La miserable vida de Jean Valjean

La cantidad de veces que he escuchado a muchos madrileños hablar de que han ido a ver el Musical de  Los miserables (Les Misérables) . Un musical basado en la novela homónima de Victor Hugo, con música de Claude-Michel Schönberg, letras originales en francés de Alain Boublil y Jean-Marc Natel, y adaptación al inglés de Herbert Kretzmer. El mismo se estrenó en 1980 en septiembre de ese año en el Palais des Sports de París, donde se representó durante tres meses hasta la finalización del contrato de reserva del recinto. 

En 1983, seis meses después del estreno del musical Cats en Broadway, el productor Cameron Mackintosh recibió de parte del director húngaro Peter Farago un ejemplar del disco del musical en francés. Farago quedó impresionado por la obra y le pidió a Mackintosh que produjese una versión en inglés del espectáculo. En un principio reticente, Mackintosh finalmente aceptó y junto con la Royal Shakespeare Company reunió un equipo creativo para adaptar el musical al público británico. Tras dos años de trabajo, la versión en lengua inglesa de Los miserables se estrenó el 8 de octubre de 1985 en el Barbican Centre de Londres, por aquel entonces la sede de la Royal Shakespeare Company. 

El enorme éxito del musical en el West End propició su llegada a Broadway. En el momento de su estreno en Londres, Los miserables recibió críticas negativas. Sin embargo, la respuesta del público fue diferente. Las entradas disponibles para los tres meses inicialmente previstos se vendieron en tiempo récord y las críticas comenzaron a mejorar. 

Desde entonces, Los miserables no ha dejado de representarse en Londres, con más de 13.000 funciones a sus espaldas, y en la actualidad es el segundo espectáculo de mayor permanencia en cartel tanto en el mundo (por detrás de The Fantasticks) como en el West End (por detrás de La ratonera),la obra inspirada en la novela policial escrita por Agatha Christie y el primer musical en el West End (seguido de El fantasma de la ópera). 

En Nueva York debutó el 12 de marzo de 1987 y se representó hasta el 18 de mayo de 2003, realizando 6.680 funciones. Actualmente es el quinto espectáculo de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway (por detrás de El fantasma de la ópera, Chicago, El rey león y Cats)​ y en su momento fue el segundo. El musical recibió doce nominaciones en los premios Tony de 1987, alzándose finalmente con ocho galardones (entre ellos, mejor musical y mejor música original). 

A los montajes originales de Londres y Broadway le siguieron numerosas giras y producciones internacionales. En total ha sido visto por más de 70 millones de personas en todo el mundo .

En eso llegó a Madrid a partir del año 2010 en el Teatro Lope de Vega . Producido por Stage Entertainment y con un presupuesto de 4,5 millones de euros, el montaje contó con dirección de Laurence Connor y James Powell, diseño de escenografía de Matt Kinley inspirado en las pinturas de Victor Hugo, diseño de vestuario de Andreane Neofitou y Christine Rowlands, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, coreografía de Michael Ashcroft y supervisión musical de Stephen Brooker. Christopher Key fue el director asociado, mientras que Víctor Conde se hizo cargo de la dirección residente y Alfonso Casado se puso al frente de la orquesta como director musical. 

Las letras fueron adaptadas al castellano por Albert Mas-Griera.A pesar de la excelente acogida de crítica y público, el musical se despidió del Teatro Lope de Vega de Madrid el 24 de julio de 2011 para dejar paso a El rey león, también de Stage Entertainment. De Madrid pasó a Barcelona. 

Yo que soy provinciano, apuesto por lo que puedo y por lo que me queda que es el cine y verlo en casita. Así que hoy he visto esta producción del años 2012 dirigida por Tom Hooper, que recibió el aplauso de la crítica. Se trata de un musical en el sentido más estricto del término producida en 2012 por por Working Title Films y distribuida por Universal Pictures. 

La película está basada en el musical homónimo de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg, que a su vez se inspira en Los miserables, novela de 1862 escrita por el francés Victor Hugo. La película fue dirigida por el oscarizado Tom Hooper, director londinense nacido en 1972 que se dio a conocer cuando realizó en 2010 El discurso del rey - por la que recibió el premio al mejor director- , aunque con cierto recorrido en las series como EastEnders, Elizabeth I o John Adams o con películas como esta , La chica danesa ( 2014) o la reciente Cats ( 2019). 

En este caso la película sigue el guión escrito por William Nicholson, Alain Boublil,Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzmer y, por supuesto, de Victor Hugo. 

En lo técnico se le suman el trabajo en fotografía de Danny Cohen y sobre todo la partitura de Claude-Michel Schönberg. 

La película cuenta con un reparto coral encabezado por Hugh Jackman como Jean Valjean, Russell Crowe como Javert , Anne Hathaway como Fantine, Sacha Baron Cohen como Monsieur Thénardier, Helena Bonham Carter como Madame Thénardier, Amanda Seyfried como Cosette Adulta siendo de pequeña Isabelle Allen y Eddie Redmayne como Marius Pontmercy. Igualmente aparecen Samantha Barks como Éponine , aunque de pequeña es Natalya Wallace, Aaron Tveit como Enjolras, George Blagden como Grantaire, Daniel Huttlestone el pequeño Gavroche, Colm Wilkinson como el Obispo de Digne.

Cuenta la historia de Jean Valjean, ex convicto que se convierte en el alcalde de una aldea en Francia. Tras ser descubierto por Javert y ayudando a una pobre y joven trabajadora, Fantine, Valjean acepta tomar el cuidado de Cosette, la hija ilegítima de la agonizante Fantine. Pero, como un fugitivo, debe a la vez evitar ser capturado por el inspector de policía Javert. La historia cubre 17 años y se establece en un contexto de inestabilidad política de la Francia del momento, con la película culminando en la Rebelión de junio de 1930. 

La historia comienza en 1815, cuando el convicto Jean Valjean (Hugh Jackman) que trabaja como condenado en unos astilleros franceses es puesto en libertad condicional por el guardia de la prisión, Javert (Russell Crowe) , tras cumplir una condena de diecinueve años por robar una hogaza de pan para poder alimentar a su sobrino y tras eso, por distintos intentos de fuga. 

Valjean, un hombre de una fuerza descomunal, es expulsado de todos los pueblos por esta bajo libertad condicional y ser visto como un indeseable. Un día, no obstante, el obispo de Digne (Colm Wilkinson) se apiada de él y le ofrece comida y refugio, pero esa misma noche Valjean roba su plata durante la noche. Sin embargo, es capturado por las autoridades cuando escapa. 

Pero la sorpresa salta cuando es llevado por los policías ante el obispo y les dice que la plata se la había dado como un regalo, asegurando la liberación de Valjean. 

Después de eso, el obispo le dice a Valjean que debe seguir el camino del bien. Al resultarle dolorosa la amabilidad del obispo, Valjean rompe su libertad condicional y promete iniciar una nueva vida bajo una nueva identidad. 

Ocho años más tarde, en 1823, Valjean se ha convertido en propietario de una fábrica y alcalde de Montreuil-sur-Ver. En esa fábrica trabaja Fantine (Anne Hathaway), una de sus trabajadoras, que es despedida por el capataz por culpa de una de sus compañeras que descubrió que Fantine le enviaba dinero a su hija ilegítima, Cosette (Isabelle Allen), que vive con una familia en una venta , los Thénardiers (Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen) y la hija de estos, Éponine (Natalya Wallace). 

En un intento desesperado por mantener a su hija ante su pobreza, Fantine vende su pelo y los dientes, llegando , ante la imposibilidad de subsistir, a ser una prostituta. Cuando la chica es arrestada por Javert después de atacar a un cliente abusivo, es salvada por Valjean, que la lleva al hospital. 

Más tarde, Valjean se entera de que un hombre está arrestado debido a que lo confunden con él. Él no puede aceptar que un hombre inocente sea condenado en su lugar, así que Valjean se persona en el juicio y revela su identidad a la corte antes de regresar al hospital, donde le promete a Fantine que después que muera, él cuidará de su hija. 

Mientras tanto, Javert , que ya tenía dudas sobre la identidad del alcalde, llega a tener a Valjean en custodia, pero después de un breve enfrentamiento, Valjean salta a un río para escapar. Él intenta cumplir sus promesa y paga a los Thénardiers para que le permitan llevarse a Cosette, y promete ser como un padre para ella. 

Tras esto y ante la insistencia de Javert que , finalmente da con la venta de los Thénadiers, los sigue. Pero Valjean y Cosette huyen a París y Javert, ve como se les escapan por poco. Pero se compromete a llevar preso a Valjean. 

Nueve años más tarde, en 1832, cada vez hay más pobres en París. Jean Maximilien Lamarque, el único funcionario del gobierno que cuenta con la simpatía hacia los pobres, está próximo a morir, por lo que un grupo de estudiantes revolucionarios adolescentes, conocido como los Amigos de la ABC, planifican una rebelión contra la monarquía francesa. 

