Hirohito

No existen películas menores, pero si algunos que tuvieron menos repercusión o pasaron por las salas casi de puntillas, al menos, con zapatillas de paño. Esta creo que fue una de ellas, pues yo nunca había oído hablar de Emperor , una película del año 2012 realizada coproducida entre los americanos y japoneses, dirigida por Peter Webber, siendo esta su primera película en cinco años. tras haber debutado en 2001 con La joven de la Perla (Girl with a Pear Earring) y Hannibal Rising en 2007, una película que pasó sin pena ni gloria. Y hasta 2012 con Emperador no regresó. 

La película trata sobre el papel del Emperador japonés Hirohito, el que fuese el 124.º y penúltimo de los emperadores de Japón que detentó este título desde 1926 hasta su fallecimiento en enero de 1989. Subió al trono tras la muerte de su padre Yoshihito. Tras su fallecimiento, y de acuerdo a la tradición japonesa, su nombre póstumo es el emperador Shōwa. El actual es su hijo, Akihito. Recuerdo haber tenido una conversación sobre el mismo en ese que fue mi último año en la carrera hace ya 27 años. Recuerdo que France, mi querida France Firmin. tenía una opinión terrible sobre el mismo y que opinaba que tendría que haber sido depuesto tras la derrota japonesa frente a los Estados Unidos.  

Esta película explica efectivamente esa razón. además de centrarse en los sucesos acontecidos nada más rendirse Japón el día 2 de Septiembre de 1945 en la II Guerra Mundial, trufada con historia de amor que nos permite ver la posición del protagonista, un vencedor que entiende, comprende  y respeta a los vencidos. 

La película fue producida por Russ Krasnoff , Gary Foster , Yoko Narahashi  y Eugene Nomura para las productoras Krasnoff Foster Productions, Fellers Film y United Performers Studio y siendo distribuida por Roadside Attractions, Lionsgate y Shochiku Company. Consiguió una taquilla cercana a los 15 millones de dólares. 

Para realizarla el director sigue el guión de David Klassy  Vera Blasi basado a su vez en la obra His Majesty's Salvation o La Salvación de su majestad. La película contó con la música de Alex Heffes , la fotografía de Stuart Dryburgh y el montaje de Chris Plummer 

Los protagonistas son Tommy Lee Jones y Matthew Fox en los papeles principales como el general Douglas MacArthur y el general de brigada Bonner Fellers , respectivamente. Junto a ellos aparecen Eriko Hatsune como Aya Shimada, Toshiyuki Nishida como el general Kajima, Masatoshi Nakamura como el Príncipe Fumimaro Konoe , ex primer ministro, Kaori Momoi como la señora Kajima, Colin Moy como el general Richter, Masayoshi Haneda como Takahashi, Takatarō Kataoka como emperador Hirohito, Masato Ibu como Koichi Kido , Señor Guardián del Sello Privado, Isao Natsuyagi como Teizaburō Sekiya, miembro del Consejo Privado, Shōhei Hino como el general Hideki Tojo , el ex primer ministro y señalado responsable de la guerra. 

La historia comienza una vez terminada la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), cuando la narración se inicia con un viaje en avión. La plana mayor del ejército encargado de dirigir la transición japonesa se traslada al país oriental.  El general Douglas MacArthur (Tommy Lee Jones) y un colega en el generalato Bonner Fellers (Matthew Fox) asumen el control de la situación de un país devastado pero todavía con el emperador japonés Hirohito como jefe del estado. Fellers abre un portafolio en el que vemos una foto de una mujer. 

El general de brigada Bonner Fellers y MacArthur van como parte de la fuerza de ocupación . Él tiene la tarea de detener a japoneses criminales de guerra , entre ellos el primer ministro Hideki Tojo . Para la realización de su labor contará con Takahashi (Masayoshi Haneda), un intérprete japonés que está a su entera disposición. 

Antes de partir, Fellers ordena en privado a Takahashi, que busque a su novia japonesa, Aya Shimada (Eriko Hatsune), y comenzamos así algunos flashbacks que nos llevan a esta historia de amor rota por la guerra. 

Después de la detención de Tojo, el Comandante Supremo de las Potencias Aliadas el General del Ejército Douglas MacArthur informa a Fellers que deben determinar el papel que tuvo el emperador Hirohito en el inicio de la guerra y, en función, de ello ser juzgado o no como criminal de guerra. Hacerlo podría ser un incumplimiento de lo pactado en la rendición con los Estados Unidos además de poder implicar una revuelta. 

Sin embargo, existe cierta presión mediática ya que el pueblo estadounidense quiere que el Emperador sea juzgado por las acciones de Japón. MacArthur le da a Fellers diez días para investigar el papel jugado por el Emperador. Mientras se inician las investigaciones, 

Takahashi le informa a Fellers que el apartamento de Aya en Tokio fue bombardeado. Fellers le ordena que investigue en su ciudad natal, Shizuoka. 

Fellers y su personal mientras han de compilar una lista de personas que estaban con el emperador Hirohito cuando comenzó la guerra. 

Debido a que ninguno de los japoneses quiere hablar con los estadounidenses así que han de contar con el general Tojo que si bien no quiere dar información no quiere culpar a inocentes. Durante una visita a la prisión de Sugamo, Fellers exige a Tojo le dé tres nombres. Él, en cambio, le da a uno: Fumimaro Konoe , el ex primer ministro que dimitirá antes de la llegada de los militares al poder.

Mientras tanto Fellers va a casa de Konoe y le pregunta si el Emperador fue responsable de comenzar la guerra. Konoe no tiene prueba alguna ni su explicación es especialmente convincente, pero dirige Fellers a otro personaje, a Koichi Kido , Señor Guardián del Sello Privado . Mientras que Fellers espera para reunirse con Kido, recuerda el tiempo momentos antes de la guerra cuando Aya se separa de él y Fellers va en su busca a Japón tras repentinamente regresar la chica. Takahashi, por su parte, informa a Fellers que Kido no aparecerá. 

En paralelo, Fellers recuerda su visita de 1940 a Tokio, cuando se reunió con Aya, entonces profesora de inglés en Japón. Allí se entera de que Aya regresó a Japón después de que su padre se enfermara y muriese. 

En el mientras tanto tiene lugar un banquete en la residencia de MacArthur. Durante el mismo el general de brigada Richter informa a Fellers que MacArthur no actuará contra los intereses norteamericanos. 

Después del banquete, Takahashi informa a Fellers de que la localidad de Shizuoka fue bombardeada; Fellers inmediatamente viaja allí. Está devastado por el daño y ordena de malas maneras a Takahashi que encuentre una lista de los muertos. 

Fellers, en ese momento, recuerda su visita al tío de Aya, el general Kajima, para pedir información sobre un informe que está redactando sobre la mentalidad del soldado japonés.Kajima, brillantemente, le recuerda a Fellers que la política militarista de japón no difiere en exceso a lo que han hecho países occidentales al decir “Sí, nos apoderamos de China, pero ¿no nos precedieron Gran Bretaña y Portugal? No tomamos Filipinas de los filipinos, sino de los americanos, quienes se lo quitaron a los españoles. Si es un crimen internacional tomar territorio por la fuerza, ¿quién condenó a los líderes británicos, franceses, holandeses, alemanes y americanos? Nadie. Y, ¿cuál es la diferencia con Japón? Ninguna. Mire General, solo estamos siguiendo su buen ejemplo”. Además, Kajima insiste en que si Estados Unidos y Japón entran en guerra, los japoneses ganarán por el sentido del deber del soldado japonés ante el emperador. 

Cuando Fellers regresa a Tokio, decide que debe entrevistar a Teizaburō Sekiya, un miembro del Consejo Privado. Sekiya, como Konoe, no da ninguna evidencia para exonerar al Emperador. Más tarde, sorpresivamente, tendrá lugar una entrevista de Fellers con Kido,y hablan sobre los momentos previos antes de la rendición japonesa. 

Le informa que antes de tomar la decisión había posturas enfrentadas en el seno del Consejo Supremo entre los partidarios de la rendición y los que no. Unos y otros se encontraron con el Emperador en una reunión del Consejo. Debido a que había importantes militaristas en el ejército, el Emperador optó por dirigirse por primera vez al pueblo japonés en una grabación pública en la que daba la orden de rendirse. Antes de que la grabación pudiera ser transmitida, los militares intentaron un golpe de estado y atacaron con cientos de soldados el palacio imperial. El Emperador y Kido sobrevivieron al ataque y , finalmente, transmitieron la grabación. Desafortunadamente para Fellers, los otros testigos se suicidaron y todos los registros fueron destruidos, dejándolo solo con el testimonio de Kido. 

Kido, por su parte,  informa a Fellers que el papel del emperador, en realidad, era ceremonial y que el emperador quería terminar la guerra. 

Fellers decide visitar al general Kajima, el tío de Aya. Explica a Kajima que el pueblo japonés es desinteresado y es capaz de grandes sacrificios, así como de crímenes indescriptibles por su devoción a un conjunto de valores y tradicionas. Kajima no sabe si el Emperador es culpable, pero conoce su papel en terminar la guerra. Aparte, le da a Fellers una caja de cartas dobladas escritas por Aya a Fellers y aprende que Aya murió en un ataque debido al bombardeo aliado. 

Fellers concluye que no se puede determinar si el Emperador es culpable o inocente, pero su papel en el final de la guerra fue significativo. Así presenta sus conclusiones personales a MacArthur, que está disgustado por la falta de pruebas concluyentes. Fellers argumenta que el emperador debe ser exonerado, ya que los aliados acordaron que permitirían que Japón lo mantuvieran como jefe de Estado. 

MacArthur ordena a Fellers organizar una reunión entre él y el Emperador. Antes de que llegue el emperador, Fellers informa a MacArthur de su papel en desviar a los bombarderos aliados lejos de Shizuoka. MacArthur responde que lo sabía por una información del general de brigada Richter , pero que no fue relevante porque ninguna vida americana se perdió por eso, y que , por supuesto, hará la vista gorda. 

Cuando el emperador Hirohito llega, se ofrece a sí mismo para ser castigado en lugar de todo el pueblo de Japón. MacArthur afirma que no tiene intención de castigar a Japón o a Hirohito y desea discutir la reconstrucción de Japón. 

