Diarios de motocicleta

Clavo mi remo en el agua 

Llevo tu remo en el mío 

Creo que he visto una luz 

Al otro lado del río 

El día le irá pudiendo 

Poco a poco al frío 

Creo que he visto una luz 

Al otro lado del río 

Pocas veces una ceremonia de los Oscar se convierte en una cagada de dimensiones colosales. La ceremonia que hubo en 2005 para conmemorar lo mejor de 2004 fue una de esas cagadas. Jorge Drexler que era el compositor de una canción , la que cerraba la película The Motorcycle Diaries (Diarios de motocicleta), no fue invitado a cantar en la ceremonia, a pesar de que su canción estaba nominada a la Mejor canción original. En su lugar se plegó en hacerlo Antonio Banderas que si bien no aúlla lo cierto es que canta poco mejor que yo. El caso es que Drexler ganó el Oscar a la mejor canción. Y cuando se le entregó cantó unos versos de la misma. Justicia poética. 

Sobre todo creo que 

No todo está perdido 

Tanta lágrima, tanta lágrima 

Y yo, soy un vaso vacío 

Oigo una voz que me llama 

Casi un suspiro 

Rema, rema, rema 

Rema, rema, rema 

No se que pensaría el director de la misma , pero supongo que se alegró. Este era alter Salless, que había destacado desde su película Terra Estrangeira (1995),  que premiada en Brasil como mejor filme del año. 

El director, posteriormente comenzó a coleccionar nominaciones y premios internacionalmente. Entre otros, ha ganado el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, el Globo de Oro, el Ariel de Plata en México, el Cóndor de Plata en Argentina, el premio BAFTA en el Reino Unido y el premio del público en el Festival de San Sebastián. 

Especialmente relevante fue Estación central nominada además para ganar el Oscar a la mejor película extranjera, en 1998. La película ganó 55 premios internacionales lo mismo que gran parte de sus películas como esta, Diarios de motocicleta (2004) , Dark Water (La huella, Agua turbia) (2005) , Paris, je t'aime (segmento "Loin du 16e") (2006),  To Each His Own Cinema (segmento "A 8 944 km de Cannes" (2007) , Linha de Passe (2008)  o On the Road (2011) . 

En el caso de la película panamericana que tiene como protagonistas al que con el tiempo será el Che la película es una producción en la que estuvieron implicados Michael Nozik, Edgard Tenenbaum,  Karen Tenkhoff , incluso Robert Redford como productor ejecutivo, con el apoyo de las  productoras de Argentina, Estados Unidos, Chile, Perú y Brasil para FilmFour, South Fork Pictures, Tu Vas Voir Productions, BD Cine, Inca Films S.A., Sahara Films, Senator Film Produktion y Sound for Film. 

La película  partía de un guion escrito por José Rivera, pero inspirado en dos obras: Notas de viaje de Ernesto Che Guevara y Con el Che por América Latina de Alberto Granado.

La película contará con la música de Gustavo Santaolalla, la fotografía de Eric Gautier y el montaje de Daniel Rezende. 

El reparto lo encabeza Gael García Bernal como el joven Ernesto ''Che'' Guevara , Rodrigo de la Serna como  Alberto Granado, Mía Maestro como Chichina Ferreyra , Mercedes Morán como Celia de la Serna , Jean Pierre Noher como Ernesto Guevara Lynch , Susana Lanteri como Tía Rosana,  Lucas Oro como Roberto Guevara, Marina Glezer como Celita Guevara, Sofía Bertolotto como Ana María Guevara, Franco Solazzi como Juan Martín Guevara, Facundo Espinosa como Tomás Granado, Ricardo Díaz Mourelle como Tío Jorge. En papeles menores como Sergio Boris , Daniel Cargieman , Diego Giorzi como Rodolfo, Gustavo Bueno como Doctor Hugo Pesce, así como Bárbara Lombardo , Maida Andrenacci , Matías Strafe y Alberto Granado que sale en una imagen al final de la película. 

El 4 de enero de 1952, dos jóvenes argentinos emprendían una gran aventura, un enorme viaje desde Buenos Aires a Venezuela por tierra. Se trataban del bioquímico Alberto Granado (Rodrigo de la Serna), quien tenía 29 años entonces, y Ernesto Guevara de la Serna (Gael García Bernal), con veintitrés. este era  ‘casi médico’ —le falta el aprobado en tres asignaturas— especializado en el tratamiento de la lepra. 

En palabras de Guevara: “El plan es recorrer 8.000 km en cuatro meses. El método, la improvisación. Objetivo, explorar el continente latinoamericano, que solo conocemos por los libros. Equipo, La Poderosa, una motocicleta Norton 500 del año 1939 que está rota y goteando”. 

Sobre "La Poderosa" la moto Norton  dejan Buenos Aires para viajar por el continente buscando diversión y aventuras. Si bien al final de su viaje tienen un objetivo, intentan trabajar en una colonia de leprosos en Perú, el propósito principal es turismo. Ellos quieren ver tanto de América Latina como puedan, más de 10 000 kilómetros en solo unos meses. 

Su vehículo será la antigua y agujereada, pero funcional motocicleta Norton 500 de Alberto bautizada La Poderosa. Se dirigirán primero al Sur , por la Pampa para acabar en el norte del continente. Trazan el recorrido ante el padre de Ernesto, molesto por dejar la carrera tres meses antes de  licenciarse . En el mapa vemos como pasarán a Chile tras cruzar Los Andes, viajar a lo largo de la costa de Chile, a través del desierto de Atacama y de la Amazonía peruana y alcanzar Venezuela justo a tiempo para cuando Alberto cumpliese 30 años, el 2 de abril. 

Desde el principio vemos que La Poderosa, no lo es tanto y se ven obligados a viajar a un ritmo más lento. Ya antes de la salida pero también durante el viaje descubrimos personalidades diferentes.   Granado es extrovertido, charlatán, gordete, buen bailarín, una persona generosa, el amigo calavera  frente a un Guevara que es contenido, reflexivo, ecuánime, pero tiene una limitación: su incapacidad para mentir. Cuando recaban su opinión, dice lo que piensa, de manera directa, brutal, sin paños calientes, Uno seduce a las chicas con su cháchara torrencial, su labia argentina y su buen humor; el otro las atrae por su sonrisa tímida y su actitud retraída. 

Especialmente el carácter de los dos cuando van a la Hacienda que tiene  Tía Rosana (Susana Lanteri)  como donde habita Chichina Ferreyra (Mía Maestro), la novia de Ernesto. Allí pasan unos días.

Mientras recorren la Pampa, su única compañía son los gauchos y las vacas, divisando alguna estancia que se levanta solitaria a lo lejos. El asfalto cede paulatinamente terreno a la tierra, enfilan hacia cumbres lejanas: se adentran en la Patagonia, se encaminan a los Andes. 

Ya en la montaña, las pistas se transforman en barrizales con surcos profundos donde La Poderosa tropieza una vez y otra y donde los carros tirados por bueyes son más eficaces que las dos ruedas . Los vendavales les arrebatan su tienda de acampada, el cobijo en esa parte de las latitudes es tan escaso como la comida y el dinero. Descubren el cansancio físico, el agotamiento... pero llegan al borde la la frontera.

El día 42 del viaje, un trasbordador atraviesa el lago Frías y los desembarca en Chile. Acumulan 2.306 kilómetros. A esa altura llega la nieve. 

En Chile, los viajeros encuentran las duras condiciones de trabajo de algunos indígenas. La Poderosa, cada día peor, la entrada en la ciudad de Temuco  acuchando la moto. Ernesto se presenta en la redacción del diario local, que los presenta como “dos eminentes leprólogos argentinos”. Da igual la verdad en estos parajes.

El recorte de prensa les abre puertas de un taller y de presentarse como personalidades, no vagabundos. que incluso son invitados en una fiesta.

La salida de la localidad es por pies tras tirarle los tejos Ernesto a una chica. Llegan a Valparaíso, a orillas del océano Pacífico, reciben correspondencia y dinero de sus familiares. El día 53 del viaje, ya parten a pie por el desierto de Atacama, la Poderosa ha muerto.

Día 67, después de 4.960 kilómetros perciben que los indígenas trabajan en condiciones muy precarias. Algunos les comentan como han sido expulsados de sus cultivos por latifundistas y ahora explotados por empresas. 

Más tarde entran en Perú en  la cabina de un camión. Los tramos a pie, las pendientes resultan insufribles, arden los pulmones, falta oxígeno. Bajitos y escuálidos, los nativos los adelantan con facilidad por esas cuestas de Dios, aunque vayan cargados hasta las cejas. 

En Cuzco —día 89, km 6.932— conviven con una población quechua iletrada, que no entiende el castellano. Cuida del ganado, tejen, mascan coca... Son personas desposeídas, sin expectativas culturales, políticas ni sociales. Un chico le explica las murallas que hicieron los incas y las murallas de los incapaces españoles. Ernesto reflexiona ante su arquitectura: “Los incas atesoraban el conocimiento, pero los invasores españoles tenían la pólvora” y armas.

Visitan Ollantaytambo y Machu Picchu. Delante de las ruinas incas de Machu Picchu Ernesto se pregunta cómo la avanzada cultura se perdió para dar lugar a una expansión urbana como la de Lima. 

En Perú, el che y Granado buscan una referencia. Es la de un médico que pretende ser escritor. Mientras Rodrigo lo halaga, Ernesto crítica su escritura.

Ambos van como voluntarios durante tres semanas en una colonia de leprosos de San Pablo un lazareto en plena Amazonia peruana, adonde llegan después de 156 días y 10.223 km de viaje. Los dos jóvenes colaboran como voluntarios atendiendo a los leprosos. 

