Indiana Jones y el Reino de la calavera de Cristal

Una pena que la cuarta entrega de Indiana Jones- Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull- no sea como la quinta. La cuarta entrega fuí averla al cine y fue una gran decepción. De hecho puede ser lo más floja que haya rodado Spielberg en muchos años. Esta cuarta entrega es del año 2008 y contaba además de Harrison Ford con Cate Blanchett, Shea LaBeouf y Ray Winstone. 

La vi en su estreno aquel año y no la ha vuelto a ver, es decir, le he dado el tiempo necesario para que la película se asentara en mi mente y en la pantalla, incluso adquiriera algún rasgo nuevo distinto o diferencial al que había visto, pero no. Estos dieciseis años no han aportado nada a la película. Me ha parecido tan absurda como cuando la pude ver en el cine y , evidentemente fue una garn decepción.

La película se hizo bastantes años después - 19 años después - de la última producción protagonizada por el rey de la aventura. Con ella Indiana Jones regresaba a la pantalla tras la última cruzada que fue la tercera entrega de la franquicia de Spielberg. Se había pactado esta cuarta entrega - es más, originalmente, el acuerdo firmado por Paramount Pictures y Spielberg planteaba la adaptación de 5 películas acerca de las aventuras de Indiana Jones - pero la diferencias entre el director y el protagonista Harrison Ford no estaban de acuerdo con el elemento argumental del cráneo de cristal, y la aplazaron indefinidamente.

A inicios de 2000, el interés en la misma fue retomado con la participación de Jeb Stuart, Jeffrey Boam, M. Night Shyamalan, Frank Darabont y Jeff Nathanson en la redacción de un guion, basado en el argumento concebido por Lucas. 

En 2006, el guion de David Koepp fue aprobado por Lucas, Spielberg y Ford. Finalmente, la adaptación de Koepp terminada a finales de 2006 contaría igualmente con Frank Marshall —productor de la película— que comentó que sentía una gran relación entre el guion de la tercera película y el guion de Koepp. 

Finalmente, la idea de George Lucas fue plasmada en forma de guión por David Koepp, que ya había trabajado con él en películas como parque Jurásico o Men in Black y sigue la fórmula que tanto éxito le dio en los años 80; acción sin efectos especiales generados por ordenador.

El 18 de junio de 2007 comenzó el rodaje en Deming, Nuevo México, en donde fueron filmadas las escenas alusivas a Marruecos en la película. 

El rodaje continuó en la Universidad Yale —utilizada para representar a la Universidad Marshall, en donde Jones es profesor de arqueología—, ubicada en New Haven, Connecticut, pasando luego a Hawái, en donde fue filmada una parte considerable de las escenas de la película. En este lugar, fueron filmadas las escenas de las selvas de Perú, las cuales habían permanecido en confidencialidad durante la estancia del equipo realizador en la isla. 

Tres semanas después, el equipo regresó a Estados Unidos para rodar nuevas escenas en los estudios de grabación de Downey, Sony, Warner Bros, Paramount Pictures y Universal Studios; todos ellos ubicados en Los Ángeles, California. 

Después de filmar esas escenas, la producción fue trasladada a Fresno, California, para filmar las últimas escenas alusivas al Aeropuerto Internacional de la ciudad de México. El rodaje de esta cuarta entrega de Indiana Jones concluyó a finales de febrero de 2008. 

Con el fin de mantener la continuidad estética con las anteriores películas, Spielberg y Lucas decidieron no incluir efectos digitales generados por ordenador con tal de seguir el estilo artístico de rodaje utilizado en las antecesoras. 

La película contó con la música de John Williams que empezó la composición de la partitura en octubre del 2007. La orquestación de ésta duró diez días de sesiones en los Sony Picture Studios. 

El estreno mundial de la cinta tuvo lugar en el Festival de Cannes, la primera película dirigida por Steven Spielberg desde E.T., el extraterrestre en ser estrenada en este Festival. y se convirtió en la película más taquillera de las salas.

La película se desarrolla principalmente en 1957, y en pleno desierto de Nevada, cuando un grupo de soldados aparentemente norteamericanos van a un área reservada del Ejército. Cuando llegan a la puerta del mismo son intersectados por la Policía Militar que les impide el acceso a la zona. Sin embargo, un  militar de los recién llegados dispara y acaba con el freno, avanzando hacia el interior que no es otro espacio que el Área 51.

Mientras todo esto, vemos que el Doctor Jones está ejerciendo la docencia en la Universidad de Yale, impartiendo clase de arqueología. Mientras da clase recibe la visita del Decano de la Facultad de Arqueología, Charles Stanforth (Jim Broadbent) que está recibiendo presiones por la administración en esta locura que es la caza de brujas comunistas. Charles le informa que ha de dejar el trabajo, de la misma manera que él , como queja, ha presentado su dimisión.

La presión de los agentes soviéticos lo hace ir , junto a otro arqueólogo amigo George «Mac» McHale (Ray Winstone) en contra de su voluntad al área 51.   Allí está la doctora en parapsicología y coronel soviética Irina Spalko (Cate Blanchett)-. Ella obliga a Indiana nada más llegar a  Nevada intentar identificar dentro de un inmenso almacén del Área 51a encontrar unos restos que tienen que ser de la tumba del extraterrestre caído en Roswell. Está exactamente donde se encuentra almacenada el Arca de la Alianza (que es vista un breve momento cuando se rompe la caja que la contiene) está también la tumba que, efectivamente, contiene el cuerpo del alienígena. 

Indy intenta escapar, pero es traicionado por su antiguo amigo y compañero Mac (Ray Winstone) y debe huir en un turborreactor, que le lleva hasta un pequeño pueblo donde se están haciendo pruebas nucleares. Evidentemente la prueba nuclear tiene lugar y , sin casi tiempo, Indiana se mete en el interior de un frigorífico y logra salvar la vida. 

Tras esto, Indi descubre que lo están siguiendo , aunque escapa del acoso de los perseguidores. No obstante, recibe el apoyo de un chico que va en moto y que le pide ayuda pues está buscando a su madre, así como la persona que ha ejercido como padre y abuelo hasta el momento, un viejo amigo de Indi, el Doctor Harold Oxley, que lleva desaparecido un tiempo en Sudamérica. El chico de nombre Mutt (Shea Labeoeuf) le pide ayuda. Nos enteramos que el profesor Oxley es un veterano arqueólogo obsesionado desde hace años con la expedición de Orellana al Dorado. Mutt (Shia LaBeouf), es quien le pide ayuda para encontrar a un antiguo amigo de Indiana llamado Harold Oxley (John Hurt), desaparecido en plena búsqueda del cráneo de cristal en Nazca (Perú). 

Una vez en Sudamérica, Indiana y Mutt descubren que Oxley había estado encerrado en un manicomio un tiempo. En el suelo de la habitación que él ha ocupado, encuentran una serie de pistas que les llevan hasta la tumba del conquistador Francisco de Orellana, desaparecido en 1546 mientras buscaba El Dorado. 

Tras encontrar la tumba, encuentran también un cráneo de cristal en ella. Y ellos son encontrados por los soviéticos, quienes secuestran a Indiana y a Mutt y les llevan hasta un campamento. Allí coinciden con otros rehenes: el antiguo amor de Indiana Jones, Marion Ravenwood (Karen Allen) y madre de Mutt, y Oxley. 

Los soviéticos les explican que creen que el cráneo tiene un origen extraterrestre y que posee poderes psíquicos muy útiles para ganar la Guerra Fría. Y Marion cuenta que el padre de Mutt es Indiana. Indy, Mutt, Marion y Oxley emprenden la huida del campamento para encontrar el Templo de El Dorado y devolver el cráneo a su correspondiente sitio. 

A pesar de haber escapado de sus captores, Mac continúa siguiendo a Indy y sus acompañantes. Con el fin de evitar enfrentarse solo, confiesa ser un agente doble, que trabaja contra los soviéticos haciéndose pasar por un aliado suyo. Lo anterior le permite ganar la confianza de Indy, quien finalmente accede a unirse con él. 

Al entrar en el templo, Jones utiliza el cráneo para abrir una puerta que conduce a una habitación maya, la cual contiene trece esqueletos de cristal. Sin embargo, uno de ellos no posee su respectivo cráneo. Cuando los soviéticos llegan, Indy es acorralado por Mac (quien le confirma que le ha mentido), y la tropa soviética de Spalko. 

Tras arrebatarle el cráneo a Indy, Spalko procede a colocarlo en el esqueleto. Al hacerlo, este último comienza a hablar, a través de Oxley, utilizando un antiguo dialecto maya. Jones lo traduce en el sentido de que los extraterrestres quieren darles un gran obsequio. Emocionada al respecto, Spalko expresa su deseo de obtener todo el conocimiento de la humanidad, así que los cráneos comienzan a "disparar" el razonamiento por medio de sus ojos. 