Mientras y para acabar nos encontramos a Fellers junto a Takahashi , quien reconoce que no tiene familia pues toda murió en la guerra y se van juntos a tomarse una copa, acabando con un fotografía real del encuentro entre MacArthur e Hirohito, así como el destino final de todos los protagonistas de la película. 

La fotografía principal comenzó a rodar en enero de 2012 en Nueva Zelanda en concreto en Oratia, Auckland, en Wellington , en Hamilton, Waikato, , en Tokio, Japón,

La historia real no dice que el Emperador Hirohito, figura divina para la shintoísta cultura japonesa, firmó y emitió un comunicado radiofónico a través del cual declaraba a Japón sumisa a los mandatos de los Estados Unidos (la mayoría de los japoneses no conocían ni siquiera la voz de su venerado Emperador).

También es cierto que General McCarthur tuvo que decidir tras una rápida comisión de investigación, si entregar al Emperador en manos de los que reclamaban su cabeza o realizar un acto de perdón en favor de una reconstrucción más adecuada del país nipón. Para dicha investigación, McCarthur contó con el general Bonner Fellers, gran conocedor de la cultura japonesa y parte decisiva en la sentencia, para tratar de hallar pruebas de la exculpación de tan venerada figura. 

La película se estrenó en el Festival de Toronto 2012 y vio un lanzamiento limitado en los Estados Unidos el 8 de marzo de 2013. El productor Gary Foster, Matthew Fox y Tommy Lee Jones asistieron a un estreno japonés junto con varios actores y actrices japonesas en 18 de julio de 2013, pocos días antes del estreno oficial en aquel país el 27 de julio. 

La película juega con el tiempo lineal del presente de los acontecimientos así como falshback que nos llevan al pasado de la relación entre el general Fellers y su chica japonesa, así como las complejas relaciones personales en un mundo no aceptaba el mestizaje o con estrictas normal . “Emperador” desde luego nos lleva a esa época, a unos hechos históricos en un momento complejísimo y a presentarnos , por un lado, la locura del militarismo japonés que llevó al país a la guerra y la mutua incomprensión cultural entre las dos orillas del Pacífico. Es precisamente la historia de amor lo que menos aporte a la historia. Con todo, me resulta magnífico el relato de la destrucción del país por medio de los bombardeos y el respeto existente entre Fellers y Kajima, y entre MacArthur e Hirohito. 

La película recibió críticas en su mayoría negativas, a pesar de que fue nominada en los Premios del Festival de Toronto, en concreto, el Premio del Público a la Mejor película. Sin embargo, en el agregador de Rotten Tomatoes  presenta una calificación de 31% . 

Para Richard Roeper en el blog que firmado conjuntamente con Rogert Ebert & Roeper  destaca que "Las partes profundas y emotivas son auténticas y oportunas (...) 'Emperor' es una mirada sólida y solemne a un capítulo en ocasiones olvidado de la Segunda Guerra Mundial (...) ". Para Roeper,   Peter Webber y los guionistas Vera Blasi y David Klass claramente tienen un enorme respeto a la historia y una enorme dedicación a los detalles,  bien fotografiados sobre todo en sus imágenes entre bambú y destrucción.  

Para Michael Phillips de otro gran diario de Illinois, el Chicago Tribune nos dice que "Las imágenes cinematográficas de una devastada Tokio posguerra son impresionantes, mezclando un diseño de producción de la vieja escuela con algunos efectos digitales. Pero el papel de Fox, aun siendo un personaje central, nunca toma vida (...)" 

David Rooney en las páginas del The Hollywood Reporter nos comenta que "[Esta] atractiva producción lleva intenciones honorables, pero es aburrida y está inflada con una floja subtrama romántica que se esfuerza en general calor emotivo"

Por su parte,  Peter Travers en las Rolling Stone nos dice que "El esfuerzo por poner un rostro personal a la importante cuestión de la ocupación es tan oportuna como Irak y Afganistán, pero la ejecución es torpe y está montada a base de clichés. (...)" 

Stephen Holden en The New York Times sostiene que "La interpretación del Sr. Jones es la única chispa dentro de esta pieza aburrida y con demasiados buenos modales." 

Ya en  España Javier Ocaña en el Diario El País afirma que es "Una obra de aliento clásico que quizá se quede en un tono simplemente añejo (...) la presencia de un torrente como Tommy Lee Jones dando vida a MacCarthur otorga cierto sentido a 'Emperador'" 

En el ABC  Antonio Weinrichter nos dice que "Salimos perdiendo porque vemos poco a Tommy Lee Jones (...) y vemos mucho a Matthew Fox (...) Lo más interesante de la película son esos desencuentros en la tercera fase que mantiene el buen general yanqui con la jerarquía nipona (...) " 

Lluís Bonet Mojica del Diario barcelonés de La Vanguardia argumenta que es una "Peculiar incursión histórica, sin estridencias ni loas patrióticas de ningún signo (...) " 

Nuria Vidal en Fotogramas dice que es una "Película que habla de tener la capacidad de ver mas allá del beneficio político inmediato. Y en ese sentido, tiene una rabiosa actualidad (...) " 

Por último  Javier Cortijo en las páginas de Cinemanía escribe que "El resultado, desenfocado por un pegote romántico no atajado a tiempo, remonta finalmente gracias al porte heroico de Tommy Lee Jones (...) 

Hemos visto en la misma como "Emperador" deja claro que fue una guerra devastadora para ambas partes, con repercusiones mucho más allá de 1945 o como MacArthur tomará su decisión casi exclusivamente en  la base del informe de Fellers, pero también vemos en el su intención de mostrarse públicamente en unas elecciones presidenciales futuraso como Tojo es condenado no sólo por el ataque sorpresivo a Pearl Harbour sino por matar a 8 millones de personas. 

Como película histórica la película funciona, como thriller sobre la responsabilidad de Hirohito y el encuentro de Aya, comienza bien, aunque como drama romántico queda un poco cojo.

La película se deja ver, es una buena pequeña película, bien dirigida, bien fundamentada , que aporta información, que por cierto no es tergiversada ni tendenciosa, su hora y media son muy llevaderas e invitan a la reflexión histórica y a mi particularmente, al recuerdo. 

El cine como paradiso

Estamos en lo que se conoce como “el año Morricone” . Según sostuvo Carles Gámez en un artículo publicado en el diario El País, allá por febrero hay pruebas de ello. Entre las mismas están un documental dirigido por Giuseppe Tornatore, una gira de celebración de sus 60 años en el mundo de la música y su colaboración en la última película de Quentin Tarantino, Los ocho odiosos . El artículo titulado Feliz aniversario, maestro Morricone, destacaba que a sus casi noventa años, Ennio Morricone (Roma, 1928), este año celebra su más de medio siglo en el mundo de la música con una gira por diferentes ciudades europeas y que su reciente Globo de Oro por la banda sonora de Los ocho odiosos (Quentin Tarantino) y su nueva nominación- la sexta- culminada con la obtención de su segundo Oscar por la Academia de Hollywood, una vez que en 2006 recibió uno , el de la mala conciencia hollywoodienese, en su llamado Oscar honorífico. 

A esto se sumó que el director Giuseppe Tornatore, del que he visto ayer noche, Cinema Paradiso, ha realizado un documental sobre el compositor, Glance of Music sobre la génesis de algunas de sus populares melodías cinematográficas. Realizador y músico que han vuelto a colaborar en La corrispondenza (2015) una historia de amor y misterio . Pero además su labor va más allá de su contribución y reconocimiento popular gracias al mundo del cine y a casi todos los géneros, desde el western a la comedia, pasando por el thriller, el cine de aventuras y o el político, algunas de ellas, auténticos himnos de varias generaciones, sino que también ha sido compositor y arreglista de canciones de musica pop para intérpretes como Mina, Rita Pavone, Gino Paoli o Chico Buarque, 

A pesar de su edad Morricone nunca parece haber lanzado un mensaje de despedida, ya que el músico romano parece sentirse con ánimo suficiente como para seguir sin pensar en la retirada. Morricone ha compuesto la música para 500 películas y afirma que "El entusiasmo que me produce escribir música, en general. Mi oficio es ser compositor y adoro mi trabajo. Pero esta fuerza interna no sería nada sin el empuje exterior, definitivo, de la gente que acude a mí para que ponga música a sus películas. Ése es mi mayor placer".Y en su definición de lo que hace como "oficio" se encierra también su concepto de la creación. "Soy tan artista como artesano. Uso mi cerebro y mis sentimientos para componer, y lo hago a través de la técnica, del dominio de las fórmulas de escritura musical". "Mi objetivo es guiar a la gente, dirigirla a la música. Y, la verdad, no sé si eso sigue una estrategia diseñada al modo de otros compositores" Y prosigue "Un compositor de hoy necesita tener una actitud moral y también precisa ser pragmático", dice sobre sus reglas de funcionamiento. "Es decir, que tiene que ser responsable moralmente de lo que escribe, pero también tiene que intentar que su obra sea útil, de algún modo u otro, en la vida diaria".Por eso, cuando piensa en la importancia de la música en la sociedad, se limita a recomendar "a toda la gente de este mundo que, al menos por una vez, escuchasen música y dejasen de hacer cualquier otra cosa". 

Es más, ayer noche, sábado, Ennio Morricone, ofreció una selección de sus bandas sonoras más célebres en un concierto celebrado en el Aula Pablo VI del Vaticano, al que asistieron como invitados varios cientos de personas necesitadas, sin hogar o inmigrantes. Es la segunda edición del Concierto para la Caridad, organizado por la ONG "Nova Opera", por la diócesis de Roma y por el Pontificio Consejo para la Nueva Evangelización, entre otros entes, y se ha enmarcado en los actos finales del Jubileo de la Misericordia, que concluirá el 20 de noviembre. A sus 88 años tomó la batuta para dirigir a la orquesta "Roma Sinfonietta" y al coro de la Academia Nacional de Santa Cecilia y de la diócesis de Roma. 

Al término del concierto, los jóvenes del coro de la diócesis de Roma y los voluntarios del Jubileo distribuyeron la cena para los indigentes y un pequeño regalo. Morricone y los organizadores pudieron saludar al papa Francisco en la Plaza de San Pedro tras la audiencia y después el maestro en declaraciones a Radio Vaticano destacó como el pontífice ha querido que sean los pobres quienes asistan a su concierto. "Es muy importante que un público que no es rico, un público sin dinero, pueda asistir a escuchar esta música, con este coro, con esta orquesta, es algo que me gusta mucho hacer" y es que Morricone es grande en todo, tal y como demostró en la banda sonora inolvidable que ví anoche mientras daba su concierto. 

