Mildred Pierce

Magistral película de Michael Curtiz del año mil novecientos cuarenta y cinco que le permitió a Joan Crawford llevarse el oscar a la mejor actriz por esta película. Basada en la novela de 1941 de James M. Cain, el autor entre otras de 'Perdición' aquí transformada en guion por Ranald MacDougall que introduce el tema del asesinato del segundo marido de Mildred fue producida para la Wagner por Jerry Wald siendo éste el primer papel protagónico de Crawford para Warner Bros. tras dejar la Metro-Goldwyn-Mayer. 

Contó con un importante presupuesto de $1.4 millones de dólares. La película fue filmada en un impresionante blanco y negro que fue responsabilidad de Ernest Haller y presenta un acertado montado con dos largos flashback que nos van relatando la historia en este caso realizado por David Weisbart. La película cuenta con la banda sonora de Max Steiner. 

La película que tiene tanto de cine negro como de melodrama está protagonizado por Joan Crawford, Jack Carson y Zachary Scott, además de Eve Arden, Ann Blyth y Bruce Bennett. 

Nada más comenzar la película vemos un asesinato. Se trata de Monte Beragon (Zachary Scott ) , el segundo marido de Mildred Pierce ( Joan Crawford) . A ella la descubrimos perdida paseando y deambulando por la ciudad. Parece incluso que se va a suicidar al asomarse con una baranda, pero un policía le invita a no hacerlo. 

Tras eso sigue deambulando llegando hasta el local de un viejo amigo. Se trata de Wally Fay (Jack Carson), antiguo socio de su primer marido y amigo personal de ella. Parece que él se siente atraído y no duda en irse con ella cuando ella propone ir a su casa cercana a la playa. Nada más llegar ella se insinúa, pone unas copas y le dice a su viejo amigo que la espere. Wally espera un rato pero la busca por la casa descubre que las puertas y ventanas están cerradas y , finalmente, antes de huir por la ventana tras romperla descubre el cuerpo del asesinado. 

Nada más salir a la calle es descubierto por la policía y el declara antes ellos que el segundo marido de la mujer con la que estaba ha sido asesinado. Poco después ella recibe la visita de la policía, pasando a ser interrogada por el Inspector Peterson (Moroni Olsen), aunque antes le dice que la sospecha recae en su primer marido , cosa que la niega. Sin embargo, el inspector declara al primer marido culpable del asesinato a Mildred, ya que poseía el arma, tenía un motivo y no niega el crimen. Mildred protesta, alegando que es demasiado bondadoso como para cometer el asesinato, y le revela su historia al agente en un flashback. 

Durante el mismo descubrimos a la mujer, madre annegada que intenta a cualquier precio subir en el escalafón social con su familia durante la Gran Depresión, para dar todo lo que pueda a sus hijas, Veda - la mayor- y Ray - la pequeña- . Ella cuenta cómo ha sido subida desde que se casó por primera vez hasta que los sacrifico todo por su hija, Vera. Mildred comenta con ella y Albert "Bert" Pierce (Bruce Bennett) eran un matrimonio infeliz. 

Tras la ruptura de Bert con su socio, Wally Fay, un agente inmobiliario, Mildred debe vender sus productos horneados para mantener a la familia. Bert acusa a Mildred de favorecer a sus dos hijas por las que anteponen todo, especialmente, el matrimonio. 

Su disputa se intensifica tras una llamada de la amante de Bert, Maggie Biederhof (Lee Patrick ), y , tras esto, se separan. Mildred conserva la custodia de Veda (Ann Blyth ), de 16 años, una niña malcriada y arribista, y de Kay (Jo Ann Marlowe ), de 10 años, una niña poco femenina a la que le gusta el beisbol. 

El objetivo principal de Mildred es proporcionar bienes materiales a Veda, quien anhela un estatus social alto y se avergüenza de que su madre se gane la vida cocinando para otros o trabajando como camarera. De hecho, Mildred oculta su otro trabajo como camarera, pero Veda descubre la verdad y trata a su madre con desdén. 

Mildred conoce a Monte Beragon, un playboy de la alta sociedad de Pasadena con una herencia casi agotada. 

Beragon es dueño del local que Mildred quiere comprar para un restaurante y siente un interés romántico por ella. 

Mientras ambos pasan el fin de semana en su casa de playa, Kay contrae neumonía y muere tras un viaje a Lake Arrowhead con Veda y Bert. Mildred canaliza su dolor hacia el trabajo y se dedica a abrir un nuevo restaurante. Con la ayuda de su amiga y exsupervisora, Ida Corwin (Eve Arden ) , el restaurante de Mildred triunfa. 

Wally ayuda a Mildred a comprar la propiedad, y pronto se convierte en dueña de una cadena de restaurantes por todo el sur de California. 

Mientras tanto, Veda se casa en secreto con el adinerado Ted Forrester por su dinero y posición, pero su madre se opone. Veda acepta disolver el matrimonio, pero afirma estar embarazada y exige 10.000 dólares (equivalentes a 192.000 dólares en 2024) a los Forrester. Veda confiesa con aire de suficiencia a Mildred que su embarazo es una farsa, quien rompe el cheque y la echa de casa. 

Bert, demasiado angustiado para contarle a Mildred la última aventura de Veda, la lleva al club nocturno de Wally, donde Veda actúa como cantante de salón. 

Tras ver a varios marineros del público silbarle a Veda con su disfraz sexy, Mildred le ruega que vuelva a casa. Veda se burla y dice que su madre nunca podrá darle el estilo de vida que merece. 

Desesperada por reconciliarse con su hija, Mildred convence a Monte de un matrimonio sin amor para mejorar su estatus social. 

El precio de Monte es un tercio de su negocio para que pueda saldar sus deudas. Veda, ansiosa por vivir su sueño de debutante, finge reconciliarse con su madre y se muda a la lujosa mansión de Beragon. 

Finalmente, el costo de mantener el estilo de vida opulento de Monte y Veda, y la turbia estratagema de Monte para conservar su parte del negocio mientras su esposa pierde la suya, lleva a Mildred a la bancarrota, obligándola a vender la cadena de restaurantes. 

