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sábado, 2 de febrero de 2019

Un nuevo mundo


He tardado en verla, pero lo he conseguido. No se lo que tenía, pero he tenido ocasión de verla en varias ocasiones, y siempre la aparcaba. Creo que Terrence Malick es mucho director para verlo con poco tiempo.

También - no se si es casualidad o no- , me he topado con unas imágenes iniciales en la películas que me han remitido al director  Kaul y su manera de filmar el agua, aunque puede ser que estoy todavía afectado en positivo por su film documental Before the eyes. 

La película que he visto es El Nuevo Mundo, una película del año 2005, que nos muestra la llegada de los  ingleses a tierra americana , así como la posterior fundación de Jamestown (Virginia), una historia conocida por una versión animada , la historia de Pocahontas que vimos en el año 1995 y su relación con John Smith. Por cierto, una historia de la que muchos historiadores dudan de que la historia de amor entre John Smith y la nativa norteamericana sucediera de verdad.

De acuerdo con el relato “oficial”, la hija del jefe de los powhatanes, una tribu de Virginia, se lanzó al cuello de Smith cuando este se hallaba a punto de ser ejecutado. Esta anécdota surge de la Historia general de Virginia (1627), donde el propio explorador cuenta su salvamento in extremis, pero dos cartas suyas anteriores, redactadas en 1607 y 1612 y el suceso habría ocurrido en 1607, al principio de la colonización británica de Estados Unidos. Pocahontas en realidad se llamaba Matoaka; Pocahontas era un apodo que significaba “niña traviesa” o “maleducada”.

Según los actuales descendientes de los powhatanes, el colono (luego primer presidente de Virginia) incluso disgustaba a Pocahontas, que tenía doce años por aquella época. Otros creen que el simulacro de ajusticiamiento constituía un rito habitual entre ciertos pueblos nativos americanos. Sí se sabe que la hija del jefe fue apresada cinco años después por los británicos, mientras hacía una visita de cortesía al asentamiento de Jamestown.

Entonces surgió el amor, aunque de manera unilateral: el plantador de tabaco viudo John Rolfe quedó prendado de la prisionera y le propuso casarse cristianamente con él para ser liberada. A partir del enlace, Pocahontas pasó a llamarse Rebecca.

En 1616, el matrimonio y su hijo Thomas viajaron a Inglaterra para demostrar la buena relación entre nativos y colonos en ultramar. Eso sí, la joven powhatan murió en 1617 en Gravesend, localidad a donde fue trasladada enferma desde el barco que iba a llevarla de regreso a su tierra.

Dirigida por el realizador Terrence Malick, se trata de una producción de Sarah Green y en la que están presentes las productoras  New Line Cinema - también en la distribución- , así como Sunflower Productions, Sarah Green Film, First Foot Films y The Virginia Company LLC.

La película responde a un guión del mismo Malick y cuenta con la música de James Horner , la fotografía de Emmanuel Lubezki y el montaje de Richard Chew , Hank Corwin,  Saar Klein y Mark Yoshikawa.

Sus protagonistas son Colin Farrell, como el Capitán John Smith, y Q'Orianka Kilcher, como Pocahontas o Matoaka, o Rebecca Rolfe, al gusto de cada uni. Junto a ellos aparecen el veternao  Christopher Plummer como el Capitán Christopher Newport,  Christian Bale como John Rolfe , August Schellenberg como el jefe Powhatan (Wahunsonacock) , Wes Studi como Opechancanough,  el alguacil David Thewlis como Edward Wingfield,  Yorick van Wageningen como Samuel Argall , Ben Mendelsohn como Ben , Raoul Trujillo como Tomocomo , Brian F. O'Byrne como Lewes , Irene Bedard como la madre de Pocahontas (Nonoma Winanuske Matatiske) , John Savage como Thomas ,Savage,  Alex Rice como la esposa de Patawomeck , Jamie Harris como Emery,  Janine Duvitski como Mary , Thomas Clair como Patawomeck (Japazaws) , Michael Greyeyes como Rupwew , Kalani Queypo como Parahunt , Noah Taylor como Selway , Ben Chaplin como un fugaz Robinson , Eddie Marsan como Eddie , Billy Merasty como Kiskiack  y Jonathan Pryce como el rey James  y Alexandra WB Malick como la reina Anne.

Estamos en el año 1607 , año en la que la London Virginia Company inglesa fleta tres barcos con el objetivo de buscar tesoros en los nuevos territorios de América. Allí llegaron los tres tras una larga travesía a la bahía de Chesapeake.

Testigos de la llegada son una chica nativa, Pocahontas , la enérgica y aventurera hija del Jefe Powhatan , y otras hombres  de su tribu que  presencian la llegada de tres barcos enviados por la carta real inglesa para fundar una colonia en el Nuevo Mundo en la bahía.

En la bodega de uno de los barcos en el que va el capitán de la expedición el Capitán Christopher Newport (Christopher Plummer ) vemos a un soldado profesional encadenado y que se ha embarcado voluntariamente, pero de carácter rebelde que viaja en calidad de detenido y presto a ser ejecutado.Es el Capitán John Smith , inicialmente , está sentenciado a muerte por ahorcamiento por sus  comentarios.

Sin embargo, antes de ser ahorcado ese soldado  , que es el Capitán John Smith (Colin Farrell) es salvado in extremis e indultado por Newport,   , el líder de la expedición, a pesar de la hostilidad que le muestra el alguacil Edward Wingfield ( David Thewlis ).

Tras eso , y a orillas del río James, fundan la ciudad de Jamestown. Se ve que el interés de gran parte de ellos es la búsqueda del oro, que no aparece.

Inicialmente, se abre un pozo en el interior de un recinto que comienza a amurallarse con palos y a levantarse algunas dependencias.

Mientras tanto la población nativa está a la expectativa ante los recién llegado. Inicialmente se ocultan, pero poco después se personan ante los blancos. El encuentro entre unos y otros es de sorpresa ante el extraño aspecto entre ambos.

Entre los nativos americanos se encuentran Pocahontas o Matoaka (Q'Orianka Kilcher) , el jefe de la tribu que vive allí, los Powhatan , Wahunsonacock, (August Schellenberg ) padre de la anterior y uno de sus hombres Opechancanough (Wes Studi) que , en principio, aceptan la presencia de los barbados y metálicos blancos. 

