Johnny Mnemonic

Película de ciencia ficción que teóricamente tenía que haber visto en su presente hace cuatro años, para ser coetánea a ella, pero no, no la he visto hasta hoy y eso que era una película de culto ya que era una distopía cercana aunque planteada en 1995 por Robert Longo. Y que sirvió para la carrera de un jovencísimo Keanu Revés, una bella Dina Mayor, un Ice T que únicamente aparece al final, pero que es determinante y uno de los grandes del cine japonés, Takeshi Kitano. 

Para Robert Longo fue su debut como director de largometrajes siendo el responsable de la misma William Gibson , quien escribió en 1981 escribió el guion. 

La película, ambientada en 2021, retrata un futuro distópico asolado por una plaga inducida por la tecnología, inundado de conspiraciones y dominado por megacorporaciones y crimen organizado. 

interpreta a Johnny,  Ice-T y coprotagonizan como aliados de Johnny, y un guardaespaldas, respectivamente. 

Así es Johnny Mnemónico. Segunda década del siglo XXI. Gobiernan las corporaciones el mundo está amenazado por una nueva plaga, el STN, síndrome del temblor negro. Mortal y epidémico. De origen y curación desconocido. A  las corporaciones se oponen los loteks, un movimiento de resistencia surgido de las calles así como los hackers, piratas de datos, y guerrilleros de la información, las infoguerras.

 

La corporaciones se defienden a sí mismo mediante la contratación de la yakuza, el más poderoso de todos los sindicatos del crimen. Preservan sus datos en hielo negro, virus letales preparados para quemar el cerebro de los intrusos. Pero los Loteks aguardan en sus fortalezas, protegidos por los muros de la ciudad como ratas en las murallas del mundo. 

La información más valiosa la de confiarse a correos de memoria, agentes de élite, que transportan datos e implantes cerebrales. Uno de ellos es Johnny Mnemonic. 

En 2021, la sociedad está impulsada por una Internet virtual, que ha creado un efecto degenerativo llamado "síndrome de atenuación nerviosa" o NAS. Las megacorporaciones controlan gran parte del mundo, lo que intensifica la hostilidad de clase ya creada por el NAS.

Johnny (Keanu Reeves) es un hombre mejorado biológicamente  con implantes de chips de silicona, "mensajero mnemotécnico" que transporta discretamente datos confidenciales para corporaciones en un dispositivo de almacenamiento implantado en su cerebro a costa de sus recuerdos de la infancia. 

El joven Johnny es uno de esos mensajeros de datos con un implante cerebral sobrecargado diseñado para almacenar de forma segura información confidencial.  Este es contratado por dos científicos para entregar una peligrosa información que ha sido robada a una importante empresa industrial. Su trabajo actual es para un grupo de científicos en Beijing . 

Johnny inicialmente se resiste cuando se entera de que los datos exceden su capacidad de memoria incluso con compresión, pero acepta dado que la gran tarifa cubrirá el costo de la operación para quitar el dispositivo. 

Johnny mantiene en secreto que está sobrecargado; debe extraer los datos en unos pocos días o sufrirá daño cerebral fatal y corromperá los datos. Los científicos cifran los datos con tres imágenes aleatorias de una señal de televisión. 

Mientras transmiten estas imágenes al receptor en Newark, Nueva Jersey , son atacados y asesinados por yakuza liderados por Shinji, que empuña un látigo láser. Johnny, que está escondido en la casa, lucha contra los yakuza, toma un fragmento de las imágenes de la clave de cifrado y escapa. 

Shinji informa de su fracaso a su superior, Takahashi (Takesi Kitano), un yakuza afiliado a una megacorporación que intenta suprimir los datos de Johnny el responsable de contratar a un asesino psicópata, El predicador de la calle (Dolph Lundgren) para hacerlo,  Su conversación revela que los yakuza están trabajando en nombre de Pharmakom, una megacorporación. Johnny es testigo de breves proyecciones de una inteligencia artificial femenina que intenta ayudarlo, pero él la rechaza.

En Newark, Johnny se reúne con su manejador Ralfi, quien lo traiciona. Johnny es rescatado de la yakuza por Jane (Dina Meyer  ), una bella y aguerrida guardaespaldas, cibernéticamente mejorada; miembros de los Lo-Teks, un grupo anti-establishment; y el líder de los Lo-Teks, J-Bone (Ice T.), un luchador por la libertad. 

Ralfi es cortado en pedazos cuando se interpone en el camino de Shinji. Jane lleva a Johnny a Spider, el médico que instaló los implantes de Jane. 

En una clínica, Spider revela que su organización benéfica médica estaba destinada a recibir los datos de los científicos de Beijing, que es una cura robada para el síndrome de abstinencia neonatal. Spider afirma que Pharmakom se niega a liberar la cura porque se están beneficiando de los tratamientos de mitigación. La parte de las imágenes encriptadas que Johnny tomó más la pieza que Spider recibió son insuficientes para descifrar la mente de Johnny, por lo que Spider sugiere que vean a Jones en la base de los Lo-Teks. 

De repente, el asesino contratado por Takahashi conocido como "El Predicador de la Calle" los ataca, matando a Spider, mientras Johnny y Jane escapan.

Los dos llegan a la base de Lo-Tek y se enteran por J-Bone de que Jones es un delfín que alguna vez fue utilizado por la Marina y que puede ayudar a descifrar la carga de Johnny. Mientras comienzan el procedimiento, Shinji y los yakuza atacan la base. 

Takahashi aparece y se enfrenta a Johnny, apuntándolo con una pistola, antes de que Shinji, en una traición sorpresa, le dispare a Takahashi. Johnny y Shinji pelean, y terminan con Johnny matando a Shinji. Antes de morir, Takahashi cambia de opinión y le entrega una parte de la clave de cifrado a Johnny. Esto todavía no es suficiente para descifrar completamente los datos. J-Bone le dice a Johnny que necesitará hackear su propia mente con la ayuda de Jones. Johnny, Jane, J-Bone y los Lo-Teks derrotan a las fuerzas restantes enviadas tras ellos. El Predicador de la Calle llega y, después de una pelea, Johnny y Jane lo electrocutan hasta matarlo.

Comienza el segundo intento y, con la ayuda de la IA femenina, Johnny descifra los datos y, al mismo tiempo, recupera sus recuerdos de la infancia. Se revela que la IA es una versión virtual de la madre de Johnny, que fundó Pharmakom y se enojó por las acciones de la empresa. 

Mientras J-Bone transmite la información de la cura de NAS a través de Internet mediante transmisiones piratas , Johnny y Jane observan desde lejos cómo la sede de Pharmakom se incendia debido a la protesta pública. 

Para celebrarlo, J-Bone se deshace del cadáver quemado del predicador callejero arrojándolo a las aguas de Newark.

En la década de 1980, el director Robert Longo era conocido principalmente por sus obras de arte, incluyendo "Men in the Cities", una serie de imágenes destinadas a ser vistas secuencialmente. 

Después de haber sido influenciado por el cine, pasó a dirigir videos musicales y, cuando se cansó de eso, se interesó en adaptar Johnny Mnemonic de William Gibson . 

Longo y Gibson comenzaron a trabajar en un guion en 1989. El primer intento de Longo de financiar la película fue a través de Warner Bros. en 1990. A Bob Krasnow le gustó el cortometraje de Longo, Arena Brains , y se ofreció a financiar un largometraje. 

Antes de que pudiera comenzar la preproducción, Warner Bros. se fusionó con Time Inc. y la película quedó en suspenso. Al reconocer que era poco probable que la película se produjera, Krasnow dejó que Longo rescindiera su contrato. Longo casi se dio por vencido en hacer Johnny Mnemonic , pero continuó con sus contactos en Hollywood. 

Longo y Gibson intentaron vender Johnny Mnemonic como una película de arte con un presupuesto pequeño, pero no lograron obtener financiación de los estudios. Gibson dijo que querían evitar visuales llamativos inspirados en MTV y "sumergir a la audiencia en un universo muy extraño pero consistente".

Longo comentó que el proyecto "comenzó como una película artística de 1½ millón de dólares, y se convirtió en una película de 30 millones de dólares porque no pudimos conseguir un millón y medio". El abogado de Longo sugirió que su problema era que no estaban pidiendo suficiente dinero y que los estudios no estarían interesados en un proyecto tan pequeño.  Los estudios también estaban preocupados de que la formación artística de Longo afectara su capacidad para hacer una película comercialmente viable. 

La expansión ilimitada de Internet a principios de la década de 1990 y el consiguiente crecimiento rápido de la cultura de alta tecnología habían hecho que el ciberpunk fuera cada vez más relevante, y esta fue una motivación principal para la decisión de Sony Pictures de financiar el proyecto con decenas de millones. 

Val Kilmer fue elegido originalmente para el papel principal, y Reeves lo reemplazó cuando Kilmer se retiró.  Gibson aprobó este casting y dijo que Reeves entendía bien al personaje.  La nacionalidad canadiense de Reeves abrió más opciones financieras, como incentivos fiscales canadienses. En Canadá, Longo descubrió que tenía que mantener las cuotas de técnicos canadienses. Michael Chapman había aceptado filmar la película, pero Longo tuvo que contratar a un director de fotografía canadiense en su lugar.

Cuando la película anterior de Reeves, Speed , se convirtió en un gran éxito en 1994, aumentaron las expectativas para Johnny Mnemonic , y Sony vio la película como un potencial éxito de taquilla.   Gibson dijo que los ejecutivos de Sony comenzaron a presionarlos sobre si su película tenía autobuses o explosiones, elementos críticos de Speed . 