Tras conducir hasta su casa de la playa para confrontar a Monte, Mildred encuentra a Veda en sus brazos. Veda le dice con desdén a su madre que Monte piensa casarse con ella después de divorciarse de Mildred, quien corre a su coche llorando tras dejar caer un arma que pretendía usar contra Monte. 

Cuando Monte le dice a Veda que nunca se casaría con ella porque es una "zorrita despreciable", ella le dispara con la pistola de Mildred. Veda le ruega a su madre que la ayude a ocultar el asesinato; Mildred accede a regañadientes. 

Harta de las fechorías de Wally —ayudar a Veda a chantajear a los Forrester, contratarla para cantar en su sórdido club nocturno, consentir las maniobras comerciales de Monte en su contra y hacerle constantes insinuaciones sexuales—, Mildred intenta culpar a Wally del asesinato atrayéndolo a la casa de la playa. 

La policía arresta a Wally cuando huye presa del pánico tras ver el cadáver de Monte. Aun así, el investigador le dice a Mildred que Wally no puede ser el asesino porque no tiene ningún motivo. En el presente, los detectives admiten que siempre supieron que Veda cometió el asesinato. Mildred intenta disculparse mientras su hija es enviada a prisión, aunque Veda afirma que se las arreglará. Mildred sale de la comisaría y encuentra a Bert esperándola afuera, quedando Veda como la que era: todo un bichaco.

El título provisional de Mildred Pierce era "Casa en la Arena" aunque en España se llamó "Alma en suplicio". Su rodaje comenzó el 7 de diciembre de 1944 y se rodó en Glendale y Malibú, California. 

Ralph Bellamy, Donald Woods y George Coulouris fueron considerados para el papel de Bert, y Bonita Granville, Virginia Weidler y Martha Vickers para "Veda". Debido a las restricciones de la guerra, se requirió el permiso de la Marina de los Estados Unidos para rodar en Malibú. 

En 1942, Joan Crawford solicitó su liberación de la Metro-Goldwyn-Mayer por mutuo acuerdo y se unió a Warner Bros. en busca de mejores papeles cinematográficos. Crawford hizo campaña para el papel principal en "Mildred Pierce", que la mayoría de las actrices principales rechazaron debido a la edad implícita al ser madre de una hija adolescente. Warner Bros. y el director Michael Curtiz inicialmente querían que Barbara Stanwyck interpretara el papel principal, pero ella lo rechazó. Al principio, Curtiz no quería que Crawford interpretara el papel, pues creía que no era la adecuada, pero aprobó su elección tras ver su prueba de cámara. 

Al principio, Curtiz y Crawford tuvieron desacuerdos en el set, con el productor Jerry Wald actuando como mediador. Con el tiempo, Curtiz y Crawford se hicieron buenos amigos y trabajaron juntos varios años después en Flamingo Road. 

Tras su estreno la película alcanzó una recaudación de $5.6 millones de dólares. Además de premiar a la Crawford en los Oscars , siendo igualmente ganadora en los National Board of Review Awards, fue nominada igualmente en los New York Film Critics Circle Awards, fueron nominados a mejor pelicula ( Jerry Wald como productor ) , mejores actrices secundarios ( Eve Arden y Ann Blyth), Ranald MacDougall al mejor guion y Ernest Haller a la mejor footografía. 

Las críticas contemporáneas elogiaron la actuación de Crawford, pero tenían opiniones encontradas sobre otros aspectos de la película. 

Una reseña en The New York Times afirmó que, si bien Crawford ofreció una caracterización sincera y, en general, efectiva, la película carece de la fuerza impulsora de un drama estimulante, y que no parecía razonable que una persona sensata como Mildred Pierce, quien construye una cadena de restaurantes de fabuloso éxito prácticamente sin nada, pudiera estar tan completamente dominada por una hija egoísta y avariciosa, que deletrea problemas con mayúsculas. 

En 1945, el crítico de cine y autor James Agee escribió en The Nation: «Una versión desagradable y gratificante de la novela de James Cain... Se intentó presentar a Mildred como noble cuando es simplemente idiota o, en el mejor de los casos, patética; pero con una atención constante, virulenta y deslumbrante al dinero y sus efectos, y con insinuaciones sexuales más auténticas de las que uno espera ver en las películas estadounidenses». 

Pauline Kael escribió: «La respiración agitada de la señorita Crawford fue certificada como actuación cuando ganó un Premio de la Academia por su actuación». Leslie Halliwell comentó que "La imagen de una mujer por excelencia, fotografiada con brillo y melancolía, con una estrella sufriendo en el lujo por la hija más ingrata de todos los tiempos." 

A William Brogdon, de Variety, le gustó la película, especialmente el guion, y escribió: A primera vista, la novela homónima de James M. Cain podría no sugerir material para cine, pero la limpieza ha dado como resultado una película de gran calidad, producida con maestría por Jerry Wald y dirigida con gran precisión por Michael Curtiz... El dramatismo es intenso, pero está tan bien manejado que nunca empalaga. Joan Crawford alcanza la cima de su carrera como actriz en esta película. Ann Blyth, como la hija, brilla dramáticamente en su primer trabajo como actriz. Zachary Scott saca el máximo provecho de su personaje como el villano de Pasadena, una actuación talentosa. 

Harrison's Reports escribió que Crawford realizó una "buena actuación", pero la historia "carece de convicción y las caracterizaciones principales son exageradas. Por ejemplo, el odio de la hija hacia su madre no tiene base lógica, por lo que debilita la historia". 

John McCarten, de The New Yorker, escribió: "Ciertamente, a pesar de su desorbitada duración (dura casi dos horas), Mildred Pierce contiene suficiente emoción como para sacudir incluso al cliente más apático... Es gratificante informar que la señorita Crawford ya no se ve tan frenética como antes. A pesar de las múltiples oportunidades de volverse loca como una madre de Caín, la señorita Crawford se mantiene sumisa y razonable, como la mayoría del resto de un elenco altamente competente." 

