martes, 19 de noviembre de 2024

Un día en Nueva York



En mil novecientos cuarenta y nueve el musical estaban toda la cima y más aún si detrás del mismo se encontraba Stanley Donen y Gene Kelly. La música que Leonard Bernstein había compuesto para su musical homónimo que llevaba por título On the Town y que dedicada a la ciudad hacia el resto. A la pareja de directores se sumaba a Frank Sinatra, Betty Garret, Ann Miller, George Meader, Hans Conried,  Jules Munshín y Vera Helen.

El resultado es On The Town, un magnífico musical de la Metro Goldwyn Mayer, en el que estaba implicado un grande entre los grandes, Arthur Freed, en la producción, junto a Roger Edens. 

El guion fue labor de Adolph Green y Betty Comden , parte de una idea de Jerome Robbies, con música y canciones de Leonard bernstein. Responsable de las canciones new York new York, Miss Turnstiles ( Miss Torniquetes) Dance, Come Up to my place y A day in New York ( Ballet). 

La dirección musical fue de Lennie Hayton, con una orquestación de Conrado Salinger y los arreglos corales de Saúl Chaplin.  Esta película en tecnicolor fue fotografiada por Harold Rosson, y contó como directores de arte con Cedric Gibbons y Jack Martin Smith, y con Ralph E. Winters en la edición. 



La película comienza en el puerto que es el mismo lugar donde acaba y tiene como protagonistas a tres marineros que gozan de un permiso de 24 horas en Nueva York y quieren aprovechar para conocer la ciudad y  divertirse y conocer a tres chicas que le hagan perder la cabeza, cosa que al final le ocurre con una taxista, una paleontóloga y una bailarina.

Tres marineros de la Marina de los EE. UU., Gabey (Gene Kelly), Chip (Frank Sinatra ) y Ozzie (Jules Munshin), comienzan su permiso para bajar a tierra, emocionados por sus 24 horas en Nueva York. 



Mientras viaja en el metro, Gabey se enamora y sueña con la mujer del póster de la revista mensual "Miss Turnstiles" o Miss Torniquete, cuyo nombre es Ivy Smith (Vera-Ellen ). Por casualidad, ella está en la siguiente estación de metro y Gabey posa en una foto promocional de ella. Después de que ella toma el siguiente tren, Gabey jura encontrarla nuevamente. 

Los marineros corren por Nueva York en una búsqueda frenética, con la esperanza de tener tiempo para hacer turismo y llevar a sus citas a los clubes. En el camino reciben ayuda de dos mujeres y se involucran románticamente con ellas: Ozzie con Claire Huddesen (Ann Miller), una antropóloga; y Chip con as Brunhilde "Hildy" Esterhazy (Betty Garrett ), una taxista agresivamente amorosa que vive con una amiga Lucy Shmeeler (Alice Pearce). 

Claire afirma que ha encontrado a su apasionado "Hombre prehistórico" en Ozzie en el Museo de Historia Antropológica. Mientras bailan, Ozzie golpea accidentalmente un esqueleto de dinosaurio y el grupo huye del museo. 



Deciden separarse para buscar a Ivy, y durante ese tiempo Hildy invita a Chip a "subir a mi casa". Allí conoce a la compañera de piso de Hildy, Lucy. 

Finalmente, Gabey encuentra a Ivy en una clase de baile a la que asiste con Madame Dilyovska (Florence Bates ) y la lleva a una cita imaginaria en su ciudad natal ("Main Street"), a un estudio en Symphonic Hall. No se da cuenta de que ella es de la misma ciudad, ya que finge ser una neoyorquina nativa. 

Mientras tanto, Chip se enamora sinceramente de Hildy y le dice "Eres horrible", es decir, es terriblemente agradable estar contigo. 

Durante la noche, las tres parejas se reúnen en la cima del Empire State Building para celebrar una noche "On the Town". 



 Las parejas van a varios clubes para pasar un buen rato. Gabey sigue convencido de que Ivy es una celebridad genuina, por lo que Hildy y Claire sobornan a un camarero para que haga un escándalo para mantener la farsa. Cuando una avergonzada Ivy abandona a Gabey para ir a su trabajo nocturno como bailarina de cabaret, Gabey se desanima. 

Hildy tiene a su molesta pero bien intencionada compañera de cuarto, Lucy Schmeeler, como acompañante, pero no hay consuelo para él. Los amigos le levantan el ánimo cantando "Puedes contar conmigo". Como Lucy tiene un fuerte resfriado, Gabey la deja en su apartamento y se disculpa por haber sido una cita mediocre. 

Tras eso sale de la escalera y se encuentra con el cartel de un musical de Brodway sobre Nueva York en tres actos y Gabey responde con su imaginación bailando brillantemente.



El grupo finalmente se reúne con Ivy en Coney Island. A pesar de que se revelan sus mentiras, a Gabey no le importa y está feliz de haberla encontrado. Desafortunadamente, la policía ha perseguido al grupo por el incidente del dinosaurio. 

Los tres hombres son llevados de regreso a su barco y las mujeres apenas logran librarse de una noche en la cárcel. 

Conmovidos por sus discursos, la policía los escolta hasta el barco justo cuando termina el permiso de 24 horas de los marineros en tierra. Aunque su futuro es incierto, cada pareja comparte un último beso en el muelle mientras una nueva tanda de marineros se dirige a la ciudad para su permiso. 

La película tuvo un presupuesto de 1,5 millones de dólares, uno de los más bajos de MGM para un musical en Technicolor, con un cronograma de rodaje planeado de solo 46 días. 

Los números musicales presentados en locaciones en Nueva York fueron la primera vez que un estudio importante había logrado esto. Las tomas en locaciones en Nueva York duraron nueve días. 



El rodaje en la ciudad de Nueva York fue idea de Kelly y Donen, a lo que el director del estudio, Louis B. Mayer, se negó, señalando los excelentes decorados neoyorquinos del estudio. Kelly y Donen se mantuvieron firmes, y Mayer finalmente cedió y permitió un número limitado de días de rodaje en Nueva York. 

El principal problema que experimentó la producción fue lidiar con multitudes de fan de Frank Sinatra, por lo que algunas tomas se realizaron con la cámara ubicada en una camioneta para reducir la visibilidad pública del rodaje.



Alice Pearce es el único miembro original del elenco de Broadway que repite su papel. El resultado uno de los mejores musicales en los que participó abiertamente está Gene Kelly y Stanley Donen. 

La película ganó el Óscar por mejor partitura e y Mejor banda sonora (Musical) En los Globos de oro: fue nominada a Mejor fotografía -en Color Para el Sindicato de Guionistas (WGA) la película fue merecedora del mejor guion musical . En los Premios BAFTA fue nominada a Mejor película



Salvo a la temida y temible columnista del The New Yorker, Pauline Kael, que dijo de ella que "Su amor exuberante por Nueva York parece forzado y la mayoría de los números son abundantes y poco inspirados" 

Bosley Crowther del The New York Times dijo destacó de ella la "Alegría, ritmo, humor y una saludable pizca de buen romance se mezclan artísticamente en esta brillante comedia en tecnicolor" 



En  Variety se destacó de la misma  "La energía, el entusiasmo y la aparente diversión que tuvieron sus creadores al hacerla llegan al espectador y le dan a la película su mejor activo." 

En Time Out se le calificó con "El más cinematográfico de los musicales, y el más danzarín: es un espectáculo estimulante y descarado, lleno de resoplidos, ataques bromistas y tal vez un poco desagradable." 



En Gran Bretaña Ian Nathan en las páginas de Empire escribió sobre ella que era de un "Material atlético y delicioso, con algunas localizaciones inusuales, pero maravillosas. Nueva York nunca lució mejor" 

Ya en España Fernando Morales en El País la calificó como un "Excelente comedia musical (...) perfectas coreografías y una banda sonora de ensueño para un atractivo e inolvidable filme" Y en eese mismo diario, Miguel Ángel Palom la describió como "Un aluvión de cine gozoso y estimulante (...) unas canciones inolvidables. (...) Una joya imprescindible." 



Esta película se puede enclavar dentro de las películas musicales más famosas al igual que Cantando bajo la lluvia o Un americano en París con algunos números de baile antológicos y que rebosa la alegría por vivir. 



El rapto



Marco Belocchio a sus 85 años hizo en 2023 una nueva película, El rapto. Aquel año en Cannes Italia presentaba tres películas. Junto a la de Bellocchio, estaban otras dos . Una que  llevaba por título El sol del Futuro de Nanno Moretti y otra cuya autoría era de Alice Rohrwacher y que llevaba por título La Quimera presentaron en Cannes. El cine italiano parecía renacer. 

Es importante señalar que Marco Bellochio representó el nuevo cine italiano, junto a directores como Francesco Rossi, Los hermanos Taviani o Bernardo Bertolucci. 