En medio de la escena, aparece un portal a una dimensión paralela. Oxley, quien ha recuperado su cordura, explica que los extraterrestres son realmente seres inter-dimensionales que brindaron a los mayas su avanzada tecnología. Debido a lo peligrosa de la situación (sobre la base de la aparición del portal), Indy, Mutt, Marion y Oxley escapan del templo, mientras que Mac queda atrapado en el portal. 

Al final, los esqueletos forman un solo extraterrestre que traslada el conocimiento íntegro a la cabeza de Spalko, quien muere por la sobrecarga de información. Después de ello, el templo se derrumba y un OVNI emerge de los escombros desapareciendo en una explosión de luz. 

Cuando Indy pregunta si se fueron al espacio exterior, Oxley contesta que en realidad se fueron al espacio entre los espacios, , al metaespacio, afirmando que los extraterrestres, o al menos la raza con esqueletos de cristal (y en consecuencia los de Roswell), eran en realidad seres de otra dimensión. 

Al final, Jones vuelve a la Universidad Marshall, en donde recibe el nombramiento de Decano de la Facultad de Arqueología, y contrae matrimonio con Marion ante los ojos de su hijo que no es otro que Henry "Mutt Williams" Jones III  y de dos veteranos amigos, el viejo decano Charles Stanforth y Oxley definitivamente recuperado. Cuando parece que el nuevo Indi pudiera ser Mutt, descubrimos que no, que el sombrero es recuperado por nuestro veterano Indiana Jones, acabando así la película. 

La película recaudó 317 millones de dólares en USA (más de 100 millones de dólares durante su primer fin de semana), la 3ª más taquillera del 2008 tras "The Dark Knight" y "Iron Man". 

Harrison Ford con tal de prepararse para su retorno como Indiana Jones, a los 64 años de edad, Harrison Ford estuvo hasta tres horas diarias en un gimnasio y se sometió a una dieta alimenticia, basada en el consumo de un alto contenido de proteínas. Durante el rodaje, decidió realizar la mayor parte de las acrobacias del personaje. Respecto a ello, mencionó: —El principal recurso de Indiana Jones no es su juventud, sino su imaginación e ingenio. Tal vez su físico constituye parte indispensable, sobre todo por su agilidad para salir de situaciones en las que se ve involucrado. Sin embargo, los golpes y las caídas de personas desde lugares elevados no lo son todo en una película de aventuras. 

En el caso de Shea Labeouf , el productor, Frank Marshall dijo que este personaje añade el humor necesario para el desarrollo de la historia, principalmente por su arrogancia juvenil contrastante a la del viejo y sabio Indy. Al momento de ser elegido para participar en la nueva película de Indiana Jones, LaBeouf se emocionó tanto que firmó sin enterarse de cuál personaje le había sido asignado. Antes de comenzar la producción, engordó 15 kilos de peso para su personaje, y vio las películas previas de la saga.

Por su parte, la malvada coronel soviética, representada por Cate Blanchett siempre había querido interpretar al antagonista principal de alguna película, por lo que Spielberg la eligió para ser la villana de la nueva película de Indiana Jones. 

Spielberg invitó a Karen Allen, a principios de 2007, para participar con su personaje, y por último, fue el otro actor de peso, junto a John Hurt, fue  Ray Winstone que interpreta a un personaje ambivalente que mantiene una doble personalidad dentro del argumento: como aliado de Indiana, así como su rival, resultó de una combinación entre los personajes de Sallah y René Belloq —amigo y enemigo de Indiana Jones, respectivamente, en la primera película de la serie—. De acuerdo a las declaraciones de Winstone, Mac trabajó con Indy, durante la Segunda Guerra Mundial, en la AFI. Durante esa época, existía la sospecha de un posible espionaje encabezado por Rusia en el gobierno británico. 

Cuando se estrenó parte de la crítica alabó y criticó a partes iguales. Entre los que la elogiaron destaca la crónica de Roger Ebert, el crítico de Chicago Sun Times y de rogerebert.com dijo que "'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal'. Dilo en alto. Sólo el título ya te acelera el corazón (...) Si te gustaron las otras, te gustará esta (...). 

Para Claudia Puig en las páginas de USA Today escribió que "Jones tiene más canas, pero sus ingeniosas bromas siguen intactas (...) Incluso con sus extensos diálogos, es difícil no entretenerse con esta aventura (...). 

Por contra, Kirk Honeycutt en The Hollywood Reporter fue duro al decir que "La historia se empantana en un mar de acrobacias y efectos especiales que son tan incesantes como las escenas, y con tan poco encanto como la relación entre los personajes."

Para Todd McCarthy en las páginas de Variety sostuvo que "19 años después de su última aventura, el director Spielberg y la estrella Ford no tienen problemas en volver en plena forma con una historia y un estilo que se basa en mantener aquello que ha hecho la serie tan eternamente popular." 

Menos sentida fue por Manohla Dargis quien en The New York Times describió la película como algo en la que "Hay mucha energía frenética aquí, también mucho ruido y dinero, pero lo que falta es algo de redescubrimiento, lo que necesita un cineasta cuando utiliza una vieja fórmula o un patrón genérico." 

Richard Corliss, por su parte, en Time, comentó que "Tiene algunas escenas que parecen ejercicios de estiramiento de un hogar para el jubilado, tiene partes tontas e incluso el título parece demasiado largo. Pero una vez que arranca, 'Crystal Skull' ofrece un entretenimiento inteligente, sólido y para toda la familia." 

Scott Tobias en AV Club sñala que "El mayor problema de 'Crystal Skull' es el que últimamente plaga los excelentes filmes de Spielberg (...) No acaba de funcionar. Y para un entretenimiento sin mucho en su mente, eso molesta." 

Dana Stevens en Slate sostuvo que la película era "Cruda pero eficiente (...) El hábito de la película de citar venerables antigüedades de Hollywood a veces tiene el desafortunado efecto de recordar al espectador que esas películas son mejores." 

Peter Travers en la revista Rolling Stone aceptó que "La audiencia que busque relevancia emocional en 'Indy 4' está condenada al templo de la decepción. Spielberg y Lucas no están mejorando su creatividad (...) "; y en el Boston Globe, Ty Burr afirmó que era "Una divertida reunión de antiguos alumnos que es la segunda mejor entrega de la venerable serie (...) De manera inspirada y espontánea, 'Indiana Jones' mantiene el espíritu de los 80 (...) " 

En el Reino Unido, en las páginas del The Guardian, Peter Bradshaw defendió que "Parece que está hecha sin esfuerzo (...) Tiene momentos interesantes y todo muestra buenas intenciones (...) " Y en las de Empire afirmó Damon Wise que era "Una película hábil y entretenida que no ha sacrificado la acción como las tres primeras (...) 

Ya en España, Carlos Boyero en El País sostuvo que era "El lujoso experimento no ha fallado. Esta divertida película es lo que pretendía ser, alcanza su objetivo con poderío y fluidez, mantiene las esencias primitivas, entretiene, hace reír (...) el divertimento está magistralmente logrado." 

Luis Martínez en las de El Mundo concluyó que "Las escenas de acción, geniales; la historia, por debajo de las anteriores."

En ABC Oti Rodríguez Marchante afirmó con un significativo "¡Chapeau! (...) un arranque agitado, un desenlace batido, y entre uno y otro un cóctel con los ingredientes previstos y precisos."

Por su parte, Lluís Bonet Mojica, en las páginas de La Vanguardia concluyó que "Aunque su desarrollo es bastante previsible (...) la película combina hábilmente el cine de acción con la autoparodia." 

Como señala en Twitter , Fausto Fernández "Topos, monos en lianas, explosiones nucleares, aliens, una súper serpiente, comunistas, una dominatrix soviética esgrimista, el Área 51... Que no, que Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Calavera de Cristal no estaba tan mal".

Como ya he señalado de toda la saga es la que menos me ha gustado. No puedo calificarla de lastre, como he leído por ahí, pero la más floja si que es. 

Fantastic Mr. Fox

Si hace nada vimos Las brujas de Roald Dahl, hoy tocaba el turno de otra de sus obras más conocidas. No, no hablamos de la novela infantil Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate o de James y el melocotón gigante, sino de una obra menos conocida pero que el director Wes Anderson hizo con ella una película de animación en stop motion, que llegó a ser nominada al oscar a la mejor película de animación y a la mejor banda sonora o al Globo de oro a la mejor película de animación en el año 2010, hablamos de Fantástico señor Fox (Fantastic Mr. Fox, 2009). 