Sin embargo, está expectación inicial termina cuando uno de los hombres llegados desde Inglaterra dispara sobre uno de los nativos, iniciándose desde ese momento las hostilidades.

Esto , en parte, arruina las perspectivas para el asentamiento que son inicialmente brillantes, ya que a lo dicho anteriormente se le suman las enfermedades, la mala disciplina, la escasez de suministros y las tensiones con los nativos americanos locales lo que pone en peligro la expedición.

El capitán Newport entonces encarga a John Smith que organice una expedición en busca de comida a través del río Chickahominy.

Newport, por su parte, anuncia que se marchará a Inglaterra para anunciar el asentamiento y traer nuevas expediciones.

Smith lleva a un pequeño grupo de hombres río arriba en busca de intercambios comerciales. Sin embargo, la expedición de Smith es atacada por los indígenas powhatan, que acaban con todos, salvo el propio John Smith, que es capturado y conducido prisionero a la aldea, en la que conocerá a la hija del Jefe Powhatan.

Después de ser interrogado, el capitán es casi ejecutado. Se libra cuando Pocahontas interviene y le salva su vida. La chica convence a su padre de que Smith es un hombre de buenas intenciones y que le deje vivir.

De paso esta princesa indígena intrigada por el inglés y sus maneras se enamora perdidamente del cautivo, quien es dejado en libre tránsito en el poblado y aprende las costumbres de los nativos. Smith, que irá a sumiendo el carácter sencillo y generoso de los nativos, llegando a admirarlos,  promete sólo quedarse hasta la primavera. En ese tiempo, Smith recibe un buen trato y se gana la amistad y el respeto de la tribu.

El jefe devuelve a Smith a Jamestown con la idea de que los ingleses partirán la próxima primavera, una vez que sus barcos hayan regresado.

Tras esa larga estancia en el poblado, y cuando todos sus compañeros le daban por perdido , John regresará a Jamestown. Nada más llegar descubre que el capitán Newport no ha retornado y que en el mismo se vive un desbarajuste absoluto, en parte, por la mala gestión de Edward Wingfield, al hambre de los colonos, a la envidia entre ellos. Descubre que la realidad de Jameston no puede ser peor y contrasta el espíritu que existe entre los hombres del nuevo mundo y los suyos.

Wingfield cuando vuelve a demostrar su carácter tiránico recibe  un disparo y John Smith es declarado capitán a la espera del barco. Las medidas son más razonables y sostenibles que las anteriores, pero para nada sirven para alimentarse.

Una vez ha aceptado el cargo de gobernador, encuentra que la paz que tuvo con los nativos fue reemplazada por la privación, la muerte y las difíciles responsabilidades de su nuevo cargo. Smith desea volver con su amor pero desecha esto.  Él piensa que su tiempo entre los nativos americanos es "un sueño" del cual él ha despertado.

Los  asentados en Jamestown van disminuyendo a lo largo del brutal invierno. El tiempo pasa , no han conseguido sembrar nada y en el invierno se presenta tan frío como cruel. Fatal para los ingleses y estos comienzan a morirse de hambre. Cuando la situación es angustiosa, los powathan liderados por la princesa indígena los salva de morir de inanición al traerles alimentos procedentes de la caza, Pocahontas busca además ver a su amado pero este le menciona que no debe confiar en él. Pocahontas no entiende el mensaje. De cualquiera manera en  Jamestown, ella y Smith renuevan su aventura amorosa.

Cuando llega la primavera, los Powhatan se dan cuenta de que los ingleses no tienen la intención de irse. Al descubrir las acciones de su hija, ordena un ataque a Jamestown y el exilio de Pocahontas.

Rechazando el ataque, los colonos se enteran de la expulsión de Pocahontas de su propia tierra. Organizan un intercambio para que la joven pueda ser llevada como cautiva y ser utilizada como freno para evitar nuevos ataques.

Samuel Argall (Yorick van Wageningen ) que está desde el principio en el asentamiento convence a los colonos en una expedición comercial por el río Potomac para secuestrar a la chica que está en manos de los Patawomecks como prisionera para negociar con su padre el intercambio de algunos colonos cautivos, pero no las armas y herramientas robadas. Cuando Smith se opone al plan, es reprobado como gobernador.

El regreso del capitán Newport agrega complicaciones. Newport le dice a Smith que tiene una oferta del rey para dirigir su propia expedición con el fin de  encontrar un paso del Noroeste a las Indias Orientales. Dividido entre su amor y el deseo de progresar en su carrera, el capitán decide cumplir con su carrera militar y después regresar a Inglaterra. Antes de partir, deja unas instrucciones a uno de sus amigos. Si no regresa en dos meses que le digan que ha muerto.

Llega la primavera y los powhatan se dan cuenta que los ingleses no tiene la menor intención de irse. Mientras tanto Pocahontas, al haberles dado alimentos,  es expulsada de su propia aldea y busca a su amado John Smith.

Sin embargo, éste es enviado a Terranova y, le dice a un compañero que cuando regrese en un par de meses , informe a la chica que ha muerto. Meses más tarde, la chica es informada por él que Smith murió durante la travesía, lo que la deja angustiada.

Devastado, Pocahontas se hunde en la depresión y sigue llorando la "muerte" de su amor. Pocahontas , que ha sido expulsada de su tribu y malvive en la ciudad, que poco a poco se va asentando en el territorio y es atendida por alguna de las mujeres que han llegado en las siguientes expediciones de Newport.

Poco a poco va interesándose por ella un colono recién llegado llamado John Rolfe (Christian Bale)  que se dedica a la plantación de maíz y tabaco y que se enamora de ella. Él la ayuda a adaptarse al estilo de vida inglés y, finalmente la bautiza, recibe educación y se casa con Rolfe y da a luz a un hijo al que llaman Thomas.

Un tiempo después Pocahontas (ahora bautizada con el nombre de Rebecca) escucha que Smith vive y que está en Inglaterra. Ante la noticia de que el Capitán Smith todavía está vivo ella tiene una reacción violenta. Pocahontas rechaza a Rolfe , pero, por otro lado, su esposo le anuncia que el rey le ha hecho una invitación para conocer a la pareja en Inglaterra, ella acepta irse a vivir allá con la remota esperanza de ver a Smith.

