One week

Esta casa es una ruina,la comedia de Tom Hanks, tenía un precedente en el cine. eso sí se trata de cine mudo pero de alta calidad en la interpretación pues el protagonista es Joseph Frank Buster Keaton, uno de los grandes, más grandes. El título de esta obra maestra de inicio de los años 20 no es otra que la mítica One Week, la primera película en la que Buster es la estrella absoluta sin su colega el cómico caído en desgracia, Roscoe Fatty Arkbucle. 

La película fue escrita y dirigida por Keaton y escritor, actor, guionista, y director de cine estadounidense, Edward F. Cline, un hombre que trabajó para los estudios de Mack Sennett desde 1914 y que llegó a ser un actor de apoyo de Charlie Chaplin en algunos de los cortometrajes que se hicieron en ese estudio.

Cuando Buster Keaton comenzó a elaborar sus propios cortometrajes, después de haber trabajado con Roscoe Arbuckle por algunos años, contrató a Cline como su codirector para rodar esta joya del slapstick. 

Se trataba de una producción de Joseph M. Schenck para la Joseph M. Schenck Productions y la Metro Pictures Corporation, con guion de Edward F. Cline y Buster Keaton que contó con la fotografía de Elgin Lessley y el montaje de Buster Keaton que es el protagonista absoluto de la obra como el novio. 

Keaton, está acompañado por la jovn actriz Sybil Seely que tenía 18 años cuando hizo esta película, protagonizó 18 películas, la última en 1922, como Clarette, la novia y el tercero en discordia es Joe Roberts que es el hombre que empuja el piano. 

La historia comienza con una boda y con un intertítulo que dice “Las campanas de boda tienen un sonido muy dulce, pero un eco bastante ácido”, de la que resulta una pareja de recién casados, Buster Keaton y Sybill Seely, quienes reciben como regalo de boda por parte de un tío de Buster un terreno con una casa . 

Tras desplazarse hasta el lugar descubre que la casa es de automontaje, una especie de casa de "Ikea" del tipo "Hágalo usted mismo". 

Según las instrucciones la casa se puede montar en "una semana". Pero lo que no cuenta Buster es que el chófer que los lleva hasta el terreno, celoso, es el pretendiente despechado de Seely, y cambia sin informar a nadie los números de los distintos paquetes. 

Así que vemos como Keaton al tratar de armar la casa según los planos erróneos le van a ir sucediendo todo tipo de dificultades. Lo más extraordinario es cuando le cae la pared encima salvándose por el hueco de la ventana o cuando la casa empieza a girar sobre si misma debido a la tormenta que asola la zona.

Surrealista es el juego de meta-cine innovador por romper la cuarta pared en que la bella Seely se da un baño en la bañera y se le cae el jabón fuera, hace el ademán de ir a cogerlo levantándose, pero mira a cámara y se da cuenta que el espectador puede verlo, entonces sale una mano tras la cámara y tapa el objetivo, al volver a verse la imagen Seely ya tiene el jabón y sonríe pícaramente a cámara, en una divertidísima ruptura de la cuarta pared.

La visión de la casa terminada resulta una obra expresionista que parece salida de la mente del director artístico con el tejado más pequeños que la casa, con puertas que dan al vacío, con una cocina exterior. El resultado es una casa de equilibrio precario, con la puerta de entrada en el primer piso. 

.Como si esto no fuera suficiente, Keaton descubre que ha construido la casa en el terreno equivocado y debe desplazarla.  Es aquí cuando la película alcanza su clímax cuando un inspector les informa que construyeron la casa en el solar equivocado (les tocaba el 99 y lo hicieron en el 66), debiendo convertir su ‘casa’ en una casa rodante  tirada por un coche. Mientras se desplaza la casa se queda trabada en las vías del tren. Keaton y Seely se abrazan tras intentar moverla para alejarla de un tren que viene hacia ella. Cuando parece que les va a llegar el tren por suerte para ambos pasa por una vía paralela. 

Mientras la pareja respira aliviada  y vuelven a abrazarse, pero en ese momento la casa es destruida por el impacto de otro tren que circulaba en la dirección opuesta. Keaton contempla la escena, coloca un cartel de "Se vende" sobre los destrozos, adjuntando el manual de instrucciones para montarla. Luego se van caminando cogidos de la mano.  Espectacular final. 

La película se inspiró en un documental de Ford Motor Company, Home Made (1919), cortometraje educativo sobre viviendas prefabricadas. Keaton vio la película y decidió parodiarla. 

