Inland Empire

Inland Empire ...o David Lynch en estado puro. Ese estado de efervescencia creativa, cercano a lo paranoico, surrealista y a lo onírico, sin rastros de racionalidad o de cordura, sin lineas rectas en un relato dominado por las escenas pero nunca por diálogos que faciliten el relato es lo que he visto en Inland Empire el que supone el último largometraje de David Lynch en 2006.

Si  le unimos a ello el contar con su musa, Laura Dern, que participa igualmente en la producción o le añadimos el color rojo intenso característico de sus películas, las sombras y penumbras por las que se mueven sus extraños personajes, la caras blancas vistas en primeros planos, las imágenes rodadas desde planos subjetivos y en ocasiones deformados, la presencia de mujeres que pueden ser una cosa u otra radicalmente, escenario ocupados por conejos antropoides, bailes que estallan en momentos inesperados, la música sincopada que en este caso no es de Badolamenti sino del mismo director , o la presencia de grandes actores y actrices que están allí para hacer cameos o mostrarse en breves planos, pero con algo que decir, aunque sea casi naderias, eso es Inland Empire, cuyo título toma su nombre de una zona residencial del sur de California . 

Y es que el de Missoula es un director complejo, de cine poliédrico, con historias que parecen meternos en laberintos que no te sacan del lugar , sino que te dejan en cualquier punto del mismo y esta película es la complejidad más absoluta sobre todo si en ella te relatan o parecen relatarte un thriller, un drama o una historia sin historia.

Pues bien esta película sin historia fue un obra de Lynch en el mejor sentido del término. El de Montana está presente en la dirección, en el guión - ¿realmente tiene uno?- en la música, en el sonido  y en parte en la fotografía aunque aquí acompañado por Odd Geir Sæther. Esta obra neurótica fue una coproducción entre Estados Unidos, Francia y Polonia en la que están presentes Studio Canal , Camerimage , Fundacja Kultury y Asymmetrical Productions en la que estaban implicados David Lynch y la que entonces era su esposa, Mary Sweeney, así como Laura Dern.

En cuanto al elenco , excesivo, por su calidad y por su infrautilización está integrado por Laura Dern como Nikki Grace / Sue Blue que lleva el peso total y absoluto de la película. Junto a ella Jeremy Irons como el director de cine Kingsley Stewart , Justin Theroux como el actor Devon Berk / Billy Side , Harry Dean Stanton como el guionista Freddie Howard . Además en un par de escenas sale Julia Ormond como Doris Side,  Diane Ladd como Marilyn Levens, Peter J. Lucas como Piotrek, Grace Zabriskie como la primera visitante en la mansión, a la que también llegan Mary Steenburgen y Karolina Gruszka . Aparece Krzysztof Majchrzak como un "Fantasma", Ian Abercrombie como Henry el Mayordomo, Terry Crews como Hombre de la Calle, William H. Macy como Locutor, Tracy Ashton como Hermana de Marine, Leon Niemczyk como Marek y las voces para los conejos ¡sí, conejos! Laura Harring, Scott Coffey , Naomi Watts. Así como David Lynch cuya voz es la de Bucky el Jefe de Iluminación de la presunta película.  

La historia -si es que hay alguna - se centra en una actriz (Laura Dern) a la que poco a poco vemos como la realidad se le escapa y se va distorsionando. De hecho la película fue lanzada con el lema "A Woman in Trouble" que significa algo así como Una mujer en apuros.

La película se abre con un estallido de luz en la oscuridad, al parecer de un proyector cinematográfico. La luz ilumina las palabras «INLAND EMPIRE» en la pantalla. Entonces se pasa a una grabación de un gramófono que reproduce una voz que presenta AXXoN N., «el programa de radio más largo de la historia, continuando en la región báltica, un gris día invernal en un viejo hotel...» ( señalar que Axxon N. es el nombre de un proyecto de 9 episodios de una serie de drama y misterio que Lynch planeaba emitir por internet en 2002). 

Tras esto nos encontramos con una prostituta y su cliente que conversan  y pasan a un cuarto del hotel en Polonia, pero lo sorprendente es que de ninguno se pueden ver sus caras. 

Tras esto en la misma habitación del hotel, una mujer que llora (Karolina Gruszka, acreditada como «La Chica Perdida») contempla una supuesta comedia en un televisor acerca de tres conejos antropoides. El conejo macho se mete en una habitación exquisitamente decorada, en donde se desvanece. 

Ya perdido el espectador , un hombre calvo (Jan Hencz) le dice a otro hombre (Krzysztof Majchrzak, quien luego se sabrá que es «el Fantasma») que entiende que busque un «inicio». El Fantasma se agita intensamente. «¡Bien! ¡Me alegro de que lo comprendas!». 

Dicho lo cual parece comenzar la historia de la protagonista. Se desarrolla en Los Ángeles. Vemos como a una mansión se acerca una señora que resulta ser la primera visitante (Grace Zabriskie) . Toca el timbre de la lujosa mansión. Le abre la puerta Henri ( Ian Abercrombie ) un mayordomo de una señora que resulta ser Nikki (Laura Dern). La mujer dice que es su vecina con un acento de Europa del Este.

La vecina, a la que vemos cada vez en planos más cercanos,  explica dos viejos «cuentos», uno sobre un muchacho que hizo nacer el mal al atravesar una puerta, y una variación sobre una niña que se perdió en un callejón detrás de un mercado. Ella sabe varias cosas sobre un próximo papel para Nikki que ella aún desconoce que será el suyo: en primer lugar, que Nikki tiene el papel definitivamente; segundo que es sobre el matrimonio y un asesinato; y tercero que su marido (Peter J. Lucas) está implicado en él. 

Entonces comienza a hablar de la inexactitud del tiempo: «si fueran las 9:45, ¡creería que fue después de medianoche!», y apunta hacia a un sofá al otro lado de la sala diciendo: «si hoy fuera mañana, usted estaría allí sentada». Tras esta extraño circunloquios de la señora , Nikki le invita a irse de casa, pues se siente incómoda con su presencia.

Cuando Nikki se gira, se ve a ella misma sentada junto a dos amigas. El teléfono suena, su mayordomo le acerca el teléfono y Nikki comienza a saltar muy emocionada al enterarse de que el papel es suyo, mientras que su marido (Smithy) mira desde lo alto de las escaleras. 

En el show de Marilyn Levens (Diane Ladd), un programa de televisión un "talk show"  tipo "Salvame", Nikki y su compañero en la película, Devon Berk (Justin Theroux), aseguran a Marilyn y al público de que todo será profesional y que no habrá juegos amorosos. Después de la entrevista, los socios de Devon le apartan de cualquier idea de seducir a Nikki, porque su marido es «hombre  poderoso». 

Nos enteramos que la película se titula «On High in Blue Tomorrows» (Flotando en mañanas tristes) y que el director de la misma es Kingsley Stewart (Jeremy Irons), siendo su asistente el veterano Freddy (Harry Dean Stanton) . 

Ambos revisan una escena del guion en un sala de rodaje que le ha cedido el estudio. Aparentemente están ellos junto a Nikki, (que asume el rol de Sue Blue) y Devon (como Billy Side). El ensayo que parece ir sobre ruedas, especialmente por Nikki es interrumpido por un sonido que surge en el set de rodaje. 

Devon sale  a investigar y escucha pasos lejanos de alguien corriendo, y él vuelve para decir, «Desaparecieron donde es realmente difícil desaparecer.» Este incidente asusta al director Kingsley, que les lleva a revelar un secreto sobre su película. La misma es realmente es un remake de una película basada en un cuento de origen gitano polaco que se tituló 4 7 (Vier Sieben), que nunca llegó a terminar de rodarse porque los protagonistas fueron asesinados. Aparentemente, el cuento en que estaba basada el  guión maldito, debido a algo «dentro de la historia». A pesar de las quejas de Devon que no quiere protagonizar un remake el proyecto sigue adelante.

Durante el rodaje de la película, Nikki se mete tanto en el papel, que empieza a perder su identidad pasando a convertirse en Sue, el personaje de la película que debe interpretar. Al principio está desconcertada; tras una escena al aire libre muy sugerente para parece mostrar el inicio de una relación entre los actores protagonistas , tras esa vemos una escena aparentemente de sexo con Devon/Billy en «la casa» ella confunde su identidad mientras su marido (Smithy) escucha desde un vestíbulo cercano entre las sombras. 

Al siguiente día ella se encuentra en una callejón detrás de una tienda, y ve «AXXoN N.» escrito en una pared, con una flecha que apunta hacia una puerta. Al entrar, ella pasa al set y al momento en que Devon busca a alguien en el set de rodaje donde anteriormente habían estado ensayando, viéndose a sí misma allí, siendo de hecho la intrusa. Cuando Devon viene buscándola, ella huye pero pasa del set a una casa. Devon mira por una ventana del set a través de un cristal que comunica con la casa, donde no puede verla por la oscuridad. En cambio Nikki/Sue, asustada ─compartiendo el mismo espacio─ puede verle y grita su nombre.

Tras esto la película comienza a mostrar una serie de escenas aparentemente aleatorias, de ensueño. En unas aparecen nueve mujeres que pasean alrededor de la casa que teletransporta a Nikki/Sue a Polonia en invierno, donde se desarrolla una trama de asesinato. 

A veces regresamos al Cuarto del Conejo, o a una oficina  sito tras una larga escalera , en un teatro viejo dónde Sue cuenta su historia de vida violenta entera a un hombre con las gafas de pasta que no habla y de expresión muy seria (Erik Crary, acreditado como«el Sr. K»), en esta diatriba habla de una discusión del Fantasma, que es el hombre con poderes de hipnosis. 

Las nueve mujeres irrumpen fuera en un baile coreografiado al son de «The Loco-Motion» de Kylie Minogue, y entonces desaparece. 

Sue le dice a su marido durante la cena en la casa humilde que está embarazada, el cual reacciona ignorándola. Decide entonces llamar a Billy pero solo contestan los conejos. 

En el patio trasero de la casa humilde, Smithy mancha accidentalmente su camiseta blanca con salsa, simulando ser sangre. Cuando Sue se percata de la mancha de salsa, una mujer que ora se ve. 

La trama sigue disparatada con  Sue va a la casa lujosa de Billy, que parece ser la misma casa que perteneció a ella en un principio en la identidad de Nikki como futura actriz de cine. Allí repetidamente le dice que lo ama, lo que provoca que la esposa (Julia Ormond) de éste le abofetee varias veces en la cara, durante lo cual parece que casi está a punto de recordar si fue hipnotizada por el Fantasma. Lo curioso es que Julia Ormond aparece en un momento anterior ante un policía  en un estado lamentable y le dice a éste que va a matar a alguien con un destornillador. De inmediato vemos que es ella la que lleva el destornillador clavado en su estómago. En fin!!!

Mientras el Hombre Calvo del inicio lleva al marido de Nikki, a  Smithy a una sesión de espiritismo con tres hombres . Estos hombres pueden ver a «la muchacha que llora» en el hotel, pero Smithy solo puede oírla; le dan una pistola que es capaz de matar al Fantasma. 

Descubrimos después que en una calle en Hollywood, Sue es ahora una prostituta. Esta sucia. Ella ve a la esposa de Billy y escapa a un club, sube por unos escalones y comienza una vez más su monólogo con el hombre de las gafas corvas. Suena el teléfono, el hombre contesta y dice,«Sí, ella todavía está aquí... el caballo ha ido al pozo».

Sue agarra un destornillador y regresa a la calle. La esposa de Billy logra arrebatárselo y la apuñala con él. Sue apuñalada cruza cojeando la esquina de Hollywood Boulevard, alcanzando una acera al lado de dos chicas negras y un chico, los tres vagabundos sentados en el suelo, quienes la ignoran. Inician una charla trivial sobre los autobuses y monos hasta que Sue cae vomitando sangre en la acera, y desfallece. 

Una de las chicas negras  enciende un encendedor cerca de su rostro y dice,«yo he visto su luz. Quema luminoso para siempre. No más mañanas tristes. Vuela alto ahora, amor.» Sue, aparentemente ,  muere. 

