La odisea, versión prime

Esta película sobre "La Odisea" dirigida por Marcel Walz y que aparece en Amazon Prime Video es una copia de bajo presupuesto creado por la productora The Asylum, , la reina del mockbuster , famoso por usar inteligencia artificial generativa para gran parte de sus imágenes y decoración. Como conozco a la productora Asylum, especialista en sacar películas en paralelo a blockbuster con temática cercana y casi mismo título no me ha soorprendido, pero me consta que algunaos habrían creído que podría ser o emular a la de Christopher Nolan. 

Sospecho que muchos usuarios la confunden o la buscan pensando que es una súper producción de Hollywood con reparto estelar, lo que ha llevado a que se corone como lo más visto por pura confusión como ha ocurrido con Transmorphers (versión de Transformers), Atlantic Rim (Pacific Rim), Planet Dune (Dune) o Top Gunner (Top Gun: Maverick). 

Lo bueno es que dura 82 minutos y utiliza imágenes fijas y secuencias cortas animadas por IA en lugar de decorados reales o efectos tradicionales fotografiados por Mark David y por lo que tiene un presupuesto mínimo. La crítica y los espectadores la han catalogado como una obra muy pobre debido a su calidad visual y de guion en este caso preparado por Joshua Pruett.  

Fran Chico publicó hace unos días en Fotogramas que Prime Video ha convertido una imitación de serie Z en uno de sus mayores éxitos recientes gracias a la confusión, el algoritmo y mucho CGI barato. De hecho la ambientación de las playas de Troya, las ciudades antiguas, los barcos en el mar y las tormentas no son decorados ni CGI tradicional renderizado en 3D; son imágenes fijas y secuencias cortas animadas mediante herramientas de IA generativa. Lo mismo ocurre con las criaturas mitológicas del mito de Homero, e incluso con algunas voces de apoyo y doblaje.

El crítico comenta que su director es Marcel Walz, un alemán que se formó en Mallorca a los 17 años y que comenzó su carrera con películas ultragore de ínfimo presupuesto de la mano de Olaf Ittenbach, leyenda del género. En los últimos dos años, sin embargo, ha dado un giro a su carrera dirigiendo para The Asylum 'Jurassic Reborn', 'The Anacondas', 'Masters del Universo', 'La Odisea’ e 'Insidious Possession'. 

Y añade que " Como Odiseo tenemos a Myrom Kingery, protagonista de otros éxitos de la compañía como ‘Gladiators’ y ‘Thor: God of Thunder’ (y el Kratos del fanfilm oficial de ‘God of War’), y a Penélope la interpreta Morgan Flanagan, coprotagonista de ‘Masters del Universo’ (la fake) y actriz de ‘Wonder Woman 1984’, en la que hacía de paramédico (sin acreditar). Su Helena de Troya tampoco está exenta de polémica, puesto que no hay ninguna actriz que aparezca en los créditos en ese papel y su breve aparición en el film, de apenas unos segundos, parece generada con IA. "  Y algo parecido ocurrre con las sirenas que son tan terroríficas como entes incorpóreos. 

La historia en este caso se inicia al final de la guerra de Troya. Ahora Odiseo y sus hombres llevan diez años combatiendo y ahora toca volver a Ítaca. El problema es que esos "hombres" son, en realidad, otros tres tipos que le acompañan durante buena parte del viaje, aunque los planos generales quieran convencernos de que detrás existe una flota entera. A partir de ahí, el guion de Joshua Pruett utiliza el poema de Homero casi como una lista de grandes éxitos que hay que despachar a toda velocidad. Polifemo sí tiene bastante presencia, incluida la famosa ocurrencia de Odiseo de presentarse ante él como "Nadie". 

Así que nos encontramos con cuatro hombres navegando solos por el Mediterráneo, un Polifemo de serie Z, decorados digitales de saldo, CGI cutre y barato y un uso indiscriminado de la inteligencia artificial que termina por darle a muchas imágenes ese acabado plástico, cambiante y ligeramente irreal que ya empieza a resultar demasiado reconocible. Y, para rematar, una Ítaca en la que Penélope tiene que librarse de, exactamente, un pretendiente. Pero por el camino desaparecen directamente Circe, los Lestrigones, el descenso al Hades o los años pasados junto a Calipso. Incluso el cíclope termina regresando cuando ya no debería estar ahí para participar en un desenlace que incluye  la muerte de Odiseo y su posterior resurrección gracias a Atenea. Si Homero necesitó 24 cantos para llevar a su héroe de vuelta a casa, The Asylum lo resuelve en lo que dura un capítulo largo de una serie. La película es un típico producto de Asylum, algo insufriblke como ya nos advirtió en X Ernesto J. Pastor. Ninguna sorpresa

El dragón rojo revisado

Se hace una semanas pude disfrutar viendo Hunter, la película de Michael Mann que fue la primera obra de Thomas Harris en llevarse al cine y transformarse en película, muna vez publicada la obra homonima de Harris. La que he visto hoy fue financiada por el grupo italiano De Laurentiis, que hizo revitalizar la figura de Hannibal Lecter.

La película nos presenta al ex agente Will Graham, un investigador experto que dejó el FBI después de estar a punto de perder la vida mientras perseguía al asesino en serie Lecter, accede a volver al servicio años después para ayudar a resolver una serie de asesinatos especialmente crueles. Muy pronto comprenderá que la mejor manera de coger al asesino conocido como El "duende de los dientes" - nuestro "Ratoncito Pérez", aquí Francis Dolarhyde, el antagonista principal, un hombre obsesionado con la pintura de William Blake, El gran dragón rojo y la mujer vestida de sol , creyendo que el dragón es una entidad que lo está transformando., es adentrarse en la cabeza de otro criminal igualmente inteligente y retorcido. Para eso Graham tiene que volver a enfrentarse a su pasado y a su gran enemigo en la hora encarcelado Lecter.

Brett Ratner lo adaptó en el año 2002 la novela de Thomas Harris en la que aparece por primera vez el personaje del níbal el caníbal que ya había sido llevada a la pantalla en el año 1986 por Michael mann con el título Hunter. 

El guion da mayor protagonismo el pequeño papel que tenía el  del libro original y en la película de Mann gracias al apoyo de un prólogo que escribió Harris para la reedición de la novela. 

Anthony Hawking ganador de un Oscar por su Hanníbal Lecter en El silencio de los corderos de Jonathan Demme del año 1991, vuelve a dar vida al siniestro y sector doctor en esta tercera entrega de la serie, que cronológicamente la acción se desarrolle ocho años antes de El silencio de los corderos y de la película Hanníbal de Riley Scott. 

Le acompañan en un reparto Ralph Fiennes, Edward Norton, Emily Watson, Harvey Keitel, Mary - Louise Parker y Philip Seymour Hoffman 

Un punto a favor de esta película es que acaba justamente en el punto inicial en el que comienza el silencio de los corderos al informar el psiquiatra de que una gente del FBI quiere entrevistarse con el doctor Lecter. Evidentemente se trata de Clarice. 

La película de 2002 dirigida porBrett Ratner funciona como una precuela deEl silencio de los corderos. El conflicto del Dragón lo asume Ralph Fiennes que interpreta a un villano complejo que busca su "transformación" a través de los asesinatos, influenciado por la pintura de William Blake. Su relación con Reba (Emily Watson), una mujer ciega, añade una capa de humanidad trágica que es de lo mejor de la cinta . 