One Week tiene muchos de los dispositivos utilizados en Home Made, incluida la boda, el Modelo T y el uso de las páginas de un calendario diario para mostrar la construcción de la casa en una semana. Muchos efectos especiales, como la casa dando vueltas durante una tormenta y la colisión del tren, se filmaron cuando ocurrieron y no fueron producto de un diseño previo. 

Keaton hace todas las acrobacias él mismo. La caída que sufre Keaton cuando sale del baño y se cae dos pisos, es una de las pocas ocasiones en las que realmente se lastimó. El impacto de la caída hizo que sus brazos y espalda se hincharan, y su preparador físico, Al Gilmore, tuvo que ponerlo en duchas calientes y frías y luego aplicar aceite de oliva y luego linimento de caballo para eventualmente bajar la hinchazón. 

Aunque The High Sign fue filmada antes que Una semana, Keaton la consideraba un producto de menor calidad como para debutar con ella, por lo que estrenó The High Sign al año siguiente. El título hace referencia a una obra de teatro titulada Three Weeks , que había sido una notoria novela del año 1907 escrita por Elinor Glyn . Según los informes, Keaton bromeó diciendo que era "un tercio tan escandaloso".

La casa estaba construida sobre un tocadiscos, por lo que podría girar durante la violenta escena de la tormenta. 

La crítica del New York Times dijo, "One Week, una obra de Buster Keaton, es más graciosa que la mayoría de las comedias de cachetadas y trucos." 

Otros como el historiador de cine francés (catalano francés, pues era natural de Perpignan) Marcel Oms consideró que "Desde su primer film, Buster Keaton ha realizado una obra aturdidora, llena de hallazgos, caídas, acrobacias y persecuciones en la que hombres y elementos danzan un vertiginoso ballet hasta la pulverización final de la que emergerán tan sólo los dos enamorados. coreografías magníficas, con golpes, porrazos, atropellos.No hay dobles de acrobacias, trucos de cámara o artilugios de utilería sofisticados". 

En 2008, One Week fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". Y ciertamente significativa es. Y grandiosa, y divertida, e inolvidable. 

El monasterio de Sendomir

Entre las películas de 1920 que no había visto en su centenario, pero vinculadas con un gran director se encontraban en casi todos los listados de las mejores películas de aquel año una película de uno de los directores más importantes del cine sueco, de hecho el más importante antes de la llegada de Ingmar Bergman como fue el caso de Victor Sjöström del que por aquí han pasado alguno de sus títulos, pero de su etapa americana, pues fueron muchos los suecos como su amigo Mauritz Stiller, descubrieron que la meca del cine estaba en los Estados Unidos, país al que marcha en 1923 y en el que realiza entre otra una mítica película como El viento, que desarrolle en la entrada Polvo en el viento.

La película que aparecía en todas las quinielas del año 20 de jace 100 años era El monasterio de Sendomir (Klostret i Sendomir) , una película  en cuatro actos que habla de lo poco que dura la felicidad, del honor, de la traición y de la penitencia, algo que estaba en el espíritu de los cineastas de esta época especialmente en los nórdicos, lo digo pensando en Carl T. Dreyer . 

Todo ello es presuntado en una obra que refleja un estilo narrativo algo plano pues lo que dominan son los planos estáticos y el único movimiento lo proporciona el montaje del filme. No obstante la película se desarrolla en un ambiente gótico, lleno de escenas nocturnas en la que la iluminación focaliza los sujetos y los objetos. El relato es muy literario, pero muy sobrio en la puesta en escena y algo teatral en el uso de las luces, las reacciones y la aparición de pocos personajes. 

Todo lo dicho se debe a que el gran Victor Sjöström como director intentó reflejar en su guion lo que había escrito el principal dramaturgo austríaco del siglo XIX Franz Gillparzer  allá por el año 1828  y que aunque está escrita en el momento en el que va triunfando el romanticismo y por temática esta obra se podría enmarcar ahí, lo cierto es que la intención de Gillparzer es desarrollar una obra más vinculada con el movimiento neoclacisismo. 

La obra tuvo una gran repercusión en el Imperio Austro Húngaro y el rastro de su éxito permaneció hasta los inicios del cine. De hecho, esta historia sería adaptada también por el director alemán Rudolf Meinert con el título Das Kloster von Sendomir, en el año 1919 y al año siguiente le sirvió al director sueco como base para integrar lo que se conoce como el tríptico cinematográfico de Sjöström, iniciado con “Los Proscritos” (1918), donde adapta igualmente una novela, la del islandés Jóhann Sigurjónsson, continuado con el presente trabajo y terminado con “La carreta fantasma” (1921). 