La película fue producida por Regency Enterprises e Indian Paintbrush, junto a 20th Century Fox y en ella se implicaron los productores Allison Abbate, Scott Rudin, Wes Anderson y Jeremy Dawson, junto con Steven Rales y Arnon Milchan como productores ejecutivos, que contaron con un presupuesto de $40.000.000. Partiendo de la obra de Dahl Wes Anderson y Noah Baumbach transformaron el libro en un precioso guion que fue enriquecido por la música de Alexandre Desplat, la fotografía de Tristan Oliver y el montaje de Andrew Weisblum.

El señor y la señora Fox llevan una vida familiar idílica sobre todo tras renunciar el señor Fox a su espíritu salvaje que a inicios de la película casi le cuesta la vida al caer en una trampa. La historia comienza con el Sr. Fox, un zorro que roba las gallinas de los agricultores. Mientras asalta la granja de Berk, donde buscaba robar unos polluelos, el Sr. Fox activa una trampa para zorros que se enjaula junto con su esposa Felicity. Felicity le revela a su esposo que está embarazada y le ruega que encuentre un trabajo más seguro si escapan, y él acepta. 

Dos años humanos (12 años zorro) después, los Zorros y su hijo Ash viven en un agujero. Fox, ahora columnista de un periódico, decide comprar una nueva casa dentro de un árbol, ignorando las advertencias de su abogado, sobre el gran endeudamiento que ello supone y , en segundo lugar, por lo peligrosa que es la zona para los zorros debido a su proximidad a las instalaciones administradas por tres temidos granjeros: Boggis (un granjero de pollos), Bunce (un granjero de patos y gansos) y Bean (un granjero de pavos y manzanas). 

Poco después de que los Fox se muden, el sobrino de Felicity, Kristofferson Silverfox, viene a vivir con ellos. La razón se debe a que su padre está convaleciente. Los Fox lo admiten como uno más de la familia. Sin embargo, Ash encuentra esta situación intolerable; su primo es superior a él en casi todo, - el más alto, más guapo, menos raro, sabe kárate, hace meditación, es un deportista nato y es encantador centrando la atención de otra zorra que trabajaba en la escuela con Ash, con la que que al final Kristofferson acaba saliendo- y todos están encantados con Kristofferson. 

Anhelando sus días como ladrón, el Sr. Fox tras doce años de apacible placidez es demasiada vida bucólica para el salvaje instinto animal del señor Fox. Pronto vuelve a su viejo y furtivo hábito de robar gallinas que al hacerlo pone en peligro no solo a su amada familia sino a toda la comunidad de animales salvajes del paraje en el que habita. Para ello cuenta con su amiga Kylie, una zarigüeya, y entre los dos, tras un minucioso plan, roban en diversas jornadas productos agrícolas y aves de corral de las tres granjas durante tres noches seguidas. 

Enfurecidos, los granjeros deciden matar al Sr. Fox. Ellos acampan cerca de su casa, y cuando el Sr. Fox emerge, abren fuego pero solo logran dispararle la cola, perdiéndola en ese momento. La familia y Kilie se protegen, pero esto no frena a los empresarios. 

Después de demoler el sitio del árbol y mientras intentaban desenterrar al Sr. Fox, descubren que los Fox han cavado un túnel de escape. Como los zorros tendrán que salir a la superficie en busca de comida y agua, los granjeros esperan en la boca del túnel. 

En la clandestinidad, Felicity está molesta porque el Sr. Fox volvió a sus  hábitos de ladrón. Ahora, están atrapados bajo tierra y han implicado negativamente al resto de animales de la zona que también buscan refugio en el interior de la tierra.

Sin suficiente comida los animales forman una banda para luchar contra los malvados granjeros Boggis, Bunce y Bean , que están determinados a la captura del audaz y fantástico señor Fox a cualquier precio. 

Más tarde, el grupo se encuentra con Badger y muchos otros animales residentes locales cuyas casas también han sido destruidas por los granjeros. A medida que los animales comienzan a temer morir de hambre, el Sr. Fox los conduce a una expedición de excavación para hacer un túnel a las tres granjas y les roba a todos. No sin descubrir a una vieja conocida un rata que trabaja vigilando la fabrica de sidra. 

Tras el éxito de la operación tan audazmente diseñada deciden darse con los otros animales un festín. Mientras esto ocurre, los dos primos,  Ash y Kristofferson, comienzan a reconciliarse después de que Kristofferson defiende a Ash de un matón.Ash tiene un plan: recuperar la cola del Sr. Fox que guarda en casa uno de los empresarios, el señor Bean.

Los primos, sin saberlo en Sr. Fox, regresan a la granja de Bean, con la intención de recuperar la cola , pero Kristofferson es capturado. 

Esto ha ocurrido una vez que los  granjeros, cada vez más harto del Sr. Fox  que nuevamente ha robado sus productos, conjuntamente con el jefe de bomberos deciden inundar la red de túneles de los animales con  sidra de Bean, atrapando a los animales en las alcantarillas. Cuando se concentran los animales descubren que falta Kristofferson explicando Ash lo ocurrido. 

Al darse cuenta de que los granjeros planean usar a Kristofferson para atraerlo a una emboscada, el Sr. Fox se dirige a la superficie para rendirse, pero regresa cuando Rat, el guardia de seguridad de Bean, se enfrenta a los animales y ataca a Ash y Felicity. Una pelea entre el Sr. Fox y Rat da como resultado que este último sea empujado a un generador, electrocutándolo. Antes de morir, Rat, que siempre estuvo enamorado de la Sra. Fox, revela la ubicación de Kristofferson. 

El Sr. Fox les pide a los granjeros una reunión en la ciudad cerca del centro de alcantarillado donde se rendiría a cambio de la libertad de Kristofferson. Los granjeros preparan una emboscada, pero los animales, anticipándose a ella, lanzan un contraataque que permite al Sr. Fox, Ash y Kylie entrar a la granja de Bean sin ser detectados, aunque cree llevar un arándano necesario para anular al sabueso. 

Ash libera a Kristofferson y desafía el fuego enemigo para liberar un perro de caza rabioso para mantener a raya a los granjeros, permitiendo que el grupo escape. 

Mientras estos escapan de la granja de Bean con una motocicleta, se detienen un momento al notar a lo lejos la presencia de un hermoso lobo que los observaba, un animal que al Sr. Fox le tiene fobia, luego de que este intentara comunicarse con el majestuoso lobo, el animal parecía no entender, por lo que el Sr. Fox accede a levantar su puño hacia el aire, y el lobo también responde con el mismo gesto, dando como una señal de amistad entre el zorro y el lobo, luego de que este se marcha, el Sr. Fox y compañía continúan su camino. 

Los animales pronto se instalan en sus nuevos hogares en las alcantarillas, invitando a otros animales a unirse a ellos. 

Poco después, Fox , que no puede evitar ser como es, allana una tienda de comestibles que pertenece a Boggis, Bunce y Bean, donde Felicity revela que está embarazada nuevamente mientras los animales bailan en el pasillo, acabando así esta genial historia.

La película es el primer film animado del director Wes Anderson, que utiliza la clásica técnica de la animación de toma fija para narrar la historia del best-seller para niños de Roald Dahl. La película incluyó al director de animación Mark Gustafson, el director de fotografía Tristan Oliver y el diseñador de producción Nelson Lowry. Completan el elenco técnico el supervisor de edición Andrew Weisblum, el supervisor de música Randall Poster, y las marionetas fabricadas por MacKinnon and Saunders. 

Una de las condiciones que puso Anderson fue que el color verde no debía aparecer en la película, por esa razón toda la paleta de colores son mostaza, amarillo, rojo y beige. En un principio, el diseño de los personajes y su moldeado se parecía más a un animal, pero Anderson quería que los personajes tuviesen una personalidad más humana, que caminasen verticalmente y que llevasen ropa adecuada. 

En cuanto a esto último, los trajes de pana de Mr. Fox estaban basados en la indumentaria de Anderson a través de una muestra de tela. 

Wes Anderson y Noah Baumbach se quedaron en Gipsy House a escribir el guion para sentir la atmósfera. Felicity Dahl, viuda del escritor Roald Dahl, los acogió en las habitaciones de la vivienda contigua y se quedaron allí durante dos semanas trabajando el guion.

La película tuvo su estreno mundial como la película de apertura de la 53ª edición del Festival de Cine de Londres en octubre de 2009. La película fue galardonada ese año en diversas premios de importancia. En los Oscars obtuvo dos nominaciones, a la mejor película de animación y banda sonora; y en los Premios Globo de Oro fue nominada al mejor film de animación.

En los Premios Annie consiguió el premio al Mejor guion siendo nominado en otros tres apartados En los Premios BAFTA obtuvo dos nominaciones a mejor película de animación y música.

En los National Board of Review consiguió el Premio logro especial; y en los Satellite Awards fue premiado al Mejor largometraje animación. 

