viernes, 23 de marzo de 2018

The Fighter de la HBO


La primera serie que pude ver de la HBO fue The Wire. Cuando empecé a leer y a buscar información sobre este canal por cable y por satélite  norteamericano - de la que tengo que decir que tuve la ocasión de visitar su sede en New York, de hecho comenzó sus emisiones en 1965, cuando Charles Francis Dolan ganó una concesión de televisión en el Bajo Manhattan- me sorprendió que estuvo durante mucho tiempo especializada en el boxeo. La HBO ha transmitido y transmite peleas de boxeo bajo la denominación de HBO Boxing & B.A.D. (Boxing After Dark). Por ejemplo, en 1973 retransmitió la pelea de George Foreman y Joe Frazier que duró sólo dos asaltos - favorable para el primero- o uno de sus impulsos para la HBO fue la emisión en directo de un combate entre Muhammad Ali y Joe Frazier en Manila en diciembre de 1975 que duró 14 asaltos. Desde 1991, HBO presenta peleas a través del sistema HBO Pay Per View. Desde este canal se ha promocionado o seguido la carrera de gran número de boxeadores y entre los mismos se encontraba George Michael “Micky” "Irish" Ward Jr, un boxeador estadounidense nacido en octubre de 1965 en Lowell, Massachusetts. Ward un boxeador que a lo largo de su carrera disputó un total de 51 combates, ganado 38 de ellos (28 por la vía del K.O.) y perdiendo 13 muchas derrotas para un boxeador de la élite pero que llegó a ser campeón de los pesos welter ligeros de la World Boxing Union tras derrotar sorprendentemente a Shea Neary el 11 de marzo del 2000 en Londres.  

Pues bien este es el coprotagonista de la gran película que acabo de ver. Pues su bien se centra en gran medida en Micky Ward (en la película Mark Wahlberg) , no es menos cierto que también asume su protagonista su medio hermano mayor Dicky Eklund (Christian Bale en la misma), un boxeador conocido como “El orgullo de Lowell” al que todo el mundo recordaba en su ciudad natal por casi derrotar a “Sugar” Ray Leonard el 18 de julio de 1978 en el Hynes Memorial Auditorium de Boston. Leonard gano por decisión unánime. La carrera de Eklund duro 10 años (de 1975 a 1985) y en los 80 desarrollo una adicción por el crack que le termino llevando a la cárcel. Fue el entrenador de su hermano durante algún tiempo y hoy como se ve al final de la misma trabaja en el gimnasio de Ward preparando nuevos boxeadores. La película está inspirada en un documental real del año 1995 que presentaba a la familia Eklund-Ward, titulada High on Crack Street: Lost Lives in Lowell, un documental para la HBO, cuyo desarrollo y estreno se ven a lo largo del filme. 

La película fue dirigida en 2010 por el director neoyorkino David O. Russell, un hombre de fuerte carácter . La producción estuvo en manos de  Dorothy Aufiero , David Hoberman , Todd Lieberman , Ryan Kavanaugh , Paul Tamasy , Mark Wahlberg - con quien Russell había trabajado en dos ocasiones anteriores, en concreto, en la ya vista Tres Reyes (1999) y en Extrañas coincidencias o I heart huckabees (2004) - y Darren Aronofsky - curiosamente, el inicial y previsto director- para las productoras Closest to the Hole Productions , Mandeville Films, Relativity Media y  Protozoa Pictures y el apoyo en la distribución de la Paramount Pictures y la ahora apestada y quebrada The Weinstein Company. La película contó con un presupuesto de $ 25 millones 

Para el guión estuvieron implicado en el mismo  Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson, Keith Dorrington basándose en la historia de Keith Dorrington, y los mismos Paul Tamasy y Eric Johnson. 

En cuanto al apartado musical la película contó con el trabajo de Michael Brook ; mientras que la fotografía fue de Hoyte Van Hoytema y el montaje de Pamela Martin.

El reparto lo encabezan Mark Wahlberg como Micky Ward. Christian Bale como Dicky Eklund. Amy Adams como Charlene Fleming. Melissa Leo como Alice Ward. 

Junto a ellos aparecen   Jack McGee como George Ward - el padre de Micky- , Mickey O'Keefe como él mismo, un sargento de la policía de Lowell y entrenador de Ward, Frank Renzulli como Sal Lanano , Dendrie Taylor como Gail 'Red Dog' Eklund, Jenna Lamia como Sherri "baby" Ward, Bianca Hunter como Cathy "Pork" Eklund , Sue Costello como Becky, Erica McDermott como Cindy "Tar" Eklund , Jill Quigg como Donna Eklund , Melissa McMeekin como 'Little Alice' Eklund y Kate O'Brien como la hermana de Mickey, Phyllis Eklund , entre otros. 

La película comienza en Lowell, Massachusetts, la cuna de la revolución industrial  a finales de los años 80 y principios de los 90. Conocemos desde el primer momento a Dicky Eklund (Christian Bale), un boxeador conflictivo pero con talento, que intenta redimirse entrenando a su hermano menor, Micky, hijo de otro padre y de su madre.

Dicky que ahora se acerca a los cuarenta años, en sus buenos tiempos había sido el orgullo de su ciudad natal por haber tumbado una vez en 1978 al campeón del mundo Sugar Ray Leonard; pero después vinieron los tiempos difíciles en los que se hundió en una peligrosa mezcla de drogas y delincuencia que lo habían llevado al consumo de crack y a una continua degradación física y personal. Tanto es así que su historia y su caída al infierno de la droga de moda, el crack, que estaba sirviendo de base a un documental para la cadena especializada en combates de boxeo como era la HBO.

Mientras tanto, su hermano Micky Ward (Mark Wahlberg) se ha convertido en una promesa del boxeo por su potente gancho de izquierda, aunque las riendas de su carrera las lleva su madre (Melissa Leo).

Micki Ward es esos momentos es un boxeador de peso welter y que es entrenado por su medio hermano mayor, Dicky Eklund.

Sin embargo, su prometedora carrera parece haberse frenado tras algunas derrotas y la deriva personal de su hermano así que también es protagonista indirecto del documental de HBO , aunque él y la madre cree que se trata de su "regreso".

Poco antes de uno de sus combates conoce gracias a su padre a una chica que se llama Charlene Fleming (Amy Adams) , una ex atleta universitaria que se retiró y se convirtió en camarera,  y que se involucra de inmediato en su vida - se entera de que tiene una hija, aunque no está casado- y del poderoso entorno familiar presidido por la autoritaria madre, a la que hacen caso sus muchas hermanas y la negativa influencia de su hermano, que cada vez parece más degradado.

Tras un combate que montado por su madre y su hermano Micky sale derrotado. Realmente es un combate que nunca debió celebrarse en una velada en   Atlantic City , cuando el oponente programado de Micky enferma, y es sustituido por un boxeador mucho más pesado que Micky, una gran diferencia en el boxeo profesional. A pesar de las reservas de Micky, su madre y su hermano están de acuerdo para que todos puedan tener la bolsa. Pero Micky es derrotado con total facilidad.

Micky decide seguir el consejo de su novia Charlene y alejarse de su familia, como también le pide su padre y el entrenador y policía, Mickey O'Keefe.

Micky se retira del mundo y establece   con Charlene en su vivienda. Después de varias semanas, Alice organiza otra pelea para Micky, pero a Micky le preocupa que ocurra lo mismo. Su madre y sus siete hermanas culpan a Charlene por su falta de motivación. Micky menciona que recibió una oferta para que le paguen por entrenar en Las Vegas , pero Dicky dice que igualará la oferta para poder seguir entrenando y así seguir trabajando con su familia.

Dicky luego trata de obtener dinero de unos camboyanos ofertando lo que es una estafa piramidal, pero luego cuando ve dificultades usa a su novia, también camboyana como una prostituta y tras coger a un cliente, se hace pasar por un oficial de policía para robar el dinero del cliente. Parece que todo funciona hasta que la policía real le da la orden de parar, cosa que no hace  Dicky y que huye en busca de su familia. Pero es arrestado después de una persecución frente a la puerta del bar en que cenas y en la misma se forma una pelea entre él y la policía. Ante la misma, Micky trata de evitar que la policía golpee a su hermano y un oficial de policía le rompe brutalmente su mano antes de arrestarlo.

Tras ser llevados ante el juez, en la lectura de cargos, Micky es liberado, pero Dicky es enviado a la cárcel.

Tras el incidente Micky decide romper con Dicky, con el boxeo y con su madre, incluso con Charlene.

Pero en la noche del estreno del documental de HBO, Micky, la familia de Dicky, y el mismo Dicky en prisión, se horrorizan al ver que como el mismo se centra en los estragos del Crack in America y cómo la adicción al crack arruinó la carrera y la vida de Dicky.

Durante la emisión Micky llama a su mujer para impedir que lo vea su hija, pero ella pasa pues quiere mostrarle como es la familia de su marido. Mientras realiza esta llamada Charlene va en busca de Micky y comienza de nuevo su relación. A la mañana , él toma los guantes y sale a entrenar.

Por su parte, Dicky comienza a entrenar y trata de llevar su vida sana y reglada en  la cárcel. Mientras, Micky es atraído nuevamente al boxeo por su padre y le dice que él cree que Alice y su hijastro Dicky son malas influencias.

Vuelve a su Gimnasio y allí los otros miembros de su equipo de entrenamiento especialmente el sargento de policía y entrenador de Micky, le presenta a  un nuevo gerente, Sal Lanano, un empresario del taxi , le persuaden a Micky para que regrese al boxeo con el acuerdo explícito de que su madre y su hermano se desvinculen de él.

Sal Lanano coloca a Micky en peleas menores para ayudarlo a recuperar su confianza ya que tras cuatro derrotas consecutivas entre 1990 y 1991 y tras 3 años fuera de los cuadriláteros su moral estaba dañada. En ese 1994 se enfrenta al púgil Luis Castillo . Desde ese momento encadena algunas victorias. Luego se le ofrece otra pelea importante contra un boxeador invicto y prometedor, un hispano en Las Vegas, respaldado por la HBO.

Durante una visita a la prisión, Dicky le aconseja a Micky cuál es la mejor manera de trabajar con su oponente, pero Micky cree que su hermano está siendo egoísta e intenta reiniciar su propia carrera fallida.

Durante el combate que le enfrentó en Las Vegas al mexicano Alfonso Sánchez (12 de abril de 1997) , Micky está casi abrumado, recibiendo 110 golpes a la cabeza pero luego desarrolla la estrategia que le había dado su hermano ytras conectar un durísimo golpe al cuerpo que mando a Sanchez a la lona, triunfa. La victoria le permite la oportunidad de luchar por el título para el que su oponente estaba siendo preparado. El combate por el título mundial de los pesos welter , supone tocar la gloria para Micky, pero Dicky y la madre, igualmente, se sienten partícipes de la victoria.

Tras su liberación de la prisión, Dicky y su madre van a ver a Micky al Gimnasio. Asumiendo que las cosas vuelven a estar como estuvieron, Dicky se prepara para entrenar con su hermano, pero Micky le informa que puede ser dado el acuerdo de Micky con su equipo actual. En la    discusión, en la que Micky ech en cara el egoismo tanto de su hermano como el de la madre y el resto del clan. Igualmente se pelea con Charlene y su entrenador que se marchan disgustados. Micky y Dicky comienzan a entrenar hasta que  Micky derriba a Dicky.

