perdió una apuesta en un juego de la Serie de Campeonato de la Liga Nacional entre los Mets de Nueva York y los Dodgers de Los Ángeles . Él trata de recuperar su dinero duplicando su apuesta con los Dodgers en el próximo partido y sin embargo, se ve como el Teniente está demasiado dañado y afectado  por el consumo de  drogas. 

Ante el aviso de que la monja está en el hospital, el teniente espía el examen de la monja y descubre que no sólo la violentaron sino que la penetraron con un crucifijo. 

Más tarde, esa misma noche, para  a dos adolescentes que están usando el automóvil de su padre sin su conocimiento para ir a un club. Como no tienen licencia de conducir, el teniente le dice a una de las chicas que de la vuelta, que se levante la falda y que le muestre el culo, mientras la otra tienen que  simular sexo una escena de sexo oral mientras él, ante la puerta del vehículo se masturba. Tras eso se marcha y las deja en paz.

Al día siguiente, escucha la declaración de la monja, donde dice que sabe quién la atacó pero no está dispuesta a identificarlos. Mientras bebé en su automóvil, el teniente escucha los últimos minutos del nuevo partido de los Dodgers y tras volver a perder un nuevo punto dispara al equipo  estéreo de su auto cuando pierde. 

A pesar de no poder pagar la apuesta de $ 30,000, duplica su apuesta para el próximo partido, sabiendo que se mete en un situación imposible. 

Tras esto escucha la confesión de la monja. Ella en su declaración afirma que  no está enojada por lo que sucedió, ante esto el Teniente comienza a maldecir a Dios antes de echarse a llorar y llorar porque quiere redimirse. 

El Teniente bebe en un bar cuando los Dodgers pierden de nuevo. Después de tomar cocaína en un club nocturno, intenta duplicar su apuesta una vez más. Su corredor habitual se niega a apostar esa cifra a sabiendas de que no podrá afrontar los pagos e insiste al corredor de apuestas que lo matará si no lo hace.

Continuando con su consumo de drogas, el teniente toma su parte de $ 30,000 del traficante de drogas y llama al corredor de apuestas personalmente para hacer su apuesta. 

Luego visita a una joven ( Zoë Lund ) y se pincha  heroína con ella llegando a degradarse aún más en esa caída sin fondo. 

En la iglesia, le dice a la monja que matará a sus atacantes, pero ella repite que ella los ha perdonado y se va. 

En la crisis emocional resultante, tras escuchar el perdón de la chica y la situación sin salida en la que vive ,  el Teniente ve a un Jesús perforado en el pasillo de la Iglesia y lo maldice con lágrimas en los ojos antes de pedir perdón por sus crímenes y pecados. 

Más tarde, después de besar sus pies descubre que es la figura es una mujer negra sosteniendo un cáliz de oro, que resulta haber sido empeñado en la tienda de su marido. 

El teniente rastrea a los dos violadores con la ayuda de la mujer, y da con ellos en una guarida de crack cercana al Spanish Harlem y tras echar a todas las chicas que están con ellos y mientras ellos ven el último partido los esposa juntos. Los lleva  a punta de pistola y fuma crack con ellos mientras los Mets ganan el trofeo. Sus remotas posibilidades de trunfo se han esfumado con ellos , pero en lugar de arrestar y/ o matar a los dos violadores, los lleva a la Terminal de Autobuses de la Autoridad Portuaria y los mete  en un autobús entregándoles  una caja de cigarros que contiene los $ 30,000. 

El teniente les obliga  a subir al autobús y les exigen que nunca vuelvan a Nueva York. Después de que abandone la terminal, aparca en la calle frente a Penn Station . En ese momento otro coche se pone a  su lado, y una voz grita, "¡Oye, poli!" antes de que suenen dos disparos. Los espectadores se reúnen alrededor del automóvil, aunque la mayoría ignoran lo ocurrido , y poco después llega la policía, al darse cuenta de que el teniente ha sido asesinado acabando así la historia de Ferrara. 

La cinta comparte el nombre con Teniente corrupto, la película dirigida por Werner Herzog en 2009, que sin embargo no es un remake de la obra de Ferrara. Ambas películas fueron producidas por Edward R. Pressman .

Tal fue la furia de Abel Ferrara cuando se enteró de que Werner Herzog dirigía una nueva  The Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (2009) que dijo: "En lo que respecta a los remakes, deseo que estas personas mueran en el infierno. Espero que estén todos en el mismo tranvía, y que explote ". Claramente, Ferrara no estaba contento, pero lo cierto es que la película de Herzog no fue ni un remake ni una secuela del Bad Lieutenant. 