Los estudiantes que se integran en esta logia conspiratoria son un chico de la alta sociedad que ha roto con su rico abuelo y de nombre Marius Pontmercy (Eddie Redmayne), Enjolras (Aaron Tveit), un niño llamado Gavroche (Daniel Huttlestone), Courfeyrac (Fee Fra) y Joly (Hugh Skinner) aisten a reuniones y están próximos a rebelarse contra las autoridades. 

Un día Marius descubre a Cosette (Amanda Seyfried), ahora una mujer joven siempre acompañada de su padre, e inmediatamente se enamora de ella. 

Mientras tanto, a pesar de las preguntas de Cosette, Valjean se niega a hablar de su pasado o de su madre. En una tienda de vinos, Enjolras organiza la revuelta coordinando para un levantamiento revolucionario a un grupo de estudiantes idealistas cuando la muerte de Lamarque , que está próxima a producirse, se anuncie. 

Mientras, una joven del lumpen, Éponine (Samantha Barks), que ha conocido a Marius, y que resulta hija de los ahora más pobres que ratas Thénadier, lleva al chico hasta Cosette, donde los dos profesan su amor. Lamentando que su amor secreto por Marius nunca será correspondido, Éponine decide unirse a la revolución. 

Cuando una banda del malhechores liderada por los Thénardier intenta capturar a Valjean, al que reconocen del pago que hizo por Cossette, para pedir rescate a Javert, Eponine grita para advertirle a Valjean y Cosette. Ante esto , Valjean decide huir, sin darse cuenta de la atracción que siente Cosette por Marius. 

Al darse a conocer la muerte de Lamarque, Enjolras intenta incitar a los parisinos a la revuelta, y Marius envía una carta de despedida a Cosette. 

Al día siguiente, los estudiantes interrumpen el cortejo fúnebre de Lamarque y comienzan su revuelta. Javert se ha camuflado entre los revolucionarios y se hace pasar por un rebelde con el fin de espiarlos, pero el pequeño Gavroche lo reconoce y , finalmente, es capturado. 

Durante el inmediato tiroteo que sigue las balas están a punto de herir a Marius sin embargo la que es mortalmente herida es Éponine, ahora a costa de su propia vida, pues se ha puesto en medio. Antes de morir, confiesa su amor a Marius y luego muere en sus brazos. 

Mientras todo esto Valjean, intercepta la carta de Marius a Cosette y decide marchar a la barricada para proteger a Marius. Le pide a Enjolras que le permita ser él quien ejecute a Javert. 

Sin embargo, cuando los dos están solos, Valjean libera Javert, diciéndole que huya mientras dispara la pistola hacia una pared para convencer a los estudiantes que lo mató. Las noticias para los revolucionarios no pueden ser peores. Se enteran que es la única barricada que resiste y que los parisinos que no se unieron a la revolución como los estudiantes que se esperaba, están decididos a luchar hasta la muerte. 

El envite de las fuerzas realistas tienen lugar, y la inmensa mayoría de los revolucionarios mueren, pero Marius se salva gracias a Valjean, que arrastra su cuerpo inconsciente por las alcantarillas. 

Curiosamente en las alcantarillas coinciden Valjean portando a Marius con los Thénardier, limpiando los cadáveres. Pensando que Marius es un cadáver le roban el anillo. No obstante también llega Valjean que intimida al miserable ladrón y Valjean y Marius logran escapar de las alcantarillas llevando a un Marius inconsciente, pero a la salida se encuentra con Javert con el que se enfrenta. 

Valjean le pide una hora para llevar a Marius a un médico; Javert se niega y amenaza con matarlo si no se rinde. Valjean no le hace caso y se va con Marius. Incapaz de conciliar el conflicto entre sus deberes cívicos y morales, dos cosas que siempre consideró lo mismo, Javert se suicida saltando al poderoso y caudaloso Sena. 

Más tarde, Marius llora por la muerte de sus amigos, pero Cosette lo consuela. Valjean le revela su pasado a Marius y le dice al joven que debe irse porque su presencia pone en peligro a Cosette. Marius se sorprende, y en un primer intento de persuadirlo para quedarse no funciona, pero de mala gana acepta la decisión de Valjean de irse, y promete que no va a decirle a Cosette la verdad. 

Marius y Cosette se casan, pero los Thénardiers hacen acto de presencia para robar y llegan a la boda y cuando son descubiertos por Marius , testifican que vieron a Valjean llevando un cadáver asesinado por él mismo por las alcantarillas. Thénardier muestra involuntariamente a Marius el anillo que le robó al supuesto cadáver como "prueba" Y Marius reconociendo el anillo, se da cuenta de que era Valjean quien le salvó la vida. 

Ellos saben la ubicación de Valjean por Thénardier. Se trata del obispado de Digne. Allí van Marius y Cosette y encuentran a un Valjean abatido, que siente que se va a morir en un convento local, y que percibe el espíritu de Fantine para llevarlo al Cielo. 

Cosette y Marius se apresuran a decirle adiós. Valjean hace su confesión a Cosette de su vida pasada y Valjean fallece, uniéndose en el paraíso con el Obispo, Fantine, Enjolras, Eponine, Gavroche, Courfeyrac, Joly y los otros rebeldes asesinados en la barricada mientras cantan como han hecho a lo largo de toda la película. 

El desarrollo basado en el musical comenzó a finales de los años 1980. En 1988 Alan Parker fue considerado como director de una posible película musical basada en la obra teatral de Los Miserables. Sin embargo, en 1991 se confirmó que Bruce Beresford sería definitivamente el director de la cinta. 

En 1992, Cameron Mackintosh confirmó que la película sería co-producida por Tri-Star Pictures. Sin embargo, el proyecto fue abandonado dejándolo apenas en preparación. 

A principios de 2005, Mackintosh confirmó que estaba interesado en adaptar el musical en una película. Mackintosh dijo que quería que la película fuera dirigida por "alguien que tuviera una visión del show como fue en realidad, reuniendo al equipo original (incluyendo a Mackintosh) de vuelta al trabajo." También dijo que quería que las audiencias de la película fueran tan frescas como las del musical mismo. El lanzamiento en DVD Y Blu-ray de Les Misérables: 25th Anniversary Concert confirmó el anuncio de la película del musical. 

Tras la salida conmemorativa del 25º aniversario en octubre de 2010, el productor Cameron Mackintosh anunció que la película estaba en proceso. Para la director se pensó en Tom Hooper y en el guión en William Nicholson fueron contactados en marzo de 2011 siendo el productor Cameron Mackintosh. 

Los personajes principales fueron elegidos a lo largo de 2011. En junio del mismo año, Hugh Jackman comenzó las negociaciones para interpretar a Jean Valjean, y Paul Bettany como Javert. Otras estrellas que se unieron al proyecto fueron Anne Hathaway y Helena Bonham Carter. El primero en ser confirmado fue en septiembre de 2011, Jackman para hacer el papel de Valjean y Russell Crowe para el de Javert. 

Al mes siguiente, octubre de 2011, Cameron Mackintosh confirmó que Anne Hathaway encarnaría a Fantine. Días después, ya en noviembre de 2011, Eddie Redmayne se unió al reparto como Marius Pontmercy. 

A final de ese mes se informó de que la lista de actrices para el papel de Eponine incluía a Lea Michele, Taylor Swift, Scarlett Johansson y Evan Rachel Wood​ y el 2 de enero de 2012 se informó de que la que consiguió el papel fue Taylor Swift, superando a las otras actrices,​ para luego revelar que el papel en realidad sería para la actriz de Broadway Samantha Barks, que ya había interpretado a ese personaje en el teatro. 

En diciembre Sacha Baron Cohen se unió al reparto como Thénardier, el mismo día Aaron Tveit fue elegido como Enjolras, líder de los amigos del ABC. Un casting abierto para el papel de Cosette se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York el 10 de diciembre de 2011. 

Para primeros de enero de 2012 se informó de que Amanda Seyfried se unía al reparto como Cosette, la hija pobre de Fantine (Anne Hathaway). A final de ese mes de enero la revista Variety confirmó que George Blagden había sido elegido para el papel de Grantaire, el Cínico de la amigos del ABC, dando por terminada la elección del elenco. 

No obstante, en la página web Broadwayworld.com se confirmó que Cosette niña le dará vida Isabelle Allen Cast, mientras que en Screenterrier.blogspot.mx se confirmó la aparición de Daniel Huttlestone como el travieso pequeño y descarado Gavroche. 

El rodaje comenzó en marzo de 2012, y tuvo lugar en varias locaciones, incluyendo Greenwich, Londres, Chatham, Winchester y Portsmouth en Hampshire, Inglaterra, al igual que en Gourdon, en Francia. 

