Vermiglio

El cine italiano cuando se pone, se pone y el resultado suele ser brillante, brittantísimo. Este es el caso de la película Vermiglio, una película del año 2024 dirigida por Maura Delpero que fue la película ganadora del Gran Premio de los jurados en el Festival de Venecia de ese año y la representante Italia en los oscar de dos mil veinticinco, responsable del guion, de la producción y dirección. En la producción está igualmente Francesca Andreoli, Leonardo Guerra Seràgnoli , Santiago Fondevila Sancet siendo los productores ejecutivos David Levine y Nick Shumaker responsables de las compañías Cinedora, Rai Cinema , Charadas Productions y Producción Versus. 

En el apartado técnico destacan la fotografía de Mijail Krichman, el montaje de Gian Luca Mattei, la música de Matteo Franceschini y la escenografía de Vito Giuseppe Zito, Pirra, así como en vestuario Andrea Cavalletto 

La película se desarrolla en 1944 , en el remoto pueblo trentino de Vermiglio , coincide con el final de la participación italiana en la Segunda Guerra Mundial, en la que los soldados italianos han sido llevados a Alemania y con la llegada a la localidad de Pietro, un veterano soldado, G. Riso (Pietro De Domenico) , de origen siciliano que ha ayudado a Attilio, el hijo de la Tia Cesira ( Orietta Notari), una de las habitante de Vermiglio. 

Su llefaga trastoca la vida cotidiana de Cesare (Tommaso Ragno), un profesor y Adele (Roberta Rovelli), su mujer, su familia, los Graziadei, que son los protagonistas absolutos de la película. Lucía ( Martina Scrinzi ), la hija mayor del profesor, se enamora de Pietro y decide casarse con él, más aún al estar embarazada. 

En cuanto llega la noticia del fin de la guerra, Pietro regresa a Sicilia con el objetivo de que sus seres queridos sepan que ha sobrevivido, prometiéndole a su esposa que regresará pronto. Sin embargo, tras la desaparición de Pietro, la familia se entera por el periódico de que Pietro, es bígamo, al estar ya casado con una siciliana, y que ha sido asesinado por ella. 

Mientras tanto, Lucía da a luz a Antonia, la bebé que esperaba con Pietro. La muerte de Pietro devasta a Lucía, quien cae en la desesperación y rechaza a la niña, considerando el suicidio, del cual su hermano Dino (Patrick Gardener), el rebelde de la familia, la salva. 

Durante su recuperación gradual, viaja a Sicilia, donde tiene un encuentro cercano con la primera esposa de Pietro y visita la tumba de su esposo. Mientras tanto, ha confiado a la niña a un orfanato, donde se ha refugiado su hermana menor, Ada (Rachele Potrich ), quien se ha convertido en monja. 

Finalmente, Lucía , como ya hicieron otras antes, como Virginia ( Carlotta Gamba), la querida amiga de Ada, decide ir a la ciudad a trabajar para una familia adinerada, prometiéndose a sí misma que regresará más tarde por su hija. 

El rodaje de la película comenzó el 28 de agosto de 2023 y terminó el 18 de diciembre en Val di Sole : en Vermiglio , la ciudad natal del padre del director, una comuna italiana de 1.767 habitantes de la provincia autónoma de Trento, en Carciato y en Comasine . 

Maura Delpero decidió hacer la película después de la muerte de su padre para que ayudara a preservar las tradiciones en las que creció, realizando también muchas entrevistas con la población local durante la preproducción. De ahí que aparezcan ceremonias tan interesantes como la procesión de Santa Lucía, protagonizada por los hermanos Graziadei. 

El coste total de producción fue de 4.265.736 euros.Vermiglio es un drama rural, íntimo y poderoso con ambientado durante la segunda Guerra Mundial en un remoto pueblo alpino del mismo nombre.La película se estrenó en el 81° Festival Internacional de Cine de Venecia el 2 de septiembre de 2024 recibiendo el Gran Premio del Jurado, el León de Plata, donde obtuvo un par de nominaciones. Tras su estreno generalizado recaudó 4 380 242 $. 

Vermiglio tuvo siete premios David de Donatello  en ese año mil veinticinco incluidos los de mejor película y dirección recayendo - aunque estuvo nominado en otros siete-  esta última en Maura Delpero quién " agarra el hilo que han ido dejando cineastas como Pierre Paolo Pasolini coman los hermanos taviani o Ermanno Olmi" (El País).

La película en los Globos de Oro fue nominada a Mejor película de habla no inglesa. En los Premios del Cine Europeo (EFA) tuvo otras dos nominaciones. En el Festival de Valladolid - Semincifue nominada a Mejor Película - Espiga de Oro. Y en los Premios Gotham fue nominada a Mejor película internacional. En Chicago obtuvo el Premio Hugo de Oro.

Es una cinta naturista, marcado por el realismo poético y llena de detalles. La llegada al pueblo de un taciturno desertor es el detonante que marca un antes y un después en la vida de los habitantes de este pueblo remoto. La película está protagonizada por actores profesionales y no profesionales y la mayor parte de ellos lugareños que en la versión original que es la que he visto, hablan en dialecto solandro, una lengua de origen rético-ladino con influencias lombardas, perteneciente al grupo romance de la familia lingüística indoeuropea. El dialecto solandro es hablado por aproximadamente 15.000 personas en los valles de Sole, Peio y Rabbi. Algunas fuentes lo consideran un dialecto . 

La película recibió críticas favorables de los críticos de cine italianos . Matteo Pasquini, de Ciak, escribe que, al igual que en la película anterior, Maternal, el guion nos habla de la relación madre-hijo en un «marco extremadamente refinado, coherente y homogéneo tanto lingüística como estilística y narrativamente». 

Federico Pontiggia, de Cinematografo, también afirma que la película sintetiza «la experiencia documental previa, con mayor ambición, libre albedrío y calma», afirmando que «la dirección de los actores es excelente, la calidad antiespectacular es preciosa, la poesía de la guerra y la paz es admirable, tenemos una gran autora: Maura Delpero». 

Pietro Masciullo, de Sentieri selvaggi, afirma que Vermiglio es «salvo algún esquematismo, una película sincera y honesta con sus espectadores, que confirma la mirada personal y consciente del director». 

Antonio Cuomo, de Movieplayer.it, define la película como «íntima y emotiva», afirmando que, si bien «en términos de ritmo y tono puede que no sea una película que llegue a todo el mundo, quienes logren sintonizar con ella quedarán impactados y se involucrarán en la vida de la comunidad que la acoge». 

En una reseña menos entusiasta, Davide Turrini de Il Fatto Quotidiano afirma que se nota «un intento de producción costoso y audaz de crear un set» ya que « los fotogramas de Vermiglio parecen vacíos», preguntándose si es «una indecisión o una inexperiencia de dirección, si las elecciones de los directores de fotografía y los operadores de cámara en el set son demasiado invasivas»

Ya en los Estados Unidos Jessica Kiang, de Variety , afirma que «la economía es la consigna de esta película», que es «engañosamente formalista» desde la dirección hasta el montaje, desde la composición musical hasta el vestuario, lo que contribuye a una fascinante distancia narrativa que se contradice con la nitidez de los primeros planos de las imágenes. Kiang escribe que, aunque la historia se ambienta en el pasado, «actúa como un futuro familiar secreto que se despliega en el presente» a través de «los espíritus de las madres, hermanas e hijas que la precedieron y la siguieron, y que confiaron en las imponentes montañas para guardar sus secretos».

Para Damon Wise de Deadline la película es "Técnicamente, es una maravilla del cine de época, una visión inmersiva de la vida rústica tan llena de autenticidad que puede inspirar a los espectadores más entusiastas a ponerse un sombrero folclórico" 

En la web de  rogerebert.com Matt Zoller Seitz  escribe que "La cinta da la sensación de un cuento transmitido de generación en generación (...) A veces basta una mirada silenciosa para comunicar un cambio, o que ha ocurrido fuera de la pantalla (...) 

En la prensa británica, Peter Bradshaw The Guardian "Un drama lleno de compasión, emoción y detalles. Está maravillosamente interpretada con un naturalismo impoluto (...) 

Para Wendy Ide del The Guardian "Desde la íntima contención de las primeras escenas, la dirección de Delpero se vuelve más fracturada y abrasiva. Es una obra sobresaliente (...)

Ya en España, Tommaso Koch de El País afirma que la película "[Una] muestra de sutileza, intención y capacidad de contar todo en su justo tono y equilibrio. (...) Con un talento asombroso y mesurado, con imágenes de gran hermosura, con una sensibilidad enorme para comprender y contar, sin juzgar, a todos sus personajes" En este mismo diario Javier Ocaña  es el responsable en señalar algo que ya he,mos señalado "La bella y poderosa 'Vermiglio' es el último eslabón de un estilo entre lo contemplativo y lo racial. Su directora agarra el hilo que han ido dejando cineastas como Pier Paolo Pasolini, los hermanos Taviani y Ermanno Olmi" 

Desde Barcelona, Nando Salvá en El Periódico la califica de "Hipnótico largometraje (...) Delpero construye el drama de su historia sobre constantes elipsis narrativas que a menudo relegan los acontecimientos al fuera de campo, y dejando que las consecuencias de estos se nos insinúen en silencio, tan sutiles como rotundas"  Para Quim Casas en este periódico "El filme destaca precisamente por el estudio atento de estos comportamientos directos e instintivos en un mundo en el que la guerra es un eco devastador. (...)". Igualmente desde esta ciudad, en Vanguardia Jordi Batlle Caminal Diario La Vanguardia "El registro, propenso al plano fijo, es extremadamente realista y la observación, rigurosa, detallista, austera y sin florituras. (...) Una obra (...) concebida con cierta pureza, sin recurrir a subrayados (...)

