La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.  

El reverendo

Película del año 2017, y un lujo del gran director y guionista Paul Schrader que le da un protagonismo absoluto a Ethan Hawke, aquí acompañado de Amanda Seyfried, siendo actor - y en menor medida, la actriz- que asume el papel protagonista de esta película que en inglés , es decir, en su versión original llevó como título el de First Reformed en razón a una parrroquía cuyo líder es Ernest Toller, un ex militar que tras la muerte de su hijo y la separación de su mujer se refugia en esta pequeña iglesia del estado de Nueva York como reverendo. 

El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke) , de la Primera Iglesia Reformada de Snowbridge, Nueva York, lleva un año escribiendo sus pensamientos en un diario, tras el cual piensa destruirlo. Dirige una iglesia reformada fundada por protestantes holandeses de Frisia hace 250 años y que fue una parada del Ferrocarril Subterráneo ; bajo su liderazgo, la asistencia disminuye considerablemente, alejándose de su enfoque histórico en la teología reformada. Actualmente, funciona principalmente como atracción turística integrada en una megaiglesia Abundant Life que preside el reverendo Joel Jeffers ( Cedric Kyles) . 

Para lidiar con sus problemas, como el alcoholismo, Toller lee obras católicas ( G. K. Chesterton y Thomas Merton ) y libros místicos ( La Nube del No Saber ). Esta nueva dirección espiritual lo lleva a buscar apoyo en una megaiglesia carismática cercana, Vida Abundante, propietaria de la Primera Iglesia Reformada. 

Toller, parece que poer tradición militar fue capellán militar , aunque también está lidiando con la muerte de su hijo, quien falleció en la guerra de Irak ; Toller lo había animado a alistarse en contra de la opinión de su mujer, siendo esta la razón del por qué se han separado. 

Mientras desarrolla su labor conocerá a Mary Mensana (Amanda Seyfried) una feligresa embarazada que le pide ayuda para que se convierta en consejero de su marido, un ecologista radical con tendencia suicidas, que además rechaza a su hijo porque el cambio climático está a punto de destruir el mundo. 

Mary, quien busca terapia para su esposo, Michael ( Phillip Ettinger) , un ecologista radical . Michael dice que quiere que Mary, que tiene 20 semanas de embarazo, aborte, porque no quiere traer un hijo a un mundo que se volverá prácticamente inhabitable debido al cambio climático.

Mary encuentra un chaleco suicida perteneciente a su esposo en su garaje. Ella se lo entrega a Toller como antiguo militar y éste lo toma, prometiendo aconsejar a Michael al respecto. Mary y Toller discuten la posibilidad de ir a la policía, pero Toller siente que eso empeoraría drásticamente el estado de Michael. 

Justo antes de su inminente cita, Michael le envía un mensaje de texto a Toller pidiéndole que se reúnan en un parque local. Toller llega y encuentra a Michael muerto por un disparo autoinfligido. 

De acuerdo con el testamento de Michael , se celebra un servicio en un vertedero local de residuos tóxicos, donde se esparcen sus cenizas. 

Mientras tanto, se están haciendo planes para celebrar el 25 aniversario de First Reformed con un servicio al que asisten el alcalde, el gobernador y un notable industrial, Edward Balq (Michael Gaston) , Consejero Delegado de la empresa Balq, uno de los principales patrocinadores financieros de Abundant Life y por su puesto el principal de la congregación Joel Jeffers. 

En una reunión en un restaurante, Toller discute con Balq sobre el cambio climático después de que Balq dijera que el servicio conmemorativo de Michael fue un acto político. Balq dice que el cambio climático es "complicado", pero Toller lo ve como una simple cuestión de mayordomía cristiana . 

Tras sufrir diversas dolencias, Toller acude a regañadientes al médico, quien sospecha que padece cáncer de estómago y le programa unas pruebas. Usando el portátil de Michael, que este se llevó tras su suicidio para evitar que la policía descubriera su radicalismo y le causara problemas a Mary, Toller investiga las preocupaciones de Michael, incluyendo qué lo inspiró a fabricar el chaleco explosivo. 

Una noche, Mary visita a Toller en la casa parroquial , y él interpreta el papel de Michael en un rito de intimidad física no sexual que ambos solían realizar, «El Viaje Mágico del Misterio», en el que Mary se tumbaba encima de él y compartían la respiración del otro. 

Toller le ruega a Mary que no asista al servicio de aniversario. Preparándose para su papel en la ceremonia, se pone el chaleco y lo arma. 

Cuando ve a Mary entrar en la iglesia, se quita el chaleco y, en su lugar, se envuelve en alambre de púas bajo el alba . Se sirve un vaso lleno de limpiador de desagües químico y está a punto de bebérselo cuando Mary lo interrumpe. Los dos se abrazan y se besan apasionadamente, acabando así la historia de este reverendo que comienza siendo consejero de la pareja que atraviesa una profunda crisis, quq intentará mediar entre ellos, pero que lo convierte en un ser atormentado por su pasado y presente dejando salir toda su angustia emocional haciendo que este sentimiento se convierta en el motor que mueve todo el hilo argumental de la película. 

El reverendo , que no deja  de ser un trhiller psicológico, fue escrita y dirigida por Paul Schrader que obtuvo los premios mejor actor y mejor guión del círculo de críticos de Nueva York del año 2018 fue nominada a mejor guión original de los oscars del año 2019 y fue aclamada por el público y premiada por cola green dropa en 2017 en Venecia, además de recibir muchas nominaciones y premios en otros festivales internacionales. 

La película fue escrita y dirigida por este director responsable de títulos como American Gigoló o Aflicción , o la más reciente, El contador de Cartas (2021) o Master Gardener (2022), y que en este caso estuvo producida por Christine Vachon, David Hinojosa, Frank Murray, Jack Binder, Greg Clark, Colina Victoria, Gary Hamilton y Deepak Sikka representantes de productoras ligadas al cinme independiente como Killers Films , Omeira Studio Partners , Fibonacci Films, Big Indie Pictures. y Arclight Films (Internacional) que invirtieron unos $3.5 millones, ganando tras su distribución unos 4 millones.

El rodaje principal duró 20 días, y se rodó en los alrededores de Brooklyn y Queens , Nueva York, incluyendo el edificio y los terrenos de la Iglesia Episcopal Zion en Douglaston .  

El estilo sobrio de First Reformed recuerda las películas de Yasujiro Ozu , Robert Bresson y Carl Theodor Dreyer sobre las que Schrader escribió en su libro de 1972, Transcendental Style in Film . Elementos del guion aluden a Diario de un cura rural (1951) de Bresson, Luz de invierno (1963) de Ingmar Bergman y la obra de Dreyer, así como al propio guion de Schrader para Taxi Driver (1976). Schrader dijo que la película Ida (2013) de Paweł Pawlikowski lo inspiró a filmar en una relación de aspecto de 1.33:1 , diciendo que "impulsa las líneas verticales, por lo que se obtiene más del cuerpo humano en el encuadre". 

Para concretar sobre esto la película cuenta con la fotografía de Alexander Dynan y el montaje de Benjamín Rodríguez Jr, así como con la música de Brian Lustmord Williams es un músico de origen británico, nacido en Gales, reconocido como uno de los creadores del género musical dark ambient gracias a su álbum Heresy, un trabajo que ha sido descrito como «piedra angular del dark ambient, de las atmósferas asfixiantes y lúgubres. 

En cuanto a actores y actrices , además del protagónico papel de Ethan Hawke, decir que antes de contactar a Seyfried como Mary Mensana, Schrader discutió la posibilidad de que Michelle Williams interpretara a Mary. La película cuenta igualmente con Cedric Kyles como el pastor principal Joel Jeffers de Abundant Life,una megaiglesia evangélica, Victoria Hill como Esther, directora de coro en Abundant Life y Philip Ettinger como Michael Mensana, el marido de Mary así como Michael Gaston que interpreta a Edward Balq, un industrial local y patrocinador financiero de Abundant Life. 

Aparte mención requiere el nominado los Oscar hasta en cuatro ocasiones esanjauque un cabezazo de thriller que le granjeó el reconocimiento mejor actor en los premios de la crítica del cine de Seattle de de 2018 cuyo reparto completa actriz ya citada. 