El Círculo de críticos de San Francisco concedió el Premio al Mejor guión adaptado (Wes Anderson) y el de Los Ángeles y New York el de Mejor película de animación, entre otros reconocimientos. 

En general la crítica especializada valoró muy positivamente la película. Para A. O. Scott del The New York Times consideró que la película  "En cierto modo el film de Anderson más completo y satisfactorio. (...) Asombrosa inventiva y habilidad (...) es la película que un niño anonadado con la ficción de Roald Dahl y fascinado con los enigmas del mundo adulto hubiera soñado con hacer"  En otro diario de New York  Sara Vilkomerson en el The New York Observer comentó que  "Visualmente es una auténtica maravilla (...) se siente como algo completamente nuevo" 

En los  Boston Globe Ty Burr escribió  "Otros cineastas hacen historias para niños cuando tienen hijos propios. Anderson parece haber hecho esta película para su propio niño interior (...) un cuento de hadas para adultos" 

Roger Ebert en su web rogerebert.com señaló que era "Una película animada que no tiene nada en común con la animación tradicional (...) Los niños en particular encontrarán cosas que no entenderán y cosas que podrían asustarles. Excelente. Una buena historia para niños debe sugerir una dimensión oculta (...) " 

Si el anterior era un habitual del Chicago Sun Times, en otro de los diarios de Illinois, el  Chicago Reader J.R. Jones  comentó que era "Un clásico instantáneo. El material permite que Anderson neutralice los aspectos más irritantes de su trabajo" 

Para  Todd McCarthy de Variety la película lleva "El sello indeleble de Anderson está en cada fotograma, para bien y para mal. Todos los aspectos son de primer nivel." 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian defendió que "Me pareció totalmente seductora y consistente (...) Su anarquía alegre y su brutalidad son muy de Dahl, por lo menos en espíritu (...) "; y en las del Empire firmadas por  Ian Nathan se dice que  "Genuinamente original: una adaptación absurda, hilarante y extrañamente profunda para niños maduros (...) " 

Ya en España, llama la atención la opinión no excesivamente favorable de un Javier Ocaña en El País cuando dijo "El mundo de Anderson acaba deambulando siempre entre la genialidad y la chorrada (...) La película está alimentada por un asombroso conglomerado de fotogramas aislados que no terminan de conjuntar (...) No hay cadencia, no hay ritmo." Yo me planteo si hoy seguirá penando eso ahora que escribe libros sobre las películas que ve junto a su hijo/a

Para Jordi Costa en Fotogramas defiende que "Podría afirmarse que Anderson ha logrado su obra más luminosa, comunicativa, elocuente... y humana. (...) Una obra mayor, única" 

Javier Cortijo en ABC afirma que es "Un precioso y preciosista troquelado artesanal (...) un entramado fascinante (...) una gozada que no obliga a llevar gafas 3D (...) " 

Y  Nando Salvá desde las páginas de El Periódico destaca que "Es una veloz comedia screwball en la que hilarantes intercambios verbales y brillantes gags físicos se suceden sin reposo (...) la película más desternillante y emotiva de Wes Anderson, y la más compleja en la forma y el fondo. (...)

A mi personalmente me ha encantado. De hecho, tras verla por primera vez, la he visto una segunda, pues me daba la impresión que había perdido mucho en el primer visionado. Consideró que es una auténtica genialidad y que está a la altura de lo que escribió el cada día más apasionante Ronald Dahl. 

Por cierto, la he visto en español así que no he apreciado en nada , salvo en las personas que suplen sus voces en la película , la intervención de George Clooney, Meryl Streep, Michael Gambon, Bill Murray, Willem Dafoe, Owen Wilson , Adrien Brody o el mismo Wes Anderson, así como otros. El mérito lo dejo para el director , Wes Anderson, del que por aquí ya han pasado algunas de sus encantadoras obras como han sido Gran hotel Budapest y  La isla de los Perros, así como el equipo técnico. Muy recomendable esta encantadora película.   

Génova

 

EC: En construcción

En tránsito

 

Primera película grabada del canal de deportes Gol, que, en un día extraño, y sin fútbol, decidió emitir esta película ruso-británica, basada en hechos reales, que se centra en una historia acontecida tras el fin de la Segunda Guerra Mundial en un campo de prisioneros soviético gestionado mayoritariamente por mujeres y al que llegan un grupo de prisioneros alemanes que están en manos de los soviéticos. 

La película fue dirigida en 2006, y estrenada dos años más tarde, pero en el mercado de DVD, por Tom Roberts que llevó a la gran pantalla lo escrito por Natalia Portnova y Simon van der Borgh. 

La película fue producida por Jimmy de Brabant, Michael Dounaev y Kami Naghdi con el apoyo de Thema Production y de Peace Arch Entertainment ("PAE") , una compañía canadiense de producción de películas y televisión con sede en Toronto, Ontario, Canadá, con oficinas en Los Ángeles y Vancouver quien se encargó igualmente de la distribución. 

La película, con capital ruso en parte, fue rodada a lo largo de cinco semanas en San Petersburgo entre marzo y abril de 2006 por lo que algunos técnicos y actores son de esta nacionalidad como el fotógrafo Sergei Astakhov o los actores y actrices como Yevgeni Mironov que hará el papel de Andrei o la actriz lituana que hace el papel de Vera, Ingeborga Dapkūnaitė. El resto de técnicos y actores y actrices son internacionales tanto norteamericanos como Vera Farmiga y John Malkovich , holandesa como Thekla Reuten , alemenes como Thomas Kretschmann y Daniel Brühl, británicos como el músico Dan Jones, el montador Paul Carlin y actores como Natalie Press o John Lynch. 

La historia se desarrolla en el invierno de 1946, en las cercanías de Leningrado. Allí hay un campo regerntado básicamente por mujeres al que le asignan un grupo de prisioneros de guerra alemanes que, previamente han trabajado en las minas. Se trata de un campo de tránsito femenino dirigido por el cruel coronel ruso Pavlov ( John Malkovich ). 

Cuando llegan, las soviéticas muestran una enorme hostilidad hacia los prisioneros pues gran parte de ellas han perdido a sus familiares y amigos durante la guerra. Únicamente la Dra. Natalia ( Vera Farmiga ) que está en el campo atendiendo igualmente a su marido Andrei (Yevgeni Mironov ) , un hombre cuyas facultades están mermadas psicológicamnete por heridas de guerra, y la cocinera Zina ( Natalie Press) tratan a los presos con cierta dignidad. 

Natalia tiene un acuerdo con el coronel Pavlov para mantener en el campo a su ex amante o marido, que resultó herido en la cabeza durante la guerra, en lugar de enviarlo a una institución en Siberia. 

Pavlov encarga a Natalia que descubra a los miembros de las SS escondidos entre el grupo de prisioneros. Natalia y el prisionero Max ( Thomas Kretschmann ) sienten una gran atracción el uno por el otro, mientras que otro prisionero, Klaus ( Daniel Brühl ), intenta convencer a Max de que denuncie a un par de prisioneros mandos del Ejército que se hacen pasar por soldados rasos para satisfacer a Pavlov. 

Los mandos finalmente son descubiertos y ahorcados en un espacio público de Leningrado, cerca del Neva. 

Por su parte, para hacer pasar la estancia más agradable a los penados, Natalia convence a un empresario judío , un hombre bien intencionado y humanista, Yakov ( John Lynch ) para que organice una orquesta con los prisioneros. 

Mientras los ensayos marchan por buen ritmo un prisionero comienza a intimar con la cocinera Zina. De su relación ella queda embarazada. Poco a poco vemos que la atracción entre Natalia y Max va a más. 

Pero la presencia de Andrei y el encargo de Pavlov, y la presión que ejerce el militar sobre ella,  condicionan esa relación. 

Una noche Yakov invita a carceleras y prisioneros a un baile. Al mismo asisten igualmente las mujeres viudas y huérfanas que sobrevivieron a la guerra. Al final se deciden a bailar con los alemanes. Después del baile, Natalia convence a la oficial Elena ( Thekla Reuten) para que los presos pasen la noche con las mujeres. Natalia tiene una aventura de una noche con Max y, mientras él vuelve a los aposentos, Klaus lo ataca, pero Natalia lo salva. 

El ataque permite descubrir a Natalia quién es Klaus en realidad, un antiguo miembro de la SS. Pavlov interrumpe la pelea entre Max y Klaus. Klaus luego se suicida, siendo atropellado por un tren. Max y Pavlov discuten quién era realmente Klaus y la reputación que tenía. Pavlov llama a Natalia una verdadera soviética por completar su misión y revelar la verdad de la atención de Natalia con Max. Max, que había sido profesor de Klaus, y de eso se conocían se queda con el corazón roto. 