Oti Rodríguez Marchante habitial crítico de ABC dice de ella que es una "Película de enorme belleza visual (...) Un filme sencillo que provoca gran curiosidad visual y que tiene esa textura de fábula mientras pasan las estaciones del año y lo cotidiano y duro de la vida. (...) " 

Sergi Sánchez de La Razón "No hay en “Vermiglio” ni un subrayado, ni una sobreescritura, en una puesta en escena que destaca por su austeridad (...) es una película de gestos contenidos pero intensos. (...)" 

En la revista Cinemanía Paula Arantzazu Ruiz afirma que "La sencillez de las protagonistas de Delpero también nos enseña las complejidades de su existencia. Delicada y esencial, una película de otro tiempo que hay que celebrar con alegría (...) .

La película, me ha gustado y destaca de la misma lo delicada , lo realista y cómo huye del victimismo siendo un retrato histórico y realista que no recurrir al pesimismo ni al optimismo excesivo, sino por mostrar un realismo sincero y observar la vida cotidiana de una comunidad remota con cariño y aceptación. Es una gran película de inspiración familiar y temática íntima cpon una trama, lposiblemente, inspirada en la propia familia de la directora Maura Delpero. Se centra en la vida de una numerosa familia y cómo la llegada de un soldado refugiado (desertor) altera para siempre la dinámica del lugar. 

Además apuesta por una narrativa de "cuatro estaciones": La película está estructurada, casi como un ciclo natural, a través de las cuatro estaciones, como refleja Cesare con la música, explorando la represión conservadora, los cambios en una comunidad aislada y la vida de los personajes en este entorno severo. Tiene un estilo cinematográfico pausado algo quee fue elogiada por ser una película "de otro tiempo", delicada y esencial, centrada en los personajes y el entorno en lugar de en grandes giros dramáticos. En la película el paisaje juega un protagonista absoluto. La ubicación en la montaña se convierte en un elemento central, mostrando el paisaje alpino no solo como fondo, sino como un elemento que influye en la mentalidad y el ritmo de vida de sus habitantes. Hay cierto tono ético. El trasfondo está pleno de "modestia y respeto" Se destaca por honrar a seres humanos "poco espectaculares" y mostrar la vida en un lugar geográficamente aislado, con un profundo respeto por sus costumbres y cotidianidad. En definitiva, Vermiglio es una joya del cine italiano que combina un contexto histórico complejo (el final de la guerra) con una historia familiar íntima y paisajística, destacando por su sensibilidad, precisión y ritmo reposado. Muy recomendable.

Siempre nos quedará mañana

Cuando los italianos hacen buen cine, hacen el mejor. Esto es el caso de C' é ancora domani una maravillosa película italiana que emociona y divierte que es una muestra del mejor cine y se puede hacer en Europa. En ella, una producción en la que están presentes Wildside, Vision Distribution, Sky Italia, Netflix, Ministero della Cultura dieron vía libre a la actriz, guionista y en este caso, debuutante fdirectora, Paola Cortellesi para hacer una película que se centra en la historia de una familia, pero especialmente la de una mujer maltratada, humillada continuamente y que parece lo va a romper con su familia abandonando a su marido, pero al final nos sorprende a todos participando en las primeras elecciones en las que las mujeres italianas pudieron votar.

La protagonista es participante activa en aquel domingo 2 y el lunes 3 de junio de 1946, en las que fueron las primeras elecciones en las que pudieron votar las mujeres en Italia. De los veinticinco millones de electores 13 millones fueron mujeres. El 89% de ellas decidieron participar en las elecciones. Como dice Anna Garofallo "las mujeres se aferraron al voto" como si no hubiese un mañana. 

La película acaba con imágenes reales de la masiva participación femenina en Roma. Cambiaron el régimen político pues Italia pasó de ser una monarquía la de los Saboya a una República, su primera República. 

La película del año 2023 está dirigida por Paola Cortellesi que también participa como actriz la película fue todo un éxito en Italia, donde recaudó más de cinco millones de euros. 

Siempre nos quedará mañana es una cinta imprescindible, un canto a la libertad que muestra, a través del humor, la cruda situación de las mujeres italianas en la Roma de la posguerra, mujeres que allanaron el camino a las que vinieron después. 

La película es una ópera prima de la actriz Paola Cortellessi quien también protagoniza la película eh reinterpreta de forma esperanzadora, contemporánea y universal el cine del neorrealismo, poniendo en el centro a una mujer, madre, trabajadora y víctima de la violencia machista por parte de su marido. 

La protagonista es Delia, y la descubrimos al primer bofetón que le da su marido tras un "Buengiorno, Ivano". Delia está casada con Ivano, quien regularmente la golpea, y la somete a constante acoso y humillaciones; la pareja tiene tres hijos. Además Delia ha de ciudar del impresentable padre de Ivano que también le pone la mano encima y no la respeta. 

La hija mayor, Marcella, a punto de comprometerse, desprecia a su madre por la pasividad con la que sufre los abusos conyugales. 

La jornada de Delia se divide entre tareas domésticas, y diversos trabajos mal remunerados como costurera, remiendos de ropa interior , empleada doméstica, limpieza y aplicación de inyecciones en casa además de reparaciones de paraguas. 

Los únicos alivios son su amistad con Marisa, una verdulera ingeniosa y optimista, y Nino, por quien tuvo un tierno cariño en el pasado. Nino, mecánico y expartisano, le sugiere escapar con él a Lombardía en busca de mejores oportunidades laborales y vitales. 

Un día Delia encuentra en el suelo una fotografía. Reconoce rápidamente al protagonista y se le devuelve. Se trata de una foto familiar al soldado afroestadounidense William, quien le agradece ofreciéndole una barra de chocolate. Después de varios encuentros, William se ofrece a ayudarla al notar los moretones en su cuerpo. 

Además, Delia recibe una carta cuyo contenido no se revela y, aunque inicialmente piensa desecharla, decide conservarla. 

Mientras tanto, Marcella organiza su boda con Giulio, el joven vástago de una familia adinerada, los Moretti, dueño de una cafetería y heladería de la zona. Ivano apoya este matrimonio, intuyendo los beneficios económicos que podrían derivarse de él. 

Sin embargo, al presenciar un episodio en el que su novio, Giulio, amenaza a Marcella, si ella vuelve a pintarse para ir a trabajar, Delia comprende que su hija va a tener un matrimonio similar al suyo, en el que sería regularmente acosada y humillada. Con la ayuda de William, consigue arruinar los planes matrimoniales de la pareja, ya que convence al norteamericano en arruinar el negocio de los Moretti.

Aunque estaba decidida a escapar con Nino el 2 de junio, Delia se ve obligada a postergar sus planes cuando su suegro muere repentinamente esa misma mañana. Aunque intente ocultar la noticia a su familia, se ve atrapada en el velatorio y obligada a permanecer más tiempo en casa. 

Al día siguiente, antes de salir de casa, Delia le deja el dinero que había ahorrado a Marcella para que pueda proseguir sus estudios y se propone finalmente cumplir lo que había planeado: acude en secreto a las urnas para votar al referéndum sobre la república y elegir la Asamblea constituyente, su primera experiencia de voto, como para las demás mujeres de Italia. 

Habiendo perdido accidentalmente su tarjeta electoral en casa, encontrada primero por Ivano y luego por Marcella, se ve perseguida por ambos: Marcella le devolverá el documento válido a tiempo para emitir su voto. Al ver a Ivano dirigirse hacia ella, Delia piensa en salir corriendo, pero en el último momento se detiene y gira para mirarlo, imitada por las demás mujeres presentes, lo que hace que su marido se vaya. 

Esa es la historia de una mujer que lucha para sacar adelante a sus hijos como, en especial a Marcela para que no tenga que sufrir los golpes que a ella le toca percibir. Sin embargo, parece que esa terrible existencia va a cambiar cuando llega a casa una carta con un importante mensaje. 

La película fue presentada en la 18ª edición del Festival de Cine de Roma, compitiendo en la categoría Progressive Cinema - Visioni per il mondo di domani (tdl. ‘Cine progresivo - Visiones para el mundo del mañana’) como película de apertura del certamen y donde obtuvo dos premios, incluido el Premio Especial del Jurado y una mención especial como Mejor Ópera Prima. La revista Ciak d'oro la nominó al mejor actor (Valerio Mastrandrea), mejor actriz revelación ( Romana Maggiora Vergano) y mejor cartel.