Con el apoyo de la productora sueca, Svenska Biografteatern AB contrató para la fotografía en blano y negro con Henrik Jaenzon.  

El reparto lo integra Tore Svennberg como el conde Starschensky , Tora Teje como su esposa Elga,  Richard Lund como el primo de Elga, Oginsky, Renée Björling como Dortka, Albrecht Schmidt como el gerente de la casa, Gun Robertson como  el hijo de Starschensky, Erik A. Petschler como un noble Nils Tillberg como el otro noble,  Gustaf Ranft como el abad, Yngwe Nyquist como sirviente , Axel Nilsson como un fraile , Jenny Tschernichin-Larsson como la esposa del carbonero y Emil Fjellström como un fraile.

La historia se desarrolla en la Polonia del siglo XVII y vemos como aparecen por el camino que lleva al Monasterio de Sendomir dos caballeros, dos nobles polacos  (Erik A. Petschler y Nils Tillberg ) que van en dirección a Varsovia y piden permiso para pasar una noche en el Monasterio de Sendomir . Los dos hombres son atendidos por algunos frailes que les dejan pasar y los acomodan en una de sus salas.

Cuando uno de los frailes mayores de la hermandad aparece con leña para calentar la habitación , los dos hombres le dicen que no es necesario, pero de cualquier manera el fraile les enciende el fuego. Además dedarle las gracias los dos hombres le dice que están impresionados por el lugar y la acogida que han recibido. Pero para su sorpresa el monje que les atiende se siente molesto, se enfurece y sale corriendo de la habitación. 

Momentos después regresa para disculparse y es entonces cuando cuenta la triste historia de la fundación de este monasterio. El monje pide que lo único que le piden es que no hagan comentarios y que les contará la historia. En ese momento comienza un largo flashback que prácticamente desarrolla la mayor parte de la película. 

El monje les cuenta que aquello antes era un lujoso y enorme castillo de  Sendomir en el que vivía un rico noble, el Conde Starschensky (Tore Svennberg), que vivía con su esposa Elga (Tora teje) , su hijo  (Gun Robertson) y múltiples sirvientes.

La dicha es absoluta para el Conde que gusta de jugar con su hijo y que espera a diario a su mujer de la que está locamente enamorado y que siempre va acompañada de su doncella Dortka (Renée Björling ) . Sin embargo, el gerente de su Palacio (Albrecht Schmidt) le informa que alguien está entrando en el Castillo algo que él llevaba un tiempo apreciándolo y que uno de los sirvientes le ha confirmado.

Desde ese momento surgen las dudas e inquietudes en el noble que de vez en cuando pasa temporadas lejos de su hogar. Como la duda lo reconcome decide trazar un plan para aclarar la situación. Así que decide salir de la casa por un periodo de tres días. 

Indudablemente espera a que algo pase y efectivamente su mujer recibe una visita. Alertado por su gerente vuelve a Palacio e intenta descubrir que está pasando. El despechado noble advierte que un hombre ha escapado de la casa acompañado por Dortka  que lo acompaña hasta el exterior.

Finalmente con el hombre huído se obstina a sacar la verdad ante la sorprendida mujer que le dice que a la mañana siguiente se aclarará todo. 

A la mañana siguiente vemos a Elga contenta y con un discurso coherente. Ella le dice que la clave está en Dortka. Mantiene una relación secreta con un hombre que es el que la visita de manera regular. De inmediato Elga llama a Dortka que se pone de rodillas ante el conde que queda totalemnte satisfecho con la explicación. 

Tras eso se dispone a jugar con el niño. Y mientras juega abre un cofre y descubre en el mismo un camafeo que contiene la imagen del primo de Elga,  Oginsky (Richard Lund), que no sólo es el primo de Elga sino el hombre con el que su mujer estuvo comprometido ante de su matrimonio. Al estar jugando con el niño compara la imagen del chaval y la de Oginsky que no duda de que el niño el hijo del amante y no suyo.

Esto lleva a un arrebato del conde que en principio quería lanzar a su hijo por la ventana pero es detenido por su gerente y éste traza un plan para el Conde pueda vengarse de la infidelidad de su esposa. 

Entre ambos deciden que días más tarde se persona a una sala de Palacio a Elga. Cuando esta se presenta el Conde de pregunta sobre la partenidad de ese hijo. Ella no lo duda y le dice que es él. El conde le pide que recapacite, pero ante la reafirmación abre una cortina y descubrimos tras ella a Oginsky que ha reconocido la relación.

