La batalla de Midway revisada

Película norteamericana en la línea de la mítica Tora, Tora, Tora... y que sale una pléyade de grandes actores veteranos de ese país junto también a un buen número de actores japoneses. La película es un producto muy en la línea del cine "espectáculo" de los setenta basada en un amplísimo reparto de grandes actores de Hollywood entre los que destacan Charlton Heston, Henry Fonda y muchos más, al que se sumaban grandes estrellas japonesas como Toshiro Mifune. 

El director de la misma Jack Smight acababa de realizar un año antes Aeropuerto 75, continuación del éxito de taquillas que llevó al cine a mucha gente pues el cine de catástrofes triunfaba desde Aeropuerto y la que también contó con el mismo Charlton Heston

La película reconstruye la famosa batalla de la Segunda Guerra Mundial en el escenario del Pacífico con bastante rigurosidad histórica y aprovecha para introducir una historia de amor en tiempos de guerra muy al gusto del cine de Hollywood de la época, así como el tema de los derechos civiles mancillaos, como ocurrió con la población de origen japonés que acabó en campos de internamiento a pesar de ser norteamericanos de segunda generación. A esto se le une el sonido Sensurround o presentarla en Panavisión. 

La película es del año 1976 y cuentan con, aparte de los ya citados, James Coburn, Glenn Ford, Robert Mitchum,  Hall Hollbrook, Cliff Robinson y un largo etcétera como ya detallé en esta entrada realizada hace unos años.

Se inicia en el Japón el 18 de abril de 1942 cuando en Hiroshima el joven comandante Watenabe informa al almirante Yamamoto, jefe supremo de la flota imperial japonesa, que Tokio ha sido bombardeada por aviones norteamericanos. 

Mientras tanto en Pearl Harbor el capitán Matthew McCarth se entrevista con el comandante Joseph Rockford para informarle de que se espera una pronta respuesta japonesa al ataque sobre Tokio. Algo se prepara pero no puede saberse con esa actitud y el almirante Chester Nimitz intenta estar preparados para lo que será una dura batalla y por eso se propone adivinar dónde se produciría el ataque japonés y finalmente el servicio secreto le informa que será en la pequeña isla de Midway. 

Hacia rutas salvajes

Estados Unidos es el país en que la Road Movie tiene todo el sentido. Sus espacios naturales, inmensos y espectaculares, inviten a desplazarte a ellos y descubrir mundos nuevos. Este es lo que descubrimos en Into The Wild , el viaje de un joven , Christopher McCandless, que nada más graduarse en la universidad este chico de veintidós años al que todos especialmente sus padres auguran un brillante futuro, decide dejar atrás su cómoda vida en busca de soledad y de aventuras. 

Está basada en el libro Hacia rutas salvajes de Jon Krakauer, escrito en 1995, que narra la historia real de Christopher Johnson McCandless que fue transformado en guion por el mismo Sean Penn.

La película producida por Paramount Vantage en la que están presentes Sean Penn, Art Linson y William Pohlad El periplo del joven trotamundos le convirtió en un símbolo para muchas personas. Su espíritu inquieto le llegó desde su estado natal, Virginia Occidental, hasta la gélida Alaska, pasando previamente por la árida Arizona norte de California los inmensos campos de trigo de Dakota del Sur, o aún peligroso descenso por el río Colorado hasta llegar a su desembocadura en el Mar de Cortés en México regresando a California hasta es Slab city, una ciudad californiana refugio de inconformistas y mucho más allá.

En su camino conoce a numerosos personajes pintorescos que no encajaban en la sociedad estadounidense pero que eran capaces de prestarle ayuda y sobre todo le ayudan a comprender la vida y él a su vez a cambiarse la.

Al final decidió ponerse a prueba adentrándose en el gran objetivo de su vida que no es otro que los bosques del gran norte de Alaska donde todo lo que había visto aprendido y sentido se materializó como nunca lo había imaginado, aunque finalmente le superó.

La película inicia paralelamente en dos momentos cruciales en la vida de Christopher McCandless. En el inicio vemos imágenes panorámicas de Alaska tomadas desde un tren en el que, a manera de créditos, se aprecia una carta que supone ser escrita por McCandless a uno de los personajes que hasta ese punto del largometraje resulta desconocido. 

Estamos en abril de 1992, y Chris McCandless llega a una zona remota llamada Healy, justo al norte del Parque Nacional y Reserva Denali en Alaska. Al notar la falta de preparación de McCandless, el hombre que lo deja le deja unas botas de goma . McCandless instala su campamento en un autobús urbano abandonado al que llama "El autobús mágico". 

Está contento con el aislamiento, la belleza de la naturaleza y la emoción de vivir de la tierra. Caza con una calibre 22, lee libros y lleva un diario mientras prepara su nueva vida en la naturaleza. Éste es el primer momento crucial en la película, la llegada del protagonista al destino trazado en la trama paralela a la historia de la película, en el que narra toda la travesía desde su graduación, pasando por diferentes lugares y conociendo personas que los conformaron en momentos precisos. 

La otra parte de la película se divide en tres capítulos titulados desde el punto de vista que el protagonista posee, en el que según la historia podemos tratar de interpretar las enseñanzas que pudo aprender desde la perspectiva de un nómada. Esta parte narra cómo decidió alejarse de la sociedad tras graduarse en la universidad Emory, debido al conjunto de prácticas y costumbres que conllevaba el estilo de vida en el que se crio: los problemas familiares que llevaron a la ruptura de lazos afectivos hacia sus padres y su gusto por la lectura naturalista y existencialista de Tolstói o Thoreau lo llevan a tomar la decisión de destruir todos sus documentos identificativos y tarjetas bancarias y convertirse en un trotamundos. 

Hemos pasado al pasado, a mayo de 1990, cuando McCandless se gradúa con altos honores de la Universidad Emory . Está desencantado con la sociedad moderna después de descubrir que él y su hermana Carine nacieron fuera del matrimonio. McCandless destruye sus tarjetas de crédito y su identificación, dona sus ahorros a Oxfam y emprende un viaje a través del país en su Datsun 210 para experimentar la vida en la naturaleza. No les cuenta a sus padres ni a Carine lo que está haciendo ni adónde va y no se pone en contacto con ellos después de su partida. Esto hace que sus padres se pongan cada vez más ansiosos. 

En el lago Mead , el coche de McCandless queda atrapado en una inundación repentina; lo abandona y comienza a hacer autostop . Quemando lo que queda de su dinero en efectivo, asume el nombre de "Alexander Supertramp". 

En el norte de California , McCandless se encuentra con la pareja hippie Jan y Rainey. Rainey le dice que su relación con Jan está fallando, lo que McCandless ayuda a reavivar. 

En septiembre, McCandless llega a Carthage, Dakota del Sur , y trabaja para una empresa de recolección de trigo por contrato,  propiedad de Wayne Westerberg. Se marcha después de que arrestan a Westerberg. 

Tras atravesar Arizona, California, Oregón y Dakota del Sur, entre otros lugares, en un viaje que duró más de dos años, sintió el impulso de vivir solo en contacto con la naturaleza salvaje, por lo que desea fervientemente ir a Alaska.

McCandless navega en kayak por el río Colorado y, aunque los guardaparques le dicen que no puede hacerlo sin una licencia, ignora sus advertencias y se dirige río abajo hasta México. Su kayak se pierde en una tormenta de polvo y regresa a los Estados Unidos a pie. 

Incapaz de conseguir transporte, se sube a trenes de carga hacia Los Ángeles . Sin embargo, poco después de llegar, comienza a sentirse "corrompido" por la civilización moderna y se marcha. Se ve obligado a volver a hacer autostop cuando la policía ferroviaria lo atrapa y lo golpea. 

En diciembre de 1991, McCandless llega a Slab City , en el Valle Imperial , y se reencuentra con Jan y Rainey. También conoce a Tracy Tatro, una adolescente que muestra interés en él, pero él la rechaza porque es menor de edad. 

Después de las vacaciones, Alex McCandless continúa rumbo a Alaska. Un mes después, mientras acampaba cerca de Salton City , McCandless conoce a Ron Franz, un viudo jubilado que perdió a su familia en un accidente automovilístico mientras servía en el ejército de los Estados Unidos . Lleva una vida solitaria en un taller como trabajador del cuero. Franz le enseña a McCandless el trabajo del cuero, lo que resulta en la confección de un cinturón que detalla sus viajes. 

Después de dos meses con Franz, McCandless decide partir hacia Alaska. Franz le da a McCandless su viejo equipo de viaje y para acampar, junto con una oferta para adoptarlo como nieto. McCandless le dice que deberían discutirlo después de que él regrese de Alaska. 

Con ayuda de un rifle de caza y libros sobre plantas silvestres comestibles, sobrevivió durante semanas Cuatro meses después, en el autobús abandonado, la vida de McCandless se vuelve más difícil y toma malas decisiones. Intentando vivir de la tierra, caza un gran alce con su rifle, pero no puede conservar la carne y se echa a perder en cuestión de días. Eso le entristece pues ha matado un gran animal para nada.

A medida que sus suministros disminuyen, se da cuenta de que la naturaleza puede ser dura. McCandless concluye que la verdadera felicidad sólo se puede encontrar cuando se comparte con otros, y busca regresar de la naturaleza a sus amigos y familiares. El Parque Nacional de Denali en el que se encontraba contaba con refugios y rutas hacia vías transitadas a pocos kilómetros pero la crecida de un río le impide emprender el regreso. 

El Parque Nacional de Denali en el que se encontraba contaba con refugios y rutas hacia vías transitadas a pocos kilómetros pero la crecida de un río le impide emprender el regreso y lo lleva a la decisión de quedarse viviendo en el autobús y buscar la forma de sobrevivir ante el paisaje que poco a poco se va convirtiendo en hostil con la llegada del invierno. Sin embargo, descubre que el río que cruzó durante el invierno se ha vuelto ancho, profundo y violento debido al deshielo, y no puede cruzar. 

Derrotado, regresa al autobús. En un acto desesperado, McCandless busca la forma de sobrevivir de lo que la naturaleza le ofrece. Recolecta y come raíces y plantas. Pero confunde plantas similares y come una planta venenosa, como resultado enferma mortalmente. 

Ahora sabe que la forma de sobrevivir ante el paisaje que poco a poco se va convirtiendo en hostil con la llegada del invierno es complicada, casi imposible. Muriendo lentamente, continúa documentando su proceso de autorrealización e imagina cómo habría sido si hubiera logrado regresar con su familia. Escribe una nota de despedida al mundo y se mete en su saco de dormir para morir. 

Finalmente encuentra la liberación moral y espiritual cuando el hambre le deja sin fuerzas y comienza a delirar sobre su pasado hasta que fallece dentro del autobús.

Dos semanas después, unos cazadores de alces encuentran su cuerpo. Poco después, Carine regresa a Virginia con las cenizas de su hermano en su mochila.

Hacia rutas salvajes está dirigida por el actor Sean Penn. Fue realizada en el año dos mil siete y cuenta con la participación de Émile Hirsch, como Chris McCandless; Marcia Gay Harden y William Hurt, en el papel de sus padres Billie y Walt, Jean Malone como su hermana Caribe. Igualmente aparecen Brian Dierker como Rainey, Catherine Kerner como Jan Burres, Vince Vaughan como Wayne Westerberg, Kristen Stewart como Tracy Tarro o Hall Hollbrook como Ron Franz. 

La película que juega permanentemente con flashback tanto de la presencia de Alex "Christ" Supertramp en Alaska como su paso por otros estados, aparece dividida en capítulos perfectamente definidos y homogéneos.

Al final de la película justamente cuando aparece la foto auténtica del protagonista se nos comenta qué su cuerpo fue hallado dos semanas después de morir encontrado por dos cazadores. Y que en la película es en memoria de Cristofer Johnson Matt Carles, nacido el doce de febrero de mil novecientos sesenta y ocho y fallecido el 18 de agosto de 1992. La imagen que vemos es la que aparece en su cámara y corresponde a un autorretrato. El diecinueve septiembre de 1992 su hermana Karine voló con la cenizas de su hermano desde Alaska hasta su casa. La llevo en el avión y en su mochila.