Posteriormente recibió el premio a la Película del Año en los Nastri d'argento 2024. Allí la película obtuvo el récord histórico de nominaciones a los premios David de Donatello, veinte, de los que ganó entre otros,, los correspondientes al mejor ópera prima, guion, actriz y actriz secundaria. En el exterior fue premiada a la mejor película del año en el Festival del Cine de Göteborg

La película fue un éxito de taquilla en Italia, apreciada tanto por la crítica italiana como por la extranjera extranjera por la dirección y actuación de los actores Paola Cortellesi, Vinicio Marchioni, Valerio Mastandrea, Enmanuela Fanelli, Giorgio Colangeli o Romana Maggiora, y con una magnífica banda sonora a la que acompaña una selección de canciones de la época acertadísimas. 

La banda sonora fue realizada por Lele Marchitelli, y alterna composiciones originales con canciones ya existentes. Las canciones que aparecen son Aprite le finestre (Fiorella Bini), Calvin (Jon Spencer Blues Explosion), M'innamoro davvero (Fabio Concato), Irrequietezza (Lele Marchitelli), La lettera (Lele Marchitelli), Nessuno (Musica Nuda), Perdoniamoci (Achille Togliani), Nella città (Lele Marchitelli), La sera dei miracoli (Lucio Dalla), Ansia e dolore (Lele Marchitelli), C'è ancora domani (Lele Marchitelli), B.O.B. (Bombs Over Baghdad) (OutKast), A bocca chiusa (Daniele Silvestri), The little things (The Big Gigantic con Angela McCluskey), Swinging on the right side (Lorenzo Maffia y Alessandro La Corte), Tu sei il mio grande amor (Lorenzo Maffia, Alessandro La Corte y Enrico Rispoli). 

La crítica del país la elogió sobradamente. Paolo Mereghetti, en una reseña sobre la película para el Corriere della Sera, escribe que el trabajo de Paola Cortellesi es «definitivamente extraordinario» ya que las elecciones de dirección «intentan encontrar un equilibrio inesperado entre un tono realista y otro más ejemplar y didáctico», constatando en algunas soluciones cierta «ingenuidad», pero reconociendo que son «consecuencia de la ambición y la originalidad puestas en juego». El crítico afirma que la película pretende «ampliar el debate sobre Delia y las otras mujeres hacia una dimensión que ya no sea sólo individual, sino finalmente colectiva y social», añadiendo que, a pesar de abordar cuestiones «de violencia y maltrato», el proyecto «nunca los muestra en su crudo realismo».

Boris Sollazzo, de The Hollywood Reporter Roma, aprecia la capacidad de la directora para realizar «los planos, especialmente los más enfáticos y paroxísticos, de manera contraintuitiva, para subrayar la normalidad de un paseo o de una discusión», mientras que la fotografía y el montaje son «lo suficiente abruptos, siguiendo un lenguaje también visual de la época, aunque con rasgos y algunas soluciones de dirección modernas.»

Cristina Battocletti, de Il Sole 24 Ore, afirma que Cortellesi como directora «sigue la estela de un civismo que caracteriza toda su carrera», que demuestra «inteligencia también a la hora de hacer suya la lección de la Commedia all'italiana» y de personificar a «una máscara muy original en el sentido noble de la comedia del arte».

Alessandro De Simone de Ciak también escribe que la película se basa en el género de la comedia con una «valiente contaminación entre musicales, neorrealismo [italiano] y posmodernismo» y «en cierto punto, casi se inclina hacia las historias de detectives». El periodista subraya que aunque no todo resulte equilibrado, el guion «aporta un nivel cinematográfico superior» al proyecto, apreciando «los ritmos cómicos y todas las interpretaciones», especialmente las de Emanuela Fanelli, Paola Tiziana Cruciani y «la hermosa sorpresa» de Romana Maggiore Vergano.

​ Piera Detassis de Elle Italia considera que la película «obviamente mira con amor el neorrealismo pero es completamente contemporánea», calificándola de «convincente».

​Un comentario similar procede de Federico Pontiggia, de Cinematographe, que sostiene que la película «sabe maniobrar entre lo cómico y lo trágico y evocar sin demasiadas pretensiones el neorrealismo rosa, y por tanto la comedia italiana en los personajes humanos, en la decoración, en la clima sociocultural».

Gabriele Niola de Esquire, sin embargo, plantea algunas objeciones al éxito de algunas secuencias de la película, citando una escena que «intenta una difícil unión entre danza y violencia» y, «aunque su intención de contar las raíces de esa violencia es clara, en cualquier caso es torpe.» Sin embargo, el mismo periodista afirma también que, a diferencia de la «banalidad sin ideas de las comedias italianas», Siempre nos quedará mañana es «muy vivaz a nivel de la dirección» y «llena de ira», «como todos los mejores debuts».

​ Luisa Garribba Rizzitelli del HuffPost Italia cree que la película presenta «algo revolucionario y lleno de esperanza», ya que no está dirigida «a las mujeres [...], sino a sus compañeros, sus hermanos, sus padres, [que] no pueden evitar verse reflejados en la secuencia de episodios despiadados: el poder masculino excesivo desvirtuado por los privilegios de la cultura todavía patriarcal». Rizzitelli sostiene que Cortellesi «no muestra un tiempo pasado, sino el espejo de lo que todavía está ahí hoy» al imponer en el final de la película «a los hombres, precisamente, decidir de qué lado tomar, determinando su propia posición respecto a las luchas de feminismo.» 

En los Estados Unidos la crítica no fue tan unánime . Por ejemplo, Beatrice Loayza del The New York Times dice de ella que "A pesar de sus desalentadores paralelismos con la vida real, es un placer para evadirse"; y menos le gustó a Beandrea July columnista de IndieWire quien escribió malamente sobre ella al decirr que "El guion oscila desconcertantemente entre el dramatismo y el humor, recurriendo al sentimentalismo barato y a la comedia pesada para distraer la atención de su falta de profundidad". 

Por su parte,Ty Burr del The Washington Post comenta que es "Un éxito italiano pero un fracaso en inglés (...) Conmovedora, pero sin armonía (...). 

Para Abby Olcese quien escribe en la web rogerebert.com destaca que "Es la sencillez de la historia combinada con la excelencia de la realización cinematográfica, aunque a menudo resulte engañosamente simple, lo que hace que acabe funcionando (...)" . 

En la progresista revista Slant, Anzhe Zhang sostuvo que era "Una película sobre la violencia doméstica que resulta divertida gracias a números musicales coreografiados y momentos de un realismo mágico ligero (...)"; mientras que Alissa Simon de Variety destacó de ella que "Aborda temas serios incorporando al mismo tiempo un humor pícaro". 

En Europa gustó más como vimos en la crítica italiana. En Gran Bretaña , Allan Hunter de Screendaily escribió sobre ella que era "Un melodrama desvergonzado y a la antigua usanza se convierte en la historia más meditada de pequeñas victorias en el camino hacia el empoderamiento femenino". 

En The Times, Ed Potton, afirmó que era "Una película entretenida e inusual, pero no el clásico que se anuncia (...); y en The Guardian, Peter Bradshaw, destacó que era "Un drama de la clase obrera de la Roma de posguerra, rico e incluso escandalosamente sentimental. (...). En este mismo diario, Wendy Ide dijo de ella que era "Una tragicomedia empoderadora sobre una esposa maltratada en la Roma de la posguerra (...) Audaz y agridulce (...)". 

Más generoso en su crítica, Jonathan Romney del Financial Times dijo de ella que "Con un diseño meticuloso y un trabajo de cámara perfecto de Davide Leone, se trata de una película única, reflexiva, emocionalmente satisfactoria e inmensamente entretenida(…)". 

Ya en España, en la que tampoco obtuvo tanto impacto los críticos la valoraron positivamente en toda la prensa salvo en El País. 

Para Oti Rodríguez Marchante habitual de ABC "Más que la historia, lo que sorprende es la forma y el tono elegidos para su desarrollo, con decisiones de puesta en escena inesperadas y la excelente mano de la directora para no reamargar lo amargo (...)" . 

Elsa Fernández-Santos de El País la película no deja de ser una "Comedia dramática que, aunque peca demasiadas veces de almibarada, resulta eficaz y curiosa. Cortellesi introduce elementos musicales (...) que le permiten hablar de violencia de género con originalidad, pese a los desequilibrios" . 

En Cinemanía, Enid Román Almansa dijo de ellka que "Se necesita maestría, tacto y talentos como los de Valerio Mastandrea, Vinicio Marchioni y la hipnótica Romana Maggiora Vergano para narrar de manera tan justa y a su vez atípica historias tan delicadas (...)" . 

Y en Fotogramas, Juan Pando, destaca la labor de la directora y guionista ya que "Cortellesi reinterpreta, con un guion ágil, el cine neorrealista y la comedia alla’italiana en clave feminista. Los personajes están bien definidos (...) y la dirección artística y la fotografía, cuidadas. (...)  

Una película filmada por Davide Leone en blanco y negro, aunque negros son especialmente los temas tratados y abordados relacionados como la cultura patriarcal, la violencia de género y los derechos de las mujeres. Ha sido reconocida entre las mejores películas de 2023.lo dicho una película magistral. 