Tras eso Dicky se va corriendo, presumiblemente para drogarse otra vez, por lo que  Alice  reprende a Micky, solo para ponerse seria cuando él le dice que ella siempre ha favorecido a Dicky.

Cuando Dicky vuelve a la  casa en la que consumía crack se despide de sus amigos y se dirige al departamento de Charlene. Allí le dice que Micky los necesita a ambos y que necesitan trabajar juntos.

Después de reunir a todos, el grupo se va a Londres , lugar donde tiene la pelea por el título contra el campeón welter Shea Neary. el 11 de marzo del 2000 .

Micky se anota otra victoria inesperada y el título welter ligeros de la World Boxing Union . Al final nos enteramos que  a lo largo de su carrera disputó un total de 51 combates, ganado 38 de ellos (28 por la vía del K.O.) y perdiendo 13.

Desde ese momento su trayectoria personal le llevó a tener tres “Peleas del año” según la prestigiosa revista The Ring. La primera de ellas sucedió el 13 de julio de 2001 y le vio enfrentarse y derrotar a Emanuel Augustus en el Hampton Beach Casino de Hampton Beach, New Hampshire. La segunda ocurrió el 18 de mayo de 2002 en el Mohegan Sun Casino de Uncasville, Connecticut y en ella venció a Arturo Gatti en la primera pelea de su increíble trilogía de combates. Su tercera y última Pelea del Año fue el 7 de junio de 2003 en el Boardwalk Hall de Atlantic City, New Jersey. En aquel combate no solo se puso punto final a su trilogía con Gatti, sino que además supuso el adiós definitivo de Ward, retirándose ese mismo año.

La película salta unos años más adelante y vemos a los auténticos Micky y Dicky hablando a las cámaras y bromeando antes la mismas, quejándose Micky de que Dicky no le deja ni hablar.

La historia de la película comienza cuando la  Scout Productions adquirió los derechos de la vida del boxeador Micky Ward y su hermano, Dick Eklund, en julio de 2003 y que estaba recogida en el libro autobiográfico Warrior’s Heart: The True Story of Life Before and Beyond The Fighter. Para desarrollar el proyecto, Eric Johnson y Paul Tamasy también fueron contratados para escribir el guión, el cual fue reescrito por Lewis Colick .

Mark Wahlberg se unió a la producción a principios de 2005 con la intención de hacer justicia a la historia de la vida de Ward y de nos hacer de ella una película de   escenas de lucha exageradas e irreales.

Hay que decir que Mark Wahlberg al  Micky Ward - paisanos de Massachussetts, aunque el primero de Boston- había querido desde el primer momento  protagonizar la película debido a su amistad con Ward, con quien comparte además del paisanaje se pertenencia social, ya que ambos son hijos de la  clase trabajadora e integrantes de una amplia familia con ocho hermanos. Wahlberg también era un gran admirador de Ward,considerándolo un "héroe deportivo local". El actor también se sintió atraído por el tema central de la película..

Tras eso se incorporó al proyecto la Paramount Pictures como distribuidora de la película en los Estados Unidos y contrató a Paul Attanasio para reescribir el borrador de Collick en febrero de 2007 en un intento de enfatizar los temas de la fraternidad y la redención.

Con la esperanza de comenzar la producción en Massachusetts en junio de 2007,  Wahlberg hizo que Martin Scorsese leyera el guión, con la esperanza de que lo dirigiera. Scorsese, que ya tenía experiencia en este tipo de película tras su Toro Salvaje / Raging Bull de Scorsese - que era una referencia para el actor en The Fighter- rechazó el ofrecimiento de dirigir otra película de boxeo.

Darren Aronofsky fue contratado para dirigir la película en marzo de 2007,   con Scott Silver reescribiendo el guión en septiembre de 2007.

En octubre de 2007 Mark Wahlberg en una entrevista declaraba que "He visto todas las películas de boxeo hechas. También soy un gran fanático de la lucha. Boxeé un poco cuando era más joven. Nadie, en mi opinión, ni algunas de las mejores películas que se hayan hecho alguna vez, como Raging Bull y Rocky, que he visto 30 veces, ha reflejado el boxeo de forma tan realista como lo que esperamos lograr  en esta película ".

La producción continuó con la idea de comenzar el rodaje para comenzar en octubre de 2008 . Para el mismo ya había algunos cambios desde el inicio de la producción . Por ejemplo , Christian Bale había reemplazado a Brad Pitt .

Poco después Aronofsky había abandonado el proyecto por otros  como el Black Swan, aunque quedó en los créditos como productor ehecutivo. Así Wahlberg y Bale eligieron a David O. Russell como el reemplazo de Aronofsky.

Wahlberg que ya había trabajado en dos ocasiones anteriormente -  en los citados Tres Reyes  y I Heart Huckabees -  estaba entusiasmado de tener a Russell como director.

En abril de 2009, Relativity Media intensificó para financiar por completo la película,  vendiendo los derechos de distribución internacional a The Weinstein Company un mes más tarde.

Tras lo cual Wahlberg con el fin de imitar los hábitos y gestos de Ward, durante la preproducción, ya se había llevado a los hermanos Ward   temporalmente a la casa de Wahlberg y al  set.

Para agregar al realismo de la película, Wahlberg rechazó un doble de acción por lo que  recibió golpes reales durante las escenas de la pelea, estando a punto de que le rompieran la nariz un par de ocasiones.

Wahlberg se sometió a un estricto régimen de ejercicio físico, dedicando más de cuatro años de entrenamiento para obtener un físico musculoso con el fin de interpretar a Ward de manera convincente. "Las últimas seis películas que hice también me estaba preparando en secreto para The Fighter al mismo tiempo", continuó el actor, "así que me iría tres horas antes para ir al trabajo e ir al gimnasio y pasar allí tres horas con los entrenadores ".

El actor principal declaró que "Ciertamente hubo momentos en los que me despertaba a las 4:30 de la mañana, ya sabes, mi entrenador tocaba el timbre, y, 'Dios mío', decía: 'Será mejor que hagamos esta película'. Ya sabes, 'Matar a alguien si no hago que se haga esta película' ".

Wahlberg contrató a Freddie Roach como su entrenador de boxeo, ayudando al actor a modelar el estilo de pelea específico de Ward.

Los últimos dos años del entrenamiento de Wahlberg dieron como resultado la construcción de un "gimnasio de ensueño" en su casa para uso diario, con un anillo de boxeo personal.  Recibió preparación de boxeo adicional de Manny Pacquiao .

Por su parte, Christian Bale que interpreta a  Dick "Dicky" Eklund aceptó la propuesta una vez que que Brad Pitt y Matt Damon se hubiese retiraran del proyecto por conflictos de programación. Y aunque hubo planteamientos para que su papel fuese asumido por Eminem - que incluso fue consultado y considerado para el papel de Eklund, aunque no  fue elegido debido a conflictos de grabación con su música - fue Wahlberg quien sugirió a Bale para el papel después de conocer al actor en un centro educativo.

Dada la adicción a las drogas de Eklund, Bale tenía que estar delgado  lo que encontró fácil ya que había perdido mucho peso  en 2003 para The Machinist . Bale estudió los gestos de Eklund y grabó conversaciones para conseguir el distintivo acento de Boston del personaje .

El director David O. Russell creía que la tarea de Bale involucraba mucho más que el mimetismo. "Dicky tiene un ritmo completo para él, una música. Christian tenía que entender cómo funciona su mente". Russell y Eklund quedaron impresionados por la dedicación de Bale a permanecer en el personaje durante el rodaje.

Para el papel de novia y con el tiempo  mujer de Dicky que inicialmente parecía para Emily Blunt , la elegida fue Amy Adams como Charlene Fleming. Russell dijo de la actriz: "Hay muy pocas cosas mejores que un director puede tener a su disposición al tener a  una actriz que se está muriendo por romper el tipo y que está extremadamente motivada para hacer el personaje de Charlene ... Ella dijo: 'Mientras ocurra entre acción y corte, haré cualquier cosa'. Y dije, 'Esa es mi tipo de actriz'. Me encantó que tuviera esa actitud ". 

También se contrató para el elenco a Melissa Leo como Alice Eklund-Ward (1931-2011), la madre de ambos luchadores y sus siete hermanos, y de todas hermanas y que falleció al año del estreno de la película, al igual que su marido George Ward (1941-2011), el padre de Micky interpretado por Jack McGee  , al igual que le ocurrió poco después a  Cindy "Tar" Eklund (1961-2012) interpretada por Erica McDermott.

Se contrató a Mickey O'Keefe  para que se interpretara a él mismo, como sargento de la policía de Lowell, Massachusetts, y entrenador real de Ward. Lo curioso era que  O'Keefe, que nunca había actuado, y que dudaba al principio, pero Wahlberg le dijo que podía hacerlo porque, como oficial de policía, tenía que actuar y pensar rápido sobre sus pies. 

En la película aparece Sugar Ray Leonard como él mismo, haciendo un cameo como comentarista invitado en el combate entre  Ward / Mungin

The Fighter comenzó a rodarse el 13 de julio de 2009, y contaba con un presupuesto de $ 11 millones en un calendario de rodaje de 33 días. Finalmente se rodó entre el 13 de julio y el 26 de agosto de 2009.

La producción utilizó los créditos impositivos de la película de Massachusetts para cubrir partes del costo de la película.

Parte del rodaje tuvo lugar en la ciudad natal de Ward, Lowell , Massachusetts . Sus combates de boxeo fueron filmados en el Tsongas Center en UMass Lowell , y las escenas de gimnasio en el West End Gym de Arthur Ramalho, una de las instalaciones de la vida real donde Ward había entrenado.

La filmación tuvo lugar íntegramente en Estados Unidos, en ciudades como Lexington o Lowell en Massachusetts y Los Ángeles.

El metraje del combate de boxeo fue creado "en grandes secciones coreografiadas que fueron tomadas directamente del video de las peleas reales de Micky", según dijo Russell. "Y usamos los comentarios reales de [HBO] de Larry Merchant , Roy Jones Jr. y Jim Lampley ". Russell usó "las cámaras reales de esa época. [Eran] ​​una especie de Beta[video-formato] cámara que le daba una apariencia muy cierta, y en realidad contratamos al director de HBO y su equipo que habían hecho esas peleas " para replicarlas filmadas.

Para promocionar la película, Wahlberg apareció en la portada de Sports Illustrated y Men's Fitness , y Bale on Esquire , en noviembre de 2010. Fue estrenada el 6 de diciembre de 2010 en el Grauman’s Chinese Theatre. Hubo, además, un estreno benéfico en Lowell, Massachusetts, en el escenario de The Fighter , el 9 de diciembre, un día antes del lanzamiento nacional programado de la película.

El 10 de diciembre de 2010 se estrenó en 4 salas estadounidenses y el 17 de diciembre se aumentó el número de salas de exhibición hasta las 2503, recaudando 12 millones de dólares . La película fue lanzada en el Reino Unido el 4 de febrero de 2011. Al final consiguió en taquilla $ 129.2 millones

La película obtuvo numerosos premios yy reconocimientos. Por lo pronto obtuvo dos Oscars al mejor actor secundario (Bale) y a la mejor actriz secundaria en la persona de Melissa Leo tras obtener  siete nominaciones  incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Fue la primera película en ganar ambos premios desde Hannah and Her Sisters en 1986.