La película se estrenó en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2017. También se proyectó en el 44.º Festival de Cine de Telluride en septiembre y en el 42.º Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre. y se estrenó en cines en Estados Unidos en mayo de 2018, distribuida por A24 . Recaudó 4 millones de dólares en todo el mundo. 

Tanto el National Board of Review como el American Film Institute seleccionaron First Reformed como una de las diez mejores películas de 2018, y Schrader fue nominado a Mejor Guion Original en la 91ª edición de los Premios Óscar . 

En la 24ª edición de los Critics' Choice Awards , Hawke fue nominado a Mejor Actor y Schrader ganó el premio a Mejor Guion Original . 

En la 34ª edición de los Independent Spirit Awards , la película fue nominada a Mejor Largometraje , Mejor Director y Mejor Guion , mientras que Hawke ganó el premio a Mejor Actor Protagonista . 

La película recibió críticas positivas, que elogiaron principalmente la actuación de Hawke y la dirección y el guion de Schrader. 

AO Scott de The New York Times escribió: « First Reformed lidia con la realidad contemporánea, pero no es una obra de realismo en el sentido convencional del término. Los diálogos se presentan con cadencias formales, casi rígidas, y las imágenes son nítidas, elegantes y sencillas». Y añade ""Schrader (...) tiene 71 años y ha tenido una carrera larga y variada, pero 'First Reformed' da la impresión de ser algo totalmente nuevo y original. Más que eso: parece una epifanía." 

En otra publicación neoyorkina, The New Yorker, Richard Brody escribe que "Es una película feroz; Schrader, uno de los creadores más importantes del cine moderno (...) parece que la ha hecho en un estado de furia, pasión, dolor, luto y deseo" 

Ann Hornaday del The Washington Post comenta que se trata de "Un hipnotizante y austero drama (...) Da la impresión de ser la película por la que Paul Schrader ha venido a este mundo (…) ". 

Owen Gleiberman en Variety señala que estamos ante "Una película grindhouse de autor que te engancha (...) [Hawke] coge el papel de Toller (...) y lo hace convincente (...) [Schrader] sigue siendo un gran cineasta." 

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter afirma que "Es su trabajo más efectivo desde 'Auto Focus 15' (...) No hay suficiente energía o estilo en la elaboración para hacer que te olvides de la naturaleza esquemática de la construcción dramática" 

Peter Travers en Rolling Stone escribe sobre ella que "Schrader nos ofrece una de las mejores películas del año (...) Ethan Hawke ha alcanzado una nueva cima en su carrera, y parece haber despertado en él una nueva consciencia eco-activista (…) 

Justin Chang de Los Angeles Times calificó la película como «una delicia para el cinéfilo y un enigma para el creyente, una austera película de arte estadounidense con un alma de película de serie B estimulante, y una historia en la que el más cruel de los desenlaces cósmicos puede, en última instancia, no ser diferente de la más hermosa llegada de la gracia». 

David L. Sims de The Atlantic calificó la película como «un relato de angustia existencial [...] una mirada amarga a nuestro mundo a través de los ojos de alguien que está cada vez más horrorizado de ser parte de él, y una película que es una de las experiencias cinematográficas más impactantes del año». 

En la prensa de Illinois, Michael Phillips de The Chicago Tribune escribió: «Para ser un ejercicio tan deliberado en un estilo específico y metódico, First Reformed es extrañamente estimulante, llena de ideas vitales, contradictorias y sin resolver». Por su parte, Richard Roeper en el Chicago Sun-Times añade que es "Una obra de arte ineludible, memorable y en ocasiones insoportablemente triste (…) 

En el Reino Unidos Peter Bradshaw de The Guardian escribió: «La severidad bunyaniana de esta película es tan refrescante como un vaso de agua helada» y la calificó como «una película apasionadamente enfocada, pero no una obra maestra», señalando que el nombre del personaje principal es una alusión al dramaturgo alemán Ernst Toller . 

Ya en España Javier Ocaña en El País destaca que es una "Película felizmente a contracorriente, es un tratado sobre el remordimiento (...) es de una altura dramática desacostumbrada, acercándose a temas contemporáneos como el terrorismo y los intereses económicos de las religiones". En este mismo diario, Tommaso Koch comenta que la película "Muestra destellos evidentes de su talento [de Schrader] (...) la rueda con frialdad absoluta: los largos planos fijos, con la pantalla reducida casi a un cuadrado, duran siempre un poco más de la cuenta." 

Nando Salvá en El Periódico sostiene que es "La mejor película de Paul Schrader en 15 años es una obra llena de dolor e ira contenida, otro de sus grandes estudios sobre la desesperación y la soledad espirituales (…)" 

En las páginas de ABC, Antonio Weinrichter, valora felizmente que el "" (...) retorno a la buena forma de Paul Schrader (...) ingrata película, ferozmente fuera de moda (...) un Ethan Hawke tan en estado de gracia como de desgracia lo está su personaje." 

Yago García en Cinemanía destaca que estamos ante "La mejor cinta con su firma [Schrader] en mucho tiempo (...) podría pasar también por uno de los trabajos más comedidos de su autor (…)" 

Desirée de Fez en Fotogramas elogia la película "Por poco habitual, enfrentarse a una película de la solidez, la complejidad, la hondura, la intensidad, el alcance y la franqueza de 'El reverendo' es una experiencia abrumadora. (...) una obra monumental (…)".

Por mi parte decir que la película responde perfectamente al cine de Paul Schrader, responsable de los guiones de Taxi Driver, La Última tentación de Cristo, Toro Salvaje, película que fueron llevadas al cine por Scorsese,  que se define por el arquetipo del «hombre en su habitación»: protagonistas masculinos solitarios, alienados y obsesivos que lidian con una profunda culpa, el aislamiento urbano y una necesidad urgente de redención moral o espiritual. Como es habitual en su cine está presente , y en este caso es casi protagonista, la culpa y el pecado todo coherente con la raíz calvinista siempre presente en sus tramas. Junto a ella la redención como vemos al final de la mismay en el desarrollo vemos ese viaje interior del personaje para salvar su alma o encontrar sentido al dolor. 

Por supuesto,  también esta presente en su tramas - y aquí especialmente- la alienación y la presencia de un diario que le sirve para plasmar sus pensamientos con voz en off. También está presente una violencia contenida con tensiones psicológicas que estallan de forma abrupta tras largos periodos de apatía o rutina. como conclusión vemos que su cine sigue una línea trascendental que le permite conectar con Ozu, Dreyer y Bresson, busca lo metafísico mediante la contención, el estatismo y el minimalismo estético y responde a un ritmo contemplativo con el uso del tiempo muerto y de la observación pausada del entorno frente al montaje frenético comercial y la elipse. 

Por último descubrimos que la película responde a su estructura confesional en la que está muy presente la transformación íntima y el examen de conciencia más que en la acción trepidante como vemos especuiialmente en el personaje de Ernst - tal y como le llama Mary al final de la película- Heller.

Mamma Mía! Una y otra vez

 

Como la primera, pero con los temas que faltaban , sin Meryl Strep y manteniendo el elenco en lo básico.

*EC: En construcción

Anon

 

La miserable vida de Jean Valjean

La cantidad de veces que he escuchado a muchos madrileños hablar de que han ido a ver el Musical de  Los miserables (Les Misérables) . Un musical basado en la novela homónima de Victor Hugo, con música de Claude-Michel Schönberg, letras originales en francés de Alain Boublil y Jean-Marc Natel, y adaptación al inglés de Herbert Kretzmer. El mismo se estrenó en 1980 en septiembre de ese año en el Palais des Sports de París, donde se representó durante tres meses hasta la finalización del contrato de reserva del recinto. 

En 1983, seis meses después del estreno del musical Cats en Broadway, el productor Cameron Mackintosh recibió de parte del director húngaro Peter Farago un ejemplar del disco del musical en francés. Farago quedó impresionado por la obra y le pidió a Mackintosh que produjese una versión en inglés del espectáculo. En un principio reticente, Mackintosh finalmente aceptó y junto con la Royal Shakespeare Company reunió un equipo creativo para adaptar el musical al público británico. Tras dos años de trabajo, la versión en lengua inglesa de Los miserables se estrenó el 8 de octubre de 1985 en el Barbican Centre de Londres, por aquel entonces la sede de la Royal Shakespeare Company. 