En esta misma revista David Denby comentó que "La actuación de Crawford es convincente e inteligente y la amargura parece genuina"; y en la edición de febrero de 2020 de la revista New York Magazine incluye a Mildred Pierce entre "Las mejores películas que perdieron el premio a la mejor película en los Oscar". 

En una reseña de 2005, Jeremiah Kipp, de Slant Magazine, valoró la película con una crítica mixta al decir que " Mildred Pierce es una basura melodramática, construida como un confiable caballo de batalla aristotélico donde los personajes han sembrado las semillas de su propia perdición en el primer acto, solo para tener revelaciones dolorosas en el clímax. Dirigida por el favorito del estudio, Michael Curtiz, en un estilo expresionista alemán que no encaja del todo con las playas y el sol de California, sino que establece el tono sombrío del cine negro doméstico, y con música de Max Steiner, con una grandilocuencia sensacional que resulta conmovedora incluso cuando no encaja con el ambiente más tranquilo y pensativo de las escenas individuales, Mildred Pierce está ejecutada profesionalmente y se mueve a un ritmo rápido. 

En 1978, la historiadora June Sochen argumentó que la película se sitúa en la intersección de los géneros de "llorón" y "mujer independiente" de las décadas de 1930 y 1940. Acentúa los puntos en común de ambos: las mujeres deben ser sumisas, vivir a través de los demás y permanecer en el hogar. 

En su libro de 1986, Guía para Fans del Cine, Danny Peary escribió: " [Mildred Pierce] es esencialmente una película de cine negro donde es una mujer, [Joan] Crawford, en lugar de un hombre, quien es guiada por una mujer fatal codiciosa, manipuladora y malvada —en este caso, su hija, [Ann] Blyth— por un camino fatalista lleno de engaños, dinero para codiciosos, asesinatos y fatalidad (solo que aquí se añade un final optimista). Al igual que las mujeres fatales clásicas, Blyth es el catalizador para que la protagonista moral revele rasgos no tan admirables; de hecho, Blyth personifica la codicia y la ambición sublimadas de Crawford, debidas a una educación en la pobreza. [Mildred Pierce] es también una "película de mujeres" típica, una telenovela sobre madres que sufren al estilo de Stella Dallas. Pero aquí tenemos el raro caso en el que pensamos que la madre es insensata por dedicar su vida a complacer a su hija, porque, a diferencia de las hijas de esas otras películas, que eran básicamente chicas imperfectas pero decentes, Blyth no merece la devoción de nadie." 

Añadió Peary que "La vacilante carrera de Crawford se salvó con su interpretación de Mildred Pierce, ganadora del Oscar, considerada por muchos como su papel por excelencia, que fusionó varios de sus personajes cinematográficos. Pero en realidad no es muy buena, interpretando cada escena con discreción. Su Mildred no es un personaje interesante, a pesar de su fuerza, a pesar de ser una mujer trabajadora/empresaria. Dado que es el tipo de mujer que atrae a perdedores insulsos como [Bruce] Bennett, [Zachary] Scott y Jack Carson, uno no puede quedar demasiado impresionado" 

Más recientemente Don Druker en el Chicago Reader escribió que "Crawford ganó un Oscar bajo la competente dirección de Michael Curtiz". 

En 1996, Mildred Pierce fue considerada "cultural, histórica y estéticamente significativa" y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian comentó que "Por su control narrativo, su fotografía (...) y su cautivadora actuación principal de Joan Crawford, el thriller noir de Michael Curtiz es absolutamente apasionante". 

Para Angie Errigo en Empire comentó que "Quizá no sea arte o no tenga buen gusto, pero un melodrama tan vibrante no se puede hacer con mayor convicción (...)" 

En la BBC, George Perry comentó que "Es principalmente el éxito de Crawford y es uno de los regresos más destacados de la historia de Hollywood." 

Phil Hardy de Time Out destacó que "La novela de James Cain (...) cobra vida de forma inmaculada y sombría gracias a la dirección de Curtiz" 

David Parkinson de Radio Times lo que valoró fue el peso de "El guion de Ranald MacDougall retiene la agudeza de la novela de James M Cain (...) La interesante dirección de Michael Curtiz hace que la acción se mueva (...)" 

Ya en España Fernando Morales en El País señaló que se trataba de una "Magnífica combinación de cine negro y melodrama."; y En el Diccionario Espasa, Augusto M. Torres dijo de ella que era un "Clásico del cine americano"

A través del espejo

Película producida por International Pictures Corporation en el año 1946 y dirigida por el gran director alemán Robert Siodmak. Era la época en la que los psicoanalistas invadieron las películas ya fuesen de cine negro como de suspense o de grand guignol.

En línea con otras películas de los 40, como "Spellbound" (1945) de Alfred Hitchcock, "The Dark Mirror" se interesa por el papel de la mente en la culpabilidad y la moralidad, así como explora cómo las personas pueden tener lados opuestos en su personalidad y cómo las apariencias pueden engañar en base al conflicto entre dualidad e identidad... 

La película fue un vehículo de proyección de la protagonistas principal, Olivia De Havilland, que había comenzado a experimentar con el método de actuación en ese momento e insistió en que todos los miembros del elenco se reunieran con un psiquiatra. 

La película marcó el regreso de uno de sus interpretes, Lew Ayres al cine después de su objeción de conciencia al servicio en la Segunda Guerra Mundial. 

La película anticipa el psicodocudrama del productor y guionista Nunnally Johnson Las tres caras de Eva (1957), aunque esta no fue una creación original suya sino una historia original  de Vladimir Pozner.  

En este caso descubrimos la historia que comienza cuando un doctor, el Doctor  Frank Peralta, es asesinado y el crimen parece haber sido cometido por su novia.  Peralta muere apuñalado hen su apartamento una noche. 

El detective del caso, el teniente Stevenson (Thomas Mitchell) , encuentra rápidamente a dos testigos que sitúan a la novia de Peralta, Terry Collins (Olivia de Havilland) , en la escena. Sin embargo, cuando Stevenson encuentra e interroga a Terry, ella tiene una coartada férrea y varios testigos propios. 