Como considera que su honor está en juego inicia un duelo a muerte con espadas con el primo de Elga, pero tras iniciarla Elga intenta escapar y el conde la frena, lo que es aprovechado por el cobarde de Oginsky para escapar por la ventana. Tras salir al exterior huye.

El Conde Parece que hace algún tiempo, un tipo rico vivía aquí con su joven esposa y su hijo. Estaba muy feliz, felizmente inconsciente de que su esposa lo estaba engañando. Sin embargo, ella era astuta porque incluso cuando la atrapó, estaba dispuesto a creer sus mentiras. En última instancia, este asunto, sus mentiras y su ira culminaron, de alguna manera, en la fundación de este lugar sagrado. 

Mientras  el Conde Starschensky le pide a su mujer que le perdonará siempre que sacrifique a su hijpo. Ella parece dispuesta aunque el Conde la frena diciéndole que en su interior no queda ni una pizca de amor y piedad.

Ante esto el Conde decide dejar a su hijo al cuidado de la mujer de un carbonero con una nota en la que le dice que a cambio de su cuidado el le pesará una pensión vitalicia. Mientras el Palacio arde en llamas poniendo fin a pasa de ser el espacio de amor romántico y familiar a convertirse en un lugar en que la pasión y la tragedia han conseguido hundirlo por eso en su lugar su levanta hoy un Monasterio.

Volviendo al presente cuando se persona un monje le llama por su apellido hermano Starschensky y reconoce que su único momento de volver a sentir la humanidad es cuando celebra la ceremonia diaria por los difuntos, su Penitencia dolorosa y permanente.  Descubrimos que el monje en la habitación, es el mismo protagonista de la historia.

A destacar el recurso cinematográfico del flashback, el gusto de enmarcar algunas imágenes con arcos ojivales, el gusto por el plano fijo y la actuación bastante teatral de actores y de actrices participantes. A pesar del tema, que pasa de lo romántico a lo patético,  a Sjöström le gusta presentar la sorpresa final de la narración una historia que no deja de ser un laberinto de pasiones, sentimientos y recuerdos. 

La película muestra la religiosidad de Victor Sjöstrom, que también aparecería en posteriores películas del director sueco, como es el caso de su siguiente película una de las más importante de su etapa sueca, Körkarlen (La Carreta Fantasma, 1921). 

La película fue rodada en Djurgården, y Svenska Bio, Lidingö, en las cercanías de la capital sueca Estocolmo. 

De ella señaló Terenci Moix en el tomo I de La Gran Historia del Cine que " mezcla violencia y religión en la historia de un monje con un pasado manchado por un asesinato pasional. Ströström se aparta aquí de sus escenarios habituales para concentrar su acción en interiores, tratados con una economía de medios ejemplar".

Para acabar señalar que  Victor Sjöström se retiraría de la dirección tras pasar por Gran Bretaña, donde realizó en 1937 Bajo la carpa roja o Bajo el manto escarlata (Ander the Red Robe) culminaba así una obra que había comenzado en 1912 con El jardinero (Trädgardsmästaren) como director y como actor en El vampiro (Vampyrem) y Las máscaras negras (De svarta maskerna), aunque como actor estuvo presente en dos obras de arte del cine nórdico en La palabra (Ordet, 1943) y en Fresas salvajes (Smultronstället, 1957) de Bergman su despedida absoluta aunque no sin antes sin recibir el gran premmio del Festival de Berlín de 1958. Una carrera enorme, extensa y brillante la de este director sueco que como señalaba Pedro manuel Víllora era tan respetado que la Svenska le proporcionó un trabajo directivo que le permitió estar en contacto con las nuevas generaciones y el Premio en Berlín lo restituían al verdadero lugar en la evolución del arte cinematográfico.

Terminar diciendo que pasó sus últimos años profundamente apenado por la muerte de su esposa, sentimiento que expresaba coninuamente en sus cartas a Liliam Gish, con quien continuaba manteniendo una estrecha relación que se mantenía con la fuerza de los vientos. 

Un borracho y una sonámbula

Acabo de leer que todavía a día de hoy se siguen reponiendo en Los Ángeles las películas de Harold Lloyd. Concretamente en el Royce Hall de esta ciudad California hubo una doble sesión hace un año aproximadamente , el 20 de mayo, de dos películas de Harold Lloyd. 

La primera una película de 1927 de título The Kid Brother o el hermanito, y la segunda, una película anterior del año 1920,  y de título High and Dizzy, también conocida como en España como Harold el nuevo doctor.

