Drugstore cowboy

Siempre me ha gustado la canción "The Israelites" que compuso en 1968 el jamaicano Desmond Dekker, una canción pionera del reggae que narra la pobreza y la lucha diaria de la clase trabajadora jamaicana. 

La letra utilizaba la metáfora bíblica de los israelitas esclavizados para describir la dura vida de sus vecinos, enfocándose en la falta de dinero y la lucha por sobrevivir ("slaving for bread", es decir, esclavizados por el pan o lo que es lo mismo luchando por sobrevivir). 

Dekker usó a los "Israelitas" como símbolo de un pueblo resistente frente a la adversidad económica, inspirado por una pareja que discutía por dinero en un parque. A tener presente que no es una canción religiosa, sino un reflejo de la realidad de la Jamaica post-independencia, donde la pobreza era extrema.

Desmond Dekker y su canción The Israelíes aparece en mitad y al fin del filme, un filme que transcurre en la bella localidad de Porland en Oregón y que dirige Gus van Sant y que también participa en el guion junto a Daniel Yost y un sorprendente William S. Burroughs con un diálogo adicional y sin créditos, aunque con presencia como el padre Tom Murphy. El punto de partida está basada en la novela autobiográfica de James Fogle, Un ladrón y asaltante de farmacias, para contarnos la historia de un drogadicto que roba en farmacias y que él y su banda consumen pastillas y evaden la ley. Fue la segunda película de Van Sant como director, después de su debut en 1988 Mala Noche . 

En este magnífico film independiente del año 1989 producido por Karen Murphy y Nick Wechsler para Avenue Pictures y la Metro Goldwyn Mayer y que manejó un presupuesto de 2,5 millones de dólares trabajó en el diseño de producción David Brisbin. 

La película fue el lanzamiento aunque ya era un actor contrastado de Matt Dillon como Bob Hughes, Kelly Lynch como la novia del anterior, Dianne , James LeGros como el joven Rick, la bellísima Heather Graham como Nadine, Ericj Hull, Max Perlich como David, James Remar como Gentry, Grace Zabriskie como Sra. Hughes, la madre del protagonista - y John Kelly. 

La banda sonora de la película fue compuesta por Elliot Goldenthal y contó con la fotografía de Robert Yeoman y el montaje de Mary Bauer y Curtiss Clayton. 

Una imagen cenital nos muestra al protagonista. Éste reflexiona sobre su pasado, pero también sobre su presente. En un momento dado descubrimos que está en el interior de una ambulancia. 

Estamos en 1971 en el área de Portland, Bob Hughes (Matt Dillon) lidera una banda de cuatro delincuentes toxicómanos —su esposa Dianne, su mejor amigo, Rick, y la novia adolescente de este, Nadine— que viajan por el noroeste del Pacífico robando farmacias y hospitales para mantener y cubrir su adicción a las drogas. 

Tras robar en una farmacia del barrio, regresan a casa para drogarse y reciben la visita de David, un delincuente local que busca Dilaudid , difícil de encontrar . Bob afirma que no tienen, pero le ofrece cambiarle morfina por anfetaminas . Aunque al principio se muestra reacio, David accede al intercambio y se marcha. 

Más tarde, unos agentes de policía, liderados por el detective Gentry, quien supone correctamente que el grupo es responsable del robo en la farmacia, allanan y destrozan su apartamento en una búsqueda infructuosa de las drogas robadas, que Dianne ha enterrado en el exterior. 

Tras mudarse a otro apartamento, Bob se da cuenta de que Gentry los tiene bajo vigilancia. Bob idea una elaborada estratagema que provoca que un vecino confunda a uno de los policías, Trousinski, con un mirón y le dispare, hiriéndolo. 

Al día siguiente, un furioso Gentry ataca a Bob y los cuatro deciden marcharse de la ciudad, iniciando una loca aventura por otras localidades del oeste. Así, tras un atraco a una farmacia por parte de Bob, Rick y Nadine, esta última comete un error que enfurece a Bob. 

Bob, que es un supersticioso, al igual que su mujer Diane (Kelly Lynch), así el día que Nadine (Heather Graham) y Rick (James LeGros) les proponen comprar un perro, Bob se enfada pues cree que el simple hecho de mencionar a un perro ya trae 30 días de mala suerte y así les avisa que tampoco dejen un sombrero encima de una cama, pues eso serían 15 años de mala suerte. Pero Nadine decide dejar un sombrero encima de una cama antes de un gran atraco en el que no está invitada a participar, para demostrar a Bob que sus supersticiones son una tontería. 

Con todo, y creyendo que les han echado una maldición , el grupo se lanza a robar una farmacia por una ventanuco que encuentran abierta . En el interior entre su botín de viales de Dilaudid en polvo puro, cada uno valorado en miles de dólares. 

Bob, con la frase «cuando estás en la cima, estás en la cima», convence a Dianne de que debería robar un hospital. 

Durante el atraco, Bob casi es sorprendido y tiene que ocultarse toda la noche. Por su parte, Rick y Diane vuelven a casa creyendo que lo han atrapado y descubren el cuerpo inerte de Nadine, que ha fallecido debido a una sobredosis de Dilaudid robada (pese a que hasta ese momento era la que menos consumía del grupo). 

Cuando Bob llega a casa poco después de ellos, descubre lo que ha sucedido y ve el sombrero encima de la cama. De todas maneras esconden a la chica en el sobretecho.

Al día siguiente, el dueño del motel donde se hospedan les avisa de que tienen que dejar la habitación debido a una convención de policías que se celebrará en la ciudad, por lo que todas las habitaciones del motel se encuentran reservadas. Tras guardar temporalmente el cuerpo de Nadine en el ático del motel, y dado el aviso del gerente deciden marcharse. 

Bob, con una ansiedad tremenda y visiones de esposas y prisión provocadas por el estrés, saca el cuerpo del motel a escondidas en una funda para ropa. 

Antes de enterrar a Nadine en el bosque, Bob le dice a Dianne que va a dejar las drogas y empezar un programa de tratamiento con metadona de 21 días . Conmocionada por la decisión de Bob, Dianne se niega a acompañarlo. 

De vuelta a Portand Bob decide dejar las drogas y el camino de la delincuencia, algo que no le hace ninguna gracia a Diane, su esposa y compañera de siempre, quien no desea dejar las drogas. Por ello Bob ya en su ciudad natal (tras enterrar el cuerpo de Nadine en un bosque) se apunta a un programa de metadona y encuentra un trabajo de tornero.

Bob se muda a un motel de larga estancia en Portland y consiguiendo el trabajo de baja categoría en una fábrica descubre en la clínica de metadona  a un sacerdote anciano y drogadicto llamado Tom, a quien Bob recuerda de sus días como monaguillo .

Gentry visita el motel y comenta que Trousinski ha estado amenazando con darle una paliza a Bob, a quien anima a mantenerse sobrio. 

Más tarde, Bob presencia cómo David intimida a un joven que supuestamente le debe dinero. Bob interviene y deja escapar al hombre, para gran frustración de David. 

Tras pasar un tiempo en su ciudad recibe una visita inesperada de Diane. Ella le revela que ahora tiene una relación con Rick, el nuevo líder del grupo. Dianne le pregunta a Bob qué sucedió en el camino para que cambiara su vida, y él responde que la muerte de Nadine, el maleficio que ella les lanzó y la posibilidad de una larga condena de prisión contribuyeron a su decisión. Bob revela un pacto que hizo con un poder superior: si lograba sacar el cuerpo de Nadine del motel, burlar a la policía y enterrarlo, enderezaría su vida. 

Bob le sugiere a Dianne que se quede a pasar la noche con él, pero ella se niega y le entrega un paquete de drogas antes de irse. Bob le da las drogas a Tom (quien las rechaza todas excepto un frasco de Dilaudid). Ella le desea suerte. 

Acto seguido, los antiguos conocidos de Bob -aunque en este momento enmascarados- , encabezados por David, a los que solía timar, afectados por el síndrome de abstinencia, van a su casa en busca de drogas, creyendo que este aún posee algo. Al no encontrar nada, Bob les dice que está limpio, pero David no le cree y le dispara.   

Un vecino llama para pedir ayuda y suben a Bob a una camilla. Cuando le preguntan quién le disparó, Bob le dice a Gentry que fue "el sombrero". 

Mientras viaja en la ambulancia, Bob concluye, mediante una voz en off, que ha "pagado su deuda con el sombrero" y que, por lo tanto, puede retomar su antiguo estilo de vida sin romper su compromiso. Le divierte la ironía que supone que la policía lo lleve a un hospital: "la farmacia más grande de la ciudad". Y mientras es llevado por la ambulancia al hospital piensa en los aciertos y errores de su vida, deseando que, más allá de ellos, pueda sobrevivir a todo lo acontecido, acabando así la película.

El rodaje principal de Drugstore Cowboy tuvo lugar en Portland en otoño de 1988. Se incluyó un área en el Pearl District que solía ser una estación de ferrocarril , con un viaducto que la cruzaba.  Las Columnas Lovejoy , que antiguamente sostenían el viaducto y exhiben arte marginal , aparecen en la película. La escena inicial de la farmacia se filmó en la farmacia Nob Hill en la calle NW Glisan.