Cuando va a su casa descubrimos que Terry tiene una hermana gemela idéntica, Ruth, y que la pareja comparte un trabajo y rutinariamente intercambian lugares para su propio beneficio. 

El Teniente Stevenson y el fiscal de distrito no pueden procesar a las gemelas a pesar de que son reconocidas en una ronda de reconocimiento porque las gemelas se niegan a confirmar cuál de ellas tiene la coartada. 

Incapaz de aceptar el "crimen perfecto", el teniente Stevenson le pide ayuda al Dr. Scott Elliot (Lew Ayres). Scott es un experto en estudios de gemelos y que tiene su despacho profesional en el mismo edificio en el que trabajan las gemelas. Se ha encontrado rutinariamente con los Collins en su lugar de trabajo compartido, pero no sabe cuál es cuál. 

Como fachada, Scott les pregunta a Terry y Ruth si puede estudiarlos individualmente como parte de su investigación. Las gemelas aceptan, aunque a Ruth le preocupa que Scott pueda descubrir que Terry estaba en el apartamento de Peralta la noche del asesinato, pero las dos lo niegan aunque la policía tiene datos fehacientes de la culpabilidad de una de las dos. 

Ninguna de las dos admite su culpabilidad y el detective encargado del caso busca la ayuda de un psicoanalista para que analice las mentes de alma más hermanas. 

Con la ayuda de diagrama de manchas así como detector de mentiras el doctor básico analizándolas a través de diversas pruebas a las que las somete y finalmente el psiquiatra se da cuenta de que una de las hermanas experimenta un sentimiento amoroso hacia él. 

Sin embargo, Terry se siente atraída por Scott e insiste en que pueden guardar el secreto para poder verlo. También consuela a Ruth, recordándole que solo estuvo en el apartamento de Peralta, pero que no lo mató. 

A la vista de cómo se van desarrollando las cosas el médico comienza a atender trampas a las dos hermanas para que la culpable acabe traicionando asimismo y declaren el crimen cometido. 

A partir de las pruebas psicológicas de Scott y al pasar tiempo con ellos, descubre que una de las dos está local, tras un análisis de imágenes. Tardará un tiempo en saber que Ruth es amable y cariñosa, mientras que Terry es muy inteligente pero que está loca, y ha estado manipulando a Ruth casi toda su vida. 

Terry está celosa de que la gente siga prefiriendo a Ruth sobre ella, y se enfurece una vez más cuando Scott se enamora de Ruth en lugar de ella. Terry comienza a manipular metódicamente a Ruth, haciéndole creer que está alucinando y volviéndose loca, con la esperanza de empujarla al suicidio. Terry comienza a medicar y a controlar nuevamente a su hermana.

Scott informa sus hallazgos al teniente Stevenson, quien le aconseja que advierta a Ruth de inmediato de lo peligrosa que es la situación. 

Esa noche, Scott organiza una reunión con Ruth en su apartamento, pero Terry intercepta el mensaje. Terry deja a Ruth sola en su apartamento y coloca una caja de música en un lugar oculto para animarla a creer que está desarrollando la locura que, erróneamente, siempre se creyó que afectaba a una de las dos gemelas. 

Terry va a encontrarse con Scott, quien le explica todo lo que ha aprendido sobre la relación de las gemelas y la intensa rivalidad de Terry con su inocente hermana, sabiendo desde el principio que está hablando con Terry, no con Ruth. Scott también cree que Peralta, que no sabía que eran gemelas, cortejó a Terry pero que en realidad estaba enamorado de Ruth, y Terry lo mató por eso. 

Cuando Scott recibe una llamada del teniente Stevenson, Terry considera apuñalarlo por la espalda con las tijeras cercanas. 

Stevenson está en el apartamento de las gemelas, habiendo ido allí por una corazonada, y le dice telefónicamente que ha ocurrido un a desgracia: ha encontrado a Ruth muerta. 

Scott y Terry van al apartamento de las hermanas, donde Terry "confiesa" a Stevenson que su "hermana" mató a Peralta y se suicidó por culpa. Terry confirma todos los resultados de las pruebas psicológicas de Scott, pero ella misma afirma ser Ruth y dice que está aliviada de que "Terry" esté muerta. 

Justo en ese momento Ruth entra en la habitación, sana y salva, lo que hace que Terry, enfadada, arroje su vaso contra un espejo que refleja la imagen de la verdadera Ruth. Stevenson visitó a Ruth por intuición, pero solo la encontró en apuros, no muerta; luego fingió la llamada telefónica para atrapar a Terry, quien es arrestado. Scott y Ruth son libres de disfrutar de su futuro juntos.

Película, que llevaba por título en su versión original The Dark Mirror y con el apoyo de A Nunnally Johnson Production, por medio de su productora, responsable igualmente del guión, que a su vez estaba basada en la obra de Vladimir Pozner. 

La película está protagonizada por Olivia de Havilland en la que juega un papel importantísimo junto con Charles Evans, Lew Ayres, Richard Long y el veterano Thomas Michael. 

En el apartado técnico están presentes Milton Krasner en la fotografía, Duncan Cramer en el Diseño de Producción, J. Devereaux Jenni s y Paul Lerpae en los efectos especiales de la fotografía, especialmente importante en esta película ya que tiene que colocar en un mismo plano a la misma actriz que hace como gemela. 

El vestuario no fue diseñado por Irene Sharaff, mientras que la peluquería fue labor de Mary Freeman, y de la decoración del set fue Hugh Hunt, mientras que del sonido fueron Fred Lau y Arthurs Johns. El director de diálogos Phyllis Loughton , y el montador Ernest Nims. Papel fundamental fue la banda sonora compuesta por Dimitri Tiomkin. 

Esta película tiene una fuerte influencia expresionista y fue un éxito de público recuadando $2,750,000 . En la 19 Edición de los Oscar , del año 1947fue nominada a la mejor historia (Vladimir Pozner).