Las experiencias de Longo con los financieros fueron malas, creyendo que sus demandas comprometían su visión artística. 

Muchas de las decisiones de casting, como la de Lundgren, fueron impuestas a Longo para aumentar el atractivo de la película fuera de los Estados Unidos. Longo y Gibson, que no tenían idea de qué hacer con Lundgren, crearon un nuevo personaje para él. Lundgren había protagonizado anteriormente varias películas de acción que enfatizaban su físico. Tenía la intención de que el papel del predicador callejero fuera una muestra de un mayor alcance como actor, pero el monólogo de su personaje fue cortado durante la edición.  Gibson dijo que el monólogo, un sermón sobre el transhumanismo que Lundgren pronunció desnudo, fue cortado por temor a ofender a los grupos religiosos. 

Por su parte, Takeshi Kitano fue elegido para atraer al mercado japonés. 

Rollins, que no está interesado en la ciencia ficción, se unió al elenco porque le gustó el enfoque de la película en una subclase desfavorecida emergente. 

La película se desvía significativamente del cuento original de Gibson, como por ejemplo, al convertir a Johnny, no a su guardaespaldas, en la figura de acción principal. Molly Millions es reemplazada por Jane, ya que los derechos cinematográficos de Molly ya se habían vendido.  Sin embargo, Gibson no quería a Molly en la película y pensó que sería mejor reservarla para una franquicia diferente.  

El síndrome de atenuación nerviosa (NAS) es una enfermedad ficticia que no está presente en el cuento. El NAS, también llamado "los temblores negros", es causado por una sobreexposición a la radiación electromagnética de dispositivos tecnológicos omnipresentes y se presenta como una epidemia furiosa . En la película, una corporación farmacéutica ha encontrado una cura, pero decide retenerla del público a favor de un programa de tratamiento más lucrativo. Las referencias a la adicción a la heroína del delfín Jones fueron uno de los muchos elementos de la trama cortados durante la edición.

El rodaje tuvo lugar en las dos ciudades canadiense más relevantes: Toronto , donde Longo se mudó temporalmente con su familia, y Montreal.

El estudio continuó desafiando a Gibson y Longo en el guion durante la fotografía principal , lo que hizo que parte del rodaje fuera tenso y confuso.  El guion estaba destinado a ser un comentario sobre las películas de ciencia ficción y cómo se hacen, y las secuencias de acción estaban destinadas a ser irónicas y recordar escenas que Gibson y Longo disfrutaron en las películas B. 

Gibson y Longo habían dado instrucciones a Reeves de no interpretar al personaje de manera directa. Por su parte, Reeves dijo que interpretó al personaje "muy robótico y rígido", lo que encontró agotador. El traje y la corbata de Reeves son una referencia a "Men in the Cities".  Cuando Johnny clama por el servicio de habitaciones, esto fue un reflejo de la frustración de Longo, y también se ha identificado como una referencia a "Men in the Cities".  El final, en el que el predicador callejero parece revivir, fue impuesto a Longo, pero él se negó a filmar la escena directamente, como se le pidió. No obstante, el estudio aprobó su versión. Se filmaron ocho minutos de metraje adicional protagonizado por Kitano para el estreno japonés de la película. 

Gibson dijo que la película fue "retirada y reeditada por el distribuidor estadounidense" durante la posproducción. Describió la película original como "una obra muy divertida, muy alternativa", y dijo que fue "cortada y cortada sin mucho éxito para convertirla en algo más convencional". 

Gibson comparó esto con editar Blue Velvet para convertirla en un thriller convencional sin ironía. Su editor, Ronald Sanders , fue reemplazado por alguien que, según Longo, no entendía la película. 

Antes de su estreno, la crítica Amy Harmon identificó la película como un momento trascendental en el que la contracultura ciberpunk entraría en la corriente principal. Las noticias sobre los compromisos del guion generaron preocupaciones previas al estreno de que la película resultaría una decepción para los ciberpunks incondicionales.  Gibson dijo que él y Longo estaban en negación al principio y creían que la película aún podría ser fiel a su visión. Sin embargo, Gibson no culpó a nadie por el reeditado, argumentando que la película había sido financiada con su dinero. A pesar de las afirmaciones hechas en Internet, la versión japonesa de la película no se acerca ni por asomo a un corte del director , y Longo ha dicho que no existe ningún corte del director. 

La banda sonora fue compuesta por Brad Fiedel. Antes de la participación de Sony, Black Rain compuso una banda sonora. Black Rain ya había proporcionado música para un audiolibro de Gibson y había trabajado con Longo. Como aún no había ocurrido ningún tiroteo, la banda compuso canciones inspiradas en el cuento original. Una vez que Sony se involucró, la banda sonora fue reemplazada por artistas de Sony, como Stabbing Westward . 

Simultáneamente con el estreno de la película por parte de Sony Pictures, su banda sonora fue lanzada por la subsidiaria de Sony, Columbia Records , y la división de efectos digitales de la corporación, Sony ImageWorks, publicó una versión de videojuego en CD-ROM para MS-DOS, Mac y Windows 3.x. El videojuego Johnny Mnemonic , desarrollado por Evolutionary Publishing, Inc. y dirigido por Douglas Gayeton , ofrecía 90 minutos de narración de videos de movimiento completo y rompecabezas.  Se lanzó una máquina de pinball , también titulada Johnny Mnemonic . 

Sony se dio cuenta pronto del potencial que tenía el marketing en Internet para llegar a su público objetivo y su división de nuevas tecnologías promocionó la película con una búsqueda del tesoro en línea que ofrecía 20.000 dólares en premios. Un ejecutivo comentó: "Vemos Internet como un boca a boca turboalimentado. En lugar de que una persona le diga a otra que algo bueno está sucediendo, es una persona que se lo dice a millones". 

El sitio web de la película, el primer sitio oficial lanzado por Columbia TriStar Interactive ,  facilitó una mayor promoción cruzada vendiendo productos de Johnny Mnemonic emitidos por Sony Signatures , como una camiseta de "hackea tu propio cerebro" y tazas de café Pharmakom. El guionista William Gibson fue enviado a responder preguntas sobre el videojuego de los fanáticos en línea. A pesar de haber creado el ciberespacio , una de las metáforas centrales de la era de Internet, Gibson nunca había estado en Internet antes. El novelista habitualmente solitario comparó la experiencia con "tomar una ducha con un impermeable" y "tratar de hacer filosofía en código Morse". Gibson comentó que el ejercicio parecía más una prueba de Sony sobre la viabilidad del marketing en Internet que un evento interactivo para sus clientes. 

La película recaudó ¥ 73,6 millones ($897,600) en sus primeros 3 días en Japón en 14 pantallas en las nueve ciudades japonesas clave.  Se estrenó en Estados Unidos y Canadá el 26 de mayo en 2.030 cines, recaudando $6 millones en el fin de semana de estreno. Recaudó $19,1 millones en total en Estados Unidos y Canadá contra su presupuesto de $26 millones. A Gibson le dijeron que la película tuvo un buen desempeño en Asia y fue una de las pocas películas rentables para Sony en 1995. 

En cuanto a las críticas fueron generalmente desfavorables.  Todd McCarthy de Variety llamó a la película "basura de alta tecnología" y la comparó con un videojuego. McCarthy dijo que la premisa de la película es su "pequeño toque de ingenio", pero la trama, que calificó como probable que decepcione a los fanáticos de Gibson, es simplemente una excusa para "efectos especiales de gráficos de computadora elaborados pero poco dramáticos y poco emocionantes". McCarthy lo que vio como una "severidad sin alivio" y "escenas de acción desganadas y oscuras" y sintió que la representación visual del futuro de la película no era original. El de Variety encontró que los efectos especiales eran "hábiles y logrados pero poco imaginativos", en cambio, encontró que el personaje de Reeves era desagradable y unidimensional , añadiendo que ""Keanu Reeves no genera ningún interés humano (...) Los efectos especiales son hábiles y logrados, pero poco imaginativos" ". 

Roger Ebert , el crítico de cine del Chicago Sun-Times , la llamó "uno de los grandes gestos tontos del cine reciente". La reseña de Ebert reflejó esta opinión. Enviar un mensajero para entregar físicamente información importante mientras se evita a los agentes enemigos le pareció "impresionantemente derivado" e ilógico fuera de la artificialidad de una película cuando Internet está disponible.  El columnista de Chicago dijo que la trama de la película podría haber funcionado en cualquier género y haberse ambientado en cualquier período de tiempo. Como señaló ""Una película que no merece un nanosegundo de análisis en serio, pero que tiene una clase de grandeza idiota que hace que casi lo perdones (...) ". Ebert, eso sí, disfrutó de los efectos especiales.

Owen Gleiberman de Entertainment Weekly la llamó "un thriller futurista flojo y derivado".  Gleiberman describió la película como " Blade Runner con escenarios más horteras" y  destacó el látigo láser como su efecto especial favorito, y  comparó al protagonista con una figura de acción. Gleiberman dijo que los esfuerzos de Reeves por evitar Valleyspeak fracasaron, dando a las líneas de su personaje "una urgencia intensa y fuera de lugar", aunque le gustó el casting poco convencional de Lundgren como un predicador callejero psicópata.

Por el contrario, Mick LaSalle del San Francisco Chronicle la describió positivamente y describiéndola algunos aspectos como " (...) ritmo enfebrecido y explosiones de luz y láser, presenta una visión fantástica, pero plausible de una era dominada por los ordenadores" "como "inevitablemente una película genial" Y añade que era "una historia de acción dura que usa la tecnología como telón de fondo". LaSalle sintió que la película "introduce una visión fantástica pero plausible de una era dominada por la computadora" y mantiene un enfoque en la humanidad. y dijo que Reeves sigue siendo agradable de ver y lo convierte en un protagonista convincente.