En la película el director da las gracias a Jon Krakauer, padre agradeciendo igualmente la interesa de la familia Mccandless tanto Walt, Billie como Carine, ya que sin su ayuda no se habría podido hacer esta película.

En la misma destaca la banda sonora de Eddie Vedder, la fotografía de Eric Gautier, el complejo montaje de Jay Cassidy y el vestuario de Mary Claire Hannan. La misma se rodó en distintos estados norteamericanos destacando entre ellos las localidades de Cantwell, Anchorage, Fairbanks, Healy, todas ellas en Alaska. Igualmente se rodó en Page, Lago Mead, Bullhead City, Peach Springs, Lee's Ferry, Gran Canyon, Parker, Yuma y topo todos ellas en Arizona. En California se rodó en Catalina island, El centro, Los Ángeles, coma el lago Tahoe, Palm  springs,  Needles, Salton city, Slab city. Cerrado igualmente en la ciudad de Atlanta en Georgia así como en algodones el golfo de Santa María Clara en México. En Nevada se rodó en Las Vegas Jane en Reno, Bolder city y Laughlin. Por último en Oregón se rodó en astoria Portland el monte Hood, Sisters. Indaq en el sur de Dakota se rodó en Hot Springs, Winner y Carthage. Finalmente en el estado de Washington se rodó en Seattle y en el cabo Disappointment. 

La película se estrenó durante el Festival de Cine de Roma de 2007 y se estrenó en las afueras de Fairbanks, Alaska , el 21 de septiembre de 2007. Recibió elogios de la crítica y recaudó 56 millones de dólares en todo el mundo. En cuanto a la crítica destaca la buena acogida que tuvo en la prensa norteamericana. Para Peter Travers, de Rolling Stone, será una de las mejores películas del año y expresó que el director "Penn, haciendo tándem con el magnífico director de fotografía Eric Gautier,captura la majestuosidad y el terror de la naturaleza salvaje de un modo que te hace contener el aliento". 

Claudia Puig, de USA Today, expresó que "es una película cautivadora y que aborda muchas facetas", y añadió que "es una inquietante y conmovedora experiencia (...) Una inquietante y conmovedora experiencia (…)" . 

Para Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, también la nombró como una de las mejores películas del año , dijo de ella que era "Una película seria, brillante y pesarosa sobre un hombre barrido por sus propias decisiones intransigentes (…)" y alabó la actuación de Emile Hirsch diciendo que "interpreta a McCandless en una actuación hipnótica, sus ojos se hunden en su cráneo mientras que todavía arden con celo. Es una gran actuación, significa más que actuar" y agregó que "es una película reflexiva, lamentable y grave sobre un joven arrebatado por sus elecciones sin compromiso". 

Para A. O. Scott del The New York Times se trató de "Una película infundida con un expansivo, casi vertiginoso sentido de posibilidad, y que transmite un placer puro y natural en sus espacios abiertos, el aire fresco y la luz del sol brillante. (...) La imperfección del filme, como su grandeza, surge de un apasionado y generoso impulso que resulta tan difícil de resistir como la llamada de una carretera que se pierde en el horizonte." 

En el escrito de Owen Gleiberman en Entertainment Weekly la película "Se convertirá en la obsesión de todo aquel que esté dispuesto a realizar este viaje." Y para Ann Hornaday del The Washington Post "Sean Penn ha elaborado un himno poderoso y poético sobre norteamérica con 'Into the Wild', una adaptación sensible, arrebatadora y muy emotiva del bestseller de Jon Krakauer." 

Por el contrario, Dana Stevens, de Slate, discordó con el trabajo de Sean Penn diciendo que "no utiliza en su favor y pierde la oportunidad para mostrar una reflexión más seria sobre la ambigüedad de la búsqueda del viaje de McCandless". 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian señaló que era "Una película seria y personal sobre lo que significa ser humano y sobre lo que pasa cuando admiramos más la naturaleza que la humanidad (…) . 

Ya en España, la película no tuvo tanta repercusión y de hecho salvo a Jordi Costa de Fotogramas que dijo de ella que era un "Desbordante de una gran belleza épica (...) Lo mejor: el encuentro con el viejo. Lo peor: el maquillaje de las últimas escenas. (...)" la película pasó sin pena ni gloria . 

Para Javier Ocaña de El País el personaje es "Ingenuo y falaz. (...) Podría haber estado cerca del espíritu aventurero de los iluminados personajes de Werner Herzog (...) pero de lo que queda más cerca es de un libertario (y ultracapitalista) anuncio de automóviles."; mientras que en El Mundo, Alberto Bermejo coment´´o que era " (...) ese tipo de película que a algunos puede resultarles ingenua, incluso pueril, y que sin embargo otros, a los que les toque en profundidad, acabarán viendo con lágrimas en los ojos. (...)

En cuanto a los reconocimientos destacan las dos nominaciones al Oscar: tanto al mejor actor de reparto (Hal Holbrook) y al mejor montaje. En los Globos de Oro destaca el premio a la Mejor canción original, obteniendo otras dos nominaciones. Para la National Board of Review lo mejor fue el reconocimiento al Mejor actor revelación (Hirsch), y la incluyó entre las 10 mejores películas. Para la Asociación de Críticos de Los Angeles lo mejor fue la labor de un secundario, siendo nominado al Mejor actor secundario en la persona de Hal Holbrook. La American Film Institute (AFI) la incluyó en el Top 10 - Mejores películas del año 2007 y en los Premios Gotham se llevó al premio a la mejor película.

Como triste anécdota final señalar que el autobús abandonado y en descomposición en Stampede Trail donde murió McCandless se convirtió en un destino de peregrinación para curiosos y fanáticos. El origen del mismo se remonta a la década de 1940, cuando unos excursionistas tomaron el autobús hasta un sendero remoto en el distrito de Denali, Alaska , a 50 kilómetros (30 millas) de la ciudad más cercana, según el alcalde del distrito de Denali, Clay Walker. Cuando se rompió los que en el iban tuvieron que cruzar el peligroso río Teklanika. 

En 2010, una mujer suiza se ahogó cerca. En 2019, una mujer bielorrusa recién casada se ahogó en el río crecido cuando se dirigía al lugar. Cinco italianos fueron rescatados en febrero de 2020, uno de ellos sufrió una grave congelación, y un brasileño varado fue rescatado en abril de 2020. En total, se llevaron a cabo 15 operaciones de búsqueda y rescate de visitantes entre 2009 y 2017. 

El 18 de junio de 2020, el autobús fue retirado por motivos de seguridad pública. Fue transportado por un helicóptero Chinook del ejército estadounidense a un lugar no revelado en espera de una decisión sobre su destino final. En septiembre de 2020, el Museo del Norte de la Universidad de Alaska sita en Fairbanks anunció que se había convertido en el hogar permanente del Magic Bus 142, que sería restaurado para una exhibición al aire libre. Nada más sabemos del tema. 

Eso sí, reconozco que he visto una gran película, bien dirigida, fantásticamente montada, con una gran banda sonora, bella fotografía, muy bien interpretada, especiamente por Hirsch y Holbrook, y con la que he disfrutado de esos espacios salvajes que aún guarda los Estados Unidos.  

Julia de Fred Zinnemann

Yo que me guío en parte por los escritor de Terenci Moix y la visión cinematográfica de un crítico como Guillermo Cabrera Infante, reconozco la autoridad moral en lo cinematográfico que tuvo el cine clásico. Fred Zinnermann fue uno de ese largo listado de directores integrantes de lo que se llamó el Hollywood clásico. Lista enorme que contiene a Howard Hawks, Frank Capra, Nicholas Ray, John Ford, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Rossen, Alfred Hitchcock, Raoul Walsh, Elia Kazan, Billy Wilder, Robert Siodmak, William Wyler, John Huston, Anthony Mann, George Cukor, Joseph L.Mankiewicz, Orson Welles, Otto Preminger, Michael Curtiz, Jacques Tourneur, Leo McCarey, Henry Hathaway o Preston Sturges, entre otros muchos.

Fred Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Viena, 29 de abril de 1907. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto con otros vienés como Billy Wilder y con un joven alemán de Dresde, Robert Siodmak, también principiantes; los tres intervinieron en Los hombres del domingo (1929). Posteriormente emigró a los Estados Unidos para estudiar cine.

Uno de sus primeros trabajos en Hollywood sería como extra en Sin novedad en el frente (1930), aunque sería despedido de la producción por criticar al director del film, Lewis Milestone. Después pasó a la dirección, pero como señala Terenci Moix apostó por el realismo especialmente tras ver los efectos devastadores de la guerra; aunque ese realismo ya estaba presente en el quehacer de Zinnemann como se aprecia en su primer corto de ficción Redes (1935), rodado en México , influido por la manera de rodar de Eisenstein e interpretado por actores no profesionales.

Después de haber triunfado con diferentes cortometrajes, se graduaría en 1942, dirigiendo dos películas alimenticias, de terror de serie B cuyos títulos fueron Eyes in the Night y Kid Glove Killer .

Dos años más tarde obtiene su primer éxito para la Metro La séptima cruz (1944), protagonizado por Spencer Tracy. La película mostraba un mensaje antinazi, desarrollando la historia de siete hombres intentado escapar de un campo de concentración alemán y siendo acosados por la Gestapo.

Tras ser despedido del rodaje de El Reloj (1945) por diferencias con la actriz Judy Garland, -la película la terminaría Vincente Minnelli- realizó el melodrama Little Mister Jim (1946) y la comedia My brother talk to horses (1947).

Al año siguiente lo encontramos dirigiendo The Search - aquí presentada como Los ángeles perdidos (1948)-, drama bélico con tono casi de documental que sirvió para descubrir a Montgomery Clift. El director volvió a escoger auténticas localizaciones y extras del Berlín de la inmediata posguerra, en lugar de decorados de Hollywood.

En The Men, Hombres (1950), el director coincidió por primera vez con el guionista Carl Foreman y amparado por el productor Stanley Kramer, siempre interesados en conceder a sus trabajos una perspectiva y reflexión social. El film dio a conocer a Marlon Brando, quien encarnaba a un héroe parapléjico de la Segunda Guerra Mundial que necesita su reinserción. Con este título, por el cual Foreman fue nominado al Óscar, Zinnemann exhibía su excelente tacto para definir sentimientos y psicologías. Fiel a su costumbre, filmaría muchas escenas en un hospital de California, junto a pacientes reales como extras.

En 1951, rodó Teresa (1951), un drama con Pier Angeli y John Ericson, el director ganaría su primer Óscar con el documental Benjy (1951), un corto narrado por Henry Fonda sobre un niño con graves problemas físicos desde su nacimiento. Pero en 1952 fue su año. Realizaría quizás su trabajo más conocido "High Noon" o Solo ante el peligro (1952). Un intento de renovar el western Con un examen psicológico y moral de un hombre de la ley, protagonizado por Gary Cooper, la alegoría política recuerda a la caza de brujas del macartismo. También destaca su innovadora cronología en la que el filme dura 80 minutos, exactamente lo que dura la cuenta hacia atrás antes del duelo final.

Al año siguiente, 1953, Zinnemann volvería a estar en boca de todos con dos títulos: "The Members of the Wedding" , pero sobre todo por From Here to Eternity - "De aquí a la eternidad -, un intento de desmitificar a los integrantes del Ejército norteamericano , situada en los días anteriores al ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbor. Sería uno de los primeros papeles principales de Frank Sinatra, además de contar con un excelente reparto con Montgomery Clift, Burt Lancaster, Ernest Borgnine y Deborah Kerr. De aquí a la eternidad sería un éxito de taquilla, de crítica y también en la ceremonia de los Óscar, siendo la película la gran triunfadora de la noche, logrando Fred Zinnemann su primera estatuilla como mejor director.

Después de esta, llegarían otros éxitos, aunque Moix lo señala como un sonoro fracaso, como fue el musical Oklahoma (1955), con Gloria Grahame, Gordon MacRae y Shirley Jones en su debut en el cine, o una serie de películas ejemplares por su clasicismo narrativo como Un sombrero lleno de lluvia (1957), estupendo drama sobre un adicto a las drogas encarnado por Don Murray, e Historia de una monja (1959), adaptación de la novela de Kathryn C. Hulme protagonizada por Audrey Hepburn.
En 1966, tuvo un resonante éxito con A Man for All Seasons, película histórica escrita por Robert Bolt y protagonizada por Paul Scofield en el papel de Tomás Moro. El film consiguió alzarse con el Óscar a la mejor película del año y Zinnemann alcanzaría su segundo Óscar al mejor director.