El guion, escrito por Nunnally Johnson, se adentra en la psicología de las gemelas y utiliza conceptos como la proyección y el desdoblamiento de la personalidad para construir el conflicto. El personaje del psiquiatra actúa como un vehículo para explorar la mente de las gemelas y analizar sus motivaciones, aportando una dimensión intelectual al suspense. 

En su biografía de 2019, Olivia de Havilland: Lady Triumphant, Victoria Amador cita la reseña escrita por James Agee del 9 de noviembre de 1946 en The Nation que decía que "Me gusta mucho Olivia “La actuación de De Havilland”, escribió Agee. “Durante mucho tiempo ha sido una de las mujeres más bonitas del cine; últimamente no solo se ha vuelto más bonita que nunca, sino que ha comenzado a actuar”. 

Uno de los grandes críticos de la historia, Bosley Crowther, crítico de cine de The New York Times, escribió: “The Dark Mirror, como muchas otras de su tipo, sufre de la falta de ingenio de su autor para resolver su rompecabezas de una manera satisfactoria. Como en su misterio anterior y superior, The Woman in the Window, el Sr. Johnson resuelve el problema con un poco de trucos que no son ningún mérito para su artesanía. Aún así, hay que reconocerle al Sr. Johnson el mantener a su audiencia adivinando, si no siempre entretenida” 

En otro parecer aparecido en la prensa, concretamente en el número del 15 de agosto de 1991 de The New York Review of Books, Geoffrey O'Brien incluyó The Dark Mirror en una lista de 16 vídeos que encabezaban un artículo titulado “¡El regreso del cine negro! 

Geoff Andrew, por su parte, en las páginas de Time Out sostuvo que "Lo que verdaderamente hace que funcione es la firmeza de Siodmak para generar suspense y atmósfera" 

En Variety se destacó que "A pesar de tener ingredientes potentes, el conjunto no acaba de funcionar." Pero lo cierto es que cuando se estrenó por primera vez, el personal de la revista Variety le dio a la película una crítica mixta, escribiendo: "The Dark Mirror recorre toda la gama de temas actualmente en boga en la taquilla, desde la psiquiatría hasta el romance, pasando por el truco de la doble identidad y el misterio del asesinato. Pero, a pesar de los ingredientes individualmente potentes, de alguna manera la composición no funciona del todo... Lew Ayres es elegido para su papel familiar como médico, un especialista en gemelos idénticos. De aspecto ligeramente mayor y con bigote, Ayres aún conserva gran parte de su atractiva sinceridad juvenil. Pero en los momentos románticos, Ayres se muestra rígido y de aspecto ligeramente avergonzado. Al recibir los honores de mejor película, a pesar de un papel relativamente ligero, Thomas Mitchell interpreta al idiota desconcertado con un ingenio irónico y un porte seguro que transmite fe". 

Adrian Turner de la británica Radio Times consideró que esta película era "Un thriller que es casi un clásico (...)" 

En una reseña del 9 de febrero de 1947 en el Daily Telegraph de Australia, Josephine O'Neill escribió: “Este apasionante drama psicológico enmarca una actuación notable de Olivia de Havilland... tan reflexiva y sutil que cada chica se convierte en una personalidad bien definida al principio de la película. Ese truco de producción de joyas de identidad para distinguir a la pareja es innecesario. De hecho, la de Olivia es la obra del año del Oscar... La tranquila y distinguida producción... obtiene una extraordinaria cantidad de suspenso con el mínimo de acción... La inteligente y discreta dirección de Robert Siodmak es tan inusual como su reparto... (Lew) Ayres hace un trabajo fino, sensible y encantador. Thomas Mitchell... está en excelente forma... hace mucho tiempo que Mitchell no tenía una historia tan buena. En resumen: una de las mejores de su clase”. 

Ya en España , Fernando Morales en las páginas de El País comentó que este "Intenso thriller (...) maravillosa Olivia de Havilland (...) El suspense está servido" 

En definitiva, como una de las películas más interesantes del cine negro de la década de los 40, gracias a su combinación de intriga, psicología y técnica cinematográfica innovadora; y protagonizada por una estrella de Hollywood, Olivia de Havilland, quien interpreta un doble papel como hermanas gemelas, Terry y Ruth Collins, la película explora los temas de la identidad, el engaño y el conflicto psicológico. Es una historia que muestra la lucha entre la verdad vs. la percepción. 

A través del uso de espejos y reflejos, la película refuerza la idea de que la realidad puede ser distorsionada por nuestras .Siodmak, conocido por su maestría en el cine negro, utiliza su experiencia para crear un ambiente de suspenso y tensión psicológica. La atmósfera de la película está marcada por sombras profundas y composiciones visuales que refuerzan el conflicto interno de los personajes, un rasgo típico del cine negro.Para la época, la técnica utilizada para mostrar a ambas gemelas en pantalla simultáneamente era pionera. Siodmak empleó espejos, dobles de cuerpo y superposición de imágenes para lograr un efecto convincente. La habilidad técnica refuerza el tema central de la película: la dualidad y el reflejo de identidades. A través del espejo vemos al otro que podemos ser nosotros. 

El muelle de la bruma

Primera película que he visto de una de las referencias más importantes del cine francés de los años 30, 40 y 50, y que terminó su papel como director en 1971 con Law Breakers. Hablamos de Marcel Carné que pasará a la historia del cine mundial, al menos, por dos obras, Les enfants du Paradise (1945) y El muelle de las brumas (Le Quai des  Brumes), una de las grandes películas del noir francés.

Marcel Carné, un director nacido en el año 1909, durante años ha sido un director semiolvidado debido a un gran medida el prestigio adquirido por su contemporáneo Jean Renoir.

Para Terenci Moix es un incomparable creador de atmósferas y ambientes que se mantienen muy por encima de esteticismos vacuos. En realidad la obra de Carné, con la ayuda inapreciable del guionista Jacques Prévert, - esta fue la tercera colaboración entre Carné y Jacques Prévert , después de Jenny y Drôle de drame"- supone la culminación de los presupuestos básicos del realismo poético. 