Tras eso Kingsley grita «¡Corte!» y surge la cámara que filmaba la escena. Los vagabundos en realidad son extras del rodaje de la película que se levantan y se van. Kingsley abraza a Nikki , que tras el corten se ha quedado unos segundos más en el suelo, diciéndole que ha estado maravillosa, pero ella desconcertada lo empuja lejos y camina desorientada fuera del set iluminado. 

Ahora vaga por el interior de un cine vacío, en donde por primera vez ve proyectada a la «muchacha que llora», quién al mismo tiempo también puede verla a ella en su televisión del cuarto del hotel. 

Nikki como actriz se ve proyectada como Sue  la mujer de la vida real en la pantalla grande, contando, de nuevo, su monólogo, y otra escena del futuro la muestra en el set donde se localiza el arma en la casa  de Smithy. 

Tras eso Nikki pasa por la puerta con «AXXon N.» escrito, y vagabundea en el set hasta encontrar la pistola y encontrar el cuarto del Conejo con el número 47. Aparece el Fantasma al que dispara cuatro veces. En el tercer disparo su propia cara angustiada se sobrepone. Tras el cuarto disparo, la cara del Fantasma se retuerce hasta dejar de reconocerse. 

Después entra en el Cuarto del Conejo, donde halla a la «muchacha que llora», la besa, y Nikki/Sue se desvanece. «la muchacha que llora» es ahora libre y deja su prisión para reunirse alegremente con su marido (Smithy) y su hijo. 

Nikki (actriz) se mezcla con la luz luminosa y los aplausos. En la casa lujosa de Nikki, una mujer con una sola pierna que fue mencionada en el monólogo de Sue mira alrededor y dice: «Sweet!». 

También  descubrimos a una mujer japonesa con peluca rubia y el mono que fueron mencionados en la charla de los vagabundos. 

Finalmente, surgen los títulos de créditos finales sobre un grupo de mujeres que bailan «Sinner Man» de Nina Simone mientras un leñador sierra un leño, si, eso , un leño. Aparecen también por unos segundos Laura Harring y Nastassja Kinski sentadas junto a Laura Dern acabano así esta historia, aunque para mi hacía tiempo que había terminado.

Lynch describió la historia como «una historia misteriosa [...]alrededor de una mujer... una mujer enamorada y con problemas»​. Se rodó principalmente en Los Ángeles y Polonia . El proceso marcó varias novedades para Lynch: la película se filmó sin un guión terminado , en lugar de desarrollarse en gran medida escena por escena; y fue filmado completamente en video digital de baja resolución por el mismo Lynch usando una videocámara Sony de mano en lugar de la película tradicional .Explicó su preferencia por este sistema, afirmando que el medio da "un espacio más para soñar" y más opciones en la postproducción.

La película se rodó en Łódź , Polonia, con actores locales, como Karolina Gruszka , Krzysztof Majchrzak , León Niemczyk , Piotr Andrzejewski y artistas del circo local Cyrk Zalewski, aunque también en Los Ángeles y se completó en Polonia.

Es interpretada como un compendio del cine del director. El final de una supuesta trilogía formada por "Carretera perdida" y "Mulholland Drive" La historia, compleja y con tintes de pesadilla desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. 

En la película abunda los primeros planos expresionistas (especialmente de Laura Dern y el de la visitante, así como el de casi todas las mujeres que aparecen), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. 

Inland Empire fue filmada en formato digital con una cámara Sony DSR-PD1505​. Además, Lynch declaró que no volvería al formato cinematográfico, pasándose completamente al cine digital. Tras dos años y medio de trabajo, fue su primera película rodada en formato digital, tras lo cual afirmó no querer volver al modelo tradicional. 

En una visita a Madrid en 2013 el director natural de mi queridísima Missoula comentó que «Es falso que rodara Inland Empire sin guion [...] escribí una escena, y la rodé. Estaba fascinado por la tecnología digital y la facilidad que permitía a la hora de rodar. Cuando se me ocurrió otra, que no tenía nada que ver con la anterior, la escribí y la rodamos. Y así hasta que tenía cuatro, totalmente inconexas. Pero de pronto di con una idea que las vinculaba a todas ellas, y entonces escribí el guion de la película, a partir de esa idea». Lo curioso es que en 2005 declaraba lo contrario : "Nunca antes había trabajado en un proyecto de esta manera. No sé exactamente cómo se desarrollará esta cosa ... Esta película es muy diferente porque no tengo un guión. Escribo la escena escena por escena y gran parte de ella está grabada y no tengo mucha idea de dónde terminará. Es un riesgo, pero tengo la sensación de que todo las cosas están unificadas, esta idea aquí en esa sala se relacionará de alguna manera con esa idea allá en la sala rosa ".

Es curioso, o no visto lo visto,  pero los actores principales Laura Dern y Justin Theroux comentaron que no tenían muy claro durante el rodaje de que iba la película. En una entrevista en una cadena estatal de radio de los Estados Unidos, la NPR , Laura Dern relató una conversación que tuvo con uno de los nuevos productores de la película, Jeremy Alter. Cuando le preguntó si Lynch estaba bromeando cuando pidió una mujer con una sola pierna, un mono y un leñador para el rodaje ella le dijo: "Sí, estás en una película de David Lynch, amigo", respondió Dern. "Siéntate y disfruta del paseo". 

La banda sonora de Inland Empire fue compuesta en su mayor parte por el propio Lynch, no contando en esta ocasión con su colaborador habitual Angelo Badalamenti. 

La película tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia en Italia en septiembre de 2006, donde David Lynch también recibió el premio Golden Lion por sus "contribuciones al arte del cine". La película se estrenó en Estados Unidos en octubre de 2006 en el Festival de Cine de Nueva York y tras el mismo recaudó unos $4, 037, 577.

En su estreno generalizado, en diciembre de 2006, suscitó entre los críticos, al igual que los más recientes largometrajes del director, multitud de comentarios enfrentados, aunque la opinión fue mayoritariamente positiva 

En cuanto a las críticas señalar que o son espantosas o califican la misma de genialidad, pero hay pocos que se queden en los intermedio. The New York Times clasificó a Inland Empire como "brillantemente brillante" después de la proyección del Festival de Cine de Venecia.Por su parte, la también neoyorkina The New Yorker señaló que era "película mordaz y matizada" que "rápidamente se convierte en autoparodia".

En Estados Unidos Peter Travers en Rolling Stone decía de ella que"Abandonen toda esperanza de lógica (...) tres horas de fascinante (a veces irritante) incoherencia (...) Lynch trata la pantalla como un lienzo en el que da forma a sus ideas abstractas. Y añadió ""Mi consejo, ante semejante brillo alucinante, es que aguantes". "

Por su parte, Owen Gleiberman de Entertainment Weekly sostenía que "'Inland Empire' está tan encerrada en el cerebro de David Lynch que nunca escarba su camino al nuestro"

Jim Emerson editor de RogerEbert.com entendía que "Cuando la gente dice que Inland Empire es la versión de Lynch sobre Sunset boulevard u 8 y medio , (...) invoca explícitamente las conexiones con Stanley Kubrick y su The Shining , Jean-Luc Godard y su Pierrot el loco , Buñuel y Dalí en Un perro andaluz , Maya Deren's y su experimental película Meshes of the Afternoon (una de los favoritos de Lynch) y otros ".

Para Carina Chocano, de Los Angeles Times, "la película, que comienza de manera prometedora, desaparece en tantos madrigueras que finalmente desaparece para siempre".

En Gran Bretaña , Jonathan Ross , de la BBC Film dijo en 2007 que era la "una obra de genio ... creo".

Por su parte, Damon Wise de Empire señalaba que era "Un enigma deslumbrante y exquisitamente original como todo enigma" Ya en España, Carlos Boyero en El Mundo escribía que "Lynch perpetra un interminable desvarío. (...) lleva al paroxismo las obsesiones de su enfermizo cine."

En ABC Oti Rodríguez Marchante señalaba que era "Una macedonia de los peores tics de Lynch. (...) Dura 3 horas y no hay ni un solo minuto de ellas en el que el espectador haga pie." Y en este mismo diario Javier Cortijo escribía que "Hablar de argumento en 'Inland Empire' es casi una ordinariez. (...) ¿Totum revolutum?¿Sancta sanctorum? Sin duda. De todo, menos tomadura de pelo. (...) ¿Qué tiene de malo echarse una partidita y desperezar a ese fósil llamado Séptimo Arte?

Jordi Costa en El País decía de la misma "En las afueras del sentido. (...) Lynch cumple, finalmente, el sueño de los surrealistas: lograr que el inconsciente doblegue de una vez por todas a la narrativa convencional. Aquí está la primera obra maestra del poscine."

Para Juan Luis Caviaro en espinof comenta sobre la película que es "lo que vemos, lo que Lynch nos entrega, es muy decepcionante. Disfrazar la mediocridad de complejidad a través de un montaje errático y voluntariamente confuso es la salida del cineasta, que, seguro, debió sentirse igual que yo al ver que su obra no era más que un ejercicio de egocentrismo descontrolado." Y concluye diciendo "En definitiva, 'Inland Empire' es una tomadura de pelo, un fallido experimento de Lynch que no se sostiene en ningún momento. Dern se merece un premio por haber tenido que trabajar en este despropósito. Ella es lo único salvable de la experiencia."

En Movistar + dicen de ella que es "innegable laberinto de sensaciones cinematográficas y una de las películas más experimentales y psíquicas de Lynch. Un encuentro con el cine concebido como arte audiovisual, que va más allá de las fronteras de lo formal y argumental, adentrándose de lleno en un terreno más psicológico. "

Y en México Fernanda Solórzano en Letras Libres alucinaba con la película al decir "Es la película que mejor ilustra el proceso creativo de Lynch." 

Dern recibió una aclamación casi universal por su desempeño, con muchas revisiones que la describieron como las mejores hasta la fecha. Lynch intentó promover - no lo consiguió- las posibilidades de Dern de obtener un Premio de la Academia a la nominación de Mejor Actriz en los Premios de la Academia de 2007. No obstante recibió su reconocimiento en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine o en los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Toronto a la Mejor actriz. 

La película recibió el Premio a la Mejor Película experimental por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine , al igual que lo recibió por parte de los periodistas "on line" de Nueva York y en el Festival de cine de Venecia se le dio el Premio Digital del Festival de Cine del Futuro a David Lynch.

Como dije al principio, película compleja, inclasificable, coherente con la trayectoria del director y absolutamente incomprensible.

Certain Women

Three years ago I was in Montaña. One of their nicknames is "Big Sky Country". What a great truth!!! It´s amazing and wonderful. I love this place. Y si tengo que decir una ciudad del estado me quedo con Missoula.

Durante minutos me quedé con las ganas de que  Certain Women, una película estadounidense de 2016 editada, escrita y dirigida por Kelly Reichardt  se desarrollara en la ciudad del oeste de Montana, pero no.

La película está basada en tres historias cortas de la escritora nacida en Helena- sí, la capital de Montana- Maile Meloy, aunque licenciada en Harvard College en 1994 y con un Master de la Universidad de Irvine, California .

Su trabajo ha aparecido en The New Yorker , y es una colaboradora habitual de The New York Times . Eso no impide que gran parte de sus obras se desarrollen en la grandiosa Montana natal.

Por si no lo sabéis Missoula, además de la patria chica de David Lynch, es la sede de la Universidad de Montana y tiene a gala tener importantes talleres de escritura creativa. De hecho se habla de Escuela de escritores de Missoula de la que Norman Maclean y su libro A River Runs Through It , aquí tradicido como El río que nos lleva fue llevado al cine en 1992 por Robert Redford. Gran parte de los escritores y escritoras de esta Escuela se centran en libros de temática nature y / o   novelas "Wildwood".

Meloy, perteneciente a una saga creativa en la que están presentes su hermano , el escritor y músico Colin Meloy , líder de The Decemberists , y su tía la escritora Ellen Meloy no se si es una de ellas. Lo cierto es que ella ahora vive en California, pero gran parte de sus novelas cortas se desarrollan en su Montana natal. El primer libro publicado por la escritora fue en 2002 y se tituló "Half in Love" cuyas historias se desarrollan en el Estado que la vio nacer, aunque ella viva en Los Ángeles. Pues bien , dos de esas historias contenidas en Half in Love, en concreto las que llevan por título "Tome" y "Native Sandstone", así como otra historia perteneciente a su cuarta novela escrita en 2009 Both Ways Is the Only Way I Want It : Stories la que se titula  "Travis, B" fueron adaptadas al cine en el año 2015 por Kelly Reichardt . Eso sí, algunos pequeños detalles que hemos visto en la película como el papel de la hija en las relaciones entre Gina y Ryan proceden de otra obra o de otro capítulo de Meloy, el titulado como "Thirteen &  Half". 