En su reseña para Los Angeles Times , otro diario californiano, Peter Rainer escribió que la película, cuando se despoja de la atmósfera ciberpunk, es reciclada de la ficción negra. Rainer dijo que el tono de la película era demasiado sombrío y carente de emoción. Rainer, quien encontró que la pose contracultural de la película era inauténtica y carente de humanidad, criticó problemas similares, encontrando que la falta de iluminación de la película y su sombrío diseño de escenario le daban a todo una "aburrimiento indiferenciado". Rainer postuló que el personaje de Reeves puede parecer tan vacío debido a su pérdida de memoria y le encontró que la falta de humor a lo largo de la película minó todas las actuaciones de cualquier disfrute.  El columnista destacó a Lundgren como el único actor alegre y dijo que su actuación fue la mejor de la película

Marc Savlov escribió en The Austin Chronicle que la película funciona bien tanto para los fanáticos de Gibson como para aquellos que no están familiarizados con su trabajo. Savlov la calificó como "un DOA actualizado ". Savlov escribió que los "intentos de Longo de superar a Blade Runner Ridley Scott en el departamento de paisaje urbano en decadencia se vuelven tediosos".  Savlov aún encontró la película "mucho mejor de lo esperado" y dijo que la entrega acartonada de Reeves le da a la película un humor involuntario

Escribiendo en The New York Times , Caryn James llamó a la película "un desastre en todos los sentidos" y dijo que a pesar de la participación de Gibson, la película resulta ser "una imitación cutre de Blade Runner y Total Recall ". James criticó la falta de tensión de la película. James calificó la película como turbia y sin color y poco impresionante.  James comparó a Reeves con un robot. James calificó el papel de Ice-T de estereotipado y dijo que merecía algo mejor.

Carrie Rickey del Philadelphia Inquirer escribiço sobre ella que "Aspira a ser 'Blade Runner': sólo consigue ser una parodia de 'Flipper'". 

Desde Gran Bretaña,Bob McCabe en Empire sostuvo que "Puede que el mundo futurista de Gibson sea frío, pero lo que nunca debería ser es aburrido: ésta es una oportunidad perdida (...) " 

Y ya en España, Fernando Morales de El País concluyó que era una "Entretenida cinta futurista, sin más". Personalmente, creo que su consideración es excesiva para lo compleja, la acción que tiene y lo tediosa que es. eso sí, es muy futurista y servirá algunas de sus escenas a películas porteriores como la de los Wachovski y otras por el estilo ficticio de la ciencia.  

La actuación de Reeves en la película le valió una nominación al premio Golden Raspberry Award como peor actor (también por A Walk in the Clouds ), pero perdió ante Pauly Shore por Jury Duty . 

La película fue presentada en el Founders Award (What Were They Thinking and Why?) en los Stinkers Bad Movie Awards de 1995 y también recibió una mención deshonrosa como peor película. 

En una retrospectiva de la carrera de las películas de Reeves para Entertainment Weekly , Chris Nashawaty clasificó la película como la segunda peor de Reeves, llamando a los fanáticos de la película "locos" por gustarle.  Si bien reconoció los problemas de la película, el crítico Ty Burr atribuyó sus malas críticas a la falta de familiaridad de los críticos con el trabajo de Gibson. 

Peter Bradshaw , crítico de cine de The Guardian , escribió: "Quizás sea pintoresca, pero también se puede ver, y es el tipo de ciencia ficción que es genuinamente audaz". 

Los Wachowski utilizaron a Johnny Mnemonic como modelo para describir Matrix a los inversores,  y el videojuego de 2011 Deus Ex: Human Revolution estuvo influenciado por Johnny Mnemonic .  Los accesorios de la película fueron transformados en esculturas por la artista Dora Budor para su exposición individual de 2015, Spring . 

Aquiles y la tortuga

 

Esta semana parace que estoy tras Takeshi Kitano, tras haber visto Dolls hace un par de días. A esteste Aquiles y la tortuga he llegado como suelo llegar desde mi ignorancia, por casualidad. No ha sido por el título sino por quien lo firmaba. Ni tan siquiera el título que me remitía a alguna discusión en clase de filosofía de hace varias décadas. No recordaba el nombre de Zenón de Elea, pero sí de que iba su aporías, una palabra de origen griego que significa “dificultad para el paso”

Zenón de Elea fue un filósofo griego perteneciente a la llamada “escuela eleatica” nacidp en la Magna Grecia, vamos, en el sur de Italia, paisano de Parménides, su maestro. Zenón destacara por su se hizo célebre por una de sus “aporías” , la de Aquiles y la tortuga.

En la aporía o paradoja de Zenón, éste hablaba de una carrera en la que compiten uno de los héroes caídos en Troya con una tortuga. El planteamiento era el siguiente: si a una tortuga le damos una ventaja,  Aquiles nunca podrá alcanzarla, porque aunque corra muy rápido y avance, la tortuga habrá avanzado también. Por lo tanto, Aquiles tiene una infinita cantidad de espacios que recorrer antes de alcanzar al animal. Esto se debe a que en el momento en que Aquiles empiece a correr, la tortuga estará ya a cierta distancia, en el punto A. 

Cuando Aquiles llegue al punto A, la tortuga habrá avanzado hasta el punto B. Cuando Aquiles llegue a B, la tortuga estará ya en C. Aquiles tardará en alcanzar a la tortuga la suma de los tiempos que necesite para alcanzar los puntos A, B, C… Y así sucesivamente, hasta el infinito. El tiempo total será, por lo tanto, la suma de una serie infinita de números. El problema es que Zenón piensa que la suma de una serie infinita de números tiene que ser infinita, por lo que Aquiles jamás conseguirá alcanzar a la tortuga

Pues así comienza como una tiras animada la película que en el año 2008 fue escrita, dirigida y editada por Takeshi Kitano. La película era la tercera y última parte de la trilogía autobiográfica surrealista de Kitano, que comenzó con Takeshi’s y continuando con Glory to the Filmmaker! 

En este caso Achilles to Kame o Achilles and the Tortoise es una producción de Kitano junto a Masayuki Mori caras visibles de las productoras  Bandai Visual , Tokyo FM , TV Asahi , WOWOW distribuida por Media3 Estudios.

La película cuenta con la música de Yuki Kajiura y la fotografía de Katsumi Yanagishima, además de la posición onmipresente de Kitano.

El elenco lo encabeza Takeshi Kitano como Machisu,  Kanako Higuchi como Sachiko,  Yurei Yanagi como el joven Machisu,  Kumiko Asō como el niño Sachiko , Akira Nakao como el padre de Machisu , Mariko Tsutsui como la madrastra de Machisu , Ren Osugi como el tío de Machisu , Susumu Terajima como un Yakuza proxeneta,  Eri Tokunaga como la hija de Machisu , Nao Omori como un comerciante de arte, Masato Ibu como distribuidor de arte . 

Tras el relato de Ulises y la tortuga, conocemos en una noche de farras al padre de Machisu (Akira Nakao) industrial de la seda y banquero de una familia acomodada, que se divierte junto a unas geishas y unos amigos, un marchante de arte y un pintor que acab de triunfar en Paris. 

El padre es un enamorado del arte así que celebra los encuentros con los supuestos entendidos con sake y diversión. Tras llegar a casa el dueño de la misma presenta a sus amigos a su hijo Machisu y les comenta que su sueño será ser pintor, una actividad que le obsesiona incluso en el colegio. Allí vemos que no atiende las explicaciones de matemáticas ni otras indicaciones que marque el profesor. A veces, aparece delante de un autobus y un tranvía al que parar para reflejar con sus lápices la realidad.

Sin embargo, una noche, de golpe, el padre se arruina al pedre toda la producción de capullos de seda y los fondos de us entidad bancaria. Ante el desastre y la ruina, el padre se suicida junto a una de las geishas, dejando al niño en manos de su madrastra (Mariko Tsutsui) que, tras la pérdida de su marido, lo envía a vivir con una tía y un tío que viven en el campo.

Ni la madrastra ni el chico son bien recibidos ya que el heramano de su padre (Ren Osugi ), nunca se consideró atendido cuando el hermano nadaba en dinero. Así que muy a su pesar tanto él como su mujer admiten su presencia, aunque les molesta la misma. 

Además degolpearlo y zarandearlo, al muchacho de ordenan limpiar y barrer el patio así como dar de comer a las gallinas. Pero como su obsesión está en la pintura, deja sus "obligaciones" para ponerse a dibujar unas gallinas. Cuando lo descubre su tira destroza los colores.

Tras decirdir no enviarle a la escuela dejan al niño encargado de la casa. El tras encontrarse un "vecino" con el que jugar, vuelve a dejar de lado sus quehaceres para pintar grandes gallinas.

Aunque esto molesta al tío y a la tía, finalmente acceden a que el niño vaya esos dos meses al colegio. Pero a Machisu no te intersa ni el chino ni las matemáticas. Ünicamente la pintura, al igual que a otro señor, un retrasado, con el que sale a pintar.

Mientras esto ocurre, la madrastra de tira por un acantilado, durante el entierro Machisu ve la cara ensangrentada de su madrastra y la dibuja. Al ser descubierta la pintura por sus tíos todo ello desemboca en el decisión de abandonarlo en un orfanato - uno que financiaba su padre- al chico. 