Botte di Natale

Uno en los años 70, no luchaba contra Franco, pues a diferencia de nuestro Presidente de Gobierno que con sus dos añitos ya era antifranquista y luchaba contra él y sus instituciones, sino me dedicaba a jugar o a las cosas propias de mi edad. 

Yo a su edad iba al cine. En esa década veía parte de las películas que se estrenaban y sobre todo me fijaba en los carteles de las películas. Por supuesto en las de Terence Hill y Bub Spencer, una pareja de actores norteamericanos, - eso pensaba yo, por aquel entonces- , cuando todavía no teníamos 10 años y no luchábamos contra Franco. A esa edad nos preocupan los mamporros, los frigoles, los policías torpes, los malos... ¡Qué poca vergüenza la de mi generación que con diez años no luchamos contra Franco , pero íbamos al cine a ver película como Dos superpolicías, Par o Impar, o las de "Les llamaban Trinidad".

Si ibas a ver esas películas. te encontrabas, lo esperado. Así que hoy cuando he visto Y en Nochebuena... ¡se armó el belén! - o The Troublemakers , como se llamo en los Estados Unidos- esperaba ver un típico producto de Spencer / Hill. Y , efectivamente, eso he encontrado, una comedia del año 1994 escrita por uno de los hijos de Terence, en concreto, Jess Hill con ambientación de western, dirigida por su padre, Terence Hill. 

Participan en la película y en calidad de productores Giuseppe Pedersoli, el hijo de Bud Spencer,  y Matthias Wendlandt para la productora Rialto Film, quedando como productores ejecutivos Willy Egger, Günther Russ. 

En el apartado técnico están presentes en la Fotografia Carlo Tafani, en el montaje Eugenio Alabiso, en la música Pino Donaggio, en la escenografía Mario Garbuglia y en el vestuario Vera Marzot y Barcie Waite. 

Y es curioso lo que les unió en sus dos entregas de "Le llamaban Trinidad", una película que pudo ser trilogía, tardó casi 25 años en retomar esa historia. Pero como los personajes que representan, Terence Hill y Bud Spencer, son así de tercos, volvieron a reunirse para rematar y hacer una no acreditada como tal tercera parte de los "Trinidad". 

Aunque ya no eran los mismos actores, puesto que el paso del tiempo les había hecho mella, lo cierto es allí estaban. Y aunque Bud Spencer estaba mayor, ajado, en muchos momentos inexpresivos, pues ya tenía más de 60 años y ya no podía montar en caballo y lo tenía que hacer en carreta, en la película es el mismo hombre bruto y fuerte, en este caso casado y con 10 hijos. No dudaba en participar en ella puesto que la película estaba producida por  su hijo , Giuseppe Pedersoli, y escrita por el hijo de su amigo Terence (Jess Hill). Tampoco Terence era el galán de los setenta y primeros ochenta. Pero la esencia de sus gags estaban allí. Con sheriff un poco torpes que tienen como único objetivo ganar en su partida de ajedrez; el gusto por los animales , aquí enamorándose de una veterinaria con oso o víctima de un perro que siempre muerde a Terence cuando va a salvar a alguien de la horca; el ahorcamiento de Bud con rotura de la cuerda incluida o de las vallas de madera cuando él se apoya; o las ocurrencia para actuar como cazarrecompensas ... A todo ello se suma la excelente música de Pino Donaggio, el presupuesto generoso y una antológica pelea final que dura más de 10 minutos a base de mamporros y golpes de lo más variado. Todo muy común a lo habitual que hacían Mario Girotti y Carlo Pedersoli, más conocidos como Terence Hill y Bud Spencer actores que practicaban un humor muy simple casi nueve años después de su última gamberrada para reencontrarse con el “western”. 

La historia a desarrollar, una tontada. Se acerca la Navidad y Maw, la madre de un par de chicos que no son malos, pero no son buenos- Travis y Moses- y que hace tiempo que están fuera de casa, siente nostalgia por esos dos hijos totalmente ausentes. Así que le escribe a uno de ellos, al más joven, Travis (Terence Hill), que es un hábil cazarrecompensas y le pide que busque a su hermano mayor, Moses (Bud Spencer), que también se dedica a esto y que acaba de detener a un secuestrador de mujeres, Blackjack, y que se reúnan todos en su casa en Nochebuena. 

A Travis lo conocemos rápidamente. Es habilidoso pistolero, que al recibir la carta de su madre, Maw, en la que le pide que lleve a su hermano Moses y a su familia a una reunión navideña y que les entregue un tesoro desconocido que ella afirma haber heredado de su padre no duda en hacerlo.  

Moses es un cazarrecompensas, que está enojado con Maw, por dejar sueltos sus caballos robados. Además, Moses se ha convertido en el más tenaz cazarrecompensas del Oeste y anda tras los 5.000 dólares que ofrecen por la cabeza de un hombre malvado, Sam Stone. 

A éste malvado lo conocemos pues Travis, sin saber que su hermano busca la recompensa, salva a Stone de una muerte segura y tras recibir la carta de su madre, lo utiliza como anzuelo para atraer a su hermano... Moses se entera de que el fugitivo Stone y su banda están cerca, y decide trabajar junto con su hermano Travis, muy a su pesar, pues no aguanta a su hermano. 

Al mismo tiempo, Travis revela las intenciones de su madre a su cuñada Janie y a su sobrino mayor, el intrépido y amante de caballos, Moses Junior, manteniendo a Moses ajeno a la idea de que vayan toda la familia a pasar  la Navidad. 

Los dos comienzan la búsqueda de Stone y cuando se van a la mañana siguiente, la familia de Moses se dirige a la casa de Maw. 

Entretanto Travis conoce a una bella germana, la berlinesa Bridget y a su hermana, Melie. Los dos se encuentran en dificultades pues quieren abrir una clínica veterinaria y siempre están molestadas por el turbio Dodge y sus secuaces.  Moses llega de mala gana y ayuda a Travis a acabar con ellos. La mujer, Bridget, invita a los hermanos a tomar galletas y té con ella y su hermana. 

Travis  se pelea a puñetazos con Dodge y los suyos, resolviendo el problema de las dos hermanas gracias también a la ayuda de Moses, quien finalmente logra amedrentar al mayor de los secuaces de Dodge. 

Después de marcharse y montar el campamento, Travis encuentra a Stone y a su grupo, hablando de robar un banco, al día siguiente al mediodía. 

Al día siguiente, los hermanos planean una trampa para atrapar a Stone. El plan fracasa cuando entran en el momento equivocado. El sheriff y su ayudante confunden a Travis y Moses como integrante de la banda de Stone y los arrestan. Los hermanos son acusados ​​de complicidad con Stone y arrestados por el sheriff Fox  y su ayudante, amantes del ajedrez.

Una vez en la cárcel, Bridget paga la fianza de Travis para que él pueda hacerle un favor más tarde como es recuperar a su oso, un regalo del padre a las chicas. 

Pero al no haber pagado el dinero de Moses, éste es condenado a la horca a la mañana siguiente, , pero aunque acuerda con su hermano que lo libere dada su habilidad en el manejo de las armas, lo cierto es que la intervención de un can impide que consiga su objetivo. No obstante, aún así logra salvarse gracias a su tamaño; de hecho, la horca no puede soportar su peso y se derrumba, provocando daños desastrosos. 

Más tarde, los dos hermanos desarrollan un nuevo plan para resolver el problema de Bridget, pero el plan también falla y los dos son capturados nuevamente por Stone, quien los mantiene presos en el desierto. 

En este punto Travis le revela a Stone que él fue su salvador cuando fue condenado, y por ello Stone paga su deuda, dejándolos en libertad. 

Como el objetivo sigue siendo el mismo, detener a Stone,  ideado por Moses. Este un plan B funciona, pero Moses se queda dormido, Travis libera a Stone y Stone lo ata con un muñeco. Moses abandona a Travis, pero éste se deja llevar por unos indios navajos que viven cerca. 

Hablando entre ellos, Travis intenta convencer a Moses de que vaya a visitar a su madre para hacerse con un tesoro guardado por su difunto padre. Moses no cree esta historia y, persistiendo en la propuesta de Travis, se queda dormido, sin darse cuenta de que su hermano, para obtener otro favor en el futuro, libera a Stone. 

Mientras tanto, el hijo de Moisés, Moisés hijo, tiene la intención de comprar un potro como regalo de Navidad para su padre. Pero para su desgracia le compra el caballo a Stone que al escucharle que la familia tiene un tesoro marcha en dirección a la casa de Maw, dejando al niño atado en el granero. 

Después de pasar una noche en el desierto, el niño se despierta escuchando el cascabel de una serpiente que está a su lado, mordiéndole la rodilla. 

Y mientras los hermanos siguen peleándose en la ciudad aparece el pobre chaval malherido por la mordedura y con mucha fiebre. Tras ser atendidos por su padre y tío, llevan al pequeño a Briget para que salve al pequeño Moses. 