Obtuvo dos Globos de Oro al  mejor actor secundario (Bale) y a la mejor actriz secundaria con Melissa Leo, tras seis nominaciones.

En los BAFTA obtuvo tres nominaciones, al mejor actor secundario (Bale), actriz secundaria(Adams) y guión .

El Círculo de Críticos de Nueva York concedió el premio a la  Mejor actriz secundaria a Melissa Leo.

La American Film Institute (AFI) incluyo a The Fighter en el  Top 10 de las Mejores películas del año 2010..

En los Satellite Awards se le concedió el premio al Mejor actor de reparto a Christian Bale. También consiguió tres premios  en los  Critics' Choice Awards, incluyendo mejor actor secundario y actriz secundaria de seis  6 nominaciones.

La Asociación de Críticos de Chicago concedió el premio al  Mejor Actor secundario a Bale tras tres nominaciones

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la Mejor película y el Sindicato de Directores (DGA) al mejor director, así como el Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión original y el  Sindicato de Actores (SAG) al Mejor actor secundario (Bale) y actriz secundaria (Leo) de sus cuatro nominaciones.

Según la página de Internet Rotten Tomatoes obtuvo  sobre un 90% de comentarios positivos, llegando a la siguiente conclusión: "protagonizada por un trío de cautivadoras interpretaciones de Mark Wahlberg, Christian Bale y Amy Adams The Fighter es una sólida pieza de entretenimiento, aunque predecible, en el género de los dramas sobre el boxeo".

En la página de Internet Metacritic obtuvo críticas positivas, con un 79%, basado en 40 comentarios de los cuales 34 son positivos. The Fighter recibió críticas en gran parte positivas, con críticas que alababan las actuaciones de Wahlberg, Bale, Adams y Leo.

Peter Traves publicó para Rolling Stone que "The Fighter, con un corazón lleno a rebosar, tiene una potencia emocional que casi llega a desbordarse (...)"

Claudia Puig señaló para USA Today que "Bale está asombroso [...] entregando probablemente la mejor interpretación de su carrera. [...] Una de las mejores películas del año"

Richard Corliss de la revista Time calificó el trabajo de Christian Bale como una de las 10 mejores representaciones de películas de 2010, diciendo "En un pequeño festival de actuaciones agrias, sabrosas, especialmente de Melissa Leo como madre de los niños y Amy Adams como novia de Micky, Bale es el más brillante, porque sabe que ningún personaje, por depravado que sea su estado, es solo un monstruo . Encuentra belleza en la bestia ".

A. O. Scott en las páginas de The New York Times la presenta como "(...)  un sólido trabajo físico, fintas inteligentes y un enorme corazón, consigue hacer K.O. técnico al menos una vez, lo cual quiere decir que se queda corta en grandeza (...) lo más impresionante es su técnica"

Kirk Honeycutt del The Hollywood Reporter "Te deja fuera del ring, no dentro (...) Nunca te sientes suficientemente cercano a la acción (...) Los personajes te interesan hasta cierto punto, pero nunca te introducen en la película"

En el  Reino Unido Adam Smith en la revista Empire sostiene que   "Puede que recorra la ruta trillada de casi todas las películas de deportes previas, pero sus dos diferentes -e igualmente poderosas- interpretaciones se combinan para entregar una estimulante película de boxeo (...) "

Ya en  España Javier Ocaña desde El País comenta que es "Una película entretenida e incluso emocionante, pero de limitada trascendencia, más cerca de 'Rocky' o 'El luchador' que de 'Toro salvaje' o 'Million dollar baby'"

Según  Sergi Sánchez en La Razón es "Una pena que 'The Fighter' no sepa gestionar sus energías, porque su problema es que dedica demasiado tiempo al personaje equivocado. (...) A Russell no le interesan ni los matices ni las ambigüedades"

Para  Jordi Batlle Caminal en el catalán diario  La Vanguardia destaca que la película "Cuenta con escenas inspiradas (...) Y hay divertidos brotes de humor (...) briosas composiciones (...) pero le falta el temperamento visual de, por ejemplo, 'El luchador', de Darren Aronofsky"

Para  Oti Rodríguez Marchante del ABC "A uno le suena la música de esta película, su estribillo, pero la letra es sorprendente (...) "

Manu Yáñez en Fotogramas nos dice que "Si bien Russell consigue hacer respirar el relato, dejando sus costuras abiertas y dotándolo de una arritmia a ratos electrizante, al final parece imponerse la ley del cliché"

Para  Toni Vall en Cinemanía la película está "Filmada con insólita elegancia (...) dos horas de buen cine (...) magistral creación de un Christian Bale instalado en una brillantez interpretativa insólita (...) "

En  Argentina Miguel Frías de Clarín nos dice que "En un mundo de viriles luchadores, los personajes de mayor personalidad son femeninos: una de las particularidades de un filme que, hay que admitirlo, también transita muchos lugares comunes."

Para  Natalia Trzenko de otro importante diario argentino como  La Nación lo que destaca es que "El mayor mérito del film es su conmovedor retrato de una familia siempre preparada para dar y saber recibir las piñas."

Para Horacio Bernades en el también argentino Página 12 señala que "Durante su primera hora, el film protagonizado por Christian Bale y Mark Wahlberg resulta altamente disfrutable. Pero ahí es cuando entran en escena los lugares comunes de Hollywood."

Para  Hugo F. Sánchez de Tiempo Argentino e trata de "Un relato que si bien se asienta en la épica del boxeo, traza un inigualable perfil de una comunidad golpeada por la marginalidad."

A mi , personalmente, me ha gustado la película. No abusa de las escenas físicas, ni tan siquiera de las épicas. Se centra principalmente la película en el lado familiar del "conflicto" quedando en una idea nada exhibicionista los elementos del combate del boxeo. Los golpes son efectivos, pero nada espectaculares.

Desde luego lo que sí he de resaltar de la misma es el trabajo brillante de los actores y actrices, así como el buen guión. A destacar desde luego el trabajo de Bale - simplemente, impresionante- , la potencia física del actor y productor, o sea de Walhlberg, y el papel de las mujeres como intervinientes directas en el combate familiar y humano.

El guión concreto lleno de conversaciones tan brillantes como creíbles y la narración fácil, ágil , directa como un golpe en el mentón. No , no hay mucho baile ni pérdidas de tiempo.

Debido a la película que involucra el boxeo, Ring Magazine también dio su crítica, diciendo que debido a que dejó fuera la Trilogía con Arturo Gatti , fue como hacer una película sobre la vida entera del presidente Franklin D. Roosevelt y sin incluir la Segunda Guerra Mundial .

Sports Illustrated denominó la película de la mejor película de deportes de la década y "uno de los mejores desde la película de  Martin Scorsese con Robert De Niro  como Jake LaMotta en Raging Bull ."

En este sentido y siguiendo lo expresado por Ring Magazine de como la película se quedaba corta en la historia de Micky , Mark Wahlberg  estuvo involucrado en el desarrollo de una secuela  que sería The Fighter 2 , que se centraría en la legendaria trilogía de lucha entre Ward y Arturo Gatti . Se habló incluso de que Jerry Ferrara, en 2013,  se uniría para interpretar el papel de Gatti para la futurible película, pero cuando he buscado información sobre ella he encontrado en la página de IMDb Because this project is categorized as in development. Pues eso, en desarrollo.


jueves, 22 de marzo de 2018

Strawberry Fields


Una canción y una pequeña buena historia dan como resultado una encantadora película que nos narra un viaje iniciático. Tiene una gran ambientación y unos personajes, como ya he calificado,  encantadores, especialmente el de Javier Cámara y su compañera de desventura . La película se deja ver, pero no era la gran película que esperaba y de la tanto, tantisimo, se habló. Es eso sí, una autentico homenaje a un docente que no se portó como un gañán. 

Como docente, que sufrí esos días de escuela, narrados en parte por el personaje principal he visto reflejos que me han recordado la idea de no ser como algunos de los profesores que sufrí. Violencia, golpes innecesarios que , indudablemente, se encauzaron, pero creo que a un alto precio que si bien , a mi personalmente no me afectó, a algunos compañeros - por supuesto- hablo en masculino, a otros sí .

La película Vivir es fácil con los ojos cerrados es una película española de 2013 escrita y dirigida por David Trueba. Esta es la novena película que el director madrileño dirige y cuyo guion escribe. En este caso, se inspira en la historia real de Juan Carrión Gañán (1924-2017), un profesor de inglés que en 1966 viajó a Almería, cuando John Lennon visitó la ciudad andaluza con motivo del rodaje de la película Cómo gané la Guerra. 

El título fue sacado de la letra de la canción Strawberry Fields Forever ("Living is easy with eyes closed") y, según se deja entrever en la película el inicio de la misma le es contado a Juan Carrión Gañán , el profesor de inglés, nacido en Madrid en el año 1924 y que falleció el pasado año en Cartagena a los 93 años. Realmente el gran logro de Carrión, fue lograr que los Beatles incluyeran las letras de sus canciones en el álbum y en el estuche del disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" tras reunirse en Almería en 1966 en una intensa media hora con John Lennon y que residía en la finca de Santa Isabel, actual Casa del Cine, en la que escribió la canción "Strawberry Fields Forever".  

La película mezcla imágenes propias del film, intercaladas con imágenes de archivo de los Beatles y de Lennon rodando en Almería. Detalles de la vida del profesor se narran en el libro "Juan y John, el profesor y Lennon en Almería para siempre" escrito por el Javier Adolfo Iglesias, amigo del maestro.

Lo curioso es que esta historia quedó en el olvido hasta que en 2006 se dio a conocer en un curso de verano sobre los Beatles de la Universidad de Almería, esta historia «se mantuvo prácticamente en secreto porque Juan no buscaba la notoriedad y la contó únicamente a su círculo más privado de amigos», según Iglesias. A partir de ese momento fue invitado a todos los actos relacionados con los Beatles que se han celebrado en Almería, como la fiesta que tuvo lugar el año pasado en la Casa del Cine, en la que cientos de niños interpretaron a coro «Strawberry Fields Forever».

La película es una producción de Cristina Huete  y Fernando Trueba  por medio de la productora Productora Fernando Trueba Producciones Cinematográficas (PC) , Canal+  y Televisión Española.

El guión fue escrito por David Trueba siendo la música del guitarrista y compositor Pat Metheny  así como de Charlie Haden.

La fotografía en tonos luminosos y terrosos apropiada con el paisaje almeriense es de Daniel Vilar , mientras que el montaje fue de Marta Velasco y el sesentero vestuario es de Lala Huete.





Los protagonistas de la historia son Javier Cámara como el profesor  Antonio San Román , Natalia de Molina como Belén,  Francesc Colomer como Juanjo , Jorge Sanz como el padre de Juanjo , Ariadna Gil como la Madre de Juanjo,  Ramon Fontserè como  Ramón y Rogelio Fernández como Bruno. Además furante lla película vemos imágenes de Ángel de Andrés, Manolo Escobar,  George Harrison , John Lennon , Paul McCartney , Ringo Starr o Laly Soldevila .

