El héroe de Berlín (Race)

Jesse Owens fue auténticamente el hijo del viento, al menos, el primero, cuando el viento soplaba en contra tanto en los Estados Unidos como en el resto del mundo. 

Ser negro en los Estados Unidos allá por 1936 era lo que nos podemos imaginar una auténtica carrera de obstáculos. Nacer en Alabama lo complicaba más, por eso la familia marcha a Cleveland (Ohio) en la llamada Gran Migración Negra, que llevaría población del sur del país a centro y norte. 

Ganar cuatro medallas de oro siendo un hombre de color delante de todos los jerarcas nazis era todo un riesgo , pero fue la victoria de la humanidad ante los inhumanos criminales que se sentían superiores. El recorrido desde su acceso a la Universidad de Ohio desde su Cleveland adoptivo, las dificultades encontradas, la fortuna de coincidir con alguien como su entrenador que cree en él y su triunfo en Europa ante los ojos del mundo y el objetivo de una cámara de una siempre reivindicable como artista Leni Riefenstahl.

Una película canadiense ha sacado a la luz la historia de Jesse Owens, aunque en coproducción junto a Alemania y Francia pero lo cierto que a mi me remite a formato de telefilm. En la producción participa Louis-Philippe Rochon, Dominique Séguin, Jean-Charles Lévy y Luc Dayan encontrándose amparada por Jesse Race& Forecast Pictures, JoBro Film Finances y Trinity Race con el apoyo de la familia Owens, la Fundación Jesse Owens, Jesse Owens Trust y Luminary Group con la distribución de Focus Features manejando un presupuesto $ 5 000 000 

La dirección fue del director y productor de cine británico-australiano nacido en Jamaica, Stephen Hopkins que pasará a la historia como el director de la película de suspenso y ciencia ficción Depredador 2, estrenada en 1990. Y que fue productor coejecutivo de la primera temporada de la serie 24, dirigiendo la mitad de los episodios (incluyendo el primero y el último). Fue también el responsable de Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child (1989) así como de otras películas con cierto éxito comercial como Blown Away (1994), Los demonios de la noche (1996), Perdidos en el espacio (1998) y Bajo sospecha (2000). 

En 2004 dirigió la película Llámame Peter, una biografía del actor Peter Sellers que no gustó nada al hijo del actor, Michael Sellers. Entre otras, también destaca su dirección en la serie Californication el mismo año que estrenó The Reaping afrontando en 2016 está película . 

Para la misma se basó en un guion de Joe Shrapnel, Anna Waterhouse. En la música contó con el trabajo de Rachel Portman y en fotografía el de Peter Levy. El resto de técnicos es visible en los muchos premios y nominaciones que recibió la película. 

En cuanto al reparto destaca Stephan James como Jesse Owens, Jason Sudeikis como Larry Snyder,  Eli Goree como Dave Albritton, Shanice Banton como Ruth Solomon-Owens,  Carice van Houten como Leni Riefenstahl, Jeremy Irons como Avery Brundage,  William Hurt como Jeremiah Mahoney, David Kross como Carl 'Luz' Long, Jonathan Higgins como Dean Cromwell,  Tony Curran como Lawson Robertson,  Amanda Crew como Peggy, Barnaby Metschurat como Joseph Goebbels, Chantel Riley como Quincella, Vlasta Vrana como St. John, Shamier Anderson como Eulace Peacock,  Jeremy Ferdman como Marty Glickman, Glynn Turman como Harry Davis, Jonathan Aris como Arthur Lill, Nicholas Woodeson como Fred Rubien, Giacomo Gianniotti como Sam Stoller, Eli Goree como Dave Albritton, Anthony Sherwood como el reverendo Ernest Hall, Jon McLaren como Trent, Tim McInnerny como el General Charles, Adrian Zwicker como Adolf Hitler, Jonathan Higgins como Dean Cromwell, Karl Graboshas como Adolf Dassler, Arthur Holden como Rudolf Dassler y Anian Zollner como Hans von Tschammer. 

La historia narra la historia del mítico atleta Jesse Owens (Stephan James), el coloso de la velocidad que saltó a la fama en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, cuando dejó al mundo boquiabierto con sus espectaculares marcas que echaron por tierra la teoría de Hitler sobre la supremacía de la raza aria.  

Conocemos a un joven Jesse Owens , un prometedor corredor afroamericano , que deja su casa en Cleveland en plena depresión, con su padre en paro, y marcha para asistir a la Universidad Estatal de Ohio, a pesar de enfrentarse a la discriminación racial y los insultos de los atletas blancos, y al lastre de tener una hija nacida fuera del matrimonio con su novia Ruth Solomon, más tarde, Owens (Shanice Banton) que se gana la vida como peluquera. 

Atrae la atención del entrenador Larry Snyder (Jason Sudeikis), un entrenador exigente pero que estuvo a punto de ser la gran promesa del atletismo norteamericano. Al ver a Jesse se da cuenta del enorme  potencial de Owens. pero necesita mejorar su forma y técnica. 

Cuando Snyder sugiere que es lo suficientemente bueno para competir en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936 , Owens está interesado, pero vacila debido a la propaganda racial en la Alemania nazi . 

El Comité Olímpico de EE. UU.  se encuentra dividido sobre esta cuestión ya que la visión prágmática del Presidente del Comité que preside Avery Brundage ( Jeremy Irons) ve la oposición que manifiesta otro de sus integrantes Jeremiah Mahoney (William Hurt) ya sí considera que hay que  boicotear los Juegos Olímpicos por las políticas discriminatorias de Alemania. Deciden que únicamente accederán a los Juegos si el Ministro organizador de los Mismo, el Ministro de propaganda alemán,  Joseph Goebbels (Barnaby Metschurat ) da garantías personales de que permitirán competir a atletas extranjeros de cualquier raza, además de prometer controlar su propaganda, algo complicado pues los Juegos quieren ser utilizados por los Jerarcas nazis como escaparate del regimen.  de hecho para mostrar la capacidad de los alemanes contarán con la dirección de Leni Riefenstahl (Carice van Houten) que hará una película sobre los mismos. 

Mientras Owens  sigue con sus entrenamientos y trabaja para mantener a su novia Ruth y su hija pequeña, acepta un trabajo en una estación de servicio , lo que molesta a Snyder cuando su trabajo entra en conflicto con su compromiso de entrenar. Cuando Snyder descubre que Owens tiene una familia que mantener, le consigue un trabajo, lo que le permite concentrarse en correr. 

Owens pasa a batir varios récords, en el campeonato nacional que tuvo lugar en Ann Arbor (Michigan), incluidos algunos de Snyder, y comienza una relación con una joven  Peggy (Amanda Crew ) cuyas atención a traido con su nueva fama como atleta. Cuando Ruth lo amenaza con una demanda, Owens se distrae y pierde una carrera ante su compañero y competidor Eulace Peacock (Shamier Anderson). Owens decide volver con Ruth para reconciliarse, convenciéndola de que se case con él cosa que finalmente hace. 

Las visitas a Berlín por parte de Avery Brundage terminan con entrevistas con jerarcas nazis que prometen suavizar las medidas contra los judíos y los integrantes de otras comunidades, además se lleva la oferta de que como constructor podrá aspirar a levantar la nueva embajada nazi en Washington que planetada por Speer, puede ser un suculento negocio. Con la promesa de respeto lleva la propuesta al comité y derrota a la oposición que encabeza Jeremiah Mahoney que, de inmediato, presenta la dimisión.

A medida que se acercan los Juegos Olímpicos, la NAACP y una una agrupación integrada por miembros de la iglesia de la comunidad negra, le pide que no vaya a Berlín por motivos políticos. Todos saben que el Führer, como otros miembros del gobierno, tenía la expectativa de que los atletas alemanes dominarían las disciplinas deportivas.Owens entra en conflicto, pero Peacock, que sabe que no podrás ir por una lesión,  lo insta a competir para desafiar la ideología racial nazi. 

La selección de los atletas se produce y Jesse es incluído, no así como integrante del equipo de entrenadores de entrenador Larry Snyder, a pesar de las protesta de Owens. Sin embargo, una vez embarcado en el transatlántico descubre que Snyder va a título personal. 

En Berlín, antes de los juegos Owens choca con el seleccionador nacional que finalmente admite a Snyder como integrante en el equipo técnico. Con él Owens gana su primera medalla de oro en los 100 m de carrera por delante de su compañero de estudios Ralph Metcalfe, pero cuando el miembro del Comité Olímpico Internacional Avery Brundage lo lleva para recibir las felicitaciones de Adolf Hitler , le dicen que el Canciller se ha ido temprano del estadio para evitar el encuentro. 

Brundage advierte a Goebbels que Hitler debe felicitar a todos los ganadores o a ninguno, y Goebbels responde que Hitler no aparecerá con "eso". 

Tras eso Owens se clasifica a continuación para el salto de longitud después de que su rival alemán Luz Long le diera inesperadamente algunos consejos sobre su técnica de salto. Owens gana otra medalla, y Luz públicamente le da la mano y se une a él para una vuelta de la victoria, expresando en privado su preocupación por la política nacional. 

El 5 de agosto se adjudicó la carrera de los 200 m con un tiempo de 20,7 s por delante de Mack Robinson. 

Después Owens gana su cuarta y última medalla en el relevo 4 x 100 m, reemplazando a dos atletas judíos estadounidenses cortados por Brundage, quien ha sido convencido por Goebbels de hacerlo para evitar un escándalo por un acuerdo comercial que Brundage firmó con los nazis antes de los juegos. 

Antes de salir a los Estados Unidos, la directora Leni Riefenstahl que filma el evento deportivo en contra de las órdenes de Goebbels, luego le pide a Owens que repita su salto de longitud ganador de una medalla para obtener algunas tomas más para su próxima película, Olympia . 

Tras esto no hay duda los Juegos de Berlín no serán los Juegos de los nazis, sino los de Jesse Owens que acaba siendo un héroe en su país y en el mundo. No obstante, al llegar es el protagonista absoluto del desfile con confeti en Nueva York en su honor por la Quinta Avenida, pero por la noche el homenajeado debió utilizar el montacargas del Waldorf-Astoria para asistir a otra celebración en su honor. 