La película se estrenó en Londres el 5 de diciembre de 2012, y fue lanzada el 25 de diciembre del mismo año en Estados Unidos, el 26 de diciembre en Australia, y el 11 de enero de 2013 en Reino Unido. Les Misérables recaudó e $567.420.160 mundialmente y recibió críticas generalmente favorables especialmente alabando al reparto, y sobre todo la actuación de Hugh Jackman y Anne Hathaway. 

De entre las mismas destaca la de Peter Travers en Rolling Stone que dijo que "Además de ser una fiesta para los ojos y los oídos, 'Les Misérables' rezuma humor, desamor, una emocionante acción y un encantador romance. (...) es perfectamente maravillosa. " Una puntualización lo del ¿humor? Alguien debería explicarlo. 

Según Todd McCarthy en The Hollywood Reporter señala que "Tal y como demuestra el longevo éxito de la obra, habrá mucha gente emocionalmente susceptible que está preparada para tragarse esta cosa, pero ello no significa que sea buena." 

Para Justin Chang en las páginas de Variety estamos "Como fiel adaptación de un musical tan querido, 'Les Miserables' dejará muy satisfecha a su legión de fans. (...) La miseria y la agitación de la Francia de principios del siglo XIX se transmiten con una viveza de la que Victor Hugo estaría orgulloso." 

Richard Corliss en Time nos dice que "Las almas sensibles en busca de emociones dolorosas tienen garantizados sus momentos Kleenex (...). Pero aparte de la escena de apertura, no saldréis contentos desde el punto de vista cinematográfico. Esta es una mala película" 

Y en el Chicago Tribune Michael Phillips escribe que "La cámara se zarandea y menea como borracha (...). Así tenemos un martilleo de primeros planos (...) Yo sólo quería que alguien clavara la maldita cámara al suelo. " 

Ya en España Mariló García en Cinemanía destaca a un "Soberbio Hugh Jackman (...) es una gran película que podía haber sido excepcional, como el Musical. (...)" 

En Fotogramas M. Torreiro nos dice que "Hooper tampoco demuestra que sepa qué hacer con una cámara para rodar un musical. Sus criminales primeros planos (...) y una lamentable puesta en escena de grand guignol convierten al film en punto menos que deplorable" . Igualmente en esta revista Fausto Fernández comenta que "Hooper (...) plantea un melodrama cantado, no un musical. (...) Es lo más semejante a una película muda enganchada a los primeros planos de sus sufrientes protagonistas, extrayéndoles las emociones como un vampiro. (...) " 

Jordi Costa en El País dice de la película que es una "Sobrecarga emocional, barroquismo en las formas y un avasallador sentido del star-system. Es difícil que el público ganado de antemano se sienta decepcionado (...) No obstante, la caligrafía visual del director plantea más de un problema (eso sí, estimulante)" 

En la Razón Sergi Sánchez comenta que "Realza el limitado registro vocal de algunos actores (en especial, Russell Crowe) y las carencias del director (...) Hooper convence más en los momentos íntimos, en los que la proximidad del gesto se carga de sentido, en especial por Anne Hathaway" 

Según Oti Rodríguez Marchante en ABC dice que presenta "Una puesta en escena gloriosa, cuya perplejidad ya se plasma desde su secuencia inicial (...) y unas interpretaciones magníficas (...) Tan difícil como hacer esta gran película resulta, pues, criticarla. (...) " 

Luis Martínez en El Mundo que se trata de "Una película tan ampulosa, hueca y, finalmente, descabellada que, en efecto, asusta. (...) 'Los miserables', ese novelón decimonónico (...) se transforma de repente en lo más parecido a la cabalgata del orgullo gay que ha dado el simple desenfreno. (...) muy mala" 

Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia comenta que "Hooper y un espléndido grupo de intérpretes obran el prodigio de que 'Los miserables' pase como un soplo ante los ojos de un espectador que se emociona casi constantemente, haciendo suyos personajes y situaciones. (...) " 

En Argentina Fernando López en La Nación nos dice que "El film extraña (necesita) esa vida palpitante, esa pasión que Hathaway (justamente distinguida en los Globo de Oro) le entrega para convertirlo en una película genuina." 

Pablo O. Scholz en Clarín afirma que "Todo el elenco es un lujo en un filme con sus rubros artísticos -diseño de producción, iluminación, vestuario, maquillaje- en un altísimo nivel, que deja las emociones a flor de piel." 

En Página 12 Diego Brodersen asevera que "Tom Hooper (...) tomó una decisión osada, temeraria casi, que pudo haber dado como resultado una extravagancia genial o bien, como es el caso, un híbrido bombástico y, por momentos, un poco ridículo." 

En México Lucero Solórzano en Excélsior comenta que "'Los miserables' es una espectacular aventura cinematográfica que al público que gusta de los musicales le va a encantar." Y Mary Carmen Albarrán en Cine Premiere considera que "'Los miserables' utiliza planos cerrados, movimientos de cámara envolventes y un diseño de producción detallado a escala masiva para desmarcarse de su contraparte teatral. (...) " 

En cuanto a los Premios recibidos destacan los 3 Oscar en concreto a la mejor actriz de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería (Lisa Westcott y Julie Dartnell ) y Mejor sonido (Andy Nelson, Mark Paterson y Simon Hayes ) de sus 8 nomimaciones que incluían a la Mejor película (Tim Bevan, Eric Fellner , Debra Hayward y Cameron Mackintosh), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor canción original Suddenly escrita por Claude-Michel Schönberg, Herbert Kretzmer y Alain Boublil , el Mejor diseño de vestuario para Paco Delgado , así como el Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) que fueron nominados. 

En los Globos de Oro ganó otros tres premios Mejor película musical, actor (Jackman), actriz secundaria (Hathaway) , aunque fue nominada a la Mejor canción original por Suddenly. 

Obtuvo cuatro Premios BAFTA, de un total de nueve nominaciones incluyendo el de Mejor actriz secundaria o de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería y el de Mejor sonido para Simon Hayes, Andy Nelson, Mark Paterson, Jonathan Allen, Lee Walpole y John Warhurst. Fue nominada a la Mejor película , a la Mejor película británica , Mejor actor principal (Hugh Jackman), Mejor fotografía (Danny Cohen), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) , Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson ). 

El Círculo de Críticos de Nueva York nominó como Mejor actriz secundaria a Hathaway y el Festival de Cine de Hollywood premió al Mejor trailer ( Erin Wyatt) , productor del año (Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward y Cameron Mackintosh) y Premio del reflector a la actriz Samantha Barks como promesa. 

En los Critics Choice Awards, también conocidos como Broadcast Film Critics Association Awards consiguió el Premio a la Mejor actriz secundaria (Hathaway) de un total de 11 nominaciones entre las que se incluyen Mejor película , Mejor director (Tom Hooper), Mejor reparto , Mejor actor ( Hugh Jackman), Mejor canción (Suddenly), Mejor cinematografía (Danny Cohen), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor edición (Chris Dickens), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) y Mejor maquillaje (Lisa Westcott). 

En los Satellite Awards consiguió tres premios, incluyendo el de actriz de reparto (Hathaway) aunque Samantha Barks quedo igualmente nominada, mejor elenco , Mejor canción original (Suddenly) y mejor sonido (John Warhurst, Lee Walpole y Simon Hayes ) , pero nominaciones a Mejor película, Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actor de reparto (Eddie Redmayne), Mejor dirección de arte y diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado), Mejor edición (Chris Dickens). 

La National Board of Review (NBR) que lo incluyó entre los 10 mejores films y Mejor reparto y por la American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año.

La Asociación de Críticos de Los Angeles fue nominada a Mejor actriz sec. (Hathaway) y la Asociación de Críticos de Chicago dio tres nominaciones incluyendo mejor actriz secundaria (Hathaway), Mejor dirección de arte y Actriz más prometedora ( Samantha Barks). 

En los Houston Film Critics Society nominó y premió en varios apartados como Mejor película, Mejor director (Tom Hooper), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor fotografía ( Danny Cohen) ganando el de Mejor actriz de reparto (Anne Hathaway) y Mejor canción original (Suddenly). 

La Washington D.C. Area Film Critics Association concedió el premio al mejor elenco, a Anne Hathaway, mientras que las nominaciones fueron a Mejor película , Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actriz de reparto (Samantha Barks), Mejor director (Tom Hooper), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) y Mejor fotografía (Danny Cohen.

En los London Film Critics Circle a la mejor Película británica del año , Actor del año (Hugh Jackman) , Actriz británica joven del año (Samantha Barks) y ganado la de Actriz de reparto del año ( Anne Hathaway).