La película comienza como un NODO de la época informándonos de cómo era la España del momento: desde la caída en Palomares de la bomba americana hasta la llegada a España de los Beatles , pasando por una información que nos dice como en 1966 un John Lennon en plena crisis existencial , aunque creativa,   le lleva a pensar en dejar definitivamente los Beatles y convencido de poder lanzarse a la carrera de actor. Esa crisis le trae a Almería para rodar a las órdenes de Richard Lester una película antibelicista: Cómo gané la guerra.

Mientras conocemos a Antonio (Javier Cámara), fan incondicional del cuarteto de Liverpool y profesor de inglés en un humilde colegio de curas de Albacete, que usa las canciones de los Beatles para enseñar inglés y para reflexionar sobre la vida.

Como tiene algunas dudas sobre lo que dicen las canciones, puesto que no tiene acceso a las letras de sus canciones decide, alegando otos motivos emprender el viaje para conocerlo y hacerle una inusual petición.

En paralelo vamos conociendo dos historias: la de Belén (Natalia de Molina), una chica malagueña que está en un centro de acogida o una casa bebé , como entonces se les llamaba, puesto que el chico con el que estaba le ha hecho un bombo. Ante la posibilidad de que le quiten a su hijo después del parto toma dirección Málaga con el objeto de tener el hijo junto a su madre-; y la historia  Juanjo (Francesc Colomer) un joven estudiante de 17 años que , como rebelde se está dejando el pelo largo, ante el malestar de sus padre (Jorge Sanz), un gris cabezón y empecinado que quiere hacer en su casa lo que él dice, y que sólo cuenta con el apoyo de su madre (Ariadna Gil) una madre cariñosa, pero que se pliega a la voluntad de su testarudo marido.

En la ruta, Javier se cruza en una gasolinera con Belén , que se ha escapado de la turbia reclusión a la que está sometida por su familia y por el entorno social del país, ya que tiene 20 años, pero carga con el embarazo  y que va al sur en busca del amparo de su madre, y que se desplaza haciendo autostop por las carreteras de España.

Ambos se tropezarán con Juanjo (Francesc Colomer), un adolescente de 17 años, que se ha fugado de casa en plena rebeldía juvenil y enfrentamiento con su padre (Jorge Sanz), conservador, poco tolerante y poco afín a los cambios.

Javier, como docente sabe tratar con los chicos, bromea con ellos , sobre todo con la cándida Belén y con Juanjo , al que para gastarle una broma lo expulsa del coche cuando Juanjo dice que prefiere a los Rolling Stones antes que a los Beatles.

Finalmente el Seat 850 del protagonista - mejor dicho del padre del protagonista y por cierto en primer coche en el que me monté, el de mi padre- , mientras se van conociendo en este viaje iniciático llegan a Almería.

En Almería , sobre todo Juanjo y Belén, descubren lo que es la libertad y hablan de sus sueños , mientras Javier busca al cantante.

Se instalan en una aldea marinera de Almería y allí conocen al catalán Ramon (Ramón Fontserè ) un hombre que llegó a Almeria enamorado y que su mujer , una italiana, abandonó con un hijo disminuido psíquico que empatiza con Juanjo. A propuesta de Javier, Ramón contrata a Juanjo para ayudarle en la taberna a la que van cazurros de la zona que se meten con su pelo.

Ramón y Javier se entienden bien, así que Ramón le dice pone en contacto cuando ve las dificultades de Javier para entrar en contacto directo con Lenon - la mujer de Lenon, Cynthia,  le lanza de todo cuando va a su casa ante la mirada del pequeño Julian,  y los guardias civiles impiden su acceso al rodaje-  ; finlmente, gracias a Ramón, se enteran que tras el rodaje parte del equipo de producción va a ver lo que se ha grabado a un cine. Allí contacta con un miembro del equipo.

Por su parte, Juanjo y Belén, que ya ha dejado entrever la razón de su viaje a Javier, comienza a tener una relación que acaba en la cama.

A la mañana siguiente, Javier va al rodaje, junto a él se lleva a Juanjo y por el camino su suma Belén que quería ir a Málaga. Logran llegar al mismo y Javier consigue su objetivo: hablan con John. Tras media hora, Javier sale de la roulotte del cantante y les dice la emoción que siente. Les dice que ha grabado los acordes de la nueva canción de Lenon , la tiene en su casette y se llamará La vida es fácil con los ojos cerrados.

Al llegar al bar de Ramón, se encuentra Juanjo a su padre que ha ido por él. Lo ha llamado Ramón , sabiendo que podía meterse en un lío, cosa con la que está de acuerdo Javier. Allí se despiden los tres. Juanjo va con su padre , pero se suma Belén que va a probar fortuna en Madrid.

Javier tras despedirse de Ramón y su hijo, destroza la cosecha de tomates de un cazurro que agredió a Juanjo y tras eso vuelve a su trabajo. Nos enteramos en los títulos de crédito que La vida es fácil con los ojos cerrados en el inicio del tema Strawberry Fields Forever, un tema en el que Lennon recuerda su infancia; y que tras entrevista con Javier, los Beatles decidieron introducir las letras en sus discos.

La película se rodó en Madrid y en algunos puntos de Almería, tanto de la capital, como del Cabo de Gata y del desierto de Tabernas.El edificio de madera fue utilizado para representar un bar. Las escenas del bar y el hotel fueron rodadas en la localidad de La Almadraba de Monteleva, en la provincia de Almería.

Se presentó en el Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes a concurso, pero comercialmente se estrenó el 31 de octubre de 2013 y durante la misma sueñas canciones tanto de los Beatles como el Mejor de Los Brincos, así como escena de la película el Padre Manolo con manolo Escobar.

La recepción de la película ha sido en su enorme mayoría muy positiva aunque no haya tenido un éxito muy notorio en la prensa especializada en el panorama cinematofrñafico.

Los críticos de periódicos y revistas como El País, El Mundo y Fotogramas coinciden en alabar el trabajo del director David Trueba. Señalan como punto fuerte lo bien recreado que está el ambiente de los 60, así como la agradable evocación del pasado que provoca en el espectador.

En las críticas se destaca y premia la interpretación de Javier Cámara por su capacidad de personificar a un profesor a la vez ingenioso y plácido, con un interés esperanzador por salvar la cultura de su país en tiempos en los que España era un país muy atrasado técnica y culturalmente.

Dennis Harvey en la revista Variety tras su estreno en los Estados Unidos , pues fue presentada por España como candidata a los 87 edición de los Oscars y dijo de ella que "La candidata al Oscar de España es esta pausada y agradable comedia seria (...) Trueba despliega la mayor parte de su fuerza narrativa detrás de una ficción convencional aunque atractiva."

Luis Martínez en El Mundo destacó el papel de   "Trueba, y ahí el mérito de la cinta, reconstruye sin el más mínimo pudor, sin coartadas académicas y, lo más importante, con total precisión, lo que queda cuando ya se ha olvidado todo."

Para Carlos Boyero en el  El País comenta que "Sobreviviendo con gracia a la caspa. (...) contada por David Trueba con arte, sutileza, emoción y gracia. (...) [Javier Cámara] hace un trabajo espléndido" Tambine en ese diario  Jordi Costa dice que es una  "Película luminosa y cargada de carisma, excéntrica mezcla de road movie y western errante con chamán en el punto de destino, a la que no le hubiese venido mal algún contrapunto amargo"

Para  Oti Rodríguez Marchante del ABC es elogiable "El trabajo de Javier Cámara es homérico, trascendental y «contamina» todo lo demás (...) con qué lucidez y sentido del humor desenmascara David Trueba el empeño de reunir en una idea dos conceptos imposibles, memoria e historia (...) " 

Javier Cortijo en Cinemanía escribe que "Casi todo es creíble, auténtico, soñador, honesto y franco en este notable filme (...) "

En Fotogramas Ricardo Aldarondo "Reivindica David Trueba el derecho al relato de buen rollo y la evocación del pasado, si no idílica, sí bañada en risueña melancolía. (...) "

Por su parte,  Sergi Sánchez en La Razón destaca que "Lo más sorprendente de esta «road movie» es su energía positiva, que, por desgracia, se traduce en un tono didáctico y previsible (...) el resultado se queda a medias"

Fuera de España, en  México Lucero Solórzano del  Excélsior habla de "Un cliché monumental y se pasa varias veces al terreno de la comedia dulzona con ciertos tintes de drama, pero no se le puede negar que funciona."

En Colombia  Oswaldo Osorio  en  El Colombiano "De nuevo David Trueba demuestra que es uno de los más relevantes directores de España. Esta bonita y amable película da fe de ello. Sin pirotecnias visuales o narrativas ni rebuscadas tramas."

Y  Mauricio Laurens en  El Tiempo habla de "Una discreta comedia de trazos conmovedores, con amistades fortuitas regidas por la solidaridad y un espíritu libertario capaz de afrontar intransigencias manifestadas en escuelas y hogares conservadores."

Las pocas críticas negativas que se han escrito sobre la película hacen referencia a la tendencia al costumbrismo que tiene el director.

Entre los Premios destacan los seis Premios Goya,en su XXVIII edición, incluyendo mejor película, director y actor (Cámara) y también al de Mejor actriz revelación Natalia de Molina , Mejor guion original (David Trueba) y Mejor música original (Pat Metheny) siendo nominada al Mejor diseño de vestuario Lala Huete de un total de siete nominaciones.

De las seis nominaciones en los Premios Feroz obtuvo el de mejor director y guión. aunque no consiguió el de mejor comedia.

En los Premios Platino fue nominada a mejor película iberoamericana, dirección, guión y actor (Cámara) En las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos ganó el de Mejor película , Mejor guion original David Trueba y Mejor actriz revelación Natalia de Molina siendo nominada al Mejor director , Mejor actor , Mejor fotografía para Daniel Vilar y Mejor música para Pat Metheny.

En el libro citado "Juan y John, el profesor y Lennon en Almería para siempre" escrito por el Javier Adolfo Iglesias se dice que "La genialidad de Juan como profesor de inglés todavía no ha sido reconocida. Es un pionero en la enseñanza del inglés moderno, que concebía la fonética, la pragmática y la gramática como un todo". 

Carrión Gañán era alto funcionario del Ministerio de Agricultura y abandonó este trabajo para viajar a Inglaterra, donde fue profesor de español en el Centro de Lenguas asociado a la Embajada de Londres en los años 50. "Posteriormente, le ofrecieron trabajar como profesor de español en la base militar de Tentegorra de Cartagena y en esta localidad comenzó a enseñar inglés en colegios y en su academia privada a principios de los 60", precisó Iglesias. Defiende que el profesor fue un "pionero en el uso de los recursos multimedia, el cine, las noticias de la BBC y las canciones de los Beatles" para enseñar inglés a sus alumnos. 

En declaraciones que hizo a la agencia Efe, David Trueba lamentóo la muerte de Juan Carrión, y dijo que le ha dado pena "porque nos hemos conocido muy tarde en la vida, sobre todo en la de él", aunque se ha mostrado satisfecho de "haber contribuido a que Juan estuviera feliz algunos años". "Con esta historia y otras familiares, incluso antes de conocerle, urdí el argumento de la película", rememoró Trueba. Pudo despedirse del docente después de que un allegado de Carrión le comunicase que estaba hospitalizado, por lo que viajó a Cartagena para verlo. "Lo encontré muy consciente; me dijo que le había traído mucha suerte, que le había dado unos últimos años de sensación de haber tenido una vida plena y que se alegraba mucho de que nos hubiéramos hecho amigos" declaró el director.