Al día siguiente, Max y los alemanes regresan a ¿Alemania? y el ex amante, Andrei, de Natalia es llevado a Siberia. Finalemnte nos enteramos que Stalin había acordado que los prisioneros de guerra marcharan a casa.  

El recorrido comercial de la película fue corto. Se intentó vender en el mercado de cine de Cannes en 2007, ciñéndose el estreno al mercado de Rusia y Gran Bretaña. Fue distribuido directamente en DVD por Peace Arch Films y Universal Pictures Home Entertainment en el Reino Unido el 31 de mayo de 2010. 

En cuanto la crítica vio la película como un cuento carcelario en tiempos de guerra como comenta el crítico de cine Robert Roten que destaca que la película presenta "actuaciones sólidas que ayudan a superar una trama serpenteante pero impredecible. Es un reparto internacional sólido y una historia que, aunque no es convincente, te mantendrá adivinando hasta el final. Tiene un aire de autenticidad y funciona en su mayor parte ". 

Por contra el crítico australiano de SBS Australia, Don Groves, vio la película como "casi totalmente desprovista de tensión, empañada por un ritmo relajado, personajes poco desarrollados y diálogos banales". 

Por mi parte comentar que es una película que se deja ver, en parte por el peso de su elenco y el interés de una historia que no sabes como acabará. Las historias de la Segunda Guerra Mundial casi siempre son apasionantes, y esta trufada de una historia de tensión y amor algo más que imposible pues no desmerece en su conjunto. Está mucho mejor que muchos de los partidos que emite Gol TV.

La horda

Los franceses se atreven con todo, incluso con el mundo zombie, tal y como comprobamos en La horde un film del año 2008 con  Yannick Dalian y Benjamin Rocher  en la dirección. 

Transsiberian

Sorprendente película que combina traficantes, policías, ladrones, inocentes y muchas apariencias en un viaje trufado de robos y asesinatos por el estado soviético. Una grata sorpresa, aunque te deje algo helado.

*EC: En construcción

París

Yo siempre he explicado en mis clases que la ciudad es un organismo vivo, que nace, se desarrolla, se multiplica y que, en ocasiones, fallece. Unas ciudades son más orgánicas que otras. Aquellas que son referencias mundiales, vamos, metrópolis, son más vitales que otras. Por su trazado de calles, casas, avenidas pululan las personas que casi siempre son anónimas , pero que ,en ocasiones, confluyen. En este caso la ciudad es la capital francesa y esa relación vital entre algunos de sus habitantes dan lugar a esta película coral dirigida por Cédric Klaspisch en las que las historias se entrecruzan.

*EC: En construcción

Sangre de mayo

 

*EC: En construcción 

Lejos de la tierra quemada

 

El acantilado rojo

Está mejor en su parte final que en su parte inicial, aunque de cualquier manera resulta tan liosa y laberíntica como espectacular. Pues espectáculo lo hay con creces, pero también confusión. La razón posiblemente esté en el hecho de haber visto la versión internacional, recortada en el montaje y ya sabemos que el montaje puede llevar una película de amplia narrativa al absurdo más absoluto. Este no es el caso, aunque considero que el inicio es muy confuso. Hablamos de El acantilado rojo o Red Cliff, una película china basada en la Batalla de los Acantilados Rojos y los acontecimientos que se dan durante la caída de la dinastía Han y los momentos anteriores de la era de los tres reinos en la China antigua. 

Su nombre original es Chi bi International Cut o en su versión inglesa, The Battle of Red Cliff: International Cut. El encargado de poner esto en pie fue el director hongkonés de 74 años, John Woo, un especialista en película de acción tanto a nivel local como a nivel internacional, pues parte de su recorrido lo hizo en los Estados Unidos. 

Puede que las más populares y prestigiosas de sus películas fueron filmadas en el mercado asiático con títulos como ‘The Killer’, ‘Hard Boiled’ o ‘A Better Tomorrow’, pero también fue el responsable de Face Off  (1997), aquí presentada como Cara a Cara , la película bélica Windtalkers (2002), o de Paycheck (2003). Aunque eso no significa que se alejara tanto de los Estados Unidos,  como comprobamos al verlo como responsable de la última entrega de la jungla (2012), pendiente todavía de entrada. 

El Acantilado Rojo supuso el retorno al mercado chino desde su Hard Boiled estrenada en 1992, también protagonizada por uno de los protagonista de esta película, Tony Leung. 

Lo cierto es que Woo regresó a China para emprender un proyecto gigantesco, una superproducción, la más cara rodada en ese país, y que adaptaba a la gran pantalla la obra ‘El romance de los tres reinos’ escrita por Luo Guanzhong. 

La película, una coproducción en la que estaba China, Hong Kong, Japón y Corea del Sur estaba producida por John Woo, Terence Chang y Han Sanping. Contó con el respaldo de China Film Group Corporation, Summit Entertainment, Beijing Film Studio y Lion Rock Entertainment que manejó un presupuesto de 80 millones de dólares.

La película sigue el guion escrito a ocho manos por John Woo, Chen Han, Sheng Heyu y Chen Shou basada en elk ya citado Romance de los Tres Reinos de Luo Guanzhong y Jiang Daqi. La película contó con la música de Tarō Iwashiro interpretada por la Orquesta sinfónica de Tokio, la fotografía de Lü Yue y Zhang Li y el montaje, puede que lo peor, de Angie Lam, Yang Hongyu y Robert A. Ferretti. Sin embargo, parte importante del equipo técnico está en los responsables de la coreografía, efectos especiales, diseñadores de arte, vestuario cuyos nombres encontraréis entre  los distintos premios que consiguió la película.  

La película nos lleva a la China del siglo III, estamos al final de la Dinastía Han (208 d.C.). Tras una larga guerra civil, el temible Primer Ministro Cao Cao ( Zhang Fengyi ) consigue que el débil y joven Emperador Han le declare la guerra a los reinos del sur Xu y Wu con el fin de unificar China pues estos territorios están al mando de dos señores de la guerra, Sun Quan ( Chang Chen) y Liu Bei ( You Yong), a los que acusa de "rebeldes", a pesar de que el Emperador Xian tiene sus dudas. 

Durante la Batalla de Changban la caballería de Cao Cao ataca a los civiles. Su ejército ataca y derrota al recién creado Reino de Xu, gobernado por el benevolente Liu Bei ( You Yong). Y mientras los ciudadanos de Xu huyen bajo la protección de las tropas de Liu Bei y de sus dos generales de mayor rango (y hermanos de sangre): Guan Yu y Zhang Fei que en la batalla muestran sus habilidades de combate al contener al enemigo mientras ganan tiempo para que los civiles se retiren. 

Los comandantes Guan Yu y Zhang Fei contienen al enemigo mientras los civiles se retiran. El guerrero Zhao Yun ( Hu Jun ) logra rescatar al hijo de Liu Bei, pero no a su mujer. Tras la batalla el astuto consejero de Liu Bei, Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro ), llega en misión diplomática a Jiangdong, la provincia de Sun Quan (Chang Chen ) , quien al principio se muestra dudoso pero acaba aceptando que los dos señores sureños deben aliarse contra Cao Cao. 

Sun Quan tiene dudas entre rendirse o defenderse, pero su decisión de resistir a Cao Cao se endurece después de que Zhuge Liang lo convenza . Mientras tanto, Cai Mao y Zhang Yun , dos comandantes navales de la provincia de Jing, juran lealtad a Cao Cao, quien los pone al mando de su armada. Mientras, Cai Mao y Zhang Yun, dos comandantes de la provincia de Jing, unen sus barcos al ejército de Cao Cao, que ahora avanza rápidamente por tierra y por mar hacia los Acantilados Rojos, donde está la base de los rebeldes. 

Después de la apresurada formación de la alianza Sun-Liu, las fuerzas de Liu Bei y Sun Quan convocan una reunión para diseñar un plan para contrarrestar al ejército de Cao Cao, que avanza rápidamente hacia su base en el Acantilado Rojo. 

Las primeras escaramuzas de la batalla comienza con la jinete Sun Shangxiang llevando a algunas de sus jinetes a atraer a la fuerza de vanguardia de Cao Cao . 

Aprovechando la velocidad de sus caballos y al polvo llevan al ejército invasor a la zona en la que una Formación pa kua o ba gua , la que refleja los ocho estados de cambio que forma de símbolo de origen chino compuesto por ocho trigramas (agrupaciones de tres líneas, unas sobre otras, algunas enteras y otras cortadas) ordenados de una manera determinada alrededor de un centro, el yin-yang. 

Tras este hábil planteamiento de los aliados, la fuerza de la vanguardia de Cao Cao es derrotada por los aliados. Pero Cao Cao no se muestra dolido ni decepcionado y procede a llevar a su ejército principal a la orilla del río directamente enfrente de Red Cliff, donde acampan. 