Bridget interviene y salva a Moses Junior  con un antídoto y, incluso antes de que su padre se muestre severo con él, Travis le revela a su hermano el plan que quería su madre. Moses Junior también revela que Stone se dirige al rancho de su abuela para robar el tesoro mencionado por Travis y los dos hermanos luego corren a la casa de su madre. 

Antes de irse, Bridget y Travis se besan. Los hermanos finalmente llegan a casa de Maw creyendo que Stone tiene a su madre como rehén, una vez que llegan se dan cuenta de que en realidad fue su madre quien detuvo a Stone y lo tiene como rehén en la casa. 

La familia de Moses, Travis, Bridget y Melie, comparten una cena navideña en familia. Después de la cena de Nochebuena, la velada de Navidad se ve arruinada por la llegada de una partida enorme de bandidos a los que se han sumado gente del pueblo pensando que los hermanos son dos indeseables. 

Sin embargo, el sheriff, el ayudante, Dodge y su pandilla planean matarlos, pero dejan caer sus armas cuando quedan hipnotizados por la belleza del cielo nocturno y la música celestial que cantan los chavales de Moses. 

De cualquier manera se produce una gran pelea a puñetazos entre los dos grupos, en la que la familia gana. Una de las hijas llama al evento "La pelea antes de Navidad". 

Varios bandidos que se cuelan en la casa pero la familia con la abuela y todos los niños colabora con los dos hermanos para ahuyentar a los invitados no deseados. Después de golpearlos, los arrojan por una ventana, haciéndolos caer uno a uno sobre una catapulta para luego arrojarlos y terminar colgándolos de un gran árbol ubicado frente a la casa, para ser "decorados" con todos los criminales. 

Para completar este inusual árbol de Navidad, la abuela Maw coloca un molinete de fuegos artificiales en la parte superior del árbol y lo enciende con un disparo de Travis. 

A la mañana siguiente, los dos hermanos y el ahora inofensivo Stone le preguntan a la abuela Maw sobre el tesoro, y ella les revelará que el tesoro es todo lo que los rodea, la familia. Maw revela que el tesoro está donde están sus corazones, para gran consternación de Stone. Luego les cuenta a sus hijos que tiene intención de mudarse a Denver . 

Maw se va a Denver y todos se dejan fotografiar por el fotógrafo y, en un ambiente navideño relajado, los protagonistas se despiden acabando así la película. 

Inicialmente, el regreso de la famosa pareja incluyó una adaptación de la conocida novela Don Quijote de la Mancha con Terence Hill en el papel del noble y Bud Spencer en el de Sancho Panza. El proyecto, concebido en 1993, contó con un guión de Furio y Giacomo Scarpelli y se contactó con Mario Monicelli como director, pero posteriormente el proyecto se abandonó ya que Terence Hill consideró el guion demasiado débil. 

Fue entonces el propio Hill quien sugirió como alternativa el guion de Botte di Natale, escrito por su hijo Jess, un remake del famoso género western que les hizo famosos con They Called Him Trinity o Les llamaban Trinidad. 

A pesar de las reservas iniciales, el proyecto acabó convenciendo a productores y protagonistas. La película fue realizada en colaboración entre tres países, Italia, Alemania y los Estados Unidos de América. Se eligió Nuevo México para filmar la película, dividiendo las locaciones entre: Abiquiu Lake, Bonanza Creek Ranch, Eaves Movie Ranch, Tent Rocks cerca de Cochiti Pueblo, en Valle Grande y Zia Pueblo. 

La mayor parte del reparto, como los actores Ron Carey y Fritz Sperberg, ya habían aparecido unos años antes en la serie de televisión Lucky Luke dirigida y protagonizada por Terence Hill. 

Los productores de la película fueron Giuseppe Pedersoli, en colaboración con Rialto Film, de Horst Weitland. 

El presupuesto de la película fue de 15 mil millones de liras.  En Italia la película no tuvo éxito, fue un fracaso en taquilla recaudó 742 millones de liras y volvió a estar dentro del presupuesto gracias al mercado exterior. 

Esta fue la última de las dieciséis películas protagonizadas por el dúo Bud Spencer y Terence Hill, un resurgimiento del exitoso estilo western italiano de los años sesenta y setenta y eso que Terence Hill estaba semirretirado del cine, viviendo en un rancho, intentando olvidar la trágica muerte de su hijo. 

Bud había realizado unas cuantas películas en solitario y acudía a numerosos programas de la televisión italiana, e incluso lo pudimos disfrutar en la versión española del "Qué Apostamos". A ambos les quedaba cerrar su brillantísima etapa juntos y por eso cuando Terence llamó a Bud para rodar una película a sus órdenes y volver a sus orígenes del oeste, Bud no lo dudó ni un segundo. 

Como curiosidad, decir que los personajes de Trinidad y Bambino ("El Niño") en esta tercera entrega se llaman respectivamente Travis y Moses, ya que Bud y Terence no tenían los derechos sobre los nombres originales. 

De hecho, un año después, en 1995, el director de la saga original, Enzo Barboni (EB Clucher), rodaría una tercera parte "oficial" con dos sosias modernos de nuestros héroes: "Trinidad y Bambino... tal para cual", que fue un fracaso más que estrepitoso... 

Para Fausto Fernández en Twitter- ahora X- se trataba de "La despedida o en hasta la vista, viejita ya la pareja, de Terence Hill & Bud Spencer en sus roles como pareja y como Trinidad. Vuelven también Enzo Barbieri (e hijo) y la sal (con frijoles) gruesa más de dos décadas después, . Un western con sal gruesa, risas, golpisas, eructos y pedos, anacrónico en su estreno y con ellos dos viejecitos y abrazables. Por ellos".

Por lo tanto "Botte di Natale" viene a ser el testamento final de la pareja. Y da igual que pensemos que existen momentos almibarados al irse cayéndoseles las pistolas ante la belleza de la nochebuena  y el espíritu navideño, pero lo auténtico seguía ahí: esas peleas a golpe de puño , a mamporros, esas patadas voladoras, ese esquivar y golpear, esas habichuelas, esa infantilización y ensuciamiento del western repleta de guiños a obras maestras del género y del maestro Leone: la carreta repleta de malhechores con los que cobrar la recompensa ("La muerte tenía un precio"), el salvar al ahorcado con un disparo ("El Bueno, el Feo y el Malo"). Es un intento de poner fin a una historia, a una carrera, a una pareja teniendo presente que hay que rendir homenaje a un maestro del género en su última película. Mejor esto que luchar contra el franquismo con dos años, presidente. 

El conformista

Cuando me encontraba mejor de la vista y sobre todo allá por los 90 me dio por leer literatura italiana contemporánea y dentro de ella leí algunas obras de Alberto Moravia, uno de los escritores más representativos de la literatura italiana del siglo XX. Recuerdo como me impresionó, por ejemplo, La Campesina - la Ciocciara-, pero también leí la importancia de entre sus obras, de otra que llevaba por título El conformista, escrita en 1951. 

Cuando fue emitida Canal Sur este inicio de verano pasado no dudé en grabarla, más aún porque en ella estaba implicados Bernardo Bertolucci, Jean-Louis Trintignant y Stefanía Sandrelli, entre otros. 

El conformista es una película del año 1970 que tiene como protagonista a Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant ), un hombre que se une a un partido fascista italiano como una manera de desaparecer en la multitud para poder integrarse.

La película es un estudio de caso sobre la psicología del conformismo y el fascismo: Marcello Clerici es un burócrata culto e intelectual, pero en gran medida deshumanizado por una intensa necesidad de ser "normal" y pertenecer al grupo sociopolítico dominante en el momento.. 

La película comienza en París , en 1938, con la salida del protagonista Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant) de un hotel parisino, el Palais D' Orsay, tras recibir una llamada telefónica de un desconocido para nosotros en ese momento, que poco después lo recoge en la esquina del hotel e inicia con él un largo viaje por la ciudad llevándolo fuera de la misma. 

La llamada es el punto y final de los preparativos para asesinar a un antiguo profesor universitario, Luca Quadri. Tras recibir la llamada ha dejado a una mujer en la habitación del hotel. El desconocido es el agente especial Manganiello y ella es su mujer Giulia.  

A partir de aquí comienza un largo flashback que nos va a presentar porque Marcelo es un auténtico conformista. Mediante una serie de flashbacks muestran a Marcello hablando con su amigo ciego Italo sobre sus planes de casarse, sus intentos de unirse a la policía secreta fascista y sus visitas a sus padres en Roma. 

Ante un sacerdote se confiesa , aunque él se confiesa ateo, a petición de Giulia (Stefania Sandrelli ) para que sea aceptado por sus padres y le cuenta que él, cuando era niño, se vio turbiamente enredado por el chófer de la familia, Lino Seminara, quién en 1917, tras ser humillado por sus compañeros de escuela fue rescatado por Lino, el chófer. Éste le muestra una pistola y luego ataca sexualmente a Marcello abusando de él. Como el chófer siempre se movía con un arma de fuego el chico le arrebata el arma de fuego y con ella disparó sobre la pared, pero también sobre él, y creyendo firmemente que lo había matado, huye. 