Una vez tomada la decisión y despedido de su familia, el chico se desplaza en autobus al centro de atención el autobus mata al anciano con el que pintaba ya que su propuesta de parra trenes , tranvias y autobuses para reflejar en una pintura todo lo que está en moviento éste la lleva a la práctica costándole la vida. 

Ha pasado el tiempo y un joven Machisu (Yurei Yanagi) además de trabajar en una imprenta, asiste a la escuela de arte y mientras trabaja para pagar la escuela de arte donde entabla amistad con una compañera de trabajo, Sachiko (Kumiko Asō), que inicialmente estaba celosa de la chica que le servía de modelo al pintor. Es ella la que parece comprender su visión y su vocación desenfrenada por el arte. 

En la escula de arte descubre que el pintor del que su padre compraba obras pensando que eran cuadros para inversión es su desencantado profesor de dibulo, la persona que le regaló la gorra de la que es inseparable. 

Por otro lado, con sus compañeros experimenta en la creación. Parecen divertirse, especualan, teorizan y experimentan especialmente cuando deciden abandonar la pintura académica para apostar por la pintura expresionista y la "painting actions" de moda. 

Ahora se lanza a una loca  carrera experimental con lienzos de grandes formatos, globos cargados de pinturas diversas, bicicletas con cubetas de pinturas de varios colores y por último con un coche cargado de pintura. La actuación con el coche acaba en tragedia puesto que el compañero muere en la experimento artístico.

La consecucuencias no se hacen esperar, mientras alguno como el "mohicano" deserta, otro no soportan su fracaso y acaba en su suicidio. 

Con todo Machisu persiste en su idea de creación artística. Con el tiempo Machisu y Sachiko se casan y tienen una hija. 

A medida que envejece, la obsesión de Mashisu con el arte contemporáneo controla toda su vida, dejándolo insensible ante todo lo que lo rodea. De hecho tiene una hija (Eri Tokunaga), y como la pareja vive por y para el arte, permiten que los únicos ingresos de la casa sean los que consigue su hija mientras se prostituye.

Un día mientras ellos viven con su obcecación artística su hija, a la que él le pide dinero, pues una y otra vez fracasa a la hora de vender sus pinturas, muere. 

Cuando la están velando en la morgue, Machisu intenta experimentar con el limpialabios para conseguir una obra de arte, pero Mashisu no puede con la situación y lo abandona. 

Intenta complacer a los distintos críticos de arte con los que se entrevista, pero el resultado siempre es el mismo. Sin dinero, sin futuro, sin expectativas, siempre experimentando con la muerte un día lo hace además con el fuego, un fuego que se extiende y se transforma en un incendio. Del mismo casi muere.

Al perder todos sus trabajos anteriores, se queda con una sola lata de refresco medio quemada, que evalúa en 200,000 yenes e intenta vender. Lógicamente no lo consigue y acaba deambulando por la ciudad cuando su esposa lo recoge de la calle. Se alejan juntos aunque no sabemos si sigue con su obsesión artística. 

El título Aquiles y la tortuga se refiere a la paradoja del movimiento que como señalé al inicio fue planteada por el filósofo griego Zenón de Elea.

La película se estrenó en el 65 ° Festival de Cine de Venecia el 28 de agosto de 2008 donde fue nominada al León de Oro  a la mejor película.

En cuanto a las críticas uns son positivas y otras nada. Para Dan Fainaru de Screendaily lo mejor es "La buena escenificación, el sentido irónico del humor de Kitano y la sutil ironía no pueden enmendar el tedio que implica el hecho de que todo esto ya se ha contado antes." 

Ray Bennett en The Hollywood Reporter sostiene que es "Un retrato entretenido, aunque algo sentimental en su recta final, de un hombre que se ha vuelto loco por su pasión por el arte." 

Ya en España Oti Rodríguez Marchante en las páginas del ABC destaca que "Cuenta con el estilo y con la gracia de Kitano (...) mezclando búsqueda, extravagancia, extremo, lo que sea con tal de ligar esos dos conceptos tan fructíferos y también mortíferos como la originalidad y el arte." 

Carlos Boyero en El País reconoce que "No me sirve para reconciliarme con Kitano pero es más digerible. (...) logra que sientas comprensión y ternura por este alienígena, por alguien suicida que siempre tuvo pavorosamente claro lo que quería hacer." 

Yo, por mi parte, reconozco aspectos que se señalan en las críticas profesionales. La película que nos narra los tres momentos de toda una vida obsesionada con la creación pictórica que representa Mashisu es entretenida, nos lo muestra con lo que es, un hombre que intenta alcanzar un imposible, el éxito artístico que tanto gustaba a padre e hijo. Pero eso hombre alienado por el arte es y ha sido un esclavo de una pasión que en su etapa de joven y de persona madura es realmente ya una condena. 

Presagios de este fin lo había desde el principio, la inversión en el arte que acaba en suicidio, la falsedad del valor de lo creativo, la muerte con la que acaba los sueños nos conseguidos o ese camino por atrapar la tortuga y un éxito que ni está ni se le espera. Vemos que de la inicial ternura de Mashisu por conseguir la verdad artistica en su infancia se pasa a una desorientación, que culmina con la pérdida del sentido de la realidad en la madurez. Todo queda arruinado por una obsesión que le lleva a despreciar lo de los demás y a su propio fracaso como artista, pero lo que es peor como hijo, como padre o como esposo.

Sin embargo, a pesar de que la aporía de Zenón se nos presenta como un dilema irresoluble, ciertamente como un falso dilema, pues la verdad es  que lo que la intuición y el sentido común nos dicen:  la tortuga no  gana nunca pues a pesar de su ventaja, no hace otra cosa sino retroceder en la vida. Todos sabemos que Aquiles realmente alcanzará a la tortuga, porque como demostró el matemático escocés James Gregory (1638-1675) una suma de infinitos, puede tener un resultado finito. Los tiempos en los que Aquiles recorre la distancia que lo separa del punto anterior en el que se encontraba la tortuga son cada vez más y más pequeños (hasta el infinito más pequeños), y su suma da un resultado finito, que es el momento en que alcanzará a la tortuga. Eso sí, el pintor no alcanzará el éxito, pues no depende de un número sino de otra circunstancias.

Es triste pero un número, el que corresponde al año 2020 parece ser la paradoja de Aquiles y la tortuga de Zenón de Elea. Cada vez que nos acercamos a la solución de la pandemia, algo nos dice que nos alejamos más de la solución. ¿Quién y cuándo la encontraremos? Aquiles, Ulises, ¡qué más da! Lo importante es atrapar a esta tortuga vírica. 

Dolls o la locura de amor japonesa

Semana dedicada a Takeshi Kitano por lo que parece y hoy la película que he visto no es otra que Dolls, una película del año 2002. Si hasta ese momento Kitano se había caracterizado por ser un director que había triunfado por el humor amarillo y por sus thriller llenos de gente dura o policías en los que la Yakuza y los representantes de la ley se confunden estamos ahora ante un filme diferente más cercano a la experiencia visual que a una narración clásica uy definida. Es más la misma nos narra una historia al ritmo de las marionetas del teatro Bunraku.

Estas dolls o marionetas corresponden al teatro tradicional japonés, en la que se representa una historia de amor y muerte. Al igual que esta película, como la que está pendiente por ver la de Aquiles y la tortuga , las historias de amor y muerte se mezclan aunque con nexos no dejan de ser historias separadas. 

La primera historia que vemos es la que desarrolla con las marionetas tradicionales y con la que comienza la película y sigue en todo momento como hilo conductor. La película conduce a ella abriendo con una representación del teatro Bunraku y se cierra con una toma de muñecos. Ellos interpretan el " El mensajero del infierno " de Chikamatsu Monzaemon , una historia que alude a los temas que reaparecen más adelante en la película. Debido a que el resto de la película en sí (como el propio Kitano ha dicho) puede tratarse como un Bunraku en forma de película, la película es bastante simbólica por lo que en algunos casos, no está claro si una escena en particular debe tomarse literalmente. La película tampoco está en un orden cronológico estricto, ya que hay un fuerte énfasis visual en el cambio de estaciones y los lazos de amor sobre la progresión del tiempo .

Los principales protagonistas son Matsumoto y Sawako que pasan la mayor parte de la película conectados físicamente por una cuerda roja.Y en alguna ocasión los vemos con los mismos kimonos que las marionetas en esa confusión teatro/realidad, y con la belleza de la naturaleza en ese recorrido a lo largo de las cuatro estaciones que hace la primera pareja, unidos por el vínculo de una cuerda roja hasta la muerte. 

Visualmente potente, con la presencia simbólica del color rojo y la fotografía espléndida, de Katsumi Yanagishima, "Dolls"forma parte de la obra cinematográfica no criminal de Kitano, como A Scene at the Sea de 1991, y a diferencia de la mayoría de sus otras películas, no actúa en ella.  

En la misma Takeshi Kitano está en la dirección, en el guion y en el montaje así como en la producción junto con Mori y Takio Yoshida de las productoras Bandai Visual, Office Kitano, TV Tokyo y con la distribución de Shochiku . La música es de Joe Hisaishi, siendo su última colaboración, y la fotografía es de Katsumi Yanagishima siendo el vestuario de Yohji Yamamoto.

El reparto está integrado por  Miho Kanno como Sawako , Hidetoshi Nishijima como Matsumoto,  Tatsuya Mihashi como Hiro, el jefe , Chieko Matsubara como Ryoko, la mujer del parque , Kyoko Fukada como Haruna Yamaguchi, la estrella del pop , Tsutomu Takeshige como  Nukui, uno de los  fan , Kayoko Kishimoto como la tía de Haruna, Kanji Tsuda -como el joven Hiro , Yuko Daike como el joven Ryoko , Ren Osugicomo el gerente de Haruna.