Trabajo para la TV y da cine en la Universidad de Bolonia. Es un director que sabe como dirigir narrar sus historias y dirigir a sus actores y actrices, aquí absolutamente brillantes y creíbles como Fabrizio Gifuni, Fausto Russo Alesi, Barbara Ronchi, Paolo Pierobon y Filippo Timi. Toca un tema propio de su ideología, la izquierda. Es una voz personal, curiosa, un artista que hace del cine una expresión individual. También nos contó el suicidio de su gemelo. Es ateo, comunista.

La película comienza en 1851y el protagonista es Edgardo Mortara, el sexto hijo de Salomone Mortara, conocida como "Momolo", y Marianna Padovani, judíos de Bolonia, ciudad entonces bajo soberanía del Estado Pontificio. 

Creyendo que está enfermo y moribundo, la doncella cristiana Anna Morisi le administra el bautismo en secreto, por temor a que, tras su muerte, acabe en el limbo. 

El niño sobrevive, pero siete años después Anna le cuenta a Pier Feletti, jefe de la oficina de la Inquisición boloñesa, sobre el bautismo: el sacramento habría hecho al niño irrevocablemente católico, y dado que las reglas del Estado Pontificio prohíben que un cristiano sea criado por no cristianos, Feletti decide alejar al niño de la familia. 

El 24 de junio, Edgardo Mortara fue detenido por la policía pontificia y conducido en barca a Roma, donde permaneció en la Casa dei Catecumeni, el colegio destinado a los hijos de judíos conversos. 



Los padres de Edgardo hacen todo lo posible para llamar la atención del público sobre el caso, provocando la indignación de intelectuales europeos y no europeos. Sin embargo, esto hace que el Papa Pío IX se tome la cuestión en serio: de hecho, el papado se encuentra en un momento de fuerte crisis política, en el que la figura del pontífice está perdiendo prestigio y autoridad; Pío IX se opone, por tanto, a una reacción firme a todas las acusaciones, ocupándose personalmente de la educación de Edgardo y haciéndole administrar un segundo bautismo que disipara cualquier duda sobre su pertenencia a la Iglesia católica. Por lo tanto, el niño es adoctrinado: se le hace creer que todo es culpa de los padres y que la única manera de regresar a casa es convertirse en un cristiano. 

Meses después de la llegada de Edgardo a Roma, Momolo y Marianna obtienen permiso para visitarlo. Los miembros de la comunidad judía romana del Ghetto  los recibieron con frialdad, temiendo perder los privilegios concedidos por el Papa debido a la protesta mediática provocada por el asunto. 

Momolo decide entonces tratar a Edgardo con indiferencia, contentándose con encontrarlo en buen estado de salud; Sin embargo, frente a Marianna, el niño rompe a llorar y le revela a su madre que todavía recita en secreto el Shemá Israel todas las noches. Por ello, los responsables de la educación de Edgardo prohíben cualquier visita futura, a menos que toda la familia se convierta al catolicismo. Los Mortara se niegan y organizan un intento de secuestrar al niño, que sin embargo fracasa y provoca la pérdida total del apoyo de los judíos de Roma, que , además, van a pasar a ser humillados por el papá que les obliga a besarle los pies.

En 1860, los rebeldes arrebataron Bolonia al Papa; Los tribunales del Reino de Cerdeña, del que ahora forma parte la ciudad, arrestan a Pier Feletti y lo juzgan por el caso Mortara. Durante las audiencias se reconstruye toda la historia y se descubre que el bautismo administrado por Anna Morisi es válido en todos los aspectos; Feletti es absuelto de los cargos, ya que actuó con pleno respeto a las leyes vigentes en el momento de los hechos.  Durante la audiencia no se da cuenta de algo esencial, el niño no podía ser llevado fuera del control de sus padres dado que no tenía ni ocho años.

Por tanto, Edgardo permaneció en Roma. El Papa sigue siendo soberano allí gracias a la ayuda militar de Francia bajo Napoleón III.En 1870, con el comienzo de la guerra franco-prusiana, las tropas francesas se retiran, el Reino de Italia ocupa Roma y los mil cien años de historia de los Estados Pontificios llegan a su fin con la pérdida del poder temporal del Papa Pío IX. Con la Proclamación del Reino de Italia Pío IX perdió aún más el poder y las preciosas alianzas políticas del Estado Pontificio. 

Edgardo, mientras tanto, crece olvidándose de sus orígenes y sujetándose cada vez más al Papa, estudiando sacerdote y tomando el nombre clerical de Pío María. 

En 1870, con la entrada de las tropas de Garibaldi por Porta Pia, Roma pasó a formar parte del Reino de Italia; uno de los hermanos mayores de Edgardo, Riccardo, que se había alistado en el ejército como francotirador, corre a buscarlo y le propone regresar finalmente a casa: el joven, sin embargo, se niega, afirmando que su verdadera familia es ahora la de la iglesia católica. . 

Sin embargo, cuando Pío IX murió en 1878, Edgardo se unió a los rebeldes que querían arrojar su ataúd al Tíber, para luego arrepentirse y huir. 

Años más tarde, Marianna se encuentra muriendo y Edgardo, que años antes se había negado a ir al funeral de Momolo, finalmente regresa a casa. 

Aprovechando un momento de soledad, el joven intenta bautizar a su madre, pero ella se niega, bloqueando a su hijo y declarando que quiere morir como judía. Rechazado por sus hermanos por el intento de conversión, Edgardo se hizo sacerdote y viajó como misionero hasta su muerte en 1940.

La película, que lleva por título provisional La conversión, está inspirada libremente en el libro de Daniele Scalise El caso Mortara. La verdadera historia del niño judío secuestrado por el Papa (1996). El rapto o Rapito o Kidnapped fue escrito por Marco Bellocchio y Susanna Nicchiarelli con la colaboración de Edoardo Albinati y Daniela Ceselli. Pina Totaro actuó como consultor histórico. La película fue editada por Francesca Calvelli y Stefano Mariotti. Francesco Di Giacomo fue el director de fotografía. La música original estuvo a cargo de Fabio Massimo Capogrosso.

Una película sobre la vida de Edgardo Mortara fue planeada originalmente por el cineasta estadounidense Steven Spielberg, sin embargo, según Bellocchio, el proyecto se detuvo cuando Spielberg no pudo encontrar al actor infantil adecuado para interpretar el papel de Edgardo. 

Bellocchio comentó que cree que la película no sería contada con precisión por actores que no hablan italiano: "La película no se puede hacer en un idioma que no sea el italiano con acentos regionales italianos. Habría sido una película diferente si se hubiera rodado en inglés. 

La película ha sido producida por Beppe Caschetto y Simone Gattoni a través de IBC Movie y Kavac Film con Rai Cinema en coproducción con Ad Vitam Production (Francia) y The Match Factory (Alemania), coproducida con la participación de Canal+, Ciné+ y BR/ ARTE France Cinéma en asociación con Film-und Medienstiftung NRW con el apoyo de la región Île-de-France. 

El rodaje comenzó a finales de junio de 2022 en Roccabianca, en la provincia de Parma, donde se reconstruyó la Bolonia de mediados del siglo XIX. 

Al mes siguiente se trasladaron a Sabbioneta. En enero de 2023, se realizó un rodaje al aire libre durante dos días en la Piazza Maggiore de Bolonia. Las escenas entre el Papa Pío IX y Edgardo en la iglesia se rodaron en la Catedral de Nepi (Viterbo). Alguna localización se hizo en Roma y en París. Con todo esos espacios consiguieron crear una película de época, tenebrista, basado en un presupuesto limitado y que desentierra un hecho de la historia de Italia, en 1858, durante el papado de Pio IX se produjo el secuestro de un niño judío. 



El director introduce en la película el tema de la pérdida , del sufrimiento. También tira    de lo operístico y del crescendo musical. Todo lo separa de lo académico. Comentar que la película tiene momentos de Ópera Bufa como la película que ya vi del mismo director,  Vincere, folletinesco, melodramáticos, momentos oníricos ( como el descendimiento de Cristo) para dar hondura poéticas, escenas ambiguas como cuando el papa sostiene al niño o lo esconde bajo su alba ; pero además tiene capacidad para mostrarnos el proceso de la Unificación Italiana desde 1858 a 1870, llegando a la muerte del Papá Pío IX y de su madre. 

La película se presentó en Cannes, y después lo hizo en el New York Film Festival, siendo invitada a la 28 edición del Busan International Film Festival en la sección 'Icon'. En la taquilla italiana, Rapito recaudó alrededor de 2 millones de euros. Las recaudaciones internacionales rondan los 4 millones de dólares.



En los David di Donatello 2024 la película recibió 11 nominaciones, ganando cinco premios, incluido el de mejor guión adaptado, mejor set y decorados, peluquería y vestuarios. Fue nominada en los César frenceses a la mejor película extranjera; en los Nastro d'Argento se llevó bastantes premios y en la Seminci ganó el de mejor guion. 