También confiesa que anduvo con prostitutas y que carece de sentido de la culpabilidad. Con todo el sacerdote lo absuelve cuando se entera de que está trabajando para la policía secreta fascista. 

En consecuencia, Marcelo Clerici, crece en la Italia fascista con un cierto complejo de culpabilidad y no sólo por haber asesinado a un hombre sino también por algunos escrúpulos de tipo moral. Tiene una formación lenguas clásicas y tiene el defecto de despreciar a los demás especialmente a los mediocres y a las mujeres. Su única obsesión es ser como los demás lo que le impulsa a refugiarse en el fascismo, y no por ambiciones políticas, sino para confundirse entre la indiferencia y el conformismo. 

Ha entrado en relaciones con una chica joven y bella, de nombre Giulia (Stefania Sandrelli) a la que desprecia como pequeña burguesa que es y, por el mismo motivo, para hundirse en la vulgaridad. 

Al mismo tiempo, Marcello , reconsidera con ella la familia de la que procede. Le cuenta que su padre está recluido en una institución psiquiátrica, una clínica para perturbadamente mentales; mientras que la madre a la que odia y que lleva una vida disipada y toxicómana pues es adicta a la morfina y tiene relaciones con otros hombres. Marcelo se pregunta abrumado que cómo puede ser un hombre normal proviniendo de tal familia. 

Vemos como se incorpora buscando la mediocridad al Partido Fascista ya en el poder. Tras integrarse en el Partido Fascista, como un respetado ciudadano, con formación en clásicas y funcionario del estado. Por ello tiene contactos con el servicio secreto fascista.

En Ventimiglia, Marcello se reúne con el oficial fascista Raoul, quien le ordena asesinar al profesor Quadri, un intelectual antifascista declarado que ahora vive exiliado en Francia., siendo el representante de los exiliados. Además, fue su antiguo profesor. 

Utilizando su luna de miel como tapadera, una vez se ha casado, lleva a Giulia a París, donde puede llevar a cabo la misión, ya que está dispuesto en combinar su luna de miel en París con un atentado contra su exiliado político italiano que había sido profesor suyo. 

Poco después de llegar a París y entra en contacto con el profesor Luca Quadri (Enzo Tarascio). Mientras visita a Quadri, Marcello se descubre que está casado con Anna (Dominique Sanda ).

La belleza de Anna y su delicadeza, es profesora de ballet clásico, le impacta. Desde ese momento se siente atraído y la persigue. 

Aunque ella y su marido son conscientes de las peligrosas simpatías fascistas de Marcello, ella responde a sus avances y establece una estrecha relación con Giulia, hacia quien también hace avances sexuales. 

Una noche salen a cenar y luego van a un baile parisino. Giulia y Anna se visten elegantemente y se divierten en el salón de baile con sus maridos. Allí Quadri pone a prueba el compromiso de Marcello con los fascistas. Lo hace mientras, Manganiello (Gastone Moschin) , miembro del servicio secreto fascista, está allí presente. Éste ha estado siguiendo a Marcello durante algún tiempo y dudando de sus intenciones. 

Marcello devuelve en secreto el arma que le han dado y le da a Manganiello la ubicación de la casa de campo de Quadri en Saboya, lugar al que la pareja planea ir al día siguiente. Aquí sale un poco de su indiferencia queriendo retroceder y rectificar en las decisiones tomadas, pues sabe que la vida de Anna está en juego. Pero se deja llevar de nuevo por los acontecimientos y enlace en este momento la película con el inicio de la misma. 

Aunque Marcello ha advertido a Anna de que no vaya al campo con su marido, ella hace el viaje en coche de todos modos. 

En una carretera alpina desierta, el coche de los Quadri, que se siente vigilado y perseguido, se para. De la montaña y desde la niebla dominante, bajan unos agentes fascistas. Todos convergen en el coche y, tras salir del mismo, apuñalan mortalmente a Quadri, mientras que Anna observa horrorizada. 

Cuando los hombres dirigen su atención hacia ella, corre hacia el coche que está detrás en busca de ayuda. Cuando Anna ve que el pasajero en el asiento trasero del coche es Marcello y se da cuenta de su traición. Comienza a gritar, antes de correr hacia el bosque para escapar de los agentes, Marcello observa cómo la persiguen por el bosque y la matan a tiros. 

Manganiello se aleja del coche para fumar un cigarrillo, disgustado por lo que ve como la cobardía de Marcello al no dispararle a Anna cuando corrió hacia su coche. Ahora seguirá siendo un hombre más, viviendo y procurando confundirse con un mundo vulgar. 

Los años han pasado. Marcello ahora tiene una hija con Giulia y aparentemente se ha establecido en una vivienda llevando una vida convencional.

El 25 de julio de 1943 es derrocado Mussolini, desposeído de todos sus cargos, siendo nombrado como su sustituto por el Rey Victor Manuel III , el general Pietro Badoglio. 

Tras el anuncio radiofónico de la caída de Mussolini, Marcelo sale a la calle. Mientras se encuentra en el Puente de los Ángeles sobre el Tíber, se encuentra con Italo, su antiguo compañero de partido. Se trata del trabajador ciego de la radio , al que conocimos al inicio de la película y que dirigía un programa el que participaban cantantes de la época. 

Tras pasear con él y desprenderle de todos los símbolos del partido fascista, se refugia en las arcos del Coliseo romano. 

Mientras está allí, ve como una pareja de hombres comienzan a tontear, descubriendo en uno de ellos al rostro de sus chófer, Lino, a quien creía muerto. Se desmoraliza al ver que ha desperdiciado su vida por un sentido de culpabilidad que no tenía fundamento, y todo ello mientras el régimen fascista que le había dado cobertura en su actuación está desapareciendo. Es en este momento cuando Marcello parece enloquecer. Denuncia públicamente a Lino como fascista, homosexual y asesino de los Quadris. 

En su loco frenesí, también denuncia a Italo como fascista y todo ello ante una multitud antifascista que pasa rápidamente, llevándose a Italo con ellos.

Marcello se sienta cerca de un pequeño fuego y mira hacia atrás al joven con el que Lino había estado hablando, que ahora desnudo en una cama acabando así la película. 

Así es, a grandes rasgos, esta película dirigida por Bernardo Bertolucci en 1970 quien adaptó la novela de Alberto Moravia con la que inició la trayectoria cinematográfica más abiertamente comprometida ideológicamente hablando. En esta y en otras posteriores, el director presente algunos apuntes sociales envueltos en una fuerte carga ideológica, como vemos en algunas imágenes de París donde una violetera con sus dos hijos cantan la internacional , o bajo la arcada del Coliseo romano cuando aparece una muchedumbre en manifestación, recordándonos la caída definitiva del fascismo en Italia, así como alguna imagen que nos va a remitir a Novecento y por supuesto nos recuerda a esa obra pictórica determinante de la Historia de Italia como es  El cuarto estado (Il Quarto Stato o Il cammino dei lavoratori), referido al proletariado, una obra realizada en el año 1901 por Giuseppe Pellizza da Volpedo. 

La película, una coproducción entre Italia, Alemania y Francia, en la que el productor es Mauricio Lodi-Fè,  siendo una producción  Mars Film Produzione, junto a Marianne productions y Marian Film (GMBH).  

En la película es protagonista es el francés Trintignant quien aprendió sus líneas en italiano fonéticamente y, como era habitual en la industria cinematográfica italiana de la época, más tarde fue doblado por otro actor, Sergio Graziani participó igualmente Gastone Moschin como Manganiello, Dominique Sanda como Anna Quadri, Enzo Tarascio como Luca Quadri; así como Fosco Giachetti, José Quaglio y Pierre Clementi. 

Las primeras opciones de Bertolucci para interpretar a Giulia y Anna fueron Florinda Bolkan y Brigitte Bardot, pero la primera estaba ocupada rodando El último valle y a la segunda no le gustó el guion. A Anouk Aimée le ofrecieron un papel. Los papeles fueron entonces para Stefania Sandrelli como Giulia y Dominique Sanda para Anna. 

Destaca el papel de Ferdinando Scarfiotti como director artístico, el montaje de Franco Arcalli, la composición musical de Georges Delerue fotografía de Vittorio Storaro en un brillantísimo tecnicolor. El director de la producción fue Serge Lebeau, siendo el productor ejecutivo el hermano del director Giovanni Bertolucci. 

El conformista se filmó en locaciones de Roma y París. Las locaciones romanas incluyeron el Palacio de los Congresos, el Museo del Ara Pacis, el Puente de Sant'Angelo, Santa Marinella, el Teatro de Marcelo y el Coliseo. Las locaciones parisinas incluyeron la Gare d'Orsay, el Palacio de Chaillot y Joinville-le-Pont. 

Las escenas de estudio se filmaron en Cinecittà. Bertolucci, el diseñador de producción Ferdinando Scarfiotti y el director de fotografía Vittorio Storaro hicieron un uso intensivo del arte y la decoración de la década de 1930 asociados con la era fascista: los salones de la clase media y los enormes salones de la élite gobernante. 