El enorme éxito del musical en el West End propició su llegada a Broadway. En el momento de su estreno en Londres, Los miserables recibió críticas negativas. Sin embargo, la respuesta del público fue diferente. Las entradas disponibles para los tres meses inicialmente previstos se vendieron en tiempo récord y las críticas comenzaron a mejorar. 

Desde entonces, Los miserables no ha dejado de representarse en Londres, con más de 13.000 funciones a sus espaldas, y en la actualidad es el segundo espectáculo de mayor permanencia en cartel tanto en el mundo (por detrás de The Fantasticks) como en el West End (por detrás de La ratonera),la obra inspirada en la novela policial escrita por Agatha Christie y el primer musical en el West End (seguido de El fantasma de la ópera). 

En Nueva York debutó el 12 de marzo de 1987 y se representó hasta el 18 de mayo de 2003, realizando 6.680 funciones. Actualmente es el quinto espectáculo de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway (por detrás de El fantasma de la ópera, Chicago, El rey león y Cats)​ y en su momento fue el segundo. El musical recibió doce nominaciones en los premios Tony de 1987, alzándose finalmente con ocho galardones (entre ellos, mejor musical y mejor música original). 

A los montajes originales de Londres y Broadway le siguieron numerosas giras y producciones internacionales. En total ha sido visto por más de 70 millones de personas en todo el mundo .

En eso llegó a Madrid a partir del año 2010 en el Teatro Lope de Vega . Producido por Stage Entertainment y con un presupuesto de 4,5 millones de euros, el montaje contó con dirección de Laurence Connor y James Powell, diseño de escenografía de Matt Kinley inspirado en las pinturas de Victor Hugo, diseño de vestuario de Andreane Neofitou y Christine Rowlands, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, coreografía de Michael Ashcroft y supervisión musical de Stephen Brooker. Christopher Key fue el director asociado, mientras que Víctor Conde se hizo cargo de la dirección residente y Alfonso Casado se puso al frente de la orquesta como director musical. 

Las letras fueron adaptadas al castellano por Albert Mas-Griera.A pesar de la excelente acogida de crítica y público, el musical se despidió del Teatro Lope de Vega de Madrid el 24 de julio de 2011 para dejar paso a El rey león, también de Stage Entertainment. De Madrid pasó a Barcelona. 

Yo que soy provinciano, apuesto por lo que puedo y por lo que me queda que es el cine y verlo en casita. Así que hoy he visto esta producción del años 2012 dirigida por Tom Hooper, que recibió el aplauso de la crítica. Se trata de un musical en el sentido más estricto del término producida en 2012 por por Working Title Films y distribuida por Universal Pictures. 

La película está basada en el musical homónimo de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg, que a su vez se inspira en Los miserables, novela de 1862 escrita por el francés Victor Hugo. La película fue dirigida por el oscarizado Tom Hooper, director londinense nacido en 1972 que se dio a conocer cuando realizó en 2010 El discurso del rey - por la que recibió el premio al mejor director- , aunque con cierto recorrido en las series como EastEnders, Elizabeth I o John Adams o con películas como esta , La chica danesa ( 2014) o la reciente Cats ( 2019). 

En este caso la película sigue el guión escrito por William Nicholson, Alain Boublil,Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzmer y, por supuesto, de Victor Hugo. 

En lo técnico se le suman el trabajo en fotografía de Danny Cohen y sobre todo la partitura de Claude-Michel Schönberg. 

La película cuenta con un reparto coral encabezado por Hugh Jackman como Jean Valjean, Russell Crowe como Javert , Anne Hathaway como Fantine, Sacha Baron Cohen como Monsieur Thénardier, Helena Bonham Carter como Madame Thénardier, Amanda Seyfried como Cosette Adulta siendo de pequeña Isabelle Allen y Eddie Redmayne como Marius Pontmercy. Igualmente aparecen Samantha Barks como Éponine , aunque de pequeña es Natalya Wallace, Aaron Tveit como Enjolras, George Blagden como Grantaire, Daniel Huttlestone el pequeño Gavroche, Colm Wilkinson como el Obispo de Digne.

Cuenta la historia de Jean Valjean, ex convicto que se convierte en el alcalde de una aldea en Francia. Tras ser descubierto por Javert y ayudando a una pobre y joven trabajadora, Fantine, Valjean acepta tomar el cuidado de Cosette, la hija ilegítima de la agonizante Fantine. Pero, como un fugitivo, debe a la vez evitar ser capturado por el inspector de policía Javert. La historia cubre 17 años y se establece en un contexto de inestabilidad política de la Francia del momento, con la película culminando en la Rebelión de junio de 1930. 

La historia comienza en 1815, cuando el convicto Jean Valjean (Hugh Jackman) que trabaja como condenado en unos astilleros franceses es puesto en libertad condicional por el guardia de la prisión, Javert (Russell Crowe) , tras cumplir una condena de diecinueve años por robar una hogaza de pan para poder alimentar a su sobrino y tras eso, por distintos intentos de fuga. 

Valjean, un hombre de una fuerza descomunal, es expulsado de todos los pueblos por esta bajo libertad condicional y ser visto como un indeseable. Un día, no obstante, el obispo de Digne (Colm Wilkinson) se apiada de él y le ofrece comida y refugio, pero esa misma noche Valjean roba su plata durante la noche. Sin embargo, es capturado por las autoridades cuando escapa. 

Pero la sorpresa salta cuando es llevado por los policías ante el obispo y les dice que la plata se la había dado como un regalo, asegurando la liberación de Valjean. 

Después de eso, el obispo le dice a Valjean que debe seguir el camino del bien. Al resultarle dolorosa la amabilidad del obispo, Valjean rompe su libertad condicional y promete iniciar una nueva vida bajo una nueva identidad. 

Ocho años más tarde, en 1823, Valjean se ha convertido en propietario de una fábrica y alcalde de Montreuil-sur-Ver. En esa fábrica trabaja Fantine (Anne Hathaway), una de sus trabajadoras, que es despedida por el capataz por culpa de una de sus compañeras que descubrió que Fantine le enviaba dinero a su hija ilegítima, Cosette (Isabelle Allen), que vive con una familia en una venta , los Thénardiers (Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen) y la hija de estos, Éponine (Natalya Wallace). 

En un intento desesperado por mantener a su hija ante su pobreza, Fantine vende su pelo y los dientes, llegando , ante la imposibilidad de subsistir, a ser una prostituta. Cuando la chica es arrestada por Javert después de atacar a un cliente abusivo, es salvada por Valjean, que la lleva al hospital. 

Más tarde, Valjean se entera de que un hombre está arrestado debido a que lo confunden con él. Él no puede aceptar que un hombre inocente sea condenado en su lugar, así que Valjean se persona en el juicio y revela su identidad a la corte antes de regresar al hospital, donde le promete a Fantine que después que muera, él cuidará de su hija. 

Mientras tanto, Javert , que ya tenía dudas sobre la identidad del alcalde, llega a tener a Valjean en custodia, pero después de un breve enfrentamiento, Valjean salta a un río para escapar. Él intenta cumplir sus promesa y paga a los Thénardiers para que le permitan llevarse a Cosette, y promete ser como un padre para ella. 

Tras esto y ante la insistencia de Javert que , finalmente da con la venta de los Thénadiers, los sigue. Pero Valjean y Cosette huyen a París y Javert, ve como se les escapan por poco. Pero se compromete a llevar preso a Valjean. 

Nueve años más tarde, en 1832, cada vez hay más pobres en París. Jean Maximilien Lamarque, el único funcionario del gobierno que cuenta con la simpatía hacia los pobres, está próximo a morir, por lo que un grupo de estudiantes revolucionarios adolescentes, conocido como los Amigos de la ABC, planifican una rebelión contra la monarquía francesa. 

Los estudiantes que se integran en esta logia conspiratoria son un chico de la alta sociedad que ha roto con su rico abuelo y de nombre Marius Pontmercy (Eddie Redmayne), Enjolras (Aaron Tveit), un niño llamado Gavroche (Daniel Huttlestone), Courfeyrac (Fee Fra) y Joly (Hugh Skinner) aisten a reuniones y están próximos a rebelarse contra las autoridades. 