Las crítica positiva fueron generalizadas en todo el mundo. Destacan las de estadounidenses como la de Jessica Kiang en Variety destaca que es "Un drama de época montado magníficamente pero que es más épico en lo visual que en lo temático". También buenas son la Matt Zoller Seitz en la web rogerebert.com al decir que "Gracias a un reparto perfecto y a un guión sencillo y apasionante, resulta embriagadora, a veces casi abrumadora (...)" ; la de Robert Abele en Los Angeles Times cuando comenta que "Podemos celebrar lo que Bellocchio, un gran maestro, ha conseguido: un thriller intenso y cercano en el que salvarse se parece mucho a perderse" y Keith Uhlich en Slant "Una magnífica interpretación del escándalo del Vaticano del siglo XIX (...) La historia se desarrolla con gran tensión (...). 

No tan elogiosas fueron las de Jordan Mintzer en The Hollywood Reporter al decir que la película "Intrigante aunque demasiado exagerada" o la de Ben Croll en IndieWire cuando lice de ella que "Aunque la fuerza de la historia y la elegancia del toque de Bellocchio se mantienen, 'Kidnapped' deja un sabor ligeramente agridulce. Como el propio Edgardo, la película tiene un aire de promesa frustrada". 



En la pérfida Albion la película recinbió amplios elogios. Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian comenta que era "Un clásico en potencia (...) un melodrama en toda regla que pone al descubierto la tiranía, el fanatismo y el abuso de poder de la Iglesia católica (...)" ; o como señala Lee Marshall en Screendaily que "Detrás de unos trajes antiguos preciosos y unos decorados suntuosos, esconde un mensaje sombrío y desgarrador, y esta doble naturaleza servirá a la película tanto en Italia como en el extranjero". 

También elogiosas fueron las de Barry Levitt publicada en Empire cuando considera que "Una historia real con un ritmo magistral y magníficamente rodada sobre la fe, la familia y el poder de las personas que se unen para corregir errores profundamente arraigados (...) " ; o Wendy Ide en The Guardian que es "Un drama real que provoca una fuerte indignación (...) Marco Bellocchio narra la historia de Edgardo Mortara con elegante contención (...) 



Ya en España casi el común denominador fue el aplauso salvo en casos contados en los que gustó menos como ocurrió en Cinemanía con Ruben Romero o en El Periódico con la firma de Nando Salva. Para éste último la película "Logra mantener la intensidad dramática propia de un ‘thriller’; lo malo es que está tan preocupada por dejar clara la villanía de Pío IX y sus secuaces que pierde las formas. A su retrato solo le faltan los cuernos y el tridente." En el caso de Rubén Romero lo que no le gustó fue que era "Un retrato maniqueo. Queda como un magnífico drama histórico para los interesados en el derrumbe de los Estados pontificios y una refutación completa del fanatismo religioso, pero se agradecería que, a ratos, no fuera tan almidonada" 

En El Mundo Luis Martínez consideró que era "Una película poderosa, trágica y tremenda (además de tremendista) (...) El director tan obsesionado por los secuestros ofrece un vademécum de cine enérgico y febril, de cine obsesivo e inflamado por la certeza de la injusticia." 

Elsa Fernández-Santos de El País lo que más valoró fue la solidez y el pulso narrativo señalando que "Con una solidez y un pulso narrativo que no da un respiro, Bellocchio retrata la lucha de la familia Mortara frente a una iglesia inquisitorial y fanática (...) la película mantiene al espectador en vilo." 

Favorables fueron igualmente la de Sergi Sánchez en La Razón destaca el papel del director cuando dice que "Bellocchio, en su inquebrantable denuncia de las instituciones de poder, vuelve a hincar el diente a la Iglesia Católica en la notable “Rapito” (...) La película, de una virulenta intensidad dramática, está contada como una auténtica pesadilla" 



En Fotogramas, Eulàlia Iglesias también elogia al director al destacar que "Marco Bellocchio firma con ‘El rapto’ una nueva muestra de su práctica modélica de un cine histórico vibrante en lo narrativo, cuidado en lo evocativo y contundente en lo político. (...) ". Y destaca las partes de la película al decir que "La primera parte del film nos sumerge en la cotidianidad poco representada de una familia judía burguesa de la época, alterada por la abducción de uno de sus hijos. Bellocchio insufla poderío al conflicto dramático de unos individuos en lucha frente a los abusos de un poder institucional. La segunda parte muestra la capacidad de seducción del catolicismo a través de sus liturgias y sus retóricas maquiavélicas. Pero en este último tramo, el desgarro que supone el rechazo del protagonista a la familia que tanto lo ama queda descompensado por la excesiva atención al marco histórico. ". 

También valoró positivamente la película Quim Casas en El Periódico destaca que "Marco Bellocchio reconstruye un caso acontecido en la Bolonia de 1858 (...) este no es un filme maniqueo de buenos y malos. (...) Bellocchio se permite algunas licencias (...) Todo es muy efectivo (...)" 

Y en La Vanguardia, Philipp Engel comenta que "Una vez más, Bellochio demuestra que el cine puede resultar idóneo para una magistral relectura histórica, tan emotiva como penetrante y reveladora. (...). 

Por mi parte, decir que la película que tiene una estructura de thriller histórico, con una magnífica banda sonora, con un tono y unos registros por parte de los actores más que elogiables, sobresalientes, y que llega a hablar de la actualidad con la intolerancia religiosa, especialmente de los católicos hasta el abuso a la infancia del desarraigo , la integración en una comunidad y la desintegración de una familia, del abuso y de la intolerancia, de la coherencia. 



domingo, 17 de noviembre de 2024

Omega



No muchas veces un disco, un simple disco, pasa a la Historia de la Música, pero Omega, que podría haber sido el final de la carrera de los Lagartija Nick y , sobre todo, de Enrique Morente, un cantaor abierto a la experimentación, ya que la apuesta de éste por combinar neopunk con flamenco, era un riesgo, pero salió bien. 

El resultado del encuentro entre el cantaor granaíno y la banda local fue la hostia y un revolucionario disco de flamenco-rock , compuesto por el maestro Enrique Morente y el grupo granadino Lagartija Nick en 1996.  Un disco rompedor y de gran impacto en el panorama musical nacional e internacional en el que Morente adaptó temas del cantautor canadiense Leonard Cohen y puso música a poemas de Federico García-Lorca acompañado de la energía y crudeza del rock. 

El impacto de este disco y su colaboración se alargó hasta 2008 y en 2016 José Sánchez-Montes y Gervasio Iglesias conscientes de su trascendencia decidieron hacer esta película documental partiendo del guón escrito junto a ellos por Mercedes Cantero. 

El documental producido por Telecinco Cinema, Sacromonte Films y Universal Music Spain, pero en el que igualmente intervino Canalsur, obtuvo diversas nominaciones al mejor documental tanto en los Premios Goya como en los Premios Forqué. 

"Omega" nació fruto de la pasión por Lorca, Leonard Cohen y la cultura en sí, y se convirtió en un trabajo excepcional a cargo de Enrique Morente y Lagartija Nick, que supuso toda una revolución en la historia de la música en el año 1996. 

El documental narra la gestación del álbum llamado "Omega", que sigue conmocionando con su mezcla de guitarras eléctricas, flamenco y la poesía de Lorca. Todo empezó por una idea del poeta, periodista y escritor Alberto Manzano, que es además biógrafo y traductor de Leonard Cohen en España. Manzano quería hacerle al músico canadiense un regalo especial por su 60 cumpleaños, y le propuso a Morente grabar algunas de sus canciones. 

La película incluye archivo sonoro y audiovisual de la época, imágenes inéditas de los primeros ensayos, y la participación de figuras como Laura García Lorca, que acudió al primer concierto de presentación del disco, o Estrella Morente, que hizo algunos coros. Un avance de la película fue presentado en el Festival de San Sebastián.

El documental , unánimemente elogiado, y dedicado a Enrique Morente y a Antonio Arias, descubrimos como en aquel momento el disco tuvo tantos detractores como admiradores. Hoy está considerado como uno de los álbumes más revolucionarios de la historia de la música española. Durante el mismo vemos los testimonios entre otros de Antonio Arias, de Lagartija Nick, del batería del grupo el rompedor Eric Jiménez o las hijas del cantaor, especialmente de Estrella Morente, pero también Soleá y su hijo, Enrique o su mujer, Aurora. Un encuentro en Granada, Morente entró en contacto con Lagartija Nick, el grupo de Antonio Arias, y tras una noche de copas, quedaron en ensayar al día siguiente. 

Este álbum marcó un antes y un después en la manera de concebir el flamenco y su interacción con otros géneros e incluyó adaptaciones de poemas de Lorca, como Pequeño vals vienés (que inspiró la famosa canción Take This Waltz de Leonard Cohen), y textos de Cohen como First We Take Manhattan. 