Hablo de Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso) , la película italiana del año 1988 y que en septiembre de 2014, coincidiendo con su vigesimoquinto aniversario, volvió a estrenarse en salas de cine totalmente remasterizada, siendo esta la versión que pude ver. 

La película parte de un guión y de la dirección de Giuseppe Tornatore, que compuso entre uno y otro - Tornatore / Morricone, aquí con su hija Andrea - el retrato sentimental de la Italia de la posguerra y, sobre todo, una declaración de amor al cine. La película fue una producción de Franco Cristaldi y Giovanna Romagnoli en coproducción con la francesa Les Films Ariane y Cristaldifilm, la TFI Films y la RAI y con la distribución internacional de Miramax. La película contó con un presupuesto de US $ 5 millones y obtuvo en taquilla en los Estados Unidos unos $ 12.397.210. 

En otros apartados técnicos aparecen en la fotografía fue de Blasco Giurato y el montaje de Mario Morra. También peso importante tuvo la dirección Artística de Andrea Crisanti, el vestuario en Beatrice Bordone y el maquillaje de Maurizio Trani, en otras cuestiones técnicas.

 El reparto está formado por Philippe Noiret como Alfredo, Salvatore Cascio como Salvatore Di Vita (Totó niño), Marco Leonardi como Salvatore Di Vita (adolescente), Jacques Perrin como Salvatore Di Vita (adulto), Antonella Attili como María (joven), Enzo Cannavale como Spaccafico, Isa Danieli como Anna, Pupella Maggio como María , Agnese Nano como Elena Mendola adolescente, Leopoldo Trieste como el Padre Adelfio, Nino Terzo como el padre de Peppino, Giovanni Giancono como El Alcalde. Se unen Leo Gullota, Pupella Maggio y Leopoldo Trieste. 

Como ya he dicho Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. Narra la historia de Salvatore, Totó, un niño de un pueblecito siciliano que se mueve entre la iglesia y el cine, siendo realmente el cine el único pasatiempo.

Aunque la historia comienza cuando la madre de Totó, llama a Roma , en la década de 1980, a su hijo, en la actualidad un famoso director de cine italiano, Salvatore Di Vita. La madre no puede dar con él, aunque habla con su actual compañera sentimental. De cualquier manera Salvatore  regresa a su casa a altas horas de la noche, y ,antes de acostarse, su somnolienta novia  le dice que su madre ha llamado para decir que alguien llamado Alfredo ha muerto. Salvatore, aclara que no es un miembro de su familia, pero se queda pensando en las relaciones pasadas con Alfredo en su pueblo natal de Giancaldo, Sicilia 30 años atrás. Mientras su novia le pregunta quién es Alfredo, Salvatore vuelve mentalmente a su infancia.

Se infancia trascurre  un par de años después de la Segunda Guerra Mundial . Salvatore, un niño de seis años, es un niño travieso e inteligente de una viuda de guerra que no sabe lo ocurrido con su marido participante en la campaña de Rusia, por parte del ejército italiana en esta segunda guerra mundial.

El niño, apodado Toto, ayuda como monaguillo al párroco local el Padre Adelfio (Leopoldo Trieste) en la misa y junto a este descubre el amor por las películas , ya que es el censor local y pasa cada momento libre en compañía del proyeccionista , Alfredo, en su caseta de la sala parroquial llamada Cinema Paradiso. Don Adelfio censura todas las escenas de besos en las películas, ya que los considera demasiado inconveniente.

Toto, es un pobre chico que vive con su hermana y su madre, y que viven esperando a su padre, que desapareció en Rusia.

Aunque empieza una relación tensa y cariñosa con Alfredo que actúa como padre y "padrone" desarrollando una amistad  paternal. Para Totó,  Alfredo, es el hombre que le permite ver películas desde la cabina de proyección y quién responde lo que no se atreve a preguntar a su madre.

Durante las proyecciones , en ocasiones, está entre el público , gastándose el dinero que le da su madre para comprar la leche, y participa de todo lo que hay en butaca, desde los abucheos  cuando faltan secciones, hasta las críticas pues nunca se ven los besos o abrazos románticos dado que el Padre Adelfio ya ha marcado la censura. Las escenas borradas se apilaron en el piso de la sala de proyección.

En un primer momento, Alfredo considera a Toto un poco pelma, pero finalmente enseña a Salvatore a operar con el proyector de cine para crear esas imágenes en movimiento en la oscuridad. Así Totó descubre la magia del cine y Salvatore trata en vano de ayudar en secreto en proyecciones privadas para el cura y con el robo de algunas escenas cortadas del proyeccionista Alfredo.

Alfredo es analfabeto y no cuenta con el visto bueno de su madre, por haberle metido el veneno del cine en la sangre. Un día Alfredo se presenta en la Escuela para hacer la prueba libre y obtener su titulación mínima , para lograrlo  Totó le ayuda en el examen de la escuela primaria. Durante el mismo, Toto llega a un trato con él: el niño va a dar a Alfredo los resultados de la prueba, pero a cambio el proyeccionista le enseñará todos los trucos del oficio a Toto. Desde entonces Alfredo, el operador, le enseña algunos de los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película.

Una noche, el público que disfruta de lo lindo con una película de Totó, el actor napolitano, está pidiendo a gritos un segundo pase, pero como la sala estaba llena, Alfredo y Toto deciden hacer un favor mediante la proyección de la película en la pared de una casa en la plaza del pueblo.

Una distracción de Alfredo es causa de un incendio que se propaga rápidamente dentro de la cabina de proyección dada el material inflamable del nitrato de plata del celuloide. Salvatore salva la vida de Alfredo, pero no puede impedir que algunos rollos de película exploten en la cara de Alfredo, dejándolo permanentemente ciego.

Salvatore, todavía un niño, es contratado como el nuevo proyeccionista, ya que es la única persona que sabe cómo manejar las máquinas.

Toto se las arregla para salvar a su amigo, que por desgracia perdió la vista, pero se convertirá en el proyeccionista  titular del Nuevo Cinema Paradiso, abierto por la generosidad de Spaccafico o Ciccio,  una aldeano napolitano al que le toca la loteria y se convierte en millonario y quien invierte sus ganancias de lotería de fútbol.

Con su dinero la sala de cine es reconstruida y se renombra con el "Nuovo Cinema Paradiso". Así comenzó una nueva etapa en la que el niña para a convertirse en adolescente y  proyectará películas ya no censuradas.

Alrededor de una década más tarde, Salvatore, ahora en la escuela secundaria, sigue operando el proyector en el Cinema Paradiso. Su relación con el ciego Alfredo se ha fortalecido, y Salvatore a menudo busca  su ayuda y  consejos, ya que a menudo Alfredo dispensa citando películas clásicas. Salvatore ha estado experimentando con una cámara de cine en casa, y se ha reunido, y captura imágenes para que sean imborrables.  Salvatore, se convierte así en un adolescente, que , un día mientras graba con su cámara, conoce a Elena, la hija del director de un banco local que acaba de ser trasladado y que  es estudiante en el instituto local. Nada más verla se enamora. A los padres de ella no les gusta su relación y , tras un tiempo de espera, en la que parece que Elena se impondrá a la voluntad familiar, deciden mudarse a Palermo.

Mientras tanto, Salvatore es llamada a cumplir el servicio militar obligatorio en el ejército la capital, en Roma,  y pierde por completo el contacto con Elena. Sus intentos de escribir a Elena son infructuosos; Sus cartas se devuelven como no entregadas.

 Al regresar del ejército, ya de vuelta en Sicilia se ve a sí mismo como una nueva versión de Alfredo, atado y sin perspectivas. Alfredo, de hecho, nsta a Salvatore a dejar Giancaldo permanentemente, aconsejando que la ciudad es demasiado pequeña para que Salvatore pueda encontrar sus sueños y le aconseja que abandone para siempre la tierra de su nacimiento. Por otra parte, el anciano le dice que se vaya, que debe perseguir su destino de todo corazón, sin mirar atrás y nunca volver, ni siquiera a visitarle. Nunca debe ceder a la nostalgia o incluso escribir o pensar en ellos. Se abrazan con lágrimas, y Salvatore abandona la ciudad para seguir su futuro, como cineasta.

Con este último, recuerdo en su mente Salvador se despide de su madre y hermana, así como de Alfredo y su mujer para darse un baño de realidad: y decide dejar de Sicilia, a pesar de ser un director de ricos y famosos está decepcionado de su vida, .

Treinta años después, recibe el mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa. Salvatore Di Vita, desde que salió de la localidad  nunca había querido poner un pie durante eso  treinta años y vive en Roma , donde, mientras tanto, se ha convertido en un cineasta consumado. Tras la noticia de la muerte de Alfredo decide tomar un avión para ir de regreso a casa.

En esos treinta años, Salvatore ha obedecido a Alfredo, pero regresa a casa para asistir al funeral. Aunque la ciudad ha cambiado mucho, ahora entiende por qué Alfredo pensó que era importante que se fuera. Allí se ve con su madre y  se encuentra con su compañero Alfredo, y toda la noche revive los recuerdos de su infancia.

El funeral de Alfredo se convierte en una oportunidad para enfrentarse a su pasado y con las personas que habían poblado su infancia. La viuda de Alfredo le dice que el viejo siguió los éxitos de Salvatore con orgullo, y le dejó algo: un carrete de película sin etiqueta y el viejo taburete que Salvatore una vez se puso a operar el proyector. Salvatore se entera de que Cinema Paradiso va a ser demolido para dar paso a un aparcamiento.  El Cine Paradiso, está ahora cerrado - lleva seis años en esa situación- y sin uso y ha perdido su brillo. En el funeral, reconoce los rostros de muchas personas que asistieron al cine cuando era el proyeccionista.

Al día siguiente el cine es demolido por explosivos. Salvatore mira entre la multitud. Salvatore está a punto de abandonar el pueblo y volver a Roma.

Toto no puede evitar volver a Roma con un rollo de película que le ha dejado como  legado a Alfredo y que se lo entrega su mujer. Salvatore regresa a Roma.

