El coloso en llamas revisada

Recuerdo la  presentación de esta película que en inglés llevaba el título de The Towering Inferno en el cine, allá por el año 1974. Posiblemente cuando fui a ver Arabesco, una de Hércules o alguna parecida. Fue todo un bombazo. Era todo un paraíso de nombre propio y de actores y actrices de renombre. 

Fue el canto del cisne de algunos de ellos como Fred Astaire o Jennifer Jones, y por otras circunstancias, Steve McQueen. Para otros fue un salto más en su carrera, y eso que algunos estaban en el cénit de sus carreras como el caso de Paul Newman - este nunca bajaría del cénit, por cierto celebramos estos días su centenario- , Faye Dunaway u O.J. Simpson. 

La película estrenada un año antes de Tiburón (1975), fue uno de los primeros éxitos de taquilla con grandes efectos especiales, un reparto coral y un presupuesto ambicioso. Este espectáculo visual y de medios costó $14 millones, que en ese momento era una cifra considerable, y recaudó más de $100 millones en todo el mundo. Lo cierto es que la película de John Guillermin y de Irwin Allen, que participaba como productor, marcó un antes y un después en las películas de catástrofes. 

La historia es la consabida. En la noche de la inauguración el rascacielos más alto y lujoso del mundo situado en San Francisco consigue reunir a altas personalidades de la política y de la sociedad. Sin embargo, lo que parecía ser una velada tranquila y exitosa se convierte en un auténtico desastre al producirse un cortocircuito. La vidas distintas personas se entremezclan en esta trágica situación, llegando algunas a fallecer con independencia de quienes fuesen o no una estrella. 

Para resaltar únicamente decir que a lo largo del fin hay algunas bajas entre estos conocidos y entre ellos están la señora Mueller, Lisonette, que es casi una irreconocible Jernnifer Jones; el que hace de ingeniero eléctrico, Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, Richard Chamberlain ; junto a este muere el senador estadounidense Gary Parker, que estuvo interpretado por Robert Vaughn ; y el personaje que interpreta Robert Wagner , Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas y con él, la chica con la que tiene una aventura, Lorrie Sheila,o sea, Susan Flannery. Igualmente muere Carlos, el camarero, interpretado por Gregory Sierra 

El listado de los que se salvan en amplio. Lo encabeza Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor; Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts; Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller; Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan y yerno de Duncan ; OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad. A estos se le suman Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico; Jack Collins como el alcalde Robert "Bob" Ramsay; Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos; Felton Perry como Scott, otro bombero; Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos; Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos; Elizabeth Rogers como una de las señoras; Ann Leicester como invitado; Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo; Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos; Olan Soule como Johnson; la familia formada por Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright y Carol McEvoy como la señora Allbright - aunque yo creo que ella muere- ; Scott Newman como el joven bombero; Paul Comi como Tim; George Wallace como el Oficial Jefe; Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta; John Crawford como Callahan; Erik Nelson como Wes; Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta y William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. Algunos de estos últimos caen caen a lo largo de la película pero es difícil precisar.  

Son varios los detalles relevantes o curiosos de la película como la rivalidad entre Steve McQueen y Paul Newman, ya que ambos eran dos de las mayores estrellas de Hollywood en ese momento, y ambos querían el papel principal. Para evitar conflictos, los productores hicieron algo inusual: les dieron exactamente la misma cantidad de líneas de diálogo y ajustaron los créditos para que sus nombres aparecieran a la misma altura. También hicieron que McQueen, cuyo personaje aparece más tarde en la película, tuviera un papel igual de heroico que el de Newman. 

Otro detalle es que está basada en dos novelas distintas debido a que la película se inspiró en The Tower de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Warner Bros. y 20th Century Fox habían adquirido los derechos de cada una por separado, pero decidieron unirlas en un solo guion para maximizar el impacto. 

La producción trabajó con bomberos reales para garantizar la autenticidad de las escenas de rescate. Steve McQueen, que interpretaba al jefe de bomberos, incluso pasó tiempo con equipos reales para estudiar sus movimientos y lenguaje. Su famosa frase en la película, "You know, we were lucky tonight. The body count could have been much higher.", fue agregada tras conversaciones con bomberos sobre incendios en edificios altos. 

Y por último, destacar los efectos especiales y los efectos visuales que fueron muy avanzados para la época: se usaron llamas reales, miniaturas detalladas del edificio y técnicas de cámara innovadoras para crear la sensación de peligro. El trabajo de los especialistas fue especialmente arriesgado, con actores y dobles filmando entre fuego real en varias escenas. 

Ha sido hoy la última "intro" que hacía Gerardo Sánchez en Días de Cine...Clásico, cualquiera sabe el por qué de su eliminación. Sus intros eran una marca de calidad para descubrir lo que emitían. No se entiende su omisión a partir de febrero. Sabios tiene la Iglesia, pero no entre los dirigente de RTVE. Para saber más, mucho más, en el enlace.

Lancelot du Lac

Primera película de Bresson (1901-1999) que pasa por aquí. Un director que se dedicó en su juventud a la fotografía y la pintura. Creo que es la decimosegunda de filmografía y la segunda que hizo en color. El cineasta francés Robert Bresson que firmó trece películas que le sitúan como un cineasta esencial y único dentro del panorama europeo. que fue ayudante de dirección de René Clair, nos dejó hace más de dos décadas es el autor de una serie de películas con escenas de la vida cotidiana , aunque este no es el caso, de una precisión extrema en los fotogramas, con un estilo austero al máximo y cuidando el sonido de la misma manera que la imagen, gracias a un riguroso montaje. 

Bresson sigue siendo un maestro absoluto para los cineastas de todo el mundo. Esta película no es Pickpocket pero responde a la idea que bressoniana de su cine: insinuar más que ver, no utilizar actores y actrices profesionales y darle un sentido entre dramático y musical a todas las escenas. 

Esta al igual que otras de sus películas carece de banda sonora directamente aunque alguna música diagénica que aparece. 

«Lancelot du Lac» es un proyecto concebido un cuarto de siglo antes de su realización. Con más de setenta años, Bresson es un hombre desencantado, escéptico, que contempla el arte y la narración, incluso, la historia con amargura la insensatez del mundo que le rodea. Usando una terminología actual deconstruye la historia artúrica, especialmente, el final de su ciclo. La versión que he visto fue restaurada por la cinemateca Francesa en el año 2018 y está producida por Mara Films, Laser Productions, Office de Radiodiffusion-Télévision Française, Gerico Sound y distribuida por la Gaumont. Como productores aparecen Jean-Pierre Rassam y Francois Rochas.

El guion fue escrito por Robert Bresson aunque onspirado en la novela de la saga artúrica así como en los romances medievales, especialmente el ciclo Lanzarote-Grial y las obras de Chrétien de Troyes. 

Lancelot du Lac la poca música fue labor de Philippe Sarde. por su parte la fotografía fue responsabilidad de Pasqualino De Santis y el montaje de Germaine Artus. Las vistosas armaduras fueron creadas por Bill Callaway. 

El elenco lo encabeza Luc Simon como Lancelot del Lago; Laura Duke Condominas como la reina Ginebra Humbert Balsan como Gawain Vladimir Antolek-Oresek como el rey Arturo Patrick Bernhard como Mordred 

La historia parte de la leyenda artúrica y en concreto la de la relación que guarda el más valiente de los caballeros de la tabla redonda, “el mejor caballero del mundo” y principal colaborador de Arturo con la mujer de éste, Ginebra. 