A diferencia de la versión de 1986 ( Manhunter ), esta película fue diseñada para encajar visualmente con el universo de Hopkins. Incluso el guion fue escrito por Ted Tally , el mismo que ganó el Oscar porEl silencio de los corderos y como aquí menciono enlaza su final con el aviso por parte del Dr. Frederick Chilton , interpretado tanto en la película de 1991 como en esta por Anthony Heald, de la llegada de Clarice Starling, la protagonista de El silencio de los corderos, la secuela de El Dragón Rojo, esa joven y brillante estudiante de la academia del FBI que es enviada por Jack Crawford para entrevistar a Hannibal Lecter.

Emma de Jane Austin

En el año 2020 la directora Autumn de Wilde que debutaba en el cine con esta película británica y con un guión escrito con total sensibilidad por Elenanor Catton partiendo de la obra inmortal de Jane Austen, y contando como productores con Tim Beban, Eric Fellner, Graham Broadbent y Peter Czernin por medio de Perfect World Pictures, Working Title Films y Blueprint Pictures, que invirtieron en ella casi 10 000 000 se lanzaron a rodar Enma, la popular comedia de la escritora británica sobre cómo encontrar a tu medio naranja y conseguir un final de feliz que se refiere en esta novedosa adaptación de Emma. 

Para ello contaron con el buen trabajo de Anya Taylor-Joy como Emma Woodhouse, Bill Nighy como Mr. Woodhouse el de Johnny Flynn como como George Knightley, Mia Goth como Harriet Smith, John O Connor como como Mr. Elton, Callum Turner como Frank Churchhill  y Miranda Hartcomo Miss Bates. 

El rodaje comenzó el 18 de marzo de 2019 y la película fue estrenada en Estados Unidos el 21 de febrero de 2020 y en el Reino Unido el 14 de febrero de 2020, a través de Focus Features. 

La película contó con la música de Isobel Waller-Bridge, la fotografía Christopher Blauvelt y el montaje de Nick Emerson. 

Desde el principio conocemos a Emma (Anya Taylor-Joy) , la segunda hija de Mr. Henry Woodhouse (Bill Nighyy) su difunta esposa. 

Ema es descrita como «bella, inteligente, joven pero también mimada y "rica», siendo ese motivo principal por el que no quiere casarse. Su hermana mayor, Isabella, está casada con el señor John Knightley. 

Emma lleva una muy buena relación con su antigua institutriz, la señora Weston (antes señorita Taylor), a la que conocemos al inicio de la película y vemos como se casa, pasando desde ese momento a ser su mejor amiga Harriet Smith. 

Emma vive junto a su padre en su hogar de Hartfield, en Inglaterra, cerca de Highbury. Le gusta actuar como casamentera, no está interesada en el matrimonio, no tiene necesidades económicas debido a su herencia, y no tiene deseos de dejar a su padre solo después del matrimonio de su hermana. Sin embargo, acaba enamorándose del cuñado de su hermana. Emma permanece inmune a la atracción romántica y el deseo sexual. Se divierte con el emparejamiento y se entromete en la vida romántica de sus seres más cercanos en este momento de la Inglaterra de la Regencia. 

La adinerada y hermosa Emma Woodhouse, de veinte años, vive con su padre viudo en su finca de Hartfield, en el pueblo de Highbury, en Surrey. Allí reciben las continuas visitas de George Knightley , amigo íntimo de la familia y propietario de la cercana Abadía de Donwell, es un visitante frecuente de Hartfield. 

George es hermano de John Knightley, esposo de Isabella, hermana de Emma, ​​quien reside en Londres. Emma se enorgullece de su talento para encontrar pareja y logra concertar con éxito el matrimonio de su antigua institutriz, la señorita Taylor, con el señor Weston. 

Una vez sin su antigua institutriz se hace amiga de Harriet Smith, una joven ingenua de origen incierto que reside en un internado para niñas de la localidad, y la convence de rechazar la propuesta de matrimonio de un respetable granjero, Robert Martin, y de recomendarle al vicario local, el señor Elton. 

George Knightley expresa en privado su desaprobación, diciéndole a Emma que está animando a Harriet a aspirar a un hombre que jamás podrá aceptarla. 

En una fría noche de Navidad, y de regreso a casa después de una cena, Emma se encuentra sola en un carruaje con el Sr. Elton. Para su sorpresa, este le propone matrimonio, lo que la lleva a un incómodo rechazo. Solo entonces descubre que lo que había confundido con afecto hacia Harriet era simplemente el intento del Sr. Elton de cortejarla. 

El Sr. Elton abandona la zona y regresa seis semanas después con una nueva esposa, la pretenciosa Augusta. 

Llegan a Highbury dos visitantes largamente esperados: Jane Fairfax, la sobrina de la señorita Bates , una amiga de la familia, refinada pero de bajos recursos, conocida por su incesante charlatanería; y el encantador Frank Churchill, quien, siempre a la orden de su adinerada tía, ha tenido pocas oportunidades de visitarla. Emma se siente intrigada por Frank y envidia el talento , especialmente su dulce belleza y su don musical, de Jane. 

La llegada de Frank motiva a los Weston a celebrar un baile , en el que el Sr. Elton desaira groseramente a Harriet. George Knightley la rescata y la invita a bailar. Emma y Knightley también bailan juntos, lo que despierta sentimientos románticos entre ellos. 

Durante un picnic en Box Hill , Frank anima a la compañía a jugar a un juego ligero, y Emma, ​​en un momento de humor irreflexivo, insulta a la señorita Bates, causándole una gran angustia. 

Knightley reprende en privado a Emma por su crueldad, lo que la lleva a reflexionar sobre su comportamiento. Se disculpa con la señorita Bates, quien la perdona. Harriet le confiesa a Emma que ha encontrado el amor de nuevo; no menciona al hombre, pero Emma supone que se refiere a Frank Churchill. 

La repentina muerte de la tía de Frank revela que Frank y Jane Fairfax se habían comprometido en secreto, un compromiso que le habían estado ocultando. Emma intenta contárselo con delicadeza a Harriet, pero esta le revela que es George Knightley, no Frank, a quien Harriet ama. Según Harriet, su amor es correspondido.

Knightley se encuentra con Emma mientras pasea. Está decidido a declararle su amor, pero Emma lo detiene, creyendo que ha venido a confesarle su amor por Harriet. Emma queda tan conmocionada al darse cuenta de lo que dice Knightley que le sangra la nariz. Acepta su mano con alegría. 

Emma visita al Sr. Martin para reconciliarse y le ofrece, además de un ganso, un retrato de Harriet que ella misma dibujó. El Sr. Martin renueva su oferta de matrimonio, y esta vez Harriet acepta. 

Por último, vemos como Harriet y Robert Martin se casan, seguidos por Emma y George Knightley. 

La película comenzó su desarrollo en octubre de 2018, cuando Taylor-Joy fue elegida para el papel principal. El resto de los papeles secundarios se seleccionaron en marzo de 2019. El rodaje tuvo lugar en Firle Place en Sussex se usó para el exterior de la casa de Emma. Otras ubicaciones incluyeron Lower Slaughter (exteriores) en los Cotswolds que representaba al pueblo de Highbury, Kingston Bagpuize House en Oxfordshire, Wilton House cerca de Salisbury en Wiltshire y Chavenage House en Beverston , Gloucestershire . 