Se trata de un montaje muy especial. Contiene todas las escenas románticas que el sacerdote había ordenado cortar de las películas; Alfredo había empalmado las secuencias juntas para formar una sola película. Salvatore ha hecho la paz con su pasado, por medio de los besos censurados por Don Adelfio y su proyección aflora el sentimiento y las lágrimas de Salvador con esas imágenes que son el recuerdo de su infancia.

La película, estrenada en 1988 en su versión completa 170 minutos, fue un desastre en taquilla. Al año siguiente, a continuación, Tornatore decidió volver a presentarlo en una versión más corta de unos 155 minutos, que más tarde recortó y que dura aproximadamente 2 horas, con unos 123 minitos, pero debido al bajo éxito que obtuvo en Italia, y que fue el metraje para  su estreno mundial, lo que ayudó a mejorar su taquilla, convirtiéndola en un éxito a nivel internacional.

Sólo después de que el Festival de Cannes, se volvió a evaluar la películay más aún cuando obtuvo en 1990 el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película extranjera.

El rodaje  de la película comenzó el 5 de diciembre de 1988 y concluyó el 9 de septiembre de 1989. Los exteriores de la película se rodaron en Sicilia: Bagheria , Cefalú , Castelbuono , Lascari ( la estación de Giancaldo es la estación de Lascari ), Chiusa Sclafani , Palazzo Adriano (conjunto de la plaza )  Santa Flavia , San Nicola L'Arena ,  Termini Imerese , ruinas de Poggioreale y Oriolo Romano .

Cinema Paradiso fue rodada principalmente en la ciudad natal del director Tornatore Bagheria , Sicilia, así como Cefalú en el mar Tirreno . La famosa plaza de la ciudad es la plaza Umberto I en el pueblo de Palazzo Adriano, a unas 30 millas al sur de Palermo. El cine 'Paradiso' fue construido aquí, en Via Nino Bixio, con vistas a la fuente barroca octogonal, que data de 1608. y que al final del rodaje desmantelado.

Cine Paradiso es homenaje al cine; recordad lo que l dice Alfredo al ya adolescente Salvatore "Hagas lo que hagas ámalo, como amabas la cabina del Paradiso". El director Giuseppe Tornatore aparece en la película en el papel del proyeccionista en la escena final de besos cortados por Alfredo. Tornatore le preguntó Federico Fellini a aparecer en la escena, el director de Rimini, sin embargo, se negó.

Visto como un ejemplo de "posmodernismo nostálgica", la película entrelaza el sentimentalismo con la comedia , y la nostalgia con el pragmaticismo . Se explora la niñez y la  juventud , la mayoría de edad , y las reflexiones en la edad adulta  sobre el pasado. Las imágenes de las escenas se puede decir que reflejan los recuerdos idealizados de Salvatore de su niñez

Cinema Paradiso fue un éxito de crítica y de taquilla y es considerado por muchos como un clásico, especialmente, por su final con el montaje de "escenas de besos" al final de la película.

Ganar el premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera en 1989, lsirvió para la reactivación de la industria cinematográfica de Italia, que más tarde produjo y triunfó con  Mediterráneo y con La vida es bella .

El agregador Rotten Tomatoes informa que el 90% de los críticos han dado a la película una revisión positiva basada en 67 comentarios, con una puntuación media de 8/10; y una cifra similar aparece en Metacritic.

El crítico de cine Roger Ebert declaró sobre ella que "Aún así, estoy feliz de haberla visto - no como una versión alternativa, sino como el ejercicio último en la visualización de escenas eliminadas. " [.

La película se clasificó en el pusto # 27 según la revista Empire valorando "las 100 mejores películas del cine mundial" en 2010.

 En las páginas del The Washington Post  Ann Hornaday comenta que se trata de "Una de las más grandes películas sobre el amor al cine"

Para Ty Burr en el  Boston Globe es una "Una reflexión sobre el deleite infantil y los anhelos adolescentes"

Por su parte, Owen Gleiberman en el Entertainment Weekly es una "Un agridulce dramón sobre el amor y la pérdida"

En España, para Fernando Morales de El País Ya un clásico del cine italiano. Excelentes interpretaciones y la banda sonora de Morricone para una historia realmente buena."

Carlos Boyero en el Diario El Mundo  sostiene que "La primera vez que ví 'Cinema Paradiso' me emocionó. Cada vez me gusta menos. Hay trampas demasiado evidentes. Guiña el ojo al espectador con demasiada complacencia."

En Fotogramas se escribe que la película es "Astuta pero algo tramposo melodrama apuntalado sobre unas claves cinéfilas de fácil impacto. (...) La habilidad con que evita traspasar sus límites constituye su principal virtud, los excesos autocomplacientes su peor defecto."

Rufo Pajares en filmaffinity nos dice que "Frente a la demolición de un viejo cine, un maduro y afamado realizador rememora su infancia y los momentos allí vividos en compañía del entrañable encargado del local. Desarrollada con ritmo ágil, interpretada de forma magistral y ambientada por una banda sonora inolvidable, la película emociona sin remedio y alcanza su clímax en un soberbio final que supone un homenaje a la historia del cine y una cita con nuestras lágrimas más sinceras ".

Alberto Abuín en blog de cine comenta que "otra vez tendría que reprimir las enormes ganas de llorar que me entran cuando veo esta película, sobre todo en su tercio final. Cualquier cinéfilo que se precie de serlo se habrá dejado enamorar en todos los aspectos por una de las más grandes obras maestras del Cine de los últimos 20 años. El enorme amor que la película dirigida por Giuseppe Tornatore demuestra hacía el Séptimo Arte, es a todas luces, uno de los más grandes homenajes hacia el Cine que se hayan hecho jamás".

Obtuvo un gran éxito de  crítica , pero también de público en todo el mundo, además del premio a la mejor película de habla no inglesa en EE.UU. y en el Reino Unido. Curiosamente no se llevó el Premio David di Donatello a la mejor película italiana del año, que fue para "La leyenda del santo bebedor", de Ermanno Olmi.

Entre sus múltiples recibidos en 1989 destaca el  Premios Oscar a la  Mejor película de habla no inglesa

Los 5 Premios BAFTA, incluyendo el mejor película de habla no inglesa, obteniendo hasta 11 nominaciones, al igual que al mejor actor en Philippe Noiret, Mejor actor de reparto para Salvatore Cascio, Mejor guión original de Giuseppe Tornatore y Mejor banda sonora original de Ennio Morricone, así como las nominaciones a mejor director de Giuseppe Tornatore, a la mejor fotografía en Blasco Giurato, Mejor Dirección Artística de Andrea Crisanti, al mejor vestuario en Beatrice Bordone, al Mejor maquillaje para Maurizio Trani y mejor Edición de Mario Morra.

En los Globo de Oro recibió el Premio a la  Mejor película extranjera En el Festival de Cannes: obtuvo el Premio Especial del Jurado, la Palme d´Or.

Fue en Francia Premios César al mejor póster para Bourdugue Jouineau y Gilles Jouin  y nominada a Mejor Película Extranjera . Fue igualmente Premios del Cine Europeo para el  actor (Philippe Noiret)

Fue Premios David di Donatello a la mejor música o banda sonora de Ennio Morricone contando con otras cinco nominaciones, a la mejor Película, al mejor director , a la mejor actriz de reparto Pupella y mejor productor de Romagnoli Giovanna y Franco Cristaldi

En 1990: fue nominada por el Sindicato de Directores (DGA) al Mejor director. Fue nominada a los Nastro d´argento o cinta de plata al director Giuseppe Tornatore, al  productor Franco Cristaldi , a la mejor música de Ennio Morricone , a la mejor fotografía en Blasco Giurato, a la Dirección Artística de Andrea Crisanti

En los Kansas City Film en 1991 los Critics Circle la premió como la mejor película extranjera y en en los Premios Robert de la Academia del Cine danés (Danmarks Film Akademi) a la mejor película extranjera.

Fue presentada en incontables festivales internacionales desde Locarno en Suiza hasta el fin del mundo.

En 2002 salió a la venta una versión en DVD con el montaje del director contando con una versión de 173 minutos. En junio de 2010 el director Giuseppe Tornatore recordó: "Cuando la película salió en 1988, en los cines italianos que no fue a verla nadie Las ganancias fueron desastrosas, excepto en. Messina , donde tuvo un éxito inesperado cuando había sido ignorado en el resto de Italia

El pueblo de Sicilia , que aparece en la película, Giancaldo, en realidad no existe, pero es el nombre de una montaña con vistas a Bagheria , el lugar de nacimiento de Giuseppe Tornatore

Algunas escenas de la película se utilizaron para la televisión lanzamiento comercial del nuevo Fiat 500

Para inspirar al personaje de Alfredo fue el titiritero Siracusa Alfredo Vaccaro quien, después de haber trabajado en una antigua sala de cine en la ciudad, le contó a Tornatore como era su trabajo y los peligros de las películas de la época

Cinema Paradiso es consideraba por muchos como un verdadero clásico, recordada por sus escenas finales, además de ser catalogada como una ayuda al renacimiento del cine italiano de la época.

En la película Cinema Paradiso se incluyen numerosas escenas de películas de la donación de tiempo del médico de familia. Estos son: El ángel azul (Der Blaue Engel), La quimera del oro (The Gold Rush), Furia (Furia), Blancanieves (Blancanieves y los siete enanos),  Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) Casablanca , In nome della legge, El hijo del caíd (El hijo del caíd) , Siete novias para siete hermanos ((Seven Brides for Seven Brothers) Charlot y el combate de boxeo (The Knockout) Adiós a las armas (A Farewell to Arms) Frente a la vida (Les Bas-fonds) Las aventuras de Robin Hood (The Adventures of Robin Hood).

Se suman a estas, La diligencia (Stagecoach) El Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Dr. Jekyll y Mr. Hyde) La Cena de burla La vida maravillosa (It's a Wonderful Life), así como muchas películas italianas como La terra trema, I pompieri di Viggiù, Riso amaro, Catene, Anna Bellissima I vitelloni, Senso, Mambo , L'oro di Napoli , Il grido , Ulisse , Europa '51 , Poveri ma belli , Umberto D. Lo sceicco bianco , La bella e la bestia , así como otras como Y Dios creó a la mujer (Et Dieu... créa la femme) Roman Holiday (Vacaciones en Roma) Nel paese delle meraviglie (Babes in Toyland) Laurel y Hardy cabezas duras (Block-Heads) El gran tormento (The Shepherd of the Hills) Sullivan ((Sullivan's Travels) Luna nueva (Luna nueva) miss Italia El fuera de la ley (The Outlaw) (tercer segmento de la secuencia final - con un primer plano de Jane Russell ).