Tras esto nos enteramos de algunas cosas en la vida de Owens como que nunca fue recibido por el presidente Franklin D. Roosevelt quien nunca le extendió una invitación a la Casa Blanca tras sus triunfos en Berlín o como mantuvo su relación con el saltador alemán Luz Long hasta que fallece en el Frente del este durante la guerra, como su hazaña de las cuatro medallas de oro no sería igualada hasta los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984 por Carl Lewis . Murió a los 66 años en Tucson, Arizona, el 31 de marzo de 1980 rodeado de su esposa y de su familia. Todo ello con fotgrafías reales del atleta de Alabama, del héroe que fue en Berlín, del primer "hijo de viento".

El rodaje de esta película comenzó el 24 de julio de 2014 en Montreal y en el Estadio Olímpico de Berlín que tuve la ocasión de visitar  hace unos años. 

John Boyega estaba inicialmente configurado para protagonizar a Owens; sin embargo, finalmente se retiró para protagonizar Star Wars: The Force Awakens y posteriormente fue reemplazado por Stephan James. 

La distribución en Alemania y Canadá estuvo a cargo de Squareone Entertainment y Entertainment One y Focus Features se encargó de la distribución en los Estados Unidos. La película consiguió una recaudación de $ 24 804 129.  

La película ganó cuatro premios en los Canadian Screen , incluido el de Mejor Actor para Stephan James ganando igualemnte al Mejor sonido (Claude La Haye , Luc Boudrias y Pierre-Jules Audet) y mejor edición de sonido (Pierre-Jules Audet, Jérôme Décarie, Michelle Cloutier, Stan Sakell, Jean-François Sauvé, Mathieu Beaudin, François Senneville, Luc Raymond y Jean-Philippe Saint-Laurent) y a los Mejores efectos visuales (Martin Lipmann, Cynthia Mourou, Benoît Touchette, Jonathan Piché-Delorme y Frédéric Breault) siendo nominada como Mejor Película al igual que en la Mejor dirección de arte / diseño de producción en las personas de David Brisbin, Isabelle Guay y Jean-Pierre Paquet , Mejor diseño de vestuario (Mario Davignon) , Mejor maquillaje ( Natalie Trépanier y Réjean Goderre). 

Recibió los Premios Golden al mejor Trailer y Mejor Spot de TV Independiente  con Premios Leo a la Mejor actuación de reparto  (Eli Goree ) , fue nominado al Prix ​​Iris  a la Mejor dirección de arte (David Brisbin, Isabelle Guay y Jean-Pierre Paquet), Mejor sonido (Pierre-Jules Audet, Luc Boudrias y Claude La Haye),  Mejores efectos visuales (Martin Lipmann, Cynthia Mourou y Benoît Touchette) y  Mejores vestuario (Mario Davignon ) Mejor Peluquería (Réjean Goderre). 

 

En cuanto a las críticas destacar la de Richard Roeper en el Chicago Sun-Times donde destaca que "Un tópico biopic deportivo con pocos matices y una inclinación por los los momentos dramáticos repletos de sacarina (...) " 

Ty Burr del Boston Globe escribe que "Como un atleta entrenado en exceso que sufre un tirón en su gran carrera, la película trata de hacerlo todo y se queda corta" 

Stephen Holden en las páginas del The New York Times describe que "'Race' nos recuerda que, mucho antes de que la televisión elevase a los deportistas negros a la categoría de dioses, había atletas como Jesse Owens que allanaron el camino".

En otro diario neoyorkino Stephen Whitty en el New York Daily News comenta que "Como biografía de Hollywood sobre el gran Jesse Owens, se supone que tenía que ser épica. Pero sus personajes son planos e irreales. Aparte de algunos grandes momentos, es tan barata y falsa como una peli setentera (...) 

Andrew Barker de Variety defiende que "Haciendo algunos intentos admirables para hacer más complejo lo que debíera haber sido una narración deportiva inspiradora estándar, 'Race' es mejor de lo que debía, pero no por mucho..." 

Para  Sheri Linden The Hollywood Reporter  se trata de "La historia fascina, pero la narración no alcanza el oro." 

Peter Travers de Rolling Stone señala que "'Race' ofrece lo mejor cuando se centra en las esquinas de una historia que sólo creíamos conocer. (...)" 

Ya en  España Javier Ocaña en El País escribe que "La película es correcta pero superficial en su fondo, y demasiado acartonada en su forma." 

Francisco Marinero en El Mundo entiende que "La biografía está realizada según las convenciones de Hollywood (...) Impecables la divulgación de las maniobras políticas y el casi falso documental de los Juegos (...) ". En este diario se señala que "El galardonado productor y director Stephen Hopkins (''Llámame Peter''), se encarga de la dirección de este filme, mientras que Joe Shrapnel y Anna Waterhouse, quienes ya trabajaron juntos en ''Frankie & Alice'', escriben el guion. Stephan James (''El blues de Beale Street'') y Jason Sudeikis (''Colossal''), encabezan el elenco de actores de la película. El título original de la película ''Race'' juega con el doble sentido de la palabra en inglés; el primero sería el de carrera o competición deportiva, mientras que el segundo haria referencia a la raza (grupo étnico de personas)". 

Por último Carlos Marañón en Cinemanía dice que "Stephen Hopkins, realizador fronterizo entre cine y televisión, confirma el aroma a telefilme en una película cuyo sentido final parece el de reclamar para Jesse Owens el reconocimiento oficial que jamás tuvo (...)". 

No puedo estar mas de acuerdo con esto último, la película tiene un formato de telefilm a pesar del elenco de peso que tiene especialmente con la participación de Jason Sudeikis, William Hurt, Carice van Houten  y,  el desconocido para mi, Stephan James, muy integrado en el papel. 

Sin embargo y a pesar de esto me ha hecho dudar mientras la veía que se hubiese estrenado en salas comerciales pues tiene mucho de espíritu televisivo. Indudablemente, en Estados Unidos Owens fue un héroe y como tal se merece la atención de los espectadores. Sin embargo, para mi fue uno de los grandes mitos del deporte. 

Conocer su vida es cierto que me ha interesado sobre todo al no ser consciente de la doble discriminación, pues sinceramente estaba más al tanto de la que sufrió por las aiutoridades nazis y apenas había caído en la que sufrió en su país. Sin embargo, si como biopic es de interés o como portadora de una muestra de lo que fue - y es- racismo, la superación y el espíritu deportivo, creo que en su desarrollo cinematográfico está falto de tensión, de vida. En ese sentido creo que ha sido una oportunidad perdida. 

Inland Empire

Inland Empire ...o David Lynch en estado puro. Ese estado de efervescencia creativa, cercano a lo paranoico, surrealista y a lo onírico, sin rastros de racionalidad o de cordura, sin lineas rectas en un relato dominado por las escenas pero nunca por diálogos que faciliten el relato es lo que he visto en Inland Empire el que supone el último largometraje de David Lynch en 2006.

Si  le unimos a ello el contar con su musa, Laura Dern, que participa igualmente en la producción o le añadimos el color rojo intenso característico de sus películas, las sombras y penumbras por las que se mueven sus extraños personajes, la caras blancas vistas en primeros planos, las imágenes rodadas desde planos subjetivos y en ocasiones deformados, la presencia de mujeres que pueden ser una cosa u otra radicalmente, escenario ocupados por conejos antropoides, bailes que estallan en momentos inesperados, la música sincopada que en este caso no es de Badolamenti sino del mismo director , o la presencia de grandes actores y actrices que están allí para hacer cameos o mostrarse en breves planos, pero con algo que decir, aunque sea casi naderias, eso es Inland Empire, cuyo título toma su nombre de una zona residencial del sur de California . 

Y es que el de Missoula es un director complejo, de cine poliédrico, con historias que parecen meternos en laberintos que no te sacan del lugar , sino que te dejan en cualquier punto del mismo y esta película es la complejidad más absoluta sobre todo si en ella te relatan o parecen relatarte un thriller, un drama o una historia sin historia.

Pues bien esta película sin historia fue un obra de Lynch en el mejor sentido del término. El de Montana está presente en la dirección, en el guión - ¿realmente tiene uno?- en la música, en el sonido  y en parte en la fotografía aunque aquí acompañado por Odd Geir Sæther. Esta obra neurótica fue una coproducción entre Estados Unidos, Francia y Polonia en la que están presentes Studio Canal , Camerimage , Fundacja Kultury y Asymmetrical Productions en la que estaban implicados David Lynch y la que entonces era su esposa, Mary Sweeney, así como Laura Dern.

En cuanto al elenco , excesivo, por su calidad y por su infrautilización está integrado por Laura Dern como Nikki Grace / Sue Blue que lleva el peso total y absoluto de la película. Junto a ella Jeremy Irons como el director de cine Kingsley Stewart , Justin Theroux como el actor Devon Berk / Billy Side , Harry Dean Stanton como el guionista Freddie Howard . Además en un par de escenas sale Julia Ormond como Doris Side,  Diane Ladd como Marilyn Levens, Peter J. Lucas como Piotrek, Grace Zabriskie como la primera visitante en la mansión, a la que también llegan Mary Steenburgen y Karolina Gruszka . Aparece Krzysztof Majchrzak como un "Fantasma", Ian Abercrombie como Henry el Mayordomo, Terry Crews como Hombre de la Calle, William H. Macy como Locutor, Tracy Ashton como Hermana de Marine, Leon Niemczyk como Marek y las voces para los conejos ¡sí, conejos! Laura Harring, Scott Coffey , Naomi Watts. Así como David Lynch cuya voz es la de Bucky el Jefe de Iluminación de la presunta película.  

La historia -si es que hay alguna - se centra en una actriz (Laura Dern) a la que poco a poco vemos como la realidad se le escapa y se va distorsionando. De hecho la película fue lanzada con el lema "A Woman in Trouble" que significa algo así como Una mujer en apuros.

La película se abre con un estallido de luz en la oscuridad, al parecer de un proyector cinematográfico. La luz ilumina las palabras «INLAND EMPIRE» en la pantalla. Entonces se pasa a una grabación de un gramófono que reproduce una voz que presenta AXXoN N., «el programa de radio más largo de la historia, continuando en la región báltica, un gris día invernal en un viejo hotel...» ( señalar que Axxon N. es el nombre de un proyecto de 9 episodios de una serie de drama y misterio que Lynch planeaba emitir por internet en 2002). 