Durante semanas curan heridas, consuelan, construyen nuevos pabellones, juegan a fútbol, se enfrentan con las normas y las monjas, cantan y bailan... Allí Guevara ve la diferencia entre unos y otros, El personal que vive en el lado norte del río, separado de los leprosos que viven en el sur. 

Ernesto Guevara además se rehúsa a usar guantes de goma durante su visita eligiendo en su lugar estrecharse las manos desnudas con los asustados leprosos recluidos. Los atienden con cariño. En su fiesta de despedida, Ernesto toma la palabra, habla de “una sola raza mestiza desde México hasta el estrecho de Magallanes”, y brinda por una América unida. Es su primer discurso político. 

Tras salir de la fiesta de despedida decide cruzar a nado el Amazonas para pasar la noche con los leprosos. Al día siguiente, y con una balsa preparada para ellos como regalo salen. Van poniendo punto y final a su viaje iniciático.  

Entran en Colombia. Una balsa los lleva hasta Leticia, en la Amazonia colombiana. El 26 de julio de 1952 se separan en el aeropuerto de Caracas. y luego en Venezuela. Cuando se estaban despidiendo uno del otro, Alberto revela que su cumpleaños no era, de hecho, el 2 de abril, sino el 8 de agosto, y que la razón de esa mentira era simplemente por motivación: Ernesto responde que siempre lo supo. 

Al final de la película, Guevara sabe que América Latina es una identidad latinoamericana que trasciende las fronteras de la nación y la raza. Estos encuentros con la injusticia social han transformado a Guevara su manera de ver al mundo. 

Ernesto regresa a Buenos Aires para terminar sus estudios. Alberto permanece en Venezuela, donde le dan trabajo. No se volverán a verse hasta ocho años después, en Cuba, donde Ernesto ya será el Che, el gran líder revolucionario, y adonde Alberto acudirá para arrimar el hombro desde el ámbito hospitalario. Con imágenes reales del viaje acaba la película mientras se ven los títulos de crédito.

La película termina con una información de como el viaje durara seis meses y medio, y recorrieron 12.425 km. Vemos la imagen del verdadero Alberto Granado de 82 años, junto con imágenes del viaje real y una mención de la eventual ejecución del Che Guevara en la selva boliviana en 1967. 

El proyecto se originó gracias a la iniciativa del productor ejecutivo Robert Redford y los productores Michael Nozik y Karen Tenkhoff que se pusieron en contacto con el director Walter Salles para hablar sobre la película, inspirada en las crónicas escritas por los dos protagonistas: Notas de viaje, de Ernesto Che Guevara (Ediciones B, 2002); y Con el Che por Sudamérica, de Alberto Granado (Ed. Marea, 2018). 

Además el equipo de producción recabó los servicios del periodista y documentalista italiano Gianni Miná, quien se incorporó al proyecto como supervisor artístico. 

El equipo hizo un primer viaje con Miná a la Habana, en Cuba, en el que emprendieron su exhaustivo proceso de investigación, se entrevistaron con Granado y conocieron a la viuda de Guevara, Aleida March, y a sus hijos, Aleida, Camilo y Ernesto. 

José Rivera, un joven y galardonado dramaturgo puertorriqueño fue el escritor elegido para adaptar la historia. El director y el guionista se documentaron juntos, leyendo todas las biografías publicadas sobre Guevara. Rivera trabajó durante dos años en sucesivos borradores del guion, antes de llegar a la versión definitiva. Para asegurarse de que la historia retratase de forma equilibrada a ambos personajes, Rivera utilizó tanto los diarios de Guevara como el relato que el propio Granado hizo del viaje. 

En 2001, los productores ejecutivos Paul Webster y Rebecca Yeldham se incorporaron al proceso de desarrollo de Diarios de motocicleta, y la empresa FilmFour se encargó de cofinanciar la película. 

Entretanto, el director emprendió su propio viaje personal por los pueblos y ciudades descritos en los libros, para conocer de primera mano la ruta recorrida por Guevara y Granado 50 años antes. Una vez finalizado el guion, el equipo comenzó a preparar la producción por lo que Neruda denominó "el espinazo de América". . 

Las labores de localización de exteriores se iniciaron a principios de noviembre de 2001, con la visita del equipo de producción a Argentina. 

La búsqueda de exteriores en el resto de los países se inició el mes de enero del año siguiente y se prolongó hasta el mes de mayo. 

La producción decidió emplear actores locales, con excepción del actor mexicano Gael García Bernal, a quien Salles describe como "uno de los actores más singulares y con más talento de su generación". 

Mientras los actores se preparaban para interpretar sus papeles, el director seguía perfilando la estética de la película. Salles y su equipo se inspiraron en las fotografías que Guevara tomó durante el viaje, y también en la evocativa obra del fotógrafo aimara Martín Chambi. 

El diseñador de la producción, Carlos Conti, trabajó en la reconstrucción del período, incluyendo alusiones al contexto histórico, pero dando al mismo tiempo un aire contemporáneo a la producción para subrayar la intemporalidad de los temas tratados. 

Los preparativos definitivos para el rodaje se iniciaron a mediados de junio de 2002 y se prolongaron durante 16 semanas en los lugares que una vez Ernesto y >Rodrigo y contemporáneamente Salles había recorrido personalmente , pueblos y ciudades descritos en esos libros, conoció la ruta seguida por sus autores 50 años antes. 

Fruto de ese esfuerzo, la película muestra más de treinta emplazamientos. Todas sus localizaciones son reales. 

Los lugares claves del viaje descritos a lo largo de la cinta incluyen: en Argentina, Buenos Aires, Miramar, Villa Gesell, San Martín de los Andes, Lago Frías, Patagonia. En Chile Lautaro (aunque no aparece mencionado), Temuco (aunque será grabado en Lautaro), Los Ángeles (grabado íntegramente en Lautaro), Valparaíso, desierto de Atacama, Chuquicamata.

En Perú, Cuzco, Machu Picchu, Lima; la colonia de leprosos de San Pablo y en Colombia en Leticia y en Venezuela: Caracas. 

 En esta orilla del mundo 

Lo que no es presa es baldío 

Creo que he visto una luz 

Al otro lado del río 

Yo muy serio voy remando 

Muy adentro sonrío 

Creo que he visto una luz 

Al otro lado del río 

La película fue presentada por primera vez en el Festival de Cine de Sundance el 15 de enero de 2004 y luego en el Festival de Cine de Cannes el 19 de mayo de ese año. 

El film fue proyectado en muchos otros festivales incluyendo: el neozelandes Festival Internacional de  de Cine de Auckland, Nueva Zelanda; el danés Festival Internacional de Cine de Copenhague; el finés Festival de Cine de Espoo.

También se presentará en  Estados Unidos en el Festival de Cine de Telluride y  el Festival de Cine de Toronto,  el Festival internacional de Cine de Vancouver, ambos en Canadá.

En Europa en el Festival de Cine de Frankfurt y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián fue el premio del Público para Walter Salles y en México en el Festival de Cine de Morelia  entre otros. En el Festival Internacional de Cine de Bangkok fue nominado al Golden Kinnaree a la Mejor película.

La película será un gran éxito y tendrá una recaudación de $58,7 millones llevándose múltitud de Premios y reconocimientos.

En los Oscar de sus dos nominaciones se llevó el de  Mejor canción original quedando nominado al Mejor guion adaptado para José Rivera.

En los Globos de Oro será nominada a mejor película de habla no inglesa 2004 al igual que en los  BAFTA donde de sus 7 nominaciones se llevó el de Mejor película de habla no inglesa y música de sus  siendo nominaciones a la Mejor fotografía (Eric Gautier), Mejor película , Mejor actor protagónico ( Gael García Bernal ) Mejor actor de reparto ( Rodrigo De la Serna),  Mejor guion adaptado ( José Rivera). En los Premios Cine Británico Independiente fue nominado a la Mejor Película Extranjera.

En Cannes donde fue presentada  se llevó tres Premio del Jurado Ecuménico ( Walter Salles) y Premio técnico (François Chalais) .  También se valoró el trabajo de Eric Gautier.

En los Premios Goya consiguió el Premio al Mejor guion adaptado y en los Premios argentinos de Clarín fue galardonado como Mejor actor protagónico (Rodrigo De la Serna)  al igual que a la Mejor música original ( Gustavo Santaolalla).

Premios del Cine Europeo Screen International Walter Salles fue nominado al igual que en los Premios César a la mejor película extranjera.

La Asociación de Críticos de Los Angeles la nominó a mejor película extranjera al igual que los Critics' Choice Awards a la mejor película de habla no inglesa.

En los Premios Independent Spirit los premios fueron a la Mejor fotografía y al mejor debut de sus tres nominaciones. 

El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó a mejor guion adaptado  y el Gran Premio del Cine de Brasil Cinema Brazil Grand Prize la nominó a la Mejor película extranjera. 

Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina concedió el Cóndor de Plata al Mejor Actor (Rodrigo De la Serna ) , a la Mejor Música (Gustavo Santaolalla ) , Mejor Guion Adaptado (José Rivera)  quedando nominado a la Mejor Dirección Artística (Carlos Conti), Mejor Fotografía (Eric Gautier), Mejor Vestuario (Beatriz De Benedetto - Marisa Urruti ), Mejor Director (Walter Salles) ,  , Mejor Película  y Mejor Sonido ( Jean-Claude Brisson)  

La prensa en general fue positiva en todos los sitios en la que fue presentada. Peter Travers de la revista Rolling Stone escribió sobre ella que "Gran parte de su poder viene de la manera en que te atrapa (...) Los actores están a la altura de los desafíos que plantea la película (...) " 

Todd McCarthy en Variety  declara que es "Una película elaborada con inteligencia que es artística pero no artistoide y que es política sin caer en el didacticismo (...) Las actuaciones son sólidas y modestas" 

Para  Roger Ebert del Chicago Sun Times y para su web rogerebert.com concluyó que "Es interesante como diario de viajes, pero simplista como estudio de la conversión política del Che (...) " 

J.R. Jones en otro diario de Illinois , el Chicago Reader defendió que "No es tanto una declaración polémica como un ejercicio de divinización (...) No es capaz de construir un drama coherente"

Stephen Hunter en las páginas del The Washington Post entiende que es "Un diario de viajes moderado con buenas caracterizaciones y ternura (...) Una recreación sorprendentemente efectiva" 

Ed Gonzalez en Slant , bastante crítico, considera que "'The Motorcycle Diaries' no es mala, simplemente insípida (...) Trata al Che como si fuera un niño mono con el que todas las chicas (y chicos gays) quieren acostarse (...) "  y en el californiano San Francisco Gate Carla Meyer destaca que es "Un film fantástico" 

A. O. Scott en las páginas del The New York Times escribió que "Una reconstrucción emocionante y tierna (...) Lo que captura, con mucha claridad y delicadeza, es el ascenso del idealismo juvenil de Ernesto" 

En el  Reino Unido Anthony Quinn en el The Independent escribió que  "Aquí está el mito, ¿dónde está el hombre?" : mientras que Alan Morrison de Empire señala que "Diario de viajes, biografía, retrato tierno de una amistad... la película es sólida en todas esas áreas, pero destaca al unirlas y crear un todo conmovedor (...) )" 

Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian destaca que "Los diarios de motocicleta, testamento de una juventud atrevida y estimulante, se han convertido en la parte más importante del mito del Che. Salles les hace justicia." Para The Times  era una "Obra maestra".

Lacónicamente  en Francia  Libération la definió como una película "Profundamente humana" 

Ya en España M. Torreiro en El País la película de "Salles narra este viaje en un tono ágil, con nervio de documental y huyendo de la tentación folclórica (...) eficaz 'road movie' y un retrato sociológico tan ajustado como desolador"

Para  Alberto Bermejo en El Mundo se trata de  "Un impresionante viaje por los países del altiplano que logra plasmar la transmutación de Ernesto Guevara en el Che. (...) Lo mejor: el contraste entre la belleza grandiosa de los escenarios y la sordidez de la situación de las personas que los habitan".

Al final lo que tenemos en un encuentro entre dos jóvenes burgueses , un soñador y un muy rabiosamente humano Rodrigo con el rostro humano del continente, pero, especialmente, por el rostro de la pobreza de este inmenso continente. El niño de Cuzco, la pareja chilena indígena, los leprosos abandonados de la mano de Dios, o la prostituta del barco que entre sonrisa y sonrisa, partida y partida , vende su cuerpo. Vemos el nacimiento de una idea matriz para un luchador. 

Sin embargo, frente a la tesis de la película, esa que afirma que el Che foirmula la idea de que ''Yo no soy yo, por lo menos no soy el mismo yo interior''en el que allí surge su ideología, algunos como apunta Luis Duno-Gottberg que fue un segundo viaje por América latina entre 1953 y 1954, que lo lleva a Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Panamá, Costa Rica y El Salvador. En Guatemala vive el golpe de estado organizado por la CIA contra el Presidente Jacobo Arbenz y participa en su defensa. Es al final de este segundo viaje cuando llega a México, donde conoce a Fidel Castro. Siendo éste el que determinó a Ernesto Che Guevara.

 

Sobre todo creo que 

No todo está perdido 

Tanta lágrima, tanta lágrima 

Y yo, soy un vaso vacío 

Oigo una voz que me llama 

Casi un suspiro 

Rema, rema, rema 

Rema, rema, rema 

Clavo mi remo en el agua 

Llevo tu remo en el mío 

Creo que he visto una luz 

Al otro lado del río

Desierto

He visitado varios desiertos. Me impresionó el Sahara , el desierto cálido más grande del mundo con sus dunas y oasis, he cruzado el desierto arábigo en Egipto, he recorrido el desierto en el norte, y las montañas escarpadas en el sur en la península del Sinaí, he cruzado el Wadi Rum en Jordania , pero el último ha sido el del Mojave en la costa oeste de los Estados Unidos y que recorridos desde Arizona, en concreto desde el sur de Flastagg hasta llegar a Nevada y Sur de California. Fue impresionante recorrer el desierto y ver bajar a la ribera del río Colorado en el territorio de Nevada o ver amanecer en Death Valley , por ejemplo. Era un espectáculo único. Recuerdo que el coche iba lleno de galones de agua. Me daba miedo quedarme sin agua allí y por esa razón llevábamos en mi Toyota Sienna muchas botellas.

Anoche cuando veía la impresionante película de Jonás Cuarón no perdía de vista los galones que llevaban aquellas personas que se estaban jugando la vida buscando , no un futuro mejor, simplemente, un futuro. Este futuro es cercenado, en ocasiones, por las estúpidas leyes que nos hemos dado entre los humanos. Leyes que establecen limites a la movilidad entre países. ¿Cómo nos hemos atrevido a marcar lineas en el suelo para decir esto es tuyo y esto es mío? ¿Qué hubiese sido de la humanidad si nos hubiese quedado únicamente en la parte del territorio que te correspondía por nacimiento?

A todo esto se suman los "salvapatrias" que bajo su inmensa imbecilidad deciden quiénes entran y quiénes no. Esta película , Desierto de Cuarón, te dejará pensando sobre los limites , sobre la supervivencia y, sobre todo, de la intolerancia.

Desierto es una película mexicana de suspenso dirigida por Jonás Cuarón. Comienza con un amanecer y acaba con un anochecer. Esperanza y frustración. Simbólicamente podrían significar esto en la película realizada por Jonás Cuarón.

Cuarón, hijo y sobrino de cineastas. Hijo de Alfonso, su padre, que lo involucró en la escritura del guión de Gravity, película con la que ganó el Oscar al mejor director, y sobrino de Carlos Cuarón: “Mi padre es muy respetuoso y siempre está dispuesto a colaborar y escuchar. En el caso de mi película, él y mi tío Carlos fueron productores y aprendí mucho de ellos, sobre todo al momento de enfrentar los retos del rodaje y trabajar con los actores”. 

Empezó en el cine con "Año Uña" que se basaba en una serie de fotografías fijas con diseño sonoro y las voces de los actores sobre la secuencia de fotografías.Más tarde dirigió tres cortometrajes más y tras participar en el guión de "Gravity" , fue dirigida por su padre, se centró en Desierto. Además de Alfonso Cuarón y Carlos participa en la producción Jonás Cuarón , Alex Garcia y Charles Gillibert siendo el diseño de producción de Alejandro García (¿no será Alex?). En la misma están involucradas las productoras Esperanto Kino, Itaca Films y CG Cinéma así como en la distribución la empresa STX Entertainment. Contó con un elevado presupuesto de $ 3,000,000 .

En este caso el guión es de Jonás Cuarón y Mateo Garcia. Para la música contó con Yoann Lemoine y Woodkid. La fotografía es de Damian Garcia y el montaje el mismo Jonás Cuarón. El vestuario fue de Andrea Manuel.

El corto reparto lo encabezan Gael García Bernal como Moisés, Jeffrey Dean Morgan como Sam, Alondra Hidalgo como Adela, Diego Cataño como Mechas, Marco Pérez como Lobo, Óscar Flores como Ramiro, David Lorenzo como Ulises y Lew Temple como un agente de la patrulla fronteriza. 

La historia comienza en una amanecer en el desierto. Durante la salida de los rayos de sol vemos cruzar el desierto un camión. Cuando la claridad lo ocupa todo vemos que en su interior está Moisés (Gael García Bernal) y otros indocumentados que van en el interior de un camión destartalado.

Poco después vemos que el camión se rompe y el conducto pregunta si alguno de los indocumentados hombres o mujeres que van detrás conoce algo de mecánica. Es Moisés quien se baja y ve que el camión se le ha roto una pieza y que es necesario cambiarla, así como llamar a una grúa.

Pero evidentemente el mexicano que dirige la expedición le dice que no será así y ordena a los dos guías que acompañan al grupo , Mechas (Diego Cataño) y Lobo (Marco Pérez) que se dirijan hacia la frontera pues aún están en México.

El grupo avanza y finalmente cruza la alambrada y entran a pie en los Estados Unidos por un estrecho camino fronterizo entre México y Estados Unidos. El grupo de trabajadores integrado por mexicanos y personas de otras nacionalidades entra en el país busca pensando en una vida mejor . El grupo avanza a una gran velocidad y vemos que se fragmenta. En el segundo grupo está Moises ( Gael Garcia Bernal ) y lo encabeza Mechas .

En paralelo conocemos a Sam ( Jeffrey Dean Morgan ) un hombre solitario que actúa de justiciero . Se trata de un hombre despiadado que va cargado de rifles que dice usar para matar conejos. Siempre va acompañado de su perro pastor belga Malinois El ha detectado la entrada de personas en el país sin autorización; Con la ayuda de su perro rastreador y el uso de su rifle M1 Garand y se lo dice a un guardia fronterizo (Lew Temple) con el que no mantiene relaciones amistosas.

Mientras el grupo sigue penetrando. Esta subdividido en dos secciones. Unos avanzan con Lobo a una enorme velocidad. Otro, algo menos numeroso, integrado por Moisés, Mechas en el que van tres más, entre ellos un chico y una chica, así como un inmigrante con problemas de movilidad y que va más lento.