La película es una maravilla. Es emocionante en el mejor sentido del término, pues te llega al corazón, no por sensiblería, sino por sentir lo que trasmite el mismo Tornatore. Lloras sí o si. El director dirige con la sensibilidad de un maestro, y veneración por el Cine,el pasado y el presente. Como destaca Abuín se permite el lujo de filmar las reacciones de un público muy distinto entre sí, un público profundamente emocionado cuando no había otra cosa para distraerse más que una sala de cine donde historia de todos los tipos y procedentes de todos los lugares hacían soñar a los habitantes del luga; un público que ríe y que llora, que venera a los venerable, al gran Totó o Alberto Sordi, y el regalo de Alfredo a la gente de la plaza, aunque ésta tuviera su dueño, o como el cine es fuente de aprendizaje para unos y otros. 

A destacar el enorme papel realizado por todos , aunque habría que destacar especialmente en el de Phillipe Noiret o la naturalidad del joven Salvatore Cascio.

El paso del tiempo es algo que está muy bien retratado en la película. Tres épocas totalmente distintas en un mismo lugar. La niñez, y con ella la ternura y la comicidad con su alegría por vivir radiante y contagiosa, incluso en la desgracia como la confirmación de la muerte del padre en Rusia. La adolescencia y con ella as primeras gotas de amargura cuando el amor no es respondido . Y la etapa adulta en la que el protagonista vuelve al pueblo y descubre que el tiempo es inmisericorde como el espacio, el Cine Paradiso. Tres partes muy bien diferenciadas e inteligentemente intercaladas por medio de flashbacks . Y si a esto le sumamos la música, como decíamos al principio de Ennio Morricone. ¿Qué te queda? Una joya.

La magia del Cine no está en la varita de sauco de Harry Potter, estaba aquí, siempre estuvo aquí, en el cine. Es el cine.

La hoguera De Palma

Entiendo que La hoguera de las vanidades (cuyo título original en inglés The Bonfire of the Vanities) fue un punto negro en la carrera del director Brian DePalma. El director de New Jersey, nacido un 11-S en la cercana localidad neoyorkina, pero en Newark, y que siempre mostró una enorme admiración por Hitchcock, por Polanski y Goddard, y que se dedicó al cine, aunque podía haber sido un importante físico, es in director brillante , pero de trayectoria irregular que combina a partir iguales los éxitos y los fracasos. No obstante sus éxitos me han interesado muchísimo desde Carrie, hasta Nacida para matar o Doble Cuerpo, pasando por Scarface- que por cierto, en su momento fue un fracaso de crítica y público- o por sus Intocables de Elliot Ness o la bélica Corazones de hierro. Sin embargo, tras esta película llegó un petardazo para este hombre de cine , y fue estruendoso, un fracaso en toda regla para la película que tanto mimo había planteado en su producción para el año 1990. 

La película estaba basada en un best seller ,la primera novela escrita por Tom Wolfe, autor dedicado hasta entonces al periodismo y al ensayo en el año 1987, en la que presentaba un cuadro satírico sobre las costumbres de la sociedad de la ciudad de Nueva York en la década de 1980, caracterizando el universo de los adinerados ejecutivos de finanzas y sus interacciones con el resto de la sociedad. La obra fue un bombazo editorial, pero la película fue un petardo en taquilla y crítica. 

Yo , es la segunda vez que la veo, y me ha aburrido tanto como la primera revisión. El título que inspiró a Wolfe y que llevó a la hoguera a De Palma se inspiró en la llamada Hoguera de las vanidades, evento histórico ocurrido en Florencia, Italia, a fines del siglo XV y que culminó en la quema del predicador Savonarola. Con ello Wolfe trataba de explicar hasta qué punto el dinero y la fama resultan inútiles para salvar a un individuo cuando se reúnen en su contra ciertas situaciones y circunstancias altamente desfavorables, para lo cual nos muestra como "telón de fondo" a la sociedad neoyorquina de los años 80, mostrando su hipocresía y juego de apariencias en el cual las convenciones sociales cambian de acuerdo a las conveniencias del momento. 

Brian De Palma, director y productor de la pleícula, en su caso narra en clave de sátira la caída de un broker, acosado por de un accidente, y siendo repudiado luego por la sociedad. 

El diseño de producción de la misma correspondió a Richard Sylbert , mientras que el guión lo fue de Michael Cristofer lógicamente basada en La Hoguera de las Vanidades por Tom Wolfe. A pesar de la participación de De Palma en la producción también participa en la misma la productora Warner Bros. , quien también se quedó con la distribución. La película contó con un presupuesto de 47 millones de dólares

La música, que pasa desapercibida, fue un trabajo de Dave Grusin, mientras que la fotografía lo fue de Vilmos Zsigmond. El montaje recayó en David Ray y Bill Pankow, y el vestuario, muy de los 80, aunque no llegaba al nivel de Armas de Mujer-  de Ann Roth

El importante reparto, el por entonces más actor cómico que dramático, Tom Hanks como Sherman McCoy, un actor de comedia como Bruce Willis como Peter Fallow, una impresionante Melanie Griffith como Maria Ruskin, un casi desconocido Morgan Freeman como el Juez Leonard White. A los que se suman Kim Cattrall como Judy McCoy, Saul Rubinek como Jed Kramer, Alan King como Arthur Ruskin, John Hancock como el Reverendo Bacon, Kevin Dunn como Tom Killian, Donald Moffat como Sr. McCoy, Barton Heyman como el Detective Martin, Norman Parker como el Detective Goldberg, Louis Giambalvo como Ray Andruitti, F. Murray Abraham (sin acreditar) como el ambicioso Fiscal del Distrito Abe Weiss, Mary Alice como Annie Lamb, Kurt Fuller como Pollard Browning, Robert Stephens como Sir Gerald Moore, Richard Libertini como Ed Rifkin, Clifton James como Albert Fox, Beth Broderick como Caroline Heftshank, Adam LeFevre como Rawlie Thorpe, una niña llamada Kirsten Dunst como Campbell McCoy, Geraldo Rivera como Robert Corso.

La película comienza con esa nueva Florencia de dinero, arte y cultura como era ese Nueva York, en la que todavía se adivinaban la Torres Gemelas.

En esa ciudad va a presentar su libro un escritor de éxito Peter Fallow (Bruce Willis) en la que es posiblemente la mejor escena rodada de la película , pues vemos como este llega borracho y va entrando progresivamente en las entrañas  de un hotel en el que va a presentar su obra. Conforme avanza vamos viendo su falta de respeto a los que lo rodean, pero también la permisividad de la sociedad que le rodea que se rinde ante la fama y el dinero. Finalmente, llega a una gran sala y es abordado por múltitud de periodistas como era él, comenzando a la vez a contarnos la historia por la qué el llegó hasta allí.

Casi de inmediato conocemos al protagonista que no es otro que Sherman McCoy (Tom Hanks) un poderoso corredor de bolsa que trabaja en Wall Street y al que la vida le trata bien: disfruta de su trabajo, se considera a sí mismo "dueño del Universo" en sus propias palabras. está casado con una bella mujer, Judy  (Kim Cattrall), tiene una joven hija de nombre Campbell (Kirsten Dunst), y tiene una amante llamada Maria Ruskin (Melanie Griffith).

En una noche de lluvia intensa Sherman le dice a su mujer que ha de bajar al perro , a pesar de lo que cae, pero su intención es llamar a Maria, su amante. Sin embargo, un error en la llamada pues se equivoca y llama a casa, hacen saltar las alarmas de su matrimonio con una histérica Judy (Kim Cattrall).

Sherman McCoy disfruta de la buena vida , de su habilidad para las finanzas y de los favores sexuales de Maria Ruskin ( Melanie Griffith ), una belleza sureña, buscadora de fortunas y de sexo. Va a recogerla al aeropuerto, el JFK , pero cuando se dirigen a su apartamento, y sin darse cuenta se pierden terminando al sur del Bronx, un peligroso barrio de Nueva York.

Ellos son abordados por dos jóvenes negros de aspecto e intenciones sospechosas después de Sherman salga del coche para mover un neumático puesto deliberadamente en medio de la ruta que les ayudaría a ir a Manhattan. Sherman tras quitar el neumático quiere volver  al coche, pero Maria , que está al volante, se pone nerviosa y da marcha atrás atropellando a uno de los adolescentes. Tras ellos, Sherman parece preocupado , no así María que lo único que quiere es sexo. Los dos se alejan y deciden no reportar el accidente a la policía.

Mientras tanto, conocemos al periodista Peter Fallow, un hombre en crisis y alcoholizado, ansioso por encontrar una historia para levantar el vuelo y mostrarle a su editor, se encuentra con el caso del accidente en el Bronx en el que un chico joven llamado Henry Lamb.  fue dejado en coma tras ser atropellado por un vehículo de alta gama llevado por un blanco.

El casi también llama la atención del fiscal de distrito Abe Weiss ( F. Murray Abraham ), que es el fiscal de distrito del Bronx y que busca la reelección ante una comunidad negra que no tiene en gran estima a los judíos.

Weiis cuenta con su asistente, el joven y ambicioso abogado Jed Kramer (Saul Rubinek). Kramer busca pruebas contra McCoy para impresionar a su jefe, pero Kramer descubre que las únicas pruebas son las respuestas evasivas que dio éste en su interrogatorio policial y el testimonio del joven de color detenido, lo cual no basta para sostener una acusación.

Pero gracias al impacto causado por los artículos de Peter Fallow, Kramer logra que se ordene el arresto de McCoy.

Por su parte, vemos como en los tribunales hay un  estricto juez  negro, el juez Leonard White ( Morgan Freeman ), que destaca que casi todos los procesamientos de Weiss son de acusados negros y puertorriqueños que van a la cárcel por lo que  Weiss está buscando un acusado blanco con el fin de convencer a la comunidad de que es un candidato adecuado para la reelección.

A Weiss le interesa una buena cobertura de la prensa inherente en el procesamiento de un blanco poderoso y el hecho de que en el accidente el chico haya quedado en coma le podía ayudar en su carrera política, sobre todo tras encontrar a un reverendo interesado en salir en televisión y conseguir un dinero para la iglesia, la familia, la comunidad y , ¿por qué  no ? para él.