Antes del rodaje, Van Sant y los actores principales pasaron tiempo juntos ensayando y visitando las locaciones de filmación.  Lynch dijo sobre los ensayos: "Lo que Gus quería de esos ensayos era que nos convirtiéramos en una familia, para que cuando llegáramos a filmar, Heather Graham, de 19 años, no se sintiera intimidada por Matt Dillon. Habíamos superado esas cosas y nos convertimos en un aquelarre de actores que pasaban el rato, decían sus diálogos y jugaban juntos. Eso me pareció genial". 

Tom Waits fue la primera opción de Van Sant para interpretar el papel principal, el de Bob, que finalmente pasó a Matt Dillon, aunque la compañía financiera no lo habría apoyado si lo hubiera elegido. Oficialmente, la razón dada fue que Waits estaba participando en otra película que estaban financiando, aunque Van Sant ha dicho que sospechaba que el premio Óscar que ganó Kiss of the Spider Woman , una película que también habían financiado, los había llevado a querer un protagonista que pudiera ganar un Óscar. Finalmente, Dillon fue elegido para el papel de Bob Hughes. 

Para prepararse para su papel, Dillon se reunió con drogadictos activos y recuperados. La bella Kelly Lynch fue elegida para coprotagonizar junto a Dillon el papel de Dianne, la esposa de Bob.  Lynch se basó en su experiencia de adicción a los opioides tras sufrir un grave accidente de tráfico por colisión frontal a los veinte años, que le fracturó ambas piernas (casi requiriendo la amputación de ambas) y la mantuvo hospitalizada durante un año.  "En lugar de reducirme la dosis , [los médicos] me la retiraron por completo, y sufrí un síndrome de abstinencia terrible que duró unos tres días; fue como descender a las entrañas del infierno", recordó Lynch. "Así que le dije a mi agente que sabía lo que era ser una drogadicta y que era perfecta para este papel. Fui a la audición y conseguí el papel ese mismo día".  

James LeGros y Heather Graham, quienes interpretan a los amantes Rick y Nadine, respectivamente, audicionaron para los papeles y fueron elegidos por Van Sant basándose en fotos Polaroid que les tomó. 

El productor Nick Wechsler recordó: "Era algo al estilo Warhol . Las colgaba en la pared, y la energía que transmitían le ayudaba a decidir a quién elegir para la película. Cuando Heather Graham llegó, su Polaroid simplemente resaltó". 

El rodaje comenzó el 26 de septiembre de 1988,  con un calendario de rodaje de aproximadamente seis semanas. 

La película se estrenó en cines en Estados Unidos el 6 de octubre de 1989. Recibió una gran canbtidad de premios y una aclamación de la crítica cinematográfica, que elogió las interpretaciones, la representación realista de la drogadicción y su humor negro. Entre los Premio recibió el CICAE en el 40 Festival Internacional de Berlín 1990 

Obtuvo numerosos galardones de asociaciones de críticos de cine tanto de Los Ángeles como el Círculo de Críticos de Nueva York por su guion; en los National Society of Film Critics se le premió a la mejor película , director y guion; en la quinta edición de los Independent Spirit Awards cuatro premios en los Independent Spirit Awards de sus ocho categorías nominadas . Desde su estreno, la película ha adquirido estatus de culto.

En su reseña impresa para el Chicago Sun-Times , Roger Ebert describió a Dillon como quien ofreció "una de las mejores actuaciones recientes del cine estadounidense" y destacó cómo la película tuvo éxito al retratar a los personajes no como "malas personas [sino] personas enfermas" que formaron una familia poco convencional para sobrellevar "la desesperación en sus vidas". Ebert también destacó el cameo de Burroughs como "una aparición especial de la Muerte".

 

Sheila Benson del Los Angeles Times elogió unánimemente las "actuaciones inquietantemente bellas" de la película y alabó su humor negro como "lacónico" y "macabro", comparando el guion con el de Straight Time (1978). 

Hal Hinson de The Washington Post también comentó sobre el humor de la película, escribiendo que el guion "está impregnado de una especie de hilaridad narcótica. Hay un tiempo de espera incorporado a los chistes, un período de espera, que está vinculado a las reacciones de las respuestas ralentizadas de los personajes. Al verla, uno se siente testigo de una farsa-farsa de la vida real, a cámara lenta, en un mundo sin tiempo".  También elogió las actuaciones por "su expresividad sin afecto". 

Stephen Holden, de The New York Times, destacó el tono visceral de la película, escribiendo: «El estilo de vida retratado en la película es chocante por sus abruptos cambios de ritmo, ya que las somnolientas pausas del consumo se ven interrumpidas por feroces espasmos de violencia y paranoia», pero también resaltó su sutil humor negro : «Debido a que los personajes están tan absortos en sí mismos y sus vidas son tan totalmente improductivas, hay un elemento de absurdo cómico en su continua desesperación. Después de la muerte de Nadine, su motel se convierte casualmente en el lugar de una convención de policías estatales. Con el lugar repleto de agentes de la ley con sobrepeso y uniformados, el problema urgente de retirar el cuerpo se trata como una comedia negra inexpresiva». 

Peter Travers en la revista Rolling Stone escribe que "Van Sant recrea algo que la mayoría de las películas sobre adictos evitan: la verdadera atracción de las drogas" Variety elogió de manera similar el retrato realista de la adicción a las drogas que hace la película, señalando que «ninguna película anterior sobre drogas tiene [tanta] honestidad u originalidad». 

La película figuró en las listas de los diez mejores tanto de dos de los principales críticos de Chiucago, Gene Siskel  como de Roger Ebert para 1989, cuya asociación la nominó, pero no premió.

Drugstore Cowboy recaudó 4.729.352 dólares en la taquilla de Estados Unidos frente a un presupuesto de 2,5 millones de dólares.

En Gran Bretaña , Scott Tobias de The Guardian dice de ella que fue "Un puntillista retrato cotidiano que resulta totalmente sincero con sus personajes y con la mentalidad y realidades de otros como ellos"

 . 

Para Barry McIlheney de Empire se trata de "Uno de esos clásicos de culto que merece la pena investigar incluso si ni has fumado un cigarrillo en tu vida (...)"; mientras que Geoff Andrew en Time Out sostuvo que era "Una mirada elegante, reflexiva y a veces, cómica, de la cultura americana de la droga, que logra, en su mayor parte, librarse de la moralina" . 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribía en El Mundo afirmó que era una "Magistral y veraz, adopta formato de western moderno (...) Dillon: impresionante".

En El País, Fernando Morales afirmaba que era una película "Fascinante y creíble". Mientras en Fotogramas, Nuria Vidal, la veía como una película "Inteligente discurso sobre la droga (...) Soplo de aire fresco del cine USA".

Desde que apareció la película es una aportación fundamental al cine independiente o cine de autor y de culto por su retrato crudo, humano y alejado de los clichés moralistas de la adicción a los opioides en la década de 1970. A diferencia de otros dramas, la película evita la moraleja explícita, centrándose en el día a día, las supersticiones y la búsqueda desesperada de drogas con un enfoque íntimo y sensible hacia personajes marginados y a destacar entre los secundarios la aportación del escritor y referente de la contracultura, William S. Burroughs, interpretando al "sacerdote" yonqui octogenario, que aporta autenticidad y un peso cultural único a la obra. Además tiene esa composición de Dekker, el primer gran éxito de reggae a nivel mundial, alcanzando el número uno en el Reino Unido en 1969, a pesar de que su fuerte acento jamaicano dificultaba entender la letra.

Buffalo 66

Hace unos días veíamos una película que se desarrollaba en la ciudad de Los Ángeles, auque realmente se rodó en la ciudad de Buffalo, aunque ésta simulaba ser el distrito de Olímpic de la ciudad de Los Ángeles. Por contra, acabo de ver una película del año 1998 dirigida por Vincent Gallo y que tiene como protagonista a la ciudad y, en menor medida. al equipo de fútbol americano que jugó la super bowl y que nunca la supo ganar. Se trata de Buffalo 66, una película que se filmó en Buffalo, Nueva York, la ciudad natal de Gallo y sus alrededores, en invierno. de Gallo es la Historia y el guion firmado conjuntamente con Alison Bagnalli. 

En base a esta historia, la de una mala apuesta, Vincent Gallo nos presenta otra en la que el protagonista es Billy Brown, un chico que acaba de salir de la cárcel donde ha pasado cinco años con un delito que no cometió. 

Es invierno en Buffalo, Nueva York. Billy Brown acaba de salir de la cárcel después de cinco años tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está casado con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase. Así que nada más salir decide raptar a una chica, Layla, a la que le obliga a simular que es su esposa en la visita que realiza a su a la casa de sus extravagantes padres. Estos creían que su hijo estaba trabajando para el gobierno pero nada más lejos de la realidad.