Tras esto nos encontramos con una prostituta y su cliente que conversan  y pasan a un cuarto del hotel en Polonia, pero lo sorprendente es que de ninguno se pueden ver sus caras. 

Tras esto en la misma habitación del hotel, una mujer que llora (Karolina Gruszka, acreditada como «La Chica Perdida») contempla una supuesta comedia en un televisor acerca de tres conejos antropoides. El conejo macho se mete en una habitación exquisitamente decorada, en donde se desvanece. 

Ya perdido el espectador , un hombre calvo (Jan Hencz) le dice a otro hombre (Krzysztof Majchrzak, quien luego se sabrá que es «el Fantasma») que entiende que busque un «inicio». El Fantasma se agita intensamente. «¡Bien! ¡Me alegro de que lo comprendas!». 

Dicho lo cual parece comenzar la historia de la protagonista. Se desarrolla en Los Ángeles. Vemos como a una mansión se acerca una señora que resulta ser la primera visitante (Grace Zabriskie) . Toca el timbre de la lujosa mansión. Le abre la puerta Henri ( Ian Abercrombie ) un mayordomo de una señora que resulta ser Nikki (Laura Dern). La mujer dice que es su vecina con un acento de Europa del Este.

La vecina, a la que vemos cada vez en planos más cercanos,  explica dos viejos «cuentos», uno sobre un muchacho que hizo nacer el mal al atravesar una puerta, y una variación sobre una niña que se perdió en un callejón detrás de un mercado. Ella sabe varias cosas sobre un próximo papel para Nikki que ella aún desconoce que será el suyo: en primer lugar, que Nikki tiene el papel definitivamente; segundo que es sobre el matrimonio y un asesinato; y tercero que su marido (Peter J. Lucas) está implicado en él. 

Entonces comienza a hablar de la inexactitud del tiempo: «si fueran las 9:45, ¡creería que fue después de medianoche!», y apunta hacia a un sofá al otro lado de la sala diciendo: «si hoy fuera mañana, usted estaría allí sentada». Tras esta extraño circunloquios de la señora , Nikki le invita a irse de casa, pues se siente incómoda con su presencia.

Cuando Nikki se gira, se ve a ella misma sentada junto a dos amigas. El teléfono suena, su mayordomo le acerca el teléfono y Nikki comienza a saltar muy emocionada al enterarse de que el papel es suyo, mientras que su marido (Smithy) mira desde lo alto de las escaleras. 

En el show de Marilyn Levens (Diane Ladd), un programa de televisión un "talk show"  tipo "Salvame", Nikki y su compañero en la película, Devon Berk (Justin Theroux), aseguran a Marilyn y al público de que todo será profesional y que no habrá juegos amorosos. Después de la entrevista, los socios de Devon le apartan de cualquier idea de seducir a Nikki, porque su marido es «hombre  poderoso». 

Nos enteramos que la película se titula «On High in Blue Tomorrows» (Flotando en mañanas tristes) y que el director de la misma es Kingsley Stewart (Jeremy Irons), siendo su asistente el veterano Freddy (Harry Dean Stanton) . 

Ambos revisan una escena del guion en un sala de rodaje que le ha cedido el estudio. Aparentemente están ellos junto a Nikki, (que asume el rol de Sue Blue) y Devon (como Billy Side). El ensayo que parece ir sobre ruedas, especialmente por Nikki es interrumpido por un sonido que surge en el set de rodaje. 

Devon sale  a investigar y escucha pasos lejanos de alguien corriendo, y él vuelve para decir, «Desaparecieron donde es realmente difícil desaparecer.» Este incidente asusta al director Kingsley, que les lleva a revelar un secreto sobre su película. La misma es realmente es un remake de una película basada en un cuento de origen gitano polaco que se tituló 4 7 (Vier Sieben), que nunca llegó a terminar de rodarse porque los protagonistas fueron asesinados. Aparentemente, el cuento en que estaba basada el  guión maldito, debido a algo «dentro de la historia». A pesar de las quejas de Devon que no quiere protagonizar un remake el proyecto sigue adelante.

Durante el rodaje de la película, Nikki se mete tanto en el papel, que empieza a perder su identidad pasando a convertirse en Sue, el personaje de la película que debe interpretar. Al principio está desconcertada; tras una escena al aire libre muy sugerente para parece mostrar el inicio de una relación entre los actores protagonistas , tras esa vemos una escena aparentemente de sexo con Devon/Billy en «la casa» ella confunde su identidad mientras su marido (Smithy) escucha desde un vestíbulo cercano entre las sombras. 

Al siguiente día ella se encuentra en una callejón detrás de una tienda, y ve «AXXoN N.» escrito en una pared, con una flecha que apunta hacia una puerta. Al entrar, ella pasa al set y al momento en que Devon busca a alguien en el set de rodaje donde anteriormente habían estado ensayando, viéndose a sí misma allí, siendo de hecho la intrusa. Cuando Devon viene buscándola, ella huye pero pasa del set a una casa. Devon mira por una ventana del set a través de un cristal que comunica con la casa, donde no puede verla por la oscuridad. En cambio Nikki/Sue, asustada ─compartiendo el mismo espacio─ puede verle y grita su nombre.

Tras esto la película comienza a mostrar una serie de escenas aparentemente aleatorias, de ensueño. En unas aparecen nueve mujeres que pasean alrededor de la casa que teletransporta a Nikki/Sue a Polonia en invierno, donde se desarrolla una trama de asesinato. 

A veces regresamos al Cuarto del Conejo, o a una oficina  sito tras una larga escalera , en un teatro viejo dónde Sue cuenta su historia de vida violenta entera a un hombre con las gafas de pasta que no habla y de expresión muy seria (Erik Crary, acreditado como«el Sr. K»), en esta diatriba habla de una discusión del Fantasma, que es el hombre con poderes de hipnosis. 

Las nueve mujeres irrumpen fuera en un baile coreografiado al son de «The Loco-Motion» de Kylie Minogue, y entonces desaparece. 

Sue le dice a su marido durante la cena en la casa humilde que está embarazada, el cual reacciona ignorándola. Decide entonces llamar a Billy pero solo contestan los conejos. 

En el patio trasero de la casa humilde, Smithy mancha accidentalmente su camiseta blanca con salsa, simulando ser sangre. Cuando Sue se percata de la mancha de salsa, una mujer que ora se ve. 

La trama sigue disparatada con  Sue va a la casa lujosa de Billy, que parece ser la misma casa que perteneció a ella en un principio en la identidad de Nikki como futura actriz de cine. Allí repetidamente le dice que lo ama, lo que provoca que la esposa (Julia Ormond) de éste le abofetee varias veces en la cara, durante lo cual parece que casi está a punto de recordar si fue hipnotizada por el Fantasma. Lo curioso es que Julia Ormond aparece en un momento anterior ante un policía  en un estado lamentable y le dice a éste que va a matar a alguien con un destornillador. De inmediato vemos que es ella la que lleva el destornillador clavado en su estómago. En fin!!!

Mientras el Hombre Calvo del inicio lleva al marido de Nikki, a  Smithy a una sesión de espiritismo con tres hombres . Estos hombres pueden ver a «la muchacha que llora» en el hotel, pero Smithy solo puede oírla; le dan una pistola que es capaz de matar al Fantasma. 

Descubrimos después que en una calle en Hollywood, Sue es ahora una prostituta. Esta sucia. Ella ve a la esposa de Billy y escapa a un club, sube por unos escalones y comienza una vez más su monólogo con el hombre de las gafas corvas. Suena el teléfono, el hombre contesta y dice,«Sí, ella todavía está aquí... el caballo ha ido al pozo».

Sue agarra un destornillador y regresa a la calle. La esposa de Billy logra arrebatárselo y la apuñala con él. Sue apuñalada cruza cojeando la esquina de Hollywood Boulevard, alcanzando una acera al lado de dos chicas negras y un chico, los tres vagabundos sentados en el suelo, quienes la ignoran. Inician una charla trivial sobre los autobuses y monos hasta que Sue cae vomitando sangre en la acera, y desfallece. 

Una de las chicas negras  enciende un encendedor cerca de su rostro y dice,«yo he visto su luz. Quema luminoso para siempre. No más mañanas tristes. Vuela alto ahora, amor.» Sue, aparentemente ,  muere. 

Tras eso Kingsley grita «¡Corte!» y surge la cámara que filmaba la escena. Los vagabundos en realidad son extras del rodaje de la película que se levantan y se van. Kingsley abraza a Nikki , que tras el corten se ha quedado unos segundos más en el suelo, diciéndole que ha estado maravillosa, pero ella desconcertada lo empuja lejos y camina desorientada fuera del set iluminado. 

Ahora vaga por el interior de un cine vacío, en donde por primera vez ve proyectada a la «muchacha que llora», quién al mismo tiempo también puede verla a ella en su televisión del cuarto del hotel. 

Nikki como actriz se ve proyectada como Sue  la mujer de la vida real en la pantalla grande, contando, de nuevo, su monólogo, y otra escena del futuro la muestra en el set donde se localiza el arma en la casa  de Smithy. 

Tras eso Nikki pasa por la puerta con «AXXon N.» escrito, y vagabundea en el set hasta encontrar la pistola y encontrar el cuarto del Conejo con el número 47. Aparece el Fantasma al que dispara cuatro veces. En el tercer disparo su propia cara angustiada se sobrepone. Tras el cuarto disparo, la cara del Fantasma se retuerce hasta dejar de reconocerse. 

Después entra en el Cuarto del Conejo, donde halla a la «muchacha que llora», la besa, y Nikki/Sue se desvanece. «la muchacha que llora» es ahora libre y deja su prisión para reunirse alegremente con su marido (Smithy) y su hijo. 

Nikki (actriz) se mezcla con la luz luminosa y los aplausos. En la casa lujosa de Nikki, una mujer con una sola pierna que fue mencionada en el monólogo de Sue mira alrededor y dice: «Sweet!». 

También  descubrimos a una mujer japonesa con peluca rubia y el mono que fueron mencionados en la charla de los vagabundos. 