En la película la música juega un papel esencial. Está presente, especialmente durante los paseos de los protagonistas, en algunas fiestas y en encuentros. En la película, Jane Fairfax (interpretada por Amber Anderson) eclipsa a Emma al interpretar el tercer movimiento de la Sonata para piano n.º 12 de Mozart en el fortepiano . Anderson, pianista de profesión, tuvo que reaprender la pieza para adaptar su técnica a las tonalidades más cortas del instrumento de época. 

La secuencia de créditos incluye "Queen Bee" , una canción original de Johnny Flynn. Isobel Waller-Bridge le pidió a Flynn que escribiera una canción para la película. Él escribió "Queen Bee" para transmitir la perspectiva de Knightley sobre Emma, y la interpretó con un estilo apropiado para la época de la película. La banda sonora incluye numerosas grabaciones a capela de canciones folclóricas de artistas como Maddy Prior y The Watersons . 

La debutante directora, De Wilde concibió inmediatamente la música de la película como una obra de raíz folclórica. También quería que la banda sonora orquestal emulara Pedro y el lobo de Sergei Prokófiev , donde cada personaje tenía un tema que lo personificaba. A mi me ha ido sonando principalmente a música irlandesa. 

Anya Taylor-Joy, Anderson y Flynn cantan en pantalla en la película. Taylor-Joy se esmeró en explicar que su interpretación de La última rosa del verano utilizó un estilo afectado que imaginó que Emma Woodhouse usaría para cautivar a su público. Anderson y Flynn cantan un dueto de Drink to me Only With Thine Eyes escrita por Ben Jonson en la película durante una escena de baile. El adagio del movimiento final de la Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor de Haydn , Farewell , también se escucha en la película. 

Esta multipremiada película tuvo reconocimiento del público alcanzando una recaudación de unos US$26 404 660, pero también de los reconocimientos en premios y de la crítica. En los reconocmientos destacan las nominaciones en la 93 Edición de los Oscar (2021) tanto al Mejor vestuario (Alexandra Byrne) y a la Mejor maquillaje y peluquería (Marese Langan).

En los 78ª Globos de Oro (2021) la nominación fue pàra Emmma como Mejor actriz principal - Comedia o musical (Anya Taylor-Joy); y en los BAFTA 2021la nominación fue al mejor diseño de vestuario (Alexandra Byrne). 

En los 26 Critics Choice Awards las nominaciones se centraron en la Mejor dirección artística (Kave Quinn, Stella Fox), Mejor vestuario y Mejor maquillaje y peluquería. La Asociación de Críticos de Chicago la nominó a la Mejor dirección artística, ganando en Mejor vestuario; por su parte la de Boston nominó la película a la Mejor dirección novel (Autumn de Wilde). 

En los 25 Satellite Awards (International Press Academy) las nominaciones fueron a la Mejor actriz principal - Comedia o Musical (Anya Taylor-Joy) y Mejor vestuario. 

En cuanto a la crítica la opinión mayoritaria fue muy positiva. En el Reino Unido Tim Grierson de Screendaily defendió que "Esta Emma lucha por ser más que solo una reproducción de la historia de Austen (...) Permanece en la superficie y no consigue captar el dolor -o el placer- del romance, con tanta fuerza como podría".

En Radio Times Flora Carr comentó que "Al fin obtenemos una Emma que los lectores de Austen reconocerán (...) Los espectadores verán la Emma de Taylor-Joy como algo a superar (...) "

Anna Smith de Time Out  no tan contento como los anteriores afirmó que "Flaquea en términos de ritmo y estructura (...) La mejor parte es el ingenio que exuda el texto de Austen (...) " 

Tim Robey del Telegraph describió la película de la siguente manera: "Tiene más estilo que sensibilidad (...) Habría ayudado que los toques cómicos (...) no se presentaran de forma tan afectada (...) " 

Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian la describe como una película "Agradable, genial e interesante de forma modesta (...) " 

Lewis Knight del Mirror dijo de ella que seb trataba de "Una adaptación encantadora, entretenida y hermosa del clásico de Jane Austen, con un tono extravagante que añade frescura (...) " 

Por último,  Kevin Maher de The Times dijo de ella que "El personaje de Austen es la heroína perfecta para la era de Instagram (...) " 

En los Estados Unidos , or ejemplo, Andrew Barker habitual en Variety d escribió sobre ella que "Una versión atractiva, inteligente y fiel, sin pretensiones (...) Como siempre, una adaptación de Austen vive o muere por la idoneidad de su pareja principal y Taylor-Joy y Flynn tienen una química aceptablemente encantadora " 

Caryn James en las páginas de The Hollywood Reporter señaló que se trataba de"Una adaptación sencilla y fiel en su mayor parte, con una hermosa puesta en escena y vivas interpretaciones (...) Ofrece los encantos de un escapismo tan familiar como bienvenido en estos tiempos difíciles" 

David Ehrlich de IndieWire comentó que "La adaptación de Jane Austen más elegante jamás hecha (...) Los actores hacen que sea divertido ver a los personajes determinar y reivindicar su verdadero valor" 

Robert Abele en The Wrap "Tras los suntuosos exteriores ingleses y el brillo de la comedia romántica, hay toques sutiles y exquisitas interpretaciones (...) una mezcla muy satisfactoria de malentendidos y líos románticos" 

Manohla Dargis del The New York Times "Las primeras escenas son poco prometedoras (...) Cuando los planes de Emma empiezan a salir mal, las intervenciones de los creadores empiezan a ser menos forzadas, más orgánicas" 

Matt Goldberg Collider "Es difícil lograr que una historia tan antigua y tan adaptada tenga frescura, pero de Wilde lo consigue con su ojo para los detalles y su exquisita dirección. Rara vez una obra de época ha sido tan deliciosa." 

Gavia Baker-Whitelaw del The Daily Dot comentó que "Taylor-Joy ofrece un tono cómico perfecto en esta típica adaptación de la icónica novela de Jane Austen (…) " 

Leah Greenblatt Entertainment Weekly "La frescura proviene, principalmente, de la energía narrativa de de Wilde y de la vitalidad de su joven reparto" Estados Unidos Vulture Alison Willmore Vulture "En el peor de los casos, es como ver una película antigua en la que la audiencia se ríe con todo lo que está anticuado. En el mejor, es efervescente" 

Ya en España  Elsa Fernández-Santos de El País sostuvo que "Es una de esas delicias donde todo se saborea como si fuese la primera vez. (...) Anya Taylor-Joy brilla en la piel del más vanidoso e irresistible personaje de Jane Austen" 

Nando Salvá de El Periódico escribió sobre la película que "El filme captura con eficacia razonable la singular habilidad de Austen para combinar el romance genuino con la sátira (…) " 

Toni Vall de Cinemanía la describió como "Los avatares de (...) Emma (...) lucen en pantalla con gran expresividad y más que notable personalidad narrativa (...) Una película que palpita. ¡Qué alegría! Un clásico visitado con mirada propia (…) " 

En  Fotogramas Beatriz Martínez dice de ella que es "Sorprendente y casi osado que (...) se limite a ser fiel al original. (...) La directora se muestra especialmente interesada en la pintura minuciosa de ambientes a través del puntillismo y la puesta en escena suntuosa (…)

Al final lo que tenemos es una delicada y magnífica película británico hecha con sumo gusto; una maravilla desde el punto de visual, bien rodada, con una música que acompaña en todo momento, con un vestuario y peinados digna de la monarquía británica del XVIII y XIX, con una sabia dirección por parte de su directora, acompaña en lo técnico por su insuperable equipo; una obra visual de alto alcance , con una gran puesta en escena, que además está magníficamente interpretado por una actrices y actores salidos de los lienzos de la pintura británica del periodo de Regencia. Una gran película. 