Volviendo a la directora, Kelly Reichardt es además guionista y montadora de sus películas , además de directora de cine independiente que se hace responsable de la mayor parte en sus películas. Estas empezaron con River of Grass , estrenada en 1994, y a la que fueron siguiendo otras como Ode (1999) , Old Joy (2006), Wendy y Lucy (2008), Meek's Cutoff (200), Night Moves (2013) hasta llegar a Certain Women. 

Su cine ha sido multipremiado sobre todo en certámenes de cine independiente como los Independent Spirit Awards o en el Festival de Cine de Sundance, pero también en  certámenes internacionales , principalmemte, de Europa o es muy valorado por las distintas Asociaciones de críticos del país ahora presidido por Trump. 

Sus películas son consideradas por los críticos como parte del movimiento minimalista o del cine del postmodernismo . El término minimalismo , como cualquier etiqueta, es algo que hay que explicar. El término había sido utilizado por vez primera en el número correspondiente a Octubre de 1965 de la revista Art in America por Barbara Rose. Se centraba en la pintura y a la escultura . Se trataba del primer intento de rechazo hacia la catarsis emocional del Neo-Expresionismo. 

Aparentemente en el cine minimalista todo es simple, por no decir austero: los colores de las imágenes, el vestuario, los decorados, los efectos digitales. Hasta los diálogos y la banda sonora son simples , y en ocasiones casi prescindibles. Pudiera parecer que en ellas el guión es lo de menos. Lo importante pudiera ser la plasticidad del paisaje y / o las poderosas imágenes. En gran medida en este tipo de cine todo acaba como empieza. Eso sí, todo se transforma. En el caso de Reichardt se cumple a la perfección. En el inicio de la película escuchamos una voz  procedente de una radio local y al final de la misma vuelve a sonar, aunque para ese momento ya conocemos a las "certain women". 

Para esta película Kelly Reichardt contó con la producción de Neil Kopp , Vincent Savino y Anish Savjani, quedando Todd Haynes como productor ejecutivo y el respaldo de las productoras Film Science , Stage 6 . Pudo contar en este caso con un presupuesto de $ 2 millones, quedando la distribución en IFC, aunque Sony también se quedó con algo de la misma.

Partiendo de lo escrito por Maile Meloy,  la directora , como hace regularmente, escribe el guión y, como viene siendo habitual, también aquí es la montadora.  En otros apartados técnico cuenta Reichardt con la musica de Jeff Grace y  la magnífica fotografía de Christopher Blauvelt.

El reparto está integrado por Laura Dern como Laura Wells como la  abogada, a la que se suma Kristen Stewart como Elizabeth 'Beth' Travis , otra abogada y profesora, la bella Michelle Williams como Gina Lewis como la esposa que quiere levantar una casa, Lily Gladstone como Jamie la nativa americana. 

Igualmente aparece James LeGros como Ryan Lewis como el marido de Gina, el "terrorífico" - lo digo por la serie The Terror- Jared Harris como William 'Will' Fuller el cliente de Laura. También interviene René Auberjonois como Albert el viejo vecino de Michelle, John Getz como el sheriff Rowles y Sara Rodier como Guthrie Lewis la adolescente hija de Michelle y Ryan. 

Junto a ellos en el reparto apareceb James Legros, John Getz, Ashlie Atkinson, James Jordan, Edelen McWilliams, Matt McTighe, Sara Rodier, Gabriel Clark, Guy Boyd, Joshua T. Fonokalafi, Kilty Reidy, Stephanie Campbell, Marceline Hugot, Zena Dell Lowe y Kory Gunderson.   

La historia o las tres historias con cuatro protagonistas comienza en una habitación en la que suena una radio. Sobre una cama nos encontramos a la abogada Laura Wells (Laura Dern)  vistiéndose tras hacer el amor con su amante un anónimo que después nos enteramos que es Ryan (James LeGros) y que,  tras hacerlo, se despide con frialdad quedando ella sobre la cama meditando

Nada más llegar a su despacho Laura ve que se encuentra esperando uno de sus clientes Will Fuller (Jared Harris). Laura lleva lidiando con este cliente disgustado, Fuller, durante ocho meses. Está molesto. Ha perdido su trabajo después de que una lesión le haya causado una discapacidad. Su mal humor le ha costado su matrimonio. Y desde lo ocurrido ha  visitado en repetidas ocasiones a Laura . Comentándole ella siempre lo mismo: no hay nada que hacer por haber aceptado una indemnización que llevaba una clausula que eximía de responsabilidad a su empresa.

Pero como él parece no escuchar sus reiterados consejos, ella decide que tenga una segunda opinión legal , llevándolo a otro abogado en otra localidad.

Después de evaluar el caso, el otro abogado, en este caso de la mayor ciudad del estado, Billings, le dice a Fuller exactamente lo mismo que Laura le dijo; que aunque su compañía tuvo la culpa de sus lesiones, ya no puede demandarlos después de aceptar su acuerdo nominal inicial.

Will lo escucha en silencio, ante la mirada de su ex mujer y de su abogada , y no mueve ni un músculo de la cara, ni le rebate con nada. Ante la sorpresa de Laura que ha aguantado a Will en múltiples ocasiones, el trabajador se calla y parece aceptar la opinión del abogado sin rechistar.

En el camino a casa después de visitar al segundo abogado, Fuller se pelea con su esposa, y sale de su auto, montándose sin permiso alguno en el vehículo de Laura, mientras ella hablaba por teléfono  presumiblemente con su amante, Ryan.

En el camino a casa, él le dice que le gustaría matar tanto a su mujer como a sus antiguos empleadores. Ante esto Laura le dice que como vuelva a comentar algo de eso lo echa del coche.

Esa noche Laura recibe una llamada de la policía. Tras la misma llega al antiguo lugar de trabajo de Fuller, donde el extrabajador ha tomado como rehén a un guardia de seguridad de origen samoano y que dice ser pariente del rey de Samoa. Eso sí, sólo llegará a ser rey si mueren otros quince miembros de la familia que le anteceden. El trabajador se encuentra en el archivo de la empresa con el fin de buscar su expediente, aunque no puede leerlo dado que el accidente le ha afectado a su visión.

Después de ser preparada por la policía, con chaleco antibalas incluido y recibiendo las directrices de un negociador, Laura va al interior del edificio y se encuentra con Fuller, quien le hace leer el expediente del caso que su compañía tiene sobre él y la demanda. Laura lee el expediente completo,. En el mismo se detalla cómo Fuller fue engañado por la empresa para conseguir su  asentimiento con el acuerdo propuesto.

Tras leerlo, y mientras ella le pide perdón, por la parte que le toca en el asesoramiento en ese acuerdo entre empresa y trabajador, Fuller decide dejar ir al guardia.

Luego le pide a Laura que se a la parte frontal del edificio en el que le espera la policía y le pide que le diga a la policía que acepta sus demandas aunque debe actuar como si tuviera un arma apuntando hacia ella. Mientras él aprovecharía las circunstancia para huir por la parte de atrás.

En cambio, Laura le dice inmediatamente a la policía dónde está Fuller y éste queda arrestado. Fuller queda cabizbajo en el coche, ante la mirada de Laura.

Tras la primera historia llegamos a la segunda que tiene como protagonistas a Gina y a Ryan Lewis, el amante de Laura. Son una pareja casada con una hija adolescente. Ambos , por deseo principalmente de ella, está construyendo su propia casa desde cero.

A Gina la vemos corriendo a través del bosque Gina mientras corre. Tras terminar la carrera se dirige a una tienda de campaña en la que están su hija y su marido. Ella siente que su marido, Ryan , constantemente  la boicotea en sus decisiones , y  que apoya a su hija en caso de enfrentamiento con la madre. Ella está molesta por su comportamiento.

De cualquier manera salen de la tienda los tres , y de camino a casa desde el campamento que con el tiempo se convertirá su nuevo hogar, deciden detenerse en la casa de Albert (René Auberjonois), un anciano al que conocen y que Gina parece estimar, para tratar de persuadirle  de que les venda la piedra arenisca que alberga su propiedad y que permanece amontonada en las cercanía de su casa. .

El interés por la piedra por parte de Gina viene de antiguo. La piedra perteneció  la antigua escuela, levantada en la época de los pioneros y fue anterior que la iglesia.

Tras bajarse del vehículo la pareja, pues la niña , por supuesto contando con el apoyo del padre, no quiere bajarse del coche y entrar a saludar van a casa de Albert.

Mientras la pareja habla con Albert de sus problemas de salud vemos que Gina, que intenta ser todo lo amable que puede,  intenta persuadir a Albert para que le venda la piedra arenisca, pero él no está atento a su conversación. El anciano divaga sobre cómo construyó su casa con ayuda de su hermano ya fallecido y lo que iba a ser una construcción provisional se transformó en su hogar definitivo.

En un momento dado de una conversación que parece no derivar en nada,  Albert acepta la petición de Gina de entregar la piedra arenisca , una piedra que está dispuesta a pagar. Tras la aceptación , en la que interviene Ryan con el fin de convencer a Albert de que, finalmente, le regale las rocas.

Algún tiempo después, Gina y Ryan llegan a la parcela con un grupo de operarios y cargan un camión con la roca arenisca. Ella se da cuenta de que Albert lo está mirando desde su ventana y lo saluda con la mano, pero él no responde.

Tras esto se inicia la tercera historia que tiene como protagonista a Jamie (Lily Gladstone ), una chica nativa americana encargada de los animales, principalmente caballos, de un rancho que vive aislada durante el invierno, atendiendo a esos caballos en una granja a las afueras de Belfry.

Como vemos, se trata de un trabajo repetitivo y rutinario en la que día tras día hace lo mismo con los animales que tiene a su cuidado.

Una noche la encargada de los animales se dirige a la ciudad en su furgoneta. Al llegar ve como los autos aparcan en las proximidades de una escuela y sigue a esas personas hasta el interior de la misma. Ya en ella se entera de que ha tropezado con una clase sobre el derecho escolar que es dada  por una joven abogada, Beth Travis (Kristen Stewart), procedente de Livingston, una localidad a cuatro horas de distancia.

Beth imparte este curso puesto que se había comprometido a dar estas clases presenciales sobre el papel del derecho en la educación a un grupo de profesores , ante de obtener su actual trabajo en un bufete de abogados de Livingston, ante el temor de no encontrar trabajo alguno. Jamie y la profesora descubren que los profesores realmente están más preocupados por sus plazas de aparcamiento que sobre el derecho a la educación.

Tras recoger sus pertenencias en el aula y saber que aún le quedan otras cuatro horas de viaje de vuelta, le pregunta a la última en salir del aula, Jamie, dónde puede ir a comer a esas horas. Jamie la lleva a un local, una cafetería, en la que  Beth, se pide una gran hamburguesa y le  explica que vive en Livingston, que está a cuatro horas en auto, por lo que debe hacer el viaje de ida y vuelta de ocho horas dos veces por semana para regresar a tiempo para su verdadero trabajo en el despacho.

Todavía se pregunta Beth el por qué se comprometió a dar estas clases y le habla del temor que tuvo a no trabajar cuando acabó la carrera y terminar siendo una vendedora de zapatos o algo parecido como han su madre y hermana a lo largo de su vida. Tras medio cenar Beth se marcha a Livingston.

A pesar de no tener interés en la ley de educación, Jamie regresa a clase semana tras semana. Una de esas veces que va  se desplaza a la clase en uno de los caballos que cuida. Y , al terminar las clases,  ella y Beth montando a caballo van al restaurante. Descubrimos que cada vez parece haber mñas complicidad entre ellas intercambiando en su conversación experiencias personales.

Sin embargo, la semana siguiente, Jamie se queda atónita y sorprendida al ver que Beth se ha marchado y que ahora las clases la imparte un nuevo maestro que se incorpora como reemplazo permanente de Beth. Jamie abandona inmediatamente la clase y conduce directamente a Livingston.