Viajará a Inglaterra.  Al llegar a Londres y compartir una audiencia con el rey y la reina,y será presentada en la Corte, donde es bien recibida de acuerdo a su linaje siendo hija de un jefe indio y tratada como una princesa nativa.

Pocahontas se siente abrumada por las maravillas de este "Nuevo Mundo". Mientras vive en un inmenso palacio en el campo tendrá una reunión privada con  John Smith, un encuentro que propicia su esposo con la esperanza de que si lo vuelve a ver ella estará en paz.

La reunión resulta incómoda. El estado de sus vidas actuales muestra cuánto han cambiado cada uno. Smith admite que puede haberse equivocado al elegir su carrera por encima de su amor por Pocahontas. Él dice que lo que experimentaron en Virginia no fue un sueño, sino "la única verdad". Pero la chica es consciente, primero, del gran amor que siente por ella Rolfe, así como la existencia de un hijo de ambos. Además le pregunta si alguna vez había encontrado sus Indias, respondió: "Es posible que haya navegado más allá de ellas". Él termina por desencantarla. Luego de ese encuentro Smith desaparece para siempre  y las dos partes, nunca volverán a encontrarse.

Al darse cuenta de que Rolfe es el hombre que ella creía que era y más, finalmente lo acepta como su esposo y como su amor.Rebecca y Rolfe hacen arreglos para regresar a Virginia junto a su esposo y su hijo.

Antes de que se vayan, ella cae enferma  al contraer la enfermedad del hombre blanco (viruela) o neumonía y muere. La película termina con imágenes de la Rebecca y su pequeño hijo jugando alegremente en los jardines de su finca inglesa.

Rolfe, en una voz en off, lee una carta, dirigida a su único hijo sobre su madre nativa americana fallecida. En los momentos finales de la película, Rebecca dice: "Madre, ahora sé dónde vives" con la película desvaneciéndose sobre imágenes de la naturaleza en el Nuevo Mundo. Rebecca es enterrada en Inglaterra y tiempo después John Rolfe y su hijo parten hacia América.

Terrence Malick comenzó a trabajar en el guión de The New World a finales de los años setenta. Después de The Thin Red Line , Malick trabajó en una película sobre Che Guevara y su revolución fallida en Bolivia . Cuando aún no había llegado a conseguir su financiación, se le ofreció a Malick la oportunidad de dirigir The New World y dejó el proyecto Guevara en marzo de 2004. La producción en The New World estaba en marcha en julio de ese año.

El rodaje se desarrolló desde el 26 de julio al 6 de noviembre de 2004.Durante esos tres meses y medio se rodó tanto en Estados Unidos, concretamente en Virginia y su Chickahominy River como en Gran Bretaña. En este país se rodó en Hatfield House en Hertfordshire, en Charlestown, en la localidad de Cornwall, en la Bodleian Library, en Oxford, en el condado de Oxfordshire, así como en Hampton Court Palace de East Molesey, en Surrey.

La película destacó por su énfasis en la autenticidad, desde la ubicación, los escenarios y el vestuario hasta el uso de actores y extras nativos americanos que fueron entrenados por Blair Rudes , profesor de lingüística en UNC-Charlotte , para hablar una forma de la extinta lengua Powhatan ( un tipo de algonquiano virginiano ) desaparecida en el siglo XVIII y reconstruido para la película de Rudes. 

Para la preparación para el papel, Colin Farrell leyó los siete libros de John Smith que publicó en Inglaterra sobre sus viaje en El Nuevo Mundo.

Antes del inicio del rodaje, el director Terrence Malick y el director de fotografía Emmanuel Lubezki idearon una serie de reglas fotográficas que se utilizarían durante el rodaje. Entre ellas destacan: 1) No hay luces artificiales. Todo se rueda con luz natural. 2) No hay tomas de grúa ni de plataforma rodante, solo tomas de mano o Steadicam. 3) Todo se rueda en la vista subjetiva. 4) Todas las tomas deben ser de enfoque profundo, es decir, todo (primer plano y fondo) es visible y enfocado. 5) Se recomienda (al equipo de cámara) que vaya y tome fotografías de cosas inesperadas que puedan suceder en un accidente o si su instinto lo indica. 6) Disparos selectivos: no se usa ningún disparo que no tenga fuerza visual. Según Lubezki, muchas de estas reglas acabaron por no cumplirse. Se usó luz artificial , al igual que los disparos de foco superficial.Solo las escenas tomadas en los interiores del Palacio de Hampton Court se complementaron con luz artificial que entraba por las ventanas. 

Prácticamente casi todos los diálogos fueron doblados en post-producción. La razón principal fue que durante las tomas, la voz de Terrence Malick a menudo se escucha en el fondo.

El casting para el personaje de Pocahontas resultó difícil, los productores observaron a más de dos mil actores antes de decidir abrir sus criterios de búsqueda para todos los actores indígenas de América del Norte y del Sur. Para obtener una actuación más auténtica, Terrence Malick prohibió a Colin Farrell y Q'orianka Kilcher verse antes de filmar su primera escena. De cualquier manera, en el momento en que se hizo esta película, Q'orianka Kilcher no tenía idea de quiénes eran Colin Farrell y Christian Bale. Tenía 14 años cuando esta película comenzó a rodarse, y 15 años cuando esta película fue estrenada.

Christopher Plummer se enfureció después de ver el corte final de la película y descubrir que se habían cortado escenas clave y que uno de sus discursos importantes se había reducido al ruido de fondo. Juró nunca volver a trabajar con Terrence Malick.

Tanto Irene Bedard (la madre de Pocahontas) como Christian Bale (John Rolfe) tienen papeles en esta película y en la película animada de Disney Pocahontas (1995). En la película de Disney, Christian Bale brindó la voz de Thomas y Irene Bedard expresó el papel principal, Pocahontas. Terrence Malick era fanático de la película de Disney y reclutó a Bale y Bedard en la película, como posible homenaje a la película animada de Disney.

Terrence Malick estaba tan concentrado en que la película fuera auténtica que les dijo a los actores que hicieran lo que los personajes harían. En sus descansos, Christian Bale incluso se sentaba en la silla de John Rolfe y fumaba en pipa, y Q'orianka Kilcher hacía bailes algonquinos.