La última bandera

Es curioso ver una película que habla de la desaparición del Imperio Austrohúngaro en el otoño del año 1918, y que esa película haya sido rodada parcialmente en Viena pero sobre todo en España puesto que en sus lugares de rodaje se identifica Madrid Talavera de la reina, pantano de Cazalegas, el monasterio de Uclés sito en Tarancón y en el municipio toledano de Oropesa.

Sorprende igualmente ver a un buen número de actores británicos que hacen de oficiales germanos pero con una tropa principalmente de actores españoles, entre las que sobresalen Verónica Forqué, así como una buena parte de los secundarios. 

El estandarte o como se llamó en su estreno internacional , The Standard o  Die Standarte, es una película dramática bélica de 1977 dirigida por Ottokar Runze , que también es productor junto con Otto Boris Dworak y protagonizada por Simon Ward , Siegfried Rauch y Peter Cushing . 

Fue realizada como una coproducción entre Austria, España y Alemania Occidental. La película está basada en la novela de 1934 El estandarte de Alexander Lernet-Holenia(1897-1976) quién fue testigo de excepción en los acontecimientos narrados, convertida en película de 1935 Mi vida por María Isabel en la Alemania nazi. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes .

Estamos ante una película del género bélico, una coproducción hispano alemana austriaca,  dirigida por Ottokar Runze, en la que están implicadas la vienesa Neue Thalía Film, las alemanas Norddeutsche Filmprofuktion y Norddeutsche Rundfunk y la española Orfeón producciones cinematográficas,  y que cuenta con un reparto internacional en la que la Forqué aparece acompañada de Simon Ward, Siegfriend Rauch, Víctor Staal, Gerd Böckmann, José Canalejas, Lil Dagover,  Robert Hoffmann, Jon Finch como Chabinsky incluso aparece Peter Cushing como el vidente y premonitorio Barón Hackenberg. 

La película cuenta con el trabajo del decorador José Luis Galicia y con el asesor histórico Peter Scharff, el maquillador Julián Ruiz, el montaje de Tamara Karabetian y y que cuenta como como responsable del guión fue Herbert Asmodi que adapto la novela homónima original de Alexander Lernet Holenta. La música fue el amor de Hans Martin Majewski y la fotografía de Michael Epp. 

La historia nos lleva al final de la primera Guerra mundial, en octubre, cuando un alférez de nombre Menis ( Simon Ward)  del Ejército austrohúngaro llega a Belgrado tras pasar seis meses en un hospital militar para formar parte del regimiento que ha defender el territorio ocupado de Belgrado. 

Nada más llegar va a la Ópera de la capital a escuchar Las bodas de Figaro de Mozart y ante la vista del palco que tiene enfrente se enamora perdidamente de una asistente de la archiduquesa de Austria, Resa, la princesa de Hannover ( Verónica Forqué) , que se encuentra en la capital serbia. 

Cuando la conoce, surge entre ellos un romance irrefrenable, a pesar de la categoría social que los separa, pero es inevitable. Sin embargo, la guerra los separa. 

El joven en su destacamento sabe que las tropas eslavas que luchan a su lado lo que realmente desean es la desintegración del imperio de los Habsburgo, pero los jefes militares son ajenos a este hecho y ello afectará a su campaña de guerra en la que sufrirán ataques que resultarán fatídicos para ellos. 

Debido al código militar, los soldados deberán luchar y morir por preservar la bandera de los reyes, la cual acabará en manos del protagonista y contará para ello con la ayuda de sus camaradas Botenlauben ( Siegfried Raug ) o Koch Klein (Robetrt Hoffmann ) 

Ahora su objetivo es el llevar la bandera hasta el Palacio Imperial de la Casa Real de Habsburgo, lugar al que pertenece. El código militar exige que los soldados luchen y mueran por defender la bandera imperial. 

Se inicia así un proceso de lucha entre los eslavos (Ruthenos de Galitzia, Croatas,húngaros...) que integran la mayor parte de la tropa y que se sublevan impidiendo la huida de sus mandos y esos mandos de origen germánico que, por encima de todo quieren cumplir con su deber, en territorio enemigo ( Serbia) o en el que fuese territorio imperial como Hungría , que no acepta la presencia de las autoridades dominantes.

El alférez Menis por encima del amor opta por el deber y dejando a Resa en el tren que lo lleva a Viena, huye campo a través con  Botenlauben, uno de sus colegas , que pierde la vida en la frontera húngara y, finalmente, llega a la capital en octubre de 1918, precisamente cuando el emperador Carlos I de Austria y IV de Hungría ha renunciado a la jefatura del Estado - noviembre de 1918 y a formar parte de cualquier futuro gobierno austriaco- y nada más entregar el estandarte éste es lanzado a una chimenea ante los ojos del militar que decide darse media vuelta y salir del Palacio Imperial mientras su mundo se hunde inexorablemente.  

Se dice de ella en El Mundo que "Al ser una co-producción de varios países, el reparto lo forman actores procedentes de diferentes nacionalidades. Asimismo, Verónica Forqué (''¿Qué he hecho yo para merecer esto?'') comparte pantalla con estrellas veteranas del cine como el artista inglés Jon Finch (''Machbeth'') o la experimentada actriz alemana Lil Dagover (''El gabinete del Dr. Caligari''). La película histórica se rodó en un total de 40 días pero fue un film que se rodó a gran escala, no sólo contó con un internacional elenco sino que parte de las escenas se rodaron en diferentes rincones europeos. "

Francisco, juglar de Dios

El neorrealismo seguía triunfando en Italia allá por los años 1950. Roberto Rosellini seguía jugando un papel fundamental y la consolidación de este movimiento cinematográfico que había roto con la historia del cine. Él ya había construido dos películas que eran determinantes en la historia de este movimiento como Roma ciudad abierta y Alemania año cero. Evidentemente, una hablaba de la caída del fascismo en Italia; otra nos presentaba las consecuencias de la guerra en Alemania. 

La película que me ha traído nuevamente este movimiento, sin embargo, es de corte radicalmente distinto pues se trata de una película de corte religioso que se inspira de Francisco de Asís y que está interpretada por actores no profesionales que van narrando algunos episodios de la vida del santo de Asís a través de pequeña anécdota dando una imagen global de lo que supuso el movimiento franciscano. 

Más o menos eso es la película Francisco, juglar de Dios. Una película del que únicamente se reconoce como actor profesional a Aldo Fabrizi con el tirano Nicolaio , aunque igualmente aparecen otras dos referencias como son Arabella Lemaïtre,  y Nazario Gerardi. 

Son diversos episodios de la vida de San Francisco de Asís los que nos presenta a Roberto Rosellíni y como este entendió la pobreza como tal hasta límites insospechables. Vemos que el santo no quería nada para él ni para los suyos. Amaba por encima de todo una creación de Dios, de allí su amor a la naturaleza. Por eso habla del hermano Sol, de la hermana Luna, de la hermana agua, de la hermana noche,...

Se trata de uno de los filmes más famosos de Roberto Rossellini conocido en Estados Unidos como The Flowers of St. Francis realizado cuando el director italiano ya había consolidado en su carrera cinematográfica. Sus películas previas habían sido todo un éxito. Títulos como Paisá (1946), Roma, città aperta, también del año cuarenta y seis o Germania, Anno zero (1947), ya habían triunfado. 