El propio profesor declaró en alguna ocasión, así consta en el Diario de Ávila , sobre la película que " (...)me ha gustado mucho. Me parece que es increíble que alguien se haya fijado en mí, que estoy escondido en una habitación desde hace 45 años; parece mentira que me hayan localizado aquí dentro porque yo no he ido a ningún sitio buscando a nadie."

Y prosiguió diciendo en la entrevista " Javier Cámara lo ha hecho muy bien, y además muy gracioso, él se transforma, en esta película está genial y por eso le han dado el premio merecidamente. Yo ya he visto la película dos veces y pienso volver a verla muchas más. Ante la pregunta de sí se veía bien representado en el papel que hace Javier Cámara, constestó "Sí, por supuesto, en mi mal genio, que tengo mucho..." 

Trueba dijo que Carrión "disfrutó mucho con el éxito de la película" y que para él fue un "regalo poder invitarlo a los Goya" y que estuviese sentado a su lado durante la gala de entrega de estos premios en 2014.

miércoles, 21 de marzo de 2018

El guateque


Hay películas y actores que guardó en mi memoria con mucho cariño. Son descubrimientos de un momento sobre todo cuando era joven , muy joven. Eso es lo que me ocurrió tanto con The Party o , como se llamó aquí, El guateque , como con Peter Sellers. Creo que a los dos los conocí casi antes que de conocer al actor inglés como el Inspector Clouseau en La pantera Rosa. 

Tuve la fortuna de ver esta comedia en televisión en aquella vetusta televisión en blanco y negro y con un único canal que teníamos en casa en un soporte elevado en la sala de estar que a partir de 1981 pasó a ser el cuarto de una de mis hermanas. Una comedia que me impactó tanto que quería volver a verla. 

Tras caducarme en mi nube, tuve en el día de hoy ocasión de verla, en pantalla grande y en versión original. Todo un lujo al alcance de unos pocos afortunados, los que estábamos en la sala, en la que en ocasiones estuvimos desternillados. Reconozco que no soy de comedias, pero lo de hoy es algo más que una comedia. Es la COMEDIA , con mayúsculas. Una película en la que lo gestual tiene tanto o más peso que los diálogos , en la que los gags y el slapstick tiene mucho peso. Es , para mi, una de las grandes comedias estadounidense. 

La película es del año 1968 y fue dirigida por Blake Edwards. Responde a la idea de comedia planteada en lo que viene a ser una estructura muy suelta, compuesta por medio de pequeñas piezas o sketches que duran entre uno y diez minutos aproximadamente y que permiten al actor principal, en este caso un inmenso Peter Sellers desarrolla todo su talento para la comedia con momentos de improvisación absoluta como el torpe actor indio que accidentalmente es invitado a una fastuosa cena en Hollywood y "comete terribles errores basados ​​en la ignorancia de las costumbres" . Ignorancia que es mutua en aquella década , finales de los 1960. 

Fue la primera película que Peter Sellers rodó en Hollywood. Afortunadamente Sellers contará con un Edwards al gustaba la improvisación durante el rodaje . Edwards y Sellers pudieron revisar su trabajo inmediatamente después del rodaje. Edwards tenía un sistema de TV con reproducción instantánea acoplado a una cámara, siendo uno de los primeros directores en usar esta técnica tan común hoy en día. Sellers , además lo que hizo fue sacar punta a un personaje que había ya asumido en dos ocasiones en el cine, el de personaje indio, tras La millonaria en 1960 , junto a Sofía Loren, y Dos frescos en órbita (The Road to Hong Kong), de 1962. Pero, a pesar de ello, no resultó lo cómoda que esperaban actor y productor como luego explicaré. 

Como ya he dicho el encargado de la dirección y que aparece como productor de la película es Blake Edwards que lanzó su proyecto bajo el amparo de The Mirisch Corporation y su Blake Edwards Productions, quedándose encargada de la distribución la United Artists. La película contó con un presupuesto de $ 1.5 millones que pudo recuperarse con creces en taquilla al duplicarse los ingresos en taquilla consiguiendo los $ 2,900,000. 

La película partió de una idea de Blake Edwards, que se transformó en guión gracias a Tom Waldman, Frank Waldman y el mismo Blake Edwards. Es lógico, lo que realmente apasionaba a Edwards era los guiones. De hecho lo que llenaba a Edwards era escribir. Como guionista, Edwards pasó de la radio a la televisión, que le sirvió de plataforma para alcanzar su meta, el cine. Antes de escribir guiones para cine, mientras escribía para radio y televisión empezó su acercamiento al cine de la forma que le era más fácil: como extra. Su carrera abarca 50 años. Aunque, etiquetado para la historia como "director de comedias", Edwards tocó todos los géneros y algunos de sus melodramas se han convertido en verdaderos clásicos. 

Para la música contó con un colaborador habitual del director nacido en Tuisa, Oklahoma, allá por 1922, Henry Mancini. Para la fotografía contó con Lucien Ballard y con Ralph E. Winters para el montaje.

Para el sonido contó con Robert Martin, siendo el director artístico Fernando Carrere- eso explica que muchos elementos decarativos de la casa del productor sean mexicanos-, aunque también intervienen Reg Allen y Jack Stevens .

El vestuario fue trabajo de Jack Bear, mientras que el maquillaje, aspecto importantísimo en el personaje de Peter Sellers, es de Aice Monte.

El reparto lo integran Peter Sellers como Hrundi V. Bakshi y Claudine Longet como Michele Monet. Junto a ellos Natalia Borisova como bailarina, Jean Carson como niñera, Marge Champion como Rosalind Dunphy, Al Checco como Bernard Stein, Corinne Cole como Janice Kane, Dick Crockett como Wells, Frances Davis , Danielle de Metz como Stella D'Angelo, Herb Ellis como el director, Paul Ferrara como Ronnie Smith, Steve Franken como Levinson, Kathe Green como Molly Clutterbuck, Allen Jung como cocinero, Sharron Kimberly como la princesa Helena, James Lanphier como Harry, Buddy Lester como Davey Kane, Stephen Liss como Geoffrey Clutterbuck, Gavin MacLeod como CS Divot, Jerry Martin como Bradford, Fay McKenzie como Alice Clutterbuck, J. Edward McKinley como Fred Clutterbuck, Denny Miller como "Wyoming Bill" Kelso, Elianne Nadeau como Wiggy, Thomas W. Quine como el congresista Dunphy, Timothy Scott como Gore Pontoon, Ken Wales como Subdirector, Carol Wayne como June Warren, Donald R. Frost como al batería, Helen Kleeb como la secretaria, George Winters como Cliff Hanger y Linda Gaye Scott como Starlet. Junto a ellos Vin Scully no es acreditado en la pantalla, pero su voz se puede escuchar anunciando un juego de Los Angeles Dodgers en la radio de la cocina.

La película comienza con el rodaje de una película. Se trata de una película que se desarrolla durante la época colonial británica en la india y en la misma participa un actor hindú de nombre Hrundi V. Bakshi(Peter Sellers), un patoso actor como comprobamos en tres escenas. La primera cuando , como miembro de las  tropas coloniales toca el cornetín , a pesar de ser disparado en multitud de ocasiones, pero continúa tocando incluso después de recibir un disparo y después de que el director (Herb Ellis) grita "cortar". ; la segunda cuando ataca a un rebelde con su cuchillo mostrando un buen reloj de pulsera ; y en tercer , lugar cuando poco antes de rodar la costosa escena culminante, el estallido de un fuerte colonial, ante de que las cámaras empiecen a rodar pone su pie en el detonador, estallando la fortaleza arruinando así la grabación, pues no se ha realizado, y la totalidad de la película.

Tras sus continuas meteduras de pata, es despedido del rodaje por el director y el productor y jefe del estudio, el "general" Fred R. Clutterbuck (J. Edward McKinley),  toma nota para que el actor no trabaje nunca más en Hollywood. Clutterbuck escribe el nombre de Bakshi para ponerlo en la lista negra , pero escribe inadvertidamente el nombre de Bakshi en la lista de invitados de la próxima cena de su esposa. Por lo tanto , y por error, es incluido - dada la nota- en una invitación para asistir a una sofisticada fiesta organizada por el productor de su última película.

Bakshi luego recibe su invitación y conduce su curioso vehículo motorizado a la fiesta. Al llegar a la casa de Clutterbuck, Bakshi , que se ha manchado su impecable calzado blanco, trata de limpiar el barro de su zapato en una corriente que desemboca en una gran piscina que fluye por la casa, pero pierde el zapato.

Después de muchos intentos infructuosos recupera su zapato. Tras esto, Bakshi tiene interacciones incómodas con todos en la fiesta cuando escucha un chiste no lo entiende y en la siguiente ocasión cuando un senador o congresista cuenta un asalto el cree que es un chiste y se rie, también se enemista con el perro Cookie de Clutterbuck e interactúa con un enorme guacamayo.

Eso sí, allí conoce al famoso actor de cine del Oeste "Wyoming Bill" Kelso (Denny Miller), quien le da un autógrafo a Bakshi. Bakshi luego dispara accidentalmente a Kelso con una pistola de juguete, pero Kelso no ve quién lo hizo.

Bakshi alimenta a un guacamayo enjaulado con un recipiente de comida llamado "Birdie Num Num" y accidentalmente deja caer la comida en el suelo.

Bakshi en varias ocasiones durante la película activa un panel de electrónica que controla el intercomunicador,  con ella activa la intensidad en el chorro de una réplica de la fuente del Manneken Pis (empapando a un invitado), y una barra retráctil (mientras Clutterbuck está sentado en ella).

Mientras tanto vemos como un camarero llamado Levinson ( Steve Franken ) está cada vez más borracho ya que le ofrece bebida a Bakshi, que siempre la rechaza, aprovechándose él de los vasos de bebida que éste u  otros invitados rechazan.

Después de que Kelso lastima la mano de Bakshi mientras la agita, Bakshi introduce su mano en un tazón de hielo picado que contiene caviar. Como huele a lo que huele quiere limpiarsela  por encima de todo.

Mientras espera lavarse la mano en un baño, ocupado por un hombre que ha pedido su salida del cine  conoce a la aspirante a actriz Michèle Monet (Longet), que vino con su agente ,  que resulta ser CS Divot (Gavin MacLeod), la persona que ha pedido que lo saquen de la industria del cine e incluirlo en la lista negra.

No obstante, Bakshi da la mano para salidurle a Divot, y Divot entonces se da la mano con otros invitados, pasando el olor a pescado, que incluso le huele  a Bakshi después de haber lavado su mano.
Poco después la anfitriona, la señora Clutterbuck (Kathe Green) llama a todos a la cena.

Como hay un invitado de más se busca inicialmente un desplazamiento colectivo, pero después se le da un pequeño taburete a Bakshi para la cena justo al lado de la puerta de la cocina.

Como tiene una silla muy baja  pone su barbilla cerca de la mesa. Lo cierto es que el camarero cada vez más borracho ,  Levinson ( Steve Franken ), trata de servir la cena (ensalada que pone en los platos con sus propias manos, sopa,...) y la bebida, pero dado su  estado cada plato es más catastrófico. Eso le lleva a pelearse en la cocina con el jefe de la misma y casi con el resto del personal.