Pasando la noche en su automóvil, ella , a la mañana siguiente va buscando entre los distintos despachos de abogados información con la esperanza de encontrar a Beth. En ese periplo da con el despacho de Laura ubicado en la misma localidad de Livingston.

Tras dar muchas vueltas da con la dirección del despacho profesional en el que trabaja Beth.  Jamie ve a Beth en el aparcamiento, y sale a su encuentro. Tras un momento en que ambas no saben qué contar, Jamie  le dice que condujo sabiendo que si no lo hacía, nunca la volvería a ver. Pero Beth no responde y Jamie se va . Cuando se marcha ve que en la puerta ella se ha parado con un compañero de despacho.

De camino a casa, se queda dormida al volante y se sale de la carretera a un campo nevado y vacío hasta que finalmente el coche se detiene.

Algún tiempo después, vemos que Laura visita a Fuller en prisión. Él le cuenta cómo su mujer le abandonó por un ex-presidiario ; lo que le hace gracia dada su situación y le dice que él entiende cómo actuó y le pide que responda sus cartas solo para no sentirse tan solo. Ella está de acuerdo.

Por último, vemos que Gina tiene una barbacoa con amigos en su parcela. Su esposo se encarga de la carne y le dice que aprecia su trabajo. Ella, por su parte, se aleja del grupo y  mira la piedra arenisca que ahora aparece ordenada y preparada para transformarse en una pared y sonríe.

Por último , vemos que Jamie continúa trabajando en el rancho haciendo lo que siempre hacía, con la misma rutina, como el devenir eterno de ese oeste humanizado. De hecho todo empieza con una voz que suena de una radio y esa misma voz acaba con la misma.

La película se rodó entre marzo y abril de 2015 en diversos puntos de Montana. En concreto en la localidad de Livingston, en concreto para reflejar los despachos de abogados en 116 Callender St. y 110 B South St, así como en Bozeman en su Centro comercial Gallatin Valley para la escena de los rehenes y en Escuela secundaria Shields Valley, sita en Clyde Park.

Se trata de la primera película de esta directora rodada en este estado ya que gran parte de las obras anteriores las había  rodado en Oregon y quería un cambio de ambiente así que, como ya hemos comentado, entrelazó tres de los cuentos cortos de Meloy, ambientados en Montana, y después de explorar lugares, sintió que Livingston, en lugar de la ciudad natal de Meloy, Helena, era ideal para el aspecto de la película.

Kelly Reichardt consideró , antes de rodar la película que la misma se titulara "Half in Love", pero finalmente se decidió por "Certain Women".

La película está dedicada a Lucy , el perro de Reichardt y estrella de dos de sus películas anteriores: Old Joy (2006) y Wendy and Lucy (2008).

Esta película es la tercera colaboración entre Michelle Williams y Kelly Reichardt . Los anteriores fueron Wendy y Lucy (2008) y Meek's Cutoff (2010).

Con otras de las actrices fue su primera relación profesional como fue el caso de Kristen Stewart , gran admiradora del trabajo de la directora, una actriz que tiene como característica forma de trabajar aprender sus líneas o diálogos de memoria rápidamente y luego modificar algunas palabras para agregar su personalidad a sus personajes. Sin embargo, durante el rodaje de esta película, la directora le dijo que tendría que decir sus líneas palabra por palabra, afirmando en una entrevista que "las palabras son muy importantes para ella ( Kelly Reichardt )".

Reichardt reveló que una de las razones por las que eligió filmar en una película en inverno en los espacios abiertos de Montana fue porque la nieve parece "plana" en otros formatos. Curiosamente, cuando ella comenzó a rodar, había poco o nada de nieve en Montana y , finalmente, la nieve aparece , pero ni es cegadora ni ocupa un espacio inmenso en la película, sólo detectable en el accidente de tráfico de Jamie o en parte durante la carrera de Gina.

Mientras adaptaba la historia corta de Meloy, "Travis B.", para la pantalla, Kelly Reichardt cambió uno de sus personajes de género y pasó de ser un personaje masculino, el de "Chet",  por otro femenino el de "Jamie". De hecho Maile Meloy no sabía cuál era la intención de Kelly Reichardt al cambiar de género al ranchero hasta que vio una proyección. Ella comentó que le encantó cómo cambió la historia.

El productor ejecutivo Haynes señaló que el rodaje de Certain Women se centró en la vidas de unas mujeres que superan con dificultades el aislamiento y la soledad que sienten y eso , a pesar del hecho de que cada historia se cruza y muestra las relaciones de estas mujeres con otros personajes.

La película se estrenó el 24 de enero de 2016 en el Festival de Cine de Sundance quedándose Sony Pictures Worldwide Acquisitions (SPWA) con los derechos de distribución a nivel mundial y fue estrenada teatralmente en los Estados Unidos el 14 de octubre de 2016 por IFC Films y recaudó $ 1,068,054 en el país, convirtiéndose en la película más taquillera de la directora hasta la fecha .

Esta película de cine independiente y de historias cruzadas obtuvo algunos premios.  Entre ellas, Reichardt ganó el máximo galardón en el Festival de cine de Londres 2016 por esta película.

Como ya hemos dicho hay mucho de minimalismo en la forma de entender el cine en la directora. De hecho, Reichardt refleja este minimalismo de forma visual  enfatizando marcos de puertas, ventanas, espejos y estructuras arquitectónicas para fragmentar sus personajes dentro del marco.

Reichardt usa sonidos de ubicación a lo largo de la película, incorporando silbidos de viento o de un tren como vemos a inicio de la película.

Como ya hemos dicho la distribución internacional de la película quedó en manos de Sony- Sony Pictures Worldwide Acquisitions  - incluso antes del estreno de la película en Sundance.

La película pasó por otros festivales como el Festival Internacional de Cine de Toronto , el Festival de Cine de Nueva York ,  y el Festival de Cine The Art of Brooklyn. antes de ser lanzada comercialmente en octubre de 2016.

La película recibió la aclamación de la crítica en su estreno de Sundance.  Para Noel Murray en The Playlist la calificó como película  "totalmente cautivadora" mientras alababa el "efecto hipnótico" del ritmo lento.

Para Guy Lodge en Variety el elogió se centraba en la directora, Reichardt, a quien calificó como la "más tranquila de los grandes cineastas estadounidenses". Y añadió que era "Un peculiar y fascinante examen sobre las vidas vividas cuando incluso quienes las viven no están mirando."

Nigel M. Smith del britanico The Guardian elogió a Reichardt como "un maestro en dramas melancólicas y de lenta combustión". Y señaló "Igual que la mano como directora de Reichardt, las interpretaciones son discretas en todos los ámbitos, pero profundamente sentidas. (...)

Leslie Felperin en The Hollywood Reporter elogió la película y dijo de ella que era una "historia exquisita" y especialmente valoró el trabajo de la "recién llegada y luminosa" Lily Gladstone, pero calificó la película como un todo "un poco académica y seca"  y sentencia diciendo que es  "Un ejercicio cuidadosamente elaborado, pero un poco árido en la adaptación literaria."

Anthony Kaufman de Screendaily señala que "Con 'Certain Women', Kelly Reichardt confirma su estatus como principal poetisa del cine del noroeste de Estados Unidos."

Alonso Duralde en The Wrap comenta que "La película ofrece un escaparate para el tipo de interpretación y fotografía que nunca resulta vistoso, pero siempre se adapta perfectamente a la narrativa."

En Francia, Les Cahiers du cinéma colocó la película en tercer lugar en su tabla Top Ten 2017 (justo después de Twin Peaks (la serie estrenada en 2017) y Jeannette: La infancia de Juana de Arco ).

Además de lo dicho poco más arriba sobre reconocimientos en algunos certámenes cinematográficos, la película y algunas de sus actrices obtuvieron diversos premios como ocurrió en los Premios Independent Spirit que fue nominada a mejor director y actriz secundaria para Lily Gladstone.

El Círculo de Críticos de Nueva York valoró el trabajo como mejor actriz secundaria  de Michelle Williams, mientras que el Los Angeles valoró para el mismo a Lily Gladstone. Esta misma asociación , pero en Chicago nominó a mejor actriz secundaria y revelación a Lily Gladstone.

La Sociedad de Críticos de Cine de Boston premio como Mejor actriz de soporte a Lily Gladstone , valorando con un segundo premio al Mejor elenco.

El Círculo de críticos de cine de Florida así como la de San Diego o San Francisco  nominaron a mejor actriz de soporte a Lily Gladstone, mientras que el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York premió en diciembre de 2016 como mejor actriz  A Michelle Williams tanto por esta película como por Manchester by the Sea. 

La Asociación de Críticos de Cine de St. Louis Gateway 1 nominó como mejor actriz secundaria a  Lily Gladstone. Fue, como se ve, un gran descubrimiento.

En los Premios Gotham Certain women obtuvo una nominación a la mejor película y como nueva actriz para Lily Gladstone también la película fue nominada al Premio del público.

La alianza de mujeres periodistas de cine en diciembre de 2016 nominó a la Mejor mujer directora a Kelly Reichardt al igual que premió la ella como Mejor guionista.

Los críticos de IndieWire en  diciembre de 2016 consideraron  que la actriz debutante Lily Gladstone y que la película  habían sido las mejores del año. También el Festival de cine de Londres considero que era la mejor película

Al final y tras una reflexión llegamos a la idea de que la película es una película que resulta  ser todo un compendio de sensaciones dando lugar a un cine contenido, sopesado, tranquilo, relajado, silencioso, de planos largos, que va entrando poco a poco. Es un cine para ser digerido de forma lenta en la que puedes valorar las historias como tres historias diferentes centradas en tres mujeres de Montana   en la que finalmente sus vidas se cruzan mínimamente y de manera tangencial, siendo esta poco o nada relevante.

Lo más auténtico, desde luego, es este retrato femenino- yo creo que bastante incompleto- de cuatro mujeres sometidas en parte a unas normas sociales en la que lo machista está presente, pero que no es del todo determinante. Son mujeres que tienen un valor en sí mismas, no por su compañía. Puede ser en ese sentido un relato feminista, pero no hembrista. Es feminista en el sentido auténtico del término defendiendo la igualdad entre hombres y mujeres. Y, es cierto, que en la película vemos toques machistas existentes que perviven en la sociedad de esa Montana profunda como pudiera pervivir en Andalucía o en la Apulia. Vemos que , efectivamente, una aparentemente gran profesional como la abogada que es ignorada , inicialmente por su cliente, ¿por el hecho de ser mujer? Puede ser. Pero, por contra, para Will es a la única persona que es capaz de escuchar lo que le dice. Puede ser que en el segundo la dependencia de Gina  o Michelle Williams con respecto a su marido, que es el amante de Laura, sea la de colocarla en una difícil situación ante la hija o ante Albert, pero - creo- que es una relación que no le aporta nada a ella. Y en la de Beth  o Kirsten Stewart ésta queda anulada en la pantalla por la aparición de una inmensa Lilly Gladstone, una marginada acostumbrada al rechazo y a la soledad por ser mujer, por ser pobre y por ser india, pero que se sobrepone a su desaparición.

Lo que si puede ser relevante como he leído es que no podemos apartar las historias del entorno. Y es cierto es la película se centra en tres espacio diferenciados. Y mientras que la primera transcurre en una ciudad y en ella la "women" se enfrenta a su cliente y a sus problemas personales, la segunda en las afueras de esa misma ciudad y se enfrenta a su familia y su entorno; mientras que la tercera es en un entorno rural y el enfrentamiento es una mujer frente a otra.

Así pues Reichardt, narra unas historias sencillas en los que el drama  es contenida , en la que la vida fluye como los ríos de Montana, mansamente, como en el Clark Fork river, uno de los afluentes del río Columbia, en el que te bañas o bajas en balsa o en un neumático por esas frías aguas que desembocan en el Pacífico. Vemos que la película trata de como la vida fluye y continúa. No hay duda de que todo se transforma pero que también que todo permanece en esta  historia contenida y arrebatadoramente femenina.