En la década de 1960, se incorporó a la producción cinematográfica. Su primer largometraje como productor fue Tres vidas errantes un drama ambientado en Australia protagonizado por Deborah Kerr, Robert Mitchum y Peter Ustinov y, posteriormente, Behold a Pale Horse, llamada en España "... Y llegó el día de la venganza (1964)", con Gregory Peck integrante de un maquis enfrentado a un capitán de la Guardia Civil interpretado por Anthony Quinn, donde se narra la vida de los maquis exiliados en Francia tras la Guerra Civil Española. La película supuso el boicot del franquismo a todo el material de la Columbia.

En la década de 1970 estrenaría el thriller político Chacal (1973), basado en la novela de Frederick Forsyth y protagonizado por Edward Fox, que centraba su trama en un complot para acabar con la vida de Charles de Gaulle; Tras eso llegó la película que comentaré , Julia (1977) que tuvo como asistentes a Alain Bonnot y Anthony Waye.

El director se despediría cinco años después del cine con Five Days One Summer (1982), - Cinco días, un verano- una investigación de un complejo romance de mayo a diciembre ambientado en 1933 de un triángulo amoroso ambientado en los Alpes en la década de 1930. El film estaba interpretado por Sean Connery como el médico protagonista, Betsy Brantley y Lambert Wilson.

Alejado de la pantalla grande, fallecería el austriaco a la edad de 89 años el 14 de marzo de 1997 de un ataque al corazón en Londres, tras haber ganado cuatro premios Óscar.

A lo largo de su obra había demostrado que su cine era una demostración de talento y de oficio. Y , en ese sentido, Julia será uno de los mejores ejemplos. Julia pasa por ser una historia sobre la amistad. Sin embargo, aunque puede parecerlo, no es así. Es mucho más y la amistad no deja de ser un vehículo narrativo y la naturaleza del relato.

Julia es una película dramática del año 1977 a partir de un guión de Alvin Sargent . Se basa en un capítulo del libro de Lillian Hellman publicado en 1973 , titulado Pentimento , precisamente la película comienza hablando de lo que es un Pentimento, un arrepentimiento por parte de un pintor en un cuadro que le lleva a alterar , manifestando el cambio de idea del artista acerca de aquello que estaba pintando. Lillian Hellman colaboró en el guión junto a Zinnemann y Alvin Sargent, y fue ella la que impuso a la actriz Vanessa Redgrave para interpretar a su amiga Julia.

Es una película producida por Richard Roth, un productor y escritor angelino, recientemente fallecido - muere en New York en 2017- responsable de algunas películas como The Way We Were, Julia, Manhunter y Blue Velvet para la Twentieth Century Fox con un presupuesto de $ 7.84 millones. También aparecen como productores Tom Pevsner, Julien Derode así como Bruno Kirby y Jean-Pierre Spiri-Mercanton.

En el apartado técnico contó con la música de Georges Delerue, la fotografía de Douglas Slocombe y el montaje de Walter Murch y Marcel Durham. Los responsables de decorados fueron Gene Callahan, Carmen Dillon y Willy Holt. La responsable de vestuario fue Anthea Sylbert, mientras que los maquilladores Bernadine M. Anderson y George Frost, así como Ramon Gow como productor. Las responsables del casting fueron Margot Capelier, Jenia Reissar y Juliet Taylor.

El reparto lo integran Jane Fonda como Lillian Hellman, Vanessa Redgrave como Julia, Jason Robards como Dashiell Hammett y Maximilian Schell como Johann. Igualmente aparecen Hal Holbrook como Alan Campbell, Rosemary Murphy como Dorothy Parker, Meryl Streep en su debut cinematográfico como Anne Marie, John Glover como Sammy y Lambert Wilson como Walter Franz. Igualmente aparecen las jóvenes Lisa Pelikan como Julia y Susan Jones como Lillian. Fue la película final de cine de Cathleen Nesbitt que hace de abuela de Julia.

Tras explicar lo que es un Pentimento , mientras vemos a una persona- posiblemente Lilliam en una barca- que es la que nos va a narrar la película. La película salta en el tiempo pues la historia pasa desde la juventud de las dos protagonistas hasta los años previos a la Segunda Guerra Mundial. 

Descubrimos quiénes son joven Lillian ( Susan Jones ) y su amiga Julia (Lisa Pelikan ). Esta última es la hija de una familia adinerada criada por sus abuelos , pues su madre se ha divorciado y vive alejada de su hija.

Ambas disfrutan juntas de una infancia como vemos en sus paseos, desplazamientos en coche, juegos de palabras . Vemos en paralelo como Lillian (Jane Fonda) vive en una casa en la playa junto a su marido , el escritor retirado Dashiell Hammett (Jason Robards ) que le han instado a escritor. Sin embargo, ella en una crisis creativa, ve que no puede así que Das le dice que marcha a Europa a París. Ella duda, pero tras pensarlo opta por salir a Francia con la posibilidad de ver a su amiga Julia.

Antes de eso, en una adolescencia tardía, descubrimos como Julia ( Vanessa Redgrave ) ha decidido comenzar sus estudios de medicina en Oxford . Allí alguna vez va de visita Lillian y su amiga le comenta que irá a culminar los mismos en la Universidad de Viena.

Tras la llegada de Lillian ( Jane Fonda ) a París, siendo una escritora en dificultades, intenta en ponerse en contacto con su amiga, pero vemos que es prácticamente imposible. La situación en Europa como comprueba Lillian se complica en Francia, pero más aún en Austria y sobre todo en la capital, Viena, pues los nazis lo van controlando todo.

En una de las brutales acciones de los nazis Julia está gravemente herida al tratar de proteger a sus colegas. Lillian recibe noticias de la situación de Julia y corre a Viena para estar con ella. Julia es llevada a un hospital, pero de la noche a la mañana desaparece para un "tratamiento", y Lillian no puede encontrarla nuevamente ya que el hospital niega tener conocimiento de que la hayan tratado allí. Ella permanece en Europa para tratar de encontrar a Julia nuevamente, pero no tiene éxito.

Más tarde, Lillian se convierte en una famosa dramaturga. En una fiesta con sus amigos y editores como Alan (Hal Holbrook), Dottie (Rosemary Murphy) o Anne Marie (Meryl Streep) celebra su éxito.

Su primera obra se convierte en un éxito así que es invitada a una conferencia de escritores en la URSS , junto a sus amigos Alan y Dottie. Lilliam al poco de llegar , recibe un mensaje de Julia, que ha emprendido su batalla contra el nazismo , recluta a Lillian en el camino para pasar dinero unos 50.000 dólares de contrabando a la Alemania nazi para ayudar a la causa antinazi .

Se entrevista con un amigo de Julia , Johann (Maximilian Schell) y le dice que es una misión peligrosa, especialmente para una intelectual judía que se dirige a Rusia.

Lillian parte hacia la URSS a través de Berlín, y su movimiento es seguido por servicios secretos. En su vagón coincide con dos chicas , una mayor (Dora Doll ) y otro más joven (Elisabeth Mortensen ) que la ayuda. Ella guarda la información en un sombrero y en una caja de dulces.

Todo su viaje por Francia y Alemana hasta Polonia son guiados por compatriotas de Julia a través de cruces fronterizos e inspecciones.

En Berlín, le dicen a Lillian que vaya a un café donde se encuentra con Julia. Solo pueden hablar brevemente. Julia divulga que el "tratamiento" que recibió en el hospital de Viena fue la amputación de su pierna. Julia le dice que el dinero que ha traído salvará de 500 a 1,000 personas, muchas de ellas judías. Lillian también se entera de que Julia tiene una hija, Lily, que vive con un panadero en Alsacia .

Después de que Lilian deja a Julia en el café y sube al tren a Moscú, donde asiste a una obra de teatro, una representación de Hamlet, un hombre le dice que evite pasar por Alemania nuevamente después de que abandone la URSS. De cualquier forma le desvalijan parte de lo que lleva.

Cuando Lillian llega a Londres, recibe la noticia de que Julia ha sido asesinada en el apartamento de un amigo en Frankfurt por agentes nazis, aunque los detalles de su muerte están ocultos. Tras no ser recibida en la casa de la abuela de Julia (Cathleen Nesbitt ) , no siendo ni reconocida decide ir Lillian buscar, aunque sin éxito, a la hija de Julia en Alsacia.

Ella regresa a los Estados Unidos y se reúne con Dashiell Hammett. Ella está obsesionada por sus recuerdos de Julia y está angustiada por no haber encontrado al bebé de Julia. Ella está sorprendida de que la familia de Julia finja no recordar a Lillian, claramente queriendo eliminar de su memoria a una nieta que se negó a conformarse en un momento en que la conformidad causó el asesinato de muchas personas inocentes.

La película termina con una idea establecida entre la comunidad de intelectuales en la que se mueve Lillian quien siempre han creído que ella mantuvo una relación amorosa con Julia como le echa en cara Walter Franz (Lambert Wilson ). una imagen de Lillian Hellman sentada en un bote sola, pescando. Ella revela en voz en off que continuó viviendo con Hammett durante otros treinta años y sobrevivió a él por varios más.

La película fue filmada en Inglaterra y Francia entre el verano y el otoño de 1976. En Inglaterra se rodó en Winterton on Sea en Norfolk , en la Isla de Wight, en los EMI Elstree Studios de Borehamwood en Hertfordshire. En Francia se rodó en París en el Hôtel Meurice de Rue de Rivoli,la Gare du Nord, en la Central Station de Estraburgo en el Bas-Rhin, así como en los Studios de Boulogne-Billancourt/SFP en la Rue de Silly de Boulogne-Billancourt en Hauts-de-Seine.

Aunque Lillian Hellman afirmó que la historia se basó en hechos reales que ocurrieron en su juventud, los realizadores más tarde llegaron a creer que la mayor parte era ficticia. Fred Zinnemann manifestaba sobre la película: “Me interesaba mucho mostrar los orígenes del nazismo. Yo mismo fui testigo en Viena, mi ciudad natal, de cómo comenzó todo aquello. Estudiaba en el Liceo y siempre pensé que la gente, en aquellos primeros años, subestimaba a Adolf Hitler, a quien consideraban una especie de payaso. Un día, un compañero de clase llegó con una cruz gamada en el brazo. Le increpé y discutimos. Seis meses después nos peleamos y un año más tarde tiraban a la gente por las ventanas de la Universidad”.

El director Fred Zinnemann comentaría más tarde: "Lillian Hellman en su propia mente poseía la mitad de la Guerra Civil española, mientras que Hemingway era propietario de la otra mitad. Se retrataría a sí misma en situaciones que no eran ciertas. Una escritora extremadamente talentosa y brillante, pero que era una personaje falso, siento decirlo. Mis relaciones con ella fueron muy cautelosas y terminaron en puro odio ". Curiosamente , la persona no muy perceptible sentada en el barco de pesca al principio y al final de la película es en realidad Lillian Hellman.

Jane Fonda hizo la voz en off. Al principio, el director Fred Zinnemann en realidad consideró elegir a Meryl Streep en el papel principal. Sin embargo, como Streep era casi totalmente desconocida como actriz (solo tenía una obra de teatro en su haber y nunca apareció en una película), Zinnemann decidió elegir a Vanessa Redgrave. Lo curioso es que Jane Fonda fue originalmente la elegida como Julia. Sin embargo, cuando los productores tuvieron problemas para interpretar el papel de Lillian Hellman, a la que ya había conocido al ser la guionista de La jauría humana, película que había interpretado, pero decidieron cambiar a Fonda por el papel de Lilliam.

Lo cierto es que cuando se publicó que Jane Fonda y Vanessa Redgrave iban a ser las posibles estrellas para la película, los productores las vetaron siguiendo el consejo del departamento de publicidad, temiendo que elegir a Fonda y Redgrave, ambas conocidas por sus creencias políticas abiertas.