Un día Marius descubre a Cosette (Amanda Seyfried), ahora una mujer joven siempre acompañada de su padre, e inmediatamente se enamora de ella. 

Mientras tanto, a pesar de las preguntas de Cosette, Valjean se niega a hablar de su pasado o de su madre. En una tienda de vinos, Enjolras organiza la revuelta coordinando para un levantamiento revolucionario a un grupo de estudiantes idealistas cuando la muerte de Lamarque , que está próxima a producirse, se anuncie. 

Mientras, una joven del lumpen, Éponine (Samantha Barks), que ha conocido a Marius, y que resulta hija de los ahora más pobres que ratas Thénadier, lleva al chico hasta Cosette, donde los dos profesan su amor. Lamentando que su amor secreto por Marius nunca será correspondido, Éponine decide unirse a la revolución. 

Cuando una banda del malhechores liderada por los Thénardier intenta capturar a Valjean, al que reconocen del pago que hizo por Cossette, para pedir rescate a Javert, Eponine grita para advertirle a Valjean y Cosette. Ante esto , Valjean decide huir, sin darse cuenta de la atracción que siente Cosette por Marius. 

Al darse a conocer la muerte de Lamarque, Enjolras intenta incitar a los parisinos a la revuelta, y Marius envía una carta de despedida a Cosette. 

Al día siguiente, los estudiantes interrumpen el cortejo fúnebre de Lamarque y comienzan su revuelta. Javert se ha camuflado entre los revolucionarios y se hace pasar por un rebelde con el fin de espiarlos, pero el pequeño Gavroche lo reconoce y , finalmente, es capturado. 

Durante el inmediato tiroteo que sigue las balas están a punto de herir a Marius sin embargo la que es mortalmente herida es Éponine, ahora a costa de su propia vida, pues se ha puesto en medio. Antes de morir, confiesa su amor a Marius y luego muere en sus brazos. 

Mientras todo esto Valjean, intercepta la carta de Marius a Cosette y decide marchar a la barricada para proteger a Marius. Le pide a Enjolras que le permita ser él quien ejecute a Javert. 

Sin embargo, cuando los dos están solos, Valjean libera Javert, diciéndole que huya mientras dispara la pistola hacia una pared para convencer a los estudiantes que lo mató. Las noticias para los revolucionarios no pueden ser peores. Se enteran que es la única barricada que resiste y que los parisinos que no se unieron a la revolución como los estudiantes que se esperaba, están decididos a luchar hasta la muerte. 

El envite de las fuerzas realistas tienen lugar, y la inmensa mayoría de los revolucionarios mueren, pero Marius se salva gracias a Valjean, que arrastra su cuerpo inconsciente por las alcantarillas. 

Curiosamente en las alcantarillas coinciden Valjean portando a Marius con los Thénardier, limpiando los cadáveres. Pensando que Marius es un cadáver le roban el anillo. No obstante también llega Valjean que intimida al miserable ladrón y Valjean y Marius logran escapar de las alcantarillas llevando a un Marius inconsciente, pero a la salida se encuentra con Javert con el que se enfrenta. 

Valjean le pide una hora para llevar a Marius a un médico; Javert se niega y amenaza con matarlo si no se rinde. Valjean no le hace caso y se va con Marius. Incapaz de conciliar el conflicto entre sus deberes cívicos y morales, dos cosas que siempre consideró lo mismo, Javert se suicida saltando al poderoso y caudaloso Sena. 

Más tarde, Marius llora por la muerte de sus amigos, pero Cosette lo consuela. Valjean le revela su pasado a Marius y le dice al joven que debe irse porque su presencia pone en peligro a Cosette. Marius se sorprende, y en un primer intento de persuadirlo para quedarse no funciona, pero de mala gana acepta la decisión de Valjean de irse, y promete que no va a decirle a Cosette la verdad. 

Marius y Cosette se casan, pero los Thénardiers hacen acto de presencia para robar y llegan a la boda y cuando son descubiertos por Marius , testifican que vieron a Valjean llevando un cadáver asesinado por él mismo por las alcantarillas. Thénardier muestra involuntariamente a Marius el anillo que le robó al supuesto cadáver como "prueba" Y Marius reconociendo el anillo, se da cuenta de que era Valjean quien le salvó la vida. 

Ellos saben la ubicación de Valjean por Thénardier. Se trata del obispado de Digne. Allí van Marius y Cosette y encuentran a un Valjean abatido, que siente que se va a morir en un convento local, y que percibe el espíritu de Fantine para llevarlo al Cielo. 

Cosette y Marius se apresuran a decirle adiós. Valjean hace su confesión a Cosette de su vida pasada y Valjean fallece, uniéndose en el paraíso con el Obispo, Fantine, Enjolras, Eponine, Gavroche, Courfeyrac, Joly y los otros rebeldes asesinados en la barricada mientras cantan como han hecho a lo largo de toda la película. 

El desarrollo basado en el musical comenzó a finales de los años 1980. En 1988 Alan Parker fue considerado como director de una posible película musical basada en la obra teatral de Los Miserables. Sin embargo, en 1991 se confirmó que Bruce Beresford sería definitivamente el director de la cinta. 

En 1992, Cameron Mackintosh confirmó que la película sería co-producida por Tri-Star Pictures. Sin embargo, el proyecto fue abandonado dejándolo apenas en preparación. 

A principios de 2005, Mackintosh confirmó que estaba interesado en adaptar el musical en una película. Mackintosh dijo que quería que la película fuera dirigida por "alguien que tuviera una visión del show como fue en realidad, reuniendo al equipo original (incluyendo a Mackintosh) de vuelta al trabajo." También dijo que quería que las audiencias de la película fueran tan frescas como las del musical mismo. El lanzamiento en DVD Y Blu-ray de Les Misérables: 25th Anniversary Concert confirmó el anuncio de la película del musical. 

Tras la salida conmemorativa del 25º aniversario en octubre de 2010, el productor Cameron Mackintosh anunció que la película estaba en proceso. Para la director se pensó en Tom Hooper y en el guión en William Nicholson fueron contactados en marzo de 2011 siendo el productor Cameron Mackintosh. 

Los personajes principales fueron elegidos a lo largo de 2011. En junio del mismo año, Hugh Jackman comenzó las negociaciones para interpretar a Jean Valjean, y Paul Bettany como Javert. Otras estrellas que se unieron al proyecto fueron Anne Hathaway y Helena Bonham Carter. El primero en ser confirmado fue en septiembre de 2011, Jackman para hacer el papel de Valjean y Russell Crowe para el de Javert. 

Al mes siguiente, octubre de 2011, Cameron Mackintosh confirmó que Anne Hathaway encarnaría a Fantine. Días después, ya en noviembre de 2011, Eddie Redmayne se unió al reparto como Marius Pontmercy. 

A final de ese mes se informó de que la lista de actrices para el papel de Eponine incluía a Lea Michele, Taylor Swift, Scarlett Johansson y Evan Rachel Wood​ y el 2 de enero de 2012 se informó de que la que consiguió el papel fue Taylor Swift, superando a las otras actrices,​ para luego revelar que el papel en realidad sería para la actriz de Broadway Samantha Barks, que ya había interpretado a ese personaje en el teatro. 

En diciembre Sacha Baron Cohen se unió al reparto como Thénardier, el mismo día Aaron Tveit fue elegido como Enjolras, líder de los amigos del ABC. Un casting abierto para el papel de Cosette se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York el 10 de diciembre de 2011. 

Para primeros de enero de 2012 se informó de que Amanda Seyfried se unía al reparto como Cosette, la hija pobre de Fantine (Anne Hathaway). A final de ese mes de enero la revista Variety confirmó que George Blagden había sido elegido para el papel de Grantaire, el Cínico de la amigos del ABC, dando por terminada la elección del elenco. 

No obstante, en la página web Broadwayworld.com se confirmó que Cosette niña le dará vida Isabelle Allen Cast, mientras que en Screenterrier.blogspot.mx se confirmó la aparición de Daniel Huttlestone como el travieso pequeño y descarado Gavroche. 