Finalmente, surgen los títulos de créditos finales sobre un grupo de mujeres que bailan «Sinner Man» de Nina Simone mientras un leñador sierra un leño, si, eso , un leño. Aparecen también por unos segundos Laura Harring y Nastassja Kinski sentadas junto a Laura Dern acabano así esta historia, aunque para mi hacía tiempo que había terminado.

Lynch describió la historia como «una historia misteriosa [...]alrededor de una mujer... una mujer enamorada y con problemas»​. Se rodó principalmente en Los Ángeles y Polonia . El proceso marcó varias novedades para Lynch: la película se filmó sin un guión terminado , en lugar de desarrollarse en gran medida escena por escena; y fue filmado completamente en video digital de baja resolución por el mismo Lynch usando una videocámara Sony de mano en lugar de la película tradicional .Explicó su preferencia por este sistema, afirmando que el medio da "un espacio más para soñar" y más opciones en la postproducción.

La película se rodó en Łódź , Polonia, con actores locales, como Karolina Gruszka , Krzysztof Majchrzak , León Niemczyk , Piotr Andrzejewski y artistas del circo local Cyrk Zalewski, aunque también en Los Ángeles y se completó en Polonia.

Es interpretada como un compendio del cine del director. El final de una supuesta trilogía formada por "Carretera perdida" y "Mulholland Drive" La historia, compleja y con tintes de pesadilla desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. 

En la película abunda los primeros planos expresionistas (especialmente de Laura Dern y el de la visitante, así como el de casi todas las mujeres que aparecen), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. 

Inland Empire fue filmada en formato digital con una cámara Sony DSR-PD1505​. Además, Lynch declaró que no volvería al formato cinematográfico, pasándose completamente al cine digital. Tras dos años y medio de trabajo, fue su primera película rodada en formato digital, tras lo cual afirmó no querer volver al modelo tradicional. 

En una visita a Madrid en 2013 el director natural de mi queridísima Missoula comentó que «Es falso que rodara Inland Empire sin guion [...] escribí una escena, y la rodé. Estaba fascinado por la tecnología digital y la facilidad que permitía a la hora de rodar. Cuando se me ocurrió otra, que no tenía nada que ver con la anterior, la escribí y la rodamos. Y así hasta que tenía cuatro, totalmente inconexas. Pero de pronto di con una idea que las vinculaba a todas ellas, y entonces escribí el guion de la película, a partir de esa idea». Lo curioso es que en 2005 declaraba lo contrario : "Nunca antes había trabajado en un proyecto de esta manera. No sé exactamente cómo se desarrollará esta cosa ... Esta película es muy diferente porque no tengo un guión. Escribo la escena escena por escena y gran parte de ella está grabada y no tengo mucha idea de dónde terminará. Es un riesgo, pero tengo la sensación de que todo las cosas están unificadas, esta idea aquí en esa sala se relacionará de alguna manera con esa idea allá en la sala rosa ".

Es curioso, o no visto lo visto,  pero los actores principales Laura Dern y Justin Theroux comentaron que no tenían muy claro durante el rodaje de que iba la película. En una entrevista en una cadena estatal de radio de los Estados Unidos, la NPR , Laura Dern relató una conversación que tuvo con uno de los nuevos productores de la película, Jeremy Alter. Cuando le preguntó si Lynch estaba bromeando cuando pidió una mujer con una sola pierna, un mono y un leñador para el rodaje ella le dijo: "Sí, estás en una película de David Lynch, amigo", respondió Dern. "Siéntate y disfruta del paseo". 

La banda sonora de Inland Empire fue compuesta en su mayor parte por el propio Lynch, no contando en esta ocasión con su colaborador habitual Angelo Badalamenti. 

La película tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia en Italia en septiembre de 2006, donde David Lynch también recibió el premio Golden Lion por sus "contribuciones al arte del cine". La película se estrenó en Estados Unidos en octubre de 2006 en el Festival de Cine de Nueva York y tras el mismo recaudó unos $4, 037, 577.

En su estreno generalizado, en diciembre de 2006, suscitó entre los críticos, al igual que los más recientes largometrajes del director, multitud de comentarios enfrentados, aunque la opinión fue mayoritariamente positiva 

En cuanto a las críticas señalar que o son espantosas o califican la misma de genialidad, pero hay pocos que se queden en los intermedio. The New York Times clasificó a Inland Empire como "brillantemente brillante" después de la proyección del Festival de Cine de Venecia.Por su parte, la también neoyorkina The New Yorker señaló que era "película mordaz y matizada" que "rápidamente se convierte en autoparodia".

En Estados Unidos Peter Travers en Rolling Stone decía de ella que"Abandonen toda esperanza de lógica (...) tres horas de fascinante (a veces irritante) incoherencia (...) Lynch trata la pantalla como un lienzo en el que da forma a sus ideas abstractas. Y añadió ""Mi consejo, ante semejante brillo alucinante, es que aguantes". "

Por su parte, Owen Gleiberman de Entertainment Weekly sostenía que "'Inland Empire' está tan encerrada en el cerebro de David Lynch que nunca escarba su camino al nuestro"

Jim Emerson editor de RogerEbert.com entendía que "Cuando la gente dice que Inland Empire es la versión de Lynch sobre Sunset boulevard u 8 y medio , (...) invoca explícitamente las conexiones con Stanley Kubrick y su The Shining , Jean-Luc Godard y su Pierrot el loco , Buñuel y Dalí en Un perro andaluz , Maya Deren's y su experimental película Meshes of the Afternoon (una de los favoritos de Lynch) y otros ".

Para Carina Chocano, de Los Angeles Times, "la película, que comienza de manera prometedora, desaparece en tantos madrigueras que finalmente desaparece para siempre".

En Gran Bretaña , Jonathan Ross , de la BBC Film dijo en 2007 que era la "una obra de genio ... creo".

Por su parte, Damon Wise de Empire señalaba que era "Un enigma deslumbrante y exquisitamente original como todo enigma" Ya en España, Carlos Boyero en El Mundo escribía que "Lynch perpetra un interminable desvarío. (...) lleva al paroxismo las obsesiones de su enfermizo cine."

En ABC Oti Rodríguez Marchante señalaba que era "Una macedonia de los peores tics de Lynch. (...) Dura 3 horas y no hay ni un solo minuto de ellas en el que el espectador haga pie." Y en este mismo diario Javier Cortijo escribía que "Hablar de argumento en 'Inland Empire' es casi una ordinariez. (...) ¿Totum revolutum?¿Sancta sanctorum? Sin duda. De todo, menos tomadura de pelo. (...) ¿Qué tiene de malo echarse una partidita y desperezar a ese fósil llamado Séptimo Arte?

Jordi Costa en El País decía de la misma "En las afueras del sentido. (...) Lynch cumple, finalmente, el sueño de los surrealistas: lograr que el inconsciente doblegue de una vez por todas a la narrativa convencional. Aquí está la primera obra maestra del poscine."

Para Juan Luis Caviaro en espinof comenta sobre la película que es "lo que vemos, lo que Lynch nos entrega, es muy decepcionante. Disfrazar la mediocridad de complejidad a través de un montaje errático y voluntariamente confuso es la salida del cineasta, que, seguro, debió sentirse igual que yo al ver que su obra no era más que un ejercicio de egocentrismo descontrolado." Y concluye diciendo "En definitiva, 'Inland Empire' es una tomadura de pelo, un fallido experimento de Lynch que no se sostiene en ningún momento. Dern se merece un premio por haber tenido que trabajar en este despropósito. Ella es lo único salvable de la experiencia."

En Movistar + dicen de ella que es "innegable laberinto de sensaciones cinematográficas y una de las películas más experimentales y psíquicas de Lynch. Un encuentro con el cine concebido como arte audiovisual, que va más allá de las fronteras de lo formal y argumental, adentrándose de lleno en un terreno más psicológico. "

Y en México Fernanda Solórzano en Letras Libres alucinaba con la película al decir "Es la película que mejor ilustra el proceso creativo de Lynch." 

Dern recibió una aclamación casi universal por su desempeño, con muchas revisiones que la describieron como las mejores hasta la fecha. Lynch intentó promover - no lo consiguió- las posibilidades de Dern de obtener un Premio de la Academia a la nominación de Mejor Actriz en los Premios de la Academia de 2007. No obstante recibió su reconocimiento en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine o en los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Toronto a la Mejor actriz. 

La película recibió el Premio a la Mejor Película experimental por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine , al igual que lo recibió por parte de los periodistas "on line" de Nueva York y en el Festival de cine de Venecia se le dio el Premio Digital del Festival de Cine del Futuro a David Lynch.

Como dije al principio, película compleja, inclasificable, coherente con la trayectoria del director y absolutamente incomprensible.

Appalloosa

Un Appaloosa es un caballo moteado o pecoso que suele aparecer en los western en los que la presencia de indios es importante. Estaba vinculado con los caballos de la tribu Nez Perce hoy casi extintos que se localizaban entre la frontera de Montana y Idaho, cerca del área de los ríos del río Palousse Snake y Clearwater que pude ver en mi recorrido por Montana, cerca muy cerca de Idaho.

Lo cierto es que vi esta película en la década pasada, poco después de su estreno pero, aparte del actor y director principal, Ed Harris, no recordaba nada de ella. Hasta que no la vi ayer, no tenía claro que se centrara en un caballo, un apodo, pero, desde luego, lo que no recordaba, para nada es que Appaloosa era una localidad , yo diría que ficticia, fronteriza entre Nuevo México y los Estados Unidos de México.

La película es del año 2008 y fue escrita, producida y dirigida por Ed Harris que también interpreta a uno de los personajes principales, Virgil Cole . Como he dicho anteriormente se trata de una producción en la que están presentes, además de Ed Harris, Robert Knott y Ginger Sledge con las productoras Axon Films, Warner Bros. Pictures , New Line Cinema - que se presenta como distribuidora- y Groundswell Productions y que invirtieron en ella 20 millones de dólares. El diseño de producción fue de Waldemar Kalinowski, mientras que el guión pertenece al onmipresente - en este film- Ed Harris junto a Robert Knott, aunque basado en la novela homónima de Robert B. Parker. En otros apartados destaca la presencia en la banda sonora de Jeff Beal, la luminosa fotografía de Dean Semler, el montaje de Kathryn Himoff y el vestuario de David Robinson

El reparto está integrado por Ed Harris como Virgil Cole, Viggo Mortensen como Everett Hitch, Renée Zellweger como Allie French, Jeremy Irons como Randall Bragg, Lance Henriksen como el Ring Shelton, Adam Nelson como Mackie Shelton. Junto a ellos están Timothy Spall como Phil Olson, Ariadna Gil como Katie, James Gammon como Earl May, Tom Bower como Abner Raines, Rex Linn como el sheriff Clyde Stringer, Corby Griesenbeck como Charlie Tewksbury, Timothy V. Murphy como Vince Sullivan. Por último aparecen Agathe Golaszewska como uno de los niños, Makenzie Vega como Stunt o Truco y Bob Harris, padre de Ed Harris, que tiene un pequeño papel como el juez Elias Callison.