A Jack Nicholson se le ofreció el papel de Dashiell Hammett, y en realidad estaba ansioso por asumirlo. Fred Zinnemann luego se retractó de la oferta, sin embargo, cuando se sintió desanimado por la cantidad de tiempo que le tomó a Nicholson leer el guión, poco menos de una semana.

Fred Zinnemann eligió a Walter Murch para editar la película después de ver su trabajo en The Conversation. Afortunadamente, Murch estuvo disponible cuando la producción de The Black Stallion se suspendió (solo se reinició en el verano de 1977). Según Murch, el día que estaba en una llamada telefónica con el productor Richard Roth y su amigo Matthew Robins, escucharon a Zinnemann preguntando por la disponibilidad de Murch en voz alta en la oficina de al lado de Roth en Nueva York. "Dijeron: '¡Rápido! ¡Escribe una carta a Fred para decir que escuchaste el proyecto!' Entonces afilé mi lápiz, escribí una carta, afortunadamente recibí una carta y luego volé a Nueva York para encontrarme con él. Estaba en Nueva York en abril de 1976. Nos llevamos bien, y cuatro meses después, Aggie, yo ... estaban en Londres. Era mi primera película trabajando fuera de la burbuja estadounidense Zoetrope ".

La película de 1977 Julia se basó en el capítulo "Julia" de las memorias de Hellman recogidas en Pentimento .

Alvin Sargent fue inicialmente bastante reacio a escribir el guión, pero finalmente cedió después de mucha persuasión del productor Richard Roth. Admitió que finalmente se interesó en el trabajo solo después de que escribió la secuencia de flashback de Lillian y Julia jugando juntas como niñas.

El 30 de junio de 1976, cuando la película entraba en producción, Hellman escribió sobre el guión a su productor: Esto no es una obra de ficción y ciertas leyes deben seguirse por esa razón ... Su mayor dificultad para mí es el tratamiento de Lillian como el personaje principal. La razón es simple: no importa lo que haga en esta historia, y no niego el peligro en el que estaba cuando llevé el dinero a Alemania, mi papel era pasivo. Y nada ni nadie puede cambiar eso a menos que escribas una historia ficticia y diferente ... ¿No es necesario saber que soy judía? Eso, por supuesto, es lo que principalmente hizo el peligro.

En una entrevista televisiva de 1979 con Dick Cavett, la autora Mary McCarthy , larga adversaria política y literaria de Hellman , dijo de Hellman que "cada palabra que escribe es mentira, incluyendo 'y' y 'el'". Hellman respondió presentando una demanda por difamación de US $ 2,500,000 contra McCarthy, el entrevistador Dick Cavett y la PBS . McCarthy afirmó que, según ella, demostró que Hellman había mentido en algunos relatos de su vida. Cavett dijo que simpatizaba más con McCarthy que con Hellman en la demanda, pero "todos perdieron" como resultado de ello. New York Times . 

En el momento de su muerte en 1984, Hellman todavía estaba en litigio con McCarthy. En 1983, la psiquiatra de Nueva York Muriel Gardiner que se había involucrado en la demanda por difamación entre McCarthy e Hellman, afirmó ser la modelo para el personaje llamado Julia en Pentimento , y en la película Julia basada en un capítulo de ese libro. Hellman, que nunca conoció a Gardiner, dijo que "Julia" era otra persona. Gardiner escribió que, aunque nunca conoció a Hellman, a menudo había oído hablar de ella por su amigo Wolf Schwabacher , quien era el abogado de Hellman. Según la cuenta de Gardiner, Schwabacher había visitado a Gardiner en Viena. Después de que Muriel Gardiner y Joseph Buttinger se mudaron a su casa en Brookdale Farm en Pennington, Nueva Jersey en 1940, dividieron la casa en dos. Le alquilaron la mitad a Wolf y Ethel Schwabacher durante más de diez años. Mucha gente cree que Hellmann basó su historia en la vida de Gardiner. El editor de Gardiner citó la improbabilidad de que hubiera dos mujeres estadounidenses millonarias que eran estudiantes de medicina en Viena a fines de la década de 1930.

Julia fue estrenada en cines el 2 de octubre de 1977 por 20th Century Fox . De la misma destaca la fotografía de Douglas Slocombe que intenta buscar el realismo más absoluto, pero, al mismo tiempo, los primeros planos en los que, con el uso de filtros, realza la brillantez o la decadencia de los personajes dependiendo del estado de ánimo de cada uno de ellos y el momento de su vida que les hace pensar en un futuro más o menos aciago o luminoso.

Como narración clásica de un director que procede del clasicismo destacan los fondos oscuros iluminados por un foco de luz posterior así como los focos en la cara con grandes primeros planos que destacan los luminosos rostros de Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

A esa idea de clasicismo se une la incorporación de la música ambiental procedentes de composiciones surgidas de a finales de los años 20 e inicios de los treinta del talento de Cole Porter como su Night & Day , de Walter Donaldson  con su My Blue Heaven o alguna composición de Ray Henderson como Bye, bye, blackbird que se une a la de Georges Delerue.

Destaca igualmente otros aspectos técnicos como el elaborado vestuario responsabilidad que recayó en Anthea Sylbert así como el peinado responsabilidad de Ramon Gow.

Tras su lanzamiento, obtuvo en taquilla unos ingresos de $ 20.7 millones . La película recibió críticas generalmente positivas y una buena cantidad de premios.

Recibió una de las 11 nominaciones en los Oscars de aquel año. Entre ellos ganó el Oscar Jason Robards al mejor actor en un papel secundario, Vanessa Redgrave a la mejor actriz en un papel secundario y Alvin Sargent por Mejor guión adaptado. Jason Robards ganó así su segundo Oscar como mejor actor de reparto, pero no pudo asistir debido a un conflicto de horarios con una obra de teatro que estaba representando. El presentador de aquel año Bob Hope bromeó diciendo que "debe estar jugando póker con George C Scott y Marlon Brando", quienes ambos rechazaron sus Oscar a principios de los 70. Nominada fue a la Mejor película (Richard Roth), al mejor director (Fred Zinnemann) ,a la mejor actriz en un papel principal ( Jane Fonda), al mejor actor en un papel secundario (Maximilian Schell), a la mejor fotografía (Douglas Slocombe ) ,por Mejor diseño de vestuario ( Anthea Sylbert ), a la mejor edición cinematográfica ( Walter Murch) y a la mejor música de partitura original (Georges Delerue). Como vemos el director austríaco sería nominado en la categoría de mejor director, aunque el galardón se lo llevaría Woody Allen por Annie Hall.

Después de que Redgrave fue nominada a Mejor Actriz de Reparto, la Liga de Defensa Judía se opuso a su nominación porque había narrado y ayudado a financiar un documental titulado The Palestina , que apoyaba a un estado palestino. También hicieron boicot a la ceremonia del Oscar de aquel año.

Igualmente ganó el premio BAFTA a la mejor película así como tres más, de sus 10 nominaciones principales en la 32a edición de los Premios de la Academia Británica de Cine.

Por su parte, la hija de Henry Fonda recibió  un Globo de Oro por esta película.

En cuanto a la crítica en Variety le dio una crítica positiva, elogiando a Jane Fonda y Vanessa Redgrave por ser "dinamita juntas en la pantalla", la producción de Richard Roth como "bonita y de buen gusto", así como los trajes de época y el diseño de producción.

Roger Ebert calificó la película como una "historia fascinante", pero sintió que el punto de vista de Lillian Hellman contaba que la película estaba sufriendo. "La película nunca establece una relación entre las dos mujeres", escribió. "Es incómodo, la forma en que la película tiene que suspenderse entre Julia, su tema aparente, y Lillian Hellman, su tema real". Le dio dos y media de cuatro estrellas.
El conocido y ya anciano crítico cinematográfico formado en Havard , John Simon -opositor del  crítico anterior- con publicaciones como en el New York , Esquire , The Hudson Review , National Review , Opera News , The New Leader , Commonweal , The New Criterion y The New York Times Book Review . dijo de Julia: "Muy poco de lo que sucede en la película es intrínsecamente interesante".

TV Guide se publicó que "Bellamente diseñado, nominado para once Premios de la Academia, un gran éxito en la taquilla y un fracaso dramático ... Si te gusta el esmalte de uñas rojo, el falso cinismo, dolorosamente valientes sonrisas y estaciones de tren europeas, Julia puede ser tu tipo de cóctel ".

En Time Out se describe que la película es apta para "Fanáticos del drama fronterizo, que disfrutarán de los trenes, la sociedad literaria de Nueva York y los años 30 . Zinnemann lo arruina sobre todo en la relación Fonda-Redgrave, y no se le da credibilidad al feroz talento y la personalidad dominante de Hellman. Reverencial hasta el final, una sugerencia de homosexualidad se ríe en una escena brillante. Nadie se molesta en mencionar que el lesbianismo es fundamental para 'The Children's Hour', la obra que Hellman intenta escribir mientras que, según la sinopsis, 'su memoria volvía una y otra vez' a Julia.

En Radio Sefarad Daniela Rosenfeld señala que "La película consta de tres partes. La primera y más breve, cuenta la amistad entre Lillian y Julia. Desde este momento es evidente la admiración de Lillian hacia su amiga, lo que le dará las fuerzas necesarias para hacer lo imposible por satisfacerla. La segunda parte, se centra en el desarrollo de esa amistad desde la distancia: Julia se ha ido a estudiar al extranjero y Lillian intenta seguirle la pista, aunque en ocasiones sus cartas parecen no llegar a su destino. Por último, la tercera parte, se convierte en un relato de suspense en toda regla: es el viaje que hace Lillian en tren hacia Moscú, con trasbordo en Berlín cumpliendo con un encargo de su amiga que consiste en transportar 50.000 dólares destinados a comprar la libertad de una gran cantidad de judíos. A lo largo de este viaje Lillian demuestra su valentía y, sobre todo, su fidelidad hacia Julia. ".

Ya en España Luis Martínez en El País comenta que Julia es un "Hiriente retrato de unos tiempos de sangre (...) Fiel y candente radiografía de la amistad exprimida hasta el último aliento. Redgrave emociona"

Gabriel Ramírez en El Correo " Zinnemann, que durante la cinta no deja de sugerir, se cuida de no traspasar una línea que, quedando difuminada, hace que el espectador tenga que sacar sus propias conclusiones. Así, la película se entiende de otro modo, esa lectura permite que las piezas encajen mejor. De pronto, las actitudes comienzan a tener un sentido que va más allá de lo que nos enseñan en pantalla. Zinnemann demuestra su talento y su honestidad narrativa. Jane Fonda y Vanessa Redgrave están espléndidas. Ambas encarnan a sus personajes con una seriedad y una profesionalidad arrasadora. Creíbles a más no poder. Jason Robards, con un papel más corto (encarna al escritor Dashiell Hammett) cumple y, tal vez, no se explota demasiado bien ni al personaje ni al actor. En cualquier caso, Zinnemann hace una demostración magistral de lo que debe ser la dirección actoral. " 

En ABC "La novela autobiográfica “Pentimento”, de la famosa dramaturga norteamericana Lillian Hellman, sirve de base para el guión de “Julia”, dirigida por Fred Zinnemann (“De aquí a la eternidad”). El filme tuvo once nominaciones, de las cuales consiguió finalmente tres estatuillas (mejor actor y actriz de reparto para Jason Robards y Vanesa Redgrave, respectivamente, y mejor guión adaptado para Alvin Sargent). La cinta significó también el debut en el cine de Meryl Streep. Curiosamente, “Julia” es un filme en el que se intuye un sutil lesbianismo, sin que ello provocara ningún escándalo en la época. Además de la especial relación que hay entre Lillian y Julia, la sospecha se reafirma aún más si se tiene en cuenta que la novela que Hellman intenta escribir a lo largo del filme es “La calumnia”, en la que dos maestras son acusadas de mantener una relación lésbica" .

Julía responde a la idea cinematográfica de  Zinnemann  en su búsqueda implacable del realismo y su exploración de lo que supone una crisis  moral que implica que las personas se tengan que enfrentar a su conciencia y que no tengan más remedio que elegir entre mantener su integridad personal o conformarse con las normas externas.