En lo referente a los grandes sindicatos , el de Directores (DGA) nominó a Tom Hooper a Mejor director; el de Productores (PGA) a la Mejor película y el de Actores (SAG) consiguiendo a Mejor actriz secundaria (Hathaway) con un total de 4 nominaciones. 

En cuanto a la película he visto muchas luces y alguna sombra. Entre las luces el gran inicio, espectacular con los dos protagonistas masculinos Jean Valjean y Javert en el astillero, lo dicho espectacular. Entre los peros no está la música, pero sí por mi parte el desconocimiento de la misma puesto que no he visto previamente el musical. Reconocer que la adaptación de los actores a la simulación vocal es brillante destacando en el papel Hugh Jackman alejada de aquel papel de pirata cantarín de pésimo recuerdo en El país de nunca jamás. 

Por otro lado reconocer el carácter folletinesco de la historia de alto contenido melodramático - no entiendo eso del humor del que hablaba uno de los críticos- , todo ello enmarcado , eso sí, en unos espacios muy logrados por lo que se mueve un impresionante elenco en el que , efectivamente, destaca Anne Hathaway. También valorar y mucho los vestuarios , el maquillaje la fotografía que hace que el espectáculo sea vistoso.

Colossal

No hace mucho quise ver Pacific Rim con sus monstruos marinos y sus salvadores metálicos. No entendí nada. Eso sí, ante de comenzar aparece una introducción de los que son los Kaiju, monstruos colosales que han surgido a partir de un portal interdimensional. Los mismos están presentes , además de en películas como esta de Guillermo del Toro y en la la tradición de cómic japoneses. Cuando comencé a verla estaba tan cansado que no le di opciones. Me imagino que fue por el llamado en mi "efecto Transformers" que consiste en llegar a la conclusión en los diez primeros minutos de una película a un lacónico "No me entero de nada" y , finalmente, dar por concluido el espectáculo. Así que Pacific Rim , tras dos intentos, no llegué a completarla.

Hoy casi me ha ocurrido lo mismo con Colossal, una película de la que había leído algo, pero que , a pesar de tener por momentos la sensación de verme imbuido por el "efecto Transformers" me he resistido a ello y , finalmente, la he visto.

Se trata de una extraña, rara y original película que combina la ciencia ficción , los "kaijus" y el drama coproducida por Canadá y España. Fue dirigida y escrita por Nacho Vigalondo y lo más llamativa, protagonizada por Anne Hathaway, que después de su trabajo en Interstellar de Nolan la tengo en alta consideración. Nacho Vigalondo , un joven director cántabro, que apenas ha cruzado la barrera de los 40 años, formado en la Universidad del País Vasco, pero que no llegó a terminar sus estudios de Comunicación Audiovisual y que antes de director fue guionista de cortos como Pornografía o Tomar algo por ahí y eso, incluso del programa de humor de la ETB, "Vaya Semanita" y el programa de "terror" de Tele5 Gran Hermano , y que compaginaba con pequeños papeles en anuncios y diversos programas televisivos.

Salto a la fama cuando en el año 2004 su corto titulado 7:35 de la mañana y del que era no sólo director , protagonista junto a unos amigos/as , guionista y compositor de la música fue nominado a los Óscar del año 2004 en la categoría de mejor cortometraje.

En 2008 estrenó su primer largometraje, Los Cronocrímenes que fue presentado en el Festival de Sitges de 2007. Tras pasar por la televisión con más o mucho menos éxito en julio de 2010 comenzó a rodar Extraterrestre, estrenada en 2012 y al año siguiente comenzó el rodaje de su tercer largometraje, Open Windows, su debut rodando en inglés y tenía como protagonistas a Elijah Wood y Sasha Grey.

Eso de rodar en inglés y con ​estrellas le tuvo que gustar pues en 2016 rodó su cuarto largometraje, este Colossal con Anne Hathaway como protagonista principal. Eso sí, ese estreno estuvo precedido de una amarga situación al ser acusado de plagio ya que en 2015 tras anunciar su proyecto de película que él definió como "la película más barata de Godzilla de la historia” y haber dicho de ella en Cannes que era un cruce entre Cómo ser John Malkovich y la propia Godzilla, fue denunciado por la productora japonesa Toho, dueña de los derechos del famoso monstruo, ante la Corte de California por producir, publicitar y vender “de manera descarada” una versión no autorizada de Godzilla. Sin embargo, la película se hizo.

Se trató de una producción de Nicolas Chartier, Zev Foreman, Dominic Rustam, Nahikari Ipiña y Russell Levine que dan la cara por parte de las productoras Voltage Pictures, Route One Entertainment, Union Investment Partners, Brightlight Pictures y Sayaka Producciones, que conjuntamente con la distribuidora NEON invirtieron unos 15 millones de dólares de presupuesto.

La película partía de un guión del mismo y contaba con la música de Bear McCreary, la fotografía de Eric Kress y el montaje de Ben Baudhuin así como Luke Doolan.

La protagonista absoluta es Anne Hathaway como Gloria cuyo papel de niña será asumido por Hannah Cheramy , Dan Stevens como Tim, ex novio de Gloria, Jason Sudeikis como Oscar, Nathan Ellison como el joven Oscar, Austin Stowell como Joel, uno de los dos amigos de Garth y Oscar por quien Gloria se siente atraída, Tim Blake Nelson como Garth, otro de los dos amigos de Joel y Oscar y Rukiya Bernard como Marie.

La película comienza en Seúl dos décadas antes del presente. Una chica y su madre corren por la capital coreana en busca de una muñeca que la niña se ha dejado en un parque. Justo mientras la recoge mira al horizonte y descubre un enorme monstruo que arrasa algunos puntos de la ciudad. Pero el hecho queda allí.

Tras eso la historia pasa al presente y conocemos a Gloria (Anne Hathaway ) una chica joven , natural de un pequeño pueblo, que vive en Nueva York en casa de su novio, un empresario, y que ha ido a la "Gran Manzana" para buscar un trabajo que no encuentra.

Gloria tiene un problema en la actualidad con el alcohol. Ha salido toda la noche y se ha quedado en casa de una amiga , dice ella. Su comportamiento errático incita a su novio Tim  ( Dan Stevens ) a romper con ella y echarla de su apartamento neoyorkino.

Las circunstancias le obligan a regresar a su ciudad natal en Nueva Inglaterra (la ficticia Mainhead). Ella se aloja en la abandonada casa de sus padres , que no está ni amueblada, y a la mañana siguiente Gloria se encuentra con un amigo de la infancia Oscar ( Jason Sudeikis  ), quien ahora lleva el bar de su difunto padre. Óscar se muestra  cálido y acogedor con Gloria; sabedor de que la casa está sin amueblar le ofrece algunos muebles así como un trabajo en el bar para ayudarla, lo cual Gloria acepta.

Al día siguiente Oscar le trae un viejo televisor para su casa sin muebles y ella se dispone a trabajar en el bar , aunque le pide cambios en el mismo como el espacio country.

Esa primera noche tras trabajar en el bar se agravan sus problemas con el alcohol de Gloria, pues bebe hasta la mañana con Oscar y los amigos de éste  Joel (Austin Stowell) un chico joven por quien Gloria se siente atraída y Garth (Tim Blake Nelson) otro de los dos amigos  Oscar  algo mayor.

Tras beber, decide marchar a casa con su bolsa enorme, una cama hinchable, aunque cansada y bebida se quedo dormida en un banco cerca de un parque infantil. Al levantarse tiene una extraña sensación sobre todo tras cruzar por el área de juegos y llegar a casa, poner la televisión que informa que tras veinte años ha vuelto aparecer un monstruo gigante o "Kaiju" el cual está destruyendo la ciudad de Seúl, dejando tras de sí la muerte y la destrucción.

Al día siguiente, Gloria que no recordaba la aparición extraordinaria del monstruo en Corea dos décadas atrás, ve en youtube imágenes de aquellas acción. Poco a poco, Gloria se da cuenta de que cuando camina por el patio de recreo exactamente a las 8:05 a.m., provoca que el monstruo se manifieste y es capaz de controlar a distancia los movimientos del monstruo, que reflejan los suyos.

Gloria, guarda con horror su secreto, hasta que un día bebida revela su secreto a Oscar y sus amigos. Ellos no se lo creen y van al jardín infantil. Sin embargo, cuando van al mismo , Oscar se mete en el área de recreo, y hace que aparezca un robot gigante parecido a Mazinger Z en Seúl.

Las noticias que aparecen en televisión confirman lo ocurrido. Ante las noticias terribles sobre la devastación de la ciudad hacen pensar a Gloria en hacer las paces con la población coreana haciendo que el monstruo deletree una disculpa en coreano, para deleite de los surcoreanos y los medios de comunicación.

Desde ese momento Gloria comienza a evitar tanto el patio de recreo como el alcohol. Eso sí, después de pasar la noche con Joel, Gloria descubre que un Oscar borracho - y profundamente celoso-  está usando el robot para machacar a la capital  de Corea del Sur.