Y es que Harold, este señor de gafas redondas siempre está en vigor. La intención de la reposición de este clásico del cine mudo era presentar el trabajo en la composición de la Orquesta de Cámara de Los Ángeles dirigida por Carl Davis. 

La película que he visto esta noche High and Dizzy estuvo producida por Rolin Films , la productora de Hal Roach – el director- y distribuida por una de las grandes de siempre, la Pathé. Estamos ante una película del año 1920 y dirigida por Hal Roach. En el equipo técnico se contaba con el cámara Walter Lundin y con el guión de Frank Terry. 

Trabajan en la película Harold Lloyd , Mildred Davis, Wallace Howe, Frank Terry, Charles E. Stevenson, William Gillespie, Gaylord Lloyd, Noah Young, Charles Bilkey, Sammy Brooks, Charles Holmes, Mark Jones, Bertha Kennepohl, MS Lacey, Oscar Larson, Chase Thorne , la señora Haddix, Albert Wilding, Jean Pamm, Harry Blanchard, Harry Gerardin, Casey Jones, Margaret Guthrie, Katharine Guthrie, Jeanie Erwin.

La versión que yo he visto es la de que The Robert Israel Orchestra, introduce la banda sonora, es decir, la modificada en 2003 . La película fue estrenada el 11 de julio 1920 y dura únicamente 26 minutos.

La trama gira en torno a Harold Hall, un joven médico algo desgraciado al que no le entra ningún paciente. Ha tenidotan pocos pacientes en los últimos tiempos que hasta su teléfono presenta telas de araña. Las pocas llamadas que le entran son erróneas. Sin embargo, ese día, mientras juega a las cartas, recibe a un señor ( Wallace Howe) y a su hija Mildred (Mildred Davis) . El médico quiere disimular que tiene una gran clientela y se hace pasar por un anciano, por un gigante cojo o , incluso secuestra a su vecina con tal de transformar la realidad. Cuando descubre que la consulta no es para el señor mayor, sino para su hija el se entrega en cuerpo y alma. Su padre le explica que su hija tiene episodios de sonambulismo, y Harold le promete que le ayudará Harold. El chico, se enamora perdidamente de ella. Como dice el rótulo “¿Tu crees en el amor a primera vista?. Tras una corta revisión y un enfado del padre ambos salen de la consulta l, aunque el ya está locamente enamorado de ella.

Al marcharse, un vecino y amigo, Roy Brooks , que tienen una destilería de licor casero en su despacho, lee enseña la reserva de bebida y le ofrece una muestra a Harold. Pero al ver que se abren las botellas por el gas, deciden bebérselas con lo que agarran un trancazo de mil pares de narices. 

Salen a la calle completamente borrachos y agarraditos del brazo. Se encuentran con un policía al que inicialmente quieren esquivar. Pero el amigo está tan borracho que golpea al policía. Una herradura también cae sobre su rostro. Un montacargas les sirve de juego para aparecer y desaparecer ante el policía. Finalmente, y tras muchas dificultades con abrigo y coche incluidos,  llegan a un hotel. El amigo va a dormir la mona. Curiosamente allí se aloja la chica. 

Harold tras montar el show debido a su estado de embriaguez en el vestíbulo con el timbre de llamada , con el recepcionista y con las cartas, se sube accidentalmente a la habitación de su amigo. Allí dormirá éste el trancazo, mientras el cree sufrir alucinaciones perceptivas con los espejos con un cachorro en un sombrero y con los trabajadores del hotel que harán hasta que su pelo se erice .

En eso que la chica que duerme en una habitación de esa planta debido a su sonambulismo se asoma a la ventana.

La joven sonámbula sale al borde exterior del hotel, un edificio alto, siendo esta la escena culminante del film y que anticipó las escenas del rascacielos más famosos de Lloyd, en su más famosa la película, la del Hombre mosca.

Después, Harold  y Mildred se encuentran en la cornisa edificio, y tras conseguir salvarla, Mildred Davis despierta en la cama de Harold.

Ante la llegada repentina del energúmeno padre Harold propone una solución para salvar el honor de Mildred: casarse Ella acepta y Harold que tiene recursos para todo encuentra rápidamente a un sacerdote en el piso de abajo y un anillo de boda. 

Como suele ocurrir estamos ante un comedia divertida y de rápido ritmo, con un despacho, la calle , un hotel y un tejado que le sirven de telón de fondo para sus gags. 

Por cierto, me he enterado de la existencia de una Enciclopedia de Harold Lloyd, cuya autora podría ser Annette D'Agostino Lloyd y que la publica McFarland & Company, Inc., Jefferson, Carolina del Norte y Londres, 2004. Ahí queda eso.