Cinco fueron las películas extraordinarias dirigidas por carne en los años 30 en todas ellas con todo con el guión de Prévert. La colaboración entre ambos duro hasta 1947.

La importancia de trabajo conjunto fue fundamental en una declaración de su día del año 1965 dijo lo siguiente:" los que quieren resultarme desagradables dicen que sin Prévert yo no habría hecho las películas que hice. Otros dicen lo mismo refiriendo a Prévert. En realidad,  me encuentro fue favorable, pero hubiera sido nefasto para ambos eternizar una colaboración que ya no se imponía. Ambos evolucionamos cada uno por su lado. Para colaborar como lo hicimos Prevert y yo es necesaria una identidad de miras y reacciones que no puede ser un fenómeno de larga duración'. 

Carné empezó en el cine como crítico y en 1927 a la vez participa en una película "Los nuevos señores, Les nouveaux messieurs" de Jacques Feyder, como ayudante de cámara. Después pasó a ser ayudante de dirección junto a René Clair. 

Debutó como director en un documental publicitario y en un cortometraje " Nogent, Eldorado du dimanche, 1929".

Su primer largometraje fue Jenny del año mil novecientos treinta y seis. Los personajes están condicionados por la fatalidad algo que descubriremos en el muelle de las brumas. Sus películas tendrán una estructura muy definida: pocos personajes convenientemente marginales que habitan en ambientes opresivos construidos en estudio donde el espacio de la felicidad se reduce apenas un momento cuyo final amenaza con llegar en cualquier momento.

El clima, la atmósfera es crucial en la estética de Carné - el vestuario era de Coco Chanel- y dota a su cine de una fuerza impensable si se reparase nada más que en la anécdota expuesta. Carné usa el barco en la botella y el impermeable transparente de Nelly como metáforas de la sensación de aprisionamiento y de lo efímero. El personaje de Michèle Morgan está en consonancia con el tema de las mujeres andróginas de Carné (que se acentúa en Les Visiteurs du Soir,1942). Durante toda la película Nelly usa una boina y un impermeable, y camina con la cabeza baja y las manos en los bolsillos, a diferencia del uniforme y el modo de caminar de Gabin. 

La caracterización de sus personajes es indudablemente importante, más importante que la entrega a desarrollar de ahí que la puerta la puesta en escena y el trabajo con los actores ese gen una mayor elaboración.

La película producida por Gregor Rabinovitch para la Franco London Films es del año 1938 , basado en la obra de Le Quai des Fomes de Pierre Mac Orlan ( Gallimard , 1927 ) aunque transformado en guion por Jacques Prévert, con la fotografía de Eugen Schüfftan y contó con dos colosos de la interpretación como Jean Gabin y Michel Simón, entre otros. Para esta película Carné contó con la música compuesta por Maurice Jaubert.

La historia comienza en una carretera brumosa que conduce hasta la ciudad portuaria de Le Havre. Un conductor de un camión se detiene para recoger a un soldado del ejército colonial francés (Jean Gabin). Cuando el camionero intenta dar conversación al hombre del ejército este no quiere. Tras darle un cigarro comienza una discutir y finalmente ambos se bajan del camión. 

El conductor deduce que el soldado es un desertor y que intenta huir del país por medio de uno de los barcos del puerto. 

El desertor se dirige caminando a la ciudad y a las puertas de un local conoce a un borracho (Raymond Aimos) que lo pone en contacto con un tipo, Panamá (Édouard Delmont) que le da refugio en casa Panamá, un garito del muelle ubicado en el extremo más alejado de la ciudad. Allí coinciden varios perdedores. 

Entre ellas un pintor deprimido Michel (Le Vigan) una chica de 17 años, Nelly (Michèle Morgan ),   que huye de dos hombres a los que aborrece, su tutor Zabel (Michel Simón) y un matón de poca monta Lucian (Pierre Brasseur) al que ha rechazado en repetidas ocasiones. Esa noche Jean y Nelly, la pasan juntos en Casa Panamá y paseando por el muelle. Ella está aterrorizada por su tutor, Zabel, un hombre bastante turbio, pero también está vigilada por un pequeño grupo de matones cuyo líder es Lucien. Este es un personaje débil. Jean lo abofetea frente a sus acólitos una mañana cuando está molestando a Nelly.

Desde ese fortuito encuentro en Casa Panamá, Jean y Nelly pasan el tiempo juntos durante los días siguientes, pero son interrumpidos varias veces por Zabel, quien además está enamorado de Nelly, y por Lucien, un delincuente que busca al exnovio de Nelly, Maurice, quien se encuentra recientemente desaparecido. 

Michel se suicida, dejando a Jean su ropa de civil y su pasaporte. Jean decide embarcarse rumbo a Venezuela pero el recuerdo de la noche que acaba de pasar con Nelly lo retiene en tierra. Cuando Nelly descubre que su padrino mató a Maurice por celos, utiliza esa información para chantajearlo y evitar que le diga a la policía que Jean es un desertor. 

Los dos están muy enamorados, pero al mismo tiempo Jean planea irse en un barco hacia Venezuela. En el último minuto Jean deja el barco para despedirse de Nelly; la salva de las manos de Zabel, a quien mata con un ladrillo, pero cuando sale a la calle recibe disparos por la espalda de Lucien y muere en los brazos de Nelly, no sin antes perdile Jean a Nelly, que llora a su lado: "Bésame... rápido" antes de morir. El barco sale la rada de Le Havre. La bruma se va levantando.

Para Terenci Moix la película nos cuenta un viaje que puede estar iluminado por el amor y la esperanza pero que acaba de manera imprevista al ser asesinado por la espalda justamente antes de tomar el barco que habría de haberlos conducido al otro lado de la bruma. 