El rey Arturo ha enviado cien caballeros para recuperar el Santo Grial. Arturo queda consternado cuando resulta que la misión fue inútil y que 70 caballeros han muerto en su curso. En la Tabla Redonda faltan ya muchos y la sala se clausura. Los supervivientes entran en un tiempo de espera, un mundo menguante. 

Entre los que han regresado se encuentra Lancelot, el amante de la reina Ginebra. Está atormentado por la muerte de sus camaradas y dividido entre su deber y su amor por la reina. Quiere poner fin a la aventura, pero Ginebra se niega. Ella insinúa que en lugar de ser asesinados por los enemigos, los caballeros enviados a buscar el Grial se enfrentaron entre sí, siendo Lancelot el principal de ellos. 

Para empeorar las cosas, muchos caballeros de Camelot desconfían o desprecian abiertamente a Lancelot, quien es visto como un favorito incluso entre la Mesa Redonda, salvo unos pocos, entre ellos Gawain y Lionel, quienes son sus mejores amigos entre los caballeros. 

Lancelot, cayendo una vez más en su amor por Ginebra, desea renunciar a un próximo torneo para tener una cita con la reina. Gawain intenta convencerlo de lo contrario, pero fracasa. 

De camino al torneo, Mordred (quien anteriormente se encontró con el lugar de encuentro secreto de Lancelot y Ginebra y descubrió su bufanda allí y sospecha que Lancelot aprovechara el torneo para ver a la reina) intenta y no logra convencer al rey sobre el asunto. 

Más tarde, durante el torneo, un extraño caballero que porta un escudo blanco vence a un caballero tras otro. Gawain y Arturo reconocen al caballero como Lancelot, por su caballo y su forma de montar. Lancelot continúa derribando a más caballeros, entre ellos el pérfido Mordred, antes de irse. Al partir, se tambalea y cae, obviamente herido. 

Poco después, la reina abandonada le informa a Gawain que Lancelot ha «desaparecido» y que el caballero del escudo blanco no puede ser él. Lionel (que antes había herido al caballero del escudo blanco) desea defender el honor de Lancelot, pero es detenido por Gawain, quien envía jinetes en busca de Lancelot, sin éxito. Entonces se cree que Lancelot está muerto. 

Más tarde, Gawain busca a la reina en su lugar de reunión secreto, pero Ginebra se resigna a su amor por Lancelot y se niega a irse. Gawain se marcha, solo para encontrarse con Arturo acompañado de los caballeros de Mordred, quienes habían avisado a su rey. El rey inmediatamente encarcela a la reina Ginebra en la misma torre donde ella y Lancelot tuvieron sus coqueteos. 

Más tarde se revela que Lancelot se esconde y se recupera en Escalot, al cuidado de un granjero anciano. Con la ayuda de Lionel y los caballeros leales a Lancelot, libera a la reina y mata a dos caballeros (uno de ellos es Agravain, el hermano de Gawain). Arturo inicia inmediatamente una campaña contra el castillo donde los amantes buscaban refugio. Las batallas resultantes provocan muchas pérdidas y bajas, entre ellas las de Gawain. 

A pesar de esto y de la muerte de su hermano, no le guarda rencor a su antiguo amigo y cree que aunque él y Arturo intentaron salvar a Ginebra, y sólo Lancelot lo logró. Luego muere a causa de sus heridas. Ginebra, abrumada por la culpa por la sangre derramada por su amor, obliga a Lanzarote a devolverla a Arturo, a lo que él accede a regañadientes. 

Más tarde se le informa de la traición de Mordred. Lancelot inmediatamente decide cabalgar contra él, del lado de Arthur. La batalla de Camlann resultante es un baño de sangre en el que nadie sobrevive, incluidos el rey Arturo y Mordred. Lancelot, el último hombre en pie, se tambalea por el campo de batalla. Susurrando el nombre de Ginebra, se desploma, muerto, y lo último que ve es un halcón volando alto.

Al igual que en las películas posteriores de Bresson, el reparto estaba compuesto por actores aficionados, varios de los cuales no aparecieron en ninguna otra película. La dirección de Bresson exigió una deliberada falta de emoción en el estilo de actuación y redujo o eliminó los elementos fantásticos de la leyenda del Grial. 

Si bien gran parte de la producción está estilizada intencionalmente como un "romance" medieval, la película está salpicada de momentos de violencia gráfica. La película fue rodada desde finales de junio hasta principios de septiembre de 1973 en Noirmoutier-en-l'Île y rodada en una película en color de 35mm. 

La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Cannes en mayo de 1974 y ganó el premio Fipresci ese Festival de Cine de Cannes.  

El crítico español Augusto M. Torres dijo de ella que era una "Irregular visión de las clásicas relaciones entre la reina Ginebra, el rey Arturo y el caballero Lancelot". David Lowery cita esta película como una de las inspiraciones detrás de su película de 2021 The Green Knight, la adaptación de la leyenda artúrica, Sir Gawain y el Caballero Verde. 

Fue la elección del segundo lugar de Michael Haneke en la encuesta Sight & Sound de 2002 sobre las mejores películas jamás realizadas. El resultado es uno de los filmes más sorprendentes e inclasificables.

La película transmite lo que se llama la estética de Bresson, una apuesta estética que se basa, ante todo, en negaciones: la psicología, la interpretación, todo aquello que pueda llamarse teatro. Una apuesta que lo lleva al cine radical y , en parte, por su sobriedad, pero también por lo sombría y rigurosa alejada de la idea de empatizar o de agradar. Bresson renuncia a los filtros románticos o modernizadores, a Tennyson y el prerrafaelismo, a E.H. White y el cómic. Bresson no trata de instruirnos y no pretende que comprendamos todo: las reglas del amor cortés, de los torneos. Su Camelot no es un castillo de cuento de hadas, sino una morada tenebrosa y en parte inexpresiva, como el tono que utiliza. Huye del romanticismo, pero existe el concepto que se reduce a una emoción, contenida, pero emoción. 

Bresson no busca, como hace el “teatro filmado” se limita a reflejar la esencia de las emociones. De hecho renuncia a todo elemento mágico y se limita a representar algo, sino proponer conceptos. Por eso están las elipsis, los fragmentos, el vacío, los sonidos incluso los de la sangre con el fin de que el espectador, ensamblando las partes, elabore la idea en su mente. La estrategia se lleva al límite: el castillo es un pequeño reducto, un espacio mínimo, dos pasadizos y la ventana de la reina. El torneo se reduce a pequeños detalles: banderines, patas al galope, notas de gaita, relincho –siempre el mismo–, lanza contra escudo, estrépito de armadura; la cruenta batalla, no vista, a ruidos de choque de corazas y cascos, silbar de flechas, desorbitados ojos de caballo, monturas que huyen sin jinete. Una película violenta y, en su inicio, sangrienta. 

Consciente de que la historia de amor es imposible vemos como en parte acaba en una violencia que es consubstancial a la propia condición humana, Bresson admite en la película por ese escepticismo dominante la irresolubilidad del conflicto. Acepta la tensión, la contradicción, la imposibilidad misma de conocer, como paradójica fuente de conocimiento. Su incapacidad de alcanzar una conclusión, no por ignorancia, sino por exceso de lucidez. El resultado una película llena de desesperanza, sobria, sombría, algo presente en sus últimos films, entre ellos éste, «Lancelot du Lac».