La película nos marca una época. Estamos en el año 1882 en Nuevo México. A un rancho de la zona cercana a la localidad de Appaloosa llegan un marshall acompañado de dos de sus colaboradores. El rancho es de Randall Bragg (Jeremy Irons), un despiadado y poderoso ranchero queda cobijo a dos pistoleros buscados por la ley.

El ranchero es el terror de de Appaloosa y de esa zona fronteriza de en Nuevo México. Appaloosa, es en esos momentos una ciudad sin ley que vive de las minas y del ganado.

Cundo se persona el Marshall Jack Bell ( Robert Jauregui) con la orden de detención en sus manos, la respuesta de Bragg es brutal disparando sobre él y sus colaboradores, haciendo desaparecer sus cuerpos.

A ese territorio de Nuevo México arriban desde una zona más al norte y al este Virgil Cole y Everett Hitch (Ed Harris y Viggo Mortensen)  van en busca de un mejor futuro.

Al llegar al pueblo reciben a una comisión de representantes políticos y económicos de la ciudad, se trata entre otros de  Phil Olson (Timothy Spall) y Abner Raines (Tom Bower),  ya que están huérfanos de autoridad tras la desaparición del Marshall Bell y de las barbaridades que hacen en la ciudad los hombres de Bragg se reúnen con Virgil Cole (Ed Harris) y su socio Everett Hitch (Viggo Mortensen) que reciben el encargo de pacificar  la zona, proteger y recuperar el control de la ciudad. Ambos están de acuerdo pero ponen sus condiciones: que el pueblo siga la ley de Cole y esencialmente le cede el control.

Los hombres comienzan enfrentándose a cuatro de los hombres de Bragg que están causando una perturbación en el salón. De los cutro, tres hombres se niegan a entregar las armas y  ser arrestados, obligando a Cole y Hitch a matarlos. El cuarto hombre se rinde y sale del salón.

Poco después Bragg se persona en el pueblo con el objeto de intimidar a Cole y Hitch, que muestran su autoridad y determinación de no ceder ante la banda de Bragg. Los hombres de Bragg se retiran y poco después se produce la llegada de Allison French (Renée Zellweger), una atractiva viuda,  sin dinero, - tiene un dólar- , que sabe tocar el piano, va bien vestida  y que dice no ser prostituta, que , desde el inicio "tontea" con Virgil ante la sorpresa de Hitch Everett  que mantiene su silencio.

Pronto, Cole y Allie comienzan una relación romántica y se compran una casa juntos. Sin embargo, Allie trata de seducir a Hitch cuando están solos, pero Hitch la rechaza  por su lealtad a Cole. El colaborador se lo comenta a una prostituta Katie (Ariadna Gil) que le comenta que algún día ella lo utilizara en su contra.

Cuando uno de los hombres de Bragg , el más joven de los que están con él, le dice a Cole y Hitch que testificará contra Bragg por el caso del triple asesinato y desaparición del Marshall Bell, arrestarán a Bragg y lo mantendrán encerrado hasta el juicio a pesar de los intentos de la banda de Bragg de liberarlo.

Durante el juicio , y a pesar de los testimonios que exculpan a Bragg de sus hombres el juez Elias Callison (Bob Harris)  lo encuentra culpable y lo condena a muerte.

Cole, Hitch y varios sheriff del transportan a Bragg en  tren a la prisión donde ha de ser colgado, pero cuando paran para reabastecerse de agua por un puente, dos viejos amigos de Cole, pistoleros a sueldo de nombre Ring y Mackie Shelton ( Lance Henriksen y Adam Nelson), hermanos y viejos conocidos de Cole, aparecen con Allie a punta de pistola, obligando a Cole a liberar a Bragg para ellos.

Cole sale a pie en búsqueda de su prometida, mientras que Hitch marcha con el tren en busca de caballos quedando en la ribera del río seco por dónde han huído.

Tras seguir a los forajidos descubre Hitch como Allie y Ring Shelton están  desnudos juntos en un arroyo. A su vez ven como se les aproxima una partida de apaches Chiricahua con cabalos robados para vender en México.

Cuando los proscritos son atacados por los Chiricahua Cole y sus hombres obligan a los indios a huir. Hitch, en ese momento  le dice a Cole que la alta promiscuidad de Allie es el resultado de su inseguridad y que realmente le gusta Cole, un hombre que sólo ha tenido relación con prostitutas y una india apache.

Tras llegar un acuerdo de paso con los Chiricahua a cambio de caballo de Bragg, llevan a éste a una localidad en la misma frontera. Luego entregan a Bragg al sheriff d, aunque desconoce Cole, el sheriff es   primo de los hermanos Shelton.

Sabiendo que Cole está decidido a llevar a Bragg a la horca, los Sheltons y el sheriff liberan a Bragg inician con Cole y Hitch  un tiroteo del que  Cole sale herido en una pierna y Hitch queda también herido de menos gravedad , aunque logran matar a Ring, Mackie y al sheriff.

Aprovechando la coyuntura Bragg escapa a caballo , mientras que  Cole y Hitch regresan a Appaloosa con Allie.

Después de algún tiempo, llega a la localidad un telegrama que informa que a Bragg se le ha concedido un indulto por el presidente  Arthur Chester del que siempre había dicho que era su amigo y vuelve a Appaloosa en un intento de reformarse públicamente.

Bragg compra el hotel y se lleva bien con los lugareños. En privado se jacta ante Cole y Hitch para enfurecerlos por su fracaso para colgarlo.

Cole le dice a Hitch que todavía quiere estar con Allie, a pesar de la inconstancia de ella, pues Hitch  sabe que tontea con Bragg, ya que trabaja en su hotel como pianista.

Ante la decepción o el temor a la misma que le provoca la situación del engaño decide abandonar la ciudad para ganar algo de dinero y dimite como ayudante del marshall. Más tarde descubre que Allie está teniendo una relación con Bragg y desafía a Bragg a un duelo.

Cole intenta detenerlo, pero Hitch se mantiene firme y le pide a Cole que permita que se produzca el tiroteo.

Hitch logra disparar primero justo antes de que Bragg dispare, pero el disparo de Bragg se pierde, y Hitch golpea a Bragg en la garganta, matándolo.

Tras esto Hitch abandona la ciudad, viendo que Allie y Cole están juntos; Sus pensamientos de despedida expresan su esperanza de que Cole pueda encontrar la felicidad con Allie y también nos comenta la incertidumbre pero también  la esperanza de encontrar nuevas aventuras y que le sonría la fortuna acabando así este western.

La película fue rodada en espacio de Arizona, Nuevo México y Texas. Entre los lugares destaca Sonoita  y Elgin , en Arizona;  Rancho San Cristobal , Bonanza Creek Ranch.  en  Santa Fe y su National Forest , Lamy, Abiquiu Lake,  Río Chama,  Palovista Ranch, , Algodones,  Cerro Pelon Ranch , el Carson National Forest, en Albuquerque y sus alrededores, todos ellos en Nuevo México, . Además se rodó en Reimers Ranch, en Austin, Texas, El rodaje  se realizó entre el 1 de octubre de 2007 al 24 de noviembre de 2007

Appaloosa fue la segunda película  de Ed Harris como director, tars el  biopic Pollock del año  2000. Para ello Harris co-escribió y coprodujo Appaloosa con Robert Knott .

Harris se inspiró para escribir el guión en la novela superventas de Robert B. Parker  , pero incluyó temas del crimen todavía relevantes a la sociedad contemporánea. Compró los derechos a la novela y contrató a Parker para adaptar su libro a un guión.

Harris,  como Virgil Cole, quería hacer un western clásico así que se inspiró en otras películas como 3:10 to Yuma , My Darling Clementine y El hombre que disparó Liberty Valance , en lugar de apostar por el enfoque revisionista que tanto se estilaba, y se estila en este nuevo milenio, practicamente desde Sin Perdón.

Harris también reconoció que la película era un  desafío  al apostar por un western declarando que : "Puedes contar con una mano, o quizás la mitad de una mano, el número de westerns que fueron éxitos de taquilla en el pasado reciente". Originalmente la película fue planeada como la primero de una serie de películas basadas en la serie de libros sobre Hitch & Cole. Durante un viaje familiar, Ed Harris se quedó prendado de una novela del Oeste escrita por Robert B. Parker.

La producción de Appaloosa estuvo condicionada por la productora  New Line Cinema y los productores a los que les preocupaban las perspectivas de taquilla de un western durante una temporada en la que estaba presente un éxito de taquilla como The Dark Knight .

Harris quería contar con un importante elenco de actores y actrices. Inicialmente para el papel femenino pensó en Diane Lane para  Allie French, pero ésta dejó el proyecto cuando la película se estancó en la producción.

La película se puso de nuevo en marcha debido al éxito de la serie de Deadwood en HBO y el remake de la película de 3:10 a Yuma . Renée Zellweger fue la sustituta de Lane. [

Como coprotagonista  Harris volvió a encontrarse con Viggo Mortensen con el que ya había trabajado en A History of Violence y , desde el principio, lo tuvo en mente para Hitch Everett . Mientras se estrenaba  Una Historia de la Violencia en el Festival Internacional de Cine de Toronto , Harris entregó a Mortensen una copia de la novela y le pidió que la leyera y que considerara  el papel. Harris dijo que era "una proposición totalmente incómoda, entregando a otro actor un libro como ese" , pero Mortensen aceptó tomar el papel después de responder bien al personaje y la relación dinámica entre los dos personajes.