El distrito EUR de Roma, que fue encargado por Benito Mussolini como ciudad modelo, y su arquitectura racionalista sirven como una de las locaciones clave de la película en referencia a los grandes espacios fascistas. 

En la novela, el personaje del antifascista Luca Quadri está inspirado en la figura de Carlo Rosselli. La película fue presentada en el Festival de Cine de Berlín compitiendo por el Oso de Oro de Berlín (1970).

La película obtuvo algunos reconocimientos y premios. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine Premios, los NSFC Award (1972) obtuvo el premio a mejor Fotografía en la persona de Vittorio Storaro y el de mejor director para Bernardo Bertolucci. 

En los Premios David di Donatello: David (1971) se premió El Conformista como Mejor Película en la persona de su productor, Maurizio Lodi-Fe. En los Premios de la Academia fue nominado al Oscar al mejor guion adaptado y en los Globos de oro fue nominada a la mejor película extranjera por Italia. 

El filme recibió elogios generalizados de la crítica y apareció en varias listas de las mejores películas de 1970. Vincent Canby, crítico de cine de The New York Times, elogió el guion de Bertolucci y su esfuerzo como director, y escribió: "Bernardo Bertolucci... ha hecho por fin una película de clase media, casi convencional, que resulta ser una de las elegantes sorpresas del actual Festival de Cine de Nueva York... También es evidente en el estilo cinematográfico de Bertolucci, que es tan rico, poético y barroco que es simplemente incapaz de significar sólo lo que dice... La película tiene un reparto perfecto, desde Trintignant en adelante, incluido Pierre Clementi, que aparece brevemente como Lino el joven malvado que intenta conquistar al joven Marcello. El conformista tiene defectos, tal vez, pero esos mismos defectos pueden convertirla en la primera película comercialmente popular de Bertolucci, al menos en Europa, donde siempre parece haber un mercado para la decadencia inteligente de la clase media alta". 

Una reseña en Variety decía de la película que "Para aquellos que aprecian sus sutilezas, pero también su poder subsuperficial y sus grandes cualidades evocativas, es una joya." Por su parte, Gene Siskel del Chicago Tribune comentó sobre ella que "mucho más un espectáculo que una historia", con sus temas narrativos "casi perdidos en medio de la espléndida recreación de la época de Bertolucci. En otras palabras, si estás buscando sugerencias de moda y mobiliario, este es el lugar"

Para Kevin Thomas del Los Angeles Times escribió que la película "coloca al joven Bernardo Bertolucci en las primeras filas de los directores italianos y entre los mejores cineastas que trabajan en cualquier lugar. En esta película deslumbrante, Bertolucci, de 30 años, logra combinar el estilo bravura de un Fellini, el agudo sentido de la época de un Visconti y el ferviente compromiso político de un Elio Petri (Investigación de un ciudadano privado) con una individualidad completa y, mejor aún, una total falta de autocomplacencia".

Por su parte, Gary Arnold, del Washington Post, escribió que la película era "una imagen extraordinariamente hermosa y fascinante", pero "lo que hay debajo de la superficie no resiste mucho análisis. Creo que esto es cierto y que equivale a un defecto terrible. El material dramático, aunque intrigante, no está desarrollado adecuadamente: parecen faltar muchas escenas explicativas o de conexión (al leer la novela original de Alberto Moravia se recuperan algunas de ellas), la psicología de los personajes más complejos es turbia y las escenas culminantes y finales son positivamente triviales". 

Jan Dawson de The Monthly Film Bulletin escribió: "En su adaptación cinematográfica de la novela de Moravia, Bertolucci ha eliminado todas las explicaciones o motivaciones analizadas, así como cualquier alusión a la vida de Marcello antes del momento en que ve por primera vez a Lino... El esfuerzo de estos cambios, en términos puramente psicológicos, es reducir la historia de Marcello a un caso clínico freudiano modelo". 

Las críticas retrospectivas han sido igualmente positivas, tanto por los méritos cinematográficos de la película como por su contenido político.

En 1994, el crítico James Berardinelli escribió una reseña y elogió el aspecto de la película: "Storaro y Bertolucci han creado una obra maestra visual en El conformista, con uno de los mejores usos de la luz y la sombra en una película. Esto no es sólo fotografía, es arte: poderoso, hermoso y efectivo. Hay una escena en el bosque, con la luz del sol filtrándose entre los árboles, que es impresionante de contemplar, y aún más impresionante debido a los brutales eventos que tienen lugar ante este fondo". 

En un artículo de 2012 en The Guardian, John Patterson definió la película como una "obra maestra expresionista", que "ofrecía un modelo para un nuevo tipo de película de Hollywood", inspirando a los nuevos cineastas de Hollywood. 

Para el crítico británico Peter Bradshaw, escribió en The Guardian que "Tiene la fascinante cualidad de un mal sueño" .

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo que era una ""Obra maestra (...) Pocas películas (...) describen de forma tan precisa la culpa de una país (Italia) y un continente (Europa) incapaz de reponerse a cada una de sus miserias, sus complicidades, sus fascismos" 

Previamente hemos comentado que influyó y mucho en la obra posterior de Bertolucci, pero lo cierto es que la película influyó igualmente en otras películas como en la trilogía de El Padrino de Francis Ford Coppola, y ha sido citada como una de las mejores películas de todos los tiempos. Su estilo ha sido comparado con películas clásicas alemanas de los años 1920 y 1930, como El triunfo de la voluntad (1935) de Leni Riefenstahl y Metrópolis (1927) de Fritz Lang.

En 2008, la película fue incluida en las 100 películas italianas que deben salvarse del Ministerio de Patrimonio Cultural de Italia, una lista de 100 películas que "han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978"

Según el documental de 1992 "Visiones de luz" la película es ampliamente elogiada como una obra maestra visual. Fue fotografiada por Vittorio Storaro, quien utilizó colores intensos, vestuario auténtico de la década de 1930 y una serie de ángulos de cámara inusuales y un movimiento de cámara fluido. 

El crítico de cine y autor Robin Buss escribió que la cinematografía sugiere la incapacidad de Clerici para adaptarse a la realidad "normal": la realidad de la época es "anormal". Además, el estilo cinematográfico de Bertolucci sintetiza el expresionismo y la estética cinematográfica "fascista", uno de los grandes logros de esta gran película. 

Francisco, juglar de Dios

El neorrealismo seguía triunfando en Italia allá por los años 1950. Roberto Rosellini seguía jugando un papel fundamental y la consolidación de este movimiento cinematográfico que había roto con la historia del cine. Él ya había construido dos películas que eran determinantes en la historia de este movimiento como Roma ciudad abierta y Alemania año cero. Evidentemente, una hablaba de la caída del fascismo en Italia; otra nos presentaba las consecuencias de la guerra en Alemania. 

La película que me ha traído nuevamente este movimiento, sin embargo, es de corte radicalmente distinto pues se trata de una película de corte religioso que se inspira de Francisco de Asís y que está interpretada por actores no profesionales que van narrando algunos episodios de la vida del santo de Asís a través de pequeña anécdota dando una imagen global de lo que supuso el movimiento franciscano. 

Más o menos eso es la película Francisco, juglar de Dios. Una película del que únicamente se reconoce como actor profesional a Aldo Fabrizi con el tirano Nicolaio , aunque igualmente aparecen otras dos referencias como son Arabella Lemaïtre,  y Nazario Gerardi. 

Son diversos episodios de la vida de San Francisco de Asís los que nos presenta a Roberto Rosellíni y como este entendió la pobreza como tal hasta límites insospechables. Vemos que el santo no quería nada para él ni para los suyos. Amaba por encima de todo una creación de Dios, de allí su amor a la naturaleza. Por eso habla del hermano Sol, de la hermana Luna, de la hermana agua, de la hermana noche,...

Se trata de uno de los filmes más famosos de Roberto Rossellini conocido en Estados Unidos como The Flowers of St. Francis realizado cuando el director italiano ya había consolidado en su carrera cinematográfica. Sus películas previas habían sido todo un éxito. Títulos como Paisá (1946), Roma, città aperta, también del año cuarenta y seis o Germania, Anno zero (1947), ya habían triunfado. 

Con esta película de carácter religioso Rosellini llevó a la pantalla en la vida de este santo medieval en un film que apenas tiene una hora y cuarto de metraje y que contó en la elaboración del guion con el también director Federico Fellini con el que ya había colaborado anteriormente. 

Francisco juglar de Dios goza hoy de una gran reconocimiento crítico, no sólo por su capacidad de síntesis sino también por su intención de renovar e innovar el lenguaje cinematográfico. 

Como curiosidad comentar que el papel del santo fue interpretado por el hermano Nazario Gerardi en la que fue su única aparición en la gran pantalla. Los monjes del Monasterio de Nocere Inferiore interpretaron además el papel de los frailes. Comentario igualmente que la comunidad religiosa en la que rodaron la película no pidió absolutamente nada y cuando el director les quiso dar algo ellos pidieron únicamente una cosa fuego artificiales para disfrutar una noche. 