Tamaño natural

Luis García Berlanga era un erotómano reconocido, convencido y que no tenía problema alguno de alardear públicamente de su carácter. Recuerdo una vez en un programa de tertulias de TVE en la que él defendía la literatura erótica como algo necesario y algo que liberaba a los hombres ( y por extensión, a las mujeres). A él particularmente le encantaba. Creo que los premios y la editorial titulada La sonrisa vertical fueron propiciados por él. 

Así que no me extraña que tamaño natural fuese una obra dedicada al mundo erótico aunque tienen mucho de surrealismo en las relaciones y a las fantasías sexuales que podía tener Luis García Berlanga o cualquiera de los mortales. Es más, para el director José Luis Garci esta era la película favorita de Berlanga. 

Tamaño natural o "Grand nature" es una película del año 1974, una coproducción hispano-francesa e italiana, detrás de la misma se encuentran Michel Piccoli, Alfredo Matas y Christian Ferry, de Uranus Productions France, Les Productions Fox Europa, Films 66, Verona Produzione y Jet Films. en la que estaba implicado el mismo Luis García Berlanga conjuntamente con Philippe Agustini. Ambos aparecen acreditados como directores. La música fue labor de Música Maurice Jarre, la fotografía de Alain Derobe y el montaje de Françoise Bonnot.  

La película cuenta la historia en la que Michel, un hombre decepcionado por sus relaciones con las mujeres. Un dentista de éxito de 45 años con un matrimonio en decadencia, aunque su mujer, Isabelle (Rada Rassimov) acepta sus continuas infidelidades. Así que decide hacerse con una muñeca de poliuretano de tamaño natural, con bellos atributos de mujer, que le llega al inicio de la película desde Japón. 

En un momento dado, y al conocer la existencia de su "extraña" nueva amante, decide abandonar a su esposa, así como a otras amantes eventuales. Michel, dentro de su creciente soledad, encuentra toda la pasión con la muñeca de la que se enamora. 

Las personas cercanas a él asumen la realidad de diverso modo. Su madre (Valentine Tessier), admite de buen grado la situación, vistiendo a la muñeca con sus trajes de cuando ella era joven mientras le habla, llegando a afirmar sarcásticamente que ya había pasado más tiempo con el maniquí que con Isabelle, con quien mantiene una mala relación. Sus amigos encuentran la situación hilarante, regalándole una muñeca pequeña como si se tratara de su hijo. Isabelle, cuando descubre que su marido se ha enamorado de un maniquí, enfurece y acaba por comportarse como si también fuera uno para intentar recuperar a Michel. La mujer , finalmente, decide divorciarse de Isabelle.

El enamoramiento de Michel es total. Admite que su muñeca, a la que da diversos nombres a lo largo de la película, cumple todos los requisitos que él espera de una buena mujer: es atractiva, su piel no envejece, no habla ni enferma, ni tampoco pide caprichos. En su delirio, llega a escenificar una boda y grabar en video sus mejores momentos. Así que se recluye con la única compañía de una muñeca hinchable, y una asistente valenciana María Luisa (Queta Claver), que junto a su marido José Luis(Manuel Alexandre), que se dedica al mantenimiento de la vivienda.

Sin embargo, la relación que establece con la muñeca se irá deteriorando  paulatinamente con la aparición de los celos. De hecho vamos viendo como la muñeca, preciosa e impoluta en un primer momento, acaba adquiriendo un color poco de deseable. 

Por último, Michel descubre las infidelidades de su maniquí con varios hombres, con el marido de Queta y con los amigos de éste, españoles que viven hacinados en una barraca. Esta situación alcanza su punto culminante cuando la muñeca es secuestrada durante la Nochebuena por el grupo de emigrados españoles con la intención de violarla tras sacarla en procesión. Alguno (Agustín González) llega a violentarla. 

Ante esta situación Michel acaba simbólicamente con la vida de la muñeca lanzándo su vehículo al Sena. Segundos después, la muñeca sale a flote mientras un hombre la observa encandilado desde un puente. 

Dentro de la filmografía de Luis García Berlanga Tamaño natural es toda una rareza. Rodada en París durante la época de la apertura tardó, sin embargo, cuatro años en ser estrenada en España. Y en algunos países como Estados Unidos solo se pudo estrenar en las sanas en la sala de cine erótico. 

Para muchos se trata de la película más buñuelesca del director valenciano. No en balde  en el guión aparece un habitual de las películas francesas de Buñuel, el escritor Jean Claude Carrière, además de repartir el peso de la escritura con su habitual, Rafael Azcona, con el que ha rodado casi una docena de títulos. 

Quien sostiene la película de principio a fin es el gran actor francés Michel Piccolí, que asume el papel principal. Junto al actor francés aparece la actriz Rada Rassimov y y un grupo de actores y actrices españolas entre las que destacan amparo Soler leal, Queta Claver, Manuel Alexandre, pero igualmente aparecen Agustín González Luis Ciges e incluso el mismísimo José Luis Coll en un breve papel. 

El historiador de cine Ernesto J. Pastor en un tweet de 2018 escribió sobre ella diciendo que " "Tamaño natural" (Luis García Berlanga, 1974). 44 años después sigue transmitiendo un mensaje confuso que creo se inclina más hacia la misoginia. " 

En la 34.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos, celebrada en 1979, Manuel Alexandre fue premiado por su trabajo. 

El propio Luis García Berlanga declaró : "  tamaño natural fue simplemente una aventura yo sabía que el tamaño no iba a ser el cine que iba a seguir haciendo pero el hombre viviendo con un solo con la muñeca y eso me atraía mucho porque decía yo soy que os voy a ser capaz de hacer una película en que me asustaba bastante pensar que yo no iba a poder hacer una perca de ser cerradas en que prácticamente toda la película menos el final no los españoles los que aparecieron allí que había una una pequeña moralidad pero era la primera vez que me me asustaba no porque yo digo las películas nunca me resultó pero pero pensaba y decirme voy a meter en el terreno de Antonio neó el terreno de de de este René otra cosa de diciendo cosas que las puede decir solo a un hombre que dice monólogo esto absolutamente para algún director verdad pero por otro lado me apoya mucho ella y seguí y y sigo creyendo que para mí la muñeca Laura lo meto por esa alternativa eso cuando va al sol criatura adicional quizá hay bastante momento en que la muñeca me parece mi mejor película" Y añade: " se supone que es la muñeca más maravillosa que se había construido hasta ese momento. Nos costó unos 10 millones de pesetas y tardaron casi un año en construirla para conseguir esa carnalidad". 

Para Berlanga " es un caballo de Troya que le devuelve todas las infecciones que ha dejado fuera del recinto donde se ha escondido para para gozar de esa soledad total. Esa muñeca le destruye . (...) Es la historia de una obsesión y una reflexión sobre la soledad con un desastre final". El director declaró que esto era muy común en sus películas " uno no puede llegar a lo que aspira". Por último, el consideró su película como amorosa y de un gran fracaso, el de la soledad, pero nunca erótica. Pero, a pesar de eso la gente pensó que era de contenido erótico. Tanto es así que se estrenó a los circuitos pornos de Londres. Hasta los mismos productores decidían ante la creencia que podía ser una película erótica fue la última en España entonces después de Emmanuelle". 