Después de un tenso enfrentamiento con empujones incluidos, Gloria logra que se marche. No hay duda de que Oscar está celoso, creyendo que algo pasó entre Gloria y Joel.

Más tarde, esa noche en el bar, vuelven a beber y el propietario insulta borracho a sus amigos y exige a Gloria que beba y luego le ordena que lo haga amenazando con regresar al patio de recreo si no lo hace.

A la mañana siguiente, un Oscar sobrio confiesa que está arrepentido y con remordimiento  le suplica a Gloria que lo perdone. Gloria acepta su disculpa, pero la actitud de control por parte de Oscar se vuelve evidente.

Entre tanto, Tim aparece en la ciudad y busca un pretexto para ver a Gloria. Gloria tiene sus dudas, pero decide llevar a Tim al lugar en el que trabaja. Denota Tim un alto nivel de celos.

Nada más personarse Oscar provoca una confrontación que termina con el propietario encendiendo un enorme fuego artificial dentro del bar. Previamente nos hace ver que Oscar tiene un control absoluto sobre  Gloria que permanecerá bajo su control y hace todo lo que le pide.

Más tarde Oscar aparece en la casa de Gloria, diciéndole que él está allí para evitar que vuelva a Nueva York con Tim.

En ese momento se completa un flashback, que en breves retazos hemos visto en algún momento, y se  revela cómo Gloria y Oscar se convierten en los avatares que en la actualidad aparece en Corea del Sur: un rayo anormal y extraño los golpeó a ambos en su infancia , en el mismo momento en que apareció el kaiju en Corea del Sur con como lo que portaban un robot de juguete por parte de Oscar y un monstruo reptiliano de juguete mientras pasaban por el patio cuando eran niños.

Gloria también se da cuenta de que Oscar siempre ha sido violento y manipulador porque se odia a sí mismo, y decide abandonar la ciudad con Tim. En la casa tiene lugar un enfrentamiento entre ambos.

Oscar, como respuesta, se dirige al patio de recreo. Cuando Gloria la sigue, Oscar la ataca, dejándola en el suelo mientras él aterroriza y destroza a Seúl.

Al regresar a su casa, Gloria tiene un plan para detener a Oscar. Ella vuela a Corea del Sur, al llegar llama a su exnovio disculpándose con Tim por no ir con él.

Una vez más a las 8:05 am, hora de EE. UU., Oscar hace que el robot gigante se manifieste en Seúl. Mientras se dirige hacia el avatar de Oscar, Gloria hace que su monstruo aparezca nuevamente, esta vez en el patio de recreo en casa.

Agarrando a Oscar en su mano, el monstruo de Gloria arroja a Oscar a la distancia, causando que el robot gigante sea lanzado al cielo, desapareciendo de Seúl.

Cumplida su misión, Gloria se retira a un bar vacío en Seúl. Sentándose en su asiento, Gloria le promete a la joven camarera una historia increíble. Ofrecida una bebida, Gloria simplemente deja escapar un largo suspiro.

La película se rodó en el otoño de 2015 , en seis semanas, terminando en noviembre, y principalmente, en Canadá y algunas escenas en Seúl, Corea del Sur. En cuanto a Canadá se rodó principalmente en Vancouver , así como en otros lugares de la British Columbia, como el Parque o Portage Park, sito en Langley, Glover Road en Fort Langley, Gastown y Harbour Green Park en Vancouver, así como el The Caddyshack en Maple Ridge, como el exterior del Bar de Oscar.

El conflicto entre la compañía japonesa Toho y Voltage Pictures se solucionó en octubre de 2015. Fue Filmada en seis semanas con un presupuesto de $ 15 millones en Vancouver , la película recibió críticas en su mayoría positivas, pero solo recaudó $ 4.5 millones en taquilla.

El film fue estrenado mundialmente en el Toronto International Film Festival en septiembre de 2016. Poco después, una compañía sin nombre adquirió los derechos de distribución de la película, que más tarde resultó ser la nueva compañía de distribución sin nombre de Tom Quinn y Tim League, NEON.

La película fue proyectada en el Festival de Cine de Sundance el 20 de enero de 2017. Tras eso fue estrenada en los cines estadounidenses el 7 de abril de 2017  aunque con la demora debido a la demanda por parte de Toho con el argumento de haber usado material de Godzilla (2014).

Hathaway fue la primera actriz que se apuntó para el proyecto no tenía respaldo financiero. Hathaway aceptó el guión y declaró que necesitaba encontrarse a sí misma "en un poco de tierra artística de nadie" como inspiración. Así que el director Jonathan Demme le mostró una copia de A Field en Inglaterra , después de lo cual Hathaway decidió que representaba exactamente el tipo de película que quería hacer. Después de pedirle a su representante que buscara un guión similar al que podría unirse, le enviaron el guión Colosal . Hathaway se sintió atraída por la naturaleza del guión del género, que luego lo comparó con Being John Malkovich , una de sus películas favoritas.

Se utilizó material de archivo para la creación del monstruo; más bien, las imágenes de Hathaway representando sus partes fueron entregadas al equipo de efectos especiales quien usó esto como puntos de referencia. Los artistas de efectos especiales fueron responsables de la apariencia del monstruo en sí. Vigalondo declaró que esto se debió en parte a su falta de habilidad artística y en parte a él "[queriendo] que se sintieran como personajes que se sentían parte del género con el que jugamos".

La crítica valoró positivamente la película. En la web del difunto crítico Roger Ebert, RogerEbert.com, Matt Zoller Seitz dijo sobre Colossal que "Solo diré que el elenco es extraordinariamente bueno, que la película siempre sabe qué es y qué quiere decir".

En  IGN , por su parte, comentó que "No siempre es exitoso, pero cuando la película funciona, es una maravilla, otro género completamente original y único mezclado por la loca mente de Nacho Vigalondo".

Peter Travers de Rolling Stone dijo de ella que "Colossal es para no perdérsela", y añade que es "[Una] gema genuinamente rara (...) Anne Hathaway hace una interpretación divertida, audaz, totalmente comprometida, que merece ser vista (…) .

Jake Coyle, que escribe para The Associated Press, dijo de ella que "'Colossal' se vuelve aburrido incluso cuando sus intervinientes, particularmente una excelente Hathaway, trabajan para encontrar algo de profundidad en la historia".

Mark Jenkins, de NPR, dijo: "Cuanto más larga es la película, más se desvanece su novedad. El tono se desvanece y los agujeros de la trama que aparecían pequeños en el punto medio comienzan a parecer abismos".

Rex Reed del New York Observer señaló que la película era "casi tan imposible de ver como incomprensible". En otro diario neoyorkino , The New York Times A. O. Scott escribe que "'Colossal' ofrece bastante diversión — y también terror genuino, no siempre relacionado con los monstruos — partiendo de su despreocupada y extraña idea."

John DeFore en The Hollywood Reporter comentó que era "Una historia de ciencia ficción disfrutable, pero poco desarrollada (...) No aprovecha las posibilidades físicas o temáticas de su concepto"

En Variety Dennis Harvey afirma que "No aprovecha una premisa entretenida, que parece hecha para un tratamiento satírico y es ejecutada con una semiseriedad extraña que los personajes no son capaces de contrarrestar por su falta de profundidad o interés" Y en Slant Steve Macfarlane comenta que "Los espectadores que se topen con 'Colossal' sin saber a dónde les lleva Vigalondo quedarán sorprendidos (...) La película probablemente espera más paciencia del espectador de la que verdaderamente puede recompensar."

Eric Kohn en IndieWire afirma que se trata de una "Una hilarante pequeña película de monstruos, 'Colossal' convierte su absurda premisa en un inteligente y a menudo desternillante reflejo de cómo los jóvenes adultos están atrapados en sus inseguridades."

En el Reino Unido Benjamin Lee en The Guardian nos dice que se trata de "Un fracaso fascinante (...) Si vas a hacer una película sobre una mujer con una conexión psíquica con un monstruo gigante que destruye ciudades, definitivamente debería ser más extraña que esto (...) " Y Joshua Rothkopf en Time Out afirma que "Anne Hathaway impresiona en esta brillante e irónica comedia que deshace géneros del español Nacho Vigalondo y que es mitad estudio de personaje mitad película de monstruos (…)

Ya en España Jordi Costa en El País señala que el "Cuarto largometraje de Nacho Vigalondo y, probablemente, su obra más contundente, inapelable y madura hasta la fecha."