Reconozco que el disco me interesó desde que salió , aunque desconocía la colaboración de Morente con los neoyorkinos Sonic Youth cuando tocaron en el festival Heineken Greenspace de Valencia, para interpretar el martinete "Oriente y Occidente" , o con el líder de la banda, Lee Ranaldo, con el que participará en febrero de 2010 participa en el acto de inauguración de la exposición "Sonic Youth etc.: Sensational fix" en el vestíbulo del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles en una Perfomance, o con el guitarrista Pat Metheny, a raíz del éxito del mismo. Como señala su hija Estrella el álbum fue visionario, un disco y una colaboración adelantada a su tiempo en décadas. 

Del documental Javier Ocaña en El País dirá que fue un "Estupendo documento musical que da cuenta de la revolución que supuso el mítico disco de título homónimo".

Quim Casas en en El Periódico comentará que "Es un documental directo y aplicado que arroja más luz sobre un artefacto ya de por sí luminoso. (...)" 

Según Yago García en su crónica de Cinemanía el documental "Testifica dignamente sobre la genialidad de un trabajo que sufrió mezquindades e incomprensiones antes y después de llegar a las tiendas, pero que cumplió (y cumple) de sobra su propósito (...)" 

Ricardo Aldarondo en Fotogramas defenderá qie "La convencional alternancia de entrevistas con los protagonistas e imágenes del pasado se beneficia de un montaje ágil y de unas intervenciones jugosas, entre la emotividad, la técnica musical bien explicada y la gracia innata de algunos de los participantes. (...)" .

A destacar del mismo las aportaciones de todos los que colaboraron en el mismo , pues la narración está llena de divertidas anécdotas , de documentos como esa primera actuación conjunta en Atarfe en la que Morente ni tan siquiera inicialmente estaba publicitado en los carteles, las grabaciones , muchas, muchísimas que se hicieron en Granada y que en Madrid, donde se sumaron otros artistas flamencos como Vicente Amigo, estuvo a punto de derrumbar el disco, etc...

El resultado de toda esta conjunción de un genio del flamenco, de un guitarrista flamenco valiente como Cortés, de los Lagartija Nick - que retornaron en el festival Primavera Sound 2008 celebrado en Barcelona, dentro de la nueva gira que se realizó ese mismo año, que les llevó hasta México a presentar su obra, el lugar en el que se publicaron ya postumamente Poeta en Nueva York, allá por el 1940, tan referencial como la primera gira, que les llevó a Nueva York, donde García Lorca había concebido su Poeta en Nueva York, de las hijas del cantaor fue Omega , lo que Antonio Arias consideró que fue explosión cósmica de flamenco y rock, más aún tras vender 80.000 copias del disco lanzado al mercado en 1996 inicialmente por la discográfica El Europeo Música y que en 2008, volvió a ser editado.

Sound of Freedom



La trata de personas es un negocio que genera unos 150.000 millones de dólares al año. Estados Unidos es uno de los principales destinos del tráfico de personas y está entre los mayores consumidores de sexo con menores. Hay más personas atrapadas en la esclavitud hoy que en cualquier otra época pasada, incluyendo cuando la esclavitud era legal. Millones de estos esclavos son niños. 

Ante esta realidad Alejandro Monteverde en 2023 realizó una película con el objetivo de concienciar a la población de lo que supone esta modalidad de esclavitud. Basándose en un caso real desarrolla una película cuyo objetivo básicamente es presentarnos la figura del héroe Salvador de al menos ciento cincuenta menores en Colombia y de cómo tras su actuación el gobierno de los Estados Unidos tomó cartas en el asunto para implicarse más en atajar esta barbaridad. 

Está producida por Eduardo Verástegui por medio de Angel Studios, quien también desempeña un papel en la película. La trama se centra en la Operation Underground Railroad - Operación Ferrocarril Subterráneo - , una organización creada por Tim Ballard contra el tráfico sexual. Si bien la película supuestamente está basada en la vida de Ballard, varios periodistas de investigación han escrito sobre el Ballard de la vida real y O.U.R., señalando que los eventos en la película tienen poca semejanza con la realidad. El guion de la película fue escrito por Rod Barr y Alejandro Monteverde. 

El resultado de esta historia es un impactante y oscuro thriller dramático basado en hechos reales. El protagonista de esta historia es un agente especial de la seguridad Nacional de los Estados Unidos que trabaja en la investigación de redes de tráfico sexual infantil. El protagonista que se llama Tim es interpretado por Jim Caviezel. 

La película consiguió recaudar más de doscientos cincuenta millones de dólares convirtiéndose en todo un éxito de taquilla. 

Sound of freedom estaba basada en la historia de Tim Ballard , ex-agente del departamento de seguridad Nacional de los Estados Unidos y fundador de una ONG destinada a detener la trata de menores como es operativo underground Railroad. 

La historia comienza cuando Giselle (Yessica Borroto ), una ex reina de la belleza, le ofrece a Roberto Aguilar (José Zúñiga), el padre de dos chicos pequeños un niño y una niña, Rocío (Cristal Aparicio ) y Miguel (Lucás Ávila ), para que sus hijos participen en un casting de modelos. En la cesta y lo lleva a una supuesta sesión de fotografía que sin embargo poco después descubre que no están cuando regresa a buscar a los niños.

Estamos en 2013, Roberto Aguilar, un padre pobre de dos hijos pequeños, un chico y una chica, de Tegucigalpa, Honduras, es abordado por una ex reina de belleza, Giselle. Ella le ofrece a sus hijos pequeños, Rocío y Miguel Aguilar, participar en un casting de modelos y firmar sendos contratos de modelos infantiles. Él acepta y los lleva a la sesión de fotos. La sesión fotográfica vemos que tiene lugar, pero el padre cuando regresa a recoger a sus hijos, ya no están. Se revela que los niños han sido secuestrados y vendidos para ser utilizados como esclavos sexuales. 

Mientras en Calexico, California, conocemos por una actuación a Tim Ballard, un agente especial de la Oficina de Investigaciones de Seguridad Nacional (HSI), que está a las órdenes del agente Frost (Kurt Fuller ) donde arresta a personas que poseen y distribuyen pornografía infantil. 

Lo suyo es un doloroso trabajo que tiene un gran costo para su vida personal, y esto solo empeora cuando otro agente, Chris, señala que a pesar de arrestar y procesar a numerosos depredadores infantiles, en gran medida no pueden evitar que más niños sean explotados, pues prácticamente ninguno se recupera. Ballard sabe que esto se debe a que la mayoría de ellos están fuera de los EE. UU., pero las palabras de Chris se le quedan grabadas. 

Tras replantearse su trabajo habla con un sospechoso al que arrestó, Ernst Oshinsky (Kris Avedisian ), al que engaña para que crea que él mismo es un pedófilo. Una vez que se gana la confianza de Oshinsky, organiza una reunión con un niño víctima de trata y logra arrestar a Earl Buchanan, el hombre que compró a Miguel. 

Ballard tras rescatar a Miguel,  le pide información que lo ayude a encontrar a otros niños desaparecidos. Es en ese momento cuando Ballard se entera de que la hermana de Miguel, Rocío, sigue desaparecida y el niño le pide que la salve. 



Ballard hace los arreglos para que Miguel regrese a casa con su padre, Roberto, pero no antes de que Miguel le entregue a Ballard el collar de San Timoteo de su hermana. 

Ballard tras hablar con su mujer Katherine (Mira Sorvino ) comienza a buscar a Rocío y su búsqueda lo lleva a Cartagena de Indias, Colombia. Allí se encuentra con Vampiro (Bill Camp ), un americano ex contable del Cártel de Cali que ahora trabaja para salvar a los niños del tráfico sexual. Es él quien le habla de la figura de Giselle. 

Después de leer en prensa sobre la detención de un pederasta que asistía a un club de sexo infantil en Tailandia y que tras la operación policial fue cerrado, Ballard decide que esta es la historia de tapadera perfecta para adquirir una gran cantidad de los niños que capta Giselle en una operación encubierta. 

Vampiro consigue que un policía colombiano, Jorge, y un ciudadano adinerado llamado Paulo Delgado (Eduardo Verástegui ) ayuden con la misión de Ballard. 



El supervisor de Ballard, Frost, le ordena a Ballard que regrese a los EE. UU. ya que no tiene la autoridad para llevar a cabo una operación de ese tipo en suelo extranjero. Ballard , tras consultar con su mujer, renuncia a su puesto en lugar de abandonar la búsqueda de Rocío. 

Simpatizando con la decisión de Ballard, Frost persuade en secreto al personal de la Embajada de los EE. UU. en Colombia para que lo ayuden en todo lo que puedan. Con Jorge actuando como intermediario, Ballard y Vampiro se hacen pasar por traficantes sexuales y convencen a Giselle de que les venda 54 niños, lo que permite a la policía identificarla y arrestarla mientras desmantelan su operación. Rocío no se encuentra entre los jóvenes liberados. 