En Montana, como en otros muchos sitios la gente vive de forma auténtica, es gente corriente que se enfrente al día a día con honestidad,personas que tienen nuestros mismo anhelos y los mismos problemas que cualquiera que no llevan a situaciones dramáticas puede que patéticas, incluso egoístas, pero , desde luego, alejados de lo trágico.

Eso hemos visto, pero sobre todo hemos visto una tierra auténtica, el cuarto estado más extenso y uno de los menos poblados, un estado que es un tesoro, con montañas que brillan en el "País del gran Cielo". Un real "Big Sky Country", dominado por el espíritu demócrata donde el sentido dominante, como decían mis amigos de allá es el "Freedom". Y cuando pienso en lo bien que fue tratado allí mi mente se remite a una idea: "Smile you´re in Montana".

Jurassic Park

Tuvo que ser el 31 de septiembre de 1993. Era de noche . Una noche agradable, para pasear con media manga por las calles de una ciudad de clima suave y húmedo como Pontevedra. El día anterior , viernes, habían estrenado Parque Jurásico una película dirigida por Steven Spielberg, basada en la novela homónima del escritor Michael Crichton. Yo iba acompañado y nos dirigíamos, como todas las noches al Carabela, el café situado en el corazón de la zona monumental, al lado de la plaza de A Ferrería y con de la A Estrella que este año cumple su 71 aniversario. Antes de llegar al mismo nos encontramos con una pareja amiga. Nos digo que venían del cine y que habían visto una película espectacular. Según ellos, no habían visto nunca unos efectos especiales así. Comentaban que nunca se hubiesen imaginado así lo dinosaurios, eran tan naturales que parecían que podrían cruzar la calle en aquel momento. Días más tarde, fuimos a ver la película y comprobamos que la película era una maravilla, ¡qué menos! y no lo olvidemos, era de Steven Spielberg .

La película era una producción de su compañera habitual en la producción cinematográfica, Kathleen Kennedy, que junto con su esposo , el también productor y cineasta, Frank Marshall, ha participado como productora ejeutiva y asociada en alguna de las mejores películas de la década de los ochenta hasta 2008, cuando Kennedy era la productora de cine más exitosa de todos los tiempos, en términos de recaudaciones en Estados Unidos, teniendo ganancias estimadas en más de $ 5000 millones de dólares. La ex-presidenta de Lucasfilm , que una vez vendida a Disney es , además, la productora de la nueva saga de Star Wars.

En esta película el tandem Spielberg - Kennedy estaba acompañada por Gerald R. Molen, y lo hacían por medio de las productora Amblin Entertainment y con la Universal Studios encargada de la distribución. Contó con un elevadísimo presupuesto de unos 63 millones de dólares USD$. La recaudación alcanzó la mareante cifra de más de 1 029 millones de dólares USD$.

En guión en este caso está escrito por Michael Crichton , un médico, escritor y cineasta estadounidense fallecido en 2008, considerado el iniciador del estilo narrativo llamado tecno-thriller y en este caso autor del libro Jurassic Park, en 1990, que contó con la colaboración de David Koepp.

En la música participó el compositor John Williams, autor de varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Star Wars, Indiana Jones, La lista de Schindler, Memorias de una Geisha, Harry Potter, Inteligencia Artificial entre muchas otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, de numerosas series de televisión y varias piezas de concierto. Williams ha recibido el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en cinco ocasiones y tiene en su haber sólo de 50 nominaciones, aunque ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.

En cuanto la fotografía aquí corresponde a Dean Cundey, un habitual en la obra de John Carpenter , aunque también lo hará con Robert Zemeckis o Ron Howard. En otras cuestiones técnicas destaca el montaje de Michael Kahn y los efectos especiales de Stan Winston.

El  reparto lo componen Sam Neill como el Dr. Alan Grant, Laura Dern como la Dra. Ellie Sattler, Jeff Goldblum como Dr. Ian Malcolm, Richard Attenborough como John Hammond, Ariana Richards como Lex Murphy, Joseph Mazzello como Tim Murphy, Wayne Knight como el programador Dennis Nedry, Samuel L. Jackson como Ray Arnold, Bob Peck como el encargado de segutidad Robert Muldoon, Martin Ferrero como el abogado Donald Gennaro, BD Wong como Henry Wu, Gerald R. Molen como Gerry Harding, Cameron Thor como Lewis Dodgson, rival de la empresa.

En isla Nublar, ubicada en la costa cercana a Costa Rica, un empleado de InGen —Tecnologías Genéticas Internacionales, Inc., por sus siglas en inglés— es atacado por un misterioso y letal animal, cuando lo pretendía liberar de su caja en su futuro hábitat en el reciente parque temático en construcción. Su muerte origina un conflicto entre la familia del empleado asesinado e InGen, tal y como informa poco después el abogado Donald Gennaro (Martin Ferrero ), abogado que representa a los inversores del gerete de InGen, John Hammond (Richard Attenborough).

Como consecuencia, el gerente John Hammond es presionado por los inversores del proyecto, para permitir una investigación segura por expertos en la isla, antes de la apertura del parque. Hammond visita al paleontólogo Alan Grant (Sam Neill) y a la paleobotánica Ellie Sattler (Laura Dern), en su campamento paleontológico en la zona de los Badlands de Montana y les propone financiar sus estudios algunos años a cambio que sean parte del comité de evaluación.

Desde el principio descubrimos que el Dr. en Paleontología Alan Grant, no le agradan los niños ; mientras que la Dra. Ellie Sattler, experta en paleobotánica y novia de Grant, les encantan y de hecho quiere tener algunos en un futuro.

Los tres conjuntamente en compañía del matemático Ian Malcolm (Jeff Goldblum) y profesor de la Teoría del Caos y el representante de los inversores Donald Gennaro acaban viajando a la isla de Nublar. Los tres científicos desconocen que John Hammond tiene como anhelo por conseguir la interacción entre dinosaurios y el ser humano, lo que despertó su obsesión por construir el parque Jurásico.

Tras dejarlos un helicóptero en un helipuerto de la isla, se introducen en un todoterreno que los llevará hasta las instalaciones centrales del futuro parque temático.

Al entrar en el parque, cuyo nombre es Parque Jurásico, los investigadores divisan con asombro un enorme ejemplar de una Brachiosaurus, revelándose solo en este momento a ellos la verdadera naturaleza del parque; poco después a una manada de Brachiosaurus junto con otros dinosaurios herbívoros.

Poco después llegan al interior de los laboratorios. Allí mediante un breve reportaje se les informa sobre la técnica empleada por los científicos para recrear a las diferentes especies de dinosaurios. Se nos dice que InGen creó a los dinosaurios a partir de la clonación genética de materia fósil hallada en mosquitos prehistóricos que se alimentaron de la sangre de dinosaurios durante la época jurásica, preservados en ámbar a través del transcurso del tiempo, y que se estaban excavando al principio de la película. El ADN de esos especímenes fue terminado con la adición de segmentos genéticos provenientes de anfibios como ranas, con tal de reponer las secciones originales dañadas por el paso del tiempo.

Durante el proceso, fueron creados solo dinosaurios hembra estériles para prevenir su procreación y una posible e incontrolada sobrepoblación de dinosaurios en la isla, también se les diseñó con una fallo endocrino que los hace incapaces de generar lisina, por lo que si no la consumen en sus alimentos en horas caerán en coma y morirán, de esta forma se ha pensado posible evitar una fuga exitosa.

Malcolm, quien advierte del riesgo de la clonación de dinosaurios y al proyecto del parque Jurásico, y Sattler no están completamente de acuerdo con el proyecto de InGen, catalogándolo de caótico. Esto no se lo informan a nadie, puesto que solo forma parte de una conversación entre ambos mientras que Grant aunque está fascinado con los dinosaurios del parque no oculta también su desacuerdo con el proyecto, especialmente después de enterarse que crían velocirraptores y que han descubierto que estos cazan en manada y tienen una inteligencia altamente desarrollada.

Finalizada la explicación interactiva de InGen, y la realizada directamente en el laboratorio por B. D. Wong (Henry Wu) , un genetista del parque y responsable de que los ejemplares creados genéticamente sean debidamente registrados, los investigadores son llevados a recorrer el parque, para conocer como si fuesen visitantes cada una de las instalaciones del complejo.

Para realizar las visitas le acompañan unos recién llegados, los nietos del gerente, Alexis y Tim Murphy, éste último un fanático de las obras publicadas del Dr. Grant, quienes los acompañan en el recorrido vehicular. Los niños y sus familias son los principales consumidores de este parque.

Mientras llevan a cabo la visita, que por cierto resulta decepcionante para los visitantes , pues no aparecen los prometidos dinosaurios hasta que por fin se encuentran con un Triceratops que aparece cuidado por Gerry Harding (Gerald R. Mole), veterinario del parque quien se hace cargo de los cuidados de un Triceratops enfermo, poco antes de la llegada del ciclón a la isla.

Sattler cree que está envenenado con unas bayas del parque como concluye la botánica Sattler, quien decide volver junto al veterinario en coche a la central, y porque un ciclón tropical comienza a formarse en un perímetro cercano a la isla Nublar, por lo que la mayoría de los empleados abandona las instalaciones, excepto por el gerente, el oficial del parque Robert Muldoon (Bob Peck),y experto en los velociraptores , el ingeniero Ray Arnold )Samuel L. Jackson)y el programador del Parque Dennis Nedry (Wayne Knight) quien, previa a la apertura de parque Jurásico, había sido sobornado por la empresa rival de InGen y en concreto por Lewis Dodgson (Cameron Thor) , gerente de la corporación rival de InGen, quien le proporcionó a Nedry un recipiente en donde guardaría los embriones robados y para robarle a ésta algunos embriones de dinosaurios.

Arnold convence a Hammond de pausar el recorrido de investigación para llevarlo a cabo al día siguiente; al mismo tiempo el anciano discute con Nedry, quien se muestra inconforme por la empresa por su sueldo y por gran exigencia de trabajo que se le ha encargado corrigiendo a contrarreloj las fallas en la red computacional de la isla, por lo que considera que se le ha remunerado menos de lo merecido.

Nedry, que ya había sido contratado por la empresa rival de InGen, Byosin, para robar algunos embriones de dinosaurios, decide bloquear el sistema de seguridad del parque para poder infiltrarse en los laboratorios, dejando a la mayoría de las instalaciones sin protección alguna en sus enrejados, con excepción de la cerca perimetral de las velociraptores. Tras robarlos su intención es huir de la isla en un barco que quiere zarpar ya, pero con la lluvia se extravía en la selva donde además de perder las gafas, es devorado por una de los dinosaurios que se han liberado con el corte eléctrico, un Dilophosaurus.

Mientras en la instalación del Tyrannosaurus Rex es una de las que quedan desprotegidas, por lo que su ejemplar ataca a los dos vehículos del recorrido que permanecían estáticos frente a esa instalación en el momento de ser cortado el suministro eléctrico; hiere a Malcolm en una pierna y a los nietos de Hammond y a Grant, aunque devora a Gennaro que está escondido en un WC.

El Dr. Grant y los niños alcanzan a huir de él y Grant tras lograr salvar a Tim del interior del vehículo y llevarlo, no sin dificultades hasta el suelo, se dirigen a un frondoso árbol, deciden escalarlo hasta llegar a la copa para descansar y dormir durante la noche.

Mientras tanto, Malcolm es auxiliado por la Dra. Sattler y por Muldoon que llegan para ver lo ocurrido en las instalaciones del Rex y llevado a un sitio seguro para su recuperación. Al día siguiente, al amanecer, Grant y los niños encuentran al pie del árbol nidos silvestres de dinosaurios percatándose de que algunas especies han estado procreando; el Doctor Grant concluye que el segmento genético de las ranas fue el responsable de ello, pues algunas especies de ranas en África occidental son conocidas por cambiar esporádicamente de sexo al encontrarse en un ambiente unisexual.

Desde la sala de control, Arnold intenta desbloquear los sistemas de seguridad bloqueados por Nedry. Finalmente, la única manera de hacerlo es reiniciando los sistemas del parque, lo cual causaría que todos los sectores e instalaciones quedasen completamente inactivos hasta su reactivación manual desde el barracón de distribución eléctrica.