Berlanga señaló que "las feministas sí que se movilizaron tanto en Francia como en España como en Italia en algunos casos pues con rotura de escaparates y solo hubo un artículo que las frenó en Italia un poco, que por otro color lo único país donde la película tuvo un éxito"

Por último, señalar que no era la primera vez que el cine español llevaba a la gran pantalla el tema del drama de la soledad y la insatisfacción en las relaciones afectivas. Pedro Olea, había realizado en 1972 "No es bueno que el hombre esté solo". Una historia de un hombre tímido e introvertido que vive una relación con una muñeca de tamaño natural y que ve invadida su intimidad.  

  

Cockfighter

 

Película sobre el sur profundo norteamericano y de una actividad que invita al juego, a las apuestas y a los bajos fondos. Aquí además se transforma en una silenciosa en parte road movie con un grupo de secundarios de impresión encabezados por Warren Oates y Harry Dean Stanton. De hecho fue su último largometraje para la factoría Corman. 

Se trata de una película del año 1974 con dos de sus habituales, Oates y Harry Dean Stanton, y con este filme su trabajo como director se fueron distanciando en el tiempo. De hecho es la primera película de este director que pasa por aquí. 

Un director que falleció en este desgraciado abril de 2021. El anuncio de su muerte, en el centro médico Eisenhower, en Palm Desert (California), lo realizó su hija Melissa, que especificó que su padre había sufrido una caída en su casa. Tenía 91 años. 

Gallos de pelea así como Carretera asfaltada en dos direcciones (1971) y El tiroteo (1966) pueden ser sus películas más representativas por su forma de narrar la acción de lo aque acontece en los mismos. Precisamente por esa forma de narrar será referenciado como uno de los grandes creadores del indie estadounidense. Es más fue uno de los referentes de Quentin Tarantino, del que fue productor ejecutivo en Reservoir Dogs o de Richard Linklater.  

Hellman había nacido en Brooklyn (Nueva York), con el nombre de Monte Himmelbaum en 1929 aunque se crio en Albany, donde su padre regentaba una pequeña tienda de alimentación. Cuando tenía 6 años, la familia se mudó a Los Ángeles. 

Tras estudiar Teatro en la Universidad de Stanford y Cine en la UCLA, y dirigir un teatro de verano y diversos trabajos en la cadena ABC, como montador, y en otro teatro, entró en la productora de Roger Corman, mítico creador de cine de serie B. Para él dirigió La bestia de la cueva maldita (1959), que Hellman —que ya se había cambiado el apellido— describió como “Cayo Largo con un monstruo”. 

Bajo el amparo de Corman, pero sin aparecer en los créditos, Hellman no solo dirigió, con la secuencia inicial de Dementia 13, de Coppola, como ejemplo de ello, sino que también ayudó en el montaje de Los salvajes (1960). Es de destacar que Hellman fue un todoterreno y un chico para todo, un buen "bestboy": montador acreditado y sin acreditar , realizador de tomas adicionales, finalizador de rodajes de directores fallecidos, segundo director de secuencias de acción, como tuvo que hacer en Robocop. Como declaró en alguna ocasión : “He sido siempre un tipo a sueldo. Y habitualmente he cogido cualquier trabajo que me ofrecían” o como recoge una entrevista en El País: “Soy el hombre de confianza de varias productoras que, paradójicamente, no confían en mí cuando les presento un proyecto propio”. 

En esos años sesenta, coincidió con Jack Nicholson. Con éste, a quien había conocido en Los salvajes, Hellman formó una estupenda pareja artística: así llegaron en 1964, rodadas a la vez en Filipinas, y fuera del mundo Corman, el drama bélico Escapatoria al infierno y Viaje a la ira (con guion de Nicholson). 

Actor y director se lanzaron al wéstern en 1966, filmando en Utah El tiroteo (con Warren Oates) y A través del huracán, de nuevo con guion del actor. Estos trabajos fueron valorados por la crítica como secos, austeros, existencialistas repletos de personajes autodestructivos. 

Su película de más renombre fue Carretera asfaltada en dos direcciones (1971), del que vi el reportaje que le hizo Días de Cine, y en la que está protagonizada por dos músicos, James Taylor y Dennis Wilson, de The Beach Boys, y con Warren Oates. Los protagonistas son dos chicos que recorren las carreteras en un Chevrolet del 55 a la búsqueda de carreras ilegales en las que competir. Poco más hay en su vida, casi ni se hablan entre ellos y en su camino por el suroeste de los Estados Unidos se cruzará GTO, un veterano conductor que los reta a ver quién llega primero a Washington. La road movie fue un fracaso en taquilla porque Universal decidió no invertir en su promoción. Pero la prensa la apoyó y con el tiempo es un filme de culto. 

Tras esa llegó esta, Lucha de gallos, una película inspirada en la novela homónima del año 1962 de  Charles Willerford, quien será encargado de preparar el guion.Amparado por Corman que está enmascarado en estas productoras - Artists Entertainment Complex, New World Pictures, Rio Pinto Productions - Hellman se rodeó en los técnico con el músico Michael Franks y con Néstor Almendros en la fotografía. 

Hellman y Willerford nos plantean la historia de un hombre , Frank Mansfield (Warren Oates) , al que le apasionan las peleas de gallos, y que recorre con sus animales el sur de los Estados Unidos para participar en esta clase de competiciones. Lo conocemos en mitad de una historia. Lo vemos metido en un remolque cortando ligeramente el pico de un gallo para que parezca agrietado con el fin de obtener mayores probabilidades de apuestas en la próxima pelea. 

Apuesta su tráiler y el resto de su dinero con su compañero jugador Jack ( Harry Dean Stanton ). Mansfield pierde la pelea y con ella todas sus pertenencias. Vemos que estamos en un mundo duro en el que muchos hombres preparan sus gallos para matar mientras que otros buscan recuperar el honor perdido en un entorno rural de granjas perdidas y galleros ilocalizables. 

Frank ha decidio no hablar, así que entre un narrador de sus pensamientos y los personajes con los que se relaciona, descubrimos este submundo de miserias , honores y ambiciones en un mundo en lo que el animal es puro negocio. Todo es mostrado con frialdad y crudeza. 

Frank visita su ciudad natal, la granja de su familia y la casa de su prometida Mary Elizabeth ( Patricia Pearcy ). Mary Elizabeth hace tiempo que está cansada de la vida errante que lleva Frank así que le pide que se quedé con ella. Pero Frank decide luchar por el premio Cockfighter of the Year. 

Así que deja a Mary Elizabeth, vende la granja familiar y con el dinero decide invertir en pollos y comienza una sociedad con Omar Baradinsky ( Richard B. Shull ). Tras eso le siguen una sucesión de peleas, sacrificios de animales, sangre, violencia, peleas con otros competidores como el joven Tom Peeples (Ed Begley Jr. ) asaltos como el que viven casi todos los protagonistas incluída una chica Dody White Burke ( Laurie Bird) o el guionista en un cameo (Charles Willeford ), apuestas, robos, ... 

La asociación con Omar es fructífera y los lleva hasta la final del Campeonatos de peleas de gallos enfrentándose al gallo de su amigo Jack ( Harry Dean Stanton ). Una final que es una lucha a muerte. Mary Elizabeth está presente y vemos como antes de ganar dedcide marcharse. Frank, tras ganar, va en su busca y cuando está cerca de ella corta la cabeza del gallo y se la entrega a ella. Mansfield no "recupera" su voz hasta que Mary Elizabeth se va, acabando así la película.  