Mientras los aliados organizan un banquete para celebrar su victoria, Zhuge Liang concibe un plan para enviar a Sun Shangxiang en una misión de espionaje al campamento de Cao Cao. Mantienen el contacto enviando mensajes a través de una paloma.

Con esa información Zhuge Liang diseña un plan para mandar a la bella Sun Shangxiang (Zhao Wei ) en misión de espionaje al campamento de Cao Cao. Sun Shangxiang se ha infiltrado en el campamento de Cao Cao y está anotando en secreto sus detalles y enviándolos a través de una paloma a Zhuge Liang. 

Mientras tanto, el ejército de Cao Cao sufre una plaga de fiebre tifoidea que mata a centenares de sus soldados. Cao Cao ordena que los cadáveres sean enviados en balsas flotantes al campamento de los aliados, con la esperanza de propagar la plaga a sus enemigos. 

La moral del ejército aliado se ve afectada cuando algunos de sus soldados se contagian y la enfermedad pasa al ejército aliado. Tras esta situación vemos que un desanimado Liu Bei se va con sus fuerzas mientras Zhuge Liang se queda atrás para ayudar a Sun Quan. Cao Cao se llena de alegría cuando escucha que la alianza se ha derrumbado. 

Al mismo tiempo, Cai Mao y Zhang Yun proponen una nueva táctica de entrelazar los acorazados con vigas de hierro para minimizar el balanceo al navegar por el río y reducir las posibilidades de que las tropas se mareen. 

Por su parte, Zhou Yu y Zhuge Liang diseñan un plan para conseguir 100.000 flechas. La estrategia de Zhuge Liang de dejar que el enemigo dispare 20 botes cubiertos de paja en las que impactan más de 100.000 flechas del enemigo y hace que Cao Cao dude de la eficacia de sus mandos. 

Sun Shangxiang regresa a la base desde el campamento de Cao Cao con un mapa de la formación enemiga. Zhou Yu y Zhuge Liang deciden atacar a la armada de Cao Cao con fuego después de predecir que el cambio de la situación atmosférica que implicará el cambio de los vientos. Se espera que si los vientos soplan desde el sureste, una dirección a su favor, el ataque con fuego puede ser un éxito. 

Mientras tanto, la esposa de Zhou Yu, Xiaoqiao (Lin Chi-ling ) , se dirige al campamento de Cao Cao sola en secreto con la esperanza de persuadir a Cao de que abandone sus ambiciosos planes. Ella no logra convencer a Cao Cao y decide distraerlo con una elaborada ceremonia del té para ganar tiempo para su lado. 

La batalla comienza cuando el viento del sureste comienza a soplar en medio de la noche. Las fuerzas de Sun Quan lanzan su ataque contra la armada de Cao Cao al embestir botes más pequeños que se incendian en los acorazados más grandes de Cao que además siguen unidos los unos a los otros. 

Por otro lado, las fuerzas de Liu Bei, cuya salida de la alianza fue una artimaña, comienzan a atacar con sus hombres los fuertes de Cao Cao en tierra. Al amanecer, toda la armada de Cao Cao ha sido destruida. 

Los aliados lanzan otra ofensiva contra el ejército terrestre de Cao Cao en sus fuertes y logran abrirse paso utilizando la formación de sus escudos a pesar de sufrir muchas bajas. Aunque Cao Cao está sitiado en su campamento principal, se las arregla para mantener a Zhou Yu a punta de espada después de emboscarlo con la ayuda de Cao Hong. Xiahou Jun también aparece con Xiaoqiao como rehén y amenaza con matarla si los aliados no se rinden. 

En ese momento, Zhao Yun logra revertir la situación al rescatar a Xiaoqiao con un ataque sorpresa, mientras Sun Quan dispara una flecha que roza la parte superior de la cabeza de Cao Cao y hace que su cabello se suelte. 

Cao Cao ahora está a merced de los aliados, pero le perdonan la vida y se van acabando la batalla del Acantilado rojo. 

Inicialmente Ken Watanabe iba a hacer de Cao Cao. Pero surgió la polémica nacionales ante la posibilidad de elegir a un actor japonés para un importante personaje histórico chino obligó al director John Woo a sustituirlo por Zhang Fengyi. 

A Chow Yun-fat se le ofreció el papel de Zhou Yu pero él dijo que no tenía suficiente tiempo para preparar su personaje y lo rechazó. El productor Terence Chang dijo que más bien fue a causa de las cláusulas de su contrato. Chow fue sustituido por Tony Leung quien, a pesar de estar agotado tras filmar Lust, Caution, pero decidió aceptar por la importancia del proyecto. 

El rodaje comenzó en abril de 2007. La mayoría se llevó a cabo en un estudio de Beijing y en la provincia de Hebei donde había dos grandes lagos artificiales para rodar la batalla naval. Una película con 1.500 extras cedidos por el ejército chino, en la que un especialista murió en un accidente y otros seis resultaron heridos. El productor tuvo igualmente que ser hospitalizado. 

Los efectos visuales digitales fueron producidos por Modus FX, The Orphanage, Frantic Films, Red FX y Prime Focus. Woo recalcó que este film era diferente a los demás basados en la historia de los Tres Reinos, como Three Kingdoms: Resurrection of the Dragon, porque en este priman las historias humanas, la psicología de los personajes. 

El director John Woo declaró en una entrevista con David Stratton que la película es solo un 50% de hechos. Woo decidió alterar la historia usando sentimientos modernos y sus propios sentimientos para una aceptación más mundana. Según Woo, la precisión histórica fue menos importante que cómo se sintió la audiencia sobre la batalla. 

En China y gran parte de Asia, Red Cliff se lanzó en dos partes, con un total de más de cuatro horas de duración (288 minutos). La primera parte (146 minutos) se estrenó en Beijing el 2 de julio de 2008 y la segunda (142 minutos) se lanzó en China el 7 de enero de 2009. 

Fuera de Asia, se lanzó una versión reducida de 148 minutos en 2009. rompió el récord de taquilla asiática que anteriormente tenía Titanic en China continental con una recaudación que alcanzó los 143.5 millones de dólares.

En cuanto a las críticas Variety informó que la película recibió críticas generalmente positiva en Hong Kong, China. Siendo un éxito en taquilla eb Corea del Sur, el día de apertura de Red Cliff al quedar por encima de Hancock o El Caballero Oscuro . Variety describió Red Cliff como una película "equilibra el carácter, la determinación, el espectáculo y la acción visceral en un pastel carnoso y dramáticamente satisfactorio que cumple con la exageración y sorprenderá a muchos que sintieron que Woo perdió progresivamente su mojo durante su largo años en Estados Unidos ". La revisión también señalaba que, sin embargo, podría decepcionar a aquellos que simplemente buscan un recauchutado de vestuario de sus películas de acción cinéticas de los 80, como Heroes Shed No Tears y A Better Tomorrow . 

The Associated Press (AP) dijo de la película que "John Woo muestra la distinción crucial en el desarrollo de Red Cliff, siendo el regreso triunfal del director de Hong Kong al cine chino después de 16 años en Hollywood" y "con Red Cliff , Woo demuestra que sigue siendo un director magistral a tener en cuenta ". 

The Hollywood Reporter señaló que "Un formidable preludio de una batalla épica con efectos resplandecientes y espectáculos de acción". 

The Korea Times publicó que "Finalmente, el cine asiático ve el nacimiento de una película con la grandeza, tanto en presupuesto como en inspiración, de franquicias épicas como El señor de los anillos ". "Las secuencias de acción intensas se entrelazan con detalles encantadores, incluidas imágenes poéticas de animales. Mientras que el carácter asiático de películas como Crouching Tiger, Hidden Dragon está dirigido a un público occidental, Red Cliff captura el corazón y el alma de la filosofía asiática con una visión más universal apelación." 

Uno de los principales periódicos en inglés de Corea del Sur, el JoongAng Daily, elogió la película al afirmar que "la película histórica de China estuvo a la altura de sus expectativas en más de un sentido". 

El Japan Times afirmó que " Red Cliff trae todo eso y más a la pantalla: dos horas y media de acción frenética, pasión febril y escenas de batalla elegantemente coreografiadas ..." 

El periódico nacional malasio New Straits Times también le dio a la película una crítica entusiasta y declaró que "La primera película es impresionante por su grandeza, con escenas de batalla impresionantes". La reseña también elogió la cinematografía "impresionante" de la película y señaló que "los personajes están bien desarrollados, con peculiaridades y gestos individuales". 

El periódico vietnamita Thanh Nien Daily comentó: " La acción de Red Cliff es épica. Basándose en las tácticas de batalla reales de hace 1.800 años, Woo demuestra que después de todos estos años todavía tiene la capacidad de hacer que la acción sea fresca y única. -un tipo al combinar la gracia con la violencia en un género completamente nuevo. Los amantes del cine asiático pueden regocijarse, John Woo está de vuelta ”. 