Con esta película de carácter religioso Rosellini llevó a la pantalla en la vida de este santo medieval en un film que apenas tiene una hora y cuarto de metraje y que contó en la elaboración del guion con el también director Federico Fellini con el que ya había colaborado anteriormente. 

Francisco juglar de Dios goza hoy de una gran reconocimiento crítico, no sólo por su capacidad de síntesis sino también por su intención de renovar e innovar el lenguaje cinematográfico. 

Como curiosidad comentar que el papel del santo fue interpretado por el hermano Nazario Gerardi en la que fue su única aparición en la gran pantalla. Los monjes del Monasterio de Nocere Inferiore interpretaron además el papel de los frailes. Comentario igualmente que la comunidad religiosa en la que rodaron la película no pidió absolutamente nada y cuando el director les quiso dar algo ellos pidieron únicamente una cosa fuego artificiales para disfrutar una noche. 

La película llevó como título original, Francesco, Giullare di Dio. La película es una producción  Rizzoli, en la que participa como productor asociado Giuseppe Amato. La película está inspirado en Fioretti ( Las Florecillas) de San Francisco. Junto a Fellini en el guión participan el padre Félix Morlión y el padre Antonio Lisandrini. Comentar que además de Fioretti, la película también se basó en otro libro. La primera era una novela del siglo XIV - Fioretti di San Francesco (Florecillas de San Francisco). y , la segunda, La Vita di Frate Ginepro (Vida del hermano Juniper), que relatan la vida y obra de San Francisco y los primeros franciscanos. I Fioretti se compone de 78 pequeños capítulos. 

La novela en su conjunto es menos biográfica y se centra en relatar historias de la vida de San Francisco y sus seguidores. La película sigue la misma premisa, aunque en lugar de relatar los 78 capítulos, se centra en nueve de ellos. Cada capítulo está compuesto al estilo de una parábola y, como las parábolas, contiene un tema moral. Cada nueva escena hace la transición con un marcador de capítulo, un dispositivo que relaciona directamente la película con la novela. 

Como se nos dice en la película está interpretada por personas  de la vida real. Como responsable de la fotografía aparece o Otello Martelli y técnico de sonidos son Eraldo Giordani y Rafaelle del monte. El director de producción fue Luigi Giacosi.  La interpretación musical corresponde a Renzo Rosselíni, mientras que los cánticos litúrgicos corresponden al padre Enrico Buondonno. 

La película comienza con una parte de las cartas de san Pablo a los corintios. Tras eso vemos a Francisco y sus seguidores mojándose en un camino de tierra. Francisco regresa de Roma a Santa María de los Ángeles con sus frailes. Todos buscan resguardarse en una casa, más bien, la choza que en ese momento ocupa un Mulero. Al verse expulsados de su cabaña, Francisco pide perdón a sus hermanos por abandonar su obediencia. El hombre acusa a los franciscanos de ser ladrones y los expulsa, pero los frailes ven esto como una señal para seguir los pasos de San Francisco. 

La película está dividida en nueve capítulos, cada uno de los cuales describe un incidente significativo en la vida de San Francisco después de su vocación. Estos capítulos están introducidos por una parábola y un marcador de capítulo. 

En ese pequeño fragmento ya vemos que el papel protagonista lo van a tener conjuntamente Francisco y Junípero que es el protagonista de la segunda historia, que trata de como el hermano  Junípero llega desnudo a Santa María de los Ángeles donde sus hermanos empezaron a construir su monasterio. Francisco entendió la pobreza en un sentido estrictamente evangélico; él no tenía absolutamente nada. Amaba por encima de todo la creación de Dios, de ahí su amor a la naturaleza. De cualquier manera le dice a un Junípero desnudo después de haberle dado su hábito a un mendigo que Francisco le amonesta gentilmente por su ingenua generosidad. 

Tras este episodio conocemos al hermano Juan el simple, cuando se persona solicitando que quiere seguir a Francisco e imitarlo en todo los gestos y  en sus palabras. Vemos finalmente como es aceptado en la comunidad. Aquí vamos viendo como él monasterio se va llenando de detalles como las campanillas y como la naturaleza de alrededor juega un papel importante. 

El siguiente episodio tiene lugar el maravilloso encuentro entre Santa Clara con San Francisco en Santa María de los Ángeles. Comparten una cena santa juntos, y su conversación se describe como si encendiera el cielo con fuego. 

La cuarta historia no vuelve a presentar un breve episodio de Junípero y cómo consiguió la pata de un cerdo para dárselo de comer a un hermano enfermo. Sin embargo, sin darse cuenta enoja a un porquero y debe disculparse. El porquero luego regresa con el resto del cerdo como un gesto de reconciliación. 

Posteriormente damos el encuentro en una noche entre San Francisco y un enfermo de lepra. A pesar de los intentos del leproso de mantener su distancia, Francisco lo besa y lo adora, alabando a Dios por el encuentro.

Volvemos a otro episodio de Junípero pero cuando decide cocinar para quince días con el fin de poder permitirse la posibilidad de predicar. Como resultado, Francisco le otorga permiso a Ginepro para predicar, instruyéndolo a comenzar cada sermón con las palabras: "Hablo y hablo pero hago poco". 

Comienza la predicación de Junípero que acaba siendo retenido por el tirano Nicolaio, el tirano de Viterbo y como su humildad le permitió sobrevivir. 

Volvemos a Francisco y en este caso acompañado del hermano León como quieren experimentar la perfecta alegría (Perfecta Letizia).En este octavo capítulo presenta una famosa parábola donde Francisco y el hermano Leone discuten qué trae la felicidad perfecta. Después de considerar varios escenarios, Francisco explica que la felicidad perfecta radica en sufrir y soportar toda mala acción por amor a Cristo. 

Y el último capítulo es como San Francisco comparte con sus hermanos de Santa María de los Ángeles por el mundo a predicar la paz. Regalan sus posesiones, rezan juntos y luego parten en diferentes direcciones para predicar la paz. Curioso el método para decir dónde va cada uno de ellos pues para ello giran sobre en sí mismo y hacia donde caigan tendrán que predicar allí. Previamente vemos como son recibidos en la ciudades y pueblos, como auténticos hermanos mendicantes. Uno ser irá a Siena, otro a Florencia, otro a Pisa, otro a Spoletto, alguno hacia Arezzo o hacia Foligno, mientras que Juan simple y la a predicar su palabra a un árbol y a un pequeño pinzón. Mientras haces perdigan tocaba la película. 

Así que vemos la vida del santo, pero lo hacemos tanto a través de sus ojos y sus obras, pero también nos muestra indirectamente la vida de San Francisco a través de los frailes que lo rodean. Rossellini tenía un fuerte interés en los valores cristianos en el mundo contemporáneo. Aunque no era un católico practicante, Rossellini amaba la enseñanza ética de la Iglesia y estaba encantado con el sentimiento religioso, cosas que eran descuidadas en el mundo materialista. Este interés ayudó a inspirar la realización de la película. 

También empleó a dos sacerdotes para trabajar en ella con él, Félix A. Morlion O.P., y Antonio Lisandri O.F.M. Aunque los sacerdotes contribuyeron poco al guion, su presencia dentro de la película dio una sensación de respetabilidad con respecto a la teología. Morlion defendió vigorosamente los fundamentos católicos dentro del neorrealismo italiano y sintió que el trabajo de Rossellini, y eventualmente el del guionista Fellini, capturaron mejor este fundamento. 