El grupo que se retrasa detecta la llegada de una furgoneta de la que se baja Sam y el perro. El perro identifica el camino y desde una colina con su ifle con mira telescópica va matando a la mayoría del grupo mayoritario , a pesar de que intenta huir.

Tras eso el Grupo que encabeza Mechas y que ha visto lo ocurrido huye. Pero en su huida son vistos por Sam.

Sam va en busca de los inmigrantes. El primero de ellos cae bajo las garras del perro y el resto es alcanzado por el rifle o cae al vacío impulsado por el perro, incluyendo a Mechas.

Al final quedan Moises y Adela ( Alondra Hidalgo ) como los únicos sobrevivientes después de una larga persecución. Incapaz de seguir los dos últimos, ya que la noche se va poniendo poco a poco, Sam decide continuar su búsqueda al día siguiente y se va con su perro, Tracker.

Adela y Moises encuentran un sitio para descansar, y Adela le confiesa a Moises que su compañero, que fue una de las víctimas de Sam y Tracker, fue enviada por sus padres para protegerla, y aunque él la molestó durante su viaje, no lo hizo y no merecía morir de esa manera. Moises le confiesa a Adela que él ya había estado en los Estados Unidos y que tiene una familia esperándolo en Oakland, mostrando un oso de peluche que le había regalado su hijo antes de ser deportado, y que Moises le prometió que lo devolvería.

Mientras tanto, Sam descansa junto a una fogata con Tracker, describiendo a su perro leal cómo solía amar el desierto, pero ahora el calor juega con su mente y quiere escapar de él. A la mañana siguiente, Adela, tras salvarse de la picadura de unas serpientes, localiza el vehículo de Sam .

Ella y Moisés deciden quedarse con la camioneta de Sam, usando el osito de peluche para distraer a Sam y Tracker. El dúo logra arrancar la "furgo" y parece que finalmente escapan. Pero la felicidad y la tranquilidad aqui dura un segundo y Sam le dispara a Adela en el hombro, haciendo que Moíses se estrellara.

Ambos magullados siguen a pie por el desierto, seguido por Sam y Tracker. Moises se detiene para cuidar la herida de Adela, luego le dice que tiene que dejarla y se lleva la chaqueta de Sam y la pistola de bengalas. Moíses toma el camino de la colina y usa una ronda de la pistola de bengalas para distraer a Sam de Adela; Tracker sigue de cerca a Moíses en un campo de cactus donde Moíses se ve obligado a usar la pistola de bengalas con el perro al que alcanza en la boca antes de escapar;

Sam encuentra a su perro herido de muerte y le dispara a regañadientes para terminar con su sufrimiento antes de jurar venganza sobre Moises.

Después de perseguir a Moises mientras se suben a una roca. Sam está deshidratado y cansado; Moises se esconde entre las rocas y empuja a Sam mientras él está de pie en el borde, causando que ambos caigan.

Con la caída Sam se rompe la pierna. Ambos intentan alcanzar el rifle, pero Moíses lo toma y amenaza a Sam con el rifle por asesinar a tanta gente y tratar de matar a Moises y Adela mientras Sam le pide que le salve la vida. Pide perdón y agua.

En cambio, Moises se va con el rifle, diciéndole a Sam que el desierto lo matará y deja que Sam muera a pesar de sus súplicas para que Moises regrese.

Moises regresa por Adela; la encuentra viva, pero inconsciente, y la lleva por el desierto hasta ver una luces al fondo. Posiblemente sean de una carretera. Moíses acaba cruzando el desierto mientras anochece.

La película se rodó en diversos puntos de la Baja California, como Catavina,pero también en Puerto Penasco, Pinacate y Gran desierto de Altar, en Sonora, todos en Mexico.

La película que en principio parece ir de la búsqueda de nuevas oportunidades y reencontrarse con sus seres queridos acaba por ser una película de supervivencia y de muerte dada la brutalidad manifestada por Sam (Jeffrey Dean Morgan), un demente que disfruta eliminando a los inmigrantes. Cuarón empezó a escribir esta historia cuando tenía 24 años.

Todo comenzó en un viaje por Arizona, cuenta, cuando el consulado mexicano de Tucson lo invitó a ver sus instalaciones y pudo conocer de boca de los migrantes sus historias. “El desierto no conoce de nacionalidades, ni de países o fronteras. Allí todos somos iguales y ellos pasan por tantos peligros que no me pude sacar de la cabeza esta historia hasta que la hice”.

Comenta Cuarón que " Se me ocurrió hacer una película de acción, de manera que si la ves y no te interesa el tema migratorio igual la vas a gozar porque es una "straight action horror movie". Sin embargo usé muchas metáforas sutiles y hay muchísimos detalle sobre el viaje que hacen los migrantes." Es llamativo pero no se rodó ninguna escena de interior.

Para Jonás Cuarón: ‘Desierto’ es una pesadilla que Trump puede convertir en realidad. “Creo que Moisés, el personaje de Gael García Bernal, es un verdadero superhéroe”, explica el cineasta de 35 años. “Los migrantes hacen la acción más noble que es sacrificarse en busca de una vida mejor para ellos y sus familias. Es trágico que esos actos de nobleza sean criminalizados”.

El personaje de Jeffrey Dean Morgan, está inspirado en la retórica de odio que hay en Estados Unidos y en esa sociedad vulnerable y marginada que, si sigue recibiendo mensajes violentos, tarde o temprano van a agarrar el rifle y jalarán el gatillo. Las zonas donde se promueven esos mensajes contra los migrantes son estados como Arizona. Si viajas a esos lugares puedes ver que son las regiones más pobres de Estados Unidos. Si no se cambia el discurso, esa gente comenzará a buscar chivos expiatorios y eso ya lo hemos visto en otros momentos de la historia, como en Alemania durante el ascenso de Hitler.

Cuarón quiso mostrar como los inmigrantes que llegan a los Estados Unidos proceden de toda Centroamérica. "Yo quería enseñar todos los lados de la moneda porque en ese largo viaje por la frontera hay gente que trata a las personas como objetos, como mercancía, y eso lo mostré en los personajes de los polleros que son los tipos que cobran para cruzarlos. En la película también hay muchos centroamericanos porque quería mostrar que cuando un migrante llega al desierto ya ha pasado por otra pesadilla muy peligrosa que es atravesar México.

En la diario mexicano Excelsior declaró que " solo quería hacer una historia de acción que no tuviera descanso, y exponer el racismo y la xenofobia en la frontera de México y Estados Unidos”, explicó Cuarón en entrevista. La cinta mexicana es un thriller sobre un grupo de inmigrantes que cruza la frontera hacia Estados Unidos y es perseguido en el desierto por un “vigilante civil” armado. Pero ahora, con el presidente Donald Trump, vemos que la realidad está superando a la ficción y la siembra de odio y racismo se ha expandido de forma aterradora”, expresó.

La película fue presentada en la sección Presentaciones Especiales del Festival Internacional de Cine de Toronto 2015,​ donde ganó el Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine (FIPRESCI) para Presentaciones Especiales.

La película programó su estreno el 4 de marzo de 2016 en Estados Unidos, a través de STX Entertainment.

La recaudación de la misma varió según fuentes entre los US$3 000 000 y una taquilla de $ 4.9 millones

Fue seleccionada como la película que representará a México en la categoría de Mejor película de habla no inglesa en la 89ª edición de los Premios Óscar pero no fue nominada. No obstante, fue nominada para los Premios Platino en la categoría Mejor Dirección de Sonido en el año 2017.

En los Premios Ariel obtuvo 9 nominaciones incluyendo mejor película y director. En el Festival de Sitges fue presentada en la Sección oficial largometrajes. En el Festival de La Habana ganó el Premio Coral a la Mejor película y ala mejor música original. En los Premios Fénix fue nominada a Mejor sonido .

Es de notar que la película cuenta con la participación de dos actores de la serie de televisión The Walking Dead, Jeffrey Dean Morgan que interpreta a Negan​ y Lew Temple que participó como Axel. Gael García Bernal y Marco Pérez aparecen en Amores Perros (2000).

La crítica en general valoró positivamente la película. Todd McCarthy del The Hollywood Reporter comentó que era "Un drama sobre la inmigración bien realizado y conceptualmente cuestionable (...)
La segunda película de Jonás Cuarón, minuciosamente realizada pero simplista, ofrece una reducida visión de los inmigrantes y los asuntos fronterizos"

Nikola Grozdanovic de IndieWire fue menos entusiasta al decir que "La película muestra un concepto fantásticamente sencillo que se marchita y muere bajo un innecesario sentimentalismo, un desarrollo de la trama cada vez más tedioso y un clímax que es cualquier cosa menos rápido y sin dolor"

En el Reino Unido Jordan Hoffman del The Guardian comentó que "El director Jonás Cuarón tiene algo de la habilidad de su padre Alfonso para la tensión física, pero su segunda película está limitada por una monocromática moralidad (...) "

En México Salvador Franco en Excélsior señala que "A pesar de las aparentes limitantes, Jonás y su guionista Mateo García, logran una película ágil, emocionante, cargada de suspenso y con una actuación soberbia de Gael García Bernal." Lucero Calderón también del Excélsior fue más crítico al decir que "[Su] premisa podría pasar como una más de las tantas historias de migración, si no fuera por las altas dosis de suspenso, acompañadas de cierta tensión."