El rodaje comenzó en marzo de 2012, y tuvo lugar en varias locaciones, incluyendo Greenwich, Londres, Chatham, Winchester y Portsmouth en Hampshire, Inglaterra, al igual que en Gourdon, en Francia. 

La película se estrenó en Londres el 5 de diciembre de 2012, y fue lanzada el 25 de diciembre del mismo año en Estados Unidos, el 26 de diciembre en Australia, y el 11 de enero de 2013 en Reino Unido. Les Misérables recaudó e $567.420.160 mundialmente y recibió críticas generalmente favorables especialmente alabando al reparto, y sobre todo la actuación de Hugh Jackman y Anne Hathaway. 

De entre las mismas destaca la de Peter Travers en Rolling Stone que dijo que "Además de ser una fiesta para los ojos y los oídos, 'Les Misérables' rezuma humor, desamor, una emocionante acción y un encantador romance. (...) es perfectamente maravillosa. " Una puntualización lo del ¿humor? Alguien debería explicarlo. 

Según Todd McCarthy en The Hollywood Reporter señala que "Tal y como demuestra el longevo éxito de la obra, habrá mucha gente emocionalmente susceptible que está preparada para tragarse esta cosa, pero ello no significa que sea buena." 

Para Justin Chang en las páginas de Variety estamos "Como fiel adaptación de un musical tan querido, 'Les Miserables' dejará muy satisfecha a su legión de fans. (...) La miseria y la agitación de la Francia de principios del siglo XIX se transmiten con una viveza de la que Victor Hugo estaría orgulloso." 

Richard Corliss en Time nos dice que "Las almas sensibles en busca de emociones dolorosas tienen garantizados sus momentos Kleenex (...). Pero aparte de la escena de apertura, no saldréis contentos desde el punto de vista cinematográfico. Esta es una mala película" 

Y en el Chicago Tribune Michael Phillips escribe que "La cámara se zarandea y menea como borracha (...). Así tenemos un martilleo de primeros planos (...) Yo sólo quería que alguien clavara la maldita cámara al suelo. " 

Ya en España Mariló García en Cinemanía destaca a un "Soberbio Hugh Jackman (...) es una gran película que podía haber sido excepcional, como el Musical. (...)" 

En Fotogramas M. Torreiro nos dice que "Hooper tampoco demuestra que sepa qué hacer con una cámara para rodar un musical. Sus criminales primeros planos (...) y una lamentable puesta en escena de grand guignol convierten al film en punto menos que deplorable" . Igualmente en esta revista Fausto Fernández comenta que "Hooper (...) plantea un melodrama cantado, no un musical. (...) Es lo más semejante a una película muda enganchada a los primeros planos de sus sufrientes protagonistas, extrayéndoles las emociones como un vampiro. (...) " 

Jordi Costa en El País dice de la película que es una "Sobrecarga emocional, barroquismo en las formas y un avasallador sentido del star-system. Es difícil que el público ganado de antemano se sienta decepcionado (...) No obstante, la caligrafía visual del director plantea más de un problema (eso sí, estimulante)" 

En la Razón Sergi Sánchez comenta que "Realza el limitado registro vocal de algunos actores (en especial, Russell Crowe) y las carencias del director (...) Hooper convence más en los momentos íntimos, en los que la proximidad del gesto se carga de sentido, en especial por Anne Hathaway" 

Según Oti Rodríguez Marchante en ABC dice que presenta "Una puesta en escena gloriosa, cuya perplejidad ya se plasma desde su secuencia inicial (...) y unas interpretaciones magníficas (...) Tan difícil como hacer esta gran película resulta, pues, criticarla. (...) " 

Luis Martínez en El Mundo que se trata de "Una película tan ampulosa, hueca y, finalmente, descabellada que, en efecto, asusta. (...) 'Los miserables', ese novelón decimonónico (...) se transforma de repente en lo más parecido a la cabalgata del orgullo gay que ha dado el simple desenfreno. (...) muy mala" 

Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia comenta que "Hooper y un espléndido grupo de intérpretes obran el prodigio de que 'Los miserables' pase como un soplo ante los ojos de un espectador que se emociona casi constantemente, haciendo suyos personajes y situaciones. (...) " 

En Argentina Fernando López en La Nación nos dice que "El film extraña (necesita) esa vida palpitante, esa pasión que Hathaway (justamente distinguida en los Globo de Oro) le entrega para convertirlo en una película genuina." 

Pablo O. Scholz en Clarín afirma que "Todo el elenco es un lujo en un filme con sus rubros artísticos -diseño de producción, iluminación, vestuario, maquillaje- en un altísimo nivel, que deja las emociones a flor de piel." 

En Página 12 Diego Brodersen asevera que "Tom Hooper (...) tomó una decisión osada, temeraria casi, que pudo haber dado como resultado una extravagancia genial o bien, como es el caso, un híbrido bombástico y, por momentos, un poco ridículo." 

En México Lucero Solórzano en Excélsior comenta que "'Los miserables' es una espectacular aventura cinematográfica que al público que gusta de los musicales le va a encantar." Y Mary Carmen Albarrán en Cine Premiere considera que "'Los miserables' utiliza planos cerrados, movimientos de cámara envolventes y un diseño de producción detallado a escala masiva para desmarcarse de su contraparte teatral. (...) " 

En cuanto a los Premios recibidos destacan los 3 Oscar en concreto a la mejor actriz de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería (Lisa Westcott y Julie Dartnell ) y Mejor sonido (Andy Nelson, Mark Paterson y Simon Hayes ) de sus 8 nomimaciones que incluían a la Mejor película (Tim Bevan, Eric Fellner , Debra Hayward y Cameron Mackintosh), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor canción original Suddenly escrita por Claude-Michel Schönberg, Herbert Kretzmer y Alain Boublil , el Mejor diseño de vestuario para Paco Delgado , así como el Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) que fueron nominados. 

En los Globos de Oro ganó otros tres premios Mejor película musical, actor (Jackman), actriz secundaria (Hathaway) , aunque fue nominada a la Mejor canción original por Suddenly. 

Obtuvo cuatro Premios BAFTA, de un total de nueve nominaciones incluyendo el de Mejor actriz secundaria o de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería y el de Mejor sonido para Simon Hayes, Andy Nelson, Mark Paterson, Jonathan Allen, Lee Walpole y John Warhurst. Fue nominada a la Mejor película , a la Mejor película británica , Mejor actor principal (Hugh Jackman), Mejor fotografía (Danny Cohen), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) , Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson ). 

El Círculo de Críticos de Nueva York nominó como Mejor actriz secundaria a Hathaway y el Festival de Cine de Hollywood premió al Mejor trailer ( Erin Wyatt) , productor del año (Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward y Cameron Mackintosh) y Premio del reflector a la actriz Samantha Barks como promesa. 

En los Critics Choice Awards, también conocidos como Broadcast Film Critics Association Awards consiguió el Premio a la Mejor actriz secundaria (Hathaway) de un total de 11 nominaciones entre las que se incluyen Mejor película , Mejor director (Tom Hooper), Mejor reparto , Mejor actor ( Hugh Jackman), Mejor canción (Suddenly), Mejor cinematografía (Danny Cohen), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor edición (Chris Dickens), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) y Mejor maquillaje (Lisa Westcott). 

En los Satellite Awards consiguió tres premios, incluyendo el de actriz de reparto (Hathaway) aunque Samantha Barks quedo igualmente nominada, mejor elenco , Mejor canción original (Suddenly) y mejor sonido (John Warhurst, Lee Walpole y Simon Hayes ) , pero nominaciones a Mejor película, Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actor de reparto (Eddie Redmayne), Mejor dirección de arte y diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado), Mejor edición (Chris Dickens). 

La National Board of Review (NBR) que lo incluyó entre los 10 mejores films y Mejor reparto y por la American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año.

La Asociación de Críticos de Los Angeles fue nominada a Mejor actriz sec. (Hathaway) y la Asociación de Críticos de Chicago dio tres nominaciones incluyendo mejor actriz secundaria (Hathaway), Mejor dirección de arte y Actriz más prometedora ( Samantha Barks). 