Después de reiniciar los sistemas, Arnold acude al barracón para activar manualmente los interruptores de alimentación eléctrica, sin embargo no regresa. Pues ha liberado sin saberlo a los velociraptores de sus instalaciones Ellie y Muldoon acuden al barracón, descubriendo en el trayecto que los velociraptores han escapado de sus instalaciones —las cuales, a su vez, se hallaban en un perímetro adyacente al barracón—.

Muldoon aconseja a Ellie separarse, mientras él se ocuparía de cazar a los velociraptores que, a su suposición, estaban acechándolos en ese instante. Tras seguir a un velocirraptor Muldoon usa su sombrero como señuelo para emboscarlo y matarlo, sin embargo es sorprendido por otro velociraptor oculto entre la vegetación, ya que estos en realidad tendían una trampa para él y así acaban devorándolo.

Ellie logra restablecer la energía, pero debe escapar de otro velociraptor que se hallaba en el barracón, allí también encuentra los restos de Arnold.

Mientras tanto Alan, Alex y Timmy intentan llegar al complejo , aunque antes de llegar ven la actividad depredadora del Tyrannosaurius Rex como otras especies a los que ataca aprovechando la estampida de los Gallimimus.

El grupo tras protegerse intenta cruzar las rejas desactivadas, sin embargo, al ser activadas por Ellie, en el momento en que Timmy está en ellas, casi muere electrocutado. Sin embargo, se recupera y llegan .

Tras esto Alan deja a los niños en los comedores del centro y va en busca de supervivientes. Mientras Ellie logra salir del complejo y consigue encontrarse con Grant, con quien regresa a la sala de control, en donde Hammond y Malcolm se encuentran a salvo.

Al informarse del escape de los velociraptores, Grant se prepara con armas para protegerse de ellos. De manera repentina, los velociraptores aparecen ante el horror de Lex y Tim. Los chicos se escabullen hasta la cocina —donde casi los velociraptores consiguen atrapar a Lex y Tim—, y llegan después a la sala de control.

Alexis restaura los sistemas computarizados que controlan las cerraduras del parque para evitar que los velociraptores entren a la sala. Al hacerlo, Ellie pide auxilio por vía telefónica.

Sin embargo, los velociraptores rompen los cristales de las puertas electromagnéticas, por lo que el equipo escala y se adentra en el techo de la sala, que los conduce finalmente al centro de visitantes del parque.

En esa sala, un esqueleto de un ejemplar de Tyrannosaurus se encuentra expuesto. Al percatarse de la presencia de los velociraptores en el centro de visitantes, el equipo desciende del techo por medio del esqueleto para tratar de huir, aunque la ayuda llega por medio deel Tyrannosaurus verdadero que aparece repentinamente en el centro de visitantes y mata a ambos velociraptores, salvando involuntariamente a Grant, Ellie, Alexis y Tim en su oportuna aparición. Hammond,

Ellie, Grant, Malcom y los niños se suben a un jeep para llegar al sitio en donde un helicóptero los espera para irse de la isla. Grant menciona, en tono irónico, que no apoyará al parque, una decisión que ahora Hammond también comparte.

A bordo de la aeronave, los niños caen dormidos al lado de Grant, quien contempla a las aves volando en la cercanía —una de las especies evolucionadas que sobrevivieron a los dinosaurios, que ahora recreados han tomando control de la isla donde residiría el fallido proyecto Parque Jurásico. Acabando así la película.

Parece que hubo otro final en un planteamiento inicila. Originalmente, se pretendió que la película finalizara con el esqueleto del Tyrannosaurus —en el centro de visitas— cayendo encima de los velociraptores antes de que atacasen a Alan Grant, Tim, Lex, y Ellie Sattler. Hammond llega y entonces puede disparar a los velocirraptores con una escopeta.

Posteriormente, cuando la conclusión original fue considerada como demasiado simplista, el esqueleto fue sustituido por un Tyrannosaurus rex que ataca a los velocirraptores, salvando al Doctor Grant y a los otros. Esta conclusión también elimina la escena donde se le dispara a los velocirraptores, por lo que en una breve escena incluida se aprecia la escopeta en otro sitio.

En ambas versiones, los seres humanos supervivientes huyen rápidamente con Hammond en su jeep hacia el helicóptero y escapan de la isla. Desde que fue publicada la novela en 1990 hubo varios estudios de cine con la intención de hacerse con los derechos de la novela de Crichton antes de su publicación.

El escritor Michael Crichton comenzó a redactar la novela Jurassic Park después de pensar en una historia sobre un estudiante interesado en la clonación de dinosaurios. Antes de su publicación, fijó el precio por sus derechos en un monto de 1,5 millones USD en adición a un substancial porcentaje de las ganancias que las posibles adaptaciones de la misma tuvieran.

A su lanzamiento, Warner Bros. y Tim Burton, Columbia Pictures y Richard Donner, así como 20th Century Fox y Joe Dante intentaron adquirir los derechos de la misma, sin embargo Universal Pictures y Steven Spielberg los obtuvieron en mayo de 1990. Spielberg tuvo conocimiento de la obra apenas unos meses antes, mientras discutía con Crichton su próximo proyecto, la serie de televisión ER, aquí conocida como Urgencias. Fue , finalmente, Spielberg quien adquirió finalmente la licencia en 1990. En su opinión: «hay una gran cuestión moral en todo esto [...] La clonación del ADN podría ser viable, pero ¿es aceptable? ¿Es correcto para el ser humano hacer esto, o los dinosaurios tuvieron su única oportunidad de vivir hace millones de años?».

Tras obtener la licencia de la novela, Universal contrató a Crichton por 500 000 USD adicionales para escribir el guion. Sin embargo, el autor solo adaptó un 10-20 % del contenido total debido a la extensión de su libro. Terminó su libreto cuando Spielberg estaba filmando Hook, tras la cual el director quería dirigir La lista de Schindler.

Consciente de ello, la MCA, Music Corporation of America —en ese entonces propietaria de Universal— pausó la producción de La lista de Schindler con tal de que Spielberg dirigiera antes Parque Jurásico que, desde la perspectiva de este último, «era como una buena continuación de Tiburón, solo que en tierra firme». Crichton que estuvo involucrado en las primeras versiones del guion de la película, aunque Koepp y Malia Scotch Marmo fueron los responsables de la edición definitiva.

A finales de 1991 Malia Scotch Marmo fue contratada para redactar una nueva adaptación, en la que propuso ciertos cambios en la trama como la fusión de los personajes de Ian Malcolm y Alan Grant.

Eventualmente David Koepp, que antes había escrito el guion de Death Becomes Her, rescribió el guión de Marmo e hizo otras modificaciones, algunas de ellas a petición de Spielberg. Por ejemplo, para reducir drásticamente el contenido de la novela incluyó la escena del cortometraje que los protagonistas miran antes de entrar a Parque Jurásico, que les permite conocer de forma sintetizada las funciones de InGen y el proceso de clonación de los dinosaurios del parque.

También descartó la secuencia inicial del libro en la que un Procompsognathus ataca a un niño ya que a Spielberg le pareció «espeluznante», así como otra en la que el tiranosaurio persigue a Grant y los niños a lo largo de una ribera antes de ser inmovilizado por Muldoon.

En cuanto al desarrollo de los personajes, Koepp decidió volver más amable a Hammond, que en el libro resulta tener un carácter más despiadado. Spielberg luego confesó haberse sentido identificado con la teatralidad de este nuevo personaje

Otro aspecto que cambió fue la relación de Grant con los niños: al principio se comporta hostil con ellos pero va sensibilizándose conforme transcurre la historia. Finalmente, el libreto definitivo quedó concluido el 11 de diciembre de 1992.


El rodaje tuvo lugar en Kauai y Kualoa Ranch, en Oahu (Hawaii) y en Red Rock Canyon en California entre agosto y noviembre de 1992. Tal y como ocurre en la novela, Spielberg quería grabar Parque Jurásico en Costa Rica pero al final prefirió la isla hawaiana Kauaʻi, donde había filmado antes En busca del arca Perdida o Raiders of the Lost Ark. Después de veinticinco meses de pre producción, el rodaje comenzó el 24 de agosto de 1992 en este lugar, donde el cineasta estuvo haciendo tomas diurnas durante tres semanas en exteriores.

Durante ese tiempo, el equipo de producción perdió un día de rodaje debido al paso del Huracán Iniki el 11 de septiembre, aunque varias escenas fueron grabadas en ese período. Una de las escenas iba mostrar la persecución del personaje de Samuel L. Jackson por raptores, sin embargo el set que iba ser usado en dicha secuencia quedó destruido por el huracán por lo que Spielberg decidió descartar la toma. Filmaron la secuencia inicial en el área de Haiku, en la isla Maui, y en Niʻihau.Se trasladaron luego a la isla Oahu, en donde grabaron la estampida de los Gallimimus.

De vuelta en Estados Unidos en septiembre de 1992, el reparto grabó en el estudio 24 de Universal las escenas de los velociraptores en la cocina. Como el set original era relativamente pequeño, el equipo de producción decidió ampliarlo. En el edificio 23 se llevaron a cabo las tomas del barracón de distribución eléctrica del parque, mientras que en Red Rock Canyon rodaron las escenas iniciales de la película, en un área de excavación que en la cinta es citada como «una región baldía o badlands de Montana».

Regresaron a Universal para grabar la escena del rescate de Tim, para la cual utilizaron un dispositivo de 15 metros con ruedas hidráulicas. Ahí rodaron también el encuentro de los protagonistas con los Brachiosaurus. Las computadoras que aparecen en los laboratorios y la sala de control del parque poseen animaciones producidas por Silicon Graphics y Apple Inc. Estas animaciones pueden apreciarse por ejemplo en la escena en la que Nedry está hablando con el representante de Biosyn: en la película se supone que es una conversación en vivo, sin embargo en realidad se trata de un archivo de vídeo.

Si bien la novela menciona que los autos del parque son de Toyota, para la película fueron usados siete Ford Explorer, los cuales el equipo de ILM modificó de forma que ocultaron al conductor en la cajuela para crear la ilusión de que eran autonómos.

Para la escena en la que el tiranosaurio ataca los vehículos de los protagonistas, acudieron al estudio 16 de Warner Bros. Esta escena sufrió algunos retrasos debido a que, al principio, la piel goma espuma del dinosaurio se mojaba a consecuencia de la lluvia que también forma parte de la misma toma. Malcolm sugirió la escena en la que su personaje aparece distrayendo al tiranosaurio con un cohete de señalización para agregarle un tono más heroico, ya que en el guion su personaje huía junto con Gennaro al ver al dinosaurio.

En el set 27 de Universal el reparto grabó las escenas del Dilophosaurus, mientras que en el 12 filmó las persecuciones de los velociraptores en la sala de control y el centro de visitantes del parque. A petición de Spielberg incluyeron al tiranosaurio en el desenlace de la película, algo que no estaba en el guion de Koepp.

Finalmente la etapa de rodaje finalizó el 18 de noviembre, pocos días antes de que Michael Kahn acabara el libreto de La lista de Schindler. No obstante, su producción terminaría hasta el 28 de mayo de 1993.

El reparto estuvo integrado en los principales papeles por Richard Attenborough, Sam Neill, Jeff Goldblum y Laura Dern.

Desde el comienzo de la producción, Neill se convirtió en la primera elección de Spielberg pero éste no pudo aceptar el papel ya que estaba ocupado en ese instante. Las siguientes opciones de Spielberg fueron Richard Dreyfuss y Kurt Russell, sin embargo la contratación individual de ambos resultaba demasiado costosa. Una tercera alternativa, William Hurt, no aceptó el papel, e inclusive Harrison Ford rechazó también la propuesta. Sin más candidatos para el personaje, Spielberg se vio obligado a retrasar un mes el rodaje de Jurassic Park para que Neill pudiera interpretar a Alan Grant, inspirado en el paleontólogo Jack Horner.

Por su parte, Laura Dern optó por reunirse con Horner y visitar el Museo de Historia Natural de Los Ángeles para conocer el proceso de fosilización y adentrarse en el contexto requerido por la trama de la película. Originalmente, el papel se le ofreció a la actriz Juliette Binoche, pero esta lo rechazó con tal de aparecer en la cinta Trois Couleurs: Bleu, al igual que Robin Wright.