Herzog dijo que nunca había visto la película de Ferrara y que quería cambiar el título , pero el productor Pressman no se lo permitió; Abel Ferrara y Herzog poco después en 2013 se conocieron en el Festival de Cine de Locarno  (Suiza). Allí Herzog inició una conversación sobre el asunto y Ferrara expresó su frustración cordialmente ", y parece ser que renunció a su declaración inicial sobre la muerte de todos los involucrados. 

La película fue rodada integramente en Nueva York. En concreto en el  1911 Hone Avenue del  Bronx NY . También se rodó en Jersey City, y en el Madison Square de Manhattan,  así como en la Terminal de autobuses de la Autoridad portuaria, .

La película se rodó en 18 días. Según Lund, "Hubo mucha reescritura en el set. Se cortaron otros dos personajes, y mi personaje se moduló y fue a  más . Hubo que cambiar e improvisar muchas cosas. Algunas de las escenas fueron escritas dos minutos antes del rodaje. Lo memoricé y lo hice de una sola vez. El discurso es importante porque ayuda a conocer el viaje que hace el teniente. Ella lo deja hablar , sabiendo de su pasión, ella lo deja ir ".  Lund admitió en una entrevista que ella "codirigió" varias escenas de la película. Lund también afirmó que ella escribió el guión de Bad Lieutenant solo y creía que Ferrara no puso mucho esfuerzo en sus contribuciones en la película. 

La canción que se reproduce a través de los créditos, "The Bad Lieutenant", está escrita por Abel Ferrara y cantada  por él y Paul Hipp , que hace de Jesús en la película. Abel Ferrara basó el guión en esta canción. 

Según Jonas Mekas , se cuenta que el ex novio de Lund, Edouard de Laurot, escribió parte del guión de la película. David Scott Milton más tarde avaló esta afirmación. Mekas incluso afirma que tiene "garabatos y notas para probarlo". 

Abel Ferrara confesó  en 2012 que estaba consumiendo drogas durante el rodaje de la película: "El director de la película necesitaba estar usando, el director y el escritor, no los actores".

Según Abel Ferrara , originalmente se suponía que la película era divertida. "Siempre fue, en mi opinión, una comedia", dijo Ferrara. Citó la escena donde el Teniente se masturba frente a las adolescentes como un ejemplo específico de cómo Christopher Walken lo habría jugado, y cómo lo cambió Harvey Keitel . "El teniente iba a terminar bailando en las calles con las chicas cuando salía el sol. Estarían usando el cinturón de su pistola y el sombrero, y tendrían la radio encendida, ¿sabes lo que quiero decir? Pero oh Dios, Harvey, lo convirtió en todo esto.

Abel Ferrara dijo que una escena que personificó la película para él -aunque nunca llegó a filmarla- fue una en la que el teniente se roba una tienda de electrónica, se va y luego recibe una llamada sobre un robo en la tienda de electrónica. Él responde que tiene capacidad oficial (no lo reconocen) para tomar una declaración, tras hacerla  y arroja la declaración a la basura. "Y eso para mí es el teniente malo, ¿sabes?" dijo Ferrara. 

Una de las mujeres jóvenes en el auto era la niñera de Harvey Keitel . Abel Ferrara recuerda: que le "Dije: '¿Seguro que quieres hacer esto con tu niñera?' Él dice: 'Sí, quiero probar algo' ".

Gran parte de la película fue filmada al estilo guerrillero. Al igual que muchos directores independientes de películas de bajo presupuesto, Abel Ferrara no se molestó en pedir los permisos la mayor parte del tiempo. "No nos permitieron nada de esto", admitió el editor Anthony Redman . "Simplemente caminamos y comenzamos a disparar". Para la escena en la que un Teniente camina a través de un club nocturno, enviaron a Harvey Keitel a través de un club real a altas horas.

Igualmente, Abel Ferrara filmó un servicio real de Primera Comunión en la Iglesia Católica Romana de Santa Clara de Asís en la sección de Morris Park en el Bronx, Nueva York.

Stella Keitel interpreta a la hija del teniente (Harvey Keitel) en esta película. Harvey es el padre de Stella en la vida real también. 

El DVD de edición especial de Lion's Gate tiene una entrevista en la que  Ferrara explica la génesis del guión, su autoría y su brevedad original. 

El nombre real del personaje de Harvey Keitel es desconocido: solo se le acredita como 'LT' y se lo conoce como 'Teniente'.

Por cierto, la primera vez que Harvey Keitel leyó el guión, lo tiró después de 15 páginas, argumentando que era "una porquería". Cuando comenzó a leerlo de nuevo, leyó las escenas con la violación de la monja y quedó tan cautivado por su historia que comprendió que la película sería una experiencia única. Harvey Keitel se mantuvo en el personaje a tiempo completo en el set durante la producción. El hilo de  la trama de la monja se inspiró en una violación real de dos monjas en un convento de Nueva York. Al igual que en la película, circularon rumores de una recompensa en efectivo para la captura de los violadores. El detective que atrapó a los violadores, Bo Dietl, interpreta a un detective en la película. Él es ahora un autor superventas. 