Harris dijo que quería hacer la película porque se sentía atraído por la "camaradería tácita" de Virgil Cole y Everett Hitch. "A pesar de que han estado saliendo desde hace un tiempo, no son demasiado íntimos, pero se conocen."

Por otro lado, a Mortensen le apetecía el trabajo "Me gusta montar a caballo, y me gustan los westerns, pero hay muchos malos. Lo que distingue a éste es cómo los personajes están un poco más protegidos".  Mortensen estudió los dibujos de Frederic Remington y otras imágenes del viejo oeste americano para conseguir en carácter y dominar la manera apropiada de colocarse durante un tiroteo. El DVD incluye una serie de bonus extras, incluyendo "Dean Semler's Return to the Western". Aunque el director de fotografía Semler ha sido pionero en el rodaje de películas digitales, se alegró de esta oportunidad especial de rodar un western tradicional  utilizando la tecnología clásica de películas.

La película fue galardonada con el premio Boston Film Festival 2008 a la mejor película y al mejor guion adaptado

Como las armas reales eran muy caras, Gibbons Ltd., tuvo que contratar especialmente algunas como réplicas. El armero Steve Karnes compró tres réplicas de escopetas Colt 1878 y modificó algunos cañones como los de una escopeta real de calibre .  A los tres se les dio entonces acabados idénticos, "viejos", para hacerlos aparecer viejos y usados.

Appaloosa es un western de catalogación difícil.  Tiene mucho de amistad y algo de psicología y menos de acción . Appaloosa es un western de personajes, y en consecuencia una película de actores que se topan en un cruce de caminos. Al fin y al cabo son cuatro inadaptados , este cuarteto formado por dos amigos leales, una  dama  y un  villano,

Mortensen en el plano final cabalga hacia un crepúsculo desértico imagen común de los de western clásicos.

En cuanto a la crítica en Rotten Tomatoes , Appaloosa tiene una calificación de aprobación 77% basadas en 158 críticas. Las primeras críticas de Appaloosa del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2008 fueron tibias. La película apareció en las listas de los diez mejores críticos de las mejores películas de 2008. Ray Bennett de The Hollywood Reporter la nombró la octava mejor película de 2008, y Mike Russell de The Oregonian la nombró la décima mejor película de 2008.

Brad Frenette del National Post dijo que "la película se siente el doble de su tiempo de 114 minutos, pero Appaloosa se redime a través de momentos inesperados de ligereza, la dirección constante de Harris y el dios entre los hombres, Lance Henriksen ".  Frenette también dijo que Renee Zellweger es "sobre todo un busto"  y Viggo Mortensen "exuda fresco."

Sarah Gopaul dijo que Harris y Mortensen se pasan mucho tiempo hablando y discutiendo sus sentimientos, lo que dijo que la película era demasiado ligera para un western. Gopaul dijo que Ed Harris y Viggo Mortensen hicieron una labor decente .

En el New Yorker David Denby dijo que estamos ante  "un western bien hecho, satisfaciendo, a los clasicistas e introduciendo algunas peculiaridades peculiares y vueltas."

 A. O. Scott en el The New York Times sostenía que "Afortunadamente, sus gestos hacia la grandiosidad son pocos y superficiales. (...) Merece la pena verla. No es un gran western, y realmente no trata de serlo."

Peter Travers en las páginas de  Rolling Stone nos dice que es "Un magnífico western, un potente recital interpretativo que se clava en la mente y el corazón. (...) Aunque está filmada con estruendosa acción e intrigante suspense, la película encuentra su alma en sus personajes principales. (...) "

En España se dijo de ella Carlos Boyero en las páginas del País que "Con diálogos brillantes, contundentes e impagables, con personajes imprevisibles que nunca son de una pieza, con situaciones llenas de tensión (...) Es un western raro, pensado y sentido, de los que se recuerda"

Federico Marín Bellón en el  ABC dijo de ella que era una "Cinta sobria, recia y nada pretenciosa, para ver en buena compañía, si pueden. (...) el mejor disparo de género desde 'Sin perdón'. (...) ."

Omar Khan en  Cinemanía  entiende que "Ed Harris ama el western y demuestra ser un director sensible e inteligente. (...) "

En Fotogramas  Nuria Vidal nos dice que" Siempre es reconfortante encontrarte con un viejo amigo y ver que nada ha cambiado. A veces el amigo se ha modernizado y cuesta reconocerlo, pero lo mejor es cuando sigue siendo igual. Esto es el lo que produce la visión de este western dirigido por Ed Harris, siempre y cuando te guste el western, claro.

Appaloosa no es un western moderno ni postmoderno, ni crepuscular. No. Appaloosa es un western que surge del cruce del cine de género más clásico, el de Hawks o Sturges, con el spaghetti-western del mejor Sergio Leone. Es un producto sin fisuras ni sorpresas. Con una excepción, el terrible error de casting de la protagonista femenina, una Renée Zellwegger carente por completo del atractivo que se supone debe tener una mujer capaz de convertirse en el imprevisto que altere el normal devenir de los acontecimientos. Si la relación entre los personajes de Virgil Cole (Ed Harris) y Everett Hitch (Viggo Mortensen)es perfecta en su ambigüedad moral (en todos los aspectos) y el enfrentamiento con el malo de turno encarnado con toda solvencia por Jeremy Irons es más que eficaz, la historia de amor con Allie, la chica que consigue robar el corazón de Virgil, no funciona en ningún momento. Es una lástima, porque por todo lo demás Appaloosa es un film altamente recomendable.

Albeto Abuín , por su parte, no dice en blog de cine que Desde que Clint Eastwood estrenó ‘Sin perdón’, se viene hablando del resurgir del western, género cinematográfico por excelencia. (...) Ahora Ed Harris, con buenas intenciones y un buen reparto, ha vuelto a poner de moda  las historias de pistoleros anclados a un pasado y una forma de vivir, de pueblos sin ley, de cabalgadas hacia la puesta de sol.

 ‘Appaloosa’ supone el segundo trabajo de Harris y nos dice que es "un film con posibilidades, y también con demasiadas obviedades y subrayados". Destaca de la misma que es "Una historia sencilla, clásica, con el suficiente atractivo, y a la que Harris se entrega, en calidad de actor, director y co-guionista, con tanta pasión como torpeza. Porque no llega con tener buenas intenciones, hay que saber escribir un guión con garra, y al mismo tiempo poner en imágenes el libreto escrito con algo más que una buena fotografía. ‘Appaloosa’ tiene un comienzo impactante.

Después , para Abuín,  Ed Harris se pierde hablando de personajes demasiado planos, estereotipos de estereotipos, de situaciones mal planteadas, y comete el error de ser demasiado obvio. Para colmo, el film adolece de bajones de ritmo preocupantes, sobre todo en su parte final, totalmente anticlimática, y en la que el aburrimiento ya se había apoderado de un servidor.

Critica Abuín "Un mal uso de las elipsis, montaje equivocado (que hace que la película sea reiterativa), y una poco definida banda sonora a cargo de Jeff Beal .... Pero no todo en ‘Appaloosa’ me ha parecido malo. Sin duda, uno de sus máximos atractivos es la pareja protagonista formada por Ed Harris y Viggo Mortensen, siendo éste último el verdadero eje del film, aquel desde el que se enfoca la historia . Ambos actores están perfectamente compenetrados, y con su sola presencia les llega para cautivar al público. Probablemente Mortensen posee más momentos para lucirse, al fin y al cabo su personaje resulta más interesante que el de su compañero de reparto, un muy convincente Harris, que ha sabido expresar con su rostro la experiencia adquirida con el paso de los años. En los secundarios, además del ya mencionado Jeremy Irons, brillan un excelente Lance Henriksen y una entregada Ariadna Gil, que le gana en el apartado femenino a una literalmente insoportable, como viene siendo habitual en ella, Renée Zellweger, con un personaje inútil.

Concluye que "Nada en ‘Appaloosa’ merece la pena de ser recordado, sus imágenes pueden llegar a cautivarnos con la misma rapidez con la que las olvidamos. Puede que el western no haya muerto,  (pero ) no será por películas como ‘Appaloosa’.

Yo , en esta segunda visión, reconozco que me ha gustado más que la primera, que como dije anteriormente me resulto sosa y olvidable. He apreciado más y mejor el trabajo convincente de Harris y muchos más logrado de Viggo Mortensen. Eso sí, estoy de acuerdo que si alguien sobra en la película es Renée Zellwegger y . creo, que Ariadna Gil tampoco sale muy bien parada. De hecho no tengo muy claro que hiciera las américas con pretensiones de quedarse. Aprobaremos la película, vale, pues tiene elementos que la hace más que interesante.

Assasins Creed

Un rollo. Un rollo inmenso. Un soberano rollo. Absurdamente complicada y sin sentido. No ha podido ser peor el estreno cinematográfico en sala para este 2016. Una castaña, y me quedo corto en el calificativo. Assassin's Creed es un subproducto fílmico destinado para devoradores de la saga de videojuegos, como alguno de mis hijos, que eso sí, tengo que decir que le ha gustado. Lo peor es que es una oportunidad perdida pues el producto digital que se alaboró para los diversas plataformas digitales de juego es fantástico y contienen elementos muy didácticos, especialmente en la recreación de espacios y contextualización de históricas, pero la película no ha conseguido ni lo uno ni lo otro, sólo aburrirme soberanamente. Por momentos no sabía si estaba ante Assessins Creed o una nueva entrega de Transformers. 

Pasando a la película tengo que decir que ha sido perpetrada por productores franco-estadounidense a lo largo de este pasado 2016 y que ha ido ideada para presentarse en formato 3D , aunque yo no lo he visto así. El resultado ha sido una película de acción y aventuras, sin mucho sentido. 

La película ha sido dirigida por Justin Kurzel y producida por Jean-Julien Baronnet, Gérard Guillemot, Patrick Crowley, Conor McCaughan y Arnon Milchan así como por el actor Michael Fassbender y uno de los grandes de Hollywood, Frank Marshall, aquí en trinchera equivocada. Y lo han hecho a través de las compañías Regency Enterprises, Ubisoft Entertainment - la que ha desarrollado el juego- New Regency Imágenes y Ubisoft Películas, junto a DMC Film y la Kennedy / Marshall invirtiendo en ella 125 millones de dólares quedando la distribución en manos de la 20th Century Fox, que , por ahora, ha ingresado 85 millones de dólares de ilusos como nosotros. 