En El Mundo tanto Luis Martínez como Carlos Reviriego afirman respectivamente que se trata de "Una película tan anómala, desigual, enfebrecida y hasta vigalondiana que no queda otra que rendirse." ; mientras que el segundo afirma que "'Colossal' abraza la demencia y el riesgo como pocos cineastas se atreven a hacerlo. (...) La primera parte (...) depara una de las horas más genuinamente sorprendentes y encantadoras que ha dado el cine español en el siglo XXI"

En ABC Oti Rodríguez Marchante escribe que "Imposible es ver aquí algún síntoma de verosimilitud (...) Qué gran manera de contarnos una historia romántica, de frustraciones infantiles, de desengaños (...)"

Quim Casas en la versión catalana de El Periódico comenta que "Un estimable ejercicio simbiótico (...) Vigalondo (...) intenta dinamitar determinadas fronteras, tanto genéricas como estilísticas, con resultado a ratos desconcertante, en otros hipnótico (…) " . En este mismo diario , Olga Pereda, se pregunta "¿Qué es 'Colossal', además de un filme de factura impecable? Muchas cosas. Una comedia romántica, una ida de cabeza, un alegato contra el maltrato y la demostración de que todos tenemos traumas de nuestra infancia."

En Cinemanía Andrea G. Bermejo escribe que "Pocas ideas se ven en el cine español tan buenas como las de Nacho Vigalondo. (...) hace poesía con sus monstruos interiores (…)

Daniel Martínez Mantilla en Fotogramas señala que "Una hilarante y descompensada combinación de comedia existencialista y cine de monstruos. (...) es errática y loca, pero hay que reconocer el mérito de abordar de una forma tan original - y extrañamente exitosa - temas complejos" . Igualmente en esa revista especializada en cine Desirée de Fez comenta que "Tiene una premisa brillante (...) Sin embargo, la ejecución de esa premisa no es igual de perfecta (...) El agotamiento prematuro de la historia no invalida otros aciertos (…).

Sobre la película reconozco que me dejado descolocado. Reconozco que tiene muchos temas de fondo, desde lo que implica el descontrol que conlleva el abuso del alcohol, hasta la idea del resentimiento y el acoso que supera el espacio temporal de lo escolar y que puede llagar hasta las relaciones de pareja. Me ha gustado que el mismo se haya expresado a través de los monstruos que viven en cada uno de nosotros y como se materializan en forma de violencia. Se suma a ello el tema de las historias no concluidas que acaban siendo frustraciones que limitan cualquier relación y que terminan en crisis existenciales y desorientaciones diversas.

Destacar el buen trabajo de los pocos actores que participan y, especialmente, de Anne Hathaway, así como la transformación de Jason Sudeikis.

Me alegro de haber dado una opción a esta historia que conjuga realidad, fantasía absoluta y ficción narrativa con un bonito final , asumiendo siempre que los monstruos se miran al espejo y en ocasiones, descubrimos con horror que somos nosotros. Desde luego la película te sorprenderá. Merece la pena ver.

Alice in worderland

Fue en el verano de 1992, cuando en Praga - para aquel entonces capital de un estado que ya no existe- fuimos un grupo de amigos a ver una obra de lo que allí se llama teatro negro. El Teatro Negro de Praga es un teatro totalmente diferente que se basa en la incapacidad del ojo humano de distinguir negro sobre negro y que gusta del juego de luces, sombras, la mímica y las acrobacias. En una obra de Teatro Negro los actores están completamente vestidos con ropa negra y actúan sobre un fondo negro. Esto hace que el espectador sólo vea lo que los actores desean mostrar.

La obra en cuestión era Aspects of Alice que narra el paso de la niñez a la adolescencia de Alicia tras dejar el País de las Maravillas. Se representaba en Ta Fantastika. En esta obra se adivinaban exclusivamente los objetos iluminados, los artículos fosforescentes o personajes flotando. Aunque los orígenes datan de la época imperial China, los checos revolucionaron la técnica convirtiendo el Teatro Negro en el espectáculo más popular de Praga. Se trata de un obra en la que prevalece la comunicación visual, por encima de la inexistente verbal. Eso sí la música de fondo juega un gran protagonismo.

A su vez esta obra la ligaba a un espectáculo que hubo en el Gran Teatro de mi ciudad interpretado por el actor británico, mimo y bailarín Lindsay Kemp allá por el inicio de los noventa. En la que lo único que se escuchaba en toda la obra era un inicial Alice.

Y es que Alicia en el País de las Maravillas o Alice in Wonderland ha sido una obra destacada en el panorama teatral a lo largo de la historia. Pero no es menos cierto que esta Alice ha sido llevada indudablemente al cine en muchísimas ocasiones - más de una decena de veces-, aunque la primera que prevalece en mi memoria, lógicamente, es la producción de Walt Disney dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske. Se trataba del decimocuarto largometraje de esta factoría de animación y fue estrenado el 28 de julio de 1951 y que todavía es, pese a quien pese, inmortal. Sin embargo, de la película de la que os voy a hablar es la versión de Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (Alice's Adventures in Wonderland) del matemático, lógico y escritor británico Charles Lutwidge Dodgson, más conocido bajo el seudónimo de Lewis Carroll, realizaba por uno de los directores más trascendentales de estos últimos treinta años, Tim Burton.

La película de Burton , eso sí, fue producida y distribuida por Tim Burton Animation Co. y la Walt Disney Pictures, que al igual que la de 1951 se inspira en los libros Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, ambos de Lewis Carroll, además de ser secuela de la película animada Alicia en el país de las maravillas. Se lanzó al mercado español en la primavera de 2010. En este caso el guión está escrito por Linda Woolverton , mientras que la música es de Danny Elfman. En la fotografía , elemento esencial en esta película, aparece como prinicipal encargado Dariusz Wolski.

El reparto está encabezado por Mia Wasikowska como Alicia Kingsleigh, Johnny Depp como Tarrant Hightopp, El Sombrerero, Helena Bonham Carter como Iracebeth, la Reina de Corazones, Anne Hathaway como Mirana, la Reina Blanca, Crispin Glover como un chaleco azul, Crispin Glover como Ilosovic Stayne la Sota de Corazones, Matt Lucas como Tweedledum y Tweedledee, Marton Csokas como Charles Kingsleigh, Tim Pigott-Smith como Lord Ascot, Lindsay Duncan como Helen Kingsleigh, Geraldine James como Lady Ascot, Frances de la Tour como Tía Imogene, Jemma Powell como Margaret Kingsleigh, John Hopkins como Lowell, Leo Bill como Lord Hamish, Mairi Ella Challen como Alicia Kingsleigh (6 años), así como Eleanor Gecks, Eleanor Tomlinson

La historia comienza con el padre de Alicia intentando vender un proyecto comercial a un grupo de empresarios, mientras explica sus posibilidades, escucha la llamada de su hija que ha vuelto a tener una pesadilla. El relato describe a un conejo vestido que ella sigue, pero que no consigue dar alcance. Su padre la calma.

Más tarde, el tiempo ha pasado para Alicia (Mia Wasikowska)y parece ser que su sueño de trece años atrás ahora se ha tornado en pesadilla. Ahora tiene 19 años, guarda el luto por la pérdida de su amado padre,y está a punto de comprometerse con Haymitch, un lord inglés, algo que no desea.

Sin embargo, cuando se dirigen a una fiesta cortesana en un palacio británico ella comenta a su madre que sigue preocupada por su extraño sueño recurrente que desde hace trece años se repite constantemente. Sin embargo, la madre le recuerda que ya tiene diecinueve años de edad, y es Alice Kingsleigh y que debe asistir a una fiesta en el jardín en la finca de Lord Ascot, donde se enfrenta a una propuesta de matrimonio no deseado, a Hamish Ascot, y las expectativas sofocantes de la sociedad en que vive.

La fiesta responde al modelo encorsetado británico, con una futura suegra intervencionista, un suegro amigo cercano del padre y un previsible novio más tonto que un carajo. Cuando está a punto de comprometerse con Haymitch, un lord inglés, algo que no desea y debe dar un respuesta que no quiere dar ve al conejo blanco con chaleco azul McTwisp (Michael Sheen), y lo sigue hasta que este se mete en un agujero al pide de un árbol.

Alicia cae al mundo de las maravillas Tras un enorme y larga caída, Alicia llega a una sala donde existen diminutas puertas. Sobre una mesa hay un dulce y una bebida, una agranda y la otra reduce. Tras reducir aparece en un bosque, donde es recibido por el Conejo Blanco, el Lirón, el Dodo, las flores que hablan y los gemelos contradictorios Tweedledee y Tweedledum.

Ellos discuten sobre su identidad como "la Alicia correcta", que debe matar a la Reina Roja, al dragón Jabberwocky y restaurar la Reina Blanca en el poder, como había pronosticado Absolem, la Oruga. El grupo en ese momento es emboscado por Ilosovic Stayne la Sota de Corazones (Crispin Glover), un rastreador Bandersnatch y un grupo de soldados de juego de tarjetas liderada por la Sota de Corazones. Alice, Tweedledum y Tweedledee logran escapar hacia el bosque, mientras que la Sota hace algunos prisioneros como el Lirón y deja a los demás atentos a la mirada del "sabueso" Bandersnatch. Tweedledum y Tweedledee son luego capturados por un pájaro chabchab de la Reina Roja.