Un tipo con gafas

Anoche aposté por ver cuatro películas cortas de Harold Lloyd. Hablar de Harold Lloyd es hablar de los viernes por la tarde, hacia las 20´00 cuando ponían en televisión española, en la 1, en la única - mi televisión no tenía segunda cadena- películas de cine mudo. Estamos hablando de un periodo extenso, pero impreciso pues pudo abarcar desde 1977 a 1981.

Las veía junto a mi madre y a mis hermanas pequeñas. Me encantaban, y creo que fue en esos años cuando me hice con el cine mudo cómico, pues además de Lloyd, pusieron películas de Mack Sennet y su alocado cuerpo policial, de Chaplin, de Snud Pollard y, por supuesto, de Buster Keaton. Harold Lloyd era un tipo con gafas redondas y de tez muy blanca. Repeinado y urbano se iba metiendo en líos, casi siempre por una chica- era muy enamoradizo- o por casualidades de la vida.

Hasta aquellas emisiones al único que yo conocía de este género que hoy se le conoce con el nombre de "slaptick" (cine cómico le llamábamos nosotros) era en aquellos años Charlot, hoy Charles Chaplin. Sin embargo, desde aquellos años este cine y estos actores están en algunas de mis preferencias en mis recuerdos. Han sido cuatro películas que he visto Two-Gun Gussie , Never weaken, Hot Water y Get Out and Get Under.

La primera es la más antigua de las cuatro. Two-Gun Gussie (Feux croisés- Fuegos cruzados) es una comedia corta y muda de 8 minutos y del año 1918, dirigida por Alfred J. Goulding e interpretada por Harold Lloyd. Realizada por la Productora Rolin Films bajo la producción de Hal Roach, y distribuida por Pathé. La acreditación del guión es de H. M. Walker. La dirección de la fotografía es de Walter Lundin La historia parte de un joven de modales amables con cierto éxito como pianista.

Un año más tarde se ha ido de casa, y ahora está tocando el piano en un bar en el oeste. El peligroso criminal Dan Dagger-Tooth entra en el bar donde el joven está tocando. Poco después, el sheriff local también llega, con algunas cartas que ha recibido. Dan se da cuenta de las cartas, y cambia la información en ellos para hacer que el sheriff crea que el pianista es el peligroso. Tras diversas peripecias intentando convencer a los demás de que han de respetarlo acaba por enfrentarse a Dan, y de paso con Snub Pollard en el bar.

Snub Pollard tiene un par de buenos momentos, y se ve como si estuviera disfrutando. Bebe Daniels también está en el elenco, pero lamentablemente su papel es bastante limitado. En general, una comedia corta, y sin duda una de las versiones más eficientes de la idea. Participan además de Harold Lloyd como Two-Gun Gussie; Snub Pollard (como Harry Pollard), Bebe Daniels como la Chica. A estos acompañan William Blaisdell como Dagger-Tooth Dan, Charles Stevenson como - Whooping-Cough Charlie, el Sheriff. El resto de actores no está acreditado pero son Sammy Brooks, Billy Fay, William Gillespie – el desagradable dueño del bar, Helen Gilmore, Lew Harvey, Wallace Howe, Bud Jamison, Gus Leonard (el del mantenimiento del bar), Fred C. Newmeyer, James Parrott, y Dorothea Wolbert como una admirada del principio.

Never Weaken fue la segunda. Se trata de una película corta del año 1921, lógicamente, protagonizada por Harold Lloyd y dirigida por Fred Newmeyer actor en la anterior y Sam Taylor. La película dura 29 minutos. El guión como en otras es obra de Hal Roach y Sam Taylor. La música en esta versión restaurada en 2002 es de Robert Israel, mientras que la fotografía en blanco y negro es de Walter Lundin. La productora de esta comedia fue Hal Roach Studios Inc. El montaje fue obra de Thomas J. Crizer. El reparto estuvo encabezado por Harold Lloyd, Mildred Davis, Roy Brooks, Mark Jones (el acróbata) y Charles Stevenson (el policía).

Fue el último cortometraje de Lloyd, corriendo a tres carretes, antes de mudarse permanentemente a la producción de largometrajes. También fue una de las comedias en la que busca la emoción, la marca de Harold, visible cuando cuelga de un edificio alto. Lloyd y su equipo se especializó en esta técnica de filmación.

La historia nos presenta a Harold y a Mildred tonteando de una ventana a otra. Ambos trabajan en unas oficinas de un alto edificio. La empresa en la que trabaja Harold está junto al despacho en el que trabaja su novia Mildred (Mildred Davis).