Jessica Oliva en Premiere dice que "Cumple como thriller, pero es completamente unilateral y unidimensional como apunte migratorio. (...) "

Carlos Bonfil de La Jornada señala que es "Una ficción sin mayores complejidades ni sutilezas, (...) para que una cinta de género alcance el nivel del mejor cine político, nunca están de más ni la complejidad moral y psicológica de los personajes ni tampoco la sobriedad artística del realizador." Luis Tovar igualmente en La Jornada es muy duro al decir que "'Desierto' está muy lejos de ser esa bofetada nacionalista que Mediomundo ha querido ver, pues no hay relevancia extrafílmica posible cuando al filme lo afecta la mediocridad."

Ximena Urrutia en el mexicano La Razón dice que "El filme es una combinación entre suspenso y drama para terminar convirtiéndose en uno de acción. (...) Si bien la simplicidad es un acierto, también puede ir en detrimento."

Alonso Díaz de la Vega en El Universal señala que "'Desierto' no va a cambiar el destino del migrante, y tampoco creo que podría si se lo propusiera. (...) aunque 'Desierto' busca conmover a su audiencia (...) la mayor parte del metraje se concentra en el suspenso que siembra un cruel gringo." 

En España Javier Ocaña en El País dice que "La propuesta es efectiva, está rodada y montada con estilo y convicción, brío y brutal belleza. Sin embargo, en el aspecto social, incluso en el ético, Cuarón aporta apenas nada."

Francisco Marinero en El Mundo escribe que es "Un espectáculo de tensión y acción de eficacia reforzada por cierto distanciamiento (...) "

Antonio Weinrichter en ABC deja por escrito que "Jonás Cuarón parece un cineasta con futuro, a juzgar por el dominio visual que aquí demuestra. (...) como reflexión política 'Desierto' resulta demasiado abstracta. (...) "

Para Carlos Marañón en Cinemanía refleja que "Cuarón Jr. apuesta por un juego cinematográfico entre lo contemplativo y lo adrenalínico del que sale bien parado por su pertinaz interés en no cargar las suertes en ninguno de los dos extremos (...) "

Por último, pero no menos importante, Fausto Fernández de Fotogramas afirma que "Para perseguidores de parábolas políticas. Lo mejor: su abstracción genérica. Lo peor: no necesitaba explicitar tanto la metáfora social. (...) "

Por mi parte decir que esta película gustará por el fondo y por la forma. Es desde el ounto de vista formal una gran película . Comienza con un amanecer y acaba con el anochecer del segundo día. Comienza con esperanza y acaba con una enorme desilusión. Si el inicio tiene un travelling de libro, el final también. La cámara ha sido colocada en lugares con altura o sitios que permiten perspectivas claras para ver en cada momento lo que va aconteciendo. Vemos desde lejos como se aproxima el perro , vemos desde la distancia , a través, de la mira telescópica como se va produciendo esta nueva versión de lo que es una cacería humana.

En el fondo es una película en la que la acción no para ni un segundo. Los personajes no paran de correr en ningún momento. Nada se concibe desde lo estático. A esto se suma el ser un retrato realista de la realidad de muchos de los que intentan alcanzar el sueño americano y cómo éste se transforma en una pesadilla. A veces, la pesadilla está presente en las violaciones que se producen dentro de los grupos; otras, por parte de esos coyotes que mercadean con las personas. Y siempre por unas autoridades , las del país de llegada, que presenten frenar lo irrefrenable: el movimiento migratorio existe y no hay quien lo frente. El moverse para intentar mejorar forma parte de la naturaleza humano. Otra historia es debería de articularse mejor o canalizarse. Pero la película no refleja esa, refleja la violencia por parte de un demente. Como se pregunta Cuarón en alguna entrevista ¿algún demente con su discurso del habrá alcanzado la presidencia de un país?

Blindness

Siempre me ha impresionado la historia del emperador bizantino Basilio II Bulgaróctono, el asesino de búlgaros de finales del siglo X y principio del siglo X que llevó al Imperio bizantino al máximo de su poder en cinco siglos, pero con el que inició la decadencia para el Imperio. Su intención era recuperar los territorios que el Imperio bizantino había ido perdiendo a lo largo del tiempo. 

Su gran adversario, fue el zar Samuel de Bulgaria. Este territorio que había sido parcialmente conquistada por Juan I Tzimisces, pero partes del país habían logrado mantener su independencia, bajo la dirección de Samuel y sus hermanos. Los búlgaros realizaban incursiones en tierras bizantinas desde el 976 y el gobierno bizantino trató de provocar sin éxito disensiones permitiendo la fuga del emperador cautivo Boris II de Bulgaria. Fue la invasión de Tesalia y la toma de Larisa a fines de 985 por parte de Samuel lo que decidió a Basilio II a pasar a la ofensiva. 

Aprovechando un respiro de su conflicto con la nobleza, Basilio guió un Ejército de 30 000 hombres a Bulgaria decidido a tomar por sorpresa Sredets (Sofía) en 986 pero no pudo penetrar en la ciudad. Falto ya de víveres decidió regresar, cuando todavía no había sufrido demasiadas bajas; pero al retirarse el Ejército búlgaro lo alcanzó y le infligió una grave derrota en la batalla de las Puertas Trajanas en agosto de 986, lo que puso en jaque su poder y prestigio dentro del imperio. 

Cuando se desató la guerra abierta en 1002, Samuel había extendido el reino búlgaro desde el Danubio, al norte, hasta Atenas. Sus dominios se extendían desde el Adriático al mar Negro, y todos estos territorios habían sido conquistados durante los 300 años anteriores a expensas de los bizantinos. Basilio estaba ahora decidido a invertir el destino del Imperio enfrentándose en una guerra abierta contra los búlgaros en una guerra que se extendió por otros doce años, durante los cuales tanto Basilio como Samuel lograron victorias sorprendentes. 

Las fuerzas de Samuel eran considerablemente menores, pero fue capaz de evitar un enfrentamiento total mientras realizaba ataques menores sobre el ejército de Basilio en su avance por el territorio búlgaro. Samuel esperaba desgastar así a las tropas bizantinas, forzándolas a la rendición o al menos a la firma de una paz. 

Finalmente, después de que la fortaleza Baba Vida en la frontera con el Danubio hubiera soportado un asedio bizantino que se prolongó ocho meses, el 29 de julio de 1014 Basilio arrinconó al ejército búlgaro y le obligó a luchar en la Batalla de Kleidion, mientras Samuel se encontraba a varios kilómetros de allí. Basilio aplastó a los búlgaros e hizo 14 000 prisioneros: mandó cegar a 99 de cada 100 de éstos, dejando tuerto al restante para que pudiese guiar a los demás de vuelta. Aunque probablemente se trate de una exageración, este hecho le proporcionó a Basilio su sobrenombre «Bulgaróctonos» («matador de búlgaros»). 

Cuando Samuel vio volver a sus tropas cegadas, sufrió una apoplejía en el acto y falleció unos días después. Bulgaria siguió luchando durante otros cuatro años más, pero terminó sometiéndose en 1018. La victoria sobre los búlgaros y el posterior sometimiento de Serbia supuso la consecución de uno de los objetivos de Basilio: la recuperación para el Imperio de la antigua frontera del Danubio por primera vez en 400 años. 

Así, que por momentos, mientras veía la película recordaba a este cegador de hombres , aunque por momentos también he querido ver un lienzo del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo titulado La parábola de los ciegos, en la que un ciego guía a otros ciegos, lo que conlleva al desastre más absoluto. 

Que quede claro, que mientras veía la película recordaba como aparece en la portada del libro de la novela del año 1995 titulada Ensayo sobre la ceguera del Premio Nobel portugués José Saramago. No lo había leído, pero sí recordaba ese detalle . 

Sólo después de verla vi que la película se basada precisa,ente en su obra que habla de como una epidemia súbita que causa la ceguera de los habitantes de una ciudad moderna y que resulta en el colapso de la sociedad. Así que efectivamente este fue el intento de llevar al cine la obra del Nobel portugués dando lugar a esta película dramática con toques de ciencia ficción que fue dirigida por el brasileño Fernando Meirelles. 

El paulista, fundador de la compañía productora Olhar Eletrônico y la compañía productora O2 Filmes, junto con Paulo Morelli y Andrea Barata Ribeiro. Fernando Meirelles se dio a conocer tras llevar al cine la novela Cidade de Deus, de Paulo Lins, estrenada en Brasil en 2002, que fue enviada ese mismo año al Festival de Cine de Cannes. 

Después del estreno internacional, se decidió enviar al filme Cidade de Deus como representante brasileño en el concurso por los premios Oscar en 2004. La siguiente película, El jardinero fiel le otorgó el Oscar de Mejor Actriz Secundaria a Rachel Weisz. Una y otra le dieron la ocasión de realizar la película Blindness , basada en la obra de José Saramago, cuyo guión apareció en la lista negra de 2007; una lista de los guiones sin hacer más deseados del año, y fue estrenada en septiembre del 2008 y en la que el paulista apostó por un elenco internacional. Fue uno de los productores de la película Niv Fichman, junto con la habitual Andrea Barata Ribeiro y Sonoko Sakai, quien explicó la intención del director del filme: «[Meirelles] estaba inspirado en la obra maestra de Saramago de crear un microcosmos del mundo. Deseaba que el filme tuviera un reparto que representara a toda la humanidad». 

Para la misma contó con una inversión de 25 millones de dólares aportados por Rhombus Media, O2 Pictures, Bee Vine Pictures,Alliance, Ancine, Asmik Ace Entertainment, BNDES, Cinema Investment, Corus Entertainment, Fox Filmes do Brasil, GAGÁ, Movie Central Network y Téléfilm Canadá , recuperados parcialmente con una taquilla que alcanzó los $ 19.8 millones tras la distribución de Rhombus Media y Miramax Films. 