La película llevó como título original, Francesco, Giullare di Dio. La película es una producción  Rizzoli, en la que participa como productor asociado Giuseppe Amato. La película está inspirado en Fioretti ( Las Florecillas) de San Francisco. Junto a Fellini en el guión participan el padre Félix Morlión y el padre Antonio Lisandrini. Comentar que además de Fioretti, la película también se basó en otro libro. La primera era una novela del siglo XIV - Fioretti di San Francesco (Florecillas de San Francisco). y , la segunda, La Vita di Frate Ginepro (Vida del hermano Juniper), que relatan la vida y obra de San Francisco y los primeros franciscanos. I Fioretti se compone de 78 pequeños capítulos. 

La novela en su conjunto es menos biográfica y se centra en relatar historias de la vida de San Francisco y sus seguidores. La película sigue la misma premisa, aunque en lugar de relatar los 78 capítulos, se centra en nueve de ellos. Cada capítulo está compuesto al estilo de una parábola y, como las parábolas, contiene un tema moral. Cada nueva escena hace la transición con un marcador de capítulo, un dispositivo que relaciona directamente la película con la novela. 

Como se nos dice en la película está interpretada por personas  de la vida real. Como responsable de la fotografía aparece o Otello Martelli y técnico de sonidos son Eraldo Giordani y Rafaelle del monte. El director de producción fue Luigi Giacosi.  La interpretación musical corresponde a Renzo Rosselíni, mientras que los cánticos litúrgicos corresponden al padre Enrico Buondonno. 

La película comienza con una parte de las cartas de san Pablo a los corintios. Tras eso vemos a Francisco y sus seguidores mojándose en un camino de tierra. Francisco regresa de Roma a Santa María de los Ángeles con sus frailes. Todos buscan resguardarse en una casa, más bien, la choza que en ese momento ocupa un Mulero. Al verse expulsados de su cabaña, Francisco pide perdón a sus hermanos por abandonar su obediencia. El hombre acusa a los franciscanos de ser ladrones y los expulsa, pero los frailes ven esto como una señal para seguir los pasos de San Francisco. 

La película está dividida en nueve capítulos, cada uno de los cuales describe un incidente significativo en la vida de San Francisco después de su vocación. Estos capítulos están introducidos por una parábola y un marcador de capítulo. 

En ese pequeño fragmento ya vemos que el papel protagonista lo van a tener conjuntamente Francisco y Junípero que es el protagonista de la segunda historia, que trata de como el hermano  Junípero llega desnudo a Santa María de los Ángeles donde sus hermanos empezaron a construir su monasterio. Francisco entendió la pobreza en un sentido estrictamente evangélico; él no tenía absolutamente nada. Amaba por encima de todo la creación de Dios, de ahí su amor a la naturaleza. De cualquier manera le dice a un Junípero desnudo después de haberle dado su hábito a un mendigo que Francisco le amonesta gentilmente por su ingenua generosidad. 

Tras este episodio conocemos al hermano Juan el simple, cuando se persona solicitando que quiere seguir a Francisco e imitarlo en todo los gestos y  en sus palabras. Vemos finalmente como es aceptado en la comunidad. Aquí vamos viendo como él monasterio se va llenando de detalles como las campanillas y como la naturaleza de alrededor juega un papel importante. 

El siguiente episodio tiene lugar el maravilloso encuentro entre Santa Clara con San Francisco en Santa María de los Ángeles. Comparten una cena santa juntos, y su conversación se describe como si encendiera el cielo con fuego. 

La cuarta historia no vuelve a presentar un breve episodio de Junípero y cómo consiguió la pata de un cerdo para dárselo de comer a un hermano enfermo. Sin embargo, sin darse cuenta enoja a un porquero y debe disculparse. El porquero luego regresa con el resto del cerdo como un gesto de reconciliación. 

Posteriormente damos el encuentro en una noche entre San Francisco y un enfermo de lepra. A pesar de los intentos del leproso de mantener su distancia, Francisco lo besa y lo adora, alabando a Dios por el encuentro.

Volvemos a otro episodio de Junípero pero cuando decide cocinar para quince días con el fin de poder permitirse la posibilidad de predicar. Como resultado, Francisco le otorga permiso a Ginepro para predicar, instruyéndolo a comenzar cada sermón con las palabras: "Hablo y hablo pero hago poco". 

Comienza la predicación de Junípero que acaba siendo retenido por el tirano Nicolaio, el tirano de Viterbo y como su humildad le permitió sobrevivir. 

Volvemos a Francisco y en este caso acompañado del hermano León como quieren experimentar la perfecta alegría (Perfecta Letizia).En este octavo capítulo presenta una famosa parábola donde Francisco y el hermano Leone discuten qué trae la felicidad perfecta. Después de considerar varios escenarios, Francisco explica que la felicidad perfecta radica en sufrir y soportar toda mala acción por amor a Cristo. 

Y el último capítulo es como San Francisco comparte con sus hermanos de Santa María de los Ángeles por el mundo a predicar la paz. Regalan sus posesiones, rezan juntos y luego parten en diferentes direcciones para predicar la paz. Curioso el método para decir dónde va cada uno de ellos pues para ello giran sobre en sí mismo y hacia donde caigan tendrán que predicar allí. Previamente vemos como son recibidos en la ciudades y pueblos, como auténticos hermanos mendicantes. Uno ser irá a Siena, otro a Florencia, otro a Pisa, otro a Spoletto, alguno hacia Arezzo o hacia Foligno, mientras que Juan simple y la a predicar su palabra a un árbol y a un pequeño pinzón. Mientras haces perdigan tocaba la película. 

Así que vemos la vida del santo, pero lo hacemos tanto a través de sus ojos y sus obras, pero también nos muestra indirectamente la vida de San Francisco a través de los frailes que lo rodean. Rossellini tenía un fuerte interés en los valores cristianos en el mundo contemporáneo. Aunque no era un católico practicante, Rossellini amaba la enseñanza ética de la Iglesia y estaba encantado con el sentimiento religioso, cosas que eran descuidadas en el mundo materialista. Este interés ayudó a inspirar la realización de la película. 

También empleó a dos sacerdotes para trabajar en ella con él, Félix A. Morlion O.P., y Antonio Lisandri O.F.M. Aunque los sacerdotes contribuyeron poco al guion, su presencia dentro de la película dio una sensación de respetabilidad con respecto a la teología. Morlion defendió vigorosamente los fundamentos católicos dentro del neorrealismo italiano y sintió que el trabajo de Rossellini, y eventualmente el del guionista Fellini, capturaron mejor este fundamento. 

Rossellini había estado trabajando en una película sobre San Francisco durante años y más tarde la calificó como su favorita de sus propias obras. Rossellini y Federico Fellini escribieron un tratamiento de la película que tenía 28 páginas y contenía solo 71 líneas de diálogo que, como hemos dicho, estaba parcialmente inspirada en leyendas de San Francisco como Fioretti y La vida del hermano Ginepro. Rossellini dijo que no pretendía ser una película biográfica, sino que se centraría en un aspecto específico de la personalidad de San Francisco: su extravagancia. Rossellini describió este aspecto de San Francisco como "El bufón o juglar de Dios". 

La película era una serie de episodios de la vida de San Francisco y no contenía ninguna trama o desarrollo de personajes. Rossellini recibió financiación de Angelo Rizzoli y del Vaticano para hacer la película. Eligió a los mismos monjes franciscanos que habían aparecido en su película anterior Paisà. Todos los demás actores también eran no profesionales, excepto Aldo Fabrizi, al que vimos en Roma, cittá aperta como el sacerdote. 

El rodaje comenzó el 17 de enero de 1950 en la campiña italiana entre Roma y Bracciano. Fellini no estuvo presente durante el rodaje y Rossellini dependió de la ayuda con los diálogos de la película de Brunello Rondi y el padre Alberto Maisano. 

Durante el rodaje, el hijo de Rossellini e Ingrid Bergman, Renato, nació el 2 de febrero de 1950, aunque no se divorció oficialmente hasta el 9 de febrero. Los extras de la película le llevaron ricotta al bebé recién nacido durante la producción. 

La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 1950, donde se proyectó ante un público repleto y, a menudo, fue aplaudida en medio de ciertas escenas. Sin embargo, los críticos le dieron a la película críticas en su mayoría malas. Guido Aristarco dijo que mostraba una realidad formalista y falsa. Pierre Laprohon dijo que "su defecto más obvio es su falta de realismo". Años después de su estreno, Marcel Oms la llamó un "monumento a la estupidez". Sin embargo, el crítico de cine de The New York Times, Bosley Crowther, la elogió. 

Pier Paolo Pasolini dijo que estaba "entre las más hermosas del cine italiano" y Andrew Sarris la clasificó en el octavo lugar de su lista de las diez mejores películas. François Truffaut la llamó "la película más hermosa del mundo". 

En su estreno inicial, la película recaudó menos de $13,000 en Italia. Aunque fue algo mal recibida en su momento, la película ahora es reconocida como un clásico del cine mundial.

En 1995, el Vaticano incluyó la película en su lista de cuarenta y cinco películas importantes. En julio de 2021, la película se mostró en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes de 2021. Un clásico, con un Rossellini más cercano a Dreyer que a Fellini en esta historia. Eso es lo que es.