En una entrevista, Christian Bale habló de excéntrico estilo de dirección de Terrence Malick. Dijo que quería ver qué haría Malick si simplemente salía del plano y se dirigía hacia el equipo. Malick siguió a Christian con la cámara y, como dijo Christian, "[el equipo] salió corriendo y se refugió detrás de los arbustos para alejarse de la cámara.

La película fue originalmente lanzada en noviembre de 2005, pero el lanzamiento tuvo que ser pospuesto. Malick todavía estaba editando las imágenes que había filmado. Es bien conocido el carácter detallista del director a la hora de editar sus películas hasta el último minuto, en los que a menudo recorta sus películas y deja a los personajes completos fuera de la impresión final, como es el caso de The Thin Red Line .

A principios de diciembre, se mostró una versión de 150 minutos exclusiva para los críticos para que fuese considerada dentro de la temporada de premios. Fue lanzado durante una semana, desde Navidad hasta el día de Año Nuevo, en dos cine, uno en Los Ángeles y otro en Nueva York.

El lanzamiento a gran escala de la película comenzó el 20 de enero de 2006, cuando Malick la reeditó reduciéndola a 135 minutos, pero también agregó imágenes que no se vieron en la primera versión.

Modificó algunas de las extensas voces en off de la película para aclarar la trama. Se hicieron cambios sustanciales en la primera media hora de la imagen, aparentemente para acelerar la trama. La partitura musical de The New World fue compuesta por James Horner .

Trabajó primero desde el guión y luego desde escenas editadas. A medida que la película fue reeditada, se requirieron más cambios en la partitura. Debido a que la edición de Malick fue extensa e involucró reordenar o eliminar pasajes o insertar secuencias, gran parte de la partitura de Horner no se usó.

Para la versión final, Malick utilizaron secciones de la música de Horner junto con otros elementos como el preludio de Wagner " Das Rheingold" , parte de Mozart , en concreto su " Piano Concerto No. 23" , y otras piezas. Horner y Glen Ballard escribieron y grabaron la canción "Listen to the Wind", cantada por Hayley Westenra , para los créditos de cierre, pero esto tampoco fue utilizado. En una entrevista, Horner dijo que Malick amaba su puntaje, pero no tenía idea de qué hacer con él.

Llegó a la conclusión de que trabajar con Malick era "la experiencia más decepcionante que he tenido " y que "nunca me sentí tan decepcionado por un cineasta en mi vida".

En cuando a las críticas El Nuevo Mundo abrió con comentarios positivos. Roger Ebert dijo de ella que "lo que distingue a la película de Malick es cuán firmemente se niega a saber más de lo que debería ... Los eventos en su película, incluidas las trágicas batallas entre los indios y los colonos, parecen estar ocurriendo por primera vez." También alabó a Malick como un "visionario". El columnista de Chicago Sun-Times dijo además que ""Se despoja de todas las fantasías y tradiciones de la historia de Pocahontas (...) e imagina cómo de nuevos y extraños se debieron parecer esas personas entre sí. (...) Malick es un visionario, y esta historia requería uno. (...) ."

Por su parte, Mick LaSalle, del San Francisco Chronicle, calificó la película como "una obra maestra",y añade en enero de 2010, que fue como la película número 1 de la década. " La película de Terence Malick, sobre la vida de Pocahontas y los albores de la historia estadounidense, contiene algunos de los mejores escenas imaginables, algunos de ellas más allá de la imaginación. La he visto al menos cinco veces y no tengo idea de cómo Malick supo, cuando lo puso todo junto, que la película tendría sentido. Es difícil escribir un gran poema corto. Es difícil escribir una gran novela larga. Pero escribir un gran poema largo que sea del tamaño de una gran novela larga - uno que tenga sentido, no se marque y sea exponencialmente mejor de lo que hubiera sido el poema corto o la novela larga - eso es casi imposible. Malick lo hizo. Con imagenes".

En noviembre de 2009, Time Out New York clasificó la película como la cuarta mejor de la década, y dijo de ella que:" El poder particular de este poema (..) viene de cuán silenciosamente resignados están ambos personajes a su destino, como si sintieran una mano guía en cada una de sus acciones. Los pasajes finales del idilio de Malick , después de que Pocahontas realiza un fatídico viaje por el océano, son los mejores trabajos de su carrera, sobre todo en su descripción de la muerte y la transfiguración de la princesa, una secuencia de cinco minutos que nunca deja de moverse ".

Muchos otros como Ty Burr de The Boston Globe , Peter Travers de Rolling Stone , Richard Corliss of Time y David Ansen de Newsweek dieron críticas positivas a la película.

Carina Chocano en Los Angeles Times comenta que se trata de "Un trabajo de una imaginación impresionante, más que una película es un modo de transporte, y en todos los sentidos una obra maestra"

Sin embargo, y por otro lado, Stephen Hunter de The Washington Post criticó a la película por ser "majestuosamente casi hasta el punto de ser estática", mientras que otros como Joe Morgenstern de The Wall Street Journal lo criticaron por "lenta", "subdramatizado" y "emocionalmente remota".

En Francia la revista de cine Cahiers du cinéma clasificó a la película como la novena lugar en su lista de las mejores películas de la década 2000-2009. El crítico de cine y televisión Matt Zoller Seitz ha dicho que es su película favorita.

En Gran Bretaña y concretamente en The Guardian , John Patterson escribe que The New World " The New World , el mito de la fundación estadounidense de Terrence Malick, que llegó justo cuando la década alcanzó su punto medio a medias, en enero de 2006. [...] The New World es una película sin fondo, casi indeciblemente bella y formalmente armoniosa. La película llegó y se fue en un mes, y su recepción crítica se caracterizó en su mayor parte por desconcierto, condescendencia, burla perezosa y hostilidad absoluta. [...] Sus hermanos se encuentran a lo largo de la historia del cine y en todos los límites nacionales y estilísticos, desde los silencios hasta Jean-Luc Godard , James Benning y Stan Brakhage , o en Winstanley y Barry Lyndon . Su interior cultural se compone no solo de otras películas, sino también de budismo , etnografía y naturalismo., Wagner, Mozart y las formas estructurales de la música clásica, el entusiasmo de Malick por la observación de aves y la ayuda de Heidegger y Kant [...] Es a la vez antiguo y moderno, el cine en su forma más pura y orgánica, más simple y más refinado [...].

En una encuesta de críticos internacionales realizada por la BBC en 2016 , The New World fue votada como la 39a mejor película desde 2000.