Cuando se encuentran con los padres de Billy (Ben Gazzara y Anjelica Huston), Layla ve que la relación entre ellos es muy disfuncional y ve que la propia madre de Billy olvida que su hijo tiene alergia al chocolate y que su padre se comporta de manera inapropiada con ella, aparte de cantar como Sinatra.

Descubre que la madre de Billy nunca se ha perdido un partido de los Buffalo Bills, excepto en 1966, el día en que nació Billy. 

En un flashback, se revela que Billy una vez hizo una imprudente apuesta de 10.000 dólares a que los Bills ganarían el Super Bowl XXV; cuando perdieron, el corredor de apuestas (Mickey Rourke) obligó a Billy a saldar su deuda confesando un delito que no cometió, lo que le llevó a cumplir condena en prisión. 

Ahora, Billy busca vengarse de Scott Wood, el pateador que perdió el juego. Cuando salen de la casa de sus padres, Billy regaña a Layla por decirle una mentira obvia a su padre y luego decide ir a jugar a los bolos. 

Aquí, Billy muestra su experiencia en el deporte y Layla ofrece una rutina de claqué al ritmo de 'Moonchild' de King Crimson. 

Tras esto los dos usan un fotomatón para tomar fotografías "que abarcan el tiempo" que Billy tiene la intención de enviar a sus padres una vez al año, pero Billy se molesta cuando Layla hace muecas durante las fotos, en contraste con la cara seria de Billy. 

Después de jugar a los bolos, Billy y Layla visitan un restaurante, donde Billy se encuentra con la verdadera Wendy Balsam (Rosanna Arquette), una chica de la que estaba enamorado en la escuela secundaria, que ahora está felizmente en una relación con otro hombre. 

Billy deja a Layla sola con el chocolate que había pedido en el restaurante después de una breve discusión, pero lamentando su arrebato, regresa y se disculpa con ella. 

Billy y Layla se registran en un motel, donde Billy y Layla tienen una conversación profunda y finalmente admiten que se han enamorado el uno del otro y ambos se van a dormir. 

Unas horas después de la medianoche, está a punto de partir para vengarse de Wood, cuando Layla despierta. A pesar de las dudas de Layla de que él regresará y la proclamación de su amor por él, él se va, mintiéndole que regresará en unos minutos con chocolate caliente para ella. 

Poco después de dejar a Layla en el motel, Billy encuentra a Scott Wood, ahora dueño de un bar en topless. En el propio bar de Wood, se acerca a la mesa de Wood y le dispara en la cabeza, antes de pegarse un tiro. 

Luego se muestra a sus padres sentados junto a su tumba y su madre muestra más interés en un juego de Buffalo en la radio que en la muerte de su propio hijo. Sin embargo, se muestra que todo esto está dentro de la mente de Billy. 

Billy sale del bar sin matar a Wood y se da cuenta de que en Layla finalmente encontró a una persona que realmente lo ama. Después de hacer las paces con su amigo Goon (Kevin Corrigan) en un teléfono público, la película termina con Billy comprándole eufóricamente a Layla su chocolate caliente y una galleta en forma de corazón, y comprando otra para un hombre sentado cerca que le dice que tiene novia, antes de regresando con Layla en el motel. 

Película como siempre diferente, extraña y alternativa como todas aquellas en la que Vincent Gallo está como responsable de la dirección y del guion. En este caso el director es el actor principal pero aparece acompañado continuamente de una voluptuosa Christina Ricci, aunque también por Angélica Huston como Jan y por Ben Gazzara que hacen del padre Jimmy, siendo la Huston la madre de Billy. 

Por la misma desfila un personaje marginal, muy al gusto de Gallo, así como caras conocidas que hacen algún cameo como es el caso de Mickey Rourke, Rosanna Arquette como Wendy Balsam, Jan Michael Vincent como Sonny - el dueño de la bolera- .

Gallo tuvo dificultades para trabajar con su elenco y equipo y, según se informa, no se llevaba bien con Ricci en el set. Gallo llamó a Ricci  "títere" porque hizo lo que le dijeron. Ricci prometió no volver a trabajar nunca más con Gallo, especialmente cuando años después escuchó los comentarios de Gallo hizo sobre su peso.

Anjelica Huston también tuvo problemas con Gallo, y Gallo afirmó que Huston provocó que la película fuera rechazada en el Festival de Cine de Cannes.

Gallo también tuvo problemas con su equipo técnico e hizo que despidieran al director de fotografía original Dick Pope. El director Stéphane Sednaoui sugirió a Lance Acord, aunque Gallo se atribuye el mérito de diseñar la mayor parte de la cinematografía de la película, citando a Acord como un "presionador de botones" que "nunca había rodado un largometraje en su vida".  Gallo también menospreció públicamente a Acord, diciendo: "Este tipo no tenía ideas, ni ideas conceptuales, ni punto de vista estético". 

Kevin Corrigan optó por no aparecer en los créditos porque no quería estar asociado con el película en ese momento. Gallo no pudo usar logotipos reales de la NFL ni referirse al equipo como "Buffalo Bills", simplemente "Buffalo" o "los Bills", ya que NFL Properties no cooperó. 

El pateador Scott Norwood fue invitado a participar en la película pero se negó, lo que significa que Gallo tuvo que cambiar el nombre del personaje a Scott Wood. 

La película utiliza música de rock progresivo británica en su banda sonora, en particular King Crimson y Yes.

La película se hizo por poco menos de 2 millones de dólares. Fue filmado en material invertido para darle un aspecto clásico similar al de los carretes de NFL Films de la década de 1960, con alta saturación de color y contraste. 

Gallo ha declarado que, a pesar de la idea errónea popular, la película "no es autobiográfica de ninguna manera real. Sí, los padres se basan en mi madre y mi padre, pero eso es un truco conceptual. La gente a menudo disminuye la multitarea de esa película llamándola autobiográfica". Lo interesante de mí es que no me identifico con Billy Brown de ninguna manera, porque no tomo ese abuso de ninguna otra forma. 

Los críticos han valorado positivamente esta película. Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo de ella que es "Una colisión entre un montón de ideas visuales a medio cocinar y una necesidad profunda y urgente (...) no hay nada convencional en esta película (...) " 

Michael O'Sullivan en las páginas del The Washington Post comenta que la película es una "Personal y privada hasta casi el punto de la auto-absorción, definitivamente se salva del narcisismo neurótico gracias al humor del director y su honestidad sin paliativos acerca de su propia disfunción" . 

En Time Out de New York, el crítico Andrew Johnston señaló que "Ricci y Huston dan una profundidad conmovedora a personajes que podrían haber sido dibujos animados, y Gallo hace que Billy sea al mismo tiempo molesto y comprensivo con aparente facilidad. Pero el ingrediente más potente de la película es su estilo visual. Los colores descoloridos de la película y los flashbacks que explotan en la cabeza de Billy como globos de pensamiento de un cómic hacen que Buffalo parezca menos una película que un sueño al que se le ha dado forma" 

En AV Club Scott Tobias sostiene que "Incluso con aquellos con alergia a Gallo, sigue siendo una obra cinematográfica inconfundible, apasionante e idiosincrática" 

Todd McCarthy en Variety nos dice que se trata de "Una primera película impresionante y también una irritante, exuda una honesta emocionalidad y un ego arrogante en igual y continua medida" 

En la desconocida para mi SFGATE el crítico Bob Graham comenta que "Es, claramente, una película muy personal de Gallo y sinceramente, espero que no sea la única. Para mí, este es el descubrimiento cinematográfico de la temporada.

En el Reino Unido, Kim Newman del Empire nos dice que "El ego de Gallo se lleva lo mejor de su historia en este debut, pero hay destellos de genio que hacen que merezca la pena verla (...) ".

Ya en España M. Torreiro en El País afirma que "Es algo así como el resumen del cine independiente USA; con personajes sólidos, situaciones hechas para algo más que para adornar la acción, con profundos desgarros interiores que proyectan críticas a la forma de vida americana.

La película fue multipremiada , especialmente en aquellos certámenes que valoran el cine independiente como en los Premios Independent Spirit donde fue nominada a Mejor ópera prima. En Sundance también fue nominada ´así como hizo el Círculo de Críticos de Nueva York a la mejor ópera prima o en los British Independent Film Awards (BIFA). Obtuvo en el Festival de Rotterdam y en el de Gijón el Premio especial y la National Board of Review premio el trabajo de Cristina Ricci como la Mejor actriz secundaria , llevándose igualmente una mención especial-

Cockfighter

 

Película sobre el sur profundo norteamericano y de una actividad que invita al juego, a las apuestas y a los bajos fondos. Aquí además se transforma en una silenciosa en parte road movie con un grupo de secundarios de impresión encabezados por Warren Oates y Harry Dean Stanton. De hecho fue su último largometraje para la factoría Corman. 

Se trata de una película del año 1974 con dos de sus habituales, Oates y Harry Dean Stanton, y con este filme su trabajo como director se fueron distanciando en el tiempo. De hecho es la primera película de este director que pasa por aquí. 

Un director que falleció en este desgraciado abril de 2021. El anuncio de su muerte, en el centro médico Eisenhower, en Palm Desert (California), lo realizó su hija Melissa, que especificó que su padre había sufrido una caída en su casa. Tenía 91 años. 