Julia , indudablemente , juega entre lo que insinúa y lo que realmente dice. Para mi es una gran película que mantiene el ritmo, el estilo y la serenidad de un director que nuca dejó de ser un clásico.

La batalla de Midway

Hace pocas fechas hablábamos de una película , conocida en los Estados Unidos como Mister Roberts, que supuso la ruptura profesional entre John Ford y Henry Fonda. En la misma hablábamos como parte del rodaje tuvo lugar en el atolón de Midway, lugar que había conocido el director durante el rodaje de un documental en el año 1942, coincidiendo con la determinante batalla de Midway. He visto en una ocasión un documental realizado por John Ford , en el que participaron igualmente Dudley Nichols y James Kevin McGuinness, en el año 1942 titulado The Battle of Midway. En él se utilizaron escenas reales que el propio cineasta filmó durante el conflicto y a bordo de los buques estadounidenses.

Ford, que llegó a ser herido en combate, fue condecorado con un Corazón Púrpura y recibió el grado de contraalmirante de la Armada de los Estados Unidos . Su trabajo fue ganador del Óscar al mejor documental largo en la 15.ª entrega de los premios de la Academia. La batalla finalizó con la victoria a favor de la marina estadounidense, que destruyó 28 barcos de guerra, 300 aviones nipones y cuatro portaaviones del ejército japonés. Fue producido por la Marina de los Estados Unidos, y , a día de hoy, el documental es de dominio público y puede verse gratuitamente a través de Internet . Meses más tarde participó junto a George Stevens en el Desembarco de Normandía. Los dos directores acompañaron al ejército americano en su avance hacia Alemania y filmaron la liberación de los campos de concentración nazi.

La labor divulgativa de Ford sobre el conflicto no sólo fue asumida por él, sino que en su deseo de explicar que pasaba en el mundo y por qué luchaban surgió la propuesta del "Why we fight" o Por qué luchamos, una serie de siete películas rodadas entre 1942 y 1945, que tenían como finalidad explicar a la población civil y a sus propios soldados las razones de la intervención norteamericana en Europa mostrando imágenes a menudo muy crudas sobre las consecuencias de los ataques del ejército alemán. Como ya he dicho no todo fue asumido por John Ford, que realizó otro documental con el título de 7 de diciembre, sino por directores reconocidos por el gran público norteamericano como Frank Capra que llegó a declarar que “Creo que fueron eficaces para decir a los soldados por qué iban de uniforme y por qué intentaban hacer un poco mejor el mundo en que vivían”. No ajeno a ello fue John Huston. 

Lo cierto es que treinta años después del fin de la guerra un director estadounidense en ese momento en la cresta de la ola tras su éxitosa y catastrófica película Aeropuerto 75, y de nombre Jack Smight, - parece ser que Jack Smight reemplazó al elegido inicialmente, John Guillermin como director. fue la persona a la que Walter Mirisch, productor de peso en esa época, por medio de su productora The Mirisch Corporation y contando con el apoyo en la distribución de la Universal Pictures  decidió a lanzarse con una película bélica sobre un hecho relevante para la historia del conflicto como fue la batalla de Midway.

La película partía de un guión de Donald S. Sanford y contará con la música de John Williams , la fotografía de Harry Stradling Jr. en Technicolor - tal y como se anuncia- La labor de montaje fue encargada a Robert Swink y Frank J. Urioste . A destacar que la película se vendía en parte con la novedad de tener un sonido que en los 70 se anunciaba por su calidad, el Sensorround . De hecho esta fue la segunda película que se presentará en "Sensurround", un sistema de altavoces  de baja frecuencia  compuesto por cuatro enormes altavoces prestados por distribuidores para algunas salas  y que eran audibles en ciertas secuencias de la película. Era tan poderoso que en realidad se agrietó yeso en algunas salas de cine. El "Sensurround" se empleó en sólo tres otras películas lanzadas por Universal: Terremoto  / Earthquake (1974), Montaña rusa /  Rollercoaster (1977), así como  Galáctica  / Battlestar Galactica  (1978).

El reparto , mayoritariamente masculino, lo interpretaban grandes actores algunos de ellos ya en decadencia física y profesional como Charlton Heston como el Capitán Matthew Garth , Henry Fonda como el Almirante Chester W. Nimitz,  James Coburn como Capitán Vinton Maddox , Glenn Ford como el Contraalmirante Raymond A. Spruance , Hal Holbrook como Comandante Joseph Rochefort , Robert Mitchum como el Vicealmirante William F. "Bull" Halsey, Jr. , Cliff Robertson como Comandante Carl Jessop , Robert Wagner como el Teniente Comandante Ernest L. Blake,  Robert Webber como el Contraalmirante Frank Jack Fletcher,  Ed Nelson como Contraalmirante Harry Pearson , Christina Kokubo como Haruko Sakura , Monte Markham como el Comandante Max Leslie , Biff McGuire como el Capitán Miles Browning,  Christopher George como el Teniente Comandante C. Wade McClusky , Dabney Coleman como el Capitán Murray Arnold,  Kevin Dobson como el Alférez George H. Gay, Jr. , Glenn Corbett como Teniente Comandante John C. Waldron , Larry Pennell como el Capitán Cyril Simard,  Tom Selleck como el Ayudante del Capitán Cyril Simard , Phillip R. Allen como Teniente Comandante John S. "Jimmy" Thach .

Por parte japonesa Toshirō Mifune como Almirante Isoroku Yamamoto,  James Shigeta como Vicealmirante Chūichi Nagumo , Pat Morita como el Contraalmirante Ryūnosuke Kusaka,  John Fujioka como el Contraalmirante Tamon Yamaguchi , Dale Ishimoto como el Vicealmirante Boshirō Hosogaya , Conrad Yama como el Vicealmirante Nobutake Kondō , Robert Ito como el Comandante Minoru Genda , Clyde Kusatsu como el Comandante Watanabe Yasimasa , Sab Shimono como el Teniente Jōichi Tomonaga , Yuki Shimoda como Capitán Tomeo Kaku , Seth Sakai como el Capitán Kameto Kuroshima .

Junto a ellos aparecen igualmente Kurt Grayson como el Mayor Floyd "Red" Parks , Beeson Carroll como William E. Gallagher , Steve Kanaly como Teniente Comandante Lance E. "Lem" Massey , Kip Niven como Teniente Howard P. Ady , James Ingersol como "Strawberry 12" , Erik Estrada como Alférez Ramos "Chili Bean" , Gregory Walcott como Capitán Elliott , Buckmaster Edward Albert como Alférez Thomas Garth y muchos más.

En el verano de 1942 , meses después del zarpazo que supuso Pearl Harbour empezó la guerra naval, en la que norteamericanos y japoneses se enfrentaron por el dominio del Pacífico.

Mientras la flota de portaaviones japoneses luchaba para destruir las naves enemigas y conquistar los espacios norteamericanos en el Pacífico como Midway, puerta de las Aleutianas y con ello de la cosa oeste de los Estados Unidos, las fuerzas estadounidenses intentaban resistir el envite.

La cinta narra la batalla de Midway, un punto de inflexión en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. La Marina Imperial Japonesa hasta ese momento, se había mostrado intocable , y que superaba a las fuerzas navales estadounidenses por cuatro a uno.

Siguiendo dos perspectivas, una centrada en el jefe estratega japonés, el almirante Isoroku Yamamoto (Toshirō Mifune), y el otro alrededor de dos personajes ficticios: el capitán Matt Garth (Charlton Heston) y su hijo, el alférez Thomas Garth (Edward Albert), ambos aviadores navales, que enlazan con personajes reales del ejército norteamericano, vamos viendo el inicio de la reacción  norteamericana en el teatro de operaciones del Pacífico, una vez recuperados de su trauma.

Todo comienza con la incursión de Doolittle bombardeando Tokio y algunas ciudades japonesas como respuesta a Pearl Harbour el 18 de abril de 1942. La incursión Doolittle , militarmente insignificante, fue sin embargo un duro golpe psicológico para la población japonesa, ya que mostró la inseguridad a la que estaban expuestas las islas niponas.  Esta y otras exitosas incursiones «hit and run» de los estadounidenses demostraron que eran todavía una amenaza, aunque eran aparentemente reacios a ser arrastrados a una batalla.

Lo cierto es que ya en ese momento se viven fuertes tensiones a la hora de afrontar la estrategia entre el Ejército Imperial Japonés y la Armada Imperial Japonesa, está ultima , la Flota Combinada del almirante, en manos del más brillante estratega japonés de la época,  Isoroku Yamamoto.

Finalmente, el almirante Yamamoto logró imponer su opinión tras una velada amenaza de dimisión, y enseguida se puso en marcha su plan para el océano Pacífico central. De hecho en una de las primeras escenas vemos su complicado plan de batalla. Yamamoto pensó que otro ataque contra la base de Estados Unidos en Pearl Harbor provocaría la entrada en combate de toda la flota estadounidense, incluyendo sus portaaviones. Sin embargo, el poder aéreo estadounidense era superior, por ello juzgó que Pearl Harbor ya no podría ser atacado directamente más aún desde que el factor sorpresa ya no existe. En su lugar, escogió Midway, ubicada a 2100 kilómetros de la isla de Oahu. Midway no era especialmente importante en el esquema de las intenciones de Japón pero los nipones pensaron que los estadounidenses consideraban esencial su presencia en el atolón y por tanto lo defenderían fuertemente. En efecto, los Estados Unidos creían vital este atolón y tras la batalla crearon una base que permitió a los submarinos operar desde Pearl Harbor y surtirse de combustible y provisiones. Así, su radio de operaciones se extendió hasta 1900 kilómetros. La pista de aterrizaje en Midway ayudó como punto de escala para los bombarderos que se dirigían a la isla Wake.

Sin embargo, lo que no saben es que tras el ataque a Hawaii, la inteligencia estadounidense para abril de 1942 ha logrado comprender los códigos de cifrado navales japoneses y sospecha que la emboscada tendrá lugar en las islas Midway. Para confirmarlo engañan a los japoneses para que lo confirmen. Tras decodificar un mensaje secreto japonés en el que se daba a entender que el almirante Yamamoto iniciaría un nuevo ataque hacia los Estados Unidos en poco tiempo contra un objetivo en un punto en el Pacífico nombrado con el código «AF». Dos oficiales de la inteligencia estadounidense en Pearl Harbor identificaron «AF» como la base de Midway, por lo que enviaron un mensaje falso a los aliados diciéndoles que las reservas de agua dulce de la isla se agotarían a causa de una falla en los sistemas de desalinización. La trampa funcionó, porque tiempo después los servicios secretos japoneses a lo largo del Pacífico informaban al cuartel general en Tokio que «AF carecía de agua potable». El supuesto ataque sorpresa a Midway había sido descubierto antes de que se llevara a cabo.

En todo esto jugará un papel importante el almirante estadounidense Chester Nimitz (Henry Fonda) que realiza una  apuesta tan decidida como desesperada enviando sus últimos portaaviones a Midway antes de que los japoneses establezcan su propia emboscada. El principal objetivo estratégico de Yamamoto era la eliminación de los portaaviones estadounidenses, a los que veía como la principal amenaza durante la campaña del Pacífico.

Para combatir dicho ataque, el almirante Chester Nimitz —comandante en jefe de la Marina de los Estados Unidos en el océano Pacífico— iba a necesitar de cualquier barco de guerra que se encontrara disponible. Nimitz aún poseía los dos portaaviones del grupo de trabajo del almirante William F. Halsey, pero a causa de una infección este había sido hospitalizado. Fue sustituido por el contraalmirante Raymond Spruance, que era comandante de Acorazados, pero inexperto en tácticas de combates aeronavales.

De cualquier manera la historia se nos es presentada por Matt Garth (Charlton Heston) , un oficial que está involucrado en varias fases de la planificación y ejecución de batalla de los Estados Unidos, mientras que Thomas Garth es un joven piloto involucrado románticamente con Haruko Sakura (Christina Kokubo), una hija de inmigrantes japoneses nacida en Estados Unidos que ha sido internada junto con sus padres.

A causa de esto, Nimitz se vio obligado a convocar con urgencia al almirante Frank Jack Fletcher y su flota, que poco antes había participado en la batalla del Mar de Coral. Fletcher llegó justo a tiempo a Pearl Harbor para abastecerse, cargar provisiones y partir hacia Midway.