En los Houston Film Critics Society nominó y premió en varios apartados como Mejor película, Mejor director (Tom Hooper), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor fotografía ( Danny Cohen) ganando el de Mejor actriz de reparto (Anne Hathaway) y Mejor canción original (Suddenly). 

La Washington D.C. Area Film Critics Association concedió el premio al mejor elenco, a Anne Hathaway, mientras que las nominaciones fueron a Mejor película , Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actriz de reparto (Samantha Barks), Mejor director (Tom Hooper), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) y Mejor fotografía (Danny Cohen.

En los London Film Critics Circle a la mejor Película británica del año , Actor del año (Hugh Jackman) , Actriz británica joven del año (Samantha Barks) y ganado la de Actriz de reparto del año ( Anne Hathaway).

En lo referente a los grandes sindicatos , el de Directores (DGA) nominó a Tom Hooper a Mejor director; el de Productores (PGA) a la Mejor película y el de Actores (SAG) consiguiendo a Mejor actriz secundaria (Hathaway) con un total de 4 nominaciones. 

En cuanto a la película he visto muchas luces y alguna sombra. Entre las luces el gran inicio, espectacular con los dos protagonistas masculinos Jean Valjean y Javert en el astillero, lo dicho espectacular. Entre los peros no está la música, pero sí por mi parte el desconocimiento de la misma puesto que no he visto previamente el musical. Reconocer que la adaptación de los actores a la simulación vocal es brillante destacando en el papel Hugh Jackman alejada de aquel papel de pirata cantarín de pésimo recuerdo en El país de nunca jamás. 

Por otro lado reconocer el carácter folletinesco de la historia de alto contenido melodramático - no entiendo eso del humor del que hablaba uno de los críticos- , todo ello enmarcado , eso sí, en unos espacios muy logrados por lo que se mueve un impresionante elenco en el que , efectivamente, destaca Anne Hathaway. También valorar y mucho los vestuarios , el maquillaje la fotografía que hace que el espectáculo sea vistoso.

Mamma Mia!

Es la tercera vez que he perdido la película y una el musical. La primera vez que vi la película en el año 2009 me pareció un auténtico horror. Una historia sin pies ni cabeza, un sinsentido en la que me parecía inexplicable que actores de la talla de Meryl Streep, Pierce Brosnan, Stellan Skarsgård o Colin Firth (al resto, Amanda Seyfried, Christine Baranski, Julie Walters, ni las conocía) participaran en este majadería. Claro, la música una maravilla, pero cantada por ellos, era como ver un mal karaoke.

Pero ¡torpe de mí! desconocía que era la traslación al cine, casi literal del musical de ABBA, del que sí sabía su existencia, aunque este provinciano que escribe esto estaba al margen de haberla visto. Ni me plantear volver a verla, pero claro - reconozcámoslo - aunque parezca un moñas, la música me encantaba. ¡Cómo no me iba a gustar a mi , teniendo la edad que tengo canciones como"Dancing Queen", "Super Trouper", "Thank You for the Music", Lay All Your Love on Me", "Voulez Vous", "SOS", "Knowing Me, Knowing You", "The Winner Takes It All", "Take a Chance on Me" "Mamma Mia" o "Money, Money, Money". Eso sí, faltaba Fernando. 

Estaba claro que había que darle tiempo al tiempo...y se lo di. Era sábado 24 de septiembre de 2016 y el musical de Mamma Mía venía al gran teatro de mi provinciana ciudad. 

Una obra teatral que se había estrenado en España en 2008 en el Teatro Lope de Vega de Madrid y que ya había visto más de 2,5 millones de personas , entre los que yo no me encontraba. El espectáculo en el que trabajaban 75 personas tenía como gran actriz protagonista a la cantante Nina, que venía en el papel de Donna, y junto a ella, actrices y actores como Eva Diago, Olga Hueso, Nando González, Albert Muntanyola, Paul Berrondo, Carlos Solano o Clara Albarribia. Se trataba de un montaje, producido por Stage Enternainment e inspirado al 100 % en el Mamma Mia! , el musical teatral dirigido por Catherine Johnson en 1999 y escrito por Benny Andersson y Björn Ulvaeus, dos de los fundadores de ABBA autores de las canciones, y que estuvieron involucrados en el proyecto desde sus inicios, mientras que Anni-Frid Lyngstad, una de las vocalistas, también ha participado en la financiación. 

Lo cierto es que , conociendo toda la historia por la película, el musical sí que me gustó , especialmente por la música y por como se desarrollo en el escenario, así que era el momento de volverle a dar otra oportunidad a la versión cinematográfica del año 2008 y que tanto repudié , sí aquella que estuvo bajo la dirección de Phyllida Lloyd y que fue protagonizada por Meryl Streep, Amanda Seyfried, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Stellan Skarsgård, Colin Firth y Dominic Cooper. 

La película fue producida por Universal Studios junto a la compañía de Tom Hanks , Playtone , y Littlestar contando con un presupuesto de 52 millones de dólares. Fue estrenada el 3 de julio de 2008 en Grecia - cómo no- y el 18 de julio en los Estados Unidos. La recaudación , mareante, ha sido de unos 609.841.637 de dólares. 

Se trataba de una producción de Judy Craymer y Gary Goetzman. Al igual que el musical original, la película contó con guión ¡ lo siento, la pongo con tilde , aunque la RAE, dichosa RAE, desde 2010, lo eliminó - de Catherine Johnson junto a Benny Andersson y Björn Ulvaeus (basada en el musical Mamma Mia! ) y contó con la dirección de Phyllida Lloyd. 

Lo cierto es que en la producción estaban los integrantes de ABBA, Benny Andersson y Björn Ulvaeus, junto a Gary Goetzman, Tom Hanks y Rita Wilson. La música , evidentemente, era de Stig Anderson, Benny Andersson y Björn Ulvaeus. Para la luminosa fotografía se contó con Haris Zambarloukos y la escenografía de Haris Zambarloukos, así como el montaje de Lesley Walker. 

La película , coral en el sentido más amplio del término, está protagonizada por Meryl Streep como Donna Sheridan, Amanda Seyfried como Sophie - la hija de Donna- , Christine Baranski como Tanya, Julie Walters como Rosie, así como los tres hombres que quieren saber quién de ellos es el padre de Sophie como son Pierce Brosnan como Sam, Stellan Skarsgård como Bill, Colin Firth como Harry. A ellos se suman el novio de Sophie , que esta interpretado por Dominic Cooper como Sky.

Poco antes de casarse, Sophie Sheridan (Amanda Seyfried), una joven de veinte años que vive con su madre Donna que regenta un hotel en la isla griega de Kalokairi, invita a tres hombres a su boda con Sky (Dominic Cooper) con la esperanza de poder averiguar quién de ellos es su padre, ya que su madre, Donna (Meryl Streep), nunca le ha dicho quién es su padre y decide invitarlos a su boda sin que su madre se entere. 

La víspera del enlace, Sophie muestra el diario de juventud de Donna a sus damas de honor Ali y Lisa, y les cuenta que hay tres hombres que podrían ser su padre — Sam Carmichael (Pierce Brosnan), Bill Austin (Stellan Skarsgård) y Harry Bright (Colin Firth) — y que los tres vienen a la celebración sin que su madre lo sepa (mientras suena "Honey, Honey"). 

Mientras tanto, Donna comienza a recibir a los invitados en la taberna que regenta en la isla. Las primeras en llegar son sus viejas amigas Tanya(Christine Baranski) y Rosie (Julie Walters) . Tanya es una mujer rica y tres veces divorciada, mientras que Rosie es una soltera empedernida y escritora de éxito, especialmente de temas culinarios. En el pasado, Donna, Tanya y Rosie formaron un grupo musical llamado Donna y las Dynamos. 

Las tres amigas se ponen al día y Donna confiesa las dificultades que ha tenido para sacar adelante el hotel ella sola ("Money, Money, Money"). 

Poco después llegan los tres posibles padres de Sophie, en un barco capitaneado por el más aventurero de los tres Bill. Vemos la personalidad de cada uno de ellos. Sam (es un arquitecto que abandonó a Donna, ya que tenía un compromiso de boda con otra mujer), Bill (un escritor y aventurero que visitó la isla en su juventud puesto que vivía allí su abuela) y Harry (un banquero británico, que en su momento era rockero). 