Durante el plato principal, Pichón de Cornualles asada, Bakshi  en una posición incómoda lo catapulta accidentalmente con su tenedor y lo empala en la tiara de una invitada rubia que lleva un postizo.

Viendo lo ocurrido Bakshi le pide a Levinson que recupere su comida, pero la peluca de la mujer se suelta junto con su tiara, mientras ella conversa sin darse cuenta.

Tras dejar pichón y peluca en el plato de Bakshi como si nada , tras lo ocurrido Levinson termina peleándose con otros camareros y la cena se interrumpe.

Bakshi se disculpa con sus anfitriones. Tras ello tiene la necesidad urgente de ir al baño. En un primer momento trata de entrar en uno, pero está ocupado por las chicas. Tras eso sale fuera abriendo sin querer lo "periquitos" exteriores. Tras mojarse al completo deambula por la casa, abre las puertas y encuentra a varios sirvientes (unos fumando y el jefe del servicio exhibiéndose ante el espejo)  así como algunos invitados en situaciones embarazosas.

Luego no tiene más remedio que pararse a escuchar , aprovechando que la orquesta ha parado , a la actriz francesa y encantadora que le ha hecho más caso durante la cena que ante la insistencia de Divot, ofrece una actuación de guitarra improvisada de "Nothing to Lose" para impresionar a los invitados.

Tras aguantar como puede, Bakshi sube las escaleras, y encuentra en una habitación a Monet que intenta escaparse de las insinuaciones sexuales no deseadas por su parte procedentes de Divot. Incluso durante la misma levanta el tupé de Divot.

Bakshi, finalmente, tras entrar en el cuarto del hijo del invitado y escuchando las voces de su intransigente institutriz  encuentra un baño, pero tras miccionar , tira de la cisterna. Como ve que sale mucha intenta pararla; al intentar arreglar el agua del inodoro, lo rompe cayendo parte del sanitario a la planta baja y sin querer deja caer una pintura en el interior del mismo. Como se ha mojado coge papel higiénico que se descarga en su totalidad y al querer ocultar todo lo que ha salido, inunda el baño.

Para evitar ser descubierto, Bakshi se escabulle en el techo y cae a la piscina. Como no sabe nadar, Monet salta para salvarlo, pero luego para reanimarlo le obligan a beber alcohol para calentarse.

Bakshi que no está acostumbrado al alcohol, y al que le han puesto un albornoz de rizo rojo, encuentra a Monet llorando en la habitación contigua y la consuela. Divot irrumpe y exige que Monet se vaya con él. Monet dice que no, y Divot le cancela la prueba de cámara que tenía concertada para el día siguiente.

Bakshi la consuela y le convence para quedarse y pasar un buen rato con él. Regresan a la fiesta vestidos con ropa prestada cuando llega un grupo de baile ruso que había sido contratada por la mujer de un productor cada vez más desquiciado.

La fiesta se vuelve más salvaje, y Bakshi ofrece retraer la barra para que haya más espacio para bailar. En cambio, él accidentalmente abre un piso retráctil de la piscina, por lo que muchos invitados caen a la piscina.

Levinson, ya totalmente borracho,  hace que se retraigan más plantas y caen más invitados estando la mayoría en el agua.

En esto que llega a la hija de Clutterbuck y no va sola. Va con sus amigos y con un bebé elefante pintado con "The World is Flat" en su frente y eslóganes hippies de vivos colores sobre el resto del cuerpo. Bakshi se ofende y les pide que laven al elefante. Toda la casa pronto se llena de burbujas de jabón de la limpieza.

Por su parte, Divot, ya en su casa y acostado,  de repente se da cuenta de que Bakshi es el actor despedido que voló el set, y vuelve corriendo a la fiesta.

Mientras la banda toca, Clutterbuck intenta salvar sus pinturas cubiertas de espuma, salvo la de su mujer. El aire acondicionado lleva la espuma por todas partes mientras los invitados bailan con música psicodélica , y la esposa angustiada de Clutterbuck cae en la piscina tres veces; dos veces desde un balcón superior y una vez desde el nivel principal.

Divot es parado por la policía y por gente del departamento de bomberos en la entrada a la casa ya que trabajan para resolverlo todo. Bakshi se disculpa una vez más con Clutterbuck cuando Divot revela quién es Bakshi, pero Clutterbuck estrangula accidentalmente al maitre en lugar de a Bakshi.

Por su parte, ya en la hora de las despedidas Kelso le da a Bakshi una foto autografiada y un sombrero Stetson mientras Bakshi y Monet se van en Bakshi, un Morgan de tres ruedas y dos plazas.

Con él recorren la ciudad. Bakshi lleva a la chica hasta el apartamento de ella y ambos, Bakshi y Monet, parecen estar a punto de admitir que se han enamorado el uno del otro.

Bakshi le da a Monet el sombrero como recuerdo, y ella dice que puede venir a buscarlo en cualquier momento. Bakshi sugiere que él puede ir la próxima semana, y ella está de acuerdo. Bakshi sonríe y se marcha mientras su auto falla acabando así la película.

La película comenzó de forma muy básica.  El guión original tenía solo 63 páginas. El mismo había partido de una idea de Edwards quien dijo que era el guión más corto que había filmado, y la mayoría del contenido de la película se improvisó en el set.

La película fue rodada entre mayo y diciembre de 1967. Los interiores de la película fue filmado en los Samuel Goldwyn Studios en Formosa , en el 7200 de Santa Monica Boulevard, en el West Hollywood como la dirección correcta, probablemente como otras producciones de Mirisch, incluyendo "West Side Story" también fueron filmadas allí , aunque en algunas fuentes hablan de un Set en de la MGM en Culver City..

También se rodó en  Poinsettia Place, de Los Angeles, donde estaba el complejo de Apartamentos de Michele Monet.

La filmación no fue fácil ya que la relación entre el director y el protagonista principal fue particularmente tensa . Tanto es así que Peter Sellers y Blake Edwards decidieron no volver a trabajar juntos por varios años. Fue la única vez que realizaron una película en equipo que no perteneció a la saga de La pantera rosa.

The party o El guateque es hoy una película de culto de comedia clásica . Los biógrafos de Blake Edwards , Peter Lehman y William Luhr dijeron: " El guateque puede ser una de las películas más radicalmente experimentales en la historia de Hollywood, de hecho, puede ser la película más radical desde que llegó el estilo de DW Griffith a  dominar el cine estadounidense ".

El historiador cinematográfico Saul Austerlitz escribió: "A pesar de la ofensiva de la rutina de rostro moreno de Sellers , The Party es una de sus mejores películas ... Tomando una página de Tati , esto es una neorrealista comedia, a propósito carente de un ojo guía de un director: mira aquí, mira allí. La pantalla está abarrotada de actividad y los ojos de la audiencia se dejan vagar donde pueden ".

Henry Mancini y Don Black compusieron las canciones Nothing to Lose y The Party para la película.   La partitura de The Party fue compuesta por Henry Mancini , incluida la canción " Nothing to Lose ". Mancini, comentando las reacciones de la audiencia, señaló: "Eso es lo que obtengo por escribir una buena canción para una comedia. Nadie va a escuchar una nota". Durante una escena posterior de la película, se puede escuchar a la banda tocando " It Had Better Be Be Tonight ", que fue una canción compuesta por Mancini para la primera película de Pink Panther y que escuchamos mientras Peter Sellers destroza el baño de arriba.

El productor Walter Mirisch consideraba que Sellers y Edwards se consideraban difíciles por distintas razones. En su autobiografía, Mirisch escribió, "Blake había logrado una reputación como un director muy costoso, particularmente después de The Great Race ".


Para su idea la película se inspira mucho en las obras de Jacques Tati. Hay muchas referencias a Titi en esta película.  Bakshi llega a la fiesta en un Morgan de tres ruedas que recuerda el de Monsieur Hulot de la película Las Vacaciones de monsieur Hulot. El auto de Bakshi es un Morgan Sports Model, construido entre 1932-1939 y  tiene un volante a la derecha como todos los vehículos del Reino Unido.

Toda la historia de la película recuerda a la secuencia del restaurante Royal Garden de Playtime ; y la interacción cómica con objetos y artilugios inanimados es similar a varias de las películas de Tati, especialmente Mon Oncle .

La película fue lanzada el 4 de abril de 1968, el mismo día del asesinato del Dr. Martin Luther King, Jr. Debido a que King recibió un disparo aproximadamente a las 6 pm  muchos de los que asistieron a la noche inaugural  no estaban al tanto de la tragedia mientras veían esta comedia.

En la película hay mucho de improvisación , muy al gusta de los Sketches. No olvidemos que la película fue improvisada a partir de un esquema de 56 páginas. Cada escena fue filmada en secuencia y construida sobre la escena anterior. Para ayudar en este experimento, los productores de la película tenían un tubo de cámara de video conectado a la cámara Panavision y conectado a una máquina de cinta de video de Ampex, permitiendo a los actores y la tripulación revisar lo que acababan de filmar.

El productor asociado Ken Wales estuvo a punto de ahogarse durante la filmación, después de que el doble de acción Dick Crockett lo empujara a la piscina llena de espuma como una broma. Nadie le había dicho a ninguno de los hombres que la espuma estaba diseñada para ser utilizada por bomberos, y absorbía oxígeno para ayudar a apagar incendios, lo que significaba que Wales no podía respirar incluso cuando estaba sobre el agua, y tuvo que ser rescatado por un par de tramoyistas.

El diseñador de producción Fernando Carrere reutilizó la chimenea que había diseñado para La pantera rosa (1963) en esta película. El interior de la mansión era un conjunto interior masivo construido en "The Lot" Studio, ubicado en 1041 N. Formosa Avenue en West Hollywood, California.

Blake Edwards , como director, siempre se había destacado que, por su experiencia previa como actor, dejaba mucho margen de acción a los actores. De hecho, esperaba a ubicar definitivamente las cámaras hasta después de los ensayos en el set de rodaje creando un filme dedicado a las alegrías liberadoras del desorden.

Hay alguna referencia a la Pantera Rosa, visible en la escena ambientada en el dormitorio del niño, se puede ver una Pantera Rosa  sentada en la cómoda. Blake Edwards y Peter Sellers ya habían colaborado en 2 películas de Pink Panther en esta etapa y llegaron a hacer 4 más juntos.

La difunta Primera Ministra india, Indira Gandhi, era muy aficionada a repetir la frase de Bakshi: "En India, no pensamos quiénes somos, ¡ sabemos quiénes somos!" , la respuesta del personaje a un hostil "¿quién te crees que eres?"

Para la crítica de la época señaló que estábamos ante una "Gran comedia, planteada como un puro entretenimiento, en la que se suceden los gags; las revisiones incluso la benefician. (...) El extra y el camarero borrachín son personajes memorables",   logrando una comedia absurda y genial que roza la perfección y renueva profunda y definitivamente el género.