Rossellini había estado trabajando en una película sobre San Francisco durante años y más tarde la calificó como su favorita de sus propias obras. Rossellini y Federico Fellini escribieron un tratamiento de la película que tenía 28 páginas y contenía solo 71 líneas de diálogo que, como hemos dicho, estaba parcialmente inspirada en leyendas de San Francisco como Fioretti y La vida del hermano Ginepro. Rossellini dijo que no pretendía ser una película biográfica, sino que se centraría en un aspecto específico de la personalidad de San Francisco: su extravagancia. Rossellini describió este aspecto de San Francisco como "El bufón o juglar de Dios". 

La película era una serie de episodios de la vida de San Francisco y no contenía ninguna trama o desarrollo de personajes. Rossellini recibió financiación de Angelo Rizzoli y del Vaticano para hacer la película. Eligió a los mismos monjes franciscanos que habían aparecido en su película anterior Paisà. Todos los demás actores también eran no profesionales, excepto Aldo Fabrizi, al que vimos en Roma, cittá aperta como el sacerdote. 

El rodaje comenzó el 17 de enero de 1950 en la campiña italiana entre Roma y Bracciano. Fellini no estuvo presente durante el rodaje y Rossellini dependió de la ayuda con los diálogos de la película de Brunello Rondi y el padre Alberto Maisano. 

Durante el rodaje, el hijo de Rossellini e Ingrid Bergman, Renato, nació el 2 de febrero de 1950, aunque no se divorció oficialmente hasta el 9 de febrero. Los extras de la película le llevaron ricotta al bebé recién nacido durante la producción. 

La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 1950, donde se proyectó ante un público repleto y, a menudo, fue aplaudida en medio de ciertas escenas. Sin embargo, los críticos le dieron a la película críticas en su mayoría malas. Guido Aristarco dijo que mostraba una realidad formalista y falsa. Pierre Laprohon dijo que "su defecto más obvio es su falta de realismo". Años después de su estreno, Marcel Oms la llamó un "monumento a la estupidez". Sin embargo, el crítico de cine de The New York Times, Bosley Crowther, la elogió. 

Pier Paolo Pasolini dijo que estaba "entre las más hermosas del cine italiano" y Andrew Sarris la clasificó en el octavo lugar de su lista de las diez mejores películas. François Truffaut la llamó "la película más hermosa del mundo". 

En su estreno inicial, la película recaudó menos de $13,000 en Italia. Aunque fue algo mal recibida en su momento, la película ahora es reconocida como un clásico del cine mundial.

En 1995, el Vaticano incluyó la película en su lista de cuarenta y cinco películas importantes. En julio de 2021, la película se mostró en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes de 2021. Un clásico, con un Rossellini más cercano a Dreyer que a Fellini en esta historia. Eso es lo que es. 

Mi amigo el gigante

Decepcionante película filmada por Steven Spielberg en el fondo aunque no en la forma. Puede que el tono melancólico y la tristeza que me ha transmitido, no me haya permitido disfrutar de ella como suelo disfrutar de Spielberg en cualquiera de sus formatos. Lo mismo la película se merece una revisión por mi parte, pero, inicialmente, me ha decepcionado como  primera impresión.

La película está basada en el conocido libro de Roald Dälh, "El gran gigante bonachón" (The Big friendly Giant, The BFG) escrito en 1982 y que nos narra la increíble historia de una niña huérfano, la reina de Inglaterra y un gigante bondadoso destinado a salvar al mundo de los gigantes malvados. 

El trabajo del escritor galés, que combina lo fantástico con lo aterrador, y que sitúa a los más pequeños como héroes, era un caramelo para las grandes productoras de Hollywood que habían visto en la obra de Dahl una fuente interminable de grandes éxitos.

En la película y en la historia escrita es una niña, la pequeña Sophie ( Ruby Barnhill), la que conoce a un gigante de buen corazón ( Mark Rylance), pero de aspecto intimidatorio, que es repudiado por sus compañeros porque, a diferencia de ellos, se niega a comerse a los niños. Ambos unen sus fuerzas por lo que este gigante bonachón, conocido como el BFG, detendrá una invasión de malvados gigantes que se preparan para comerse a todos los niños del país.

Todo comienza en una noche,  cuando Sophie, una niña inteligente y valiente de diez años que vive en un orfanato de Londres, ve a un gigante anciano. El gigante la captura y la lleva a su residencia en el País de los Gigantes. Le dice a Sophie que la ha cogido para que nunca le revele a nadie la existencia de los gigantes. 

El gigante crea una pesadilla para evitar que escape, por miedo a que la coman gigantes más grandes. Sophie casi es descubierta por Fleshlumpeater (Jemaine Clement ) , el líder de los gigantes devoradores de hombres, pero el gigante anciano ahuyenta a Fleshlumpeater con un vegetal asqueroso conocido como pepinillo o algo así. Ella convence al gigante anciano para que la lleve al País de los Sueños. Accidentalmente despiertan a los otros gigantes y, después de que Bloodbottler (Bill Hader) sugiera que "jueguen", intimidan al gigante amistoso. 

Una tormenta eléctrica empuja a los gigantes devoradores de hombres a su cueva, pero Fleshlumpeater encuentra la manta de Sophie. 

En el País de los Sueños, Sophie y el gigante amistoso tienen pesadillas buenas y malas. El gigante revela que su único nombre, además de "Runt", el apodo que le dan los otros gigantes, es "el gran gigante amistoso", lo que lleva a Sophie a llamarlo "BFG". 

Ella lo acompaña a Londres para su trabajo nocturno: usar su trompeta de sueños para difundir buenos sueños a los niños dormidos. 

Regresan al País de los Gigantes justo cuando los otros gigantes se han ido a buscarlos para comerse a los niños de todo el mundo. El BFG se da cuenta de que Sophie ha perdido su manta, exponiendo su presencia a los otros gigantes, y la deja fuera de su orfanato. Revelando que a su último compañero humano le gustaba leer, e incluso le enseñó a leer a él, pero lamentablemente fue descubierto y devorado por los gigantes, no está dispuesto a poner en peligro a Sophie y se va. 

Sin miedo, Sophie salta de su balcón con la esperanza de que aparezca de nuevo para atraparla, y lo hace. 

Regresan al taller del BFG y los otros gigantes irrumpen en la búsqueda de Sophie. Destruyen gran parte del trabajo del BFG, pero Sophie evade la detección y el BFG los ahuyenta con un hierro candente. Sophie encuentra la casa del último humano que vive con el BFG, con un retrato de la Reina Victoria entre sus pertenencias. 

Esto la inspira a idear un plan: forjar una pesadilla para Isabel II, la Reina del Reino Unido, sobre gigantes que se comen a los niños de Inglaterra, el Ejército británico luchando contra los gigantes y Sophie apareciéndose ante ella. Sophie y el BFG van al Palacio de Buckingham y le cuentan la pesadilla a la Reina dormida. 

Al despertar, la Reina y los miembros de su personal, Mary y el Sr. Tibbs, encuentran a Sophie en el alféizar de la ventana. Ella les presenta al BFG, explicándoles que los gigantes devoradores de niños son reales y deben ser detenidos. En un gran desayuno, el BFG comparte su bebida favorita, "frobscottle", que induce flatulencias, y él y Sophie conducen a los soldados de la Reina al País de los Gigantes. 

BFG planea emboscar a los gigantes devoradores de hombres con una pesadilla, pero ha olvidado su trompeta de sueños. Sophie lleva la pesadilla ella misma en medio de los gigantes y se enfrenta a Fleshlumpeater. Ella libera la pesadilla que consume a los gigantes con culpa, excepto a Fleshlumpeater (que intercepta y destruye la suya), y son capturados por helicópteros militares, puesto que todos los líderes mundiales del momento han sido avisados ( Margaret Thatcher, Ronald Reagan y Boris Yetsin,...) . 