El estudioso del cine Mark Cousins dijo de ella " Hacia el final de El Nuevo Mundo , me parecía, que había experimentado algo así como una Misa de Bach en si menor o un poema de Percy Bysshe Shelley . Era sobre el rapto y el final del rapto. Me mostró viendo. Me hizo sensible".

Ya en España Alberto Bermejo en El Mundo afirma que se trata de "Una historia que se mueve en un terreno inexplorado, con una primera parte fascinante e hipnótica. (...) ." En este mismo diario, Carlos Boyero dijo de ella que era "(...) muy bonita y tiene esa trabajada fascinación y lirismo genuino que caracteriza al cine de este extraño director. Decepcionó bastante en Berlín incluso a los seguidores incondicionales de Malick. A mí me gusta más que 'La delgada línea roja'."

Para Javier Ocaña en El País entiende que es un "Bellísimo poema histórico de aventuras, quizá un tanto impreciso y excesivamente preciosista, pero dotado de momentos absolutamente deslumbrantes. (...) Arriesgada, difícil, hermosa, imperfecta y profundamente artística."

Oti Rodríguez Marchante en ABC escribió que "Al puntillista Malick se le ha ido el pespunte al final; aunque el entramado no deja por ello de ser excepcional, de una calidad extrema, con un gusto exquisito (...) ."

Si bien su fecha de lanzamiento se programó para ser considerada para la temporada de premios, fue nominada solo para el Premio de la Academia a la Mejor fotografía de Emmanuel Lubezki en la 78ª edición de los Premios de la Academia .

Los premios fueron realmente para Q'orianka Kilcher como se hizo en la National Board of Review a la mejor actriz , tal y como ocurrió en la Asociación de Críticos de cine del área de Washington DC al mejor debut que fue nominada, al igual que lo hizo la Asociación de Críticos de Chicago, o en los Premios ALMA , o los Critics' Choice Awards a la Mejor actriz joven (Kilcher), - aunque también al compositor Holner- o en los Premios de la Sociedad de Críticos de Cine "on line" o el Círculo de Críticos de Nueva York con 4 nominaciones, incluyendo Mejor película. La Sociedad de Críticos de Cine de San Diego premió a Emmanuel Lubezki por su fotografía . En el Festival de Mar del Plata la película estuvo en la Selección oficial largometrajes a concurso.

En cuanto a la precisión histórica señalar que según la profesora de historia Cathy Schultz, la gente de Powhatan "estaba lejos de las criaturas inocentes y infantiles que vemos en la película". Schultz señala que Powhatan "se rige por la conquista de las tribus circundantes", en contraste con la descripción que la película hace de ellos como pacífica, excepto cuando está en conflicto con los ingleses. Además, la mayoría de los estudiosos están de acuerdo en que no hubo una relación romántica entre Pocahontas y Smith. Tenía 10 años en 1608 cuando se dijo que se conocieron por primera vez.

Una vez vista tengo que decir que gustarme me ha gustado. Indudablemente es una película que tiene mucho de poema visual sobre el encuentro entre cultural . Indudablemente, es muy superior a otras sobre hechos parecidos. Estoy pensando en 1492 la película de Ridley Scott sobre el descubrimiento. Puede tener el mismo carácter reflexivo, pero el resultado es una obra infinitamente más brillante, pues huye del elemento épico para dar valor a la experiencia humana. Apuesta por la poesía visual, por una historia conocida, sencilla y verista y , además, me ha permitido conocer la existencia de una serie llamada Jamestown, así que le doy una valoración muy positiva. 



martes, 17 de julio de 2018

Badlands


Hace un par de años fui a las Bárdenas Reales en Navarra expresamente. Mi intención era ver uno de los mejores ejemplos de las "Malas Tierras" o Badlands, que descubrí con sorpresa en la película de Alfonso Ungría, titulada La conquista de Albania del año 1983. Me sorprendió que una imagen casi irreal entre dos de los protagonistas de la película se desarrolla en un paisaje que en un  momento dado de mi vida estudié, con más o menos detenimiento,  en el magnífico libro de Arthur Newell Strahler , vamos el Strahler, titulado Geografía Física , la grandiosa y necesaria obra escrita por este geógrafo fallecido en 2002, y nacido en la India , pero que fue profesor en la Universidad de Columbia. 

En esta magna obra se nos decía que los badlands o tierras baldías eran áreas cortadas por barrancos profundos y estrechos de erosión, especialmente el agua y el viento, en áreas áridas. El término «badlands» procede del pueblo Lakota que llamó a la topografía mako sica, literalmente «malas tierras», y los cazadores franceses les mauvaises terres à traverser, «las tierras malas para cruzar». El paisaje se caracteriza por sus cuestas empinadas, tierra suelta, abundancia de arcilla, hecho que impide viajar cómodamente por él. 

Yo sabía que en España este tipo de tierras existen, no sólo en Navarra, sino también en Granada, Almería, Murcia , Alicante, o Los Monegros en Aragón pero el espacio de badlands por antonomasia se encuentran entre los dos Dakotas, el parque nacional Theodore Roosevelt en Dakota del Norte y el parque nacional Badlands en Dakota del Sur pero en extensible a otras áreas circunantes de Estados Unidos ( Nebraska) o Canadá ( Alberta). 

Pues bien , lo que sí desconocía era la relación existente entre los Badlands y la película de Terrence Malick. Un director que conocí cuando presentó The Thin Red Line o La delgada linea roja , película de 1998. 

Lo cierto es que fue al cine para ver esta diferente película bélica y me impresionó. Antes de ir a verla leí bastantes cosas sobre él. Como tras irrumpir de forma espectacular en el cine hasta ser considerado como parte estelar de la ola cinematográfica de New Hollywood con la película Badlands en 1973, y continuar con obras sensibles y singulares como la ya analizada Days of Heaven (1978), presentándose como uno de los directores clave de los setenta; y , sin embargo, en los ochenta quedó en silencio - a pesar de estar implicado en algún proyecto como Q, pero tras esto se esfumó a Francia y llegó el olvido. 

Y aunque Q nunca se hizo, el trabajo de Malick para el proyecto proporcionó material para su película posterior The Tree of Life (El árbol de la vida) y la base de Voyage of Time . 

Únicamente dio la cara con The Thin Red Line , casi veinte años después. Tras esto hubo otras que no he visto, aunque alguna está en cartera como The New World , El árbol de la vida o The Tree of Life estrenada en 2011. 