Esta historia de amor/desamor y por lo tanto de dolor se muestra en 3 historias distintas, pero con un eje común. La historia básica que tiene como protagonistas a un joven, Matsumoto y Sawako. Antes de esta historia vemos un teatro de bunraku, al que precede una escena de una pareja unida por una cuerda, a la que apodan "los mendigos atados". 

Ambos son  una pareja feliz. Se tratan de Matsumoto (Hidetoshi Nishijima) y Sawako (Miho Kanno), pero las cosas se tuercen cuando Matsumoto es presionado por su padre, un empleado en dificultades, para casarse con la hija del jefe lo que le ayudará a reinsertarse con su estatus en la empresa. Matsumoto cede a las presiones y rompe su compromiso con Sawako. 

El día de la boda se entera de que Sawako su antigua novia ha intentado suicidarse suicidar con pastillas y su mejor amiga se presenta en la boda para decírselo a Matsumoto, indicándole que se halla "en un estado peor que la muerte". Sin pensarlo, Matsumoto decide volver con ella, pero esta ha perdido la cabeza. La joven está interna en un psiquiátrico, en estado catatónico, al que acude corriendo Matsumoto abandonando precipitadamente su boda. 

A partir de aquí, hasta el final de la película, será Matsumoto el encargado de cuidar a Sawako. Ella se pierde, se queda mirando en el hall de un hotel...  llegando al punto de atarla a su cintura con una cuerda de tender para evitarle peligros, mientras caminan juntos por parques, bosques y montañas, viviendo como mendigos y rompiendo todos los lazos con su familia y amigos. 

En la historia de ambos no faltan flashbacks a tiempos en los que Sawako conservaba su raciocinio y era feliz con Matsumoto. También conocemos cómo la joven ve el mundo a través de sus pesadillas. Pasan los meses y las estaciones del año. El entorno no para de hablar. 

La segunda historia tiene como protagonista a Hiro, un anciano jefe de la yakuza (mafia japonesa), que ayuda de forma regular a dos disminuidos, uno de ellos afirma que es hijo de su hermana, pero un día comenta a uno de sus más cercanos colaboradores que incluso mató a una persona a la que consideró su propio hermano. Por eso se siente en deuda y vive con cierta pena. Pero no siempre fue así. Treinta años antes, cuando era un pobre trabajador de una fábrica, era un joven soñador y ambicioso. Esto le llevó a abandonar a su amada novia para cumplir sus sueños de prosperidad. 

Ahora que el tiempo he hecho mella por su actuación pasada vuelve al parque donde ambos se encontraban. Ese es el punto de unión con la primera historia. En un flashback vemos como un sábado, como todos los sábados, a la hora de comer se ve un joven Hiro (Kanji Tsuda ) en un parque con una joven, la que era su novia (Chieko Matsubara) que se sienta junto a él en un banco. 

Un día el joven Hiro le dice que se marchará para prosperar y que volverá a por ella cuando tenga algo bueno que ofrecerle. Ella, llorando, le promete ir todos los sábados a llevarle la comida, promesa que cumple hasta los días presentes, otro ejemplo de locura de amor. 

En el presente tras rememorar esta historia vemos a Hiro (Tatsuya Mihashi) como hombre de edad avanzada, con poca salud, y jefe de una banda yakuza decide ese sábado ir a dar un paseo por el distrito en el que vivía durante su juventud. Tras pasear por el parque y siendo la hora de comer descubre a una mujer madura sentada en un banco reservando un asiento para comer junto a su prometido Hiro. 

Hiro descubre que su amada lleva 30 años . Aunque inicialmente ella no lo reconoce, empieza a atar cabos y concluye: "ya no estoy sola, ha venido Usted.". 

Pero su historia concluye abruptamente ya que mientras retorna con la idea de volver todos los sábados vemos como lo sigue un sicario de una banda rival que por la espalda mata al jefe Hiro, cuando se acerca a su coche, después de prometer a la mujer del parque que volvería a verla. 

La tercera historia relacionada tanto con Matsumoto (Hidetoshi Nishijima) y Sawako (Miho Kanno) como Hiro y su paciente novia , así como con los chicos disminuidos a los que ayuda , tiene como protagonista a una cantante pop de éxito de nombre Haruna (Kyoko Fukada ) hasta hace muy poco tiempo. En la cresta de la ola Haruna vivía entre shows de televisión y sesiones de venta de discos y autógrafos. Dos de esos fans viven obsesionados con Haruna. Uno de ellos es Nukui (Tsutomu Takeshige ). 

Al salir de un estudio ve desde su coche a Nukui, un fan suyo que trabaja dirigiendo el tráfico de una obra. Ella lo reconoce, ya que anteriormente le pidió autógrafos y regalado obsequios, y quiere parar. Su representante le dice que los fanes más antiguos son los más peligrosos y que debe ser precavida. Inesperadamente el coche en que viaja Haruna sufre un accidente con la consiguiente pérdida de uno de sus ojos. 

Tras el accidente Haruna decide retirarse y evitar a sus fanes para que no puedan verla con un ojo tapado. Se pasa gran parte del tiempo mirando al mar, con su bello rostro está ahora cubierto una venda que le tapa la oquedad.  Uno de sus fans, Nukui, que la adoraba y está locamente enamorado de la cantante, primero comprueba si puede guardar la imagen de la cantante en su memoria, y al descubrir que sí es capaz, se deja ciego con una cuchilla de barbero.  Tras perder la vista y poder visitarla y estar con ella en la playa a lo que ella accede por ser ciego. 

Al descubrir quién es, y que ha perdido la visión, intiman profundamente. Pero cuando él se va, prometiendo volver, muere en la carretera de vuelta a su casa mientras avanzaba por una carretera transitada de vuelta a casa. 

Tras esta tercera y triste historia que implica el paso del tiempo y por los escenarios de estas historias , ya sea por la casa de Hiro, por el parque o por los alrededores de la playa. Vemos como llega el invierno y con ella el final  de la historia. 

Como ya he señalado es invierno, la nieve lo inunda todo. Matsumoto y Sawato han abandonado la ciudad y se dirigen a una estación de esquí en uno de sus paseos. Durante el trayecto Matsumoto ve dos kimonos y los toma puesta están tendidos en un tendedero en medio de la nieve con los que se visten ambos. 

Prosiguen caminando y sus pasos le llevan al sitio donde él pidió matrimonio a Sawako. Miran por la ventana. Es en ese momento cuando Sawako comienza a recordar aunque de manera vaga , el momento en qye Matsumoto, junto a un grupo de amigos le pidio en matromonio. Ella empieza a estructurar un leve recuerdo, sacando el colgante que él le había regalado ese día, mientras sonríe y Matsumoto rompe a llorar. 

Tras dormir a la intemperie cerca del refugio, son ahuyentados a la mañana siguiente por un guardia. Se marchan del lugar y, en su camino, resbalan en la nieve. La pareja aparece muerta colgada por la cuerda que les une de un árbol en un precipicio acabando en ese momento la película. 

La película y cada una de sus viñetas giran de cerca en torno al tema del amor y  la muerte. La intención de Kitano era mostrar que la muerte no era ni buena ni mala, sino un evento relativo. 

En una entrevista, Kitano declaró: "La razón por la que los japoneses y occidentales modernos detestan tanto la noción de muerte está fuera de mí. Realmente no hay ninguna razón para detestar la muerte", y agregó: "La forma en que percibes esta película puede diferir considerablemente según el posición en la que estás parado " 

La película se rodó en diversos puntos de Japón como en la Prefectura de  Niigata Prefecture, o en la de Saitama .

La película consiguió una importante taquilla de unos $ 5.5 millones de dólares así como distintos premios.

La misma fue presentada en el Festival de Venecia siendo nominada al León de Oro. 

En cuanto a las críticas fueron en general positivas, no así en Venecia, pues allí fueron malas, aunque no de forma unánime. Meses después la película fue premiada en el Festival de Sitges, Sitges Cinema Fest.Para  Roger Ebert, columnista de Chicago Sun Times y responsable de la web  rogerebert.com considera que "No es una película para todo el mundo (...) pero creo que Kitano acierta a la hora de ofrecernos su propio ritmo y su mundo, introduciéndonos lentamente en la tristeza de sus personajes (…) "  

En otro diario de Illinois, Chicago Tribune, Michael Wilmington defiende que se trata de  "Un trabajo rigurosamente estilizado y profundamente personal (…) " 

Scott Tobias en las paginas de  AV Club consideró que "Kitano sabe perfectamente que hay poco que decir cuando son las imágenes las que hablan por sí solas." 

Ed Gonzalez de la recomendada por una amiga en Montana, la revista  Slant  defendió que "Utilizando el arte y la violencia como contraste y a modo de barómetro moral, Kitano impresiona a la hora de reflexionar sobre los límites sexual y culturales (…) " 

Para  Stephen Holden en las páginas del influyente The New York Times considera que "La melancólica alegoría de Kitano es una reflexión sobre los lazos que nos unen, y nos enseña que el amor es uno de ellos, pero no necesariamente el más fuerte." 

Ya en España, Ángel Fernández Santos en las páginas de El País defendió que era una "Asombrosa iluminación íntima. (...) portentoso ingenio visual que da alas a la insólita aventura y la hace elevarse a cine exquisito, de grande y rara nobleza." 