Gallos de pelea así como Carretera asfaltada en dos direcciones (1971) y El tiroteo (1966) pueden ser sus películas más representativas por su forma de narrar la acción de lo aque acontece en los mismos. Precisamente por esa forma de narrar será referenciado como uno de los grandes creadores del indie estadounidense. Es más fue uno de los referentes de Quentin Tarantino, del que fue productor ejecutivo en Reservoir Dogs o de Richard Linklater.  

Hellman había nacido en Brooklyn (Nueva York), con el nombre de Monte Himmelbaum en 1929 aunque se crio en Albany, donde su padre regentaba una pequeña tienda de alimentación. Cuando tenía 6 años, la familia se mudó a Los Ángeles. 

Tras estudiar Teatro en la Universidad de Stanford y Cine en la UCLA, y dirigir un teatro de verano y diversos trabajos en la cadena ABC, como montador, y en otro teatro, entró en la productora de Roger Corman, mítico creador de cine de serie B. Para él dirigió La bestia de la cueva maldita (1959), que Hellman —que ya se había cambiado el apellido— describió como “Cayo Largo con un monstruo”. 

Bajo el amparo de Corman, pero sin aparecer en los créditos, Hellman no solo dirigió, con la secuencia inicial de Dementia 13, de Coppola, como ejemplo de ello, sino que también ayudó en el montaje de Los salvajes (1960). Es de destacar que Hellman fue un todoterreno y un chico para todo, un buen "bestboy": montador acreditado y sin acreditar , realizador de tomas adicionales, finalizador de rodajes de directores fallecidos, segundo director de secuencias de acción, como tuvo que hacer en Robocop. Como declaró en alguna ocasión : “He sido siempre un tipo a sueldo. Y habitualmente he cogido cualquier trabajo que me ofrecían” o como recoge una entrevista en El País: “Soy el hombre de confianza de varias productoras que, paradójicamente, no confían en mí cuando les presento un proyecto propio”. 

En esos años sesenta, coincidió con Jack Nicholson. Con éste, a quien había conocido en Los salvajes, Hellman formó una estupenda pareja artística: así llegaron en 1964, rodadas a la vez en Filipinas, y fuera del mundo Corman, el drama bélico Escapatoria al infierno y Viaje a la ira (con guion de Nicholson). 

Actor y director se lanzaron al wéstern en 1966, filmando en Utah El tiroteo (con Warren Oates) y A través del huracán, de nuevo con guion del actor. Estos trabajos fueron valorados por la crítica como secos, austeros, existencialistas repletos de personajes autodestructivos. 

Su película de más renombre fue Carretera asfaltada en dos direcciones (1971), del que vi el reportaje que le hizo Días de Cine, y en la que está protagonizada por dos músicos, James Taylor y Dennis Wilson, de The Beach Boys, y con Warren Oates. Los protagonistas son dos chicos que recorren las carreteras en un Chevrolet del 55 a la búsqueda de carreras ilegales en las que competir. Poco más hay en su vida, casi ni se hablan entre ellos y en su camino por el suroeste de los Estados Unidos se cruzará GTO, un veterano conductor que los reta a ver quién llega primero a Washington. La road movie fue un fracaso en taquilla porque Universal decidió no invertir en su promoción. Pero la prensa la apoyó y con el tiempo es un filme de culto. 

Tras esa llegó esta, Lucha de gallos, una película inspirada en la novela homónima del año 1962 de  Charles Willerford, quien será encargado de preparar el guion.Amparado por Corman que está enmascarado en estas productoras - Artists Entertainment Complex, New World Pictures, Rio Pinto Productions - Hellman se rodeó en los técnico con el músico Michael Franks y con Néstor Almendros en la fotografía. 

Hellman y Willerford nos plantean la historia de un hombre , Frank Mansfield (Warren Oates) , al que le apasionan las peleas de gallos, y que recorre con sus animales el sur de los Estados Unidos para participar en esta clase de competiciones. Lo conocemos en mitad de una historia. Lo vemos metido en un remolque cortando ligeramente el pico de un gallo para que parezca agrietado con el fin de obtener mayores probabilidades de apuestas en la próxima pelea. 

Apuesta su tráiler y el resto de su dinero con su compañero jugador Jack ( Harry Dean Stanton ). Mansfield pierde la pelea y con ella todas sus pertenencias. Vemos que estamos en un mundo duro en el que muchos hombres preparan sus gallos para matar mientras que otros buscan recuperar el honor perdido en un entorno rural de granjas perdidas y galleros ilocalizables. 

Frank ha decidio no hablar, así que entre un narrador de sus pensamientos y los personajes con los que se relaciona, descubrimos este submundo de miserias , honores y ambiciones en un mundo en lo que el animal es puro negocio. Todo es mostrado con frialdad y crudeza. 

Frank visita su ciudad natal, la granja de su familia y la casa de su prometida Mary Elizabeth ( Patricia Pearcy ). Mary Elizabeth hace tiempo que está cansada de la vida errante que lleva Frank así que le pide que se quedé con ella. Pero Frank decide luchar por el premio Cockfighter of the Year. 

Así que deja a Mary Elizabeth, vende la granja familiar y con el dinero decide invertir en pollos y comienza una sociedad con Omar Baradinsky ( Richard B. Shull ). Tras eso le siguen una sucesión de peleas, sacrificios de animales, sangre, violencia, peleas con otros competidores como el joven Tom Peeples (Ed Begley Jr. ) asaltos como el que viven casi todos los protagonistas incluída una chica Dody White Burke ( Laurie Bird) o el guionista en un cameo (Charles Willeford ), apuestas, robos, ... 

La asociación con Omar es fructífera y los lleva hasta la final del Campeonatos de peleas de gallos enfrentándose al gallo de su amigo Jack ( Harry Dean Stanton ). Una final que es una lucha a muerte. Mary Elizabeth está presente y vemos como antes de ganar dedcide marcharse. Frank, tras ganar, va en su busca y cuando está cerca de ella corta la cabeza del gallo y se la entrega a ella. Mansfield no "recupera" su voz hasta que Mary Elizabeth se va, acabando así la película.  

Willeford adaptó la novela a la pantalla él mismo e hizo varios cambios importantes en la trama. El autor indicó que Cockfighter se basa libremente en la estructura de la Odisea , eliminando toda la trama secundaria con la hermosa viuda Berenice. La eliminación de este personaje también excluyó la corta carrera musical del protagonista de la trama, aunque la película muestra a Mansfield punteando una guitarra en un momento. 

Otros dos personajes importantes de la novela también faltan en la película: Doc Riordan (un farmacéutico / inventor que suministra a Mansfield medicamentos acondicionadores para sus pollos) y el juez que vende la granja de Mansfield. 

La escena final de la película también presenta un cambio dramático con respecto al final del libro: Mansfield afirma que Mary Elizabeth lo ama mientras se aleja, mientras que en el libro se da cuenta de que la relación ha terminado y él es libre.

La película tuvo problemas para encontrar una audiencia y Roger Corman dijo que fue la única película que respaldó en la década de 1970 que perdió dinero. Lo volvió a editar, incluyendo escenas que no había incluido en la película, y lo relanzó bajo el título Born to Kill , pero aún así, no tuvo éxito.

Tras Lucha de gallos Hellman, que compatibilizó su trabajo como docente, con la dirección y la producción realizaría algún wéstern como Clayton Drumm (1978), con Warren Oates, Fabio Testi y Sam Peckinpah; La iguana (1988); el filme de terror Posesión alucinante (1989) y el capítulo Stanley’s Girlfriend, de la película episódica Trapped Ashes (2006). 

En 2010 año en que recibió un Premio en el Festival de Venecia, el León de Oro especial que reconoció a Hellman como “gran artista de cine y poeta minimalista”, y estrenó una película de cine negro, Road to Nowhere. Tenía 80 años y con ella decía adiós al cine. La vida le dijo adiós once años después.

Husbands

 

Corriente de amor

Señalaba Terenci Moix en su tercera entrega de La Gran Historia del Cine comienza el capítulo que le dedica en una de sus secciones a los independientes que surgen escuelas de cineastas independientes , germen de lo que en los sesenta se conocería como el cine underground, como reacción a los grandes fastos de Hollywood en la ciudad de Nueva York. 

El origen de su actitud es fácil  de detctar en el neorrealismo italiano que había demostrado la posibilidad de conseguir obras alejadas de las exigencias comerciales, buscando el llamado "cine de autor"  al margen de las exigencias de los grandes estudios .

Se intentó así un cine concebido sin nombres estelares , decorados abusivos e incluso equipo técnico. Todo ello equivalía una revolución de tipo económico que determinaría los aspectos casi documentales del nuevo cine. 

Uno de los primeros títulos surgido en los Estados Unidos  respondiendo a este esquema es Little Fugitive película dirigida por Morris Engel en 1953. A esta obra y a este autor le siguieron otros como Lionel Rogosin autor de "On the Bovery" (1957) y "Come back Africa" (1959) .