Willeford adaptó la novela a la pantalla él mismo e hizo varios cambios importantes en la trama. El autor indicó que Cockfighter se basa libremente en la estructura de la Odisea , eliminando toda la trama secundaria con la hermosa viuda Berenice. La eliminación de este personaje también excluyó la corta carrera musical del protagonista de la trama, aunque la película muestra a Mansfield punteando una guitarra en un momento. 

Otros dos personajes importantes de la novela también faltan en la película: Doc Riordan (un farmacéutico / inventor que suministra a Mansfield medicamentos acondicionadores para sus pollos) y el juez que vende la granja de Mansfield. 

La escena final de la película también presenta un cambio dramático con respecto al final del libro: Mansfield afirma que Mary Elizabeth lo ama mientras se aleja, mientras que en el libro se da cuenta de que la relación ha terminado y él es libre.

La película tuvo problemas para encontrar una audiencia y Roger Corman dijo que fue la única película que respaldó en la década de 1970 que perdió dinero. Lo volvió a editar, incluyendo escenas que no había incluido en la película, y lo relanzó bajo el título Born to Kill , pero aún así, no tuvo éxito.

Tras Lucha de gallos Hellman, que compatibilizó su trabajo como docente, con la dirección y la producción realizaría algún wéstern como Clayton Drumm (1978), con Warren Oates, Fabio Testi y Sam Peckinpah; La iguana (1988); el filme de terror Posesión alucinante (1989) y el capítulo Stanley’s Girlfriend, de la película episódica Trapped Ashes (2006). 

En 2010 año en que recibió un Premio en el Festival de Venecia, el León de Oro especial que reconoció a Hellman como “gran artista de cine y poeta minimalista”, y estrenó una película de cine negro, Road to Nowhere. Tenía 80 años y con ella decía adiós al cine. La vida le dijo adiós once años después.

Alicia no vive aquí

Uno de los primeros trabajos de Martin Scorsese y que contiene ya elementos muy representativos de su obra, aunque esté alejado de Nueva York, del mundo de la mafia y marche a la América Profunda en un viaje , algo triste, en busca de California. Los perdedores se merecen siempre mucho más. 

*EC: En construcción

Dark Star

 

*EC: En construcción

Billy, dos sombreros

Buen western rodado en parte en Israel y dirigido por el canadiense Ted Kotcheff, director y productor de cine, entre otras fue el director de la película original de Rambo First Blood (1982) y Uncommon Valor (1983). 

Tras una larga experiencia en la televisión de su país y de Gran Bretaña, este director de origen búlgaro se pasó al cine en 1962 con Tiara Tahiti una película que contaba con James Mason , pasando nuevamente a realizar telefilms en países de habla inglesa. 

Su primer éxito fue la película australiana Wake in Fright ( Outback , 1971) con la que consiguió importantes reconocimientos y premios incluso en el prestigioso Festival de Cine de Cannes , tras su retorno a Canadá y a la televisión, pasó en a Hollywood donde se lanzó a rodar comedias algunas con George Segal como protagonista como Fun with Dick and Jane (1977), que fue un gran éxito o Too many Chefs - ¿Quién está matando a los grandes chefs de Europa? (1978), para luego escribr y dirigir al joven Nick Nolte en North Dallas Forty (1979) que fue aclamada por la crítica. 

En 1982 rueda Split Image, con Michael O'Keefe, Karen Allen, Peter Fonda, James Woods, Elizabeth Ashley, Brian Dennehy y Ronnie Scribner. Tras esto llegó el bombazo de First Blood junto a Sylvester Stallone a, a la que siguieron Uncommon Valor (1983), una película bélica desarrollada en Vietnam con Gene Hackman, Fred Ward, Reb Brown, Randall "Tex" Cobb, Robert Stack y Patrick Swayze, y luego regresó a Canadá para hacer Joshua Then and Now (1985), de la novela de Mordecai Richler . 

Desde ese momento combinó cine y televisión, aunque dando más peso a estos último entrando igualmente en la producción. En la actualidad con 90 años está jubilado. 

En los setenta se atrevió con todos los géneros incluyendo este curioso western del año 1974  rodado en parte en Israel y que contó en la producción con un peso pesado de la dirección y de la producción como Norman Jewison que junto a Patrick J. Palmer apostaron por él. Con el respaldo de la productora Algonquin y un presupuesto de unos $1,100,000 llevó a la gran pantalla lo que había escrito Alan Sharp responsable que fue como guionista de La venganza de Ulzana, La Noche se mueve o Rob Roy, entre otras. 

Al grupo en el apartado técnico se unió en la música John Scott que creará una buena banda sonora con toques de guitarra española. También se le une Brian West para realizar una luminosa fotografía y el montaje de Thom Noble. 

El elenco lo encabeza Gregory Peck como Arch Deans, Desi Arnaz, Jr. como Billy, dos sombreros o Two Hats, Jack Warden como el sheriff Henry Gifford y David Huddleston como Copeland. Junto a ellos aparecen Sian Barbara Allen como Esther Spencer, John Pearce como Spencer, Dawn Little Sky como la mujer de Copeland, y en el papel de nativos americanos están W. Vincent St. Cyr , Henry Medicine , Zev Berlinsky , Antony Scott. Igualmente tiene una breve aparición Vic Armstrong como Harry Sweets Bradley.

   

La película se inicia con la llegada a localidad del Oeste, de un veterano sheriff. Se trata de Henry Gifford (Jack Warden) quien tiene la orden de localizar y capturar a tres hombres que han participado en el atraco a un banco. 

Se trata de un veterano asaltante Arche Deans (Gregory Peck) que se acompañada de otro compañero como Harry Sweets Bradley (Vic Armstrong ) y un chico joven y mestizo apodado “Billy dos sombreros”. Hay una recompensa de 100 dólares para quien los capture, vivos o muertos. 

Tras ubicar el sheriff a los fugitivos en un hotel de la aislada y desértica localidad logra sorprender a Harry Sweets Bradley tras estar vistiéndose tras pasar la noche con una chica y con el joven mestizo que va en busca de un Arche al que quiere avisar , pero que ya está en el exterior montado en su caballo. 

Cuando se produce el tiroteo el veterano forajido huye, quedando el joven mestizo indio Billy Two Hats (Desi Arnaz Jr. ) en manos del sheriff Gifford. Tras la captura del agente de la ley de Billy, procede a llevar al detenido ante la justicia para que sea ahorcado conforme a la ley. 

Mientras se desplaza por el desierto vemos que Arche Deans sigue desde la distancia a ambos y los ve llegar a un puesto comercial en mitad de la nada. 

Descubrimos que Billy es despreciado tanto por Henry Gifford como por Copeland (David Huddleston) , el veterano propietario del puesto por su condición de mestizo. Y sorprende puesto que Copeland convive con una india (Dawn Little Sky) con la que llegó a tener un hijo. Pero comenta en un momento mientras hablan de este tema así como del pasado (los búfalos que pastaban por allí, del viejo oeste que va desapareciendo,...) y del futuro ( la esperanza de Copeland es que por allí pase en un futuro el ferrocarril al ser el único espacio con agua de ese territorio) , pero también habla de como él decidió entregar a su hijo a la familia india por el hecho de ser mestizo. Unos y otros son inflexibles con los mestizos. 