Maria, asustada, se niega a declarar ante la policía por lo ocurrido , pues quedaría en tela de juicio su virtuosidad y su matrimonio e ignora a Sherman, cuando las pesquisas policiales se centran sobre él. Por su parte, Sherman tras el artículo de Fallow en City Light, sí se siente acosado.

Finalmente, y ya en su apartamento decidirán no denunciar el incidente. Pero Sherman, finalmente es descubierto por la policía como el propietario del vehículo y es detenido por orden del fiscal que ahora se quiere presentar como un vengador de las minorías y ser propulsado a la alcaldía de la ciudad de Nueva York.

Sherman, que la noche de antes ha ido a la ópera lugar en el que vemos que frivolidad tanto de María como de su esposa, así como de la gente de la Jet Set neoyorkina, pasa al día siguiente al banquillo de los acusados, donde es vapuleado por el fiscal de la ciudad de Nueva York  y hay un linchamiento público por parte de líderes religiosos, aspirantes a políticos, periodistas ambiciosos y gente sin escrúpulos en general que desean aprovecharse de las circunstancias, hasta la madre del chico, de raza negra, que quedará en coma, y que busca como el reverendo Bacon  (John Hancock ), una indemnización del hospital.

Finalmente, Sherman se queda sin ningún aliado que lo apoye, excepto el  juez Leonard White , que pide un baja fianza y por el periodista que sacó el tema  Fallow, que ve que Sherman es un pobre hombre.

Al llegar a casa ve que su mujer está celebrando una fiesta y es recibido como un héroe por sus invitados por ir contra el sistema - o por haberse enfrentado a un negro- , pero su mujer le dice que tras la fiesta lo abandonará y un compañero le dice que lo han despedido. Cuando un vecino y antiguo amigo le comenta que debería salir del bloque para evitar las protestas que hay en la puerta del bloque de apartamentos de Park Avenue , se vuelve loco y dispara contra el techo para acabar con esa hipócrita fiesta.

Vuelve a encontrarse con maría en el apartamento de alquiler en el que vive en New York y donde un instalador de telefonillos instala un micrófono. Es la comunidad la que parece instalarlo, y , sin querer, graban una conversación en la que ella le dice a Sherman McCoy que no declarará nunca aunque ella conducía el coche.

Esta grabación lleva al abogado de la defensa de Sherman McCoy. dándole a éste pone sus manos en una cinta  que , sí bien no es legal por no estar autorizada por el juez, pero que incrimina a ella.

Por su parte, Fallow se entera de que fue Maria Ruskin quien embistió a Henry Lamb, usando el auto de McCoy, pero que Maria ha huido al extranjero, con lo cual se desplomaría la campaña de prensa de Fallow y el Reverendo Bacon.

Tratando de localizar a Maria Ruskin, Fallow se entrevista con el millonario Arthur Ruskin, el esposo de Maria, en un lujoso restaurante, con la excusa de un reportaje sobre sus actividades empresariales. No obstante, al contar su vida a Fallow, Arthur sufre un ataque y muere

Junto a su abogado decide coger a María en un renuncio y aprovecha el entierro del marido de María que fallece tras darse a la bebida tras sabre que su mujer está en Italia con otro, aunque eso parece no importarle en exceso, pero de cualquier manera le da un infarto mientras habla con Fallow.

Mientras está sólo en su apartamento va a verlo su padre, con el que nunca tuvo una  fluida relación, le ayuda a actuar en el juicio al decirle a su hijo Sherman: “La verdad es la compañera esencial del hombre de conciencia”.

Sherman durante el juicio reproduce la grabación que lleva dentro de su maletín conectado a un pequeño altavoz que sostiene en el escritorio donde se revela que María está en contradicción directa con las pruebas que acaba de presentar y con su propia declaración, demostrando que se ha perjurio sí misma y lo que la hace desmayarse.

Tras esto el juez ordena que se acerque al tribunal el ministerio ficsla, el abogado y el mismo Sherman quien afirma que la cinta es toda suya resultando en su absolución.

La gente en la corte se alborota e incluso llama al juez racista por lo que el mismo  juez White habla de que “la justicia es la ley, y la ley es el débil esfuerzo del hombre por tratar de asentar los principios de la decencia. ¡Decencia!, ¡y la decencia no es un acuerdo, no es un punto de vista o un contrato o un chanchullo! La decencia es lo que sus abuelas les enseñaron. Está en sus huesos. Ahora váyanse a casa. Váyanse a casa y sean gente decente. Sean decentes." Y cuando lo hace se dirige a Sherman, al Reverendo Bacon ( John Hancock )  o que el fiscal de Distrito Weiss . Finalmente, deja a Sherman ir.

La película termina cuando comienza, pues vemos que  hay una gran audiencia aplaudiendo a Fallow que ganó el Premio Pulitzer  y entusiasmada con el lanzamiento del libro de  Peter Fallow. Fallow nos dice, como narrador, que Sherman McCoy se ha mudado de Nueva York a un destino desconocido, presumiblemente para vivir en la oscuridad. Acabando así la película.

La película tuvo su  controversia ya que para  el papel de Peter Fallow fue ofrecido tanto a  Jack Nicholson y John Cleese . Pero cuando ambos rechazaron el papel el estudio obligó al director a elegir a Bruce Willis (que ya había participado en la exitosa película 1988 Die Hard ) como Fallow en su lugar.

Antes de que Tom Hakns tocase el cielo con Forrest Gump era simplemente un actor cómico, por lo que su puesto fue también considerado para Steve Martin como Sherman McCoy, aunque Tom Wolfe quería a Chevy Chase para McCoy

Para el papel de juez, inicialmente se pensó en Walter Matthau fue ofrecido inicialmente el papel del juez, pero exigió un  $ 1 millón. Los productores se opusieron  y firmaron a Alan Arkin por  $ 150.000. Sin embargo, a continuación, Arkin fue sustituido por Morgan Freeman cuando el estudio decidió cambiar el origen étnico del juez , pasando de un judío a un afroamericano con el fin de moderar la política racial de la película y añadir el diálogo del juez en el que denuncia las acciones de manipulación de los personajes principales. Edward James Olmos también fue considerado para el papel del juez.

F. Murray Abraham , quien tuvo un papel importante en la película, optó por no ser acreditado, debido a una disputa contractual.

El estudio hizo cambios significativos en el perfil humano de los actores haciendo que Sherman McCoy sfuese más comprensivo y añadiendo una subtrama que involucra a un personaje menor, el juez Leonard White.

Las controversias en torno a la película se detallan en un libro llamado caramelo del diablo: La hoguera de las vanidades va a Hollywood (1991), escrito por Julie Salamon. Como ejemplo, el libro describe cómo Brian de Palma tuvo una relación difícil con Bruce Willis, quien entonces se estaba convirtiendo en una estrella, y que, en palabras de Julie Salamon, "era generalmente despreciado por la mayor parte del elenco y equipo [debido a su ego]. " En un caso, durante el rodaje de una escena en la que Willis estaba con Alan King (la escena en la que el personaje interpretado por King muere), Willis desafió al equipo para hacer que toda la escena se mueva más rápido, supuestamente porque estaba el set muy caldeado. Aunque Willis fue llamado fuera del set por Palma para discutir el incidente, esta escena particular terminó siendo considerablemente más corta y más simple de lo originalmente pensado.

Brian De Palma describe The Devil's Candy: The Bonfire of the Vanities Goes to Hollywood (1991) como "un libro muy bueno. Dejé que Julie Salamon ver todo. Ella retrató todo con mucha precisión. Pero quiero decir, nadie se dio cuenta de que iba mal cuando estábamos haciendo la película. Estábamos muy entusiasmados con lo que estábamos haciendo ".

El libro de Salamon fue relanzado en 2002 con un título revisado, The devil´s Candy: la anatomía de un fiasco de Hollywood, y el material aún más por Salamon (en la que describe la reacción negativa de Bruce Willis en el libro) .

En una escena de la película, Maria Ruskin ( Melanie Griffith ) llega a Nueva York en un Air France Concorde. El segundo director de la película, Eric Schwab, calculó la hora y el día en que una pista en JFK se alinearía exactamente con el sol poniente, para servir como telón de fondo, y logró filmar en el único período de 30 segundos cuando esto ocurre en un año determinado, mientras que ganar una apuesta que podría hacer que la escena una parte esencial de la película. El disparo de la cámara costó  $ 80.000  y duró sólo 10 segundos en el corte final.

Schwab también dirigió el tiro título de apertura - una casi igualmente elaborada y costosa "timelapse" de  24 horas dsobre Manhattan, a partir de una plataforma de la cámara al lado de una gárgola en la parte superior del edificio Chrysler .

La portada del libro de Peter Fallow en la película tiene un diseño similar a la primera edición original de la novela de Tom Wolfe de 1987.

El final de la película y el del libro difieren en algunos puntos de interés. Por ejemplo, el libro acaba como un "epílogo": mediante un artículo ficticio del New York Times se informa que Peter Fallow ganó el Premio Pulitzer y se casó con la hija de Gerald Steiner, el dueño del tabloide City Light. Maria Ruskin evitó ser acusada del atropellamiento y se casó de nuevo. El nuevo juicio de McCoy se paralizó pues el jurado no se pone de acuerdo: los blancos lo absuelven y los negros lo condenan. Kramer es expulsado del caso tras descubrirse que usó el apartamento de McCoy para tener encuentros sexuales con Shelly Thomas. Para colmo, McCoy no puede disponer de su dinero pues éste fue embargado en un juicio que la familia de Henry Lamb entabla por indemnización hasta por la suma de 12 millones de dólares, mientras aún espera que se reinicie su juicio por atropellamiento. Irónicamente, el abogado Tommy Killian revela que Henry Lamb, la víctima, ha sido olvidado por todos y murió a causa de sus heridas. En el guión original de Michael Cristofer terminaba con la salida de la víctima, Henry Lamb, del hospital, sugiriendo que todo había sido un invento. Pero ese final no gustó y fue eliminado.

En cuanto al rodaje hay muchos imágenes que pueden ser de Nueva York, pero otras no. Por ejemplo, el apartamento de lujo de Sherman y Judy McCoy fue construido en los Studios de la Warner Bros. en Burbank, y diseñado por Richard Sylbert . Los exteriores de  Park Avenue fueron filmados por la noche, usando efectos de lluvia y una cabina telefónica. Las escenas se rodaron en el vestíbulo 77 Park Avenue.