Tras un primer encuentro de los tres con Sophie les pide que no le cuenten a su madre que ha sido ella quien les ha invitado , y a los que coloca en el cobertizo de la casa, algo que se hace bajo la canción "Thank You for the Music". 

Al descubrir a sus examantes, Donna se queda en estado de shock ("Mamma Mia") y se encierra en su habitación llorando, ante lo que sus amigas Tanya y Rosie intentan consolarla ("Chiquitita") y, cuando Donna admite que no sabe quién es el padre de Sophie, le dicen que no tiene nada de qué avergonzarse y la animan a que vuelva a ser la mujer alegre que fue en el pasado ("Dancing Queen").

Sophie confiaba en que reconocería a su padre nada más verlo, pero después del primer encuentro con los tres candidatos se siente más confundida que nunca. 

La joven intenta hablar con su prometido Sky, pero no se atreve a confesarle el lío que ha organizado. Sky trata de animarla y le dice que no hay que complicarse tanto. Pepper, Eddie y el resto de amigos de Sky se lo llevan para celebrar su despedida de soltero ("Lay All Your Love on Me") en el baile más hortera de toda la película. 

En la despedida de soltera de Sophie, Donna y las Dynamos interpretan una canción vestidas con los trajes que utilizaban en la época del grupo ("Super Trouper"). 

De pronto, Sam, Bill y Harry que se han pasado el día navegando ya que Donna no quiere verlos por la isla, aparecen a la fiesta y, aunque en principio la celebración es solo para mujeres, las invitadas les convencen para que se queden ("Gimme! Gimme! Gimme!"). 

Sophie se dirige a Sam y cuando él le pregunta el motivo por el que lo ha traído a la isla, la joven se siente culpable y se va a hablar con Harry. Harry le pregunta que si su padre estará en la boda y ella le confiesa que no sabe quién es. 

Finalmente, charlando con Bill, Sophie descubre que la mujer de la que su madre heredó el dinero con el que montó el hotel - que, por cierto, diseñó Sam, es en realidad la abuela Sophia de Bill. Los dos llegan a la conclusión de que Bill es el padre de Sophie, ya que Bill sabe que su abuela se lo dejó a un pariente el dinero de la herencia. Sophie le pide a Bill que la acompañe al altar. Sophie insiste en no contarle nada a su madre y finalmente Bill acepta ("The Name of the Game"). 

En ese momento, los chicos llegan de la despedida de soltero de Sky con unas mascaras y todo el mundo se pone a bailar. Sam aparta a Sophie a un lado y le cuenta que ha averiguado el motivo por el que le invitó a la boda. Él ha deducido que es su padre y le promete llevarla del brazo hasta el altar. La joven no sabe qué decirle. 

Entonces Harry se acerca a Sophie y le pide disculpas por haber tardado tanto en darse cuenta de que es su hija e igualmente se compromete a acompañarla al altar. Sophie abandona la fiesta totalmente disgustada, ya que ha cogido cariño a sus tres posibles padres y no quiere rechazar a ninguno. Mientras las chicas y los chicos bailan al son de "Voulez-Vous". 

Por la mañana, Sophie está de mal humor así que Donna da por hecho que quiere cancelar la boda y se ofrece para hacerse cargo de todo. Ofendida por la proposición, Sophie le dice que, a diferencia de ella, sus hijos no crecerán sin saber quién es su padre y se marcha muy cabreada. Donna rememora su romance fallido con Sam cuando éste llega de improvisto ("One of Us"). El arquitecto trata de acercase a ella, pero Donna todavía le guarda rencor por haberla abandonado y al que responsabiliza de todo lo que pasí después con sus otros dos amantes, casi por despecho. Aun así, parece que Sam fue su verdadero amor y, aunque ninguno lo reconoce, a los dos les gustaría poder retroceder en el tiempo ("SOS"'). 

Mientras en la playa, Harry le pregunta a Tanya que qué se supone que tiene que hacer el padre de una novia y ella le cuenta que el suyo le dio algunos consejos y pagó la boda. Poco depués, el chico de color que se parece a Marcelo , el del Madrid, Pepper, intenta ligar con Tanya, ya que anoche algo hubo, pero ella lo rechaza bajo la interpretación de "Does Your Mother Know". 

Sky descubre el plan secreto de Sophie y se enfada con su prometida al pensar que sólo ha querido casarse para descubrir quién es su padre. Sky se marcha enfadado. 

Harry, por su parte, ofrece a Donna un cheque para correr con los gastos de la boda y juntos recuerdan su romance de juventud ("Our Last Summer"). 

Tras ello Donna va a la habitación de una cansada Sophie y le ayuda a vestirse de novia sin creerse todavía que su hija vaya a casarse ("Slipping Through My Fingers"). Donna le cuenta que su propia madre la repudió cuando se enteró de que estaba embarazada. Madre e hija se reconcilian y Sophie le pide a Donna que sea ella quien la acompañe al altar. 

Rosie poco a poco se va sintiendo atraída por Bill que reafirma su preferencia por la vida de soltero, pero Rosie, que ha empezado a sentirse atraída por él, le insta a reconsiderarlo. Cuando están a punto de tener algo, los invitados comienzan a llegar, dejando a Rosie sofocada ("Take a Chance on Me").

La boda va a tener lugar en un santuario al borde del mar situado en los alto de un escarpe. Para llegar a él hay todo un camino. Hacia allí se encaminan todos . 

Donna y Sam se encuentran en el trayecto, y Sam tiene intención de hablar de nuevo con Donna, pero ella no quiere verlo y le pide que se marche. Él se niega y entonces estalla una amarga discusión entre los dos. Donna confiesa a Sam que le rompió el corazón cuando la abandonó para casarse con su prometida ("The Winner Takes It All"). Ambos siguen enamorados, pero Donna no lo reconoce. 

La boda empieza con Sophie caminando hacia el altar del brazo de su madre. Antes de que el cura comience la ceremonia, Donna les hace saber a todos que el padre de Sophie está presente en la sala. Sophie confiesa que ya estaba al tanto y entonces Donna se da cuenta de que fue su hija quien invitó a la boda a sus tres antiguos amantes. 

El misterio de la identidad del padre biológico de Sophie queda sin resolver, ya que en realidad, nadie la sabe a ciencia cierta, pero los tres involucrados están encantados de compartir tal honor y de formar parte de la vida de Sophie. Harry de hecho reconoce que fue su primer y único amor, al menos con una mujer. 

De repente, Sophie detiene la ceremonia. No se siente lista para casarse y Sky está de acuerdo. Sam ve la oportunidad y le propone matrimonio a Donna para no desaprovechar la boda que ya está organizada. Él confiesa que siempre la ha querido y que cuando se marchó para casarse, se arrepintió, canceló la boda y volvió a la isla, pero se encontró con que Donna estaba liada con Bill. Entonces regresó, se casó con su prometida y tuvo dos hijos, pero el matrimonio no funcionó y terminó divorciándose. Sorprendentemente, Donna acepta y finalmente se casa con Sam ("I Do, I Do, I Do, I Do, I Do"), por la noche tiene lugar la cena de cualquier manera en ella están Sam con Donna, ya casado, Harry que revela que es gay está tonteando con un lugareño y Bill que es perseguido por Rosie, hasta que finalmente caen mientras todo el mundo baila y brota la fuente de Afrodita que, según la leyenda, estaba en la isla. 

A la mañana siguiente Sophie y Sky deciden dejar la isla para conocer el mundo ("I Have a Dream") . Tras los saludos finales,salen los títulos de crédito mientras que Donna y las Dynamos se disponen a interpretar tres canciones como un añadido final  ("Dancing Queen", "Mamma Mia" y "Waterloo") con Donna, Tanya, Rosie, a los que se unen Sam, Bill y Harry vestidos al estilo de ABBA, invitando a todo el público a unirse a la fiesta, acabando así la película. 

Aunque algunas escenas fueron grabadas en las islas de Skópelos y Skiathos en Grecia, la mayoría se filmaron en el escenario 007 de los estudios cinematográficos Pinewood Studios (donde estaban ubicadas las oficinas de producción del filme), debido a que allí se podía controlar la luz y la temperatura. Universal Estudios y Playtone lanzaron una intensa campaña de publicidad . 