No obstante, la india con la que convive Copeland atiende amablemente al chico mientras lo dejan atado a la puerta de la casa para llevarlo al día siguiente ante el juez. 

Gifford no es consciente de que desde la distancia Deans observa la presencia del Sheriff Henry Gifford y de Billy al puesto comercial remoto. Tras la llegada de la noche el tiene la idea de sorprender a todos durmiendo. 

Nada más llegar se siente en el techado frontal de la casa y espera a que Billy despierte y sorprender a los que están dentro. 

Cuando sale la mujer lo ve, pero no dice nada - posiblemente Billy le recuerda al hijo que entregó y perdió- así que soprende a Gifford al que hiere en el hombro y que está sorprendido de qye Arche haya ido por él a salvar al muchacho, siendo éste mestizo. 

Con el disparo despierta a Copeland al que le quita todas sus armas. Y tras hacer un encargo de provisiones, su idea es llegar a México, con el dinero obtenido y comenzar a vivir allí una nueva vida. 

Tras escapar ambos y mientras se alegan Copeland, el amigo del alguacil, y dueño del puesto comercial, es cosnciente de que tiene todavía su viejo rifle de búfalo de largo alcance y tras prepararse un tiempo dispara un tiro que mata al caballo de Deans. Este al caer se rompe una pierna. 

Ante las circunstancias Billy construye un camilla india para portar a Deans hasta la frontera siendo arrastrado por el caballo de Billy. Descubrimos que Billy se niega a abandonar a su amigo y lo lleva a rastras por el desierto tras su caballo. 

De esta forma, intentará superar todos los obstáculos que los separan a un México que para ellos significa libertad. 

Mientras tanto Copeland se une al tenaz Gifford que a pear de estar herido y ser curada por la india decide ir detrás de los dos fugitivos. Copeland jura como ayudante del sherriff y se lanzan detrás de Billy y Deans. 

Sin embargo, Billy no puede ir muy rápido. Poco a poco Gifford y Copeland van recortando las distancia. Dada la poca separación que hay entre unos y otros, Billy se la ingenia como indio para engañar a sus dos perseguidores mientras está cayendo la noche. Finalmente, la maniobra de distracción sale perfectamente. Con eso Arches y Billy ganan tiempo y distancia. 

Mientras pasan por un desfiladero Billy percibe que hay cuatro indios apaches (W. Vincent St. Cyr , Henry Medicine , Zev Berlinsky , Antony Scott), avenjentados que están fuera de control. Los asaltantes les exigen whisky, y , en su defecto, lo poco que llevan (caballo, armas, ropa, etc... ). Pero Billy convincentemente se los quita de encima. 

Poco despues se encuentran con un granja muy aislada en la que vive un hombre mayor, Spencer (John Pearce) y su joven esposa, Esther (Sian Barbara Allen). Están en una granja remota. 

Deans que no quiere robarles ni los caballos que tienen, persuade a Spencer para que les deje pasar la noche y a la mañana siguiente lo lleve en su carromato hasta México para conseguir caballos con la condición de que Billy se quede con Esther para protegerla a ella y a la granja de los indios merodeadores. Billy también debe estar atento a la persecución de Gifford. 

Billy, que en principio se queda oteando desde una colina para ver si Gifford todavía o sigue - nosotros ya sabemos que Copeland, ha abandonado al sheriff dado que no le renta estar más tiempo con él, fuera del puesto comercial- , pero descubrimos que la joven Esther, a la que en la tarde anterior Spencer había agredido sin piedad por su tartamudez, es una chica temerosa de la soledad, pobre y sin familia, a la que compró Spencer en Saint Louis por un centenar de dólares. Ambos pasan el tiempo juntos hablando. Esther, está horrorizada de vivir allí y de la violencia de su marido. 

Billy le cuenta que le llaman dos sombreros por su padre, un irlandés que tenía dos sombreros para momentos distintos, el diario y el ceremonial. En los dos días que pasan juntos la chica se enamora del joven Billy. 

Mientras ambos hacen el amor son sorprendidos por Gifford que encuentra a los dos juntos en la cama. Este asume que Billy violó a la mujer, se enfurece y lo golpea. Esther intenta explicarse, pero no puede porque tartamudea cuando está angustiada. 

Desconocen los tres lo que están viviendo Deans y Spencer . Ya que mientras se desplazaban por un desfiladero los cuatro indios que vimos el día anterior los emboscan su carro y matan al caballo . Luego los sitian. Uno y otro se esconden debajo del carro. Pero tras una larga espera, Spencer huye pensando que los indios no atacan de noche. 

A la mañana siguiente se reanuda el ataque con disparos y con piedras que casi matan a Deans. Al rato por la montaña cae el cuerpo sin vida y con el torso desnudo de Spencer muerto. Allí aguanta estoicamente el ataque Deans que logra matar primero a un indio y luego a otro, aunque previamente lo deja muy mal herido. Luego, Gifford, Esther y Billy parten tras Deans. 

Los tres al entrar en el cañón se encuentran con Deans casi moribundo. Los dos indios que restaban , al ver llegar a los tres huyen. 

Con la ayuda de Esther, Billy mata a Gifford y le entrga a Deans la cortina verde- la única propiedad de Esther- para que muera rodeado del verde de Escocia que tanto añoraba. Tras esto Deans muere a causa de sus heridas. 

Tras quemar el carro con los cuerpos de Gifford y de Spencer, Billy que no cree en enterrar a los muertos, coloca su cuerpo en un árbol en lo alto de una colina, al estilo indio. Esther y él se marchan juntos. 

La película fue rodada en el otono de 1972 entre Israel, lugar con espacios desérticos que quitan el hipo, y en Estados Unidos especialmente en la localidades de Arizona de Parker, Wickenburg y Harquahala Mountains, así como en Farmington, New Mexico. 

En principio la película iba a ser dirigida por Norman Jewison. El hecho de que se tratara de un western filmado en Israel fue motivo de chanza por parte de algunos comediantes, que dijeron de ella que se titularía "Shalom on the Range". 

A destacar la larga escena en la que el protagonismo lo asume el 'Buffalo Rifle' de tiro largo o rifle Sharps e ilustra la precisión de la misma. 

La película fue distribuida United Artists y tuvo su estreno en marzo de 1974 en Los Ángeles. Desconozco su éxito o fracaso en la taquilla.

Variety calificó la película como "una película fresca y diferente (la primera filmada en Israel) que comienza con violencia y contiene algo en todo momento, pero nunca se demora con amor en el caos y la sangre; ergo, es dócil para el grupo de Sam Peckinpah , pero muy bien manejada en todos los aspectos. de manera que debería tener un buen futuro tanto aquí como en el extranjero ". Y esa misma revista dejo que era" un western original y diferente (...) Gregory Peck está espléndido" 

Gene Siskel del Chicago Tribune dijo de ella que "Cuando la acción se convierte, como inevitablemente debe, en una conversación entre Peck y Arnaz, 'Billy Two Hats' se vuelve insípida. Y cuando el joven Arnaz entabla un romance con la tartamudeante novia por correo de un ranchero, la acción y el diálogo se vuelven positivamente embarazosos ". Y añade que "Los personajes del escritor Alan Sharp están bien dibujados y bien interpretados, pero el ritmo de 'Billy Two Hats ' es demasiado lánguido y su estilo demasiado portentoso para mantener el interés en ellos". 