Ante la posibilidad de la echen del trabajo en la consulta del doctor en la que trabaja, Harold decide buscarle clientes. Para ello contacta con un acróbata de circo para hacer ver a los demás que en la clínica sana a todo el mundo. Tras varias peripecias en la calle con el acróbata, con la policía y algún que otro viandante Harold consigue una importante clientela para la consulta.

Cuando se presenta en ella encuentra a Mildred abrazada a un señor , que está de espaldas. Además para ce escuchar que se va a casar, pues escucha decir al hombre que "Por supuesto que participaré en tu boda". Angustiado, decide suicidarse, vendándose los ojos a sí mismo ya falla en su intento de acabar con un arma cuando se le dispara al tirar de una cuerda atada al gatillo. Pero después de ponerse la venda accidentalmente tira una bombilla y se supone que ha pegado un tiro.

En ese momento, una viga de los columpios de unas obras cercanas a la oficina lo levanta y sacan su silla fuera. Retirada la venda de los ojos, lo primero que ve es una gran escultura en su edificio que se necesita para ser un ángel, y él asume que él está en el cielo.

Sin embargo, una banda de jazz en un jardín en la azotea contigua pronto le desengaña de esa idea, y se da cuenta que está muy por encima de la ciudad. Después de varias aventuras peligrosas de alto en la obra, finalmente llega a la tierra, sólo para darse cuenta de que el hombre estaba hablando con Mildred era su hermano, quien se ha comprometido a oficiar en su boda.

Fue grabada en los Estudios de Hal Roach Studios en Culver City, California. Comentar igualmente que fue la primera aparición del especialista Harvey Parry que sustituía a Harold Lloyd en las escenas más complejas y peligrosas. Sólo después de la muerte de Lloyd (quien siempre afirmó que realizaba sus escenas de riesgo) Parry hizo pública su aparición como doblador / especialista.

La tercera película en cuestión es Hot Water, una película del año 1924. Está dirigida por los tradicionales Sam Taylor y Fred C. Newmeyer, inspirándose en un guión de Tim Whelan, Sam Taylor, John Grey, Thomas J. Gray. La música que le acompaña es de Adrian Johnston pues he visto la versión más antigua y sin restaurar. La fotografía fue de Walter Lundin y el montaje fue de Allen McNeil. Y en reparto estuvieron presentes Harold Lloyd (Hubby) , Jobyna Ralston (Wifey), Josephine Crowell (la madre de la chica), Charles Stevenson (su hermano mayor), Mickey McBann (hermano pequeño). La productora de esta comedia fue la Pathe Pictures presentando una producción Harold Lloyd Company en la que intervinieron igualmente Suzanne Lloy Hayes y Freffrey Vance posteriormente.Se grabó en General Service Studios de Hollywood.

Dirigida por Fred Newmeyer y Sam Taylor, que cuenta con tres episodios en la vida de Hubby (Lloyd) mientras lucha con la vida doméstica con Wifey (Jobyna Ralston) y sus parientes políticos. Es una película episódica en su naturaleza (lo que significa que tres cortometrajes se fusionaron en uno solo).

En el primer episodio, el protagonista Hubby consigue ganar un pavo vivo (Genevieve) en una rifa y decide llevar a su casa en un tranvía lleno de gente, para gran disgusto de los demás pasajeros. En la segunda parte Hubby llevar a regañadientes a la familia en masa en su nuevo automóvil, un Butterfly Seis. El tercer episodio es una aventura de sonambulismo con su suegra y con su famoso pelo erizado por el miedo.

Hot Water fue una comedia ligera con el desarrollo de historias con un carácter mínimo propio de las películas de 1920 Lloyd siguiendo el patrón de alternar lo que él llamó las "fotos mordaza" con "imágenes de carácter". Algunos distribuidores se habían quejado de la duración y desarrollo de su anterior película Shy basándose en la presencia de una Chica. Hot Water la respuesta.
Su historia es también interesante porque Lloyd parte de nuevas premisas en este película de 1920: su personaje estaba casado con una familia, y no debía de luchar por el éxito, el reconocimiento, o el romance. Fue un éxito de taquilla y recaudó casi 2.000.000 de dólares ($), un rendimiento excelente para una película de la época. El coche es un ficticio modelo "Butterfly Six" ya que en realidad es un Chevrolet Superior Sedan de 1923.
La película se reestrenó en el Festival de Cine de Cannes del año 1962 y supuso un renovado interés por el comediante presentándole a una nueva generación. La idea básica de Lloyd son las diferencias que surgen en todas las parejas por la intromisión de sus familias políticas, y , dentro de éstas, ese personaje tan particular, que es la suegra. El mencionado tema es el que sirve de conexión entre las tres partes claramente diferenciadas de la cinta, que bien podrían tratarse individualmente como cortos, cada uno de ellos con una temática recurrente en las comedias de los pioneros del humor.