Llevados a una isla aislada, los gigantes se quedan solo con semillas de "pepinos de nariz" para plantar. Sophie es adoptada por Mary, viene a vivir en el palacio de la Reina y despierta de un sueño del BFG, que regresa a su vida en el País de los Gigantes y escribe la historia de su aventura. Ella le habla cada vez que se siente sola; en su casa, el BFG escucha sus palabras y sonríe. 

En la película están los habituales del director en la parte técnica como John Williams con su partitura número 24 en la música y en la fotografía Janusz Kaminski quedando el montaje en Michael Kahn y el vestuario Joanna Johnston. Fue el proyecto más ambicioso de Steven Spielberg desde ET pero para mí el más decepcionante visto de los realizados por él. Es una película de fantasía y aventuras cuyo guion fue escrito por Melissa Mathison, basada en la novela de Roald Dahl. 

La película está protagonizada por Mark Rylance como el gigante y Ruby Barnhill como la niña, Sophie. Junto a ellos están Penelope Wilton como la Reina Isabel II, Rebecca Hall como Mary, la auxiliar de la reina, Rafe Spall como el mayordomo de palacio, así como Bill Hader o Rafe Spall . 

La historia de esta producción se remonta al siglo anterior, cuando los productores Frank Marshall y Kathleen Kennedy comenzaron el desarrollo de una gran adaptación de The BFG en 1991, y produjeron el proyecto con Paramount Pictures. Los guionistas Robin Swicord y Nicholas Kazan escribieron una adaptación del guion en 1998, con Robin Williams en mente para el papel principal. Creo que hubiese sido un acierto absoluto encarnado en Robin Williams. 

Para 2001, el guion había sido reescrito por Gwyn Lurie, que fue recibido con una opinión positiva de Dahl. Diez años después, en septiembre de 2011, DreamWorks Pictures anunció que habían adquirido los derechos cinematográficos del libro y que Kennedy y Marshall estaban dispuestos para producirla, y la guionista Melissa Mathison adaptaría la historia. 

En abril de 2014, se anunció que Steven Spielberg podría dirigir la película y que el rodaje comenzaría en 2015 para ser estrenado en 2016 según un comunicado de DreamWorks. 

Spielberg, que en esta película contó con el recientemente fallecido Adam Somner, su habitual últimamente ayudante de dirección, declaró: "The BFG" ha encantado a familias y sus hijos durante más de tres décadas. Nos sentimos honrados de que Roald Dahl nos haya confiado esta historia clásica". 

En marzo de 2015, Walden Media acordó cofinanciar y coproducir la película. Sam Mercer también producirá la película. En abril de 2015, Walt Disney Studios—que ya estaba bajo acuerdo para distribuir la película a través de Touchstone Pictures—se unió a la producción como coproductora y co-financiadora, y cambió el estreno de la película programado por Touchstone a una fecha programada por Walt Disney Pictures. 

The BFG es la primera película de la marca Disney dirigida por Spielberg; aunque él ha producido con anterioridad varias películas para el estudio. Además, DreamWorks permanecerá sin ser acreditado en la película, y en su lugar estará representada por Amblin Entertainment, la productora de Spielberg. 

El 27 de octubre de 2014, Mark Rylance fue incluido en el papel principal de la película. Spielberg declaró que : "Mark Rylance es un actor de transformación. Estoy muy emocionado y encantado de que Mark haga este viaje con nosotros al país del gigante. Todo sobre su carrera hasta el momento se trata de hacer la elección valiente y estoy honrado que haya elegido a The BFG como su próxima actuación en la pantalla grande".

Después de una larga búsqueda para la intérprete del papel de Sophie, el 16 de diciembre, el director eligió a la niña de 10 años de edad, la actriz británica Rubí Barnhill, quien dijo: "Me siento increíblemente afortunada y estoy muy feliz". Spielberg consideró que "han descubierto una maravillosa Sophie en Ruby Barnhill." 

El rodaje comenzó el 23 de marzo de 2015, en Vancouver y concluyó en junio. La película fue presentada en la Sección Oficial el Festival de Cannes, fuera de concurso. 

En los Premios Annie fue nominada a mejores efectos animados en producción no animada. En los Satellite Awards fue nominada a Mejor banda sonora y efectos visuales y en los Saturn Awards obtuvo 2 premios, el me montaje y diseño de producción (Rick Carter, Robert Stromberg) de sus 10 nominaciones 

The BFG ha recibido críticas positivas de parte de la crítica y la audiencia, sin embargo, a mi me pareció sosa, aburrida, triste, casi melancólica y sin chispa, algo nada habitual en las películas de Spielberg y, menos aún, en las obras inspiradas en Roald Dahl. 

Entusiasta es la crónica de Peter Travers en Rolling Stone al decir que "Los efectos especiales son espectaculares. Y no hay ningún fallo de Mark Rylance como gigante. Pero las cosas se ponen 'un poco chirriantes' cuando chocan los mundos de Spielberg y Dahl. (...), o la de Justin Chang de Los Angeles Times al escribir que "Como tantos buenos sueños, nos deja acariciando un pasado que nunca será recobrado, pero también mirando a un futuro que de repente parece más brillante y amistoso de lo que nos atrevimos a imaginar". 

Aplauden la película igualmente en la costa este donde, por ejemplo, Ty Burr de Boston Globe defendió que era "Demasiado excéntrica para ser un masivo éxito de taquilla, pero demasiado comercial para ser un clásico de culto: sin embargo, merece ser vista" o como defendió Lou Lumenick en las páginas del New York Post al considerar que era "Una golosina de verano visualmente deslumbrante (...) Spielberg ofrece una galería de imágenes inolvidables para iluminar una historia sorprendentemente directa (...) . 

Menos elogioso fue Todd McCarthy de The Hollywood Reporter al considerar que ese "Inesperado espejo temático de 'E.T' (...) 'The BFG' surge como una experiencia notablemente menos cautivadora, mágica y fascinante que su clásica predecesora". Algo parecido defiende A. O. Scott del The New York Times al decir que "Lo que le falta, por encima de todo, es ese entusiasmo salvaje y palpable que ha impulsado a muchas de las otras aventuras juveniles del Sr. Spielberg, desde 'E.T. the Extra-Terrestrial' a 'The Adventures of Tintin'." o lo que leyeron los usuarios en Illinois en las páginas del Chicago Sun-Times en la columna escrita por Richard Roeper al considera que la película era "Técnicamente impresionante, pero apática y tediosa (...) Lo que se echa mucho de menos es el sentido de la maravilla y la aventura (...) 

En el Reino Unido los elogios más o menos fueron unánimes como vemos en las crónicas de Dave Calhoun de Time Out al considerar que "Fallos aparte, esta es una película para niños superior y creativa, y una que va a convertir al gigante de Rylance en un favorito para el público más joven (...); o lo que vemos en lo escrito de Peter Bradshaw en The Guardian que "La interpretación estelar, distintiva, excéntrica y seductora de Mark Rylance hace de la película lo que es (...) un trabajo de amor para Spielberg y un maravilloso canto de cisne para Melissa Mathison (...). 