John Raisbeck de The Monthly Film Bulletin comentó que "Al igual que "La venganza de Ulzana - Ulzana's Raid- también escrito por Alan Sharp, Billy Two Hats es una película de cazadores y cazados, centrada en la relación padre / hijo; solo que aquí los roles tradicionales se invierten, con los canosos Deans (Gregory Peck luchando sin éxito con un acento escocés) teniendo que apoyarse en su ingenioso y joven compañero. El motivo, sin embargo, se maneja con una obviedad que caracteriza gran parte de la película ". 

Adrian Turner de Radio Times comentó que "Tiene algunas secuencias de acción decentes y la novedad de que el imponente Peck hace de malo (...) " 

En Time Out la describe que es "Un intento decepcionante de mezclar declaraciones serias sobre prejuicios raciales y una historia de western (...) Parece que Kotcheff se interesa más por los paisajes que por los personajes." 

Ya en España Fausto Fernández se trata de un "atípico western típicamente 70s " y nos dice en distintos tuits de la película que responde a un " Guión de (todos quitándose el sombrero) Alan Sharp para un atípico western 70s con Gregory Peck rodado en Israel" Igualmente destaca del mismo esos " Paisajes israelíes para un western con muchos alicientes, comenzando por el guión de Alan Sharp, la dirección de un infravalorado Ted Kotcheff y ese enorme Gregory Peck de los años 70 en plenitud de facultades o con David Huddleston, actorazo de reparto ." 

David Tejero en Twitter escribe que "En Billy Dos Sombreros (1974), hay todo eso que le pedimos al western, pero sobre todo hay tristeza infinita. Kotcheff sabe impregnar de melancolía una película con interesantes trasfondos (denuncia) correlativos al cine de los setenta". 

En el mundo se afirma que es "Un original wéstern, rodado en el desierto de Israel y que tiene como mejor baza a un convincente Gregory Peck, en un personaje algo alejado de los que nos tiene acostumbrados. Desi Arnaz jr. el otro coprotagonista, era el hijo de los popularísimos Lucille Ball y Desi Arnaz (los protagonista de la mítica serie ''Te quiero, Luci'') y siguió la carrera de sus padres, tanto en cine como en televisión, aunque con mucha menor fortuna. " 

A mi personalmente me ha gustado la película. Por la historia, por ser un canto anti racista, - "¿Quién puede apreciar a los mestizos?", se pregunta Gifford y lo mismo piensa Copeland, por el tono de la misma, por su dosis que se mueven entre el padre y maestro que educa hasta en lo religioso- cita del Eclesiastés- a su "nuevo hijo", por los paisajes, la luz cegadora que refleja y la música ajustada a la película en todo momento. A destacar el fantástico trabajo de los veteranos intervinientes encabezado por este padre adoptivo que es aquí Gregory Peck, y esos dos secundarios de peso y lujo absoluto que son el poderoso Jack Warden y el siempre magnífico "Lebowski" David Huddleston. Una gran y agradable sorpresa. Para quitarse al menos un sombrero.

Aeropuerto: SOS se nos fue Sean Connery

A finales de octubre del año pasado fallecía Sean Connery . Desde ese momento quería que pasará por aquí algunas de las películas que le hicieron inmortal. Ante ya habían pasado "The Untouchables"(1987) pero no otras que lo hicieron uno de los grandes más grandes como "Diamonds Are Forever"(1971), "Never Say Never Again" (1983), "Murder on the Orient Express" (1974), "The Wind and the Lion" (1975), "The Man Who Would Be King" (1975) y "A Bridge Too Far" (1977) acabando la década con Meteoro. 

Vemos que la década de los 70 fue especialmente fructífera en grandes películas, pero la que me ha traído hasta aquí no es una de ellas. De hecho ha llegado por error. Creía que Ransom, aquí vendida como Aeropuerto: SOS vuelo secuestrado tenía que ver como Aeropuerto, al matriz de la saga de los Aeropuertos que en desde 1970 abrió la puerta del cine de catrástrofes. Pero error. No tiene nada que ver con la saga iniciada y dirigida por George Seaton y protagonizada por un elenco estelar , en aquel caso Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes y Van Heflin y que fue la iniciadora del género de cine de desastres. Es un desastre, pero de otro tipo. 

Ransom , conocido en Norteamérica y algunos países anglosajones como The Terrorists, es una película de 1974 protagonizada principalmente por un consolidado Sean Connery y por un emergente Ian McShane.

Fue dirigida por el director finlandés Caspar Wrede , un director finlandés nacido en 1929 y fallecido en 1998 en Helsinki y que tuvo una larga trayectoria como director teatro, más que de cine. En 1951 abandonó Finlandia y se matriculó en la Old Vic Theatre School de Londres dirigida por el director francés Michel Saint-Denis para apostar por la dirección teatral. 

En 1956 participó en la creación de la compañía Piccolo Theatre en Chorlton-cum-Hardy , Manchester (que solo sobrevivió un año) y en 1959 fundó la 59 Theatre Company, con sede en el Lyric Theatre (Hammersmith). 

En 1967 Wrede junto a Michael Elliott acordaron dirigir producciones para el Century Theatre de Braham Murray en la Universidad de Manchester y en 1968 los tres fundaron la 69 Theatre Company también en la Universidad donde produjeron obras de teatro hasta 1972. 

El grupo comenzó a buscar un teatro permanente en Manchester con un teatro temporal, The Tent, en el Royal Exchange en desuso. El éxito de The Tent llevó a la decisión de construir el nuevo teatro dentro del Royal Exchange. Wrede dirigió una de las dos producciones de apertura en septiembre de 1976, El príncipe de Homburg y continuó dirigiendo más de 20 producciones durante los siguientes 15 años. 

Paralelamente a su trabajo teatral en los años cincuenta, dirigió varias obras de teatro para televisión, incluidos episodios de ITV Television Playhouse e ITV Play of the Week . También comenzó a dirigir películas que continuó a hacer a través de los años sesenta, incluyendo una versión de la obra de Aleksandr Solzhenitsyn, Un día en la vida de Iván Denisovich con Tom Courtenay. Entre las películas destacan Duodécima noche (1957), Potter privado (1962), El barbero de Stamford Hill (1962), Un día en la vida de Ivan Denisovich (1970) y en 1974 Ransom. 

De cualquier manera el teatro fue su centro de atención, al menos en Gran Bretaña, hasta 1990 y finalmente se mudó a Finlandia con su segunda esposa, Karen Bang, amiga desde la infancia. Allí pasó el resto de sus días. 

Pero en este caso Caspar Wrede optó por el cine y por una figura del cine británico como era el escocés Sean Connery para protagonizar su película. La película británica estaba producido por Peter Rawley por medio de Lion International, 20th Century-Fox Film y Rawley Film & Theatre y contó con un presupuesto de $ 1.5 millones. 

La película parte de un guion de Paul Wheeler y contaba con la música de Jerry Goldsmith, la fotografía de Sven Nykvist y el montaje de Eric Boyd-Perkins. 