Las escenas de interiores del palacio de justicia se rodaron en Queens County Courthouse, por la noche.

La escena inicial en la que aparece el escritor , magnífica, fue rodada por Larry McConkey. con una  Steadicam usando hacia atrás una cámara subida a un carro de golf,

Las enormes escenas de fiesta fueron filmadas en el Museo de Historia Natural de Los Ángeles. Los exteriores del palacio de justicia estaban en el edificio Mario Merola / Palacio de Justicia del Condado de Bronx. La entrada del metro era falso - no hay estación de metro allí.

La película fue un fracaso comercial y también lo fue para la crítica. La película costó cerca de US $ 47 millonespero en un principio recaudó poco más de US $ 15 millones - en concreto consiguió en taquilla $ 15,691,192  en los  Estados Unidos- , por lo que fue un gran fracaso en taquilla para ser de Brian de palma.

La recepción crítica fue  ferozmente negativa. Tiene una calificación de un  16% "podrido" en Rotten Tomatoes , basado en 50 opiniones. Para Leoonard Maltin  en su Ananual Movie Guide la describe como una "espantoso comedia de mano dura'".

Muchos críticos se quejaron del casting, especialmente del lanzamiento de Hanks y Willis como McCoy y Fallow. Otros se quejaron de que a pesar de la apertura con un travelling bien ejecutada, los dos primeros actos de la película eran terribles en cuanto ritmo y que se gastó demasiado tiempo para hacernos simpático a Sherman McCoy en vez de avanzar la trama de la historia.

En la Revista Variety no gustó "las caricaturas crudas y las" revelaciones "por lo poco esclarecedora condición humana, que parecen estar a la altura de una Academia de Policía de entrada."

Según Vicent Canby en el New York Times se trata de una ", adaptación de la película sin gracia de Brian de Palma."

Para Owen Gleiberman de Entertainment Weekly lo llamó, "una de las películas más indecentemente mala del año."

Rita Kempley del  The Washington Post, "el director ha convertido en uno de los bufones del éxito de ventas de Tom Wolfe " y calificó la película," una calamidad por su casting y sus concesiones comerciales. "

En la revista Rolling Stone , Peter Travers escribió: "en el cine, la hoguera alcanza una consistencia de la ineptitud raro, incluso en esta era de bolsas de aire cinematográficas sobreinflado."

Gene Siskel escribió en el Chicago Tribune, que "la audiencia con la vista previa abucheó el film, (...) que concluye con un sermón. No he pateado porque estaba demasiado triste. Me di por vencido en la película mucho antes del final. "

En The Los Angeles Times, Sheila Benson llamó a la película", una, película exagerada para tontos. " Y  Steven Rea escribió en The Philadelphia Inquirer que  "Los libros grandes han sido bastardizados por Hollywood antes - es una tradición consagrada que cuenta a Hemingway, Faulkner y los escribas del Antiguo Testamento entre sus víctimas - pero tendríais dificultades para encontrar una adaptación tan mala como la de Brian de Palma en la Hoguera de las vanidades. Es (...) equivocada y miserablemente infundada la sátira negra de Tom Wolfe sobre la avaricia, los prejuicios y las injusticias criminales en la ciudad de Nueva York ... (ha sido ) despojada de toda ambigüedad y dimensión ", y terminó la revisión diciendo: es un desastre ".

El propio Brian De Palma  dijo que "El concepto inicial que tenía que ser incorrecta. Si usted va a hacer La hoguera de las vanidades, que tendría que hacer que sea mucho más oscura y más cínica, pero porque era una película tan caro hemos tratado de humanizar el personaje Sherman McCoy - un personaje muy antipático, (...) . podríamos haberlo hecho de que si hubiéramos estado haciendo una película de bajo presupuesto, pero ( se trataba de) una película de estudio con Tom Hanks . Nos hizo un par de opciones que, en retrospectiva estaban equivocada.

Creo que John Lithgow habría sido una mejor opción para Sherman McCoy, porque habría conseguido la arrogancia del personaje ".  Y prosigue " Yo sabía que la gente que había leído el libro iba a ser extremadamente infeliz, y le dije: "Bueno, esto es una película, no es el libro". Y creo que si nos fijamos en la película ahora, y que si nos sabes nada sobre el libro, (...) creo que se puede verse de una manera completamente diferente. "  Pablo Kurt en filmaffinity dijo de ella que era "Muy floja".

El abucheo general se transformó en cinco nomiciones para los Golden Raspberry  o Premios Razzie , incluyendo peor película, peor director, peor actriz ( Melanie Griffith ), Peor actriz de reparto ( Kim Cattrall ) y Peor Guión, pero no ganó ninguna de esas categorías. Es una comedia con muy poca gracia,

Como antes he señalado la he visto en dos ocasiones y reconozco que salvo detalles técnicos la película no me ha gustado nada. Es como comedia muy floja, y como sátira se queda en un chiste. Nada más. Es cierto que saca los colores a esa sociedad de oropel  que vive del engaño y de la falsedad más absoluta. La mentira y el oportunismo es presentada como una caricatura

Ahora con 76 años Brian de Palma no está retirado , pero lo parece. No obstante, desde este fracaso del año 90 ha vuelto a dejarnos buenas cosas como han sido Carlito´s Way (Atrapado por su pasado, 1993), la primera entrega - esta por encargo- de Misión Imposible (1996), y esa película homenaje al cine negro que fue The Black Dahlia, La Dalia negra hace ya diez años. Convencido estoy de que le queda una obra maestra por ahí. No olvidemos que junto con George Lucas , grandes amigos en los 70, hicieron un casting conjunto para Carrie y Star Wars; y además, ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película. ¿Cómo no va a tener cabida en la historia del cine?

Johnny y su fusil

Dalton Trumbo ha pasado a la historia del cine como un gran guionista, y sobre todo como un héroe. La razón de este último se debe a su oposición al macarthismo, esa época negra que vivieron los Estados Unidos, y que esperemos que no se repita en este nuevo momento que comienza con el mandato de Trump. 

Lo cierto es que el escritor nacido en Montrose, Colorado, en 1905 y fallecido en Los Ángeles, en 1976 fue, posiblemente, el más brillante de los novelistas y guionista integrantes en los Diez de Hollywood, el grupo rebelde que rechazó la investigación autoritaria y que se negó a testificar en 1947 en los famosos juicios del Macarthismo, o sea, la caza de brujas dentro de la búsqueda de elementos comunistas en la industria del cine. Él prefirió seguir fiel a sus principios y fue encarcelado durante 11 meses y exiliado posteriormente en México. 

Desde allí, continuó escribiendo con extraordinario talento, para defender la libertad de expresión y siempre bajo diferentes pseudónimos.Durante su exilio, Dalton Trumbo disminuyó su producción, pero se mantuvo activo dentro de lo posible, a menudo sin crédito. Debido a esto, fue relegado y tuvo que usar seudónimos en sus trabajos. 

Ganó dos Oscar por trabajos muy distintos: Vacaciones en Roma (1953) y El bravo (1956) y en secreto, gracias a colegas y seudónimos. En este segundo caso, la Academia de Hollywood lo reconoció como legítimo ganador de la estatuilla en 1975, un año antes de su muerte, mientras que en el primero, su victoria se oficializó póstumamente en 1993, ya que lo cubrió Ian McLellan Hunter, en el primer caso, y en El bravo (1956), cinta de Irving Rapper lo firmó como Robert Rich. 

Entre sus guiones también se incluyen las películas Papillon de 1973 y las más renombradade todas, el guión de Espartaco o Treinta Segundos sobre Tokio. 

Sin embargo, también fue director de cine y como tal llevó a la gran pantalla en 1971 una película con título Johnny cogió su fusil, inspirada en una novela suya, escrita en 1939 con la que consiguió el National Book Award, al libro más original. 

El libro llevaba por título Johnny Got His Gun, y tenía intencionalidad pacifista que surgió a raíz de la impresión que le transmitió la imagen de un soldado desfigurado en la Primera Guerra Mundial.

Siete años antes de morir tras sufrir un ataque al corazón a sus 70 años, Dalton Trumbo a sus 63 años asumió esa adaptación de su Johnny Got His Gun, una obra claramente antibelicista y podría ser interpretado como una apología a la práctica médica conocida como eutanasia. Se trató de una producción de Bruce Campbell que contó con un presupuesto que osciló, según fuentes, entre los $80,000 y el $1.000.000 de dólares a través de la productora World Entertainment. 

Lógicamente, Trumbo contó con Trumbo en el guión, aunque parece ser que en el mismo participó, aunque no está acreditado, Luis Buñuel . 

La película tendrá la música de Jerry Fielding, la fotografía de Jules Brennen y el montaje de Millie Moore.

El reparto está integrado por Timothy Bottoms como el protagonista, Joe Bonham; Kathy Fields como Kareen, su novia, Marsha Hunt como la madre de Joe, Jason Robards como el padre de Joe, Charles McGraw como Mike Burkeman, el padre de Kareen, Donald Sutherland como Jesucristo, David Soul como el soldado sueco de la Primera Guerra Mundial, Alice Nunn como la enfermera gorda (la tercera), Sandy Brown Wyeth como la prostituta californiana Lucky, Diane Varsi (1938-1992), como la joven y amable enfermera (la cuarta). Junto a estos aparecen Don Red Barry , Eric Christmas , Milton Barnes, Craig Bovia, Peter Brocco, Judy Howard Chaikin, Kendell Clarke, Maurice Dallimore, Robert Easton, Larry Fleischman, Anthony Geary , Ed Gilbert , Ken Globus,Ben Hammer, Wayne Heffley, Lynn Hanratty, Ernestine Johnston, Joseph Kaufmann, Jodean Lawrence, Mike Lee, Kerry MacLane, William Mims, Byron Morrow, Marge Redmond. Aparece el mismo Dalton Trumbo como Robert Cole. 

La triste historia comienza con escenas documentales de los momentos previos a la primera guerra mundial , con los líderes internacionales implicados, la movilización y la entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial. 

Casi de inmediato descubrimos lo que queda de Joe Bonham , Johnny (Timothy Bottoms), que es un soldado estadounidense que ha sido herido por una explosión durante una batalla de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). La bala de mortero hace que Johnny pierda todas sus extremidades, y los sentidos de la vista, el oído, el olfato y el gusto. 