Marcel Carné explicó en sus Memorias las circunstancias en las que nació el proyecto de hacer una adaptación cinematográfica de la novela de Pierre Mac Orlan publicada en 1927. Parece ser que Raoul Ploquin , jefe de cine francés de la Productora alemana UFA , fue quien había pedido al director de "Drôle de drame " si no habría un papel apropiado  que ofrecer a Jean Gabin , entonces bajo contrato con la firma alemana. Carné propuso El Quai des Mists.  Gabin y Ploquin, después de leerlo, sintieron que podían hacer una película interesante. Jacques Prévert , muy aficionado a la novela, aceptó participar en el proyecto.

La acción de la novela adaptada transcurre en su mayor parte en París , en el barrio de Montmartre (y en particular en el Lapin Agile ) hacia 1910. Pero, después de haber visitado los estudios de la UFA, Marcel Carné temía que la reconstitución de los lugares en estudio para hacerlo demasiado pesado, demasiado teatral, y decidió con Jacques Prévert trasladar la acción de la película a un puerto. Optaron por el puerto de Hamburgo, pasando más tarde a ser Le Havre. Aunque lo cierto es que esto se debe a que la película no se pudo rodar en Hamburgo , ya que los servicios de propaganda alemanes expresaron fuertes reservas sobre la película. Raoul Ploquin explicó a Carné que el mismo Joseph Goebbels se había mostrado particularmente hostil a esta historia de un desertor. Por tanto, la UFA denegó el rodaje de la película, cuyos derechos fueron comprados, al mismo tiempo que el contrato que vinculaba a Gabin a la empresa alemana, por el productor Gregor Rabinovitch. Y lo que son las cosas, Marcel Carné señaló en sus Memorias lo que tenía de singular esta transacción: cuatro productores habían ofrecido comprar los derechos de la película, y la UFA eligió entre ellos al único que era judío (y que había huido de la Alemania nazi en 1933. 

El escenario elegido fue finalmente el puerto de Le Havre también a causa de un carrusel de coches de choque , sin precedentes en París. Se rodó entre enero y febrero de 1938 en la localidad portuaria.

Con respecto a los papeles, la censura francesa y el representante del Ministerio de la Guerra pidió que no se mencionara la palabra desertor para el papel de Gabin. Desde el inicio del proyecto, Marcel Carné se había planteado ceder el papel de Nelly a Michèle Morgan, a la que había visto en Gribouille (1937) de Marc Allégret , pero ya había sido contratada para el rodaje de otra película del mismo director, Tormenta (1938). Los retrasos en la producción de la película permitieron a Michèle Morgan, que había terminado el rodaje de Orage , incorporarse a la de Quai des Fomes. 

Si se considera que el personaje de Michèle Morgan confiesa tener diecisiete años se entiende que ellos constituyesen  la pareja arquetípica para toda una generación de desplazados y de adolescentes agobiados por unos años transidos de opresión y de violencia y a la vez nostálgicos de un amor aventurado más allá de la monotonía. 

Luc Sante escribió “El muelle de las brumas posee casi todas las características que una vez fueron sinónimo de la idea de cine francés. Gabin – comiendo una salchicha con un cuchillo o hablando con una colilla de cigarrillo al costado de su boca o dándole una cachetada a Lucien – es la quintaesencia del chico duro francés, tanto como lo fue la figura icónica de Bogart en su interpretación de Sam Spade. Michèle Morgan, etérea y preocupada, puede deslucirse un poco en comparación a otras actrices de las películas parisinas de la época (Arletty, por ejemplo), pero pasará a la vida en la cama, en una escena que no podrías imaginar que ocurriría en una película americana antes de 1963. Las luces brumosas, los adoquines mojados, los álamos que bordean los caminos fuera de la ciudad, la gravedad filosófica de los personajes secundarios, la idea de que nada en la vida es más importante que la pasión – estas características definen un cine nacional que pudo haber sido eclipsado por Hollywood en términos de alcance y beneficios pero que estuvo a la misma altura que este en lo que se refiere a gracia, belleza y poder."

Las críticas del Quai des Fomes en la prensa fueron en general elogiosas, recuerda Marcel Carné pero no unánimes. 

Las críticas negativas procedían de periódicos y revistas politizados (tanto de derecha como de izquierda): así, Lucien Rebatet expresaba su hostilidad hacia la película en las columnas de L'Action française , mientras que Georges Sadoul denunciaba en L'Humanité 

Además —como explica Carné en sus Memorias— , Jean Renoir enfureció a Jacques Prévert (con quien había trabajado en 1936 para Le Crime de monsieur Lange ) por haber calificado Le quai des mists como una “película fascista”. 

El muelle de las nieblas o de la bruma fue un éxito de público cuando se estrenó en los cines en 1938. La película se estrenó en Italia con diálogos alterados por la censura fascista , que transformó el personaje de Jean Gabin (un desertor ) en un soldado de permiso. 

Según Charles O'Brien, esta película fue una de las primeras en ser llamadas “cine negro” por los críticos. 

Frank S. Nugent llamó al film “uno de los más fascinantes y provocativos de la época”; “se trata de un estudio minucioso en negros y grises, sin ninguna risa gratuita; pero también es una muy bella película desde el punto de vista puramente pictórico y un drama extrañamente inquietante. De forma constante, por supuesto, nos pondría los pelos de punta; en cambio es tan fresco como un día de crudo invierno." ​ En su lanzamiento, la película fue fuertemente criticada por ser demasiado negativa en cuanto al Estado y el carácter moral de los franceses. 

En 1993, 55 años después de su estreno, Luc Sante, al escribir sobre la película para su lanzamiento en DVD de Criterion Collection, la llamó un "ejemplo definitivo del estilo conocido como realismo poético francés". Los contornos irregulares, los escenarios oscuros, el fatalismo romántico de los protagonistas, el desarrollo de la historia primero hacia un único momento de felicidad y luego hacia la fatalidad inexorable – los rasgos distintivos del estilo habían germinado de una forma u otra a lo largo de la década, pero en la tercera película de Marcel Carné se unieron como arquetipos." 