La flota que participó en la batalla estaba compuesta por los portaaviones Enterprise, Hornet y Yorktown, ocho cruceros, quince cazatorpederos, diecinueve submarinos y cerca de 373 aviones de combate.

Por parte de los japoneses, antes de la batalla, la escuadra del almirante Chuichi Nagumo se dirigía a Midway con cuatro portaaviones: el Akagi, el Kaga, el Hiryū y el Sōryū. Los portaaviones Zuikaku y Shōkaku se encontraban en reparaciones en Japón luego de los daños sufridos en la batalla del Mar de Coral. Aun así, el comando naval no hizo ningún esfuerzo adicional para recuperar al menos uno de ellos y ponerlo en las condiciones necesarias para incorporarse a la flota de ataque, con la tripulación aún exhausta después de los combates posteriores al ataque a Pearl Harbor en 1941.

Los japoneses atacaron en Alaska para distraer a los estadounidenses y, a su vez, lograron eliminar unidades que habrían aumentado las fuerzas defensivas en Midway. Yamamoto no sabía que los estadounidenses habían descifrado uno de los principales códigos navales japoneses —apodado JN-por los aliados—, y para ese entonces Nagumo ya había partido rumbo a su destino sin conocer las fuerzas enemigas que le esperaban.

A ello se sumaron varios errores que se cometieron en el preludio de la batalla, como el retraso que tuvieron los submarinos de vigilancia en llegar a sus puestos de observación, con lo que no pudieron detectar el paso de la flota enemiga hacia el noreste del atolón, y el fracaso de la misión destinada a camuflar los barcos espías enviados a Pearl Harbor para averiguar si la flota estadounidense aún se encontraba anclada allí.

En la batalla, los japoneses atacaron con sus cuatro portaaviones, un portaaviones ligero, catorce cruceros, treinta y dos cazatorpederos, nueve acorazados y cerca de 433 aviones de combate. conflicto aeronaval librado entre los días 4 y 7 de junio de 1942 en el teatro del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial.

En ella, las fuerzas aeronavales estadounidenses detuvieron el intento japonés de invadir el atolón de Midway, donde los primeros tenían una base militar. Se libró un mes después de la batalla del Mar de Coral, cinco meses después de la conquista japonesa de la isla Wake y seis meses después del ataque a Pearl Harbor, que supuso el inicio del conflicto en el océano Pacífico entre japoneses y estadounidenses.

En cuanto a la historia de la película el capitán Garth hará todo lo posible para investigar los cargos contra los Sakuras. Finalmente logra liberarlos, ya que , al final de la película, vemos que Haruko queda libre y espera en el muelle cuando el joven malherido Garth es desembarcado del buque al final de la película, mientras que su padre, el capitán Garth, muere al final de la batalla cuando su avión se estrella.

La derrota japonesa supuso un serio obstáculo para sus planes de expansión por el resto del Pacífico y fue un «punto de inflexión» en el conjunto del conflicto. Por esto, Midway es generalmente considerada la batalla más importante de la Guerra del Pacífico

 Ambos bandos sufrieron importantes pérdidas. Los nipones perdieron cuatro de sus portaaviones, un crucero pesado y unas 240 aeronaves, lo que debilitó enormemente a la Marina Imperial Japonesa, mientras que los estadounidenses perdieron solo un portaaviones y un destructor.

Estratégicamente, el resultado de la batalla implicó que la Marina Imperial japonesa perdiera la iniciativa en el Pacífico y esta pasó de manera definitiva a los estadounidenses. El ataque nipón a Midway —al igual que a Pearl Harbor— no era parte de un plan para conquistar los Estados Unidos, sino que estaba dirigido a la eliminación de las fuerzas de la flota naval estadounidense del Pacífico y de este modo evitar su intervención en la campaña japonesa en el sudeste y este de Asia.

El rodaje de Midway comenzó en la Base Naval de Terminal Island , en Los Ángeles, donde estaba la Estación Naval de los Estados Unidos. También se rodó en la california Long Beach, y la Estación Aérea Naval Pensacola , en Florida.

Las escenas a bordo se filmaron en el Golfo de México a bordo del USS Lexington . El Lexington , un portaaviones de clase Essex , era el último superviviente de la Segunda Guerra Mundial que permanecía en servicio en ese punto, aunque el barco se terminó después de la batalla. Ahora es una nave de museo en Corpus Christi, Texas .

Las escenas que representan Midway Island fueron filmadas en Point Mugu , en California. pues tiene dunas de arena, al igual que Midway, y sobre la misma se construyó  una pista de aterrizaje, una torre, algunas barricadas, cosas así", dijo el director Jack Smight. "Hicimos un montón de bombardeos y bombardeos allí."

Muchas de las secuencias de acción utilizaron secuencias de películas anteriores: la mayoría de las secuencias de las incursiones aéreas japonesas en Midway son imágenes de la ya aquí comentada Tora Tora! Tora! (1970) de la 20th Century Fox . . Algunas escenas son de la película japonesa Toho Hawai Middouei daikaikusen: Taiheiyo no arashi (1960) , Tempestad sobre el Pacífico que también protagoniza Mifune.

Varias escenas de acción, incluida la de un Mitsubishi A6M Zero en el puente de Yorktown , fueron tomadas de Away All Boats (1956); Las escenas de la incursión de Tokio de Doolittle al principio de la película son de Treinta segundos sobre Tokio (1944). Además, la mayoría de las secuencias de peleas son de la película Battle of Britain (1969).

Curiosamente, el miembro del elenco Henry Fonda (Almirante Nimitz) había sido uno de los narradores del documental de 1942 John Ford The Battle of Midway , algunas imágenes de las cuales se utilizó en la película de 1976.

La única actriz  que habla en la película original era Christina Kobuko como Horuko.

Midway demostró ser muy popular entre las audiencias cinematográficas, ganando más de $ 43 millones en la taquilla, convirtiéndose en la décima película más popular de 1976 en su recaudación 

Robert Niemi, autor de Historia en los medios de comunicación: Cine y Televisión , declaró que Midway en un ejemplo del uso excesivo de material de archivo. Describió la película como un "intento final y anacrónico de recuperar las glorias de la Segunda Guerra Mundial en una era geopolítica radicalmente alterada, cuando las viejas dicotomías del bien contra el  mal ya no tenían sentido".

Estudios posteriores de historiadores militares japoneses y estadounidenses ponen en tela de juicio escenas clave, como el ataque con torpedos lanzados desde aviones que paralizaron al primer transportista japonés, el Akagi.

En la reseña del sitio web agregador Rotten Tomatoes , la película tiene una puntuación del 54% basada en 13 revisiones , con una calificación promedio de 5.9 / 10. En Fotogramas se dijo lo siguiente sobre la película. Se trata de " Una detallada evocación de la batalla más famosa de la campaña del Pacífico en la 2ª Guerra Mundial, que en su momento John Ford recogió en un intenso documental. Como sucede a menudo, sus pretensiones de rigor histórico a ultranza lastran excesivamente el producto, que se revela como premioso y estático a pesar de sus espectaculares escenas bélicas y sus aparatosos efectos especiales".

Poco después de su exitoso debut cinematográfico, se le añadió material adicional para hacer una versión de televisión de la película, que fue transmitida por NBC .  Se agregó un personaje importante: Susan Sullivan que interpretó a Ann, la novia del capitán Garth, añadiendo profundidad a su razón por haberse divorciado previamente de la madre del alférez Garth, y que así tuviese más impacto emocional al destino del capitán Garth. La versión de la TV también tiene escenas de batalla del Mar de Coral . La versión de la TV era 45 minutos más que la película estrenada en cines y se emitió durante dos noches. Jack Smight dirigió las escenas adicionales.

En cuanto a la producción indicar que fue el propio Charlton Heston quien recomendó a la Universal a Jack Smight, después de haber trabajado con él en “Aeropuerto 75”. Por cierto, Heston y muchos otros del gran elenco fueron considerados demasiado viejos para los papeles que asumían. John Wayne rechazó el papel de Robert Mitchum que , por cierto, rodó sus escenas en un único día.

Desde el punto de vista histórico lo cierto es que la pérdida de los cuatro portaaviones enviados a Midway, además de un gran número de sus bien formados e irremplazables pilotos navales, interrumpió la expansión de Japón por el resto del Pacífico. Solo dos grandes portaaviones de la Marina Imperial lograron sobrevivir, el Zuikaku y Shōkaku —que no participaron en la batalla—, junto a otros tres portaaviones pequeños de poco poder ofensivo y que podían transportar una mínima cantidad de aviones.

El 10 de junio, en una conferencia del alto comando de planificación de guerra, la Marina japonesa ocultó la gravedad de sus pérdidas en Midway. Solo el emperador Hirohito fue informado de los detalles de lo acontecido, quien prefirió mantenerlo en secreto ante el ejército y la opinión pública, e hizo que los planificadores militares continuasen por algún tiempo elaborando sus ataques suponiendo que la flota aeronaval del Japón seguía siendo poderosa. La marina japonesa continuó luchando con ferocidad incluso frente a la supremacía naval de los Estados Unidos al final de la guerra. Los planificadores japoneses no previeron un conflicto militar de larga duración y, por lo tanto, no tuvieron la capacidad para reponer rápidamente las perdidas en navíos, marineros y principalmente pilotos. A mediados de 1943 la aviación japonesa había sido prácticamente diezmada. Dos meses después del ataque a Midway, los estadounidenses tomaron la ofensiva al desembarcar en Guadalcanal, donde derrotaron nuevamente a Japón y aseguraron las líneas aliadas de suministros para Australia y las Indias Orientales Neerlandesas.

La batalla de Midway es frecuentemente llamada por los historiadores como el «punto de inflexión» de la Guerra del Pacífico.  Sin embargo, la victoria en Midway dio a los estadounidenses la iniciativa estratégica en la guerra, pues infligió daños irreparables a los portaaviones japoneses y acortó el tiempo de la guerra en el Pacífico. A partir de Midway la iniciativa en el Pacífico pasó a ser siempre de los estadounidenses, hasta la rendición de Japón en 1945.

La película nos muestra los diversos acontecimientos cruciales o anecdóticos que sucedieron como por ejemplo: el uso de los hidroaviones  para observación, el fallo en el motor del hidroavión japonés que tenía que explorar precisamente la zona donde estaba la flota americana, la decisión japonesa de cambiar bombas por torpedos y almacenar las primeras en la cubierta para ahorrar tiempo, etc.

A destacar en la película , como ya se hiciera en Tora, Tora, Tora se nos muestra la versión japonesa de la batalla para mostrar el hundimiento de los portaviones japoneses. Eso sí, los productores intentaron que la película no supusiera un fracaso comercial como le ocurrió a "Tora!, Tora!, Tora!", así que no sólo llenaron la película de estrellas (Charlton Heston, Henry Fonda, Glen Ford, Toshiro Mifune, etc.), sino que introdujeron la débil historia de amor entre Gareth y Haruko Sakura.

En 2016 Roland Emmerich, anunció que actualmente está desarrollando una película basada en 'La batalla de Midway'. Para el director alemán,  "En ese momento, los estadounidenses eran los de abajo", y añadió que "Fue uno de esos momentos en los que, a pesar de todo, las personas se unían y hacían lo imposible. Una gran cantidad de pilotos murieron en esta batalla. Quiero hacer un homenaje a ellos, será genial hacer una película".

Quiero acabar como acaba la película , con su epílogo final que no es sino una cita de Winston Churchill . "Los anales de la guerra en el mar no presentan un choque más intenso y sacudido que esta batalla, en la que las cualidades de la Armada de los Estados Unidos y la Fuerza Aérea y la raza americana brillaron en el esplendor gracias a la valentía y la devoción de los aviadores y marineros norteamericanos así como el nervio y habilidad de sus líderes lo que fue fundamental para el éxito'.

La película es muy interesante para todos aquellos que estén interesadoes en la historia, aunque narrativamente es algo plumbea.