Menos contento por decir algo estuvo Carlos Boyero en El Mundo al decir que "Su hipersensibilidad me resulta insoportable" 

Por último, M. Torreiro en  Fotogramas sentenció de una forma contundente al decir que "Tal vez la obra maestra absoluta de Kitano".

Por mi parte señalar que la película refleja la manera de entender la locura de amor por parte de la sociedad japonesa y como es un tema recurrente en el teatro de marionetas tradicional, el Bunraku, lo que implica el manejo de símbolos que posiblemente a muchos occidentales se nos escapa. Sin embargo, el tema del amor / desamor tiene un caráctre universal así como la tragedia que muchas veces van de la mano del amor no correspondido. Si ien durante algunos momentos de la película, me he sentido descolocado, yo diría que por ignorancia, reconozco que estamos ante una gran película, nada fácil, pero llena de historias, por lo pronto tres, perfectamente enlazadas que culmina con esa locura que a veces lleva a la muerte llamada amor como diría Queen "Crazy Little Thing Called Love".  

El verano de Kikujiro

Lo primero un detalle para no perdernos, Kikujiro es el adulto, y el verano, el de los dos protagonistas , Kikujiro (Takeshi Kitano ) y Masao (Yusuke Sekiguchi) de esta película, Kikujiro no natsu, una de las obras más conocidas de Takeshi Kitano que aquí es director , productor, montador y guionista de esta obra. 

No hace mucho, en julio, revisitando una película, me sorprendió ver a Takeshi Kitano. En la misma, Furyō, aquí conocida como Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Ōshima aparece Kitano como el brutal Sargento Gengō Hara. Asume un rol de hombre brutal y visceral que cambia una vez que la guerra ha terminado. Ese perfil de hombre duro, intransigente es el que casi siempre ha asumido Kitano, salvo en su producto más popular, humos amarillo. Sin embargo, aquí nos lleva a mostrarnos su faceta más naïf, más amable, más transformadora. Este es el valor de El verano de Kikujiro.

La película es una producción de Masayuki Mori y el mismo director en la que están implicadas Bandai Visual, Tokio FM , Nippon Herald y Office Kitano Guion Takeshi Kitano. La banda sonora de este film está realizada íntegramente por Joe Hisaishi, mientras que la fotografía es de Katsumi Yanagishima.  

El elenco está representado por Takeshi Kitano como Kikujiro Takeda , Kayoko Kishimoto como la esposa de Kikujiro, Yusuke Sekiguchi como Masao Sugiyama , Yūko Daike como la madre de Masao Satoko Sugiyama. Igualmente aparecen Kazuko Yoshiyuki , la abuela de Masao , Batir Kiyoshi como el hombre de la parada de autobús , Rakkyo Ide como uno de los motoristas , Nezumi Imamura como el viajero, Fumie Hosokawa como la chica malabarista, Akaji Maro como el hombre aterrador y Daigaku Sekine como el jefe Yakuza.

Masao (Yusuke Sekiguchi) es un niño de nueve años de naturaleza triste,  que vive  en el barrio de Shitamachi en Tokio , con su abuela, trabajadora en un kiosko de comida, pero que come solo a diario, y al que le roban los "bully" abusones del barrio, y que ve como acaban de terminar el curso escolar. Ahora le toca pasar las vacaciones de verano con su abuela. Las vacaciones de verano no son precisamente satisfactorias para el pequeño pues supone pasar de un rutina colegial a la nada. En el verano se acabaron los partidos de fútbol, y se acabó todo lo demás, ya que todos sus amigos se están marchado a la playa. 

El aburrimiento de Masao tras recibir un paquete y buscar una cosa en una caja, encuentra una foto de su madre perdida hace mucho tiempo. Ante esto se le ocurre la peregrina idea de buscar a su madre, que lo abandonó alegando que iría a encontrar trabajo y a la que nunca ha visto. Con muy poco dinero y con una fotografía y una dirección como únicas referencias, el plan parece condenado al fracaso, especialmente cuando la mujer de Kikujiro y éste encuentran que los abuisones lo han parado en la calle y le están quitando el dinero. 

Una amiga de su abuela (Kayoko Kishimoto), que considera a Masao, como el niño con la cara más triste del mundo, propone que su marido acompañe a Masao. El problema es que su marido es Kikujiro (Takeshi Kitano), un antiguo yakuza, no parece la compañía más recomendable para un niño. Es jugador, mal hablado, bronco, nada amistoso y un bruto en toda regla. 

La vecina hablan con ella y le dicen que se ocuparán ellos del niño durante unas semanas. Casi de inmediato comienza el  Masao junto Kikujiro y su forma de ser propio de un yakuza. Amabos toman la última dirección conocida de la madre en Toyohashi , varios cientos de millas al oeste, aunque  dicen a la abuela de Masao que van a la playa. 

Al comienzo de su viaje, Kikujiro no se toma en serio llegar a Toyohashi. Lo primero que hacen es parar en las carreras de ciclismo en pista, el mítico Keirin, y se juega su dinero. Kikujiro va perdiendo todas y cada una de las apuestas, pero tras una derrota y otra, le pide opinión a Masao quién dos números que resultan ser los ganadores. Al día siguiente Kikujiro vuelve a la pista de Keirin a apostar buscando más ganancias. Las derrotas se suman unas tras otras y a pear de pedir opinión a Masao pierde una y otra vez. Arruinado decide ir a un restaurante yakitori. Kikujiro entra y se pide un pinchito , mientras Masao se queda en la puerta. Allí es asaltado por un hombre que quiere abusar de él. Sin embargo, al salir Kikujiro va en su busca y logra encontrarlo antes de que ocurra algo. 

Después de agredir al abusador, Kikujiro promete continuar el viaje y llevar a Masao con su madre. Antes de nada toman un  taxi , pero viendo lo rápido que va el taxímetro, Kikujiro, aprovechando que el taxista baja del coche para orinar, decide robar el taxi, aunque sin saber conducir. Al ir siempre en primera acaba por romperlo. Tras eso hacen parad en un hotel con piscina. Allí Kikujiro no cumple con ninguna de las normas. Descubrimos que no sab nadar y que trata a los trabajadores del hotel de forma penosa.

Tras parar una noche deciden retomar el camino, pero el ex yakuza obliga al de recepción a llevarlo en su propio coche, cosa que hace hasta llegar a un cruce de caminos. Desde ese momento Masuo y Kikijiro se ven obligados a hacer autostop hasta Toyohashi, donde se encuentran con varias personas en el camino, desde una malabarista y su novio, hasta un camionero con el que pelea Kikujiro al romperle el cristal delantero del coche ante su negativa a llevarlos. Encuentra igualmente a un banquero que se tira un "peo" en la parada de autobuses, se hace passar por ciego, es atropellado por un coche , provocan algún accidente de tráfico, y finalmente es llevado por un poeta viajero que los lleva a Toyohashi.

Cuando finalmente llegan a la dirección de la madre de Masao, Kikujiro la encuentra viviendo como ama de casa con otro hombre y su hija. La madre de Masao vive una vida completamente diferente a la que esperaba. Es casi como si lo hubiera olvidado. Kikujiro, para no hacer daño al niño, le dice a Masao que se acaba de mudar, fingiendo no haberla visto. 

Intenta consolar a Masao con una pequeña campana azul con forma de ángel que consigue extorsionando a dos motoristas, una gordo y otro calvo , que se encuentra. Masao está tan decepcionado que Kikujiro no puede evitar intentar alegrar su viaje de regreso a Tokio. Le dice que un ángel vendrá al sonido de la campana. 

Visitan un matsuri o feria de verano celebrado en las cercanías de un santuario sintoísta. Mientras Kikujiro se mete en problemas con un yakuza local por un caseta de tiro al blanco. Mientras se lo llevan para darle la paliza Masao sueña con bailar Tengu junto a dos bailarines. Una vez sacudido, y aunque Kikujiro, dice que se ha caído, Msao va a una farmacia con el fin de curarlo.

De vuelta en la carretera, se encuentran de nuevo con el poeta en un maizal y tras hacer noche en el campo con los dos motorista. Deciden acampar todos juntos unos días. Masao disfruta jugando algunos juegos tradicionales con ellos desde la pesca a lo que nosostros llamamos "1, 2, 3 gallito inglés", pasando por las lianas, etc. 

Un día Kikujiro recuerda a su propia madre (se da a entender que ella, como la madre de Masao, también lo dejó cuando era niño) y éste consigue que uno de los motociclistas lo lleve a la residencia de ancianos de su madre en Daito-cho , una pequeña ciudad rural, pero cuando llega, se entera de lo más que está, no es capaz de reconocerlo,  y finalmente decide no verla y regresa al campamento. 

Los hombres continúan haciendo todo lo posible para entretener a Masao bromeando durante unos días más. Antes de que regresen a Tokio , Masao sueña con que aparezcan sobre la Vía Láctea . 

Una mañana, los motoristas se despiden de ellos y abandonan el campamento. Masao y Kikujiro marchan a Tokio en el coche del poeta. Después de dejarlos en un puente, el poeta continúa su camino hacia Osaka y Kyūshū . 

Antes de que Masao y Kikujiro se separen y que el niño cruce el puente, Kikujiro le dice "Hagámoslo de nuevo en algún momento" y Masao le agradece. Kikujiro le dice a Masao que cuide de su abuela. Masao le pregunta su nombre, pues toda la película le ha ido llamando Señor y el ex yakuza le responde "¡Kikujiro! ¡Ahora lárgate!". Masao pasa un pequeño puente con la campana del ángel sonando acabando así la película. 