La película sigue el guión - no señores de la RAE, no voy a quitar la tilde porque no me da la real gana- ha sido escrito por Michael Lesslie, Scott Frank, Adam Cooper y Bill Collage y , como ya he señalado, está basada en la serie de videojuegos Assassin's Creed. Ha contando en el orden técnico con el trabajo de Jed Kurzel en la música, Adam Arkapaw en la fotografía y con Christopher Tellefsen en el montaje, mientras que Andy Nicholson fue el diseñador de producción. Mientras que Oliver Carroll, David Doran, Marc Casas, Tom Weaving y Matt Wynne son los encargados de la dirección artística y supervisión. . Los trajes de los Assassins fueron diseñados por la encargada del vestuario Sammy Sheldon y tardaron entre 2-3 meses para hacerse pues se hicieron a mano. Hubo ocho versiones de cada traje, con un equipo de vestuario entero dedicado a cada uno de los asesinos. 

El elenco principal Michael Fassbender como Callum Lynch/Aguilar de Nerha, Marion Cotillard como Sophia Rikkin y Jeremy Irons como Alan Rikkin en los principales papeles. 

Junto a ellos está Charlotte Rampling como Ellen Kaye, Brendan Gleeson como Joseph Lynch, Michael K. Williams como Moussa, Denis Ménochet como McGowen, el jefe de seguridad de Abstergo, Ariane Labed como María, Essie Davis como Mary Lynch, Angus Brown como Callum Lynch joven, Crystal Clarks como Samia, Callum Turner como Nathan, Octavia Selena Alexandru como Lara, Michelle H. Lin como Lin, Matias Varela como Emir, Thomas Camilleri como rey Fernando Católico, Marysia S. Peres como la reina Isabel Católica, Gabriel Andreu como Cristóbal Colón, Khalid Abdallah como sultán Muhammad XII, Kemaal Deen-Ellis como príncipe Ahmed, Javier Gutiérrez como Tomás de Torquemada, Carlos Bardem como Benedicto, el mentor de la Orden de los Asesinos, Hovik Keuchkerian como Ojeda, Graham Curry como un templario, Bruce Johnson como un guardia de la prisión, Lee Nicholas Harris como un paramédico, Coco König como asistente, Juan Pablo Shuk como padre, Rufus Wright como Alex, Aaron Monaghan como Gilles y y Gertrude Thoma como narrador en la versión inglesa.  Por último trabajan igualmente Dino Fazzani, Megan Affonso.

Assassin's Creed se inicia en el sur de España - yo diría que las imágenes exteriores son del castillo de La Calahorra (entre Granada y Almería) y nos presenta como Aguilar de Nerha, ingresa como miembro de una orden secreta de asesinos, los Assassins, que durante siglos se han opuesto a la Orden Templaria y como dicha orden quiso exterminarlos a todos. 

Tras esto nos cuenta la historia de Callum Lynch (Angus Brown). A este lo descubrimos de niño viviendo en un casa cercana al Pacífico en el desierto de la Baja California y que aparece sobre él sobrevolando un águila. 

Al llegar a casa se encuentra que su padre ha asesinado a su madre y que desde allí pasa a estar en acogida, hasta que, con el tiempo, Lynch (ahora Michael Fassbender) se transforma en un criminal que ha sido encerrado en una prisión y condenado a ser ejecutado por sus delitos. Pero Lynch recibirá una nueva oportunidad de la organización Abstergo, al ser rescatado de su propia ejecución. Abstergo se trata de una entidad dirigida por Alan Rikkin (Jeremy Irons). 

Así, con la ayuda de Sophia Rikkin (Marion Cotillard) y a través de una tecnología revolucionaria que permite rastrear su ADN y desbloquear sus recuerdos genéticos, Lynch experimentará las aventuras de su antepasado Aguilar de Nerha, un asesino miembro de la hermandad secreta de los Assasins y ascendiente suyo que vivió durante la España del siglo XV, en pleno auge de la Inquisición Española. 

Más tarde descubrimos que Industrias Abstergo, es la encarnación moderna de la Orden del Temple. Abstergo va en busca de la Manzana del Edén, que permite al hombre el "libre albedrío" y que sembró el primer pecado, con el fin de someter a la raza humana y terminar con su corrupción percibida. 

La científica principal de la compañía, la Dra. Sophia Rikkin, revela a Callum que es descendiente de Aguilar de Nerha, miembro de una orden secreta de asesinos que durante siglos se han opuesto a la Orden Templaria y lo recluta al Proyecto Animus, en el que Callum es conectado a una máquina, el Animus, que le permite revivir los recuerdos de Aguilar para que Abstergo pueda conocer el paradero actual de la Manzana del Edén. 

En su primera integración con la máquina Lynch marcha a la España de 1492 y se transforma en Aguilar que , junto a su pareja Maria, también integrante en la secta, hacen todo lo posible por rescatar príncipe Ahmed de Granada, que ha sido secuestrada por el líder de los templarios, Tomás de Torquemada, con el fin de obligar al padre de príncipe Ahmed, el Sultán nazarí Muhammad XII , a entregar el Fruto del Edén . 

Aguilar y María interceptan el carro que transporta a Ahmed, pero luego son emboscados y capturados por el ejecutor de Torquemada, Ojeda, así como Callum es sacado del Animus por Sophia.  

De vuelta a la cautividad, Callum se hace amigo de otras personas encerradas, que después sabemos que son descendientes de asesinos, encabezados por Moussa (Michael K. Williams). 

Ya en su celda comienza a experimentar alucinaciones tanto de Aguilar como de su propio padre, Joseph Lynch, que asesinó a la madre de Callum mientras estaba en traje de asesino. 

Al poco tiempo se entera que su padre Joseph (Brendan Gleeson) está también internado en la institución. El padre le cuenta que la madre de Callum fue una Assassins y que optó por morir de la mano de su esposo, antes de caer en manos del Animus controlado por los Templarios. Ante esto y el recuerdo del horror de que el asesinara a su madre,está dispuesto a acabar con él, y consigue una daga, aquí una hoja oculta, pero tras hablar con él, no puede hacerlo y le entrega la hoja oculta a su padre cuando éste le dice que también debería de haber acabado con él. 

Tras esto se marcha. Callum y Sophia poco a poco comienzan a conocerse conforme aumenta las sesiones en el "Animus" y , en un momento dado, Sophia le cuenta que es hija del director general de Abstergo, Alan Rikkin (Jeremy Irons) y le confiesa a Callum que su madre también fue asesinada por un asesino. 

De vuelta en el Animus, Aguilar y María están preparados para su ejecución ordenada por Tomás de Torquemada (un ridículo Javier Gutiérrez), pero Aguilar logra liberarse a sí mismo ya María, llevando a una persecución por varias azoteas en la que realizan un salto de fe, y logran escapar. Callum es entonces extraído y colocado de nuevo en cautiverio, donde aprende de Joseph, que también presente en el edificio, que sus recuerdos y Aguilar se están fusionando, lo que permite a Callum aprovechar las habilidades de combate de Aguilar. 

Mientras tanto, Alan es presionada por su superior Ellen Kaye para cerrar el Proyecto Animus debido a su falta de resultados, llevando a Sophia a darse cuenta de que Alan se preocupa más por la erradicación de los asesinos que usando la manzana del Edén para librar al mundo de la violencia.

Callum es colocado en el Animus una vez más, después de que Aguilar y María se metan en un un encuentro entre Muhammad y Ojeda (Hovik Keuchkerian) para intercambiar Ahmed por la Manzana del Edén. Con su intervención Aguilar logra matar a los Templarios, pero logra recuperar la Manzana del Edén. Ojeda captura a María para forzar a Aguilar a rendirse, pero María elige la muerte y Ojeda la apuñala fatalmente antes de que Aguilar lo mate.

Aguilar entonces escapa, realizando otro salto de la fe, haciendo el Animus funcione mal y se pare. Aguilar ya con la manzana del Edén va al Puerto de Palos de la Frontera y se encuentra con Cristobal Colón (Gabriel Andreu), por lo que la gente de Abstergo deduce que la bola del "Libre albedrío" debe estar en su tumba, sita en la Catedral de Sevilla. 

La gente de Abstergo llega a Sevilla y consigue del arzobispo de Sevilla permiso para abrir la tumba encontrando en la misma lo que contiene ese "libre albedrío". 

Tras eso, Rikkin y sus seguidores convergen entonces en un santuario templario en Londres para realizar un ritual encabezado por Ellen Kaye (Charlotte Ramplin ) ahora la gran maestre templaria para aprovechar sus poderes; mientras que Callum ve la alucinación de su madre y sus antepasados, todos en un atuendo de asesino, abrazan completamente a su linaje asesino. 

Habiendo asimilado todos los recuerdos y habilidades de Aguilar, Callum logra escapar y se reúne Moussa y los otros descendientes que han conseguido escapar del complejo de Abstergo para detener a los Templarios marchando hacia Londres. Allí atacan el santuario y Callum se encuentra con Sophia, que se ha desilusionado con los templarios y, a regañadientes, les permite actuar. 

Callum se enfrenta a Rikkin y lo mata en silencio para recuperar la manzana del Edén, con lo que los asesinos se van, prometiendo protegerlo una vez más. 

Horrorizada por la muerte de su padre, Sophia jura vengarse de Callum. Acabando así este desaguisado y , lo que es peor, dando a entender que nos darán cuenta de todo en una nueva entrega. ¡¡¡¡Horror!!!! 

La película se inspira libremente en los juegos de Assassins's Creed, pero no es ningún juego en particular, y tuvo su estreno el 21 de diciembre de 2016. La historia de este proyecto se remonta a octubre de 2011, cuando Sony Pictures entró en negociaciones con Ubisoft Motion Pictures para hacer una versión de la película de Assassins Creed en 3D . 