Para llevar la obra de José Saramago a la gran pantalla se basó en un guión de Don McKellar, así como un equipo técnico de su país integrado por la musica de Marco Antonio Guimarães, la fotografía de César Charlone y el montaje de Daniel Rezende. 

El elenco está encabezado por Julianne Moore como la esposa del doctor, Mark Ruffalo como el Doctor, Gael García Bernal como el camarero, Danny Glover como el narrador, Yusuke Iseya como primer ciego, Yoshino Kimura como la esposa del hombre ciego, Alice Braga como mujer con gafas oscuras y curiosamente el guionista, Don McKellar, como en Yi Yi, como uno de los actores concretamente el ladrón. Junto a ellos están presentes la televisiva Sandra Oh como Ministra de Salud, Mitchell Nye como el niño, Susan Coyne como la recepcionista, Martha Burns como la mujer con insomnio, Maury Chaykin como el malvado contador y Joe Pingue como el taxista. 

La película comienza cuando un joven de origen japonés (Yusuke Iseya) que se desplaza con su coche se queda parado en la vía cuando se queda  a ciegas en su automóvil  en un cruce y luego se le acercan unas pocas personas, y uno de ellos (Don McKellar) se ofrece a llevarlo a su casa. Tras dejarlo cerca, le roba su automóvil. 

Al poco llega su mujer (Yoshino Kimura) y el hombre ciego describe su repentina aflicción como una extensión de deslumbrante blanco, así que la esposa  lo lleva a un oftalmólogo local (Mark Ruffalo) que, después de examinar los ojos del hombre, no puede identificar nada incorrecto y recomienda una evaluación adicional en un hospital. 

Entre los pacientes del médico hay un anciano con un parche negro en el ojo (Danny Glover), una mujer con gafas oscuras (Alice Braga) y un niño pequeño (Mitchell Nye). 

Tras esto el doctor regresa a su casa y durante una cena con su esposa (Julianne Moore), el médico analiza el extraño caso. La mujer parece no hacerle mucho caso, sino que prefiere centrarse en el tiramisú. Tras disfrutar de la cena, ella se marcha a la cama, mientras su marido se queda trabajando. Él le pide que le llame antes. Al levantarse el Doctor descubre que se ha quedado ciego. 

Por su parte, la mujer con gafas oscuras, que se revela como una prostituta, se convierte en la tercera víctima de la extraña ceguera después de una cita con un cliente  en un hotel. Poco después descubrimos que cae el ladrón y el niño.

Alrededor de la ciudad, más ciudadanos quedan ciegos, lo que causa pánico generalizado, y el gobierno organiza una cuarentena para ciegos en un asilo o prisión abandonado. 

Cuando un equipo de evacuación y aislamiento se persona en la casa del médico para ingresarlo, su esposa se sube a la furgoneta y le dice que se ha quedado ciega para poder acompañarlo. 

En el asilo, el médico y su esposa son los primeros en llegar y ambos están de acuerdo en que mantendrán su vista en secreto. Pocos después llegan otros y otras , entre ellos la mujer con gafas oscuras, el hombre japonés, el ladrón de autos, el hombre de color mayor con parche y el niño. Ellos se encuentran sólos y desamparados, pero son recibidos por la mujer del Doctor y éste que los tranquiliza. Les informa que están en el módulo 3. 

Poco  después llega otra partida, así como muchos más. En el módulo 3 son ingresados algunos personajes que hemos visto tangencialmente, entre ellos la mujer del japonés y primer afectado.  Allí vemos como malviven. No tienen a nadie que los guíe , salvo a la mujer del Doctor,  la única persona inmune a la epidemia de ceguera y que poco a poco se siente aislada al ser la única con vista. Pero, da igual, descubren las malas intenciones de los militares que los custodian, que no tienen reparos en dispararles, la suciedad que lo invade todo - no hay equipo de limpieza- , las escasas raciones de comida y las tensiones entre módulos.

Un día la esposa del doctor descubre que el anciano con el parche en el ojo tiene una radio y que , parece ser, es la únicapersona que tiene  una información global de lo que ha pasado. El señor describe la situación del mundo exterior y como la ceguera repentina, conocida como la "enfermedad blanca", ahora es internacional, con cientos de casos reportados todos los días. El gobierno cada vez más totalitario recurre a medidas cada vez más despiadadas para tratar de detener la epidemia, rechazando la ayuda o las medicinas enfermas. A medida que más personas ciegas se apiñan en la prisión, la sobrepoblación y la falta de apoyo externo hacen que las condiciones de higiene y de vida se degraden. Pronto, las paredes y los pisos están cubiertos de suciedad y heces humanas. La desesperación hace que las dos parejas que hay en el módulo se fracturan momentáneamente, ya que el Doctor tiene una relación con la chica de las gafas oscuras, y la pareja japonesa, que está a punto de romper. 

La ansiedad sobre la disponibilidad de alimentos socava la moral y la falta de organización impide la distribución equitativa de los alimentos. Los soldados que protegen el asilo se vuelven hostiles. Las misma presidenta o ministra que había tomado la decisión de recluir a los ciegos ( Sandra Oh) anuncia al mundo que se ha quedado ciega. 

Las condiciones de vida degeneran aún más cuando una camarilla de hombres de una sala contigua a la de los protagonistas se postulan como los reyes de la comunidad. Uno de ellos (Gael García Bernal) armados con una pistola se declara a sí mismo como el rey de barrio, y toma el control de las entregas de alimentos que cada vez son menores. 

Las raciones se distribuyen solo a cambio de los objetos de valor de los otros pabellones, como el de los protagonistas, pero tras la primera entrega , exigen ese grupo tener relaciones sexuales con las mujeres de los otros pabellones. 

Del pabellón del Doctor sale un grupo de 8 mujeres, entre ellas la mujer del médico, una chica rubia, la prostituta y la chica japonesa. Pero una de las mujeres es golpeada hasta la muerte por el hombre que tuvo sexo forzado con ella, la esposa del médico ya tuvo suficiente y luego , con la siguiente convocatoria, mata al rey con unas tijeras en el cuello. Su muerte inicia una confrontación de guerra caótica entre las salas, que culmina con el asalto a la sala del grupo del rey y luego la mayor parte del edificio se quema y algunos internos mueren quemados. 

Los supervivientes , encabezados por la única que ve, la mujer del doctor, descubre que los guardias han abandonado sus puestos y que son libres de aventurarse en la ciudad. 

Al salir ella lleva al grupo con el que ha convivido. Descubren todos que la sociedad ha degenerado ya que toda la población está ciega en medio de una ciudad devastada e invadida por inmundicias y cadáveres. 

La esposa del doctor guía a su esposo y a otras personas de su barrio en busca de comida y refugio. El médico y su esposa se desplazan en busca de ropa y de comida, ambos llegan a un supermercado lleno de personas ciegas que tropiezan. Ella con capacidad de ver encuentra comida en el almacén de un sótano. Mientras se prepara para irse con bolsas llena de comida y encontrarse con su marido afuera, pero es atacada por las personas ciegas hambrientas que huelen la comida que lleva. 

Su esposo, ahora acostumbrado a su ceguera, la salva y se las arreglan para regresar con sus amigos. El médico y su esposa deciden llevar al grupo, como su nueva "familia" , y hacen su camino de regreso a la casa del médico, donde establecen un hogar permanente de apoyo mutuo. Tienen una mesa relajada y amigable entre el grupo. 

Al día siguiente, mientras la mujer del Doctor le pone la leche y tan repentinamente como se había perdido su vista, el japonés recuperó la vista. Todos los amigos lo celebran, pero la esposa del doctor se destaca en el porche, mirando hacia un cielo encapotado blanco y parece estar quedándose ciegoa hasta que la cámara se desplaza hacia abajo, revelando que ve el torturado paisaje urbano, acabando así la película. 

Comentar que el Nobel portugués que residía en Lanzarote , José Saramago, originalmente se negó a vender los derechos de su novela "Ensayo sobre la ceguera" publicada en el año 1995 para una adaptación cinematográfica en reiteradas ocasiones. Saramago había expresado, «Yo siempre me he resistido porque es un libro violento sobre la degradación social, la violación, y porque no quería que caiga en las manos equivocadas».

A pesar de esto, el director Fernando Meirelles deseaba realizar la adaptación de esta novela al cine, porque percibía que « [...] es una alegoría sobre la fragilidad de la civilización». En un principio, Saramago declinó vender los derechos de adaptación de la novela al cine a Meirelles, a Whoopi Goldberg y a Gael García Bernal.

Por esta razón, el autor de la novela recibió en 1999 la visita en la isla en la que está en Parque Nacional de Timanfaya  del productor Niv Finchman y el guionista canadiense Don McKellar. Saramago permitió su visita con la condición de que no discutieran la compra de los derechos. McKellar explicó los cambios que pensaba hacer de la novela y cuál sería el enfoque, y dos días después él y Fichman abandonaron el hogar de Saramago con los derechos conseguidos. Una de las condiciones impuesta por el escritor fue que el escenario de la película se realizara en un país que no fue  reconocible para la audiencia , pero los productores pudieron adquirirla con la condición de que la película se ambientara en una ciudad no identificada e irreconocible​ y que se empleara un perro grande como el descrito en la novela,que fuese ahora otro perro , un FoxTerrier de grandes dimensiones. 

Al principio, Meirelles imaginó que dirigiría la película en idioma portugués, siguiendo el lenguaje propio de la novela, pero al final decidió realizar el filme en inglés porque pensó, «Sí lo haces en inglés lo puedes vender al mundo entero y puedes tener una mayor audiencia».