Ya en Occidente, Sara Vilkomerson de The New York Observer considero que " (...) Es difícil intuir lo que nos estamos perdiendo de la versión extendida, pero para mí esta 'Red Cliff' la encuentro terriblemente completa." 

Por su parte, Joe Morgenstern de The Wall Street Journal señaló que la película "Presta nuevo significado a la noción de épica. Siendo la película más cara jamás hecha en China, es realmente inmensa (...) Red Cliff es una sinfonía visual de un director legendario." 

Ya en España Filmaffinity señalaba sobre ella que "La versión original de "Red Cliff" consta de dos películas de 280 minutos de duración: "Chi Bi" (2008) y "Chi Bi Xia: Jue zhan tian xia" (2009). Para su distribución en Occidente se hizo una sola película de 148 minutos. Se han eliminado además detalles sobre algunos personajes, como las motivaciones de Zhuge Liang para robar las 100.000 flechas, partes de la infiltración de Sung Shangxiang o todas las secuencias de la caza del tigre. " 

Y Jordi Costa en El País consideró que "En su condensada versión internacional (...) queda la sensación de estar contemplando las ruinas de una obra maestra, afeadas por una narración en off y por un exceso de encadenados en sus secuencias íntimas." 

José Manuel Cuéllar de ABC afirmaba que la película tenía una "Amanerada estética. (...) El resultado es discreto: espectacular en cuanto a su composición coral, su visualidad y su fotografía, pero irregular en el contenido. (...)".

Fausto Ferrnández comentaba tras haber visto la versión original en sus dos partes que "No puedo juzgar el montaje internacional de Acantilado rojo , el cual resumía en una dos excepcionales películas, calificando la versión internacional como un "refrito". 

Para Juan Luis Caviaro en Espinoff algo molesto señaló que " la acción y la película era un desastre. (...) se muestra incapaz de ofrecer ni un solo enfrentamiento emocionante, violento y espectacular. Su trabajo es sencillamente bochornoso comparado con ‘Tigre y Dragón’ y ‘Hero’. " 

La película obtuvo especialmente en el mercado asiático y en sus dos partes fue multipremiada. En la tercera edición de los premios del Cine Asiático obtuvo la nominación a la Mejor imagen, Mejor director (John Woo), ganando el Premio a los Mejores efectos visuales en la persona de Craig Hayes. 

En los 28 ° Premios del Cine de Hong Kong obtuvo 14 nominaciones siendo ganadora en cinco de sus premios. Las nominaciones se centraron en Mejor Película , Mejor director (John Woo), Mejor actor (Tony Leung y Chiu-Wai), Mejor actor de reparto (Zhang Fengyi), Mejor actriz de soporte (Zhao Wei), Mejor intérprete novel (Lin Chi-ling), Mejor fotografía (Lü Yue , Zhang Li), Mejor montaje cinematográfico (Angie Lam, Robert A. Ferreti, Yang Hongyu), Mejor Canción Original " Batalla mental: acantilado rojo " y Mejor coreografía de acción (Corey Yuen). En cuanto premios los ganó en Mejor dirección de arte (Timmy Yip), Mejor diseño de vestuario y maquillaje también para Timmy Yip, Mejor diseño de sonido (Wu Jiang y Roger Savage), Mejores efectos visuales (Craig Hayes) y Mejor puntaje original (Tarō Iwashiro).

En los 32 ° Premio de la Academia de Japón la película fue nominada a la Mejor película en lengua extranjera. 

La Segunda parte de la entrega en los ya 29 ° Premios del Cine de Hong Kong volvió a ser nominada a Mejor película, Mejor director (John Woo) Mejor actor de reparto (Chang Chen), Mejor actriz de soporte (Zhao Wei), Mejor fotografía (Lü Yue y Zhang Li), Mejor montaje cinematográfico (David Wu, Angie Lam y Yang Hongyu), Mejor dirección de arte y Mejor diseño de vestuario y maquillaje para Timmy Yip , la Mejor coreografía de acción (Corey Yuen) , Mejores efectos visuales (Craig Hayes), Mejor banda sonora original (Tarō Iwashiro) y Mejor Canción Original " Río sin retorno " ganando únicamente en el Mejor diseño de sonido Wu Jiang y Steve Burgess.

En los 33 ° Premio de la Academia de Japón fue nominada otra vez a Mejor película en lengua extranjera . 

En la 14 ° edición de los Premios Satellite fue nominada a la Mejor película en lengua extranjera, Mejor montaje cinematográfico (Angie Lam, Yang Hongyu, Robert A. Ferretti), Mejor dirección de arte y diseño de producción (Timmy Yip, Eddy Wong), Mejor diseño de vestuario (Timmy Yip), Mejor fotografía (Lü Yue, Zhang Li), Mejores efectos visuales (Craig Hayes) siendo ganador en el Mejor sonido (mezcla y edición) en las personas de Roger Savage y Steve Burgess . 

En la 36 Edición de los Premios Saturno fue nominado a la Mejor película internacional, mejor música ( Taro Iwashiro) y Mejor vestuario.

Película t.ecnicamente brillante, con efectos especiales espectaculares, grandes coreografias, buenas imágenes rodadas en las que se combinan primeros planos y planos generales multitudinarios. Película llena de sangre, épica e idea de lo colectivo. Recomendable. 

Aquiles y la tortuga

 

Esta semana parace que estoy tras Takeshi Kitano, tras haber visto Dolls hace un par de días. A esteste Aquiles y la tortuga he llegado como suelo llegar desde mi ignorancia, por casualidad. No ha sido por el título sino por quien lo firmaba. Ni tan siquiera el título que me remitía a alguna discusión en clase de filosofía de hace varias décadas. No recordaba el nombre de Zenón de Elea, pero sí de que iba su aporías, una palabra de origen griego que significa “dificultad para el paso”

Zenón de Elea fue un filósofo griego perteneciente a la llamada “escuela eleatica” nacidp en la Magna Grecia, vamos, en el sur de Italia, paisano de Parménides, su maestro. Zenón destacara por su se hizo célebre por una de sus “aporías” , la de Aquiles y la tortuga.

En la aporía o paradoja de Zenón, éste hablaba de una carrera en la que compiten uno de los héroes caídos en Troya con una tortuga. El planteamiento era el siguiente: si a una tortuga le damos una ventaja,  Aquiles nunca podrá alcanzarla, porque aunque corra muy rápido y avance, la tortuga habrá avanzado también. Por lo tanto, Aquiles tiene una infinita cantidad de espacios que recorrer antes de alcanzar al animal. Esto se debe a que en el momento en que Aquiles empiece a correr, la tortuga estará ya a cierta distancia, en el punto A. 

Cuando Aquiles llegue al punto A, la tortuga habrá avanzado hasta el punto B. Cuando Aquiles llegue a B, la tortuga estará ya en C. Aquiles tardará en alcanzar a la tortuga la suma de los tiempos que necesite para alcanzar los puntos A, B, C… Y así sucesivamente, hasta el infinito. El tiempo total será, por lo tanto, la suma de una serie infinita de números. El problema es que Zenón piensa que la suma de una serie infinita de números tiene que ser infinita, por lo que Aquiles jamás conseguirá alcanzar a la tortuga

Pues así comienza como una tiras animada la película que en el año 2008 fue escrita, dirigida y editada por Takeshi Kitano. La película era la tercera y última parte de la trilogía autobiográfica surrealista de Kitano, que comenzó con Takeshi’s y continuando con Glory to the Filmmaker! 

En este caso Achilles to Kame o Achilles and the Tortoise es una producción de Kitano junto a Masayuki Mori caras visibles de las productoras  Bandai Visual , Tokyo FM , TV Asahi , WOWOW distribuida por Media3 Estudios.

La película cuenta con la música de Yuki Kajiura y la fotografía de Katsumi Yanagishima, además de la posición onmipresente de Kitano.

El elenco lo encabeza Takeshi Kitano como Machisu,  Kanako Higuchi como Sachiko,  Yurei Yanagi como el joven Machisu,  Kumiko Asō como el niño Sachiko , Akira Nakao como el padre de Machisu , Mariko Tsutsui como la madrastra de Machisu , Ren Osugi como el tío de Machisu , Susumu Terajima como un Yakuza proxeneta,  Eri Tokunaga como la hija de Machisu , Nao Omori como un comerciante de arte, Masato Ibu como distribuidor de arte . 

Tras el relato de Ulises y la tortuga, conocemos en una noche de farras al padre de Machisu (Akira Nakao) industrial de la seda y banquero de una familia acomodada, que se divierte junto a unas geishas y unos amigos, un marchante de arte y un pintor que acab de triunfar en Paris. 