Joe Bonham, se despierta en la cama de un hospital francés y después de haber sido alcanzado por la explosión de un obús, es dejado para la experimentación por parte del equipo médico, ya que el doctor piensa que es un vegetal y que ha perdido su masa cerebral. 

Sin embargo, eso no es así , pues gradualmente se da cuenta del alcance de sus mutilaciones , pues ha perdido sus brazos, piernas, y toda su cara (incluyendo sus ojos, oídos, dientes y lengua), pero su cerebro funciona perfectamente, esto lo deja prácticamente prisionero de su propio cuerpo. 

Reducido a un torso viviente, y aislado casi completamente de la realidad, rememora sus recuerdos más importantes por medio de flashbacks. Gracias a ellos conocemos parte de su pasado: su primera y única relación amorosa Kareen (Kathy Fields), la tolerancia del padre de ella- Mike Burkeman (Charles McGraw) que les permite pasar esa primera y única noche juntos tras encontrarlos besándose en su sala de estar en una escena llena de amor ternura y belleza ; la pérdida de su padre, Jason Robards; las salidas al campo a pasear y a pescar con el mismo - perdiéndole la caña de pescar-; su trabajo en una panadería, su apoyo a su madre ya sus hermanas después de la muerte de su padre, su alistamiento en el ejército porque "es el tipo de cosa que un patriota debe hacer, cuando su país está en problemas ". ... hasta que estos recuerdos se transforman en sueños y pesadillas y se ve incapaz de distinguir la realidad de la fantasía como la partida de cartas en la que participan los soldados muertos con Jesucristo (Donald Sutherland) o las conversaciones con éste; o las conversaciones con una prostituta o con novia o con el padre de esta, o incluso con su padre que lo quiere exhibir en las ferias como un monstruo, acompañado de su madre que parece presentar la exhibición,... 

Destacan las escenas de Joe con su padre (Jason Robards) y con Jesucristo (Donald Sutherland), a quien consulta en fantasías. Cristo realmente no tiene mucho que sugerir. No tiene respuestas, en las fantasías de Joe, porque no hay respuestas. Tras varios años incapacitado, y de descubrir pequeñas cosas ( la luz , los pasos con los que identifica a las enfermeras,...). 

Tras pasar allí varias enfermeras, consiguen dar con una joven enfermera (Diane Varsi) que percibe su difícil situación y que lo compadece e incluso en un momento lo masturba. Con ella consigue comunicarse mediante un código Morse especialmente se inicia cuando la enfermera le felicita la navidad al lisiado en el pecho. 

Finalmente ella trasmite a los médicos y a los generales la posibilidad de la comunicación y lo que él intenta decir por medio de ese código Morse, moviendo en espasmos la cabeza hacia delante y hacia atrás. 

Joe intenta comunicarle a sus médicos que desea que el Ejército lo ponga en un ataúd de cristal (en una especie de atracción pública) para demostrar los horrores de la guerra, o en su lugar, desea que lo maten. Sin embargo, él se da cuenta de que el Ejército no le va a conceder su petición, y lo dejará en un estado de muerte en vida. 

En un momento del filme, uno de los militares al mando reprocha al sacerdote su escasa implicación en el caso, a lo que el religioso responde: "Esto es producto de su profesión, no de la mía". En el clímax de la película, la enfermera intenta realizarle la eutanasia sujetando su tubo de respiración, pero su supervisor la detiene antes de que Joe pueda sucumbir.

La película termina de un modo sombrío, con Joe débilmente marcando un repetitivo «SOS, help me», que se transformará en un "“S.O.S. Mátenme”. Su cuerpo inútil e inmovilizado es abandonado en un almacén, y conservado para el estudio y el avance de la medicina, mientras en un título final se nos dice el número de muertos, mutilados y desaparecidos en la Primer Guerra Mundial y un frase en latín "Dulce et decorum est pro patria mori" , acabando así la película. 

La película fue rodada en el Lake Tahoe, en los Producers Studio, Highland Park, 55th Street y en Chatsworth , en Los Ángeles, en el Mirage Dry Lake, en Southern Mojave Desert, , en Culver City, todas ellas en California. 

Para su realización Trumbo contó únicamente con dos actores de renombre , el padre de Johnny que es Jason Robards y que recibió por su papel $40,000 , pero su papel pudo ser asumido por Walter Mathau , incluso por Steve Martin. El otro es Donald Sutherland , cuyas escenas como Jesucristo parecen ser que fueron escritas por Luis Buñuel. 

A priori, el título de la novela y película de Dalton Trumbo no guarda ninguna relación con el trascurso del libro o la cinta. El curioso nombre de la antibelicista obra tiene su origen en una canción estadounidense de George M. Cohan, que era una apología de la guerra y anima a los jóvenes estadounidense a participar en ella. Dicha canción, Over there, comienza con la frase «Johnny, get your gun» (‘Johnny, toma tu fusil’) y, claramente, insta a cualquier joven patriótico estadounidense a defender su país y alentar a los jóvenes estadounidenses a alistarse al ejército en los últimos años del siglo XIX y los primeros años del XX. Fue grabada en el primer año en que Estados Unidos se involucró en la Primera Guerra Mundial, aunque también hay versiones de Al Johnson, Enrico Caruso y Nora Bayes. 

Muchos de los recuerdos de la infancia del protagonista están basados en elementos reales de la vida de Dalton Trumbo en el estado de Colorado y en Los Ángeles (California). 

La novela está inspirada en un artículo que Trumbo leyó acerca de la visita del Príncipe de Gales a un hospital para veteranos canadienses de la Primera Guerra Mundial para ver a un soldado que había perdido todos sus sentidos y sus extremidades. "A pesar de que la novela era pacifista en tiempos de guerra, fue un éxito a nivel de critica y ganó un American Booksellers Award en 1940". Curiosamente fue publicada dos días después de la declaración de guerra en Europa, más de dos años antes de que Estados Unidos se uniera a la Segunda Guerra Mundial. 

La película recibió diversos premios en ese año de 1971. La película fue presentada en el Festival de Cannes, donde conquistó el Gran Premio del Jurado, el premio FIPRESCI. Ese mismo año fue nominado Timothy Bottoms en los Globos de Oro a la nueva promesa masculina. El Premio en Cannes contribuyó a que funcionara muy bien en taquilla en países como España , aunque la verdad es que en Estados Unidos no tuvo gran repercusión y casi cayó en el olvido. 

Para el crítico Roger Ebert al que nunca le había gustado las películas antibélicas por la urgencia de sus mensajes.Sin embargo, para el redactor de Chicago Sun Times "Johnny Got His Gun" de Dalton Trumbo olía como ese tipo de película contra la guerra. Salió del Festival de Cine de Cannes con tres premios y un aroma ligeramente piadoso, como si hubiera sido hecho para tipos de la "Student Peace Union" (...) . Pero no fue así en absoluto. Trumbo ha tomado el material más difícil: la historia de un soldado que perdió los brazos, las piernas y la mayor parte de su rostro en una explosión de la Primera Guerra Mundial- y lo manejó, por extraño que parezca, de una manera que es no tanto anti-bélica sino pro-vida. Quizás por eso lo admiro. En lugar de analizar los puntos irónicos de la "guerra para acabar con la guerra", Trumbo permanece obstinadamente en el nivel humano. (...) Trumbo usa flashbacks y fantasías para acercarnos al Joe vivo a nosotros, mientras que él existe en una muerte en vida. (...) 

Para Roger Greenspun en el New York Times nos dice que "Aunque el Sr. Trumbo es principalmente un guionista, el guión puede ser lo que justifica el fracaso de la película". 

Para Dan Lybarger en eFilmCritic.com nos dice que "Lamentablemente, el tiempo no ha hecho que esta historia sea menos relevante o potente". 

Pablo Kurt en Filmaffinity nos dice que es la "Más que una brutal y desasosegante película antibelicista (que también), se trata de una contundente apología de la eutanasia. El propio Trumbo adapta (eso sí, con una dirección mediocre) su propia novela y nos empuja hasta el borde del precipicio de la vida, nos agota la mente hasta la extenuación, nos exprime los afectos ante la visión de un simple trozo de tela blanca. No apta para corazones sensibles". 

Johnny y su fusil consiguieron se que fuese un éxito menor en el momento de su lanzamiento, pero fue olvidado pronto por la audiencia.  Aunque es bien sabido que Jimmy Carter pidió que todos los nuevos miembros del gabinete estatal vieran la película poco después de su elección como gobernador de Georgia en 1971, 

La película se hizo mucho más conocida cuando fue incorporada en el video de la canción "One" de el grupo de rock Metallica en 1989 que incorporó escenas de esta película en su videoclip y la conversión en una cinta de culto. Ante esto los miembros de la banda compraron los derechos de la película para no tener que pagar los correspondientes royalties cada vez que me tiene el vídeo. 

La película gusta de distinguir entre la realidad y la fantasía de Joe por medio del blanco y negro para Johnny en el hospital, y el color de sus sueños y recuerdos. Sus sueños son inducidos por las drogas, como cuando habla con su padre muerto y con Cristo, con el color saturado. Sus recuerdos están en un color más claro, como el viaje de pesca y su última noche con Kareen. La cara de Joe nunca se ve en las escenas del hospital, donde sus miembros amputados están cubiertos por las sábanas del hospital. 

Este sobrecogedor drama antibelicista fue filmado en plena guerra del Vietnam y de forma terriblemente angustiosa demuestra el sinsentido de la guerra y lo realmente absurdo en la misma. 

La película es demoledora , brutal, asfixiante y escalofriante , a la vez. Es absolutamente antibelicista y con ella, Trumbo nos muestra como la guerra deshumaniza al hombre, y luego lo vuelvo a humanizarlo. Lo más interesante está en combinar la realidad paralela que mezcla lo onírico y lo surrealista con el realismo directo y explícito en la línea temporal de la película en una magnífica utilización de la luz de Jules Brennen 

En cuanto al trabajo destacar el de Timothy Bottoms como Joe Bonham en un interesante debut y que pasa de la paciencia e inocencia del principio, a la angustia, al delirio y las ganas de morir , y, por supuesto, lo de Jason Robards y Donald Sutherland. Junto a "Senderos de Gloria" de Stanley Kubrick es un monumento sobre la reflexión sobre la guerra y lo que genera Johnny y su fusil.