En julio de 2012, Michael Fassbender se anunció como la estrella ¿fugaz? en la película, así como co-productor, a través de DMC Film. En el proyecto participaría Conor McCaughan.Jean-Julien Baronnet, representante de Ubisoft Motion Pictures, dijo Fassbender fue la primera opción del estudio para asumir el protagonismo de la película. Declaraba Michael Fassbender , actor nacido en Alemania, pero criado en Irlanda , que  nunca había jugado a ninguno de los juegos de la saga, es más, ni siquiera sabía de su existencia hasta que fue contactado pot Ubisoft , la empresa madre de la saga.

 Sin embargo, las conversaciones entre Sony Pictures y Ubisoft Motion Pictures quedarán en suspenso, lo que llevó a los ejecutivos de Ubisoft planear el desarrollo de una película independiente con el fin de mantener un mayor control creativo. Sony podía distribuir la película, pero Ubisoft Motion Pictures no reanudaría las conversaciones hasta que en el proyecto no hubiese un escritor y un director. 

En octubre de 2012, Ubisoft reveló la película iba a ser co-producida con New Regency y distribuida por 20th Century Fox, saliendo del mismo Sony . New Regency financió parte de la producción de la película, con el fin de que Ubisoft no asumiese la mayor parte del riesgo financiero, pero aún así puediera participar de manera creativa; RatPac Entertainment y Alpha Pictures también cofinanciarían la película. Baronnet también reveló Ubisoft espera estrenar la película junto con el lanzamiento de un nuevo juego de la serie, el enésimo. En enero de 2013, Michael Lesslie fue contratado para escribir la película. 

En junio de 2013, Frank Marshall entró en negociaciones para la producción de la película, junto con Fassbender y McCaughan, por DMC Film, y Eli Richbourg de Ubisoft. En julio de Scott Frank reveló que estaba reescribiendo el guión. 

En enero de 2014, el productor ejecutivo de Fannie Pailloux declaró filmación estaba programada para comenzar en agosto de 2014. 

En abril de 2014, Adam Cooper y Bill Collage fueron contratados para escribir el guión. A finales de abril el cineasta australiano  Justin Kurzel estaba en conversaciones para dirigir. En junio, Olivia Munn expresaron interés en aparecer en la película. 

El 4 de septiembre de 2014 surgió el rumor de que la película contaría una historia con la Inquisición Española y que Michael Fassbender asumiría dos papeles, el del Asesino español Aguilar y el de su descendiente en la actualidad. La película tendría un lugar, tiempo y protagonistas diferentes a los de los juegos, explorando nuevas historias dentro de la hermandad de los Asesinos. 

El 12 de febrero de 2015,el representante de Ubisoft, Yves Guillemot, confirmó que New Regency había comenzado la producción de la película. Al día siguiente, la estrella francesa emergente Marion Cotillard se informó que se ha unido al elenco. Inicialmente se programó que el rodaje comenzaría a finales de 2015. 

En abril de 2015, Fassbender ya como productor reveló que el rodaje se retrasaba pues se reprogramó para comenzar en septiembre de 2015. Fassbender se  implicó como productor del mismo ya que , según declaró, "Mi objetivo era trabajar en algo que pudiera ver nacer  y conocer desde el principio".  Consideraba que la mezcla entre ciencia ficción y aventura histórica era "muy interesante. Si estás haciendo una película de fantasía...lo primero que hay que tener es un concepto fuerte sacado del mundo científico". 

En mayo de 2015, Alice Vikander estaba en conversaciones para participar en la película, aunque al mes siguiente,se informó que se había integrado en el elenco de Jason Bourne , siendo sustituida por la griega Ariane Labed en el papel de María . 

En julio de 2015, Michael K. Williams se sumó y en octubre de 2015, Jeremy Irons y Brendan Gleeson se unió al reparto. . 

También se anunciaron los lugares de rodaje de la película que tendría lugar en España, Malta e Inglaterra. El rodaje comenzó en Malta el 31 de agosto de 2015, bajoel título de "Time Out Of Mind o Toom . 

Se rodó en Fort Rinella, La Valletta, y en Manoel Island, en Malta, en Freemason's Hall, para el Grand Templar Hall de Londres y en los Pinewood Studios,de Buckinghamshire, y para diciembre de 2015, rodaban en España, en concreto en El Chorrillo, Pechina y en el desierto de Tabernas y en el Parque Natural de Cabo de Gata-Níjar, en Almeria, en el Castillo de La Calahorra (Granada), en la Giralda y entorno de la Catedral en Sevilla y en Madrid - dejando a relucir que el exterior de Abstergo Industries está en Madrid, localizable por un gran estadio de fútbol , el Vicente Calderón, el del Atlético de Madrid.. El rodaje terminó el 15 de enero de 2016 aunque se añadieron en julio unas escenas más rodadas en la británica Catedral de Ely. En el rodaje se rodaron un buen número de escenas desde drones ya que fueron utilizados en gran medida para rodar algunas de las escenas de acción más ágiles de la película. 

Tras hacer el ganso Michael Fassbender y Marion Cotillard en El hormiguero - lo vimos mientras cenábamos una de estas noches pasadas de diciembre- para hacer la promoción de la mismo, y comentarnos algo que parece ser importante en la película : la caída de 125 pies (38 metros) que realiza el personaje de Michael Fassbender , aunque quen lo realizó fue el especialista Damien Walters y que duró casi 3 segundos con una velocidad de impacto 61 mph, no siendo modificada por los efectos especiales - los famosos CGI-. Declararon que entre Fassbender y Ariane Labed realizaron el 95 % de sus peleas.

Kurzel tenía muy claro que Assassin´s Creed no sería una película de superhéroes. Para él, cuanto más pegado a la realidad mejor y cuantos más efectos reales y no generados por ordenador, mucho mejor.

El 80% de la película, incluyendo acrobacias, extras y locaciones, fueron rodados con cámara, sin usar CGI. Tras comentarnos todo eso tuvo lugar su estreno.  

Y con ello llegaron las crónicas y críticas sobre la misma. En Gran Bretaña Robbie Collin en Telegraph comentó que "Ni Michael Fassbender puede hacer que esta basura salte de la pantalla (...) Una película que parece hecha completamente de subtramas (...) " 

Para James Dyer de la revista Empire afirma que es "A menudo confusa y demasiado seria, la obra de época de Kurzel es redimida por sus vistas suntuosas y sus peleas de primera categoría. (...) " 

Nos dice  Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian  que "Es un caos interminable y soso (...) Es raro ver una película tan carente de ánimo. (...)" 

En The Independent se habla de que son "Los impresionantes efectos visuales rescatan un guion manuscrito por Reddit (...) Esta podría ser la mejor adaptación de videojuego jamás realizada: aunque tampoco es decir mucho (...) " 

En Estados Unidos Owen Gleiberman nos dice en Variety que "Tiene estrellas de renombre, pero realmente es el mismo viejo cuento de siempre (...) Una película de videojuegos mediocre" En la revista Time Stephanie Zacharek nos dice que "Assassin's Creed es muy confusa. No, olvidad eso: es un desastre." 

Para Peter Travers en Rolling Stone afirma que está "Mostrando señales de vida inteligente en un universo de tonterías de mal gusto, 'Assassin's Creed' se sitúa por encima de la masa de películas basadas en videojuegos (...) " 

Harry Windsor deja negro sobre blanco en las hojas del The Hollywood Reporter que resulta "Pesada. (...) casi dos horas de un complicado sinsentido" 

Para Michael O’Sullivan en el The Washington Post, más generoso que yo, afirma que "'Assassin's Creed' no es tan mala como podría temerse, al lado de la abismal trayectoria de películas basadas en videojuegos. En otras palabras, cuanto más tonta es, más entretenida (...) " 

Según David Ehrlich en Indiewire nos dice sin rodeos que es "Tonta, sin sentido y probablemente la mejor película sobre un videojuego jamás hecha. (...) Es ridícula, pero es el 'blockbuster' más interesante en un año en el que la mayoría fueron aburridos." 

Comenta  Scott Mendelson en la revista Forbes  que "Decir que ver una mala película de videojuegos es como ver a alguien jugando un mal videojuego es un tópico. Pero 'Assasin's Creed' lleva ese tópico al siguiente nivel" 

En Vanity Fair Jordan Hoffman comenta que es "Una película destinada a no contentar a casi nadie. Y por último Edward Douglas en su crónica del New York Daily News afirma que "Durante años hemos escuchado quejas de que las películas de videojuegos están malditas (...) 'Assassin's Creed' no levantará esa maldición. (...) " 

Ya en España Luis Martínez en las páginas de El Mundo escribe que "El director compone el más extraño, desigual, a ratos enérgico, siempre pomposo y hasta fallido artefacto que ha visto el cine reciente (...) " 

Javier Ocaña en El País sostiene que que es un "Batiburrillo de acción desaforada pero carente de ritmo interno, subtextos de saldo relacionados con la erradicación de la violencia, y un puñado de referencias presuntamente cultas" 

En ABC Oti Rodríguez Marchante escribe que "Es de esas singulares películas en las que no acabas de definir bien quiénes son los buenos y quiénes los malos, pero con tanto intríngulis visual que no dudarías en verla inmediatamente otra vez (...)" 

Quim Casas en El Periódico dice que "Lo único positivo del filme es la relación entre esos dos tiempos a través de las luchas del personaje de Michael Fassbender (...) Lo demás es atropellado o reiterativo" 

Janire Zurbano en una revista de cine importante como Cinemanía , comenta que "Kurzel hace de este videojuego una travesía irresistiblemente cinematográfica al ahondar en las motivaciones de sus personajes, defectuosamente humanos, a través de una óptica realista (...)" 

Por último Roger Salvans nos dice en Fotogramas que "Cinta mermada por un macgufin trivial y las ya tópicas taras de las historias fundacionales que encuentra su mejor tono y ritmo en unas escenas de acción eléctricas y ejecutadas con precisión milimétrica (...) " 

En marzo de 2016, Daphne Yang, un productor taiwanés afirmaba que New Regency buscaba convertir la película en una franquicia, ya que se basaba en "exitosos juegos de Ubisoft y haría secuelas ideales." 

Esto da que pensar - ya se concretará- que en un futuro próximo habrá un par de películas, para mi pesar. No se si se debe a que tenía sueño, pero para mí, salvo los más que dignos efectos especiales, la película es absolutamente prescindible y eso que dura sólo 1 hora y 48 minutos, aunque originalmente, iba a ser de 2 horas y 20 minutos. Todo un alivio.