La Sota informa a la Reina Roja que Alice amenaza su reinado, y ella da la orden a los soldados de que Bayard el verdadero sabueso, Bloodhound, localice a Alice inmediatamente. Mientras tanto, el gato de Cheshire guía a Alice hasta la Liebre de Marzo y el Sombrerero (Johnnny Depp). El Sombrerero es el único que reconoce a la ya crecida Alicia.

Ahora presta ayuda a Alice para evitar ser capturada y se deja capturar en su lugar. Más tarde, Alice es encuentrada por Bayard del sabueso; pero Alice le insiste en ayudar al Sombrerero. Mientras en la ciudadela de la Reina, la Reina Roja no es consciente de la verdadera identidad de Alice y, por tanto, la acoge como invitada. Alice se entera de que existe un espada, la Vorpal , la única arma capaz de matar al Jabberwocky, que está encerrado en la guarida del Bandersnatch.

La Sota, mientras tanto intenta seducir a Alice, pero ella lo rechaza, y por celos influye en la Reina Roja para que decapiten a Alicia. Alice, por su parte, y con ayuda del Sombrerero obtiene la espada y se hace amigo de Bandersnatch volviendo sus ojos; y escapa en la parte posterior de la Bandersnatch; y llega al castillo de Mirana ( Anne Hathaway) la Reina Blanca.

Alice entrega la espada a la Reina Blanca. El gato de Cheshire , por su parte, está en el castillo de la reina roja y ayuda al Sombrerero que está a punto de ser decapitado por el verdugo, Por su parte, el Sombrerero llama a la rebelión contra la Reina Roja.

La rebelión es rápidamente sofocada por el ave chabchab, pero la resistencia huye al castillo de la Reina Blanca, y ambos ejércitos se preparan para la batalla definitiva. Absolem, la oroga, aconseja a Alice para que luche contra el Jabberwocky, antes de completar su transformación en una mariposa o libélula. En el día señalado, los ejércitos de la Reina blanca y roja se reúnen en un campo de batalla de tablero de ajedrez. Alice que va junto al blanco sale del mismo para luchar contra el Jabberwocky en un combate singular.

Animado por el consejo de su difunto padre, Alice decapita el Jabberwocky, y la Reina Blanca envía a la Reina Roja y a la Sota al exilio. Después el Sombrerero realiza una celebración danza llamada Futterwacken, recuperando su otrora alegría, y la Reina Blanca entrega a Alice un frasco de sangre púrpura del Jabberwocky, que se llevará a su casa.

Ya de retorno, en los jardines de la mansión victoriana de Inglaterra, Alice aparece ante una concurrido audiencia que espera su aceptación en la boda, pero Alice rechaza la mano del joven Ascot, y aconseja a su madre, a su hermana y a su tía para que decidan que hacer con sus vidas.

Por su parte, Lord Ascot toma Alice como socia con la idea de establecer rutas comerciales oceánicas a China. Para cerrar la historia, Alice se prepara para emprender un viaje en un barco mercante. En ese momento una mariposa azul aterriza en su hombro. Alice la identifica como Absolem, acabando así la película.


Inspirada en la obra homónima de Lewis Carroll, Tim Burton, que recibió el encargo por parte de la Disney de humanizar la obra de 1951, nos decepciona con esta película de una manera absoluta.

Y es que Tim Burton firmó con Walt Disney Pictures para dirigir dos películas para su sección Disney Digital 3D, entre las que se incluyó esta versión de Alicia en el país y su remake de Frankenweenie.

Burton desarrolló la historia porque nunca se sintió un lazo emocional con el libro original. Al firmar declaró que "Esta es una película Disney y eso conlleva una gran responsabilidad (...) Desde el principio supe que era una película Disney y que la tenía que tratar como tal. Aunque tal vez me haya salido más oscura de lo que ellos esperaban." Lo que realmente parece haberse oscurecido, espero que temporalmente, es el talento creativo de Tim Burton. Y es que con 'Alicia en el país de las maravillas' Tim Burton trabajaba con un producto de encargo, con un guión cerrado y teniendo que tratar de identificarse con él. Burton explicó que "el objetivo era tratar de hacer una película atractiva donde se obtiene algo de la psicología y la frescura de la protagonista, pero también manteniendo la naturaleza clásica de Alicia". En las versiones anteriores, Burton declaró que él veía a Alicia : "...deambulando de un personaje loco a otro, y que realmente nunca sentía ninguna conexión emocional ." Su objetivo con la nueva película era dar a la historia "algún marco de fundamentación emocional" y "para tratar de hacer que Alice protagonista de su historia en lugar vivir ajena a una serie de acontecimientos."

Burton partió del poema de Lewis Carrol se centró en el poema ilógico y sin sentido incluido en la obra de Alicia que lleva por título "Jabberwocky" y que cuenta con palabras inventadas por este matemático y lógico a veces producto de la fusión con otras como parte de su estructura. Burton, por otro lado, consideró que su versión no es secuela de una Alice preexistente.

Lo que es cierto es que George Roth fue el que impulsó este proyecto en abril del 2007 para la Walt Disney Pictures. Desde el principio Linda Woolverton se incorporó como guionista y Justin Pollard como asesor técnico, literario y de personajes. Fue , meses después en noviembre de 2007, cuando Burton firmó con Disney para dirigir esas dos películas en Disney Digital 3-D.

Esta película fue programada originalmente para ser lanzada en 2009, pero se retrasó al 5 de marzo de 2010, y en parte por un retraso en el rodaje, que estaba previsto para mayo de 2008, y no comenzó hasta septiembre. El mismo concluyó en tres meses.

Las escenas de la época victoriana fueron filmadas en Torpoint, Charlestown, Cornualles, así como Plymouth desde el 1 de septiembre al 14 de octubre y contaron con 250 extras locales seleccionados a principios de agosto.

Para lo digital se hicieron captura de movimiento a principios de octubre en Sony Pictures Studios en Culver City, California, aunque algunas de estas imágenes posteriormente fueron después descartadas.

Burton dijo que él prefería utilizar una combinación de acción en vivo y animación, y por eso anuló la captura de movimiento. También era la primera vez que Burton filmaba con Croma en una pantalla verde. El rodaje en Croma comprende el 90% de la película, y se completó después de 40 días. Según se cuenta que muchos de los actores y del equipo sintió náuseas como resultado de las largas horas rodeados de verde y que Burton tuvo que usar cristales color lavanda encajados en sus gafas para contrarrestar el efecto.

De hecho, uno de los grandes problemas de 'Alicia...' es que por primera vez Burton no trabaja con escenarios físicos, algo que hasta este momento había supuesto una pieza fundamental dentro de la forma de hacer cine del director y que, sustituido por el ordenador, le generó no pocos quebraderos de cabeza a un artista que expresaba así su incomodidad con un rodaje que le pareció "frustrante y aterrador". Burton declaraba que "No me sentí seguro, haciendo algo que era lo opuesto a lo que hago siempre. Habría preferido que se ajustara a las mismas normas de todas mis otras películas. Pero aquí no se podía (...) Crear Alicia fue la experiencia contraria a como usualmente se hacen las películas. Usualmente ruedas tus escenas, las ves y sabes cómo han quedado en el momento en el que dices ¡Corten! En el plató creas todo el material que luego vas a necesitar, y más tarde, en la sala de montaje te pasas varios meses organizando la película y agregando la música y ese tipo de cosas. En este caso hicimos exactamente en sentido contrario (...) utilizamos tantas técnicas diferentes que no vi cómo combinaba una escena con la siguiente hasta que pasaron muchos meses, por lo que todo sonaba curiosamente a un experimento. Fue como una Polaroid: todo se materializó en el último instante.

Debido a la constante necesidad de efectos digitales para distorsionar la apariencia física de los actores, como el tamaño de la cabeza de la Reina Roja o altura de Alice, el supervisor de efectos visuales Ken Ralston calificó a la película como agotadora. Sony Pictures Imageworks diseó las secuencias de efectos visuales. Burton sintió 3D era apropiado para el medio ambiente de la historia. Burton y Zanuck eligió para filmar con cámaras convencionales, y convertir las imágenes en 3D durante la post-producción; Zanuck explicó que las cámaras 3D eran demasiado caros y "difíciles" de usar, y que sentía que no había diferencia entre tomas convertido y las filmadas directamente con este formato.