No fue el único pues otro integrante de esta llamada Escuela de Nueva York fue Shirley Clarke , cuyo filme más conocido "The Connection" (1960) aplicaba los postulados del cine verité y de la sinceridad cinematográfica. 

Junto a Clarke , un trío formado por Ben Maddow, Sidney Mayers y Joseph Strick con "The Savage Eye" mezclan experimentación con o experimentalismo con el contacto con la realidad de la vida en una gran ciudad americana. Del trío es Strick el que más recorrido tuvo aunque acabara trabajando para la Fox.

A este vertiente nueva, experimental e independiente se sumó un joven y prestigioso actor. Su  nombre era John Cassavetes (1929 - 1989) que llevó todas experiencias previas a un drama filmado en 16 mm y ampliado después a 35 mm para su exhibición normal . En ella se mostraba con todo realismo , sin nada de sofisticación como era la sociedad norteamericana. La película se llama Shadows o Sombras y era del año 1960. 

Cassavetes destacó entre sus contemporáneos por la atención dedicada a los intérpretes , encabezados casi siempre por su esposa Gena Rowlands en películas como "Too late Blues" (1961), Faces (1968) , Husbands ( 1970), A woman under influence (1974) o Gloria (1980). Cuatro años más tarde realizará 

Love Streams, la que será su undécima y penúltima del escritor, actor y director que, más tarde hizo su úllima Big Trouble , una obra mucho más convencional.

Según Martin Scorsese, Cassavetes fue su mentor. Nacido en 1929, Cassavetes fue una figura paradójica: una punta de lanza radicalmente modernista del arte de los años sesenta y setenta, cuyo temperamento y hábitos pertenecían a los años cuarenta y cincuenta. 

Para muchos Love Streams es  la última película de John Cassavetes, la última película que escribió y protagonizó con su esposa, Gena Rowlands, y la última que coincide con el tono de su primer largometraje," Shadows.

Este autor que perseguía la estética total que ya descubrió en su segunda película totalmente independiente y primera completamente autoimplicada: Faces  en el año 1968.

Pero antes de su fallecimiento en 1989 le dio tiempo a terminar de dirigir una película que se quedó sin director a medio rodaje, un proyecto que no tiene nada que ver con sus preocupaciones artísticas, que aceptó por el salario y que terminó odiando (Big Trouble, 1986).

Llevó a escena una obra de teatro y estuvo a punto de filmar un guión titulado She's Delovely, dirigido más tarde por su hijo Nick titulado She's So Lovely (1997). 

Sin embargo, Love streams es otro concepto. Dirigida por John Cassavetes fue producido por Al Ruban como productor ejecutivo y Menahem Golan y Yoram Globus ante la sorpresa mundial por parte de una de las productora que se presentaron como alternativa a las majors, The Cannon Group, Inc. , un grupo estadounidense integrado por varias compañías, incluidas Cannon Films , que produjeron una línea distintiva de películas de bajo y medio presupuesto desde 1967 a 1994.

La película responde a un guion escrito por Ted Allan y John Cassavetes inspirada en una obra teatral, en Love Streams de Ted Allan. La película contaría con la música de Bo Harwood, la fotografía de su habitual colaborador Al Ruban y el montaje de George C. Villaseñor.

En cuanto al grupo de actores y actrices lo encabezan Gena Rowlands como Sarah Lawson, John Cassavetes como Robert Harmon, Diahnne Abbott como Susan, Seymour Cassel como Jack Lawson. Junto a ellos aparecen Margaret Abbott como Margarita, Jakob Shaw como Albie Swanson, Eddy Donno como el padrastro Swanson, Joan Foley como Juez Dunbar, Al Ruban como Milton Kravitz, Tom Badal como Sam el abogado, Doe Avedon como Mrs. Kiner y Leslie Hope como Joanie.

Es una película en la que el director y actor vuelve a contar con su mujer y traslada aspectos personales con otros procedentes del relato. De hecho hasta la mitad de la película no sabemos que Sarah Lawson ( Gena Rowlands ) y Robert Harmon (John Cassavetes ) son realmente hermanos.

De hecho la película nos cuenta la historia de un hermano y una hermana de mediana edad que se encuentran cuidando el uno al otro después de que los otros amores en sus vidas los abandonan.

Robert, el hermano, un escritor, vive a la deriva rodeado de alcohol, de mujeres fáciles que les hacen compañía a cambio de dinero y que ocupan toda la casa, a veces, incluso con sus hijos y que vive de lleno sumergido entre copas, locales de vida nocturna a la que van cantantes y homosexuales por doquier.

Robert justifica esta vida por su actividad. Es un novelista exitoso que habla en sus libros sobre prostitutas, borrachos y demás seres de la noche; no solo describe la soledad que acarrea ese estilo de vida, sino que la encarna. Una noche en uno de esos locales nocturnos se fija en una cantante de color Susan (Diahnne Abbott ) a la que acompaña a su casa en una noche de farras. Le dice al hablar con ella “Necesitas a alguien con quien estar para pasar un buen rato. Dime que es un buen momento ” Están tan borracho que se cae en su puerta y la mujer que deja pasar la noche hasta que se recupere. A la mañana siguiente conoce a la madre de Susan , Margaret (Margaret Abbott ) a la que engatusa para verla otro día.

Al llegar a su casa en las colinas de Los Ángeles vemos que en ellas hay todo tipo de mujeres desde muy jóvenes como Charlene ( Julie Allan) a las que besa , invita y que pululan por la casa.

En paralelo conocemos a su hermana, Sarah (Gena Rowlands )  que está en pleno divorcio , que vende , según dice ella felicidad, y que va de ciudad en ciudad junto a su joven hija Debbie (Risa Blewitt) y que, finalmente, acaba por perder la tutela de su única hija ante su exmarido (Seymour Cassel) que le ofrece más estabilidad vital. Mientras que ella lo ha dado todo por su familia a un nivel de intensidad tan profundo que ha terminado alejándose de su esposo y su hija.

Sarah siempre ha sido un ama de casa, y ahora que está sola no sabe qué hacer. Ella dice que "Soy una persona muy alegre" "¡Hemos tenido experiencias del corazón que ni siquiera podrías imaginar!" . Cuando la juez Dunbar (Joan Folley) escucha su declaración no puede admitir los consejos de Sam su abogado  (Tom Badal )

Tras este divorcio desordenado, Sarah Lawson hace caso a su psiquiatra y se marcha a Europa para marcarse nuevos objetivos. El viaje a París es un desastre y desde Londres llama a su hermano para decirle que va junto a él.

Por su parte, a la casa de Robert se persona su ex mujer ahora Swanson de apellido. Pero no va sola. Va junto a un niño de unos ocho años , Albie ( Jakob Shaw ) , que no es otro que su desconocido hijo. Ella le pide a Robert que ciude por una vez en la vida de su hijo de ocho años, a quien nunca ha conocido antes, durante veinticuatro horas.

Tras decir al resto de chicas que se vayan de casa, mientras les paga religiosamente, a Robert no se le ocurre otra cosa que llevarse al niño a Las Vegas a disfrutar de la noche. Robert se lo monta esa noche con un par de chicas no siendo consciente que ha dejado solo toda la noche al chico.

Nada más llegar le pide volver a casa pues busca el refugio que su padre no le ha dado. Tras prepararle una copa, el chico sale corriente colina abajo . El hijo de Robert está aterrorizado por el mundo hedonista y decadente de su padre, y pide que lo lleven a casa luego de un viaje nocturno a Las Vegas. Después de dejarlo, Robert es golpeado por el padrastro del niño (Eddy Donno ) , después de lo cual su hijo testifica su amor por Robert.

Robert Harmon vuelve a casa y al poco tiempo llega su hermana su "mejor amiga". Después de viajar a Europa para distraerse, Sarah llega a casa de su hermano sin avisar, y su visita coincide con la del hijo no deseado. Sarah cree que el amor es un continuo flujo que no se detiene: love streams.

A Robert la vida sentimental le cuesta más trabajo. De hecho llega a llamar a Susan y una noche se persona en la casa aunque , aunque la joven no estña y se monta una fiesta con la madre bailando con ella. Por vías muy distintas, ambos personajes van en declive.

Solos, se ven forzados a preocuparse el uno por el otro, sin nadie más a quien atender. Sarah intenta con cierto éxito frenar la autodestrucción nihilista de la vida de Robert y simultáneamente lidiar con su propia depresión y divorcio, mientras Robert lucha entre su intenso deseo de proteger a su hermana y el desafío de aceptar su libertad como el costo necesario del amor.

Conviven una temporada buscando ese calor, pero también enloqueciendo, alcoholizándose, realizando las más disparatas extravagancias como comprar todos los animales que se le ocurren: perros, caballos, cabras, ... Están sólos y viven bajo un mismo techo. Eso es todo.

La película se rodó principalmente en Los Ángeles, en la casa de la pareja Cassavetes - Rowlands. Aunque hay algunas escenas que se ruedan en Las Vegas. Todo ello en la primavera de 1983.