Señalaba en 1969 Miguel Marías en Nuestro Cine, nº 83, lo siguiente: "... Cualquiera (...) estará en
coniciones de percibir en The Party unas profundas relaciones entre el admirable y menospreciado film de Jacques Tati, Play Tome (1967), y esta película. En efecto, el esquema básico y el desarrollo de ambos filmes es prácticamente el mismo...La primera parte tiene una cierta tendencia a la monocromía, hay poos personajes y pocos movimientos; poco a pocos éstos y el colorido van aumentando para acabar en una euforia colectiva, en un ambiente de destrucción y locura alegre...Te party de Blake Edwardses su mejor película desde la Pantera Rosa, y significa en cierta medida un regreso al humor de Operación Pacífico, muchos más elegante y fino (pese a ser con frecuencia delirante) y , sobre todo, más concreto y "humano"...entendiendo como humano no se limiten a ser entidades mecánicas, desprovistas de personalidad y sentimientos, y por tanto incapaces de establecer relaciones entre sí a un nivel que no sea puramente plástico y cómico...

(...) La afluencia de invitados , un camarero vagamente keatoniano que se va emborrachando poco a poco invitados, la intrusión de los jóvenes amigos de la hija del anfitrión y su elefante se entrecruzan habilmente con la simpatía experimentan Hrundi y Michèle Monet, la aspirante a actriz(...). Estas relaciones dan lugar...a una serie de escenas sentimentales en la mejor tradición de Edwards (Desayuno con diamantes, Dias de vino y rosas, ...) en ningún momento   utilizadas como fácil contrapunto al creciente caos  de la fiesta que culmina con la aparición del ballet ruso y el lavado del elefante en la piscina de la casa, con la consiguiente invasión de ésta de nubes de espuma de detergente (...).

La utilización de que Edwads hace de los decorados móviles, del color y de la música (casi constante: al prinipio del film llega una pequeña orquesta que ya no dejará de tocas) es tan sólo superada por la precisión de la planificación y el rigor de los movimientos de encuadre(...) muy lejos por fortuna del desorden y la confusión (...) En El guateque encontramos casi una antología en la forma de los gags de destrucción, movimiento, de rebelión de los objetos, de apariencias engañosas (...) todo ello sin salirnos del repertorio clásico. Porque la característica más sobresaliente de de El guateque es la de su absoltuto tradicionalismo, patente en numerosas alusiones a la escuela cómica muda (...). Por eso resulta inevitable pensar como hubiera sido El guateque si Jerry Lewis lo hubiera interpretado , y no digamos dirigido".

En su crítica publicada en abril de 1969 decía el gran Rogert Ebert que "Peter Sellers está de vuelta en el trabajo una vez más. Quizás la nostalgia está en orden. Hasta hace unos años, Sellers era el comediante más divertido de las películas. Resultó en una serie de espléndidas comedias británicas e incluso después de llegar a Hollywood se mantuvo gracioso. De todos modos, Sellers comenzó a flojear. Casi podrías predecir una nueva película de Sellers. El punto más bajo en su autocomplacencia vino en " Casino Royale " (1967) (...) Por todo esto es una razón por la cual "The Party" es tan agradable. Sellers funciona , desarrolla un personaje y lo interpreta, para bien o para mal, durante toda la película. Sin cambios de vestuario ni trajes. (...) La locura se intensifica gradualmente, pero durante los primeros dos tercios de la película los eventos permanecen dolorosamente cerca de la vida.Edwards dirige con economía la mayor parte del camino, pero cuando la sala de estar se llena de jabones y el elefante, no puede evitar demorarse en la costosa escena que ha producido. (...)Pero el caos debe tomarse con moderación.

Para concluir destacar que estamos ante una comedia auténtica, magníficamente coreografiada en la que destaca el papel amable, sonriente, respetuoso , torpe, cándido y tímido del inolvidable personaje creado por Peter Sellers , un actor que no pudo evitar ser bueno y bondadoso con su criatura. Una película de sonrisa más que de carcajada, aunque con momentos de carcajadas por encima de la sonrisa. En definitiva, una película de la que sales con una sonrisa. ¿Hay mayor mérito en una comedia?


Truman


Hoy, cuando escribía esta entrada,  me he enterado de la muerte de alguien al que apreciaba enormemente. Ha sido durante cuatro años tutor de dos de mis hijos. Profesional competente, entregado, coherente y valiente como pocos, ha tenido una enfermedad corta, pero muy agresiva.

Durante años ha sido jefe de estudios del centro de mis hijos, coincidiendo su mandato con el mismo , en el mismo desempeño de funciones, pero en otro centro. Durante su cargo, compatibilizó la jefatura con la tutoría mostrándose tan firme como humano en el desarrollo de su trabajo. 

Lo conocí , años antes, cuando estaba como representante de padres y madres en el Consejo escolar del centro. Mi primer encuentro con él, no fue del todo grato. Yo, como integrante del Consejo Escolar,  defendía la postura del AMPA de no adscribir a ninguno de nuestros /as hijos/as a un nuevo IES que se había levantado en las proximidades del centro escolar. Tradiionalmente, estaban nuestros chicos/as adscritos a otro mucho más cercano, asentado en el barrio con una plantilla más estable y con unos criterios académicos y educativos no del todo satisfactorios, pero sí definidos. El nuevo era no sólo una incógnita, sino que había sido levantado en las cercanías del anterior , siendo alejado del espacio que le correspondía por la acción contundente de sus AMPAS que querían alejarlo de una barriada algo marginal , que era el lugar que, en principio, le correspondía. 

Para justificar el traslado del IES , ya digo motivado por la presión de las AMPAS de los centros escolares de la zona, que intentaban alegar a esa población más o menos conflictiva, la propuesta de la administración educativa fue trasladar el problema tres kilómetros. En su traslado dificultaban desde mi óptica el acceso a la educación de los chicos más complicados de aquella barriada, ya que , sin duda alguna, la lejanía del centro auspiciaría - sospechaba- un mayor grado de absentismo ; pero para justificar sus plazas la administración educativa decidió establecer   unos nuevos criterios de adscripción. Consistía en sacar un porcentaje de alumnos/as  de diversos centros de Primaria para constituir un alumnado suficiente para matricular en la ESO. 

Como la responsabilidad del error sólo cabía a la administración educativa, yo defendí vehementemente la pésima gestión de la misma y la injusticia de pagar los errores de ella con la formación de nuestr@s alumn@s. La réplica defendiendo la postura de la administración me la dio él con la misma vehemencia y la misma corrección empleada por mi parte.

A la salida del Consejo Escolar nos quedamos hablando y así continuamos desde ese día - más aún cuando se adjudicó la tutoría de mis hijos o durante sus muchos años de mandato como Jefe de Estudios- hasta el día en que me informaron que estaba de baja, allá por los primeros días de diciembre. La información que me llegó me alarmó y desde entonces cada información ha ido a peor hasta el trágico día de hoy.

Todavía, mientras escribo estas letras, días después de ver Truman , la película de la que voy a comentar algo, no le he dicho nada al mayor de mis hijos. Se que le dolerá. Todos los años , y ya han pasado seis desde que salió de su Colegio ha ido a saludar a su tutor los primeros días de clase en septiembre. Ya no le podrá contar sus éxitos o sus inquietudes estudiantes, ni le preguntarán cómo son sus nuevos alumnos. Es una pena.

Sin embargo, y por eso viene a esta entrada también recordaré como todos los martes desde el año 2016 nos encontrábamos a eso de la nueve de la noche. Yo, saliendo de la Filmoteca, él regresando de casa de su madre. Por mi parte, le comentaba la película que acababa de ver o hablándome de mis hijos y sus estudios, y el , por la suya, contando lo mismo sobre los suyos  y últimamente, los meses que le quedaban para jubilarse. Siete es posible que me dijera la última vez. 

Se que sus últimos momentos no han sido satisfactorios. El tratamiento no ha dado sus frutos. La directora del centro me contaba este miércoles que tenían que cambiarlo pues la última información es que no había dado resultado. Hoy se que ni ese, ni ya ninguno.

En ocasiones me he planteado si las personas de mi edad o de la suya - no había tanta diferencia-  estamos preparados  para la muerte. Siempre me asalta esa duda a la que no soy capaz de encontrar respuesta.  Hay personas que aparentemente sí. 

Y esto es lo que parece presentarnos Cesc Gay en su Truman , una película hispanoargentina  del año 2015 coescrita y dirigida por Cesc Gay y producida por Diego Dubcovsky por medio de  BD Cine, Imposible Films, Kramer & Sigman Films (o K&S Films) ,  Telefe  y TVE . La película contó con un presupuesto de $3 800 000 . 

Como ya he dicho Gay participó en el guión junto a Tomàs Aragay . La música fue labor de Nico Cota y Toti Soler . El maquillaje correspondió a Sergio Pérez y Karol Tornaria , la fotografía a Andreu Rebés y el montaje a  Pablo Barbieri.

Los protagonistas son  Ricardo Darín como Julián , Javier Cámara como Tomás , Dolores Fonzi como  Paula,  Eduard Fernández como Luis  , amigo de Julián , Silvia Abascal como  Mónica la novia de éste,  Àlex Brendemühl como el veterinario,  Pedro Casablanc como el Oncólogo, José Luis Gómez como el productor,  Javier Gutiérrez como el asesor de la funeraria,  Elvira Mínguez como Gloria , a ex de Julián, Oriol Pla como Nico , Nathalie Poza como una de las mujeres,  Àgata Roca ... como otra mujer, Susi Sánchez .como la mujer de la adopción del perro , Francesc Orella como el actor que encuentra en el restaurante y Ana Gracia como la mujer de éste. 

La historia comienza en Canadá , país en el que reside Tomás ( Javier Cámara) junto a su mujer y sus dos hijos y en el que trabaja como profesor Tomás. 

Tras tomar un taxi se dirige al aeropuerto para tomar un vuelo para Madrid. Poco después arriba a Madrid y se instala  en un hotel del centro de la ciudad.  Tras salir el mismo se dirige a una casa cercana. Llama a la puerta y le abre un amigo de alma, un actor argentino con el que convivió en su juventud, Julián (Ricardo Darín) que vive sólo con su perro en un piso del centro de Madrid.

Tras saludarse efusivamente dado que hace tiempo que no se ven. Julián cae en la cuenta de que Tomás  ha venido tras hablar con la prima de este Paula (Dolores Fonzi) para que le convenza de que reinicia un tratamiento contra la enfermedad que está acabando con su vida. Julián, sensiblemente molesto, le dice que se vaya, ya que él conscientemente ha tomado la decisión de dejar que la naturaleza siga su curso y ponga fin a su vida en breve plazo. 

Tomás, a pesar del reparo inicial, accede a acompañar a Julián en estos cuatro días que ha de pasar en Madrid. Ahora han de recordar y sentir la vivencias que han compartido en dos amigos tras el reencuentro. 

Julián le pide que a Tomás que saque al animal al Parque. Allí a Tomás se le acerca una chica con "María" para Julián. Tomás paga los 50 euros de la bolsa. 

Lo prioritario para Julián es poner orden en su vida y sobre todo ver como dejar en buena situación a los que considera sus dos hijos, el real y humano, y su perro: "Truman".

Como Julián está frito de dinero , Tomás responderá durante estos días de todos los gastos que surjan durante su estancia. 

Por lo pronto, Julián decide ir al veterinario para saber como le afectará la pérdida a su perro y el veterinario (Àlex Brendemühl ) le da algunas directrices sobre lo que le ocurrirá al animal , algo que le preocupa a su dueño. 

Tras tomar un taxi visitan juntos al oncólogo (Pedro Casablanc). Realmente Julián va a despedirse del mismo, ya que le anuncia su decisión de dejar el tratamiento. El médico lo intenta , pero al no poderle garantizar una curación Julián le pide que le de las mejores condiciones para morir.  