Además, uno de los cambios intencionales del director fue establecer la película en un escenario contemporáneo, opuesto al contexto original en el que se desarrolla la novela, y que Meirelles estimó que se sugiere en los años 60 o después, ya que en uno de sus pasajes un grupo de personas descubren por accidente un almacén equipado con electrodomésticos modernos como hornos microondas, lavadora de platos, etc. 

A pesar de todo, Meirelles decidió ambientar el filme en el siglo XXI, para que los espectadores puedan identificarse a los personajes y buscó un enfoque alegórico distinto.

Meirelles describió que la novela era «muy alegórica, como una fantasía fuera del espacio, fuera del mundo», una  distopía, y que él al contrario prefirió tomar una dirección naturalista para comprometer a la audiencia y realizar una película menos «fría». 

Don McKellar , aquí también actor, dijo sobre la adaptación de la historia: "Ninguno de los personajes tiene nombres ni historia, lo cual es muy poco tradicional para una historia de Hollywood . 

La película, al igual que la novela, aborda directamente la vista y el punto de vista y te pide que veas cosas de una perspectiva diferente." McKellar escribió el guión para que el público pudiera ver el mundo a través de los ojos de la protagonista, la esposa del médico. Buscó hacerles cuestionar la humanidad de cómo ella observa, pero no actúa en varias situaciones, incluida una escena de violación y consultó a Saramago sobre por qué la esposa tardó tanto en actuar. McKellar señaló: "Dijo que se dio cuenta de la responsabilidad que implica ver gradualmente, primero a sí misma, luego a su marido, luego a su pequeña familia, luego a su barrio y finalmente al mundo donde tiene que crear una nueva civilización " El guionista escribió las "acciones y circunstancias" que le permitirían a la esposa encontrar su responsabilidad. 

Mientras que el guión completo era en su mayoría fiel a la novela, McKellar pasó por varios borradores que no lo fueron. Uno de ellos lo vio alejarse de la novela creando nombres y historias para todos los personajes. Otro cambió significativamente la cronología. Sólo después de estos intentos fallidos McKellar decidió cortar las historias de fondo y centrarse principalmente en el médico y su esposa. Intentó reconectarse con lo que originalmente lo llevó a la novela: lo que él llamó su "simplicidad existencial ". La novela define sus personajes poco más que sus acciones actuales; hacer lo mismo para la adaptación se convirtió en "un ejercicio interesante" para McKellar. 

Para integrarse en la ceguera, McKellar asistió a un campamento de verano para ciegos como parte de su investigación. Quería observar cómo las personas ciegas interactuaban en grupos. Descubrió que el diálogo expositivo excesivo, generalmente desaprobado por los escritores, era esencial para los grupos. McKellar cortó una de las últimas ideas de la novela en su guión: "No creo que hayamos quedado ciegos, creo que estamos ciegos. Ciegos pero que vemos. Personas ciegas que pueden ver, pero que no ven". 

McKellar creía que los televidentes ya habrían captado el simbolismo y no querían que el guión pareciera ser torpe. También suavizó las señales visuales en su guión, como la "brillante blancura lechosa" de la ceguera descrita en la novela. McKellar sabía que quería un director estilísticamente experto y no quería ser demasiado preceptivo, prefiriendo solo insinuar un enfoque.

El productor Fichman para septiembre del año 2006, ya había elegido a Fernando Meirelles  como director del filme y explicó la intención de Meirelles: "Se inspiró en la gran obra maestra [de Saramago] para crear un microcosmos del mundo. Quería que se presentara de manera que representara a toda la humanidad".  La productora asignó un presupuesto  de 25 millones de dólares, y la producción fue realizada por compañía  canadienses y brasileñas.

Meirelles ha reconocido el reto de realizar una película que simula la experiencia de la ceguera al público, y explicó, «Cuando uno hace una película, todo está relacionado con un punto de vista, la visión. Cuando tienes dos personajes en un diálogo, la emoción es expresada mediante la forma en que se miran las personas, a través de los ojos. Especialmente cuando uno corta las escenas y edita. Usualmente se corta la escena cuando alguien alza la mirada. El cine es sobre puntos visuales, y en esta película no hay».

De igual forma que en el libro, la ceguera en el filme sirve como una metáfora para el lado oscuro de la naturaleza humana, prejuicio, envidia violencia e indiferencia.

Después comenzó el casting. ​ Meirelles dijo que varios actores con los que habló estaban intimidados por el concepto de interpretar personajes sin nombres: "Les ofrecí la película a algunos actores que dijeron: 'No puedo interpretar a un personaje sin nombre, sin historia, sin pasado. 

Unas de las primeras elegidas fue Julianne Moore como la esposa del doctor quien  Moore describió la responsabilidad de su personaje: "Su mayor preocupación al principio es simplemente su marido. Pero su capacidad de ver al final la aísla y la convierte en una líder". El director también le dio al personaje de Moore un vestuario que combinaría con la piel del actor y el pelo rubio teñido, dándole la apariencia de un "ángel pálido". 

Mark Ruffalo como Doctor será el otro líder, aunque Meirelles intentó originalmente contratar al actor Daniel Craig como Doctor, pero las negociaciones no se finalizaron. Ruffalo dijo que su personaje pierde la ilusión de su propia perspectiva y percibe a su esposa como una persona a la que podría aspirar. Ruffalo dijo: "Es un momento muy difícil para cualquiera, tener todas sus percepciones completamente destrozadas, pero creo que el Doctor finalmente se calma con sus incapacidades y su caída, y admite admirar las fortalezas de su esposa".  El actor usaba una capa de maquillaje para parecer mayor y también usaba lentes de contacto para ser ciego mientras tenía los ojos abiertos. El actor dijo sobre la experiencia como un personaje ciego: "Al principio es aterrador y luego es frustrante y luego se calma ... estamos atormentados por nuestra vista ... no sabes esto hasta que te quedas ciego ... Como actor, de repente me sentí libre ". 

Se eligió a un veterano actor a Danny Glover como  "El hombre del parche del ojo" que entra en este nuevo mundo de ceguera cuando ya está medio ciego, así que creo que entiende dónde está dentro de su propia verdad, dentro de sí mismo. Sentí que este personaje se parecía mucho Saramago porque no tiene excusas, es quien es y acepta quién es ".  Glover explicó su participación en el papel: "Cuando eres ciego, tratas de adoptar otro tipo de sensibilidad, por lo que este papel es definitivamente un desafío desde un punto de vista físico". 

Gael García Bernal , que había intentado comprar los derechos de autor, es uno de los villanos de la película cuando se declara "Rey del pabellón 3" . Meirelles siguió el consejo del director de escena brasileño Antunes Filho y cambió el personaje de la novela haciéndolo más ambiguo, explicando: "En el libro, él es realmente un tipo malo, terriblemente malvado desde el principio ... pero pensé que era más interesante que no sea malvado, sino más bien como un niño con un arma ".  Bernal  dijo que  "Creo que el Rey es muy práctico, muy pragmático. Parece frío porque no es idealista y no ve esperanza, pero es un sobreviviente, lo mismo que todos los demás". otros." Gael (García Bernal), dijo: "Nunca pienso en el pasado. Solo pienso en lo que mi personaje quiere" ». 

Su sicario es Maury Chaykin como el contador, otro actor veterano y que hace de ciego desde su nacimiento, por lo que está mucho más acostumbrado a confiar en sus otros sentidos, lo que le da una gran ventaja sobre los otros prisioneros. 

Alice Braga como mujer con gafas oscuras.  Braga describió a su personaje como misterioso, creyendo, "Mientras se acuesta con hombres por  dinero fácil, no quería tratarla puramente como una prostituta . Empieza bastante fuerte, pero desarrolla sentimientos maternales muy fuertes. " Meirelles explicó que las gafas del personaje le daba una apariencia fría, pero a través de sus escenas con el huérfano  desarrolla su calidez.

Como personajes secundarios incluyen al guionista  Don McKellar quien había sido ya actor con anterioridad  y fue elegido como el personaje. El guionista describió al ladrón: "Me gusta el truco en el que piensas que el ladrón es un tipo malo. Es un personaje patético que primero crees que es el villano de la pieza y luego te das cuenta de que, no, ni siquiera está cerca de eso. algo encantador acerca de su desesperación porque, después de un punto, te encuentras con el Rey del Cuarto Distrito y sabes lo que es la verdadera desesperación ". 

Para papeles menores fueron elegidos Sandra Oh  , los japoneses Yusuke Iseya - quien escribió algunos de los diálogos japoneses- y Yoshino Kimura , así como Mitchell Nye , Susan Coyne , Martha Burns ,  Joe Pingue como el taxista y un habitual actor de Meirelles, Douglas Silva y Christian Duuvoort . Este actor  dirigió una serie de talleres para entrenar a los miembros del elenco. 

El reparto y equipo técnico del filme incluyó 700 extras que tuvieron que ser entrenados para simular la ceguera, enseñando a los actores extras los gestos, también les infundió los estados emocionales y psicológicos de los invidentes y Meirelles describió, «Cuando tú hablas con alguien, tú ves una reacción. Cuando tú eres ciego, la respuesta es más ilusoria»

La película también contiene alusiones visuales de algunas obras artísticas, como la pintura de Pieter Brueghel el Viejo, titulada la Parábola de los ciegos (1568).  Meirelles se fijó " desde Rembrandt a otros artistas contemporáneos. Pero es algo usado sutilmente" como las pinturas de Lucian Freud .