Después de interrogar a uno de los socios de Giselle, Jorge se entera de que Rocío fue vendida a las FARC, atrincheradas en lo profundo de la región selvática del sur del país. Jorge le informa a Ballard que no hay forma de recuperar a la niña, porque la región es en gran parte una selva salvaje sin cartografiar, y cualquier territorio rebelde es una zona de exclusión aérea para el gobierno colombiano. 

Vampiro señala que se permite la entrada al personal médico por razones humanitarias, y Jorge acepta a regañadientes ayudarlos a obtener la documentación para hacerse pasar por médicos. 

Los rebeldes se niegan a dejar entrar a Vampiro, y Ballard que acuden como miembros de una entidad médica se ve obligado a continuar solo. 

Tim obtiene acceso al campamento de las FARC donde se encuentra detenida Rocío y se entera de que ella es la esclava sexual personal de un líder de las FARC, El Alacrán ("El Escorpión"), y junto con otros debe triturar hojas de coca para producir cocaína. 

Ballard se ve obligado a matar a El Alacrán mientras libera a Rocío, y a pesar de que los rebeldes los persiguen y les disparan, la lleva a un lugar seguro. Antes de separarse, le devuelve el collar que Miguel le dio anteriormente. Rocío finalmente es devuelta a su padre y hermano, y la familia regresa a su hogar en Honduras. 

 En el epílogo se dice que Tim Ballard testificó ante el Congreso de los Estados Unidos y afirma que su testimonio dio lugar a la aprobación de leyes que obligan al gobierno a cooperar con países extranjeros en las investigaciones sobre tráfico sexual. 

El rodaje comenzó en el verano de 2018 en Cartagena de Indias y tuvo un rodaje adicional en Calexico, California, siendo el responsable de la fotografía Gorka Gómez Andreu. Junto a Caviezel, que considera que este es el segundo trabajo más importante como actor, tras su papel protagonista en una película de Mel Gibson, completan un reparto en el que Mira Sorvino, Bill Camp, Eduardo Verastegui, Javier Godino y José Zúñiga. Participa igualmente cristal Aparicio y Lucas Ávila.T..

La película fue estrenada el 4 de julio de 2023 por Angel Studios y fue un éxito inesperado, recaudando $ 250 millones contra un presupuesto de $ 14,5 millones para convertirse en una de las películas independientes más exitosas de la historia. 



Junto a Eduardo Verástegui que en la película hace de actor ,, pero sobre todo es el productor. Junto a éste la película fue producida ejecutivamente por Mel Gibson, Tony Robbins, quien también financió parcialmente la distribución de la película; John Couch;John Paul DeJoria; Paul Hutchinson; Patrick Slim, y Andrew McCubbins, quien fue condenado en 2020 por ejecutar un plan de fraude al Medicare de $89 millones. 

La banda sonora de la película está compuesta por Javier Navarrete, quedando como montador Brian Scofield.

La película recibió críticas mixtas de los críticos, algunos de los cuales lo califican con thriller cristiano, mientras que la recepción del público fue muy positiva. 

Owen Gleiberman de Variety le dio a la película una crítica positiva, escribiendo: "Supongamos que, como yo, no eres un teórico de la conspiración fundamentalista de derecha que busca una película de suspenso oscura y basada en la fe para ver durante el fin de semana festivo... Incluso entonces, no necesitas tener creencias extremas para experimentar Sound of Freedom como una película convincente que arroja una luz auténtica sobre uno de los horrores criminales cruciales de nuestro tiempo, uno del que Hollywood en su mayoría se ha alejado". 

Adam Graham de Detroit News escribió que "Incluso cuando el ritmo de la película comienza a tropezar... su trabajo se ha hecho, de manera competente, si no del todo artísticamente. A veces, lo obvio funciona bien". 

Madeleine Kearns, de National Review, calificó la película de "provocadora y apasionante", y añadió que "nos recuerda que mientras los niños sufran abusos, sin importar dónde estén o cuántos haya, el resto de nosotros debería preocuparnos". Las críticas religiosas fueron en su mayoría positivas. 

Glenn Kenny, que escribe para The New York Times, hizo una crítica: "La incomodidad se deriva de las vibraciones de suspenso contemporáneo del material de procedimiento policial... Luego están las escenas en las que los actores infantiles reales actúan mientras son preparados para imágenes provocativas por peluqueros adultos. ¿Cuál es la ética de la representación aquí? Los creadores de esta película inicialmente parecen estar lidiando con cómo contar adecuadamente esta historia". Continuó diciendo "El director Alejandro Monteverde tiene cierto sentido de la floritura, con varias tomas en perspectiva de un solo punto y disoluciones meditadas", pero concluyó "Curiosamente, el tono apagado de la película finalmente socava su solemne sentido de misión". 

Nick Allen de la web RogerEbert.com también fue negativo, escribiendo: "Sound of Freedom es un aburrimiento solemne y prolongado con una postura narrativa no particularmente audaz: preocuparse por la seguridad de los niños es aproximadamente la causa más fácil para cualquier ser humano remotamente decente... Pero al estar tan comprometido con tal solemnidad y sufrimiento, la narración truncada de los coguionistas Monteverde y Rod Barr descuida desarrollar sus ideas o personajes o agregar más intensidad a la búsqueda lenta-lenta-lenta de Ballard de dos niños en particular (Miguel de Lucas Ávila y Rocío de Cristal Aparicio) cuyos rostros lo persiguen". 

Sam Adams de Slate dijo en su reseña que la película parece ser "un thriller sencillo de búsqueda y rescate, en donde Ballard, un agente especial del Departamento de Seguridad Nacional, se desvía para liberar a una joven de las garras de una red colombiana de tráfico sexual. Pero llegó a los cines rodeada de una nube de insinuaciones lanzadas por su estrella y sus partidarios de derecha más ruidosos: insinuaciones conspirativas sobre quién no quiere que se cuente esta historia y qué están haciendo realmente los traficantes del mundo real". 



El británico Ed Power, del Telegraph, dijo de ella que era "extrañamente aburrida" y la calificó de "un thriller de tráfico infantil espeluznante e impresionantemente lúgubre" cuyo éxito en los cines estadounidenses "demuestra que Estados Unidos no solo es un país diferente, es un planeta diferente" 

Peter Bradshaw de The Guardian también la describió como "una película extraña, actuada de manera incierta y con intenciones opacadas", mientras que Wendy Ide en The Observer, la calificó como "un intento serio y bien intencionado de abordar un tema muy real y desgarrador" y "una película estruendosamente grosera y manipuladora que se ve obstaculizada por un ritmo errático, malos miméticos y una afición excesiva por las tomas de Caviezel llorando lágrimas varoniles y temerosas de Dios". 

Ya en España Luis Martínez en El Mundo considera que "La elegancia visual de Monteverde es manoseada por un guion plagado de subrayados y aclaraciones innecesarias. (...) La charla de Caviezel durante los títulos de crédito dinamita la película de forma soez." 

Para Oti Rodríguez Marchante de ABC "La película cuenta una historia, no del todo mal a pesar de sus convencionalismos, y te implica en lo sórdido de sus conflictos" 

Y en Cinemanía Javier Ocaña la describe como una película que "Es sólida en su narrativa, y elegante en su puesta en escena, pero le sobran coros celestiales (...) y un aire de producto para la inspiración y el cambio que, ahí sí, encaja con el sistema propagandístico. (...).

Alberto Abuín, otrora cabeza visible de blog de cine, comenta que "gustará más por el tema (muy poderoso) que por su calidad cinematográfica. Tendenciosa y con una excesiva trascendencia hacia el personaje central, interesa lo justo. Uno de los films más sobrevalorados del año".

El argentino Diego Lerer destaca que la película llegó a "superar a Indiana Jones y Misión Imposible. Más un fenómeno político (de extrema derecha), religioso y de marketing que cinematográfico. .

Como comprobamos la película fue aclamada por algunos sectores por su valiente retrato de una problemática importante y por su representación de la figura de Tim Ballard. Sin embargo, también recibió críticas por su enfoque melodramático y, en algunos casos, por simplificar una cuestión tan compleja o por ser sensacionalista o explotadora de una tragedia humana para obtener ganancias, pero lo cierto es que visibilizó una desgracia a escala mundial.



Un año, una noche



Todos tenemos en el recuerdo el atentado de Bataclan en París. Isaki Lacuesta decidió llevar al cine en el año 2021 en la historia de unos amigos que habían vivido el suceso en primera persona. Su amigo era el periodista Ramón González que decidió escribir un libro tras el atentado y titulado "Paz, amor y death metal", realizando una adaptación libre de este testimonio personal y conmovedor sobre la experiencia de haber sobrevivido al atentado de la sala Bataclán en París el 13 de noviembre de 2015. 

El libro publicado en 2020,  aborda no solo el impacto directo del ataque, sino también las profundas secuelas emocionales y psicológicas que dejó en el autor. . 