La sexta película de Malick, ya afincado en la texana Austin, fue To the Wonder (2013), Lawless (ahora titulado Song to Song ) y Knight of Cups estrenadas en 2015 y 2017, Viaje del tiempo (2016) y Radegund (2018).

De cualquier manera y volviendo a Badlands (Malas tierras en español) decir que es una película de 1973 escrita y dirigida por Terrence Malick. 

Badlands es obra escrita, producida  y dirigida por Terrence Malick. Para la historia ficticia, el director parte de una historia real, pues se inspira libremente en el asesinato en la vida real de Charles Starkweather y su novia, Caril Ann Fugate , en 1958, aunque esa base no fue reconocida cuando se estrenó la película. Reconozco que la fuga hacia delante que se nos narra en la misma me ha remitido en muchos momentos a la eterna Bonnie & Clyde, la grandiosa y ya mítica película de Arthur Penn. 

Cuando Malick dirige su primer largometraje, en su currículum hay un corto pero provechoso recorrido. Además del cortometraje Lanton Mills (1969), y de su colaboración no acreditada en Harry el sucio (Dirty Harry; Don Siegel. 1971) y Drive, He said (1971), la primera película dirigida por Jack Nicholson— , había desarrollado tres guiones , el de Los indeseables (Pocket Money), película dirigida por Stuart Rosenberg en 1972, el de Deadhead Miles (1972), de Vernon Zimmerman eso sí, bajo el pseudónimo de David Whitney, y el de The Gravy Train (1974), película dirigida por Jack Starrett 

En este caso el director se ofreció para la dirección, el guión y para la producción en caso junto a Edward R. Pressman contando para ello con el apoyo de la Warner Bros. Pictures a las que se unieron  Badlands Company ,  Jill Jakes Production ,  Pressman-Williams con la distribución, evidentemente, de la "major", la Warner Bros. La película contó con un presupuesto en dólares que osciló entre los  300.000 y 500,000. 
Para la música el director contó con la obra de Carl Orff , a la que se une la música seleccionada por George Tipton , buenísima destacando entre ellas la canción de Nat King Cole y una canción de James Taylor titulado "Migration") 

Como suele ser -ahora muy visible pero sobre todo en Dias de cielo, papel esencial juega la fotografía contando en ella con la labor de  Tak Fujimoto , Steven Larner  y Brian Probyn , así como el montaje de Robert Estrin.

El reparto lo encabezan Martin Sheencomo  Kit Carruthers,  Sissy Spacek como Holly Sargis. y Warren Oates como el Padre de Holly. 

A ellos se suman Ramon Bieri como Cato,  Alan Vint como uno de los policías, Gary Littlejohn como el  Sheriff. Igualmente sale John Carter como el hombre rico, Bryan Montgomery como el Chico, Charley Fitzpatrick como el encargado de servicio de desempleo que entrevista a Kit. Sin acreditar aparecen Terrence Malick como el Hombre en la puerta , Charlie Sheen como un chico al igual que su hermano  Emilio Estevez.

La película comienza en Sargis es una adolescente que vive en una ciudad sin salida llamada Fort Dupree, Dakota del Sur, en 1959. Una voz en off correspondiente a Holly nos narra como llegó hasta allí desde Texas una vez que su padre se quedó viudo, evidentemente,  al morir la madre.

Desde entonces ella vive aislada en casa o en el Colegio, bajo la supervisión de su padre y acompañada con un perro.

Un día aparece por la casa un joven rebelde Kit Carruthers (Martin Sheen) al que conocemos minutos antes. Un chico despreocupado que trabaja como basurero en una empresa local y que juguetea con lo que encuentra junto con su compañero Cato (Ramón Bieri). Vemos que su labor en nada profesional, mientras coge la basura. En el primer plano en que por fin le vemos el rostro sea tocando el cadáver de un perro muerto con el que juguetea.  Kit lleva el pelo a lo James Dean, e intenta imitar sus gestos. También calza unas exageradas botas de cowboy. 

Al terminar su trabajo, cuando dice estar cansado, conoce a Holly Sargis (Sissy Spacek),  una joven de 15 años y que hemos conocido gracias a la voz en off está presente en el primer plano de la primera escena. 

Holly , una niña desconocedora de la vida, que  juega con su perro y que parece ajena a cualquier recuerdo, nos ha explicado previamente que su madre murió de neumonía cuando ella era una niña, y que su padre guardó la tarta nupcial congelada durante diez años. 

Cuando Kit deja el trabajo y marcha hacia su casa se topa con Holly y comienza a flirtear con la chica. El le pregunta su edad, tiene 15, mientras que él tiene 25 años, , pero la convence para pasear juntos . Ella lo hace con algunas dudas y cuando el chico habla que trabaja recogiendo basuras ella le dice que su padre se opondrá a que salga con un chico sin futuro.

Al día siguiente,  Kit es despedido de su trabajo de basurero, y tendrá que aceptar cualquier cosa, como trabajar de peón en la ganadería. Tras esto se persona en la casa y Kit le dice que su trabajo ya no es un impedimento, ya que  miente a Holly y le asegura que lo ha dejado - y que está pensando en trabajar de vaquero. Así que salen otras vez y se convierten en pareja a espaldas de su padre (Warren Oates), al que vemos trabajando con pintor de carteles.

Los tres por el momento son tres pobres diablos, realmente no por ser diablos sino por ser pobres. Kit y Holly forman una pareja de desplazados, de jóvenes sin amigos, de introvertidos y desorientados, que es lo único que les une, pero que produce una poderosa unión. Kit, presenta  tendencias violentas y antisociales que comienzan a revelarse lentamente.

En el largo plano del paseo que realizan por el pueblo, parecen dos extraterrestres en medio de la sociedad. En sus largos paseos hablan de banalidades. Kit intenta hacerse el interesante y Holly parece aburrida o distante. De hecho  Holly asegura que no tiene mucha personalidad, y que le sorprende que la elija a ella porque Kit  Carruthers podría haber elegido a cualquiera, especialmente por su enorme parecido con el rebelde sin causa por antonomasia, James Dean. Kit es un joven y problemático engrasador , que se parece a James Dean , un actor que Holly admira. Kit es encantador ante Holly, y ella lentamente se enamora de él.