El padre es un enamorado del arte así que celebra los encuentros con los supuestos entendidos con sake y diversión. Tras llegar a casa el dueño de la misma presenta a sus amigos a su hijo Machisu y les comenta que su sueño será ser pintor, una actividad que le obsesiona incluso en el colegio. Allí vemos que no atiende las explicaciones de matemáticas ni otras indicaciones que marque el profesor. A veces, aparece delante de un autobus y un tranvía al que parar para reflejar con sus lápices la realidad.

Sin embargo, una noche, de golpe, el padre se arruina al pedre toda la producción de capullos de seda y los fondos de us entidad bancaria. Ante el desastre y la ruina, el padre se suicida junto a una de las geishas, dejando al niño en manos de su madrastra (Mariko Tsutsui) que, tras la pérdida de su marido, lo envía a vivir con una tía y un tío que viven en el campo.

Ni la madrastra ni el chico son bien recibidos ya que el heramano de su padre (Ren Osugi ), nunca se consideró atendido cuando el hermano nadaba en dinero. Así que muy a su pesar tanto él como su mujer admiten su presencia, aunque les molesta la misma. 

Además degolpearlo y zarandearlo, al muchacho de ordenan limpiar y barrer el patio así como dar de comer a las gallinas. Pero como su obsesión está en la pintura, deja sus "obligaciones" para ponerse a dibujar unas gallinas. Cuando lo descubre su tira destroza los colores.

Tras decirdir no enviarle a la escuela dejan al niño encargado de la casa. El tras encontrarse un "vecino" con el que jugar, vuelve a dejar de lado sus quehaceres para pintar grandes gallinas.

Aunque esto molesta al tío y a la tía, finalmente acceden a que el niño vaya esos dos meses al colegio. Pero a Machisu no te intersa ni el chino ni las matemáticas. Ünicamente la pintura, al igual que a otro señor, un retrasado, con el que sale a pintar.

Mientras esto ocurre, la madrastra de tira por un acantilado, durante el entierro Machisu ve la cara ensangrentada de su madrastra y la dibuja. Al ser descubierta la pintura por sus tíos todo ello desemboca en el decisión de abandonarlo en un orfanato - uno que financiaba su padre- al chico. 

Una vez tomada la decisión y despedido de su familia, el chico se desplaza en autobus al centro de atención el autobus mata al anciano con el que pintaba ya que su propuesta de parra trenes , tranvias y autobuses para reflejar en una pintura todo lo que está en moviento éste la lleva a la práctica costándole la vida. 

Ha pasado el tiempo y un joven Machisu (Yurei Yanagi) además de trabajar en una imprenta, asiste a la escuela de arte y mientras trabaja para pagar la escuela de arte donde entabla amistad con una compañera de trabajo, Sachiko (Kumiko Asō), que inicialmente estaba celosa de la chica que le servía de modelo al pintor. Es ella la que parece comprender su visión y su vocación desenfrenada por el arte. 

En la escula de arte descubre que el pintor del que su padre compraba obras pensando que eran cuadros para inversión es su desencantado profesor de dibulo, la persona que le regaló la gorra de la que es inseparable. 

Por otro lado, con sus compañeros experimenta en la creación. Parecen divertirse, especualan, teorizan y experimentan especialmente cuando deciden abandonar la pintura académica para apostar por la pintura expresionista y la "painting actions" de moda. 

Ahora se lanza a una loca  carrera experimental con lienzos de grandes formatos, globos cargados de pinturas diversas, bicicletas con cubetas de pinturas de varios colores y por último con un coche cargado de pintura. La actuación con el coche acaba en tragedia puesto que el compañero muere en la experimento artístico.

La consecucuencias no se hacen esperar, mientras alguno como el "mohicano" deserta, otro no soportan su fracaso y acaba en su suicidio. 

Con todo Machisu persiste en su idea de creación artística. Con el tiempo Machisu y Sachiko se casan y tienen una hija. 

A medida que envejece, la obsesión de Mashisu con el arte contemporáneo controla toda su vida, dejándolo insensible ante todo lo que lo rodea. De hecho tiene una hija (Eri Tokunaga), y como la pareja vive por y para el arte, permiten que los únicos ingresos de la casa sean los que consigue su hija mientras se prostituye.

Un día mientras ellos viven con su obcecación artística su hija, a la que él le pide dinero, pues una y otra vez fracasa a la hora de vender sus pinturas, muere. 

Cuando la están velando en la morgue, Machisu intenta experimentar con el limpialabios para conseguir una obra de arte, pero Mashisu no puede con la situación y lo abandona. 

Intenta complacer a los distintos críticos de arte con los que se entrevista, pero el resultado siempre es el mismo. Sin dinero, sin futuro, sin expectativas, siempre experimentando con la muerte un día lo hace además con el fuego, un fuego que se extiende y se transforma en un incendio. Del mismo casi muere.

Al perder todos sus trabajos anteriores, se queda con una sola lata de refresco medio quemada, que evalúa en 200,000 yenes e intenta vender. Lógicamente no lo consigue y acaba deambulando por la ciudad cuando su esposa lo recoge de la calle. Se alejan juntos aunque no sabemos si sigue con su obsesión artística. 

El título Aquiles y la tortuga se refiere a la paradoja del movimiento que como señalé al inicio fue planteada por el filósofo griego Zenón de Elea.

La película se estrenó en el 65 ° Festival de Cine de Venecia el 28 de agosto de 2008 donde fue nominada al León de Oro  a la mejor película.

En cuanto a las críticas uns son positivas y otras nada. Para Dan Fainaru de Screendaily lo mejor es "La buena escenificación, el sentido irónico del humor de Kitano y la sutil ironía no pueden enmendar el tedio que implica el hecho de que todo esto ya se ha contado antes." 

Ray Bennett en The Hollywood Reporter sostiene que es "Un retrato entretenido, aunque algo sentimental en su recta final, de un hombre que se ha vuelto loco por su pasión por el arte." 

Ya en España Oti Rodríguez Marchante en las páginas del ABC destaca que "Cuenta con el estilo y con la gracia de Kitano (...) mezclando búsqueda, extravagancia, extremo, lo que sea con tal de ligar esos dos conceptos tan fructíferos y también mortíferos como la originalidad y el arte." 

Carlos Boyero en El País reconoce que "No me sirve para reconciliarme con Kitano pero es más digerible. (...) logra que sientas comprensión y ternura por este alienígena, por alguien suicida que siempre tuvo pavorosamente claro lo que quería hacer." 

Yo, por mi parte, reconozco aspectos que se señalan en las críticas profesionales. La película que nos narra los tres momentos de toda una vida obsesionada con la creación pictórica que representa Mashisu es entretenida, nos lo muestra con lo que es, un hombre que intenta alcanzar un imposible, el éxito artístico que tanto gustaba a padre e hijo. Pero eso hombre alienado por el arte es y ha sido un esclavo de una pasión que en su etapa de joven y de persona madura es realmente ya una condena. 

Presagios de este fin lo había desde el principio, la inversión en el arte que acaba en suicidio, la falsedad del valor de lo creativo, la muerte con la que acaba los sueños nos conseguidos o ese camino por atrapar la tortuga y un éxito que ni está ni se le espera. Vemos que de la inicial ternura de Mashisu por conseguir la verdad artistica en su infancia se pasa a una desorientación, que culmina con la pérdida del sentido de la realidad en la madurez. Todo queda arruinado por una obsesión que le lleva a despreciar lo de los demás y a su propio fracaso como artista, pero lo que es peor como hijo, como padre o como esposo.

Sin embargo, a pesar de que la aporía de Zenón se nos presenta como un dilema irresoluble, ciertamente como un falso dilema, pues la verdad es  que lo que la intuición y el sentido común nos dicen:  la tortuga no  gana nunca pues a pesar de su ventaja, no hace otra cosa sino retroceder en la vida. Todos sabemos que Aquiles realmente alcanzará a la tortuga, porque como demostró el matemático escocés James Gregory (1638-1675) una suma de infinitos, puede tener un resultado finito. Los tiempos en los que Aquiles recorre la distancia que lo separa del punto anterior en el que se encontraba la tortuga son cada vez más y más pequeños (hasta el infinito más pequeños), y su suma da un resultado finito, que es el momento en que alcanzará a la tortuga. Eso sí, el pintor no alcanzará el éxito, pues no depende de un número sino de otra circunstancias.

Es triste pero un número, el que corresponde al año 2020 parece ser la paradoja de Aquiles y la tortuga de Zenón de Elea. Cada vez que nos acercamos a la solución de la pandemia, algo nos dice que nos alejamos más de la solución. ¿Quién y cuándo la encontraremos? Aquiles, Ulises, ¡qué más da! Lo importante es atrapar a esta tortuga vírica.