La guionista Zoë Lund interpreta a una de las mujeres con las que el personaje de Harvey Keitel droga en su casa. Zoe Lund era una entusiasta defensora de la heroína en la vida real, y murió de insuficiencia cardíaca relacionada con la heroína en 1999. 

La supervisora ​​de guiones Karen Kelsall dijo que supervisar el guión era un desafío. "Abel no se apegó a un guión", dijo. "Abel usó un guión como una forma de obtener el dinero para hacer una película, y luego el guión fue algo así como lo llamamos las noticias diarias. Cambió todos los días. Cambió en medio del rodaje de las escenas". 

Además el guión original era lacónico. Abel Ferrara no se disculpó por la brevedad del guión. "La idea de querer 90 páginas ... es ridícula". 

El diseñador de producción Charles M. Lagola hizo que su equipo cubriera el altar de la iglesia y otras superficies con plástico, luego pintó el graffiti e introdujo otros defectos en el plástico que lo tapaba todo.

Christopher Walken originalmente iba a ser al personaje principal. Ya había trabajado anteriormente con el director Abel Ferrara en El rey de Nueva York (1990). Walken trabajaría con Ferrara en tres películas más durante los años noventa. Walken se retiró en el último minuto. Ferrara se sorprendió. "[Walken] dice: 'Sabes, no creo que sea lo correcto'. le dijo Ferrara. "Definitivamente me cogió  por sorpresa. En realidad, me puso en shock terminal". 

Bad Lieutenant tiene hoy una calificación de 75% en Rotten Tomatoes , con 30 comentarios positivos de 40. 

En el New York Times , Janet Maslin elogió el talento de Ferrara por hacer "películas alegremente sucias", continuando, "Él ha creado su propia marca de supersilencio, en una película que parecería escandalosa, imperdonablemente espeluznante si no fuera de alguna manera perfectamente sincera ". 

Por su parte, Desson Howe en el Washington Post dijo que el Teniente era "una muesca más agradable que Satanás" , y cita el trabajo de Keitel como la gracia salvadora de la película: "Es solo la fuerza de la actuación de Keitel lo que le da a su personalidad una dimensión humana". 

Mark Kermode ha dicho en alguna ocasión que la película puede ser vista  como "una poderosa historia de catolicismo redentor". 

Roger Ebert declaró que "en el Bad Lieutenant, Keitel nos ha dado una de las actuaciones de la gran pantalla en los últimos años". 

Para Martin Scorsese la película fue la  # 5 en su  lista de las mejores películas de los 90. llamó a esta película como la quinta mejor película de la década de 1990.  Première la considera esta película como una de "Las 25 películas más peligrosas".

Fue elegida por la revista Entertainment Weekly como una de las "50 mejores películas independientes" en un suplemento especial dedicado a películas independientes que solo se distribuyó a los suscriptores en noviembre de 1997. 

El  crítico de ReelViews, James Berardinelli, pensó que no hay suficiente desarrollo del personaje para el teniente (Harvey Keitel), y que no tiene mucho de una historia de fondo como se ilustra en el siguiente extracto: "Mientras que los primeros dos tercios de la trabajo de película esporádicamente como un estudio de carácter espeluznante del teniente, están incompletos. Uno de los más obvios sin respuesta es cómo llegó a donde está - ¿qué eventos encendieron su desintegración moral, o siempre ha sido así? No solo el la película no intenta sondear ese problema, no le preocupa ". 

En España se ha escrito de ella lo siguiente. Fernando Morales en las páginas del diario El País  que se trataba de un "Intenso drama de resultado irregular. Daba para más, aunque el conjunto se presenta más que entretenido. Interesante" 

Para M. Torreiro en Fotogramas se trata de una "Obra maestra absoluta"  

En las páginas del diario El País Jordi Costa dijo de ella que  "Obra maestra del cine de la provocación, áspera y visceral" 

La película recibió diversos premios en referencia a aquellas películas estrenadas en 1992. En concreto el  Círculo de Críticos de Nueva York nominada el filme al Mejor actor (Harvey Keitel).

En los Premios Independent Spirit la película premio a Harvey Keitel al mejor actor, además de tener tres nominaciones.

En definitiva, se trata de una controvertida película sobre la corrupción policial,  con un trabajo impresionante de un arrebatado Harvey Keitel que va de lleno a las calderas de Pedro Botero  y una muestra del sentido de la redención de los católicos que en su  replanteamiento vital , una vez tocando fondo,  se rehacen poco antes de morir. La película es , como mínimo impactante.