Superviviente del atentado terrorista de la sala de conciertos parisina cuando desarrolló su obra que se centra en la historia de Ramón (Nahuel Pérez Biscayart) y Céline (Noémie Merlant) lo que permitió que Isaki Lacuesta reinterpretara la obra y decidió hacer una película tras conocer a Ramón González , transformando a la protagonista femenina en su novia Céline e introduciendo a otras personas reales que inspiran la película. 

La película parte de una pregunta. ¿Vivimos como queremos vivir o hace falta que nos disparen para darnos cuenta de que la vida que llevamos no es satisfactoria? Esa es la pregunta que plantea el director Isaki la Cuesta en esta aclamada película basada en hechos reales. 

La historia se centra en una pareja la formada por una francesa Céline y un español, Ramón, que ven como su vida cambia a drásticamente por completo tras salir con vida de las alta terrorista del atentado de la sala Bataclán en la noche del 13 de noviembre del año 2015. 



Mientras Céline inicia una huida hacia adelante sin querer contar nada a nadie y aferrándose a su vida previa, Ramón vuelve continuamente a cada instante vivido para preguntarse cómo quiere que sea su vida en adelante. 

Son dos maneras de sobrellevar una experiencia traumática que supone un antes y después en sus vidas. Un mismo hecho lleva aparejado vivencias distintas para la pareja. Entre los dos nos van contando el ataque a Bataclán, pero mientras que Ramón describe con brutal honestidad lo que ocurrió durante el ataque, hablando del momento en que los disparos comenzaron, el caos, el terror y la lucha por sobrevivir mientras los terroristas disparaban indiscriminadamente contra los asistentes. 

A través de su relato vemos como logró salvarse escondiéndose entre los cadáveres durante horas hasta que la policía intervino, a diferencia de la visión de Céline a la que vemos como se esconde en una habitación junto a otros jóvenes; aunque en momentos de la película vemos como tiene en sus manos a un Ramón muerto tras ser alcanzado por las balas. 

Ramón desde ese momento sufre estrés postraumático que condiciona su relación de pareja, un miedo constante que verbaliza continuamente y las dificultades para retomar la vida cotidiana tanto es así que deja su empleo en una empresa para dedicarse a la enseñanza de la música. Sus amigos, Carlos (Quim Gutièrrez) y Lucie (Alba Guilera) que han vivido su misma experiencia acaban retornando a España. 




Por su parte, Céline no verbaliza nada, sin embargo, mientras pasan un momento en España , junto a la familia y amigos de Ramón, ella que se ha mantenido trabajando con jóvenes inmigrantes, algunos de ellos magrebíes que no miran con malos ojos lo ocurrido, tiene una mayor fuerza en su salud mental, aunque por momentos entra en crisis, especialmente tras los atentados de Niza. Ella es más resiliente. 

No obstante, en algún momento de la película deja entrever que Ramón murió en el ataque y sufre en soledad su duelo. La pareja de cualquier manera ofrece una mirada honesta y humana sobre las dificultades de superar un evento traumático. Y el final, con la pareja en un Bataclán remozado  vuelve a la pista de baile a disfrutar de la música y de la bando con la que todo empezó. 

La película está interpretada por Nahuel Pérez Biscayart, Quim Gutiérrez, Alba Gilera, C. Tangana, Natalia De Molina, Eric Auquer, Noemí Merlant. 

A través de una narración fragmentada, la película se mueve entre el presente, mostrando cómo la pareja intenta reconstruir sus vidas mientras lidian con el estrés postraumático y las diferencias en su manera de afrontar el dolor; y los flashbacks, que muestran lo sucedido en el Bataclán, reviviendo el horror y el caos de aquella noche. 

Aunque cada individuo procesa el dolor de manera diferente y dentro de esas dos líneas argumentales abre otras líneas, combinando la vida y la muerte de Ramón, como opción, y la doble postura ante lo ocurrido para parte de él, comunicando lo que siente, por parte de ella, siguiendo su vida con una normalidad casi antinatural. Ramón busca enfrentar lo ocurrido, mientras Céline intenta evitar confrontar sus sentimientos. 

Lo cierto es que en la película se habla más de las consecuencias que de lo ocurrido en la céntrica sala de conciertos parisina de Bataclán, donde la banda estadounidense Eagles of Death Metal estaba dando un concierto. Allí tres atacantes que eran en su mayoría europeos radicalizados y que estaban armados con fusiles de asalto AK-47 entraron al recinto y comenzaron a disparar indiscriminadamente contra los asistentes. También tomaron rehenes y, durante horas, se vivieron momentos de extrema tensión hasta que las fuerzas de seguridad lanzaron un asalto para liberar a los sobrevivientes. En el ataque murieron 90 personas y muchas más resultaron heridas.

A este ataque se le unirá al año siguiente el atentado de Niza ocurrió el 14 de julio de 2016, durante las celebraciones del Día Nacional de Francia. Este ataque, perpetrado con un camión que entró en la Promenade des Anglais, el icónico paseo marítimo en la ciudad cuando miles de personas se congregaban en la zona para disfrutar de los fuegos artificiales. A lo largo de 2 kilómetros el camión arrastraba con todo por la concurrida avenida siendo el resultado de 86 muertos, incluidos 15 niños, y más de 450 heridos. 

Con ese número de fallecidos es difícil cómo evitar que los recuerdos del atentado vuelvan de forma constante e inesperada, afectando las emociones y comportamientos de los protagonistas. El impacto del atentado pone a prueba la relación entre Ramón y Céline, mostrando cómo el trauma puede unir y, al mismo tiempo, distanciar a las personas. 

Más que una película sobre el atentado, es una historia sobre cómo sobrevivir a una experiencia extrema y cómo encontrar sentido a la vida después de una tragedia e igualmente aborda cómo el entorno (familia, amigos, desconocidos) interactúa con las víctimas, a veces con buenas intenciones pero sin comprender completamente su sufrimiento. 

Isaki Lacuesta plantea la historia desde un enfoque delicado y respetuoso y utiliza una narrativa en la que implementa saltos temporales para reflejar cómo el trauma rompe la percepción lineal del tiempo. 

La película que fue una coproducción entre España-Francia rodada en gran medida en francés, en la que participaron las productoras Mr. Fields and Friends, Bambú Producciones, La Termita Films, Noodles Production. Contó con la música de Raül Refree y la fotografía de Irina Lubtchansky, aunque el que tuvo un gran mérito fue de los montadores, Sergi Dies y Fernando Franco. 

A destacar la dirección amable y sensible de Isaki Lacuesta y las interpretaciones de los actores principales. La película rezuma sensibilidad y el director destaca por su capacidad para abordar el trauma sin caer en el sensacionalismo. 

La película estrenada en la Sección oficial largometrajes a concurso obtuvo el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Berlín 2022, donde tuvo su estreno internacional y recibió nominaciones en festivales importantes. En los Premios Goya ganó el Mejor guion adaptado en el que partició el director junto a Isa Campo y Fran Araujo . En los Premios Feroz fue nominada a mejor drama, actor, guion y música y en los Premios Gaudí obtuvo 5 premios incluido al mejor guion adaptado, al mejor montaje-desde luego, complejo y espectacular realizado por Sergi Dies y Fernando Franco, y a la mejor música.



Algunos críticos señalaron que el ritmo pausado podría no ser adecuado para todos los públicos, pero en general fue elogiada como una obra madura y emocionalmente poderosa. En España Luis Martínez en El Mundo escribió que "Todo es ofrecido a la vez, sin cronologías y mapas establecidos, en un puzzle prodigioso de cine profundamente sombrío y clarividente a la vez (...) " 

En Fotogramas Beatriz Martínez dijo de ella que era un "Brillante drama (...) una sinfonía de imágenes que palpitan, que nos conducen del dolor a la esperanza, de la frustración a la catarsis, de lo particular a lo universal para hablar del miedo en todas sus formas. (...)" 

Manu Yáñez de El Cultural alabó el papel del director y dijo que "Lacuesta plantea un viaje difuso, y por ello especialmente vivaz y penetrante, por la traumática onda expansiva que dejaron los atentados de 2015 (...) un trabajo de cámara y montaje ultrasensibles" También en El Cultural Enric Albero dijo de ella que era "Un derroche interpretativo que culmina una película por momentos un tanto fría" 

Oti Rodríguez Marchante de ABC escribió que "Se le puede reprochar al director que su propósito de mostrar lo agónico (...) se quede ahí, en mostrarlo y que no apunte algo más allá (...) En todo caso, lo que hace o dice está muy bien hecho o dicho. (...)" 

Sergi Sánchez de La Razón postuló que era " interesante el modo en que, desde el montaje, opera la memoria de esa noche (...) Lo mejor: Que explore con tanta sensibilidad las conexiones entre duelo y memoria ante una catástrofe (...) " 

Y en Cinemanía Nando Salvá destacó el "Uso impecable del montaje visual y sonoro. (...) Una obra modélica por su modo de representar una tragedia real. (...)" 