En algún momento entre 1982 y 1983 John Cassavetes "el padre del cine independiente" se enteró que le quedaban seis meses de vida. Debido a la mala salud de John Cassavetes, Peter Bogdanovich ayudó a dirigir algunas escenas.. No le dijo a nadie la noticia de su próxima muerte, ni siquiera a Gena Rowlands, su esposa y más cercana colaboradora. Había decidido ponerle punto final a su carrera con una cinta reveladora, una amalgama de su filmografía y un retrato de sí mismo.

Al mismo tiempo, la productora Cannon buscaba proyectos de calidad para levantar su imagen ante el público, acercándose a figuras como Jean-Luc Godard, Robert Altman y Cassavetes, quien decidió adaptar al cine Love Streams, una obra de teatro original de Ted Allan que juntos habían montado en 1980. Jon Voight era inicialmente el actor destinado a ser Robert Harmon tal y como había sido en la obra de teatro y originalmente estaba programado para repetir su papel en la película, pero abandonó la producción debido a conflictos de programación y "diferencias creativas" con John Cassavetes.

Recientemente Juan Patricio Riveroll en Letras libres afirma que "Cassavetes se mantuvo alejado de los grandes estudios, y aunque al inicio de su carrera pensó en poder llegar al gran público, al hombre común, hacia el final sabía que su obra estaba destinada a foros más reducidos de lo que hubiera querido. Nunca estuvo dispuesto a simplificar sus ideas ni a dejar de explorar la condición humana desde su perspectiva y sin concesión, y aunque es verdad que siempre estuvo interesado en el ciudadano común y corriente, la estructura de sus películas y su manera cruda y directa de filmar fueron un obstáculo para atraer a una audiencia más numerosa (además de la poca publicidad y la limitada distribución). Él mismo financió sus películas utilizando la paga de cuantos trabajos de actuación pudo conseguir, pues antes de tomar una cámara de cine para hacer Shadows (1957-1959), su principal interés fue la actuación. "

Love Streams es una recapitulación de gran parte de la obra de su creador: la relación filial viene desde Shadows. Igualmente ,  Sarah recuerda al personaje amoroso pero psicótico de A Woman Under the Influence (1974) y a Minnie de Minnie and Moskowitz (1971), tres papeles interpretados por Rowlands; el actor Seymour Cassel hace el personaje de Moskowitz, la pareja de Minnie, y también es el marido de quien se divorcia Sarah: la unión sentimental de Minnie and Moskowitz es disuelta en Love Streams.

La vida nocturna y la compañía femenina de Robert Harmon son una continuación del tema de The Killing of a Chinese Bookie (1976), y el aislamiento del escritor —el artista— es un eco de Opening Night (1976).

Robert posee la libertad con la que sueñan los tres amigos de Husbands (1970), la única película además de Love Streams en la que Cassavetes es uno de los protagonistas. Estas referencias fueron un esfuerzo consciente de su parte, guiños de despedida ante su arte y su público.

Con respecto a la obra de Ted Allan, la correlación entre el guión y la obra es mínima. En la producción teatral, el papel de Robert Harmon fue interpretado por Jon Voight ; Cassavetes asumió este papel para la versión cinematográfica.

El estilo visual de la película es decididamente diferente de las otras obras de Cassavetes, ya que no contiene trabajo de cámara de mano (que era una marca registrada de su estilo visual). Gran parte fue filmada dentro del hogar personal de Cassavetes. John Cassavetes.

Ahora como Harmon  da albergue a varias mujeres en su residencia en un entorno casi familiar; Cassavetes primero creó un grupo de actores y actrices en su taller de actuación, y más tarde los mezcló con su familia, su esposa y sus tres hijos: una cofradía fraternal.

El segundo aspecto que tienen el común el personaje y su creador es la afinidad por el alcohol. Robert vive de fiesta y con copa en mano; Cassavetes fue tan asiduo al licor que murió de cirrosis en 1989.

Love Streams se lanzó originalmente con un tiempo de ejecución de 141 minutos.

Confesó el director que sus personajes sólo podían presidir sus vidas con la falta de amor o compañía porque su status social les dejaba el tiempo libre.

La película obtuvo algunos premios La película entró en el 34 ° Festival Internacional de Cine de Berlín, donde ganó el Oso de Oro . Obtuvo igualmente el Premio Internacional de la Crítica FIPRESCI.

El director de cine japonés Shinji Aoyama mencionó a Love Streams como una de las mejores películas de todos los tiempos en 2012. Él dijo: "Cuando pienso en Cassavetes, siempre me siento feliz. Me alegra que me gusten las películas. Estoy seguro de que siempre Me siento así hasta el día de mi muerte, y tengo la intención de sentirme así también. Al final de Love Streams , Cassavetes sonríe cuando ve al perro a su lado, que se convirtió en un hombre desnudo. Vivo mi vida siempre deseando puede sonreír así ".

Roger Ebert señaló que "los espectadores criados en películas entrenadas y domesticadas pueden ser incómodos en el mundo de Cassavetes; sus películas se basan en una gran cantidad de charlas y el movimiento de los brazos y la invocación de los dioses ... A veces (como en los maridos ), el enfoque salvaje de decir la verdad se evapora en muchas conversaciones vacías y actitudes teatrales. En Love Streams , funciona ".

Richard Brody de The New Yorker afirma que "Cassavetes estaba gravemente enfermo (con cirrosis) en ese momento, y "Love Streams" es tanto una mirada reveladora de una forma de vida liberalmente alcohólica como una despedida consciente de la vida misma. " Y añade "pocos directores han filmado tan tímidamente y mordazmente como lo hizo Cassavetes en "Love Streams". La película es un resumen poderoso, íntimo, caleidoscópicamente subjetivo, valientemente egoísta de una carrera, una era y una vida".

Los escritores William Boyle y Jimmy Cajoleas pasan el rato y hablan sobre películas en la revista Southwest. William Boyle señala que  John Cassavetes es mi director favorito, y Love Streams fue una de las últimas películas que vi . "Según él, por estar perdiendo a su familia, ella perdió su centro, mientras que Robert intentó vivir sin un centro. Sarah sabe y cree que el amor no termina, lo cual es definitivamente heroico". Y acaba diciendo en las páginas de Southwest es "Profundamente desgarradora y hermosa".


Por su parte Jimmy Cajoleas afirma que esta " Es una película sobre la desesperación y la soledad, pero me consuela mucho porque nos dice que está bien estar desesperado, perdido y solo, solo seguir tratando de sobrevivir. Es un trabajo que explora lo que eso significa". Y añade "  que love streams es , con mucho, la más surrealista de sus películas. Desde el desfile de animales hasta los sueños y visiones de Sarah, hasta la forma en que la casa de Robert parece estar separada del mundo real, flotando en este extraño lugar donde todo es posible. Ya sabes, como un perro que se convierte en hombre. Eso encaja con Cassavetes en general, incluso si obtiene la etiqueta "realista", porque lo que es real sobre sus películas (para mí, de todos modos) es cómo se sienten. Sus películas son las más cercanas a la forma en que se siente estar vivo, a la naturaleza tensa, a veces sublime, de existir en un cerebro humano y un cuerpo humano, de una manera que el "realismo" estricto nunca podría ser. Es como si él supiera lo que realmente está sucediendo en tu corazón, y en lo más profundo de tu cerebro, y simplemente lo proyecta allí y te reta a decirle que no es cierto. (...)  También es una película muy divertida, incluso cuando es triste.

Ya en España el crítico Diego Galán en El País, publicó una crónica en 1984 en el mismo dijo en la que decía  "A la película presentada el mismo día de la entrega de premios se le ha concedido el Oso de Oro del Festival de Berlín. Love streams (que en España será rebautizada como La extravagante Sara), del nortemericano John Cassavetes, clausuró por ello el festival, siendo la primera vez que en la última sesión se proyecta precisamente el filme premiado". Y añadió "La película fue acogida por el público nocturno con fuertes pateos, aunque en la proyección matinal para la Prensa tuvo mejor acogida, lo que no impidió que, junto a los aplausos se oyeran también abucheos cuando Liv Ullman, como presidenta del jurado, leyó los premios.Love streams es una película que, aunque alargada más de lo necesario -dos horas y cuarto- por incluir pesadas y absurdas ensoñaciones de los protagonistas, mantiene un ritmo narrativo de cierto interés abriéndose además a sugerencias y matices. "

Y acabó diciendo que es una "Comedia en momentos brillantes, pero en otros sólo sostenible por la calidad de los actores. En cualquier caso, película que llegó tarde, se metió en el concurso sin previo aviso y ha ganado el Oso el último día., tras lo que invitó a los asistentes al festival a una carísima fiesta".

En 2015, la BBC nombró a la película la 63a mejor película estadounidense jamás realizada siendo un melodrama en el que se abordan cuestiones como el amor y la soledad, a través de la historia de un escritor y su hermana.

On the Bowery

Tela marinera el bofetón en el alma que me he llevado hoy!!! Un bofetón en el alma pues he visto como el ser humano se degrada ante un vaso de vidrio lleno o mejor aún vacío , y como esa misma oquedad se transforma en destrucción física y mental hasta llegar a la degradación más absoluta. Qué poco se parece el New York que conocí hace cuatro años al de aquel del año 1956!!! 