Jeff Goldblum fue la elección original de Spielberg, pues compartía con él un especial interés y simpatía por los dinosaurios. Para interpretar a su personaje, Goldblum se reunió con científicos para discutir la Teoría del Caos.

Richard Attenborough fue recuperado como actor en Jurassic Park pues fue la primera actuación de Attenborough desde The Human Factor de 1979. Originalmente, se le ofreció el rol a Sean Connery. Para el papel del oficial del parque y experto en velociraptores que asumió Bob Peck, originalmente, el equipo pensó en Brian Cox para encarnar este personaje.

Cabe decir que se ofreció un papel a Morgan Freeman en Parque Jurásico, pero éste rechazó la invitación debido a que pensaba que el concepto de una película sobre dinosaurios era «absurda».

Además, Richard Kiley hace una breve actuación en el filme al ser el narrador del recorrido por las instalaciones del parque jurásico (en las escenas iniciales); Kiley fue contratado debido a que en la novela es mencionado por John Hammond como el narrador original de dicho recorrido. Algunas fuentes consideran que esta podría ser la primera vez que un famoso que es mencionado en un libro aparece también en la adaptación respectiva para interpretarse a si mismo.

Un papel fundamental será el asumido por Phil Tippett e Industrial Light & Magic produjeron los efectos especiales.

Al mismo tiempo que Crichton adaptaba su novela al guion inicial de Parque Jurásico, el diseñador de producción Rick Carter, que ya antes había trabajado con Spielberg en Cuentos asombrosos, convocó a algunos ilustradores y especialistas para crear los guiones gráficos.

Se acordó reducir las especies de dinosaurios de la novela —de quince a solo seis— y llevar a cabo un minucioso análisis científico con tal de ofrecer a la audiencia una mayor precisión respecto a la representación de los dinosaurios en la gran pantalla.

Para los modelos robóticos de los dinosaurios Spielberg quería contratar inicialmente a Bob Gurr, quien lo había dejado impresionado con su trabajo en la atracción «Kongfrontation» del parque temático Universal Studios, Sin embargo luego se decantó por Stan Winston.

A finales de 1990 el productor asociado Lata Ryan contrató algunos especialistas en efectos especiales, entre los cuales estuvieron Dennis Muren —a cargo de supervisar la composición digital de los modelos creados por Winston—, Phil Tippett —para animar a los dinosaurios con la técnica go motion en las escenas más extensas—, y Michael Lantieri —para supervisar los efectos escenográficos y demás aspectos visuales de cada toma—.

Por otra parte, también ese período se integró al equipo el paleontólogo Jack Horner, cuyo objetivo consistió en evaluar los diseños digitales de los dinosaurios.  La visión del equipo técnico era «retratar a los dinosaurios como animales en vez de como monstruos», de acuerdo a la perspectiva de Spielberg.

Una de las primeras acciones de Horner fue la de sugerir que eliminaran las lenguas de los velociraptores, manifestando a manera de queja que «¡Los dinosaurios no pueden hacerse de esa manera!»,

A su vez, el estudio de efectos especiales de Winston comenzó a producir los modelos robóticos sobre la base de diversos rasgos conocidos de los dinosaurios. Cada vez que concluía un modelo, se encargaban de texturizar la piel en látex, la cual luego colocaban sobre la estructura robótica.

Mientras tanto, Tippett creó animaciones cuadro por cuadro (técnica conocida como stop motion) para las principales escenas donde aparecerían dinosaurios. Para realizar los efectos digitales del tiranosaurio fueron contratados los animadores Mark Dippe y Steve Williams.

A pesar del esfuerzo del equipo, Spielberg no estaba completamente convencido de combinar los efectos digitales con actores y escenarios reales, mostrándose un tanto «escéptico» respecto a esta técnica cinematográfica, ya que pensaba que la tecnología haría ver a los dinosaurios como «anticuados» y «de baja calidad».

No cambiaría de parecer sino hasta después de que le mostraron una escena producida por ILM, en la que simularon el recorrido de un tiranosaurio.

Winston pasó un año completo realizando investigaciones sobre los dinosaurios, entrevistando a paleontólogos al respecto y visitando museos. Su labor estuvo encaminada en integrar algunos grupos de trabajo que tendrían diferentes responsabilidades a su cargo. Por ejemplo, un equipo de doce especialistas se encargó de diseñar el modelo del tiranosaurio, que al final acabó midiendo 20 pies (6 m) de altura. Fue construido con fibra de vidrio y 3 000 libras de arcilla, el cual después cubrieron con látex y pintaron. Para recrear sus movimientos, construyeron un mecanismo hidráulico controlado por computadora reminiscente de los simuladores de vuelo usados por la tecnología militar estadounidense, y sobre el cual montaron el modelo robótico.

De manera simultánea, otro equipo de solo cuatro personas tenía como responsabilidad controlar físicamente un modelo a escala de reducción del tiranosaurio, cuya finalidad era recrear otros movimientos del dinosaurio.

Una computadora grababa la secuencia y programaba el robot original de tal forma que pudiera emular los movimientos del modelo a escala maniobrado por este segundo equipo.

Otros modelos robóticos construidos para la película incluyeron uno de 6 pies (2 m) de altura de un velociraptor, otro de un Brachiosaurus, uno de un Triceratops, uno de Dilophosaurus y otro de una cría de velociraptor.

Cabe señalar que se produjo otro robot de una cría de Triceratops para una escena en la que los protagonistas se montaban sobre el animal, sin embargo debido a que la toma fue descartada en la edición final este modelo no aparece en Parque Jurásico.

Tras supervisar los movimientos digitales de los dinosaurios, Tippet agregó otros efectos digitales en ciertas escenas de la película. Con ayuda de Industrial Light & Magic, Muren creó composiciones digitales para las escenas del movimiento del agua, el andar del tiranosaurio y algunas tomas en las que reemplazó digitalmente el rostro de la doble de Ariana Richards.

Finalmente, la labor de Lantieri —que también coordinó la producción de efectos especiales— se enfocó en los aspectos mecánicos de los robots de Winston: construyó grúas y aparejos para facilitar el traslado de los dinosaurios mientras rodaban en exteriores y grababan algunas tomas especiales.

Durante las últimas fases de la producción, Spielberg supervisó el progreso técnico del equipo desde Polonia, en donde se encontraba rodando su siguiente película.

Mientras tanto el compositor John Williams comenzó a producir el sonido y la banda sonora de la película a finales de 1993. En su opinión: «los temas musicales debían combinar un sentimiento de admiración y fascinación por la felicidad y emoción abrumadoras» de ver a dinosaurios.

La dirección musical de sus composiciones corrió a cargo, un mes después, de John Neufeld y Alexander Courage, siendo grabada en Sony Scoring Stage, en Culver City, California. La misma fue supervisada por George Lucas, hasta su conclusión, a finales de abril.

Su estreno ocurrió el 25 de mayo de ese mismo año y está compuesta de 16 temas musicales.En 2013, con motivo del 20° aniversario del estreno de la película, salió a la venta una edición digital del material de Williams, que incluye cuatro pistas adicionales elegidas por el propio compositor..

Como ocurrió por ejemplo con Batman uno de los aspectos en los que se centro la   Universal fue en el merchandaising  estableciendo contratos con alrededor de 100 compañías para darle publicidad en mil productos.

La campaña, planeada quince meses antes de que siquiera Universal pudiera ver una secuencia del filme terminado, también incluyó el lanzamiento simultáneo de tres videojuegos basados en el filme y realizados por SEGA y Ocean Software, una línea de juguetes hecha por Kenner y distribuida por Hasbro, así como una adaptación literaria dirigida hacia los niños.

Por otro lado, los productores decidieron que la banda sonora incluyera material inédito antes de ser lanzada a nivel comercial.

Días antes de su estreno, se transmitieron los avances promocionales de la película; en lo particular, brindaban solamente ligeros vistazos a escenas relacionadas directamente con dinosaurios, algo descrito más tarde por Josh Horowitz como «lo que el viejo Spielberg acostumbra hacer: nunca revelar demasiado sobre sus películas antes de estrenarlas», luego de que hiciera lo mismo para la producción de Transformers, en 2007.

La película tuvo como lemas comerciales «Una aventura hecha 65 millones de años atrás», que resultó de una broma hecha con respecto al genuino mosquito en ámbar usado en el bastón de Hammond, así como «El descubrimiento más fenomenal de nuestra era... se convierte en la mayor aventura de todos los tiempos».

Jurassic Park fue estrenada oficialmente en el Museo Nacional de la Construcción el 9 de junio de 1993 en Washington D.C., patrocinando a dos asociaciones caritativas infantiles.

Al año siguiente, se hizo acreedora a 3 premios Óscar en las categorías de «Mejores efectos de sonido», «mejores efectos visuales» y «mejor sonido». Otros 16 premios más fueron entregados a algunos miembros del elenco en diferentes premiaciones.

Además, tras su estreno, se convirtió en la primera película en hacer uso del sistema de codificación de audio DTS en toda la historia del cine.81 Atracción relacionada con la película en Islands of Adventure, de Universal Studios. El 4 de octubre de 1994 hizo su debut en formato de vídeo VHS, mientras que su primera aparición en formato DVD fue el 10 de octubre de 2000.

A su vez, el DVD fue relanzado con la trilogía el 11 de diciembre de 2001, bajo el nombre de Trilogía Parque Jurásico y Colección de aventuras de Parque Jurásico el 29 de noviembre de 2005.

Durante el período de comercialización de los anteriores formatos de video, Steve Englehart escribió una serie de historietas que continuarían el argumento de Jurassic Park. La serie constó de un total de 19 ediciones divididas en 4 volúmenes (Raptor, Raptors Attack, Raptors Hijack y Return to Jurassic Park), que luego serían agrupadas para su venta en Estados Unidos y Reino Unido, siendo publicadas a su vez por Topp Commics.

Ocean Software realizó también un juego virtual a manera de continuación de sus anteriores videojuegos, que habían sido lanzados de manera simultánea al estreno de la película. Su adaptación fue titulada Parque Jurásico Parte II: El caos continúa y estrenada en 1994 para las videoconsolas Super NES y Game Boy.

La atracción Jurassic Park Ride comenzó a desarrollarse en noviembre de 1990, y se estrenó finalmente en el parque temático de Universal Studios, en California, el 15 de junio de 1996, con un costo total de 110 millones USD.

Inicialmente, los diseñadores de la atracción planearon constituirla con la premisa ficticia de un supuesto contrato establecido entre Hammond y Universal, con la finalidad de reconstruir el parque Jurásico en el parque de Universal Studios California.

En marzo de 1999, la expansión Islands of Adventure, en el parque Universal de Florida, inauguró el sector temático Jurassic Park, el cual está completamente dedicado a la película e incluye el recorrido original (estrenado en 1996, aquí renombrado a Jurassic Park Ride Adventure), al igual que otras atracciones basadas en las diversas adaptaciones que tuvo el filme.

A comienzo de 2012, Universal anunció que se estrenaría una versión en cines en formato 3D el 19 de julio de 2013.

Se convirtió en la película más exitosa, superando en acogida a E. T.: El extraterrestre. Tras su estreno, Parque Jurásico recibió críticas positivas por parte de la prensa que describió los efectos especiales como innovadores para la cinematografía de ese entonces, aunque también hubo inconformidades con la adaptación de la novela.

Durante su proyección original obtuvo más de 914 millones de USD, convirtiéndose en una de las más exitosas películas de todos los tiempos —es una de las películas con mayores ganancias de la historia— y en un hito respecto al uso de los efectos digitales para la filmación de películas. Estaba claro , como repite machaconamente el magnate Hammond, "no había reparado en gastos", ya que en este caso funcionaban, y muy bien, los ingresos.

Tras su estreno, Parque Jurásico obtuvo críticas principalmente positivas por parte de la prensa, aunque las pocas críticas que surgían se centraban en  la  falta de una sensación real de maravilla y asombro en sus personajes principales, pues si bien es cierto que alucinan cuando ven el primero o con el Triceratops, no lo hacen permanentemente  y otros critican que se trata de una adaptación «pobre» de la novela. Bueno, yo no puedo opinar, pues no la he leído.

Contrariamente, elogiaron el aspecto técnico y manifestaron que los efectos especiales eran de tal calidad que hacía que los dinosaurios lucieran reales, con lo cual se marcaba un hito en la cinematografía contemporánea.