Además,  Kit alberga un deseo indómito de quedar para la posteridad, y Holly posee una verborrea incontenible… que sólo tiene su reflejo en la voz en off que insistentemente acompaña las imágenes. Pasean junto a un río turbio y un día, junto a ese río,  hacen el amor. Kit y Holly no le dan demasiada importancia. Ella no parece entusiasmada, y él procura no prestar demasiada atención. Eso sí, quiere dejar el momento para la posteridad con una piedra. Para los dos es un mero trámite. Ella pregunta si debería haber sentido algo más, y Kit le dice que ya está, que eso es lo que es y punto.

Poco después hay un encuentro entre Kit y el padre de Holly. El padre de Holly (Warren Oates) pinta carteles publicitarios que otorgan luz y color paisajes áridos y monocromáticos, y con su brocha pinta de verde la hierba que ya es verde, se niega a aceptar la relación. Como respuesta decide matar al perro de Holly ante las mentiras de su hija y ante la mirada de su hija. Después lo arroja al agua.

Por su parte su hija Holly, como muestra de su falta de conciencia,  tira a su pez moribundo a la tierra, al verlo enfermo.

Un día, ante la oposición del padre Kit se persona en la casa de Holly. En ese momento está vacía , así que decide entrar. Sube a la habitación de la chica y empieza a hacer su maleta. En ese momento llega padre e hija. El padre le ordena que salga de la casa. Pero la respuesta de Kit es sacar una pistola y apuntar al padre que se queda paralizado. Poco después el chico amenaza con matarlo, el padre intenta huir y Kit le dispara en el estómago,  sin pensar, sin cuestionar.

Holla, impertérrita  mira la escena. No parece sufrir ni por el padre y , simplemente, la hija tiene, como única reacción, una bofetada a su amante. Pero sin reprimenda u odio, únicamente porque no sabe qué hacer. Tras eso se pone a las órdenes de Kit que planea meter fuego a la casa , dejar una nota que diga que ellos se han suicidado tras el enfrentarse con el padre. El objetivo de la misma es ganar tiempo en la huída mientras investigan los policías. La pareja ha simulado suicidarse incendiando la casa y yendo juntos a las tierras baldías, las badlands de Montana .

Después, ambos cogen el coche y huyen a un bosque . Allí viven de lo que la naturaleza le ofrece y roban algunas gallinas.  Kit y Holly construyen una cabaña en un árbol en un área remota y viven felices por un tiempo, pescando y robando pollos para comer, pero un día, casualmente son descubiertos por un cazarrecompensas que va buscando a los fugados.

Kit y Holly ya habían preparado un plan de contención frente a estas circunstancias y le preparan una emboscada que concluye con la muerte de los tres cazarrecompensas y la pareja huye.

Tras eso buscan refugio en la cabaña de Cato, el amigo de Kit que conocimos en su trabajo de basurero. Este le invita a quedarse en la casa y les da de comer, pero , después, Cato intenta engañarlos y buscar ayuda, por lo que Kit lo mata; también dispara a una pareja adolescente que llega a visitar a Cato poco después y a los que había encerrado en un almacén subterráneo.

Kit y Holly prosiguen su huída hacia el oeste. Intentan ser cazados en todo el Medio Oeste por la policía pues ya se ha detectado que van armados y son peligrosos.

En su desplazamiento se detienen en la mansión de un hombre rico y toman provisiones, ropa y su Cadillac , pero perdonan las vidas del hombre y su criada.

Cuando los fugitivos se dirigen desde  Montana a Saskatchewan en el Canadá, la policía los encuentra y los persigue por carretera y en helicóptero.  Kit da cuenta de algunos de ellos.

Holly, que está cansada de la vida huyendo y de su relación con Kit, se niega a seguir con él y se entrega.

Por su parte, Kit, tras parar en una gasolinera atrae a la policía que lo persigue en sus coches. Son varios los que van detrás, pero , mientras que algunos caen otros continúan una persecusión por caminos polvorientos.

Pero en un momento dado Kit se para y poco después es atrapado. Se deja detener y se muestra encantador con la policía. Disfruta de la atención que recibe de la policía y los periodistas. La multitud se relaciona con Kit mientras está sentado bajo su custodia, haciéndole preguntas y bromeando. Su objetivo de notoriedad pública está conseguido.

Luego se nos informa que Kit fue ejecutado por sus crímenes, mientras que Holly recibió la  libertad condicional y se casó con el hijo de su abogado defensor , acabando así la película.  

Terrence Malick, un protegido de Arthur Penn (a quien agradeció en los créditos finales de la película), comenzó a trabajar en Badlands después de su segundo año asistiendo al American Film Institute . De hecho parece recibir del ya consolidado director y autor de Bonnie & Clyde algunas referencias tanto en el tema de los fugitivo y de la huída de la pobreza y de una vida mediacre como en el uso de la violencia.Aun que anteriormente había trabajado como guionista en Los indeseables (1972), decidió dirigir su propios guiones después de que la Paramount hiciera un lío completo con su guión Deadhead Miles (1973), transformándolo en una película tan mala que ni siquiera pudo ser lanzada.  

Parece que Malick se inspiró en la dramatización del asesinato de Charles Starkweather y su compañera de desventuras Caril Ann Fugate , su novia de 14 años, en la década de 1950, en que una chica adolescente y su novio de unos veintitantos asesinó a toda su familia y a varios otros en las tierras baldías de Dakota dejando once muertos en su huida por tierras de Nebraska y Wyoming, tres de esos muertos eran la madre, la hermana y el padrastro de Fugate. Años más tarde Oliver Stone y Quentin Tarantino elaboraron un guión , el de Natural Born Killers o Asesinos Natos.

Supongo que con esta historia en mente en 1970, Malick, a los 27 años, comenzó a trabajar en el guión durante un viaje por carretera. "Escribí y, al mismo tiempo, desarrollé una especie de kit de ventas con diapositivas y videos de actores, todo con el objetivo de presentar a los inversores algo que pareciera estar listo para filmar", dijo Malick. Con su hermano, Chris, Malick logró recaudar $ 300,000 para Malas tierras (1973) , los costos de pre-producción. "El dinero adicional fue recaudado por el productor independiente Edward R. Pressman y por amigos personales como el ex jefe de Xerox Max Palevsky ", según señaló Jeff Stafford en un artículo para la Turner Classics Movies . "Para mi sorpresa, no le prestaron demasiada atención, invirtieron en la fe. Puse la mitad del dinero y el productor ejecutivo Edward Pressman en la otra mitad".  Malick invirtió $ 25,000 de sus propios fondos. El resto de su participación se recaudó de profesionales como médicos y dentistas. 