La película rompe con la idea que hasta ese momento Kitano había mostrado de su cine. Un cine de mafiosos japoneses, policias duros o de venganza, para hacer una historia tierna y distinta a todo lo que hasta ese momento había realizado la filmografía de Kitano. Ahora apuesta en cada uno de los capítulos en los que se divede la película y que nos son narrados en boca de Masao (el hombre calvo, el extraño baño,...) ya que a diferencia de obras anteriores esta película nos muestra un mundo mágico donde los protagonistas son el niño y el antiguo yakuza. 

La película, una road movie, alternativa, explora la alienación y la inclusión en la sociedad japonesa. Los personajes principales, y aquellos que los ayudan en el camino, son considerados marginados de las normas sociales aceptadas, y no forman parte de una estructura familiar o de grupo tradicional. 

Al principio de la película, los protagonistas reaccionan con violencia e ira (Kikujiro) o tristeza (Masao), pero a lo argo de este viaje estival  descubren lo que los une, lo que tienen en común, la fragilidad de su vida, el papel de la madre ausente. El no encuentro en Toyohashi lo condiciona todo. 

La película fue   producida y distribuida por Office Kitano y se proyectó en el Festival de Cine de Rotterdam y fue presentada en la Seminci de Valladolid y obtuvo el Premio de la Crítica y el de mejor actor . También se presentó en el Festival de Cannes siendo nominada a la Palma de Oro  a la mejor película.  

En cuanto a la crítica, estas fueron mixtas. Para Roger Ebert, columnista habitual hasta su fallecimiento, en el Chicago Sun Times , pero en el atículo inserto en la web rogerebert.com escribe que "Me gusta el director y su estilo, pero el material es superior a él. Es difícil reir cuando sientes pena constantemente por el niño. Después de todo, parece que él no forma parte del chiste (…)"

Para David Rooney de Variety la película "Ofrece muchos de los originales toques visuales que distinguen a Kitano (...) pero su empalagosa mezcla entre la manipulación sentimental y la comedia más torpe será difícil de digerir para muchos espectadores." 

Owen Gleiberman Entertainment Weekly "No es que sea una mala película, sino que también es incoherente, un desastre inerte. Un rompecorazones para tontos." 

En la costa oeste de los Estados Unidos Bob Graham del San Francisco Chronicle defiende que "Este drama cómico es tan original como antisentimental, pero te romperá el corazón igualmente." Cerca en un diario californiano, Los Angeles Times, Kevin Thomas defiende que "El resultado es enternecedor y totalmente irresistible, principalmente gracias a la combinación entre la inteligencia de Kitano, su peculiar sentido del humor y su particular desinterés hacia lo que sucede." 

En el Reino Unido Tony Rayns de  Time Out nos dice que está "Filmada y editada siguiendo el distintivo estilo de Kitano, la película es muy espontánea. Los elementos de comedia nos ofrecen las dos personalidad del director (...) más cerca que nunca (…)" 

Y Kim Newman de Empire nos dice de ella que "Parece que por fin Kitano comienza a suavizarse, y en esta ocasión toma un nuevo rumbo. Puede que sea un poco extravagante, pero tiene un notable tono agridulce (…) " 

Ya en España Daniel Andreas en FilmAffinity escribe que "Si usted es de los que aprecian el cine de Takeshi Kitano por sus recreaciones neo-noir del mundo de la yakuza (es decir, porque sus películas le recuerdan a "El padrino" remakeado por el equipo de "Humor Amarillo", su verdadera obra maestra), por esos personajes en los que el nihilismo inherente al género se combina con un cierto grado cero del pensamiento zen (porque se parte el eje con la cara de "empanaos" de los actores), y por su tratamiento estilizado de la violencia, de estirpe netamente posmoderna (porque le gusta ver cómo les bailan los mofletes en las escenas de tiros y sangraza a cámara lenta), ésta, definitivamente, NO es su película. Mientras muchos elevaban a su director a los altares tras comprobar con cuánta ternura y originalidad abandonaba la violencia y dejaba que los niños se acercasen a él en esta conmovedora parábola, con ecos de Vigo, Ozu y Kurosawa, sobre el poder redentor de la amistad, otros pasaban, todavía en la sala de cine, por las fases sucesivas de negación, ira, negociación, depresión, rem y sueño profundo; entre ellos, el montador. Visualicen la historia de "Marco"como una 'road movie' en autostop protagonizada por el Piraña japonés y por un tipo con cara de pizza congelada y los modales de La Masa; súmenle unos planos eternos, un humor de cine mudo (magistral la secuencia de la piscina) y una músiquilla escrita por el becario de Michael Nyman, y tendrán esta película. Tan extraña como entrañable, aunque no sepamos por qué. Qué raro es el cine. La película se inscribió en el Festival de Cine de Cannes de 1999 . Similar a sus trabajos anteriores Getting Any? y A Scene at the Sea , Kitano hace referencia a la yakuza solo tangencialmente en Kikujiro , una desviación de su trabajo en famosos dramas criminales como Sonatine y Hana-bi .  Y añade "Dirigida a toda la familia, la película supuestamente se inspiró en El mago de Oz con la premisa básica de un viaje por carretera. Los elementos y lugares familiares de Kitano están presentes: dibujos, viñetas, la orilla del mar y ángeles . Aunque la trama se compone principalmente de eventos tristes, la película a menudo tiene una atmósfera alegre, lograda principalmente a través del personaje de Kitano y sus encuentros un tanto extraños". 

Carlos Boyero en ese momento articulista en El Mundo sostiene que "De inmensa ternura y comicidad. Poética, graciosa (...) muy buena"

Oti Rodríguez Marchante, aunque en la actualidad en ABC, desde Cinemanía señalaba qie "Kitano nos muestra su cine al trasluz de sí mismo, de su cámara escueta y elocuente y de su sentido del humor filtrado de irónica amargura y rara poesía. Muy buena"

Ángel Fernández Santos en  El País dijo de ella que era "Otra pequeña maravilla, nueva hermosura; Kitano vuelve a ofrecer otra filme sorprendente; nos vuelve a abrir su imaginación y lo que vemos vuelve a carecer de precedentes"

En  En Argentina Gustavo Noriega de Infobae  señala que es "Una película rebosante de gracia, humor e ingenio y a la vez una reflexión de notable seriedad." 

De esta road movie tan distinta a otras "road movies" de Kitano , como Hana Bi o Zatoichi, destacar su banda sonora de Joe Ishaisi y la extraña combinación que tanto gusta a Kitano de humor en ocasiones absurdo , comedia y drama.

Para acabar comentaré que el director de cine Makoto Shinozaki hizo un documental sobre la realización de Kikujiro titulado Jam Session (Jamu sesshon Kikujirō no natsu kōshiki kaizokuban). 

Revisando a Kitano

Revisando a Kitano, el concepto de su  cine marcado siempre por una carga de violencia, que explota como un estallido que llena la pantalla de sangre,  aunque manteniendo permanente unas imágenes que responden siempre en todo momento a su ley de la frontalidad, un concepto artístico original y poético, un magnífico montaje que responde a la recreación de un juego de Tangram  que se va montando progresivamente hasta finalmente construir una figura reconocible , cercana a un cinco. Una película   que habla de todo hasta de la vida del actor, director y productor, remitiéndonos incluso al accidente que sufrió  y se descubrimiento por eso del mundo de la pintura.

He vuelto a ver Flores de fuego , una historia de amor y violencia que acaba en suicidio.  Un suicidio que se nos anuncia poco a poco ante la inevitable muerte. Un suicidio con el que concluye o culmina una historia de amor y violencia en una película bífida que habla de un amor que se escapa como la vida y la muerte, de muchas muertes que son productos de la venganza y de un intento de justicia que culmina en el único final posible, pues está anunciado, la  nieve, la luz y suicidio. Un doble Haiku,  cinematográfico y poético , en el que interviene las imágenes pictóricas que se transforman en poemas a través de bellas imágenes. A esto se suma la grandiosa  música y un impecable montaje. No hay duda alguna; estamos ante una obra de arte de lleva por título Hana bi.

Hana Bi

Cuando lo vi. no me lo creía. Sabía que era actor y director, pero verlo allí, me dejó frío. ¿Cómo iba a suponer yo que quién estaba detrás de Humor Amarillo, no era otro que Takeshi Kitano? Pero sí, era él.

Ahora se que es un todo terreno del espectáculo japonés. Además de cineasta, es escritor, poeta, pintor y diseñador de videojuegos japonés, pero también comediante , pues pertenece a un dúo cómico llamado Two Beat junto con Kiyoshi Kaneko  y ya no recuerdo si él  sólo o con su compañero es el presentador del concurso Takeshi's Castle aquí conocido como Humor Amarillo.

Es más Kitano incluso estuvo vinculado con una empresa de lucha libre profesional NJPW y  un grupo de luchadores llamado "Takeshi Puroresu Gundan" . Sin embargo, Kitano abandonó la empresa debido a un incidente entre los luchadores a finales de 1987. 

Pero yo realmente supe de la existencia de Kitano cuando en 1997 se dio a conocar al gran público por medio de su película Hana-bi , lanzada en Estados Unidos como Fireworks , y en España Flores de Fuego, un drama criminal de 1997 escrita, dirigida y editada por Takeshi Kitano , quien también protagoniza. Hana-bi  significa en japonés "fuegos artificiales".

El inesperado éxito internacional de Hana-bi , junto con la crítica de Sonatine , supuso colocar a Kitano como uno de los principales cineastas japoneses de su tiempo. 

La película fue producido por Masayuki Mori , Yasushi Tsuge y Takio Yoshida con el respaldo de las productoras Bandai Visual, Kitano office , Tokyo FM,  TV Tokyo y un presupuesto de $ 2.3 millones .