El uso del formato y la presentación en cartelera fue también un problema. El 12 de febrero del 2010 las cadenas de cines más grandes del Reino Unido habían planeado boicotear la película por la reducción, de 17 a 12 semanas, del intervalo entre el estreno en cines y el estreno en DVD. La película, finalmente, fue estrenada el 5 de marzo, aunque hubo una previa en el Odeon Leicester Square en Londres el 25 de febrero del 2010 para recaudar fondos para The Prince's Foundation for Children and The Arts.

Alice in Wonderland fue un éxito en taquilla superando los mil millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en la película más taquillera de 2010, la número 10.ª de las Películas con las mayores recaudaciones al principio era la sexta sólo por detrás de Toy Story 3 en 2011 fue superada por Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 y Transformers: el lado oscuro de la luna respectivamente. Sin embargo, la crítica no fue tan generosa como el público yendo a los cines. Y las crítcas dominantes fueron más malas que buenas, más duras que generosas.

En el Reino Unido, Angie Errigo en Empire afirmaba que "Por desgracia es un Lewis ligero, y tiene fallos, pero es tan 'burtonesca' como uno podría desear; una verdadera delicia para los fans de su rebuscada imaginación, y con grandes actores británicos. (...)

Todd McCarthy en Variety plantaba lo siguiente "Tiene sus momentos de deleite, humor y deslumbramiento. Pero también se hace más común a medida que avanza (...) no todo ha salido mal, al menos no del todo. (...) La película se siente mucho más convencional de lo que debería."

Michael Rechtshaffen en The Hollywood Reporter afirmaba que se trataba de una "Verdadera y locamente maravillosa. (...) Ni siquiera el estilo extravagante marca de la casa del director te prepara para el espectáculo intensamente disfrutable que es 'Alice in Wonderland'" Por su parte, Colin Covert en el Minneapolis Star Tribune "La indecisión ronda en cada fotograma. El resultado es un espectáculo ruidoso y febril que acaba quedándose sin inspiración"

En España Luis Martínez en el Diario El Mundo "Se comprende mal que Burton haya convertido la anarquía narrativa-existencial de uno de los libros más rigurosamente libertinos jamás escrito en algo tan relamido. De hecho, por momentos, no se entiende nada. (...) Burton, sencillamente, aburre."

Carlos Boyero en el Diario El País afirmaba que "Hay bastantes cosas que funcionan admirablemente en esta película, como la capacidad hipnótica de sus imágenes (...) un clima que te mantiene expectante. (...) Sin embargo, me cansa un poquito la grandilocuencia delirante de Depp. Es una película que ves y escuchas con agrado, pero el poso que deja es escaso." En el Diario ABC Federico Marín Bellón comentaba que "Empieza con brillantez, se aburre en la mayor parte de su recorrido por el país de nunca máis y termina con una batalla de lo más vistosa, colocada justo a tiempo para que el personal no se pregunte por qué demonios lleva hora y media mirando la pantalla (...) "

En Fotogramas Jordi Costa decía que era una "Película virtuosa (...) pero resulta inevitable preguntarse qué sustenta el sesgo inquietante y crepuscular de su relectura (...) Burton ha aprendido a dominar su caligrafía extraña, para dejar claro que ya no tiene demasiado que contar."

En Argentina, Diego Batlle del Diario La Nación afirmaba que era "Un relato de una belleza, una singularidad y una fertilidad creativa que sólo unos pocos elegidos como Burton (y su dream team de colaboradores) pueden ofrecer", mientras que Diego Lerer del Diario Clarín decía que "Burton entrega el esperable festín visual, otra ensalada alucinógena (...) Pero a la película parece, a la vez, faltarle y sobrarle algo."

Pero a pesar de los pesares estoy casi más de acuerdo con lo mucho y bien publicado por varios de los editores de Blog de cine. Para Sergio Benítez en blog de cine, crítica a la actriz Helena Bonham Carter , opinando que está insoportable , aun Crispin Glover patético, algo parecido al trabajo de Anne Hathaway y Johnny Depp, del que critica su caricaturización.

Para Benítez lo salvable está en Mia Wasikowska, Danny Elfman, y un par de momentos en concreto de la acción. Concluye que es un paso atrás en el desarrollo del cine de Tim Burton. Para Alberto Abuín está obra de Tim Burton me haya parecido un pestiñoy que nada tiene que ver con ‘Eduardo manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990), ‘Ed Wood’ (id, 1994) o ‘Big Fish’ (id, 2003). Pero añade que , afortunadamente tampoco estamos ante un bodrio del calibre de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 2001. Comenta que tratando de transmitir una cosa que se llama emoción ‘Alicia en el país de las maravillas’, está desprovista ya no sólo de la magia que la historia necesita sino de todo atisbo de emoción. Los impresionantes efectos visuales del film, repito, impresionantes, se quedan en nada precisamente porque el espectador —al menos el que esto suscribe— no siente absolutamente nada cuando ve un excelente gato que se evapora, dos encantadores hermanos gemelos —lo más cercano al universo Burton que conocemos—, una pérfida Reina o un dragón al que hay que liquidar. Perfección técnica sin alma.

Massenet, otro de los editores de Blog de cine, comenta que "Al igual que en ‘Hook’, Alicia no recuerda nada de su visita anterior al mágico mundo en el que se encuentra y al que parece pertenecer por derecho propio. Pero allí, en compañía de sus nuevos/viejos amigos recordará todo aquello que es importante y verdadero, y hasta Burton tendrá la desfachatez de sugerir una historia de amor entre El Sombrerero (Johnny Depp) y Alicia (insoportable Linda Woolverton Mia Wasikowska) que recuerda a la de Campanilla y Peter Pan, casi con la misma despedida y todo. Pero aún hay más; ‘Alicia en el país de las maravillas’ no renuncia a mostrar momentos ridículos que dan ganas de salir de la sala de cine para no volver nunca más. Si en el film de Spielberg teníamos que aguantar memeces como la de la cancha de baloncesto, aquí tenemos que mirar con nuestros pobre ojos un baile de breakdance que no sólo es mortal para la inteligencia de cualquier ser viviente, sino que además infiere instintos asesinos. El cine no puede caer tan bajo, por Dios. Que su parte final parezca sacado de algún descarte de la trilogía del anillo de Peter Jackson responde más a la actual moda de cierto tipo de cine y que aquí resulta forzado y fuera de lugar. (...)Muchos atacan ‘Hook’ —película que posee una primera media hora absolutamente magistral—, pero comparen el trabajo de Spielberg con el de Burton. El que no vea que el cine ha cambiado a peor es que está ciego.

Para Juan Luis Caviaro considera que estamos ante una película tan torpe y hueca y la califica de Humo en 3D. Afirma que Tim Burton está agotado y que lo que queda de él es una parodia, un chiste. El realizador se contenta con que haya árboles de ramas retorcidas, muchos colorines, alguna escena muy oscura, figuras exóticas y objetos que parece que salen de la pantalla, trucos baratos apropiados para mantener a los niños sentaditos en la butaca,(...). Pero eso es esta ‘Alice in Wonderland’, una aburrida sucesión de payasadas en tres dimensiones. Pocas veces ha estado Danny Elfman tan perdido, parece que estuviera poniendo la música a otra película; no es el único que no sabe exactamente qué está haciendo, algunos actores también están desorientados, especialmente la joven Mia Wasikowska, inexpresiva durante toda la película, pase lo que pase en cualquiera de los dos mundos. (...) Se pueden rescatar los divertidos esfuerzos de Depp como Sombrerero Loco y Carter como la Reina Roja, y algunos momentos ciertamente inspirados (la escena de las ranas o el flashback sobre lo ocurrido en el submundo), pero el conjunto es un despropósito narrativo.

La película tuvo su recompensa además de en dinero en forma de Óscar, pues obtuvo dos , a la mejor dirección artística para Robert Stromberg y Karen O'Hara, y en el vestuario para Colleen Atwood de tres nominaciones, pues no se premió sus efectos visuales en las personas de Ken Ralston, David Schaub, Carey Villegas y Sean Sean Phillips. En la gala de los Globos de Oro de 2010 tuvo tres nominaciones, no así a Johnny Depp, ni a Danny Elfman, como actor y mejor banda sonora incluyendo Mejor película comedia o musical. En los británicos BAFTA de cinco nominaciones, dos al mejor vestuario y maquillaje y peluquería. Y en los Critics' Choice Awards dos premios al mejor vestuario y maquillaje de las cuatro.

Lo más grave, visto ya el despropósito general es que en noviembre de 2013, Johnny Depp y Mia Wasikowska confirmaron su participación en la 2 parte de película que se empezarían a grabar en julio del 2014 y su estreno seria el 27 de abril del 2016.

Sin embargo, todavía, afortunadamente no hay noticias. Prefiero pensar que la verdadera Alicia Alice sigue en Praga, y que es oscura, pero muy clara en sus planteamientos, prefiero tirar de mi memoria en aquel agosto de 1992 de imborrable recuerdo. Siempre "Alicia"