El elenco lo encabeza Sean Connery como el Coronel Nils Tahlvik, Ian McShane como el secuestrador Ray Petrie, Jeffry Wickham como el capitán Frank Barnes, Isabel Dean como la Sra. Palmer, John Quentin como Martin Shepherd, Robert Harris como embajador Palmer, James Maxwell como Bernhard, William Fox como Ferris, Harry Landis como el piloto George Rawlings, Norman Bristow como Capitán Denver. Junto a ellos están John Cording como Bert, Christopher Ellison como Pete, Richard Hampton como Joe, Preston Lockwood como el brigadier Hislop, Karen Maxwell como Eva y Gordon Honeycombe como el lector de noticias. 

Antes del inicio de la película vemos que el mundo a mitad de los sesenta está sufriendo las convulsiones que supone la aparición de células terroristas que alteran la vida de muchos países. Lo vemos a través de flashes documentales. Dentro de estas organizaciones terroristas hay una encabezada por un terrorista del que va poco a poco realizándose un retrato robot, pero del que no se conoce su identidad. 

Tras eso comienza al final la historia en la que un grupo de secuestradores encabezado por por Martin Shepherd (John Quentin), asalta la residencia del embajador británico Palmer (Robert Harris ) y lo toman como rehén junto con otras personas como su mujer la Sra. Palmer (Isabel Dean). 

En paralelo un segundo grupo de terroristas encabezado Ray Petrie (Ian McShane) toma junto con otros tres compañeros un avión británico, un Boeing 737-200 de Mey-Air , que aterrizaba en Escandinavia. 

El encargado de solventar un tema y otro es el jefe de la policía militar, el coronel Tahlvik (Sir Sean Connery), que recibe la misión de rescatar el avión y a los pasajeros. Pero el problema crece cuando descubre que los que están en la embajada están en contacto con los del avión. Una y otra actuación está coordinada y el responsable de abortar ambas es él. 

Descubre que en la operación de la embajada en un paisaje copado por la nieve y el hielo puede resultar heridos si no se siguen a rajatabla sus órdenes aunque encuentra cierta oposición por parte del brigadier Hislop (Preston Lockwood). Su principal colaborador es el capitán Frank Barnes (Jeffry Wickham).

El duelo de voluntades entre Tahlvik y los secuestradores no ha hecho más que comenzar. Por un lado el Coronel Nils Tahlvik (Sean Connery) se encuentra que ambas situaciones son de alto riesgo, tanto rescatar al embajador británico de un grupo de terroristas y recuperar un avión secuestrado en la pista de aterrizaje por el mismo grupo por lo que ha de adoptar una posición intransigente, pero los gobiernos de Escandinavia y Gran Bretaña lo anulan, ya que insisten en que se cumplan todas las demandas de los terroristas. 

El avión se encuentra alojado en una pista de aterrizaje aislada, con las ruedas quemadas dado la actuación del piloto George Rawlings (Harry Landis). 

Nada más aterrizar Petrie exige que lo pongan en contacto con Martin Shepherd (John Quentin ), líder del grupo que tiene como rehén al embajador británico. Petrie, a quien Shepherd conoce, convence a Shepherd de que su grupo y sus rehenes deberían irse en el avión secuestrado, no en un avión militar como se planeó originalmente. 

Exigen de cualquier manera un autocar custodiado por motoristas para escapar. Tahlvik y su grupo de comandos militares realizan varios intentos para frustrar los planes de los terroristas, pero nada parece funcionar para ellos. Ya que tienen desde observadores en las pistas de vuelo en alguna pequeña avioneta hasta contactos en los servicios secretos o incluso que el capitán Frank Barnes (Jeffry Wickham) está en contacto con algunos de ellos. 

En el último minuto, Tahlvik se da cuenta de que los "terroristas" en el avión son en realidad agentes secretos británicos que intentan capturar a Martin Shepherd, y que los funcionarios británicos han estado engañando a las autoridades escandinavas y socavando los esfuerzos de Tahlvik por capturar a los dos grupos terroristas. 

Sin embargo, Tahlvik logra llevar por un lado a los secuestrados del embajador inglés con Shepherd a la cabeza, ya que a pesar de un buen cambiazo que se realiza en un túnel en el que la policía suple el autocar de los secuestradores por otro de policías. No obstante, Shepherd, que es el terrorista más buscado del planeta logra llegar al avión. 

Poco después Tahlvik logra entrar en el avión justo antes de que despegue, lo que precipita un tiroteo entre los dos grupos que deja a Shepherd y Petrie muertos por los disparos de Tahlvik, se desactivan las bombas vinculadas a los relojes que contienen los detonadores de la bomba y descubriendo que el embajador Palmer ha estado al tanto de todo ha estado ocurriendo por lo que el fin parece justificar los medios. 

Según Michael Deeley , director gerente de British Lion Films , la película fue realizada por el productor británico Peter Rawley. Él arregló el guión y contrató a Sean Connery e Ian MacShane, luego fue a British Lion, quien acordó proporcionar el presupuesto de $ 1.5 millones. Vendieron los derechos estadounidenses y canadienses a la 20th Century Fox por $ 800,000 encargada de la distribución y vendieron los derechos para el resto del mundo por $ 1 millón, obteniendo una ganancia cómoda. Gran parte del elenco era británico aunque se sumaron algunos técnicos y actores noruegos. 

El rodaje se llevó a cabo en Noruega, y gran parte del rodaje tuvo lugar en el aeropuerto de Oslo, Fornebu así como en los Shepperton Studios, en Surrey, en Inglaterra. Los servicios técnicos contrataron a Norsk Film. 

El avión que se muestra en el secuestro es un Boeing 737-200 con la librea de Mey-Air. El avión utilizado en la filmación fue prestado por Hans Otto Meyer, un financiero y magnate naviero noruego. El elenco fue invitado a su casa para una fiesta y McShane y Connery realizaron un recorrido por lo que resultó ser un alijo secreto de armas para el ejército noruego Stay Behind. Unos años más tarde, Meyer fue arrestado y el gobierno fue alertado de la existencia de un ejército secreto del que solo unos pocos funcionarios estaban al tanto.  

La producción comenzó en enero de 1974. Durante la producción, Mey-Air no cumplió con sus pagos a Boeing Commercial Aircraft , quien envió representantes a Fornebu para recuperar la posesión del avión el 26 de febrero. El rodaje de las tomas del avión había comenzado, pero no se completó. 

En 2003, la película se lanzó en DVD por la 20th Century Fox Home Entertainment y en 2012, Anchor Bay (con licencia de 20th Century Fox) lo reeditó en DVD y en Blu-Ray en Estados Unidos. 

En cuanto a los críticos Alberto Abuín en un tweet señala que 'Aeropuerto: S.O.S. vuelo secuestrado a pesar de una dirección plana, mantiene el interés todo el momento alrededor de un doble secuestro donde nada es lo que parece, con Sean Connery como negociador. Main theme muy bonito, de Jerry Goldsmith.

Típico producto de los años setenta con un eficaz y solvente Sean Connery acompañado de un joven Ian McShane, que juega con la intriga pues nunca se solventa la situación cuando parece. Es un buen homenaje por lo desconocido a Sean Connery en una película que no está a la altura de otras que por aquí han pasado con grandes interpretaciones como Los inmortales, El nombre de la Rosa, El día más largo, Robin y Marian,  u otras menores como esa rareza de La gran aventura de Tarzan u otras no tan buenas - incluso malas- como La Liga de los Hombres Extraordinarios , Primer Caballero, pero que cumple su objetivo básico, entretener, estando bien dirigida por este director finlandes.