La publicidad de Mamma Mia! logró juntar públicamente a los cuatro miembros del grupo musical ABBA, después de más de 20 años de no ser fotografiados juntos. 

Mamma Mia! recibió críticas positivas. La actuación de Meryl Streep ha sido aclamada por los críticos, de los cuales varios notaron que Streep puede cantar y hacer una comedia a lo grande. Otros críticos como Pole , comentaron que la película es "graciosa, hermosa e inteligente, todos los actores son geniales con sus documentos, pero especialmente cantando". 

Otros críticos como Ray Benett del Hollywood Reporter escribieron que Mamma Mia! sería lo más divertido en la pantalla grande de ese verano y de varios veranos del futuro. 

Richard Mowe de Box Office Magazine declaró que la película es genial y Prairie Miller, crítico para la revista estadounidense NewsBlaze, escribió que las actuaciones son geniales y no sería una sorpresa que Meryl Streep fuera nominada por 15.ª vez al oscar. Sin embargo, no lo fue. 

Eso sí, la película obtuvo algunos premios como dos Nominaciones al Globo de Oro a la Mejor película Comedia o Musical, y a la mejpor actriz (Streep) y tres Nominaciones a los Premios BAFTA, al Mejor film británico, al mejor debut y a la mejor banda sonora. Sin embargo, consiguió igualmente un Premios Razzie al Peor actor (Pierce Brosnan). 

Algunos críticos la alabaron como Mick LaSalle que escribió sobre ella en el San Francisco Chronicle que "¡Mamma mía! es divertida, la música es magnífica y el reparto es atractivo." 

En esa misma línea Claudia Puig de USA Today comentaba que "Su bonachona simpleza es contagiosa. Cuando Streep corre cantando a través de un pueblecito griego, es como un animado homenaje a 'Sonrisas y lágrimas'. (...) " 

Más o menos, Joe Morgenstern en The Wall Street Journal es de la misma opinión al decir que "Sí, por supuesto que es un entretenimiento algo pasado de moda, pero es que realmente es muy, muy entretenida." 

Menos complaciente fue A. O. Scott en las páginas de The New York Times al decir que "Se puede pasar un rato perfectamente agradable viendo esta animada adaptación del popular musical. Y luego, una vez que se te pasa la resaca, darte cuenta de lo mala que es." 

Crítico igualmente fue Jordan Mintzer que en The Hollywood Reporter dejó por escrito que "La guionista y creadora Catherine Johnson (...) y el veterano de los musicales Lloyd parecen no poder encontrar el tono o el estilo adecuado para su mundialmente famoso material" 

Peter Travers en Rolling Stone alaba a la actiz principal al decir que "Meryl Streep puede hacer cualquier cosa: cantar, bailar, hacer acrobacias, actuar con el corazón. Es ella quien (casi) salva esta torpe y recargada versión cinematográfica del musical Abba" 

Roger Ebert en su crónica del Chicago Sun-Times dijo "Esta película no fue hecha para mí. Fue hecha para las personas a las que les encantará (...). El musical ha vendido 30 millones de entradas, así que me siento como un aguafiestas (...) " 

En esta linea fue Michael Phillips al escribir en otro diario de Illinois , en el Chicago Tribune, que "Es curioso lo que a uno le funciona totalmente en el escenario y en cambio se resiste por completo, o casi, a una adaptación para la pantalla. Ejemplo de ello: 'Mamma Mia'" 

Ya en España Jordi Costa en El País sostuvo al igual que Ray Bennett del Hollywood Reporter que era "La más veraniega (no necesariamente la mejor) película de este verano, un helado al limón que se derrite (...) Película con estética de Club de Vacaciones y descuidadísima puesta en escena, trivializa algunos clásicos (...) al tiempo que amplifica la fuerza de otros" 

Alberto Bermejo en El Mundo valora su técnica es "Impecable, vibrante y socarrona versión cinematográfica (...) rodada con gusto y eficacia y repleta de momentos coreográficamente exultantes (...) interpretación apabullante de Meryl Streep (...) ." 

La película fue lanzada en Grecia el 3 de julio, y en su semana de estreno recaudó 1.602.646 dólares, logrando la posición número 1 en dicho país. En Egipto también logró posicionarse en la cima de la taquilla egipcia. En el Reino Unido también abrió en la posición número uno y se mantuvo en esa posición por dos semanas. Mamma Mia! ha sido número uno en más de 12 países y mundialmente ha recaudado más de 609.841.637 dólares, de los cuales 144.130.063 dólares fueron en Estados Unidos y 465,711,574 dólares en el resto del mundo. 

Hasta la fecha es uno de los musicales que más dinero ha recaudado en la historia del cine. Yo decir que , realmente lo que más valoro de la película, ¡vale, soy un poco moñas en esta ocasión! su música integrada por los éxitos de ABBA, inolvidables como I Have A Dream , Honey, Honey Sophie,, Money, Money, Money , Mamma Mia , Chiquitita , Dancing Queen Our Last Summer Sophie, Lay All Your Love On Me , Super-trouper , Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), The Name Of The Game , Voulez Vous , S.O.S. , Does Your Mother Know? , Slipping Through My Fingers , The Winner Takes It All, I Do, I Do, I Do, I Do, I Do , When All Is Said And Done , Take A Chance On Me, Waterloo y Thank You For The Music. 

He visto que en la versión cinematográfica se eliminaron varios números musicales como "Under Attack", "One of Us", "Knowing Me, Knowing You" o "Thank You for the Music", aunque "Knowing Me, Knowing You" puede escucharse tocada por la banda en la escena de la boda y "Thank You for the Music" suena en los créditos finales tras un reprise de "Dancing Queen" y "Waterloo". La canción "When All Is Said and Done", que no está presente en el musical, mientras que "Our Last Summer" cambia de lugar y pasa a ser cantada por Harry, Sam, Bill, Sophie y Donna poco después de la llegada de los tres posibles padres a la isla. "The Name of the Game" fue filmada, pero finalmente se suprimió del metraje definitivo y únicamente aparece en la banda sonora y en los extras de la edición en DVD y Blu-ray.

Pero es más, no hay que preocuparse , pues las canciones que no salieron ¡ Fernando, eso va por ti! parecen que volverán en breve plazo pues, entre otros, el  The Hollywood Reporter anunciaba la pasada primavera que las negociaciones con la Universal para recuperar la historia de  'Mamma Mia ' en una segunda entrega iban por buen camino.

Con el nombre de 'Mamma Mia: Here We Go Again' la película será  a la vez una  precuela y secuela del musical original , por lo que contaría con el mismo equipo de actores y actrices , pasando la dirección de la misma a Ol Parker.

Para las escenas del pasado la cinta contará con una nueva actriz que interpretará el papel de Streep, así como sus tres pretendientes. La idea es rescatar las canciones de ABBA que quedaron fuera de la primera película, mientras se explora el pasado y futuro de los personajes protagonistas.

Durante largo tiempo  la multipremiada actriz protagonista de Mamma Mia ha sido la que más ha perseverado para que  el proyecto siguiese adelante, pese a las reticencias de los compositores de ABBA Benny Anderson y Björn Ulvaeus.

La secuela se encuentra en encontraba en primavera en proceso de preproducción con la creadora de la música original de la primera película Judy Craymer. 

Para terminar decir que la película es una tontería, pero tiene el acierto de ser alegre. Tras ver en el musical, que por cierto se ha entrenado en cerca de 500 ciudades del planeta, mi resistencia hacia ella sucumbió , así que he vuelto a verla en dos ocasiones más. Anoche la vi con mi mujer, y efectivamente, es una inyección de energía positiva . 

La película invita a sonreír más que a reír, pero sobre todo a cantar y a bailar. Al fin y al cabo, son 43 años los que llevo escuchando la música de ABBA tras su éxito con Waterloo - por favor Puigdemont, no nos arruines el recuerdo amable de esa ciudad, el bélico napoleónico es imborrable- con una música y unas canciones que están presentes en la memoria colectiva de muchas generaciones.