La niebla de Carpenter

Antes de nada tengo que reconocer que grabé por error en mi nube  pensando que era la película de Frank Darabont inspirada en la obra de Stephen King. Craso error , resultó otra, y para mi desconocida obra surgida en este caso de la mano de John Carpenter,  un clásico de lo que se ha considerado serie B y autor que tuvo entre los finales de los setenta y los noventa su época dorada. Es uno de los grandes y eso no hay quien lo niegue. Tras la irrupción de Halloween, Carperter volvió a las pantallas con esta Fog, la niebla, que acaba con una música que nos remite a la Halloween su primer gran éxito. 

La niebla (The fog) es una película de terror del año 1980 dirigida por el citado John Carpenter.y que nos cuenta la historia de una extraña niebla, brillante que se extiende por una pequeña ciudad costera en California, San Antonio Bay, trayendo consigo los fantasmas vengativos de los marineros que murieron en un naufragio allí exactamente 100 años antes. 

La niebla fue la primera película de Carpenter después del éxito de su película de terror 1978 de Halloween , y en ella volvió a contar con la protagonista Jamie Lee Curtis. Como era habitual en estos primeros momentos algunos directores tiraban, además de los actores del momento, de otros u otras que había dejado sus mejores años profesionales en décadas anteriores es el caso de Janet Leigh que, por cosas de la vida, era la madre de la otra protagonista indicada, Jamie Lee Curtis, producto de su relación con Tony Curtis, cuando contaba 53 años. 

La película es una producción de Debra Hill, persona también implicada en el guión que escriben a medias tanto John Carpenter como Debra Hill. En ella están presentes la productora AVCO Embassy Pictures junto a EDI y la citada Debra Hill Productions, siendo distribuida por AVCO Embassy Pictures. La película contó con un presupuesto de $ 1 millones de dólares, consiguendiendo en taquilla la nada despreciable cifra de 21,3 millones . 

Como es habitual la música vuelve a ser de John Carpenter, mientras que la fotografía es de Dean Cundey y el montaje de Charles Bornstein y Tommy Lee Wallace. 

El reparto lo componen Adrienne Barbeau como Stevie Wayne, Jamie Lee Curtis como Elizabeth Solley, Janet Leigh como Kathy Williams, John Houseman como Mr. Machen, Tom Atkins como Nick Castle, James Canning como Dick Baxter, Charles Cyphers como Dan O'Bannon, Nancy Loomis como Sandy Fadel, Ty Mitchell como Andy Wayne, Hal Holbrook como el Padre Malone, John F. Goff como Al Williams, George 'Buck' Flower como Tommy Wallace, Darwin Joston como Dr. Phibes, Rob Bottin como Blake y John Carpenter como Bennett. 

La película comienza con un frase del poeta bostoniano Edgar Allan Poe que se pregunta ¿Todo aquello que vemos o creemos ver, no es más que un sueño dentro de otro sueño? La primera escena es reveladora de las intenciones del film. Un viejo lobo de mar cuenta la leyenda de Elizabeth Dane a un grupo de chicos que rodean la hoguera. 

Y dice lo siguiente . "Son las doce menos cinco, casi medianoche. Hora para contar una historia. Una de esas historias que sirven para quitar el frío. Faltan cinco minutos para que comience el día 21 de abril. Hace cien años y precisamente el día 21 de abril en el mar, en las aguas que rodeaban Spivey Point, navegaba un velero que se acercaba a tierra. De pronto, en plena noche, se vio envuelto por la niebla. Por un momento esos hombres no pudieron ver nada, absolutamente nada. Pero al fin, divisaron una luz. Era una columna de fuego que ardía en la orilla, tan potente que podía atravesar la espesa niebla. Enfilaron la proa hacia aquella luz, que resultó ser una hoguera semejante a esta. El barco se estrelló contra las rocas, el casco se partió en dos, su mástil fue arrancado de cuajo. El barco se hundió, con todos los hombres abordo. En el fondo del mar reposa desde entonces el Elisabeth Dane, con toda su tripulación, con sus pulmones llenos de agua salada y sus ojos abiertos mirando fijamente en la oscuridad. Y en la superficie, con la misma rapidez con que llegó, se fue aquella niebla, retirándose mar adentro, y jamás volvió a aparecer. Por eso, los pescadores que viven aquí , lo mismo que sus padres y sus abuelos, creen que el día que la niebla vuelva a Antonio Bay, los hombres que yacen en el fondo de las aguas cercanas de Spivey Point, se alzarán, se alzarán y buscarán la hoguera que les condujo a su trágico destino y horrible muerte". 

Por lo tanto la fundación de Antonio Bay se relaciona con un secreto oscuro del pasado cuando los primeros colonos habían llevado a propósito un barco hacia al arrecife para impedir que se instalará un lazareto de lepra, ya que un acomodado leproso había comprado con oro el terreno para instalar allí el lazareto . El comprador y sus compañeros de infortunio estaban a bordo del barco y murieron ahogados. 

Tras del accidente, los seis conspiradores fundaron la ciudad con ese oro. Usaron un parte de oro de los leprosos para construir un cruz del altar por la iglesia de la población. 

Siendo el centenario del aniversario de la fundación por parte de aquellos seis colonos y fundadores. Todos recuerdan que el dia 21 de abril de 1880, un velero llamado Elizabeth Dane se vio envuelto por la niebla, cerca de Antonio Bay. Engañados por el resplandor de una hoguera, los marineros enfilaron su barco hacia los arrecifes, estrellándose contra las rocas y falleciendo toda la tripulación. Desde entonces, cuenta la leyenda que cuando la niebla vuelva a Antonio Bay, los marineros ahogados se alzaran sobre sus restos y buscaran la venganza en los habitantes del pueblo. 

En 1980, Antonio Bay festeja su centenario sin prestar demasiada importancia a la maldición... La actividad paranormal comienza a ocurrir al filo de la medianoche la noche anterior al aniversario y empieza en la Iglesia. Allí el Padre Malone encuentra de una manera llamativa en la iglesia cuando, tras un temblor, cae un pedazo de mampostería de la pared de la Iglesia, dejando al descubierto una cavidad que contiene un viejo diario.

Se trata del diario de su abuelo de hace un siglo. Revela que en 1880, seis de los fundadores de Antonio Bay (incluyendo el abuelo de Malone) hundieron deliberadamente el clíper Elizabeth Daney que luego saquearon . La nave era propiedad de Blake, un hombre rico con la lepra , que quería establecer una colonia de leprosos en las inmediaciones. El oro de la nave se utilizó para construir Antonio Bay y su iglesia. La conclusión es que su abuelo, que también fue párroco fue uno de los intervinientes en aquella desgraciada jornada enterándose así de la verdadera historia de la fundación. 

Antes de que una niebla densa aparezca sobre el mar, escuchamos y vemos a una locutora de la radio Stevie Wayne, que está emitiendo desde el faro de Spyvey Point. Recibe la llamada de un amigo que trabaja en el servicio meteorológico y que le anuncia que un gran banco de niebla radiante va acercándose a la bahía. 

Por la radio, advierte a los barcos de pesca, pero uno de ella en el que van tres pescadores queda envuelto en la niebla. Los tres miembros del personal han observado la emisión y la propagación de la niebla de forma repentina. Cuando salen a la cubierta superior ven como un barco antiguo se aproxima. La niebla trae consigo a la Elizabeth Dane, El barco no aparece sólo, sino que lo hace repleto de espíritus, llevando a la vengativa encabezada por Blake y su tripulación , cuando la extraña y brillante niebla envuelve al arrastrero salen los espíritus de los ahogados vengativos y asesinan a los tres pescadores de uno en uno. 

Esa misma noche, un chico, Nick Castle, va con su camioneta por la carretera con intención de ir a su casa, pero se encuentra a una joven autoestopista. Se trata de Elizabeth Solley una chica de Pasadena que pretende llegar a Vancouver haciendo autostop y vendiendo sus bocetos. La furgoneta sufre un extraño accidente cuando la niebla se aproxima rompiendo sus cristales. De cualquier manera sobre viven y pasan la noche juntos. 

Durante esa noche la niebla se acerca a la casa y alguien golpea la puerta. Nick va a abrir cuando , de repente, salta el reloj rompiendo su esfera. Cuando abre, la niebla se ha difuminado. 

A la mañana siguiente, la ya pareja formada por Elizabeth Solley y Nick Castle, los que se han conocido la noche anterior, va a buscar los pescadores que habían quedado con Nick. Al no llegar su barco, se hacen a la mar y encuentran a uno de los cadáveres en el barco. 

La misma mañana, Andy, el niño de Stevie, la locutora,, a la que despierta, encuentra la pieza de un barco, que parece ser del centenario Elizabeth Dane en la costa rocosa tal y como se puede leer en la tabla vieja de entarimado que lleva a su madre. Intrigada Stevie coge la pieza y se la lleva a su estudio que está en el faro para indagar más sobre su origen. Stevie la lleva con ella al faro , donde se difunde su programa de radio. Coloca la madera al lado de un reproductor de cintas que se está reproduciendo, pero la madera inexplicablemente comienza a filtrar el agua haciendo que el reproductor de cintas haga un cortocircuito. La voz de un hombre misterioso emerge del reproductor de cintas jurando venganza, y las palabras "6 debe morir" aparecen en la madera antes de que estalle en llamas. Stevie extingue rápidamente el fuego, pero luego ve que la madera una vez más lee "DANE" y el reproductor de cinta comienza a trabajar de nuevo con normalidad y volviendo de inmediato a marcar el término Dane. 

Después de localizar el barco rastreador que falta, Nick y Elizabeth han encontrado el cadáver de Dick Baxter con los ojos arrancados. Los otros dos pescadores están desaparecidos, uno de los cuales es el esposo de Kathy Williams, que está supervisando las celebraciones del centenario de la ciudad. 

Mientras tanto, las autoridades locales representada por Kathy Williams (Janet Leigh) que estaban preparando una fiesta del aniversario ese mismo día, que culminará en descubrir un monumento de los colonos primeros por la alcalde. A pesar del incidente, la alcaldesa decide seguir con la programación. 

Esa noche, la niebla vuelve a propagarse del mar por toda la ciudad y las criaturas matan a otros dos personas, al colaborador metereológico de Stevie y la señora que cuida al hijo de ella. En el primer caso, cuando las celebraciones de la ciudad comienzan, Dan, el hombre del tiempo local, llama a Stevie a la estación de radio para decirle que otro banco de niebla ha aparecido y se está moviendo hacia la ciudad. A medida que están hablando, la niebla se centra alrededor de la estación meteorológica y Dan oye un golpe en la puerta. Piensa que es una broma, pero contesta y al abrir es asesinado por los aparecidos. 

Mientras esto ocurre Stevie escucha todo con horror. Por su parte, Stevie ve el banco de la niebla del faro y advierte a los habitantes del pueblo. Stevie que continúa con su programa de radio ve como la niebla comienza a moverse hacia el interior. La expansión de la niebla supone que se corten las líneas telefónicas y las líneas de conducción eléctrica de la ciudad. Con el uso de un generador de reserva, Stevie pide a sus oyentes que vayan a su casa y salven a su hijo cuando la niebla le impide salir del faro. 

A medida que la niebla envuelve la casa de Stevie, los aparecidos matan a la niñera de su hijo, la señora Kobritz. A continuación, persiguen a Andy. A la llamada de socorro en auxilio de su niño, que está en peligro , y a las suplicas son escuchadas por Elizabeth Solley y Nick Castle. Nick llega justo a tiempo para rescatarlo. Éste último logran salvar al chico. 

Stevie aconseja a todos que se refugien en la iglesia del pueblo, y un grupo de supervivientes busca refugio en la iglesia del Padre Malone. Una vez dentro, Nick, Elizabeth, Andy, Kathy, su asistente , y el Padre Malone se refugian en una habitación trasera cuando la niebla lo invade todo en el exterior. 

Dentro de la habitación, localizan una cruz de oro en la cavidad de la pared que está hecho de oro robado. A medida que los aparecidos comienzan su ataque, Malone se lleva la cruz de oro a la capilla. Cuando los espíritus llegan a la iglesia, el padre Malone les deja la cruz de oro, lo que al comienzo les hace frenarse en sus intereses y la niebla desaparece ante su sorpresa, más aún , sabiendo que han venido a vengarse de esas seis vidas en lugar de los seis conspiradores originales que les llevaron a la muerte, pero el ofrecimiento de Malone parece haber tenido éxito, pues Blake lo toma. 