Estrenada en los Estados Unidos Leslie Felperin de The Hollywood Reporter comentó que la película "Se beneficia de una dirección innovadora y unas interpretaciones elocuentes (...) Es más aterradora que cualquier película de terror"  




En Variety, Guy Lodge dijo de ella que era "Un trabajo amplio y empático que pierde claridad por el peso de tantos sentimientos (...) Acaba Anna Smith de Deadline destacó por presentar "Una reflexión poderosa y agridulce sobre el impacto del trauma y el deseo de no ser definido por ello." 

En Gran Bretaña Jonathan Holland en las páginas de Screendaily sostuvo que era "Un drama psicológico emocionalmente interesante que usando Berlín como plataforma podría hacer que Lacuesta se llevara el aplauso internacional."

Y punto y final. 



viernes, 15 de noviembre de 2024

La mejor oferta



Durante minutos he pensado que podía ser una de las últimas bandas sonoras que compuso brillantemente del como siempre grandioso Don Ennio Morricone. Sin embargo al ver el año de la realización de la película que es en 2013 pues he salido de mi engaño. 

No grabé la película por Morricone si no porque ese director era Giuseppe Tornatore que en este caso hace una película digamos italo-estadounidense. El título en italiano de la película era La migliore oferta, imposiblemente fue rodada en inglés puesto que el elenco casi en su totalidad es anglosajón. Entre ellos se encuentra Geooffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoels, Donald Sutherland, Phillips Jackson, Dermot Crowley y Liya Kebade. 

La película nos cuenta la historia de Virgil Oldman (Geoffrey Rush) un solitario y excéntrico experto en arte y agente de subastas, muy apreciado y conocido en todo el mundo. Virgil es director gerente de una importante casa de subastas, ya mayor y famoso, pero exigente y muy temperamental. Su vida transcurre al margen de cualquier sentimiento afectivo. 



Aunque Virgil ofrece una actuación atractiva para el público en una subasta, no se siente cómodo con ellos individualmente; se niega a usar un teléfono móvil y solo se quita los guantes para tocar las obras de arte, ya que padece un tipo de Toc. 



Un día recibe Virgil recibe una extraña llamada de una misteriosa joven que le encarga tasar y vender las obras de arte heredada de sus padres.  Se trata de una misteriosa joven heredera, Claire Ibbetson (Sylvia Hoeks), que le pide subastar una gran colección de arte y antigüedades que le dejaron sus padres. 

Claire, que sufre de agorafobia severa, se niega a que la vean y se esconde en una habitación segura cerrada. Ha decidido confiar en Oldman, ya que su propio trastorno significa que también evita el contacto físico con los demás. 



Pronto Virgil, un soltero de toda la vida que nunca ha sido capaz de relacionarse con una mujer que no sea un lienzo, se da cuenta de que la aparición de esta chica joven, que sufre esta extraña enfermedad psicológica cercana a la agorafobia y que la mantiene aislada del mundo, está transformando su vida. Conforme aumentan las llamadas y el trato Virgil se va obsesionando con ella. 

En paralelo Virgil va confiando cada vez más con un hábil artesano. Se trata de un chico joven, Robert (Jim Sturgess), que tiene un taller de reparación y restauración de cualquier cosa mecánica. Éste ayuda a Oldman a restaurar y volver a ensamblar algunas piezas mecánicas con engranajes que, curiosamente, siguen apareciendo en la propiedad de Claire y que parecen ser de un autómata histórico potencialmente valioso. 

Robert, que tiene mucho éxito con las mujeres, pronto le da consejos sobre cómo hacerse amigo de Claire y cómo lidiar con sus sentimientos hacia ella. La narrativa paralela del autómata es que supuestamente podría hablar; mientras que Robert teoriza que debe haber sido diseñado para contener a un enano para lograr esto, Virgil señala que, si bien debe haber habido algún truco de ese tipo, nadie ha podido explicar cómo el autómata siempre proporcionó las respuestas correctas a las preguntas que se le hacían. 

Virgil, de vez en cuando comienza a frecuentar un café frente a la casa de Claire para poder vigilar las puertas. Consciente del más mínimo detalle y matiz en lo que se refiere al arte, siempre ignora lo que una enana que está sentada junto a la ventana, a la que no sólo ignora cuando calcula con precisión en voz alta los puntos que acumula el juego de pinball del otro lado de la sala, sino que confunde a los clientes del café con cálculos correctos y fórmulas matemáticas en respuesta a sus preguntas. 

La reputación de Virgil como un autenticador irreprochable se ve desmentida por una estafa en curso, mediante la cual presenta retratos de mujeres de maestros reales en subasta como si no fueran auténticos, obra de artistas menores o falsificadores, para que su amigo Billy Whistler (Donald Sutherland) pueda actuar como su cómplice, pujando por ellos a precios muy por debajo de lo que realmente deberían haber obtenido. 

Aunque Billy ha ayudado a Virgil a adquirir una gran colección privada valorada en muchos millones, está decepcionado de que, como aspirante a artista, Oldman no se tome en serio su trabajo, declarando que Billy "no tiene ningún misterio interior". Un ejemplo de las manipulaciones de Virgil para estafar a sus clientes se revela cuando descubre un trozo de madera mohoso y carbonizado en la propiedad de un cliente. Declara que probablemente no tiene ningún valor y no se lo pide como regalo. Sin inmutarse, cuando una restauración profesional revela que hay una pintura debajo, Virgil certifica que es de una falsificadora del siglo XVI que se identificó con una "V" oscuramente colocada, y señala que todos los falsificadores se sienten irresistiblemente tentados a modificar el original añadiendo algo de ellos mismos, que la autotraición revela la propia sensibilidad auténtica del falsificador. 

Después de haber preparado a sus clientes de que la pieza se venderá por un precio modesto en una subasta, confía en Billy para adquirirla, pero Billy es demasiado lento en hacer una oferta competitiva y, en una confrontación embarazosa a mitad de la subasta con el otro postor, el cuadro se vende a ella por 90.000 libras. Virgil, furioso, se enfrenta más tarde a Billy y le revela que en realidad se trataba de un cuadro original valorado en 8 millones de libras, y no de una falsificación. 

Poco después, Billy compra el cuadro al postor por 250.000 libras y se lo vende a Virgil al precio de coste, alegando que sólo quiere restaurar su relación dañada. 

Mientras tanto la atracción de Virgil con Claire va a más. Enamorado, acaba iniciando una relación con Claire que compromete su trabajo, a pesar de que Billy le advierte de que las emociones humanas son como obras de arte; se pueden falsificar, lo que significa que incluso el amor se puede fingir. 



Cuando la relación con la chica se ha consolidado, Virgil es golpeado por una banda tras salir de la villa y se queda tirado en la calle, Claire supera su miedo al mundo exterior y acude en su rescate. 

En el punto álgido de la relación, Virgil deja a un lado sus guantes y Claire, todavía frágil, se va a vivir con él. Él confía en ella lo suficiente como para mostrarle su colección secreta de toda la vida. Abrumada por la emoción, le dice a Virgil que, pase lo que pase con los dos, lo ama. 

En una cena en un restaurante con Robert y su novia, Virgil le presenta a Claire el catálogo de la colección. Cuando ella confiesa que ha decidido no vender, en lugar de enfadarse porque todo su esfuerzo haya sido en vano, Virgil, enamorado, lo rompe felizmente y declara que haría lo mismo si la propiedad fuera suya. Luego anuncia que su actuación de subasta de despedida será en Londres en una semana. 

Después del exitoso evento, Billy lo felicita y le dice que, para recordarle el gran artista que podría haber sido si Virgil hubiera creído en él, le ha enviado una de sus pinturas. Virgil, entre risas, promete no quemarla. 

Cuando regresa a casa, descubre que Claire y toda su colección han desaparecido. La bóveda vacía contiene solo el autómata restaurado, que reproduce el mensaje de Robert que dice que hay algo auténtico oculto en cada falsificación, por lo que realmente extrañará a Virgil. 

Virgil también descubre que un supuesto retrato de la madre de Claire era en realidad un retrato de ella, pintado por Billy, y que le han dejado a Virgil, con una dedicatoria elocuente "con amor y gratitud". 

Virgil no puede acudir a la policía como víctima del elaborado fraude, ya que adquirió las obras robadas por medios ilícitos. Pronto descubre que la enana del restaurante no solo se llama Claire, sino que es la verdadera dueña de la villa. Ella revela que, si bien la ha alquilado a algunos directores de cine, durante los últimos dos años ha estado alquilada por "un ingeniero" muy cariñoso que solo podría haber sido Robert. Luego le da el número exacto de los cientos de veces que la supuestamente agorafóbica "Claire" abandonó la villa y que, durante el transcurso de la estafa, el contenido de la villa se había trasladado tres veces y se había retirado tres veces. 