Igualmente en la obra Las Claves del cine y de otros medios audiovisuales escrito por Miquel Porter, Palmira González y Ana Casanovas se dice de esta película que "es un magnífico ejemplo de como se le puede dar varios títulos a una misma estética. Pues a esta película se le ha catalogado o defnido como cine "impresionista" , "realismo poético" o "populismo" sin que ninguno de tales términos resulte falso, pero sin que ninguno de ellos baste por si mismo para dar una definición apropiada única". Esto se debe a la imposibilidad de reducir los méritos de una conta a uno de sus aspectos- el plástico, el rítmico, el narrativo-. 

Considerada un notable ejemplo del género realismo poético francés, en 1939, fue galardonada con uno de los premios cinematográficos más importantes de Francia, Prix Louis-Delluc. 

El director Carl Dreyer incluyó a la película en su lista de las mejores. Palabra de un genio, uno de los padres del cine. Amén. 

Rififi

Tremenda esta primera película de Jules Dassin en 1955 tras salir de su país natal siendo la primera   de su periodo francés. Basada en la obra de Auguste Le Breton. François Truffaut dijo en alguna ocasión que era el mejor director de cine negro que había visto en su vida. La película que lleva por título un término que se ha hecho popular como sinónimo de golpe o robo hecho con ingenio, inteligentemente, Rififi. 

Aunque ahora mismo significa robo realizado desde el techo haciendo un agujero y descolgándose en el interior de la sala que se va a robar mediante una cuerda, en la película es otra cosa. 

Me ha sorprendido de dónde procede el título de la película que es dar un Rififi. Hay un momento y la misma donde una cantante de L" age d' or, un local de la noche parisina, nos presenta lo que es dar un Rififi, o sea, una paliza, en una relación sadomasoquista. 

La película comienza cuando vemos a Tony Le Stefanois (Jean Servais)  un hombre que acaba de cumplir cinco años de condena y que  ha salido hace poco de prisión participar en una partida de naipes. De la misma sale desplumado. 

Tras eso llama a su cuñado amigo y socio de fechorías ( Carl Möhner)  y va a su casa a descansar. Allí vemos que este lleva una vida normalizada con su mujer (Janine Darey) y con su hijo.. Su intención es cambiar de vida, pero pobre como una rata no puede. Su cuñado le ofrece dar un último golpe pero él no está dispuesto. 

Sin embargo todo cambia cuando se entera de que su antigua amante se encuentra con un conocido gangster , que tiene un hermano drogadicto (Robert Hossein). 

Así las cosas no les le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches entre ellos un viejo amigo italiano ( Robert Manuel). 

Durante semanas los cuatro puesto que se ha sumado otro italiano especialista en alarmas y en abrir cajas fuertes van preparando minuciosamente un golpe perfecto: el atraco a una inaccesible joyería del centro de París. 

Un final impresionante con el protagonista tirado sobre el volante del coche y el niño que saluda a su madre. Ella se limita a recuperarlo dejando la maleta del dinero en el coche mientras se va acercando los vecinos la policía y por contra se va alejando la cámara por medio de un zoom inverso que se aleja del coche. 

Cuenta César Bardés que la película fue realizada con muy poco dinero. Esa cantidad era tan baja que el propio director decía que nadie le creía cuando contaba cuánto había costado realmente. Parte del ahorro había sido porque Dassin contrató un equipo que estaba formado por gente que nunca había trabajado en cine o por estudiantes que, prácticamente, cobraron una cantidad simbólica. Dassin declaró que estaba tanto en bancarrota durante la exhibición de la película en el Festival de Cannes de 1955, pero esa noche ganó el premio al mejor director de aquel año. En la noche anterior al estreno acompañó a uno de los productores al casino y él no tenía ni un franco para apostar. Se lo pidió al productor que le dio un par de miles de francos que, en realidad, era muy poco dinero.

Recordó que la fecha de comienzo del rodaje de la película fue un día 18,así que apostó todo al 18. Eso fue lo que salió en la ruleta. Más tarde, Dassin confesó que ese dinero fue lo que le permitió sobrevivir con su familia hasta que la película comenzó a producir beneficios.

Terenci Moix, en su Gran Historia del cine y en su tercer volumen en el capítulo dedicado a este director comenta que "con ella Dassin reanudó su carrera con un thriller destinado a convertirse en uno de los clásicos del cine negro francés oh cuanto menos uno de los que obtuvieron mayor éxito. Rififi ( Du Rififi chez les Holmes, 1955) le dio al director el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes". 

La secuencia del robo es antológica, una genialidad. Dura casi 28 minutos y está rodada sin diálogos. Otra genialidad se encuentra en la escena en la que una cantante nos enseña lo que es el Rififí, mientras una pareja de bailarines al fondo recrean lo que ella canta. Magistral. 

La película presenta un estilo realista, meticuloso, con una fotografía en blanco y negro esplendoroso. Gusta de sacar en la película escenas con el cielo nublado, las calles mojadas, la fatalidad de los personajes, una historia de perdedores… una obra maestra.

El faro

Película tensa, alucinante por momentos, con unos diálogos magníficos y una interpretaciones brutales por parte de siempre inquietante Willem Dafoe y ese actor que cada día crece como es Robert Pattison. Recuerda a La huella de Mankiewicz en el fondo, pero la forma es tremenda, sobre todo , por la violencia contenida de principio a fin y su estallido final. 

*EC: En construcción 

Le guetteur

Prefiero el título en francés de la película, le guetteur que el español, El francotirador, que nos puede llevar a engaño. Le guetteur forma parte de ese cine negro francés que tanto me gusta y que, desde los cincuenta, es una alternativa al cine negro americano. Es cierta que ya no están Jean Gabin o Lino Ventura, pero que había nacido entre los años 30 y 50 como podéis descubrir en esta web. Así como más tarde tendremos al tándem Alain Delon, Jean Paul Belmondo. Pero a ellos le han seguido otros directores y otros actores como Daniel Auteuil, conocido por sus papeles en comedias y cine histórico, o Mathieu Kassovitz. Le guetteur es un polar de toda la vida.

*EC: En construcción

Pacto tenebroso

 

Sleep, my love

*EC: En construcción