Situada entre situada entre Chinatown y Little Italy en el Sur de Manhattan en la antigua carretera que llevaba a la granja del colono neerlandes Peter Stuyvesant fue la calle que se transformó en el símbolo de la depresión económica. Durante la década de 1920 a 1930, esta zona se había empobrecido considerablemente. 

A partir de los años 40, el barrio se ganó la reputación de ser frecuentado por alcohólicos y vagabundos como hemos visto en la película de Lionel Rogosin. Entre 1960 y 1980, se encontraban los alquileres más bajos y la tasa de criminalidad más alta del sur de Manhattan al contrario de hoy en la que la calle es uno de los mejores modelos de Gentrificación 

En 2012 tuvo a bien apostar por restaurar Milestone Films lanzó On the Bowery la película que fue el debut de neoyorkino Lionel Rogosin , 12 años después de su muerte. Rogosin trabajó en lo que se llegó a llamar cine político de no ficción o docuficción , influenciado por el neorrealismo italiano y Robert Flaherty . 

Hijo del magnate y filántropo de la industria textil Israel Rogosin , Lionel asistió a la Universidad de Yale y obtuvo un título en ingeniería química. Tras trabajar para su padre, sirvió en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial . 

Al terminar el conflicto viajó por Europa e Israel , así como un viaje a África en 1948. Luego trabajó en la compañía de su padre hasta 1954, mientras aprendía cine con el uso de una cámara Bolex de 16 mm. Preocupado por cuestiones políticas como el racismo y el fascismo, Rogosin participó en una película de las Naciones Unidas llamada Out , un documental sobre la difícil situación de los refugiados húngaros . 

Para denunciar el racismo quiso lanzarse con una película previa rondando On the Bowery un docudrama influenciado por el concepto ideado de Robert J. Flaherty . La película fue la primera película estadounidense en recibir el Gran Premio de Documental en el Festival de Cine de Venecia en 1956. También recibió un Premio de la Academia Británica de Cine.en 1956, y fue nominado para un Premio de la Academia. 

On the Bowery recibió una aclamación crítica y causó una gran impresión en Europa del Este e Inglaterra. Una vez cumplido con su objetivo de la formación fílmica se centró en el tema del apartheid rodando el director con un pequeño equipo y bajo el pretexto de hacer una película comercial sobre música africana , la vida de un trabajadora migrante negra en Johannesburgo . 

Realizado en 1958 con actores no profesionales y con una joven cantante africana llamada Miriam Makeba , rodó Come Back, África película que ganó el Premio de la Película de los Críticos en el Festival de Cine de Venecia . Rogosin hizo los arreglos para que Makeba saliera de Sudáfrica sobornando a los funcionarios. La colocó bajo contrato y organizó su primera aparición en la televisión estadounidense, en The Steve Allen Show para denunciar el racismo en Sudáfrica. 

Consciente de las dificultades de distribuir películas independientes en los Estados Unidos, Rogosin compró el Bleecker Street Cinema en la ciudad de Nueva York en 1960. El Bleecker se convirtió en una referencia cultural en la ciudad integrándose como miembro fundador y activo del movimiento New American Cinema y The Film-Makers 'Cooperative , junto con Jonas y Adolfas Mekas , Shirley Clarke .Robert Downey Sr. y muchos otros, cuyas películas se mostraron en el cine Bleecker Street. 

Entre 1960 y 1965, Rogosin viajó por el mundo para reunir material para su película antinuclear Good Times, Wonderful Times que fue presentada en el Festival de Cine de Venecia en 1965. También se mostró en muchas universidades estadounidenses durante la Guerra de Vietnam. 

Rogosin fundó igualmente Impact Films en 1965 para distribuir muchas películas políticas e independientes. Ese mismo año, Rogosin organizó, junto con otros, Bertrand Russell , la Protesta de artistas británicos, en agosto de 1965, y la Protesta de artistas europeos, en diciembre de 1965, contra la guerra de Vietnam. 

En 1966 probó la comedia filmando dos películas cortas, de bajo presupuesto, tituladas How Do You Like Them Bananas and Oysters Are in Season, mientras dirigía Bleecker Street Cinema e Impact Films. 

En la década de 1970, con crecientes dificultades financieras, Rogosin hizo películas de bajo presupuesto para las televisiones europeas como Black Roots y Black Fantasy. Continuó con Woodcutters of the Deep South , sobre una cooperativa , y finalmente el Diálogo Árabe-Israelí , un intento de dar voz y encuentro a ambas partes a través de una discusión entre un poeta palestino y un periodista israelí.Rogosin vendió el teatro Bleecker Street en 1974 y puso fin a Impact Films en 1978. 

Aunque continuó desarrollando muchos proyectos cinematográficos sobre temas como los indios navajos , la brutalidad policial , Paul Gauguin y un musical sobre niños de la calle en Brasil. A pesar del éxito crítico en Europa y entre otros cineastas independientes estadounidenses, en general no fue reconocido ni apoyado en los Estados Unidos. Se mudó a Inglaterra en la década de 1980, donde comenzó a escribir. Con el deterioro de su salud, regresó a Los Ángeles a fines de los años noventa. Murió en Los Ángeles en diciembre de 2000. 

Como ya hemos dicho la película fue el debut de Lionel Rogosin como director, productor - en este caso por medio de las productoras Film Representations y Rogosin Films - , aunque también guionista y fotógrafo. Lo cierto es que en el guión lo vemos junto a Richard Bagley y Mark Sufrin (aunque éste no está acreditado) y en la fotografía junto al mismo Richard Bagley. En la música aparece Charles Mills. 

En cuanto a los protagonistas además de anónimos que transitaban o malvivían en Bowery aparecen con nombre propio Ray Salyer como Ray y Gorman Hendricks como Doc o Gorman, así como Frank Matthews como Frank. 

La película comienza descubriendo como es la calle Bowery uno de los punto más pobres y degradados de Manhattan. La película nos muestran inicialmente a la fauna humana que hay en "The Bowery" , el barrio de los vagabundos. Entre ellos destacando por su normalidad aparece un hombre, Ray, un recién llegado al Bowery que pasea junto a su maleta por el Bowery entrando en uno de los bares frecuentados por irlandeses que hay en la zona. 

Tras pedir una cerveza nos enteramos que Ray Salyer, es un trabajador ferroviario que acaba de dejar su trabajo y que busca una oportunidad en el Bowery . 

Tras esto se le acerca un tipo al que parece conocer y le pide que le invite a una copa. Ray lo hace  y tras eso ve junto a la gente con la que estaba sentado en una mesa y hacia allá se dirigen. Ray decide invitarles a una botella de vino.

A la mesa se acerca un hombre mayor que se suma. Se trata de Gorman Hendricks, un residente de Bowery desde hace mucho tiempo, y que tras ser invitado se queda hablando con él de las posibilidades de trabajo y de dormir en la zona. Le dice un sitio llamado el mercado de los ladrones donde puede vender alguna de sus pertenencia. Ray busca en su maleta y encuentra un reloj, pero se niega a venderlo, seleccionando un pantalón que logra vender con la ayuda de Gorman por un par de pavos.

Ya ha caído la noche y tras pasar por varios garitos, Ray alcoholizado con lo que ha bebido va perdiendo el conocimiento en la calle y se tira a dormir en Bowery Street. 

Esta situación es aprovechada por Gorman que le quita a Ray su maleta mientras Salyer está inconsciente después de beber en exceso. Con esta va a un hotel de mala muerte y consigue convencer a portero de noche de dormir a cambio de custodiar la maleta. El portero le da la opción de dormir un par de noche al viejo Gorman.

A la mañana siguiente Ray se despierta cuando su compañero de la calle , un anciano Frank Matthews, quien colecciona trapos y cartones en una carretilla y sueña con escapar a los mares del sur , se despierta y juntos comienzan el día tomando una copa en un bar. 

Ese misma mañana Gormar  va en primer lugar a un centro en el que hay jubilados que juegan al domino. Habla con algunos de ellos y luego va al bar en el que están Ray u Frank, aunque éste último se dirige a encontrar un trabajo. Salyer, sin dinero ni posesiones, se ofrece como  mano de obra y es recogido por un camión . Tras trabajar y conseguir unos dólares se encuentra con Gorman - al que no le reprocha nada-  y le dice que esta noche buscará refugio en la Misión Bowery . 

Inicialmente Gorman se pone junto a Frank y le pregunta por su paso en prisión, comenta que en ella, al menos, se comía bien. Después Frank se despide pues va iniciar su rutina recogiendo cartones por el barrio. 

Ray por su parte cumple inicialmente con lo proyectado. A las seis de la tarde está en la cola de entrada a la misma, escucha el servicio de un reverendo que lleva décadas trabajando en la Misión , y luego toman un bocadillo y una sopa, tras lo cual escucha las directrices de pasar la noche allí: han de ducharse y después, lo que no tienen cama , han de dormir en el suelo, pero no podrán salir para beber. 