Ya en España y sin punto medio se la odio - no es para tanto- o se le elogia. Entre los primeros está Carlos Boyero que en El País sostuvo que "Spielberg no logra contagiar su elaborada fantasía. 'Mi amigo el gigante' no me consigue transmitir la mínima fascinación hacia lo que está contando." ; o Salvador Llopart en La Vanguardia al considerar que el "Filme frio, sin emoción, lejos del poder de conmoción de otros filmes de Spielberg. Uno echa de menos esa emoción pero aplaude la técnica. Aplaude brevemente, sin pasión, la verdad." 

Entre los segundos está Luis Martínez que en El Mundo aplaude la película al considerar que "Retrata la infancia con precisión y fantasía. (...) de una sencillez que primero desconcierta y luego acaba por convencer, quizá hasta enamorar." Igualmente en La Razón, Sergi Sánchez, vakira que "Spielberg, que no evita poderosas invocaciones tenebrosas, da una lección a todos aquellos que creen que el cine infantil debe poner la quinta marcha (...) Un capricho de orfebre, que aúna tradición y contemporaneidad" . 

En esta línea Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC la describió como "Una película como de postre para una merienda infantil (...) todo altamente tecnológico, pero dejando en la pantalla la impresión de manualidad y de cuento antiguo que le permite la respiración y la admiración al espectador." 

En la revista especializada en cine, en Fotogramas, Manu Yáñez, consideró que era una "Pequeña y encantadora película sobre el valor de la amistad y la imaginación (...) funciona como el afortunado (y muy digitalizado) encuentro entre dos colosos del relato infantil: Roald Dahl y Spielberg"; y en la otra tradicional revista de cine, Cinemanía, Irene Crespo dijo de ella que "En la cara de ese gigante se resume la belleza de esta historia (...) Hay pocos directores que entiendan tanto y tan bien el valor mágico del cine como Steven Spielberg (...). 

El gran Fausto Fernández publicaría en Twitter , ahora X que "Roald Dahl (tiempos de Inquisición cuqui) antes de ser víctima de la estupidez que nos rodea, pero víctima de la indiferencia, y el inmerecido desprecio, de cierta crítica, aunque la estimable Mi amigo el gigante viniera con la firma de Steven Spielberg. Quién iba a decirme que viviría para ver, asqueado, cómo se "reescribía" y cancelaba a Roald Dahl, y cómo se ningunearía a Steven Spielberg en Mi amigo el gigante, un denostado e incomprendido Steven Spielberg, más triste y Spielberg de lo que su aspecto infantil parece que tuvo una injusta incomprensión que la película despertó en su estreno. Una, muy triste, comprensión spielbergiana del universo Roald Dahl. Aunque no lo pareciera, y aunque el fracaso comercial y crítico señalara lo contrario, Roald Dahl y Steven Spielberg estaban llamados a unirse, lo que sucedió en esta película más necesitada de cariño que el propio gigante del título. Un Steven Spielberg infravaloradísimo con el que no se tuvo la paciencia necesaria, o el alma infantil necesaria:. Meteorito, tardas. "  

Y aunque en esta ocasión reconozco que la película no me ha emocionado como casi siempre me ocurre con Spielberg y casi me ha parecido pesimista surgiendo de ese optimista vital y adorable que fue el escritor galés he de reconocer que Spielberg, Roald y Fausto siempre están en mi equipo. Grande, Fausto, Grande Speilberg, Grande Dahl!!!

Alatriste, aconsejable revisión.

"No era el hombre más honesto ni el más piadoso pero era un hombre valiente. Se llamaba Diego Alatriste y había luchado como soldado en los tercios viejos de Flandes". Una obra que empieza así, promete, te engancha. 

Pero el cine no es literatura. Es otro lenguaje, por lo que muchas veces grandes obras literarias que se llevan a la gran pantalla acaban naufragando en imágenes. 

Hace años puede ver la película y el grado de decepción que sentí fue altísimo. Las siete novelas transformadas en una única película, de algo más de dos horas, dejaban el producto final casi en nada. Mal sabor a boca nos dejó creo que a muchos. 

Así lo he pensado desde 2007, año en que Agustín Díaz Yanes, tras una serie de éxitos, más o menos relevantes, con Nadie hablará de nosotros cuando hayamos muertos (1995) o Sin noticias de Dios (2001), se lanzó a rodar la película una vez que Telecinco y sus Estudios Picasso, se quedaron con los derechos para rodar la película. Hoy he terminado de verla y mi percepción ha cambiado. 

He visto más luces que sombras en donde antes era oscuridad absoluta. En su contra, he visto en esta revisión de Alatristre que algunos de los actores y actrices están bien seleccionados, no así sus personajes, pues pongo en duda que ayude en la película la inclusión en la historia la presencia de Iñigo de niño o de Angélica de niña, o el papel asignado a Blanca Porttillo en el papel del inquisidor Bocanegra por muy buena que sea. 

La historia de Íñigo y Angélica, - que si están bien introducidos en los libros- aquí ralentizan y dispersan la trama. Como profesionales, tampoco Unax Ugalde está del todo afortunado, a diferencia de Elena Anaya, una preciosa y malvada Angélica, vez han crecido. 

El resto, como actores y actrices, perfectos en sus papeles. A veces, breves (Cámara, Echanove, Noriega o Paco Tous, entre otros), pero precisos. Diferente es lo de Mortensen, o incluso Carbonell o Dechent, a los que no los voy a descubrir yo ahora. Especialmente, la gente de los tercios, todos "cortos de palabras y largos de espadas", como dice el autor de los libros. 

En contra también veo el gusto por presentar los lienzos que aparecen descritos en los libros, momentos culminantes de las obras literarias, pero que aquí no dejan de ser un telón de fondo y que , como lo anterior, no desarrollan realmente la historia. Por lo tanto, la película no avanza bien, desde mi punto de vista bien, lo hace a empujones. 

Entre lo negativo está el hecho de que la película presenta algunos hiatos y elipsis que no la hacen del todo comprensible, salvo para aquellas personas que previamente hemos leído los libros. En ocasiones la brevedad de las historias, o de eso que yo he llamado "lienzos", no permite - o no favorece- la narración, pues se hace breve e imprecisa, casi atolondrada. 

Sin embargo, además de su brillante puesta en escena con una buena recreación de la España del siglo XVII y sus afortunadas localizaciones, cosa que ya pensé cuando la vi por primera vez, he descubierto ahora que la película también tiene otros elementos positivos entre ellos las escenas de lucha que, si bien es cierto, que gran parte de ella se desarrollan en penumbra - la acción se remite a lo que ocurre en la noche- no es menos cierto que en aquellos momentos donde la luz lo permite, podemos ver escenas brillantes y vibrantes cuya acción se desarrolla con coreografías muy bien trabajadas y que son francamente afortunadas. 

Dentro de las escenas de acción debo, además de los múltiples duelos, algunos rápidos - como tenían que ser- destacar la de la batalla de Rocroi al final de la película y no sólo por la composición casi de lienzo en movimiento de la historia, sino también por la inclusión la banda sonora de música de semana Santa que parece remitirse a la Pasión que va a sufrir el tercio de Cartagena en su última batalla.

Posiblemente la película me generó rechazo, pues esperaba encontrarme con narraciones bien desarrolladas como en los libros, y no tan breves y apocopadas como las que he visto. 

No obstante, la película merece una revisión, al menos, una segunda visión pues es mucho mejor de lo que recordaba y una recomendación habría que verse en dos sesiones, pues su duración es excesiva para lo mucho e interesante que nos tiene que contar. Así no abruma y responde a lo que, sucintamente, recuerdas de las siete entregas.