Tras esto los dos amigos van a visitar a alguna de las familias que han optado por aceptar a Truman. Entre los que han llamado a una formada por dus mujeres que han adoptado a un niño ruso y que aparentemente parecen idóneas. Viven en una casa amplia, con jardín, tienen un hijo adoptado - que en ese momento no está en la casa- y que desea tener compañía. Con muchas dudas, Julián deja al perro en la vivienda.

Después van a comer , durante la comida hablan de lo que se avecina, así como de la sensación de despedida que tiene Julián, algo que Tomás escucha con dolor. Se confirma todo ello cuando el argentino ve que acaba de entrar una pareja formada por un actor y una actriz que hacen que no lo ven. Julián es consciente de que sí lo han visto y marcha a saludarles. Ellos (  Francesc Orella y Ana Gracia ) disimulan , pero , finalmente. fluye la verdad.

Esa tarde se incorpora al duo la prima de Julián, Paula (Dolores Fonzi) que va junto a su primo y su amigo a salir con ellos. Esa noche Julián ha de trabajar en el teatro. Está representando las Amistades Peligrosas. A la actuación va Tomás y está acompañado por la prima Paula que agradece a Tomás su largo viaje. Mientras disfrutan de la obra teatral se ve que ambos están igualmente perturbados por las noticias pero Julián no trasmite la intención de dejarse de Julián.

Tras la función , el productor de la misma (  José Luis Gómez ) va al camerino y le dice que acaba de enterarse de la enfermedad , tras hablarle de la profesionalidad y de cómo debía de haber informado de la misma, le informa que en breve plazo entrará otro actor para sustituirle. Julián y Tomás se quedan fríos, acaban de despedirlo.

Esa noche Tomás se queda con Julián al no querer dormir solo. A la maña siguiente, Julián comenta que ese día es el cumpleaños de su hijo y Tomás propone ir a comer junto a él. Sin embargo, no sabe que ahora su hijo de 21 años está estudiando en Amsterdam. Así que le propone ir a comer con él a la ciudad de los canales. A Tomás le parece una locura....pero en la siguiente escena ambos están en el avión. Mientras vuelan Tomás le pregunta si su hijo lo sabe o si tiene intención de decirle que ha abandonado la medicación. Sin embargo, lo que más molesta  Tomás es que el Julián realmente no sabe si el chico está en la ciudad o no.

Al llegar a la casa barco, un compañero con el que convive le dice que sí, pero que está en clase. Ellos marchan a buscarlo y a la salida de la misma se encuentran padre e hijo. El encuentro parece frío ya que el chico ha quedado con su novía, una francesa, para comer y estudiar; pero , tras pensárselo, le dice que sí.

Antes de la llegada de ella, sale la conversación sobre la salud y él  le dice que  está muy bien. Teas eso conoce a la chica y tienen una buena comida. Tras terminar se despide, dándole el chico un fortísimo abrazo que hace llorar al padre.

Tras retornar a Madrid Julián decide no ir a trabajar. A la mañana siguiente Tomás ve a Julián dolido. la familia no acogerá a su perro, pues el niño piensa que va a sufrir debido a que el perro es muy mayor y se morirá pronto. Julián , además, está molesto por la comida que le han proporcionado.

De cualquier manera tiene concertado una cita con otra posible madre adoptiva del animal. Una señora que , en principio parece adecuada, pero que a Tomás le parece impresentable dados sus comentarios racistas con el camarero y clasistas.

Tras salir de allí, ambos van a comer y en el bar coincide con un viejo amigo y su nueva pareja con el que tuvo problema ya que se acotó con su mujer. El amigo, Luis (Eduard Fernández) se careca ara despedirse de él dando a entender que está al tanto de su enfermedad. Julián , algo cortado , antes de salir del local, se acerca a pedirle perdón. Luis le dice que no tiene por qué, ya que tras la ruptura con su mujer ha conocido a su nueva compañero Mónica (Silvia Abascal) con la que va a tener un hijo.

Esa noche salen los dos amigos con la prima de Julián y otra amiga. Se divierten en un irlandés y a la salida del mismo se ve que Tomás y Paula tienen muy buenas sensaciones, pero él la deja esa noche en casa.

A día siguiente  y tras pasar todo el día hablando de lo  compleja que resulta la vida, entra en una farmacia , quedándose Tomás con el animal en la calle. Mientras está allí, pasa  Gloria (Elvira Mínguez) la ex de Julián, que , tras hablar de que han estado comiendo con su hijo en la ciudad neerlandesa, le comenta a ambos que ella había hablado con su hijo sobre la decisión tomada por su padre lo que explica su despedida.

Esa noche, la víspera de la salida de Tomás rumbo a Canadá tendrá lugar una cena en la casa de Julián, durante la misma sale a relucir que el actor ha abandonado el tratamiento , lo que cabrea a su primo. Esta acusa a Tomás de haber ayudado en lo que ambos habían acordado , así que molesta ella se marcha de la casa.

Poco después deja a su amigo con su perro, pero en el portal se reencuentra con Paula que ha regresado por el móvil. Tras explicarse y viendo que es su último noche, Paula y Julián marcha n al hotel y pasan una noche apasionada.

A la mañana siguiente , cuando Julián sale a pasear al perro descubre el coche de su prima frente a su portal y deduce con quién ha pasado la noche, así que va a desayunar al hotel junto a ellos. Los tres van al aeropuerto para despedirse. Tomás abraza y besa a Paula y al despedirse de Julián , éste le explica que lo que tiene que comer el perro, cómo ha de pasearlo y , como los papeles de la aceptación de entrada de animales en Canadá está ya en regla. Entrega a Truman a su amigo y éste se lo lleva, con la marcha de Tomás con el animal acaba la película.  

La película fue entre octubre y diciembre de 2014 , principalmente en Madrid, pero también en Amsterdam, Barcelona, y Winnipeg, en el territorio de Manitoba, en Canadá.

Después de la proyección que fue "Première"   el director , Cesc Gay , reveló que el perro que interpretó a Truman , un Bullmastiff , de nombre Troilo, murió unos meses después de la filmación debido a causas naturales.

Después de su muerte, Ricardo Darin asistió a algunas presentaciones sobre la alfombra roja con una de las hijas de Troilo.

La película fue recibida con grandes elogios por parte de la crítica así como las interpretaciones de ambos protagonistas.

Para el crítico critico  Carlos Boyero, en El País, resaltaba que «aunque lo que narra es trágico, el director no renuncia a provocarnos la sonrisa, al tono agridulce, a momentos de comedia, al humor cáustico. Su forma de contar la historia es precisa, sugerente, elegante, sutil y compleja». Boyero describió la interpretación de Darín como «un recital inolvidable».

En Fotogramas, la película es calificada como lo que es «una película amable, que encantará al público por evitar inteligentemente el dramón, y apostar por la emoción y la ternura».

Beatriz Martínez  de El Periódico, constata que «Ricardo Darín y Javier Cámara bordan su trabajo en una película sutil y alejada del sentimentalismo fácil».

Para Oti Rodríguez en el ABC resalta a Darín como «el espectáculo en sí mismo en el despliegue de verbo, de gesto, carisma, humor, sarcasmo, emoción» y Cámara «componiendo su sutilísimo y gran personaje, sin verbo y sin apenas gesto y carisma».

Para Luis Bonet, de La Vanguardia,   «Truman parecía tener abierta la puertas al drama lacrimógeno, pero sus inteligentes toques de comedia convierten la risa en un detonante de sentimientos ocultos»

En el extranjero, también recibió críticas positivas. Indiewire afirmó que «gracias a su enfoque adulto y honesto en un tema tan sombrío y la enorme química entre sus dos protagonistas, 'Truman' están a pasos agigantados de las recientes películas americanas que convierten un asunto serio como el cáncer en algo intolerablemente extravangante».

Para Jonathan Holland del The Hollywood Reporter, 'Truman' es «una entrañable película sobre el morir, gratificantemente sobria». Y añade sobre el personaje de Dolores Fonzi que es  «un buen trabajo como la hermana frustada y protectora de su hermano Julián».

La película obtuvo una recaudación interesante de $9 027 600 así como un importante reconocimiento.

En 2015, en la edición 63° del Festival de San Sebastián, el film recibió la Concha de Plata al Mejor actor exaequo para Ricardo Darín y Javier Cámara  y el  Premio de Zinemaldia.

En la 30.ª edición de los Premios Goya  consiguió el premio a la Mejor película y a la Mejor dirección para Cesc Gay , aunque también para  Ricardo Darín a la  Mejor interpretación masculina y a la de reparto para Javier Cámara .

También ganó el Goya al Mejor guión original para el trabajo conjunto de Cesc Gay y Tomás Aragay, siendo nominado al Mejor montaje Pablo Barbieri

En los Premios Feroz obtuvo tanto premios como nominaciones. Entre estas últimas el de Mejor película dramática , Mejor dirección y nominaciones para Javier Cámara  y Dolores Fonzi . Los premios fueron para Darín y al Mejor guion de Cesc Gay Tomás Aragay .

En la 8.ª edición de los Premios Gaudí ganó el Premio a la Mejor película en lengua no catalana , a la  Mejor dirección en la persona de Cesc Gay, Mejor protagonista masculino (Ricardo Darín), Mejor actor secundario (Javier Cámara), Mejor actriz secundaria (Dolores Fonzi) y Mejor guión (Cesc Gay y Tomás Aragay) siendo nominado a la mejor dirección de producción para Isidro Terraza , la Mejor dirección artística (Irene Montcada) , Mejor música original (Nico Cota), Mejor fotografía (Andreu Rebés) y Mejor sonido (Jesica Suárez y Albert Gay).

En 21.ª edición Premio Cinematográfico José María Forqué triunfó como Mejor película, Mejor interpretación masculina con Ricardo Darín y nominaciones para Javier Cámara .

En la  71.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue reconocida como Mejor película , Mejor dirección , Mejor actor (Ricardo Darín), Mejor actor secundario (Javier Cámara) y Mejor guion original (Cesc Gay y Tomás Aragay).

En los Premios Fotogramas de Plata fue la Mejor película española y la Mejor película española según los lectores, nominado eal premio al Mejor actor de cine (Javier Cámara).

En la  60 edición de los Premios Sant Jordi de Cinematografía obtuvo la Rosa de Sant Jordi a la mejor película española .

En los  Premios Platino en su tercera edición que  tuvo lugar el 24 de julio de 2016 consiguió una nominación a la Mejor Película Iberoamericana, al  Mejor Director (Cesc Gay) , a la Mejor Interpretación Masculina para Ricardo Darín Nal igual que a la mejor Interpretación Masculina para Javier Cámara y mejor guión. también en el exterior fue nominada por la Asociación belga de críticos de cine a su Gran Premio. Se quedó en eso, nominada.

Una película emotiva, intimista, amable, bien interpretada, casi con cariño por parte del trío principal,  y a pesar de lo durísimo del  tema de la muerte, la preparación para la misma y el duelo consiguiente. Una película creíble y sensible que coloca la humaniza la muerte y huye de la idea de tragedia, aunque sea siempre algo trágico. Muy recomendable y , especialmente dedicada a mi amigo, un gran maestro Rafael, Don Rafael.