La banda sonora del filme fue compuesta por el compositor, Joe Hisaishi, siendo esta su cuarta colaboración, mientras que la fotografía era de Hideo Yamamoto y la edición del mismo Takeshi Kitano junto a Yoshinori Oota 

En cuanto el elenco lo encabeza Takeshi Kitano como Yoshitaka Nishi, Kayoko Kishimoto como Miyuki, la esposa de Nishi, Ren Osugi como Horibe, Susumu Terajima como Nakamura, Tetsu Watanabe como Tesuka, Hakuryu como el Yakuza , Yasuei Yakushiji como uno de los criminales, Tar Itsumi como Kudo, Kenichi Yajima como el Doctor, Makoto Ashikawa como Tanaka y Yūko Daike como la viuda de Tanaka. La hija de Kitano, y cantante Shoko Kitano aparece en un cameo, en el papel de una chica sin nombre que vuela un cometa en una de las escenas finales.

La película no es presentada de manera lineal sino que va dando saltos y nos va presentando poco a poco a los protagonistas y su papel e intenciones en la misma. El protagonista principal es Yoshitaka Nishi ( Takeshi Kitano ) es un violento detective de la policía que tuvo que retirarse de la policía después de un trágico incidente durante una detención que supuso que su compañero y amigo, el detective, Tanaka, fuese asesinado por el sospechoso, mientras que otros dos detectives, los agentes Nakamura y Horibe, resultaran gravemente heridos.

El no estuvo presente en ese momento pues Tanaka lo había sustituido del servicio para que pudiera estar junto a su esposa enferma de un cáncer. Además, se daba la triste circunstancia que su hija también había fallecido no hace mucho tiempo. 

Tras salirse de la policía, Nishi pasa la mayor parte del tiempo cuidando a su esposa enferma, Miyuki ( Kayoko Kishimoto ), que tiene leucemia . Como es normal, Miyuki también sufre después de la muerte de su hija. El doctor descarta la posibilidad de una mejora en la paciente así que le pide a Nishi que lo mejor es llevársela a casa y que disfruten juntos y mutuamente de su compañía. Para pagar por las necesidades de su esposa, Nishi pide prestado dinero a la yakuza , pero tiene dificultades para pagarlas con lo que la yakuza poco a poco va apareciendo reclamando su deuda y los intereses generados.

Mientras tanto, Horibe, el compañero que tras el incidente armado se quedó en una silla de ruedas, experimenta una profunda depresión . Su matrimonio se rompe rápidamente, por lo que ahora vive solo, cerca del mar.

En una conversación con Nishi, Horibe insinúa que consideró suicidarse , y agregó que le gustaría pintar, pero no puede permitirse comprar los materiales necesarios, pues estos son caros. Nishi, no duda en enviarle un set de pintura.

Por su parte, Nishi para obtener dinero se compra un taxi de segunda mano en una chatarrería y cuando el chaterrero le pregunta para qué lo quiere y el expolicía le dice que para robar un banco se lo regala. Nishi lo pinta en colores policiales. Se arma con un revólver y comete un audaz robo a un banco vestido como un policía.

Tras el robo da dinero a la viuda de Tanaka y compra las tintas y material plástico para Horibe, que se dedicará desde ese momento a la pintura y crea obras de arte surrealistas . Nishi decide entonces iniciar un viaje a sitios históricos con su esposa marchando en primer lugar al Monte Fuji. Ambos parecen adivinar que se trata de un viaje sin retorno. Una de las noches en las que parecen acampar en la montaña Nishi prepara a Tanaka un petardo explosivo que , si bien, al principio no parece funcionar, al final, estalla en un conjunto de fuegos de artificio.

El agente Nakamura se entera del regalo que ha hecho a la viuda de Tanaka y le aconseja que se quede con el dinero. También cuanod va a ver a su compañero que ha quedado parapléjico que ahora se dedica a las pinturas , Horibe, asume que Nishi ha sido quién está detrás del robo.

Mientras tanto los matones de la Yakuza persiguen a Nishi para extorsionarlo y matarlo. Nishi , en diversos momentos se ve como  va eliminando a los distintos integrantes de la Yakuza con los que contacta en bares, en la playa y cuantos lugares supongan un punto de encuentro.

Finalmente, los gangsters encuentran a Nishi en el hotel en el que descansa junto a su mujer, pero los mata a todos en un tiroteo violento en el interior de un vehículo.

Al mismo tiempo, Nishi es encontrado por Nakamura, quien quiere arrestarlo por el robo. El ex policía está junto a una debilitada Tanaka. Sobre la arena ve jugar a una niña con una cometa. Vemos que esa niña (Shoko Kitano) es la hija de Nishi fallecida y lo que tiene es una visión. Finalmente, observa que al lugar se ha aproximado un coche. En su interior viaja, el agente Nakamura.

Nishi le pide a Nakamura que le dedique un momento y se sienta en la playa junto a su esposa, quien de repente le dice: "Gracias ... por todo". Se escuchan dos disparos fuera de cámara, pero aunque en la  película no se revela quién muere por los disparos todos sospechamos que Nishi ha puesto fin a su vida y a la de su mujer.

La película fue rodada en distintos puntos de Japón, aunque de ellos el más relevante y significativo en el Monte Fuji.

Durante la película vemos a Horibe, el compañero paralítico de Nishi, que pinta. Realmente esa pintura de estilo puntillista fueron pintadas por el propio Kitano, mientras se recuperaban de un accidente de motocicleta en agosto de 1994 que dejó la mitad de su rostro paralizado.

La película está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider .

Además consiguió un buen número de Premios en distintos festivales como en el de Venecia en 1997 en el que fue León de Oro a la Mejor película. En Francia fue galardonada con los nominación a los Premios Cesar como Mejor película extranjera.

En los Premios Independent Spirit fue nominada a la Mejor película extranjera y la Asociación de Críticos de Chicago la nominó a la Mejor película extranjera. A pesar de que no fue un gran éxito financiero, el propio Kitano dijo que no fue hasta que ganó el León de oro que fue aceptado como un director serio en su Japón natal; antes de que sus películas fueran consideradas como el hobby de un famoso comediante. También ganó el Gran Premio del Sindicato Belga de Críticos del Cine .

En cuanto a la crítica destaca la del crítico de cine estadounidense Roger Ebert que citó su enfoque inusual hacia la serenidad y brutalidad. Roger Ebert en su web rogerebert.com añadió que "Tan carente de argumento, de clichés, de algo convencional e incluso de sentido que resulta pura forma e impulso. No sobra ni una sola escena, ni una simple palabra (...) Toda una experiencia visual (…) " 

Para Jamie N. Christley de Slant Magazine se trató de una película perfecta, David Stratton de The Movie Showllamó dijo de Hana-bi que era "una película inclasificable" y "bastante extraordinaria", con la co-presentadora Margaret Pomeranz que decía: "Al final me conmovió tanto. Hizo lo que el cine debe hacer, para mí de todos modos, y eso me lleva a una Viaje que es mío, que finalmente termina dentro de mí, en mi corazón ". Stratton concluyó que Hana-bi es "difícil de describir a las audiencias, pero todo lo que puedo decir es: ve a verlo. Es genial". Jamie N. Christley en Slant añade además que "Kitano emplea su propio rostro como si fuese una pizarra en blanco para hacer un boceto de la complejidad del ser humano (…)

David Rooney en Variety dijo de ella que era "Uno de los exponentes más ideosincráticos del nuevo cine japonés (...) Poesía pura." Para Janet Maslin del The New York Times la película es "Conscienzudamente bella y editada con un gran sentido de la imaginación, 'Hana-Bi' demuestra el fiero y gentil talento de Kitano"

Para  Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly la película reflejaba "El humor negro de Kitano pulula por toda esta rica y hermosa obra que, gracias a su elegante violencia, consigue transmitir profundidad emocional, dulzura y sosiego."

En el Reino Unido David Parkinson de Empire sostiene que en esta película "Takeshi demuestra tener un maravilloso sentido de la lírica (...) Una película emocionante e increíblemente absorbente (…) " 

Ya en España Carlos Boyero que por entonces escribía en El Mundo dijo de ella que la película era "Muy buena (...) perturbadora, violenta y lírica"

Ramón F. Reboiras de Cinemanía con un lacónico "Soberbia" dice todo y en esa misma revista Javier Ocaña desentona en los elogios generalizados al decir que "No es para tanto" .

Por último, Luis Martínez en El País decía que "Kitano regala una nueva forma de mirar, lírica y brutalmente sincera, que envuelve en el vacío y el desasosiego. Un acierto".

Por mi parte decir que es una película impresionante, con su punto de violencia, marca de la casa, con su toque de cine negro que enfrenta al policía atormentado por la pérdida pasada y la que tendrá en un futuro cercano, con la inclusión de la yakuza sobre la que se va a intervenir y que coloca la película en el olimpo del cine japonés. Narrativamente es compleja, llenas de silencios, porque quiere ser compleja. Magistral es su montaje que le da un toque narrativo absolutamente alternativo lleno de flashback.

Y es triste, pues la historia que enmarca está dominada por la tristeza ante la muerte y las limitaciones de la vida. Con todo el único planteamiento feliz es la relación cariñosa con su esposa.

Por último, y a destacar en la película la banda sonora muy del gusto occidental compuesta por Joe Hisaishi, el músico de Nagano, director de orquesta, responsable de más de 100 bandas sonoras desde 1981. Colaborador habitual en la animación de Hayao Miyazaki y Takeshi Kitano. En fin, una gran película.