En el faro, un mayor número de aparecidos atacan a Stevie, atrapándola en el techo. Pero la situación de la iglesia , que parecía terminada no lo está, pues que dentro de la iglesia, Blake se apodera de la cruz de oro, que comienza a brillar y con ella Malone. 

Sin embargo, Nick tira de Malone lantes de que desaparezca en un destello cegador de luz junto con Blake y su tripulación. Los que atacaban a Stevie en el faro también desaparecen, y la niebla se desvanece. Más tarde esa noche, y tras la salida de los otros de la iglesia, Malone está solo en la iglesia preguntándose por qué Blake no lo mató y no cumplió con la promesa de acabar con las seis vidas. 

No obstante, la niebla a continuación, vuelve a aparecer dentro de la iglesia, junto con los aparecidos. El espíritu del leproso Blake asesina al Padre Malone con un golpe con su espada cortándole la cabeza, y acabando así la película. 

La historia de esta producción comienza cuando el director , John Carpenter, estaba en un viaje por Inglaterra, concretamente, por Stonehenge, cuando promocionaba su película Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), y entonces en el yacimiento arqueológico le llamó la atención un banco de niebla que se desplazaba sigilosamente por el mar. Así lo comenta el director "Cuando estuve en Inglaterra, hace muchos años, fui a Stonehenge. La atmosfera allí era tremenda. Mire a mi alrededor y la niebla lo cubría todo, era fantasmagórica, blanca y visual, muy visual. Pensé en la posibilidad de que saliese de ella una forma oscura y viniese hacia mí. Imagine un pequeño pueblo, con aquel banco de niebla acechando lentamente desde la carretera. De repente envuelve tu casa y oyes como llaman a la puerta...". 

El propio John Carpenter afirmó que parte de la inspiración para la historia le vino igualmente de ver la película británica "El Trollenberg terror" (Quentin Lawrence, 1958), que trata de monstruos que se esconden en las nubes. La historia de los restos de un barco y su posterior saqueo se basa en un hecho real que tuvo lugar en el siglo XIX, cerca de Goleta, California u otro acontecido en Rhode Island .

La idea de La Niebla creció y se convirtió en un guión escrito por el mismo Carpenter y su habitual colaboradora, Debra Hill, quien también es productora, en el que la influencia de escritores como Lovecraft, Hodgson o Arthur Machen (Machen es el nombre del marinero interpretado por John Houseman) parece evidente. La frase de Poe que abre la película (idea de Debra Hill), aunque parezca ajena a la trama, adquiere significado en la sobresaliente atmósfera onírica que destila cada uno de sus fotogramas. Y es que Carpenter, mediante el empleo de la música (compuesta por él), de la iluminación (muy inquietante el uso de tonalidades verdes y rojas) y visible especialmente con la presencia de la esa niebla luminiscente y con su ritmo narrativo consigue crear una película con atmosférica de pesadilla. Pesadilla basada en la leyenda y que está ya presente en la narración del viejo marinero a unos niños cobijados alrededor de una hoguera. Carpenter , casi desde ese momento vuelve a incluir sus acordes musicales, la iluminación tenue luz de la hoguera y la historia del velero Elisabeth Dane, que nos sumergue en una historia clásica de fantasmas, tanto en su forma como en su contenido. 

La historia es asumida por tres protagonistas y actores/ actrices habituales en la filmografía de Carpenter: Nick Castle (Tom Atkins), junto a la autoestopista Elizabeth Solley (Jamie Lee Curtis);Stevie Wayne (Adrienne Barbeu), y por entonces mujer de Carpenter, locutora de un programa de radio, la que divisa desde el faro el avance de la niebla va contra el viento; y el Padre Malone (Hall Hollbrock), a través del diario de un antepasado. Se trata pues de una historia coral en la que Carpenter manejavarios personajes simultáneamente, y para ello se vale de un recurso constante en sus películas: el montaje paralelo. 

Por medio de esta acción paralela consigue momentos de gran tensión, como cuando Stevie Wayne pide ayuda por radio al ver que la niebla se acerca a su casa, donde está su hijo, y Nick y Elizabeth acuden al rescate, o ese final en el que el grupo es atacado en la iglesia al tiempo que Stevie corre idéntica suerte en el faro desde donde emite su programa. Otro gran ejemplo de ese montaje paralelo, que en este caso le sirve para preparar el terreno para un golpe (efectista) de terror, es el momento en que el Padre Malone lee el diario a Kathy Williams (Janet Leigh) mientras Nick y Elisabeth están en el barco y este relata una historia que le ocurrió a su padre para culminar con el abrupto hallazgo de uno de los cadáveres. 

Otra constante en el cine de Carpenter, del que La Niebla y sus protagonistas son características del cine de Carpenter: anti-héroes o gentes raras. 

Por otro lado, todas las mujeres son fuertes e independientes: Elizabeth huye, sola, en busca de una nueva vida; Stevie cuida, también sola, a su hijo; y Kathy Williams, a pesar de recibir la noticia de la muerte de su marido, no renuncia a dar su discurso, sobreponiéndose a la noticia con entereza. 

Llama mucho la atención lo cuidado de todos los aspectos de su producción a pesar de contar con un presupuesto de sólo un millón de dólares. La magnífica fotografía corre a cargo de Dean Cundey , colaborador habitual de Carpenter , de Spielberg o Zemeckis, quien estuvo ya presente en otras películas de los noventa de éxito como Regreso al futuro o ¿Quién engañó a Roger Rabbit), el encargado del diseño de producción, así como el editor, fue Tommy Lee Wallace adaptador de películas como Noche de miedo II, o del relato televisivo de Steven King, It, y el genial Rod Bottin (Aullidos, Robocop, Seven), quien repetiría con Carpenter en La Cosa (1982), y que trabajó en maquillaje y en los artesanales efectos especiales. Algunos de los fantasmas fueron interpretados por Wallace mientras que Bottin hizo lo propio con Blake, e incluso Carpenter hizo un cameo como Bennet. 

La niebla fue creada mediante hielo seco y máquinas de niebla, pero la localización del faro en Point Reyes (California)- según parece el segundo lugar más neblinoso de América - facilitó mucho el conseguir tomas de niebla natural. Como curiosidad señalar que Carpenter rodó la Niebla en Bodega Bay , cerca de Point Reyes, misma localización en la que se había gestado Los Pájaros (1963, Hitchcock), ambos puntos al norte de San Francisco, donde yo también sufrí esas impresionantes nieblas que invaden la bahía. El rodaje tuvo lugar desde abril 1979 hasta mayo 1979 , además de Point Reyes, en los Raleigh Studios en Hollywood, California (en las escenas de interiores) y en las californianas Bolinas, , Inverness, y en la Iglesia Episcopal de la ascensión en Sierra Madre, también en California. 

Carpenter quedó descontento porque se dio cuenta de que el resultado no era lo suficientemente terrorífico. Fue por eso que volvió a grabar diversas escenas potenciando el terror más directo. Por ejemplo, en la matanza de los marineros, Carpenter cambió esto en las escenas añadidas y le dio un toque más violento. De todas las maneras, vista hoy, pasados treinta y seis años de su estreno, La Niebla es una película entrañable en comparación con los excesos visuales y de casquería a los que nos someten las películas de género. Y quizás este añadido a posteriori de muchas escenas tuviera mucho que ver con ese final algo precipitado . Recordando la experiencia, Carpenter comentó "Fue terrible , tenía una película que no funcionaba, y sabía eso en mi corazón.". Carpenter , por eso, añadido el prólogo con el Sr. Machen ( John Houseman ) hablando a los niños así como otras nuevas escenas con el fin de hacer la película más comprensible, más aterradora, y más gore. Carpenter y Debra Hill han dicho que la necesidad de una re-rodaje se hizo especialmente evidente para ellos después de que se dio cuenta de que la niebla tendría que competir con las películas de terror que tenían alto contenido de sangre. Aproximadamente un tercio de la película acabada fue nuevo material lo que lo aumentó en 100.000 dólares más. Desde finales de los 70 y principios de los 90 John Carpenter se encontraba en el mejor momento creativo de su vida y encadenaba una obra maestra tras otra. La Niebla puede considerarse un relato de terror menor y más sencillo de lo que para él era habitual. Es una película atmosférica en la que la fotografía y música minimalista e inquietante compuesta por el propio Carpenter ayudan y esos efectos que hoy pueden resultar naïf, pero que en su momento lo fueron todo. 

La película fue un éxito absoluto al haber recaudado 21 millones de dólares y eso que fue una película de bajo coste producto del acuerdo en la producción por parte de AVCO-Embassy, autora también de la película Escape from New York (1981), y que tenía un presupuesto de $ 1 millón. Avco-Embassy gastó más de $ 3 millones únicamente en la publicidad que incluía spots de televisión, cuñas de radio, anuncios impresos, e incluso la colocación de las máquinas de humo en los vestíbulos de los teatros seleccionados en los que la película estaba mostrando. 

Una cantidad no revelada más se gastó en 600 copias de la película, 540 de los cuales fueron distribuidos a los cines estadounidenses. Originalmente, la película se fijó para su lanzamiento durante la temporada de Navidad de 1979, pero el presidente Embassy Avco Bob Rehme optó por esperar hasta febrero de 1980, cuando habría menos competencia en las taquillas de otras películas y más pantallas de cine disponibles. 

 A pesar de ser un éxito comercial, la película recibió críticas mixtas inicialmente cuando fue lanzado. En los años transcurridos desde su lanzamiento, los comentarios posteriores fueron más positivos con respecto a la película, convirtiéndose casi en una película de culto o al menos "un clásico menor de terror ". 

Para Carpenter nunca fue su película favorita debido a los " re-shoots" . En Rotten Tomatoes tiene un índice de aprobación del 70% con una media de 6.2 / 10 basada en 40 comentarios. Roger Ebert afirmó de ella que "(...) no es una gran película, pero sí muestra una gran promesa de Carpenter".

Chris Justice considera que en Classic-Horror.com que lo más interesante esté en su composición musical : "La música clásica es también Carpenter, y aunque el compositor han eliminado de hecho su banda sonora original y lo volvió a escribir para adaptarse mejor ambiente de la película, los espectadores se benefician en gran medida de su agudo sentido del ritmo, composición, y el tono. Sus marcadas notas. añaden otra capa de complejidad a una película que demasiado a menudo se olvida que tiene una edición también brillante;.. Vale la pena cada segundo " 

A principios de la década de 2010, Time Out llevó a cabo una encuesta entre más de 100 autores, directores, actores y críticos que han trabajado en el género de terror a votar por sus mejores películas de terror. La niebla colocó en el número 91 en su lista de las 100. 

Para Adrián Massenet en blog de cine lanza dos ideas. La primera antropológica, ya que según él, " Carpenter reincide en su habitualmente sutil crítica a la sociedad “civilizada”, sugiriendo que muchos asentamientos, sobre todo pesqueros, fueron fundados por criminales o asesinos, por mucho que ahora sean un ejemplo de paz y progreso. Es una idea muy interesante que aquí está llevada al límite". La otra como conclusión al decir que se trata de una "Estimable película de Carpenter, que aunque palidece frente a mayores logros suyos, no se trata en modo alguno de una película menor. No he visto a casi ningún cineasta actual de género dominar la atmósfera y perturbar tanto como lo hace Carpenter con tres o cuatro planos. Mi imagen favorita es una de las finales, con el cura enfrentándose a los espectros, entregando la cruz de oro. ¿Por qué iconos tan manidos como espectros, niebla, ojos rojos, cruces enormes, siempre funcionan (cuando el director tiene cine dentro, claro) con la misma fuerza?" Un remake se hizo en 2005 bajo la dirección de Rupert Wainwright con un guión escrito por Cooper Layne y protagonizada por Tom Welling y Maggie Grace . Aunque se basa en la película de Carpenter y en el guión original de Hill, la nueva versión se hizo más en la onda de una "película de terror adolescente" . La película fue criticada casi universalmente por su pobre guión y por sus malas actuaciones y tiene un Rotten Tomatoes calificación de 4%.  Si es que los clásicos mejor no tocarlos.