Después de meses de recuperarse de la traición en una institución mental, Virgil todavía está atormentado por los recuerdos de haber hecho el amor con Claire. Virgil lleva consigo el retrato que Billy le hizo de ella y viaja a Praga, donde las habitaciones que hay frente al famoso reloj de la torre medieval han sido diseñadas según sus especificaciones. Cuelga el retrato en la pared y visita un restaurante que Claire afirma que añora, ya que allí había sido feliz. Está lleno de relojes y mecanismos. 

Cuando el camarero le pregunta si está solo, Virgil responde que está esperando a alguien. A medida que la cámara se aleja, revela una miríada de relojes que zumban, hacen tictac y se mueven ruidosamente, todos en movimiento, acabando así la película.

El cineasta italiano Giuseppe Tornatore es quien dirige y escribe como guion este drama romántico con grandes dosis de suspense rodado en inglés y ambientado en el mundo de la subastas de arte. Con un reparto internacional encabezado por los citados y con la colaboración del extraordinario compositor Ennio Morricone, habitual del cine de Tornatore. 

La producción estuvo en manos de Isabella Cocuzza y Arturo Paglia para la Warner Bros. con la colaboración de FVG (Friuli Venezia Giulia). El proceso de rodaje comenzó en Trieste el 30 de abril de 2012 y se rodó durante seis semanas en la región de Friuli-Venecia Julia, Trieste, Bolzano, Parma, Milán, Roma, Viena y Praga. La villa Colloredo Mels Mainardi, residencia de Claire en la película, está situada en Camino al Tagliamento (Gorizzo di Camino al Tagliamento), pequeña localidad en la provincia de Údine. 

Para rodar en estas localizaciones e interiores contó con la fotografía de Fabio Zamarion que luego montó Massimo Quaglia. 

La película es una canto al amor, al desamor, a la mentira y a las apariencias, pero también a la sensibilidad y el conocimiento artístico. 

En la película se citan numerosas obras de arte. El retrato que Oldman encuentra y hace restaurar lo que aparentemente es una copia del Retrato de muchacha de Petrus Christus, que luego resulta ser la obra original valorada en 8 millones de libras. Entre las obras que analiza está El nacimiento de Venus, de William-Adolphe Bouguereau. 



Los retratos femeninos de su colección datan desde el siglo XV al XX. Algunos de ellos son obras célebres, mientras que otras son versiones menos famosas, acaso espejadas o recortadas. Se reconocen La Fornarina y La Muta de Rafael, algunas obras de Tiziano (Violante, La Bella y un fragmento del Retrato de Eleonora Gonzaga Della Rovere), algunas piezas de Agnolo Bronzino (Retrato de Eleonora de Toledo con su hijo Giovanni, Retrato de Lucrezia Panciatichi), una de Lorenzo di Credi (La dama dei gelsomini), una de Boccaccio Boccaccino (Muchacha gitana), una de Bartolommeo Veneto (Retrato de Lucrezia Borgia), una de Lorenzo Lotto (Retrato de Lucina Brembati), una de Andrea del Sarto (Dama con Petrarchino), un retrato de Bianca Cappello, una obra de Alberto Durero (Retrato de Elspeth Tucher), una de Lucas Cranach el Viejo (una versión de Salomé), una pintura de Sofonisba Anguissola (Retrato de Minerva Anguissola), un autorretrato propio y uno de su hermana Lucía, el autorretrato de Tintoretta, un Peter Paul Rubens, un Godfried Schalcken (Ragazza con la candela), dos Guido Reni (Retrato de Beatrice Cenci y Retrato de la madre), un Francisco Goya, un par de Rosalba Carriera (Autorretrato y Retrato de dama anciana), uno de Rose-Adélaïde Ducreux (Autorretrato con arpa), algunos de Ingres (Retrato de Delphine Ingres, Retrato de Madame Aymon), un par de Dante Gabriel Rossetti (Joli Coeur, La joven de la ventana), un Pierre-Auguste Renoir (Jeanne Samary con vestido escotado), un par de Amedeo Modigliani, un Morgan Weistling, un desnudo femenino de Bouguereau, el retrato de la Emperatriz María Aleksándrovna de Franz Xaver Winterhalter. 

El autómata, cuyas piezas encuentra Virgil Oldman, lleva la firma de Jacques de Vaucanson, célebre inventor del siglo XVIII que asombraba a los franceses con sus creaciones. 

La película ganó diversos premios engtre ellos tuvo varias nominaciones a los Premios del Cine Europeo venciendo en el de Mejor Banda Sonora. En los Premios del Cine italiano, los David de Donatello concedidos por la academia de cine italiana consiguió bastantes, entre ellos, los de mejor película, mejor director, mejor banda sonora, mejor escenografía ((Maurizio Sabatini y Raffaella Giovannetti) ), mejor vestuario ((Maurizio Millenotti) y el premio del público joven. 

De ella han escrito como críticas mixtas, algunas a favor y otras en contra, así como muchas indiferentes, críticos de muchos lugares. 

En los Estados Unidos Deborah Young del The Hollywood Reporter comentó que estaba "Escrita con ingenio (...) Aunque se echa en falta algo más de claridad, un momento de ironía o un guiño a la audiencia, este serio relato (...) merece la pena verse por la sensible interpretación de Rush" 




Jay Weissberg de Variety dijo que era "Suntuosa (...) Pretende tener un toque 'a lo Hitchcock' (...) pero la película acaba más en el territorio de Dan Brown, remarcando las obviedades y con una visión simplona del mundo del arte." 

Sheila O'Malley que está detrás junto a otros en la web cinematográfica de rogerebert.com dice que "El problema surge cuando el guion (también de Tornatore) sigue insistiendo en explicar su propio simbolismo y subtexto (...) " 

En AV Club, Mike D'Angelo, señala que "Aunque su destino final es bastante obvio desde el principio, el viaje ofrece ciertos placeres." 

Jessica Kiang de IndieWire sostuvo que "La película resultante es tan cutre y desastrosa que por un momento te la puedes imaginar como artefacto kitsch de culto" 




Nicolas Rapold del The New York Times habla de que es "Un cortejo aburrido que acaba mal (...) El director escenifica su aceptable misterio gótico con la elegancia de una subasta." 

Desde Illinois, Ben Sachs del Chicago Reader destaca que "Tornatore crea un tono fascinante (...) por desgracia, el tono se disipa cuando el director empieza a desvelar los diferentes misterios. La resolución se extiende en exceso." 

Desde Gran Bretaña y la recientemente fugada de X- antes Twitter- The Guardian, Andrew Pulver destaca que la película está "Fatalmente lastrada por diálogos impostados (...) Tan buenos actores como son Rush, Sturgess y Hoeks, casi todo lo que dicen se queda muerto en las páginas (...) . 

Ya en España Carlos Boyero desde las páginas de El País destaca de la misma que es una "Mezcla de gran cine (...) la ha escrito y dirigido con inteligencia, complejidad, misterio, sentimiento y originalidad un Tornatore en permanente estado de gracia" 

En El Mundo, Luis Martínez, la califica como "Pomposa, cursi y académica propuesta" lo que contrasta con lo que nos dice Federico Marín Bellón en ABC la califica como "Una obra inteligente y ambiciosa (...) algo artificial flota en el ambiente, tan bien fotografiado. A los personajes, en verdad fascinantes, se les adivina el tubo de ensayo (...) " 

Sergi Sánchez de La Razón las describe como "Un autómata de baratillo que, con hálito mecánico, imita el «giallo» más imposible, el romance gótico más grotesco y el «thriller» metadetectivesco más demencial (...) el gran problema es que se toma demasiado en serio a sí misma" 

Y el gran Fausto Fernández desde Fotogramas dijo de ella que era a tono con la película una "Una falsificación (exquisita, a ratos subyugante) genérica (...) en cuyo fondo se encierra una verdad: que el autor de 'Cinema Paradiso' siempre acaba cediendo a sus veleidades sentimentaloides (...) " 

Por último, para Sergio F. Pinilla en Cinemanía sentencia diciendo que "Tornatore pergeña una intriga guiñolesca tan eficaz como artera (...)

Con respecto a este thriller psicológico que explora temas de obsesión, soledad, engaño y el valor de la belleza y el arte lo que tengo que destacar es su belleza, su apariencia, pero no me lo he creído. Es un buen envoltorio para un producto poco creíble. es elegante en las formas, llegando incluso a ser sofisticada Me gusta eso sí, que pase de una historia de obsesión y de amor, a una de engaño, al contraste entre lo que se ve y lo que se oculta. 

La mejor oferta es una reflexión sobre el valor del arte y el dinero, pero también sobre el deseo, la manipulación y el engaño, así como la falta de ética para conseguir unos objetivos. A destacar igualmente la brillante y compleja actuación de Geoffrey Rush, quien interpreta a un personaje atormentado por su personalidad, obsesivo y lleno de matices.