Tras sentarse y lavarse un poco Ray decide que no pasa allí la noche y vuelve al bar a  beber. Esa noche se gasta todo lo que había ganado, invitando a unos y a otros, incluso a una mujer , también alcoholizada. 

Tras salir con ella a la calle ella se ve que busca algo más, pero Ray, ya borracho, la rechaza. Esta acción es vista por dos tipos que siguen a Ray a un callejón y le dan una paliza , tras lo cual le roban todo el dinero que le queda.

A la mañana siguiente, Gorman , que ha vuelto a dormir al hotel sale con la maleta y tras abrirla vende el reloj de mano que allí había, volviendo tras ello a la zona. 

Va al bar y allí se encuentra con Ray, que ha sido recogido del suelo , por unos transeúntes tan alcoholizados como él. 

Hacia el final de la película, Gorman Hendricks, que nos enteramos que fue Doctor , pero que bebió en exceso decide compartir con Ray Salyer una pequeña cantidad de dinero en efectivo que había obtenido. Le dice a Salyer que recibió el dinero de un compañero que se lo debía. En realidad, sin embargo, Hendricks obtuvo el dinero al vender los artículos que encontró en la maleta de Salyer. 

Salyer está agradecido y jura usar el dinero para comprar una camisa y pantalones nuevos, "limpiarse" y escapar de la vida en Bowery. 

Tras volver a ver a Gorman y a los muchos alcohólicos que rondan el bar, la película concluye con la de Salyer apoyada en una farola Bowery. 

Como ya hemos contado hablando de la vida del director al acabar su servicio en la Marina de los Estados Unidos  Rogosin trabajó primero como ingeniero químico y ganó lo suficiente para financiar su primer largometraje. 

En el misma trasmite parte de lo que había visto en la obra documental de Robert Flaherty y el cine neorrealista de Vittorio De Sica. Su plan original era hacer una película sobre el apartheid en Sudáfrica. Con $ 30,000 en financiamiento, pero , antes de ello, decidió enrolarse en Bowery como un proyecto de práctica y formación fílmica.

Investigó el área durante seis meses antes de filmar y entrevistó a médicos en el Hospital Bellevue.. La intención original era crear una película crítica de la sociedad capitalista. Para ejecutar su obra contactó con el escritor Mark Sufrin, quien colaboró ​​con Rogosin en la película, dijo que la idea "era extraer una historia simple del propio Bowery".  Rogosin se metió en la calle y contactó con los hombres de la zona, se hizo amigo de Ray Salyer mientras buscaba el trabajo de día y estaba encantado de descubrir que su historia personal era la que los cineastas querían contar. También conoció a Gorman Hendricks, un habitual residente de Bowery.

Mientras investigaba la película, conoció al citado escritor, Sufrin y al director de fotografía Dick Bagley. Bagley era alcohólico y murió cinco años después de rodarla. 

Rogosin también obtuvo la cooperación de la Misión Bowery, donde se filmó una secuencia. El rodaje tuvo lugar en la calle durante un período de tres meses, a partir de julio de 1955. 

Bagley escondió su cámara Arriflex de 35 milímetros debajo de un paquete para filmar algunas escenas de bares. Otra filmación fue hecha desde el asiento trasero de un auto. 

Los actores de la película fueron sacados de la calle, y hablaron en su propio argot, solo guiaron qué decir. La dirección de la película estaba definida , pero no " no el gesto o la inflexión", dijo Sufrin más tarde en un artículo en Sight and Sound .

Los cineastas encontraron muchas dificultades al hacer la película. Los miembros del reparto fueron arrestados y regresaron a la calle afeitados y cortes de pelo, lo que dificultó la combinación de material nuevo con lo que se filmó. Algunos simplemente desaparecieron. Hubo interferencias por parte de la policía y de los que aparecen destacan dos: Ray y Gorman.

Señalar que Ray Salyer  , un veterano del servicio de combate en el ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial de 40 años (1916–1963) natural de Kentucky y criado en Carolina del Norte, como afirma en la película, era un auténtico habitante de Bowery al que el mismo Salyer   le ofreció un contrato de Hollywood de $ 40,000 después de que apareciera la película, pero se negó y pronto desapareció muriendo siete años después, posiblemente el Bowery, a causa de los efectos del alcoholismo . Por su parte, Gorman Hendricks  fallecido de cirrosis del hígado apenas unas semanas antes de que se estrenara la película y había sido reportero de un periódico en Washington DC y, una vez, había ido a la cárcel en lugar de revelar sus fuentes para un artículo sobre la locuras  .  Rogosin ayudó a ambos hombres y se ocupó del entierro de Hendricks. 

Rodar de noche sin luces era difícil, y además parte de lo que en la película vemos como la estructura enorme que aparece estaba en proceso de ser demolida mientras se filmaba la película.

La edición de la película tomó seis meses, aproximadamente el doble de la cantidad de tiempo que debería haber tomado, debido a la inexperiencia de Rogosin. Contrató a Carl Lerner para completar la edición. 

Para la música consiguió a Charles Mills, que había ganado una beca Guggenheim y fue el encargado de hacer la partitura. 

En septiembre de 1956, Rogosin se convirtió en el primer director estadounidense en ganar el Premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de Venecia con On The Bowery, pero fue rechazado en el festival por Clare Boothe Luce , la embajadora estadounidense en Italia por presentar lo que representaba. 

La distribución de la película fue extremadamente difícil debido a la temática tenebrosa y a una crítica desdeñosa del influyente crítico del New York Times , Bosley Crowther , tras ser presentada en  Nueva York en marzo de 1957, y Crowther criticó la película como "una exposición sombría". Mientras que elogia la fotografía, la edición y la música, Crowther dijo que la línea de la historia era "un poco demasiado ficticia que se cree", y llamó a la película "  un buen montaje de buenas fotografías de los borrachos y vagos, escrutados y escuchados hasta la saciedad". 

Por contra los críticos actuales la han elogiado  Michael Phillips del Chicago Tribune dice que " On the Bowery" ofrece algunas de las caras más indelebles en un docudrama estadounidense, caras devastadas por el alcohol y la pobreza, arrugadas por la derrota y el autoengaño, rodeadas por una ciudad de Nueva York que no le importa. Sin embargo, nadie en la pantalla pide compasión. " 

Por su parte, JR Jones en Chicago Reader dice de ella que "On the Bowery solo se ejecutan 65 minutos, pero al final puedes sentir una línea de derrape en tus huesos. " 

Wesley Morris en Boston Globe destaca que fue "Rodada en 16mm en blanco y negro con una cámara Bolex, los resultados siguen siendo increíblemente auténticos". 

Por su parte, Kenneth Turan de Los Angeles Times señala que " Este documental histórico perturba y obliga tanto hoy en una nueva restauración de 35 mm como lo hizo cuando se abrió en 1956 tanto para la crítica como para la aclamación. La película fue nominada para un Premio de la Academia a Mejor Película Documental y estrenada en los Estados Unidos en 1957." 

En las páginas del Wall Street Journal Nicolas Rapold " es una imagen en grano fino de los rostros de los que viven en la vida y se arrastran hacia los molinos de ginebra y las taberneras. " 

On the Bowery ha sido considerado como un examen incisivo del alcoholismo, y  una obra de arte del cine documental que colocó a Rogosin como un de los más brillantes cineasta documentalistas del cine independiente. 

Algunos directores influenciados por Rogosin y esta película son  John Cassavetes y Shirley Clarke , quienes emplearon muchas de sus técnicas en la filmación de The Cool World (1963). 

La película consiguió algunos  Premios al año siguiente de su estreno . Fue nominada al Oscar: Mejor documental  y en los Premios BAFTA fue valorada como el Mejor documental de 1956 por la Academia de Cine Británico. Consiguió el Gran Premio en la categoría de documental y cortometraje del Festival de Cine de Venecia del año 1956. Obtuvo además el premio Robert Flaherty, y el Premio de la medalla de oro, Convención sociológica, Universidad de Pisa 1959. La película fue seleccionada como una de las "Diez mejores películas de los diez años entre 1950 y 59" por Richard Griffith, de la Biblioteca de Cine del Museo de Arte Moderno del Festival de Popoli, 1971.

En 2008, On the Bowery fue seleccionado para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente importante". Es normal que así sea, pues está película parece la prolongación social de los desmanes económicos y sociales que surgieron en los Estados Unidos tras el crack de 29. De hecho , hay fotogramas que podían haber salido de los habitantes de aquellas Hoovervilles surgidas durante la Gran Depresión. 

La película es una bofetada a la conciencia de aquellos americanos que vivían al margen de los desposeídos, personas muchas ellas llegadas desde Europa, esos irlandeses que reclaman ser auténticos, o los americanos que podrían haber dado su vida por defender a su país en la Gran Guerra. Pero ahora vemos sus caras derrotadas, destrozadas, arrugadas en unos primeros planos que impresionan. Ahora el golpe no lo da tanto la crisis sino la bebida que los condena a vivir en un ambiente marginal y degradado. Una gran película de la cara oculta de aquellos felices cincuenta que sólo lo eran para algunos. Desde luego, para los de la película sólo hay un No Future!!!  Lo dicho , tremenda.