En la primera tenemos a Harold de compras, lo que le hace acabar con un pavo en brazos, algo que le lleva a varias situaciones extremas. La introducción de animales en sus sketchs es muy habitual en las películas de Harold Lloyd, y éste les saca partido como nadie..


La segunda parte tiene como objeto central la introducción de las nuevas tecnologías que revolucionaron los primeros años del pasado siglo, y cuyo mayor exponente fue el automóvil. Ahí los gags van en sentido de provocar catástrofes, cada una mayor que la anterior. Resulta curioso lo de las normas de tráfico, cuando prácticamente se estaban inventando sobre la marcha (y nunca mejor dicho).. Para finalizar, otro clásico de las comedias silentes: Una historia de fantasmas, llena de sustos, equívocos y sábanas blancas. En esta parte tenemos una de las imágenes más populares de Lloyd, con el pelo de punta, algo que fue imitado por otros cómicos, como Stan Laurel.

Algo que me ha gustado en particular es la introducción de diversos elementos en la trama antes de que adquieran su razón de ser, lo que da la impresión de unidad a toda la película, cuando, como he dicho antes, en realidad son trozos dispersos que se han unido. Por ejemplo, se nos hace saber que la suegra es sonámbula mucho antes de que este dato sea utilizado en un gag. O la aparición del ratón sirve a su vez para confundir a Harold en el momento en que aparece (mediante los gritos de su mujer), y minutos después, cuando es usado para el susto de la mano que anda sola. Pese a lo dicho respecto a que las temáticas están algo vistas, la mayoría de los gags son ingeniosos, y el producto final, es de bastante calidad. Una película muy divertida. 

Por último, Get Out and Get Under, conocida en algunos países como Mi lindo coche o La Belle voiture es una película muda del año 1920 que fue dirigida por Hal Roach y protagonizada en sus papeles principales por Harold Lloyd (El chico), Mildred Davis(la chica “Shunshine”) y Fred McPherson (El rival).

Se trata de una película de la productora Rolin Films (propiedad de Hal Roach) de 25 minutos inspirada en el guión de H. M. Walker, que lleva la música de la restauración de 2004 de Robert Israel (2004). La fotografía fue del colaborador habitual de Walter Lundin, Fue distribuida por la Pathé Exchange El coche en la película, a la que Lloyd se dedicó alternativamente o frustrado, es un Ford Modelo T de 1920.

El título de la película Get Out and Get Under puede ser una referencia a la canción de 1913, que fue utilizado en la película. Un joven se despierta de una pesadilla por el timbre del teléfono - su novia lo llama, porque es tarde para una producción teatral de aficionados y le pide que se presente urgentemente para un casting teatral o perderá el papel a manos de un rival.

La novia del joven protagonista le telefonea para que Harold confía plenamente en llegar con su flamante coche. Pero antes de poder salir, se mete en una pelea con su vecino. Luego, poco después de que él se pone en el camino pero en el momento crucial se estropea. Si no puede ir al teatro con rapidez, podría ser sustituido en el juego por su rival.

En los primerísimos planos de fotografía, se puede apreciar los daños sufrido por Lloyd en su cara tras la explosión de una bomba hélice que se produjo en el Witzel Studio el 14 de agosto de 1919. Su rostro se curó, pero perdió el dedo pulgar y el dedo índice de la mano derecha y se adoptó el uso de un guante de prótesis de goma (que parecía extrañamente rígido) para el resto de su carrera cinematográfica. El título, "Get Out and Get Under", proviene de una popular canción de 1913 cantada por Grant Clarke y Edgar Leslie con música de Maurice Abrahams ", que llevaría el título de "Salir fuera o meterse debajo” (para arreglar su automóvil)". En la versión de 2004 Robert Israel utiliza con frecuencia para la musicalización la melodía de esta canción.

Escribió Guillermo Cabrera Infante en su libro "Cine o Sardina" que Harold Lloyd era un valiente gracias a la tecnología y al azar. Y es cierto. Descubrir a Lloyd fue producto del azar y también de esa tecnología que ha permitido mantener este cine en el tiempo, la televisión. Verlas ha sido un bonito viaje al recuerdo, a mi infancia, y a los inicios de la madurez de este arte.