En el agregador de críticas la web Rotten Tomatoes ostenta un 90% de aprobación general, concluyendo que «es todo un espectáculo de efectos especiales y criaturas animatrónicas que posee algunas de las mejores secuencias de temor constante y terror dirigidas por Spielberg desde Tiburón».

Rita Kempley, del The Washington Post, comentó que si bien la cinta puede ser catalogada como «un hito cinematográfico», falla en cuanto al desarrollo de la trama y los personajes, a los cuales consideró como simples «curiosos por los dinosaurios», a diferencia de Tiburón, en donde cada personaje muestra signos de impresión cuando la criatura hace su aparición en alguna escena.

De forma similar, Roger Ebert sugirió que Spielberg debió añadir más profundidad y misterio en la trama, pues en Tiburón se mantiene un mayor interés en el desarrollo de los eventos al hacer que el tiburón que da nombre a la cinta no aparezca en escena hasta ya avanzada la historia; en su evaluación, señaló: «[...aunque es] un triunfo en el tema de los efectos especiales, la película carece de otras cualidades que requiere aún más, tales como el sentido de temor y admiración, y fuertes valores e ideales humanos». No obstante, el redactor del Chicago Sun-Times concluyó: "Si quieres grandes dinosaurios, tendrás grandes dinosaurios (...) "

Peter Travers, en su habitual columna en la revista Rolling Stone, señaló que «comparados con los dinosaurios, los personajes humanos son huesos secos. Crichton y el coguionista David Koepp los han aplanado en nulidades en el trayecto que resulta de las páginas de la novela a la pantalla grande». En cuanto al protagonista, Alan Grant (interpretado por Sam Neill), Travers resumió que «si la película carece de un villano verdadero, entonces también carece de un héroe creíble. Neill, un talentoso actor, no posee la presencia estelar para interpretar a este Indiana Bones [en referencia a Indiana Jones)». Travers  añade en la revista Rolling Stone que es "Un entretenimiento colosal - te quedarás con los ojos como platos, alucinado, el viaje más lleno de emoción del verano y probablemente del año (...)

James Berardinelli, de ReelViews, observó que aunque «la mayor debilidad de la novela es su caracterización, y ese mismo problema es completamente evidente en la adaptación fílmica», sus efectos especiales son «tan buenos que los dinosaurios lucen reales en cada escena».

Todd McCarthy, de Variety, detalló en su reseña que aún cuando «pudiera ser unidimensional e incluso torpe en la historia y la caracterización, definitivamente logra su cometido en emoción, suspenso y la realización estupenda de reptiles gigantes».

Contrariamente, en cuanto a comentarios negativos, Jonathan Rosenbaum, de Chicago Reader, señaló: «La moral sucedánea de Parque Jurásico sobre los peligros de manipular la naturaleza, se remonta a The Lost World (1925), pasando por King Kong e Island of Lost Souls (1933), aunque hay más espíritu en cualquier escena de King Kong que en las actuaciones exageradas de esta película». 

Steven Rea en el Philadelphia Inquirer decía que "Las estremecedoras pisadas de esos reyes de las lagartijas son tangibles y asombrosas. La tripulación spielbergiana de artistas de efectos de dinosarios ha conjurado una colección mesozoica cuyo realismo supera todo lo visto en cine"

Janet Maslin del The New York Times comentaba que "El señor Spielberg se divierte mucho con cada gruñido y cada estruendo que señala la proximidad del peligro ..."

Al otro lado del país, Mick LaSalle del San Francisco Chronicle "Una gran película de monstruos" 

Richard Corliss en Time sostenía que era necesaria "Para que los dinosaurios volvieran a gobernar la tierra, los monstruos necesitaban ser majestuosos y amenazantes. Y Spielberg lo ha conseguido"

Desson Thomson en las páginas del The Washington Post afirmaba que "El suspense y la magia técnica son las únicas razones para ver 'Parque Jurásico'. En una película de verano, eso es más que suficiente (...). Pero el guionista Michael Crichton, adaptando su popular novela (...) se carga casi todo lo que hizo del libro una lectura entretenida "

Kenneth Turan en una columna del Los Angeles Times señalaba que"Toda la imaginación y el esfuerzo (...) usados para hacer de los dinosaurios (...) algo emocionante aparentemente no dejó tiempo para hacer que las personas fueran igualmente creíbles o atractivas"

Duane Byrge en The Hollywood Reporter entendía que "El elenco de actores está bien elegido se va ganando tu simpatía y tiene una singularidad entretenida"

En cuanto a críticas en español, el sitio web argentino Arlequin mencionó lo siguiente en su evaluación: «En términos de peso, Parque Jurásico es el equivalente de La Guerra de las Galaxias del fin del milenio: es una película formidable que rompe barreras en cuanto a niveles técnicos y establece nuevos estándares. Nadie en el mundo sabía lo que eran los CGI hasta que vio los dinosaurios de Spielberg».

Sobre los comentarios negativos respecto a la trama y los personajes, la misma fuente consideró como «desacertadas» dichas críticas, y explicó que, desde su perspectiva, el filme logra su cometido de entretener de manera «formidable» a la audiencia.

Por otro lado, el diario español El País nos muestra la sorprendente por lo negativa opinión de Fernando Morales "Mucho ruido y pocas nueces (...) A pesar de sus impresionantes efectos especiales, un filme sumamente plano", aunque destaca sus efectos especiales .

Mientras tanto, el sitio web Filmaffinity resumió lo siguiente: «Un formidable éxito de taquilla [...] La poderosa maquinaria de marketing americana funcionó a pleno rendimiento y provocó una dinomanía que inundó el planeta entero».

En una breve mención, la revista mexicana Cine Premiere atinó en decir que «Spielberg ha sido un eterno visionario de los efectos, y entre los más aplaudidos se encuentran los gigantescos dinosaurios presentados en su filme prehistórico [Parque Jurásico]».

Para Enrique Colmena, de Criticalia, se trata «fundamentalmente [de] un filme de espléndidos efectos especiales que busca un público adolescente fácil de contentar, y en el que las estrellas, lejos de ser los actores, que parecen una recua de zombis, son los extraordinarios dinosaurios que nos hace creer que, efectivamente, hemos vuelto al período jurásico (o al cretácico, más correcto históricamente)».

Mientras tanto, Guzmán Urrero, del sitio web español Cine y letras, resumió lo siguiente en su reseña: «[Parque Jurásico es] un largometraje que revive para la gran pantalla a los siempre fascinantes dinosaurios —por vez primera hijos de la biogenética—, aunque en esta ocasión la magia de estos reptiles llega a las salas de proyección gracias a los sugestivos adelantos de la tecnología digital». En Fotogramas, se describe Jurassic Park como " Uno de los films más exitosos e influyentes de los 90, fruto de la colaboración entre dos individuos tan astutos como son Michael Crichton y Steven Spielberg. Mezclando la especulación supuestamente científica, la aventura insensata y el fantástico más espectacular consiguieron un producto tan hábil como atractivo, pese a una enojosa tendencia al infantilismo".

Guillermo Cabrera Infante califica esta película, como es lógico y yo lo confirmo,  como "Obra maestra" Por su parte, Anton Merikaetxebarria Diario El Correo "Conduce a los espectadores a través de un viaje asombroso (...) en un espectáculo tan mágico como revelador"

En  México Lucero Solórzano del Diario Excélsior afirma que "Toda la película marca un antes y un después en el cine de acción y efectos especiales."

La película obtuvo tres premios Óscar en concreto al  Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales y dio lugar a una franquicia conformada por tres películas a manera de continuación, y adaptaciones a videojuegos, historietas y atracciones mecánicas en los parques temáticos de Universal Studios.

En julio de 2013 se reestrenó en cines una versión en 3D de la cinta original.En total, Parque Jurásico se hizo acreedora a 23 galardones, así como 14 nominaciones.

Algunos de los premios en los que la película fue considerada son el premio Hugo en la categoría de «Mejor película dramática», y los reconocimientos Saturn por «Mejor película de ciencia ficción», «Mejor dirección», «Mejor redacción» y «Mejores efectos especiales».

También se hizo acreedora al premio People's Choice en la categoría de «Película favorita del año».

Además, los actores Ariana Richards y Joseph Mazzello ganaron el premio Young Artist en la categoría de «Premio destacado a película familiar de acción y aventura».

Igualmente, obtuvo premios a nivel internacional, tales como el BAFTA en las categorías de «Mejores efectos especiales» y «Premio de la audiencia para su película favorita del año», así como por parte de la Academia Japonesa de Cinematografía y los festivales Mainichi Eiga Concours, Blue Ribbon junto con el galardón León Checo.

Después de observar el empleo de efectos CGI en las principales escenas del filme, antes vistos imposibles y demasiado costosos, algunos directores y productores de cine comenzaron a interesarse en los mismos para utilizarlos en sus futuros proyectos; Stanley Kubrick contrató a Spielberg para dirigir Inteligencia Artificial, George Lucas comenzó la realización de la trilogía de precuelas de Star Wars, y Peter Jackson empezó a explorar su pasión infantil por los filmes fantásticos, inclinación que lo conduciría hasta El Señor de los Anillos y King Kong.

No sólo fueron personas a quienes inspiró la película, pues a raíz de su estreno fueron lanzados numerosos documentales basados en el contexto de los dinosaurios, tales como Carnosaur y Walking with Dinosaurs.

En la cultura popular, surgieron también varias parodias.  Igualmente, Stan Winston comenzó a colaborar junto a IBM y el director James Cameron para crear la empresa de efectos visuales Digital Domain, y mencionó al respecto: «Si no me hubiera relacionado con la película, en estos momentos pasaría a convertirme en un dinosaurio».

La actriz Ariana Richards desarrolló un gran interés en los dinosaurios que, tiempo después de haberse estrenado la cinta, asistió con Jack Horner (consultor del filme) a una excavación en Montana. A su vez, Alex Billington declaró a la película como una «cinta líder en su época», refiriéndola en otra perspectiva: «Incluso usando el sistema robótico que ellos usaron, esto fue un paso lejano para cualquier avance en su tiempo; entonces las personas empezaron a contar cómo sensacionalmente los dinosaurios incrementaron su popularidad aún más. Y la mejor parte es que ellos se miran mejor en esta película, que en cualquier otra reciente creación CGI».

Algunas fuentes consideran que, a partir de la novela y su correspondiente adaptación, se incrementó de forma significativa el interés de los jóvenes en la paleontología.

La película se encuentra posicionada en Rotten Tomatoes con un 86% de cuota de pantalla positiva, sobre la base de la evaluación de 33 críticas.

El 13 de junio de 2001, el American Film Institute la situó como «una de las películas más emocionantes de todos los tiempos», mientras que la revista Empire la nombró como la «sexta película de mayor influencia para su editorial».

Al año siguiente, una cadena de televisión por cable estadounidense eligió una de sus escenas como «la más terrorífica de todos los tiempos». Ese mismo año, la revista Film Review la declaró como «una de las cinco películas más importantes para su editorial».

Finalmente, en 2006, IGN la eligió como «una de las películas de franquicia más grandes de todos los tiempos».

Tras esta hubo varias , El mundo perdido, Parque Jurásico III y Juassic World, algunas comentada ya en este blog, películas con los mismos ingredientes (tensión, aventura, suspense, ciencia ficción, CGI, acción sin límites,..) , mejor o peor mezclados, con gran parte del elenco , con los efectos especiales - eso sí, siempre mejorados- y con las mismas intenciones: pasarlo bien, de entretenimiento máximo, de disfrutar como un niño, o como aquella primera vez que pudiste ver esos dinosaurios cara a cara casi 65 millones de años después.

Recuerdo que hace años cuando programábamos con mis hijos y sobrinos un "fin de semana Jurásico" llenábamos la casa de los incontables dinosaurios que teníamos, los repartíamos por la entrada y el salón, y cuando venían los sobrinos colocábamos en el CD la correspondiente BSO de John Williams, para darle un ambiente singular a la casa. Comenzábamos siempre con esta primera entrega. Más tarde llegarían las pizzas y por últimos a repartirse por las habitaciones para dormir. Era , como la película, tan inolvidable como imprescindible.