El rodaje de la película Blindness tuvo lugar en São Paulo comenzando a principios del mes de julio de 2007 y continúo hasta el otoño del mismo año en la ciudad de São Paulo (Brasil)- como Rua Piauí, en el Minhocão, en la Via Elevada Presidente João Goulart, Praça da Sé y Avenida Paulista - y en Toronto, en concreto, en los Toronto Film Studios,  y en Guelph (Ontario, Canadá). También se realizó en Montevideo, Uruguay. En las escenas filmadas en Montevideo, se distingue el centro histórico de la ciudad, especialmente en una escena en la que varios invidentes se agolpan desesperadamente y asaltan un supermercado.

Sin embargo, São Paulo sirvió como el principal escenario de Blindness, debido a que el director percibió que su  ciudad natal tenía todas las características necesarias. Algunas escenas también se filmaron en Osasco , en Brasil.

Hubo un preestreno de la película   en Toronto  y resultó en un diez por ciento de la audiencia, casi 50 personas, saliendo temprano de la película. Meirelles atribuyó el problema a una escena de violación que tiene lugar a mitad de la película y editó la escena para que fuera mucho más corta en el corte final. Meirelles explicó su objetivo: "Cuando filmaba y editaba estas escenas, lo hacía de una manera muy técnica, me preocupaba cómo iluminarla y demás, y perdía el sentido de su brutalidad. Algunas mujeres eran realmente se molestaron con la película, y pensé, 'Wow, tal vez cruzado una línea que no debía'. Regresé para no complacer a la audiencia, pero ellos se mantendrían involucrados hasta el final de la historia ". 

La prueba realizada en Nueva York, los resultados demostraron que la principal preocupación del público estadounidense se centraba en que la víctima que no se logra cometer en su acto de venganza. Meirelles cree que esta preocupación refleja lo que los estadounidenses han aprendido a anticipar en su cine.

Focus Features adquirió el derecho de manejar las ventas internacionales de la película, mientras Pathé adquirió los derechos del Reino Unido y Francia para distribuir la película,  y Miramax Films ganó los derechos de distribución de EE. UU. 

Blindness se estrenó como la película de apertura en el 61 ° Festival de Cine de Cannes el 14 de mayo de 2008,  donde recibió una "recepción tibia" y  "poco amables" donde fue nominado  a la Palma de Oro a la dirección 

Tras ello se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2008 como una presentación especial. 

La película también se estrenó en el Festival de Cine del Atlántico el 11 de septiembre de 2008,  y su lanzamiento comercial  en los Estados Unidos se realizó el día 12 de septiembre de 2008. 

En su idea de película de ciencia ficción fue presentada en  el Festival de Sitges donde recibió el premio al diseño de producción y el premio del público. 

En cuanto a la crítica la revista cinematográfica Variety, criticó duramente la película y, del mismo modo, las votaciones de los críticos en Cannes también fueron desfavorecedoras con un promedio de 1.3 de 4, muy por debajo de las proyectadas. Alberto Crespi de la publicación italiana L'Unità , Michel Ciment de la revista de cine francesa Positif y Dohoon Kim de la publicación de cine surcoreana Cine21 , todos dieron a la película cero puntos (de cuatro).

Por contra, la película apareció en la lista de las mejores diez películas de críticos de 2008. Bill White del Seattle Post-Intelligencer la nombró como la 5ª mejor película de 2008,  y Marc Savlov de The Austin Chronicle la llamó la octava mejor película de 2008. 

Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter describió la ceguera como un "cine provocativo pero predecible", sorprendente pero que no sorprende. Honeycutt criticó los dos puntos de vista de la película: el personaje de Julianne Moore, el único que puede ver, es lento para actuar contra las atrocidades, y el comportamiento del personaje de Danny Glover es "ligeramente pomposo". Honeycutt explicó: "Esta frialdad filosófica es lo que más debilita la respuesta emocional a la película de Meirelles. Sus cálculos ficticios son todos muy precisos y un tono de seriedad mortal inunda la sombría acción". 

Para Justin Chang de Variety   "La ceguera emerge en la pantalla tanto descuidada como desmotivada, tocando escrupulosamente los latidos de la novela pero apenas aproximándose, por así decirlo, a su visión". Chang pensó que Julianne Moore dio una gran actuación, pero no sintió que la película capturara el impacto de la novela de Saramago. 

Roger Ebert dijo de Blindness que es "una de las películas más desagradables, por no decir insoportables, que haya visto". (...) Mis ojos, oídos y paciencia fueron asaltados. (...)". 

A. O. Scott de The New York Times declaró que, aunque "no es una gran película, , principalmente porque no puede trascender la endeblez intelectual de su fuente. Está , sin embargo, llena de ejemplos de cómo se ve un buen cine". 

Stephen Garrett de Esquire felicitó el estilo poco convencional de Meirelles: "Meirelles [honra] el material mediante el uso de composiciones de cámara elegantes e ingeniosas, un diseño de sonido cautivador y hábiles toques de efectos digitales para acentuar la autenticidad de su paisaje catastrófico". A pesar de los elogios, Garrett escribió que el talento de Meirelles al retratar la injusticia de la vida real en Ciudad de Dios y otras películas no le convenía por dirigir la "realidad realzada" de  Saramago. 

Según,  Peter Bradshaw  en  The Guardian lo tildó de  "una adaptación inteligente, firmemente construida y supremamente segura": "Meirelles, junto con el guionista Don McKellar y el director de fotografía Cesar Charlone, han creado una película elegante, cautivadora y visualmente excepcional. Responde a las notas de la novela de apocalipsis y distopía, y su revelación de un desierto espiritual dentro de la ciudad moderna, pero también a sus cualidades persistentes de fábula, paradoja e incluso capricho ".  "La ceguera es un drama hermético a la batería, con imágenes magníficas, alucinatorias, de colapso urbano. Tiene un verdadero espiral de horror en su centro, pero se aligera con gentileza y humor. Me recordó a la Noche de George A Romero . The Living Dead , y el juego de teatro absurdo de Peter Shaffer, Black Comedy . Es audaz, magistral, la realización de películas ". 

Para  Wesley Morris, del Boston Globe , quien elogió a la actriz principal: "Julianne Moore es una estrella en estos tiempos terribles. Ella tiende a estar en su mejor momento cuando el mundo está en su peor momento. Y las cosas son bastante malas en" Ceguera ", una perversamente agradable, ocasionalmente desgarradora adaptación de la alegoría del desastre de José Saramago en 1995. [...] "Ceguera" es una película cuyo sentido de crisis se siente justo a tiempo, incluso si el final feliz se siente como un rescate emocional gratuito. Meirelles asegura que la obviedad del simbolismo (¡en la aldea global, los ciegos necesitan guía!) no niega el poder de la historia, ni el poder de la actuación de Moore. Mientras más deshumanizantes se vuelven, más feroz se vuelve ".

Para  Claudia Puig en USA Today destaca que es "Una idea brillante que parece carecer de la visión para ser grande. (...) comienza con una poderosa y desconcertante sensación de aprehensión. (...) " 

Entiende   Mick LaSalle en el San Francisco Chronicle  que "Es, a ratos, casi insoportablemente fea, pero cuando sales del cine sabes que has visto algo notable." 

En España Carlos Boyero en El País destaca que la película es "Perturbadora (…) Es una película extraña, enfermiza, con atmósfera, con algo atractivo." En este mismo diario, Jordi Costa , sostiene que "Meirelles se entrega en un nuevo ejercicio de estilo (...) El resultado puede resultar excesivo, puede gustar o no, pero es cine puro y no traiciona sus fuentes." 

Para  Oti Rodríguez Marchante  en el  ABC concluyendo que "Una película excelente (…) la historia produce enorme angustia y turbación" 

Para  Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia "Meirelles parece haberse quedado en la epidermis del inquietante tema político que subyace en la novela de Saramago, aunque la película tenga momentos de notoria brillantez visual y unos actores convincentes" 

En El Mundo  Luis Martínez comenta que  "El 'Ensayo sobre la ceguera', a tientas. (...) fallida película (...) Una voz en 'off' se empeña en susurrar y subrayar cada imagen, cada metáfora." 

La película fue fuertemente criticada por varias organizaciones que representan a la comunidad de ciegos. El Dr. Marc Maurer , presidente de la Federación Nacional de Ciegos , dijo: "La Federación Nacional de Ciegos condena y deplora esta película, que hará un daño sustancial a los ciegos de Estados Unidos y el mundo". 

Un comunicado de prensa del Consejo Estadounidense de Ciegos dijo "... es bastante obvio por qué las personas ciegas se indignarían por esta película. Las personas ciegas no se comportan como criaturas  incivilizadas".  La Federación Nacional de Ciegos anunció planes para piquetes en al menos 21 estados, en la mayor protesta en los 68 años de historia de la organización. 

Por su parte, José Saramago describió su novela como una representación alegórica de "una ceguera de la racionalidad" y desestimó las protestas, afirmando que "la estupidez no elige entre ciegos y no ciegos". 

José Saramago vio la película junto con Fernando Meirelles, ya que Saramago , aunque quería asistir al estreno de la película en el Festival de Cine de Cannes, sus médicos no le permitieron viajar, por lo que Fernando Meirelles voló a Lisboa, para mostrarle la película. Cuando la película terminó, Saramago estaba llorando. Se volvió hacia Fernando Meirelles y dijo: "Fernando, estoy tan feliz de haber visto esta película como lo estuve el día que terminé el libro". 

La película resulta interesante dado el tema y el temor que tiene toda persona a la pérdida de la visión. Se confirma , por supuesto, la idea de qué no hay más ciego que aquel que no quiere ver. Pero resulta interesante saber como la condición humana nos puede transformar en un momento cuando cambias las condiciones de vida. Bueno, esto ya lo he comentado en The Walkind Dead, cuando una epidemia lo asola todo y la primero que asola es la humanidad,  pero eso ya no es nada nuevo ¿ no ? . La  película es interesante.