De las dos estrellas principales de la película, la actriz Sissy Spacek, que es ese momento tenía 22 años fue elegida para interpretar a la chica de 15 años, antes de que el actor Martin Sheen que compitió con Don Johnson en la audición . Eso sí, a Martin Sheen, con 32 años, se le consideraba demasiado viejo para el personaje que retrataría que tendría 25 años . Con todo, Sheen considera que es su mejor película. La fotografía principal tuvo lugar en el verano de 1972, comenzando en julio, con un equipo no sindicalizado y un bajo presupuesto de $ 300,000 (excluyendo algunos aplazamientos a los laboratorios de cine y actores). El rodaje terminó en octubre.

La película tenía un historial de producción algo problemático; varios miembros del equipo se enfrentaron con Malick, y otro resultó gravemente herido cuando ocurrió una explosión durante el rodaje de la escena del incendio. Un ejemplo del primer caso fue el hecho de que la película fue editada por Robert Estrin. Sin embargo, cuando Malick vio el corte de la película de Estrin, no le gustó y eliminó a Estrin de la producción. El propio Malick y Billy Weber volvieron a cortar la película. Estrin sigue siendo acreditado como el único editor, sin embargo, con Weber acreditado como editor asociado.  Tanto Weber como el diseñador de arte Jack Fisk trabajaron en todas las películas posteriores de Malick hasta 2016 ( The Tree of Life , To the Wonder , Knight of Cups ).

A pesar de que la película habla de Dakota del Sur , Montana y la región canadiense fornteriza con este último Estado con badlands lo cierto es que se rodó en Colorado, bastante al sur. El rodaje duró 16 semanas lo que obligó a cambiar el diseño artístico con referencia a las estaciones. El director de arte Jack Fisk se encontró pegando hojas a los árboles y pintándolas de verde. Se rodó en concreto en la localidades de Rocky Ford, , en Trinidad - en la llamada Bloom Mansion en el 312 E Main Street, en La Junta, Las Animas, Otero County y Delhi, así como en Pueblo , en concreto en Rosemont Museum n el 419 West 14th Street.

La Casa Frank G. Bloom en Trinidad, Colorado fue utilizada para la casa del hombre rico, donde Kit y Holly roban el Cadillac que manejan hasta que son atrapados.

El comienzo del guión se filmó principalmente en el pueblo de Las Ánimas, en el sureste de Colorado., en el condado de Bent. La escena en la que Holly estaba quedando sin escuela fue filmada en Columbian Elementary School .

Aunque Malick prestó mucha atención a los detalles del período, no quería que abrumara la imagen. "Traté de mantener la década de 1950 al mínimo", dijo. "La nostalgia es una sensación poderosa, puede ahogar cualquier cosa. Quería que la imagen se configurara como un cuento de hadas, fuera del tiempo".

Malick, en una conferencia de prensa coincidiendo con el debut del festival en la película, dijo que  Kit era "tan insensible que [puede] considerar el arma con la que dispara a las personas como una especie de varita mágica que elimina pequeñas molestias".  Malick también señaló que "Kit y Holly incluso piensan que viven en un cuento de hadas", y sintió que era muy apropiado como "libros para niños como Treasure Island" a menudo estaban llenos de violencia ". También esperaba que un tono de" cuento de hadas "" le quitara un poco de nitidez a la violencia pero aún así mantuviera su calidad soñadora ". El propio Malick declaró que "Enseguida te das cuenta de si un comentario en off engaña al espectador, cuando comunica informaciones que tienen que ser presentadas de otra forma. Pero, cuando el texto no tiene una relación directa con la acción, como es el caso de Malas Tierras, me parece que funciona mejor…".

No fue una película fácil. En el artículo "Ausencia de Malick" escrito por David Handelman y publicado en el California Magazinese describe qque Terrence Malick filmó esta película e¡con ciertas dificultades de todo tipo, ecoómicas, profesionales, logísticaa, etc... Se rodó en el "... en el este de Colorado entre agosto y octubre de 1972. Él, según los informes, no les dio a los inversores ninguna garantía de finalización o distribución, no se pagaba a sí mismo y sus actores y tripulación no recibirían gran cosa. El mismo propio Malick y algunos asistentes terminaron actuando en la película. Como director y productor, Malick se encontró de repente lidiando con los costos del seguro, el mantenimiento del automóvil, sindicalizaciones, terratenientes armados con una escopeta y un equipo amotinado. Su primer director de fotografía, Brian Probyn, no fotografió lo que Malick quería, alegando que las escenas no se cortarían juntas. El asistente de Probyn, Tak Fujimoto, se hizo cargo, pero también se fue en este caso quemado en la secuencia de fuego de la película. Cuando un hombre de efectos especiales sufrió quemaduras graves, Malick, incapaz de permitirse un helicóptero, lo envió al hospital distante en automóvil, y muchos miembros del equipo renunciaron. Durante las últimas dos semanas de rodaje, todo el equipo estuvo compuesto por el director, la esposa del director y un estudiante de secundaria local. Luego Malick se quedó sin dinero mientras editaba y tuvo que tomar un trabajo de reescritura para terminar su película. Cuando se presentó al panel de selección del Festival de Cine de Nueva York meses después, la impresión se rompió, el sonido era turbio, la imagen estaba fuera de foco. Sin embargo, Malas tierras (1973) consiguió el prestigioso premio en la noche de clausura y atrajo a las majors. Warner pagó $ 950,000 por los derechos de distribución ".

Warner Brothers finalmente compró y distribuyó la película completa por una suma de menos de un millón de dólares.  Warners inicialmente hizo una vista previa de la película junto con la comedia de Mel Brooks "Blazing Saddles" , resultando en una respuesta muy negativa del público y forzando al equipo de producción a reservar la película en otros en lugares como Little Rock, Arkansas , convencidos de que la película podría ganar dinero.

Para la el director contó con  el uso repetido de una fotografía lírica, digamos que marca de la casa, y con partituras que se irán repitiendo a lo largo de la película. Suena , por ejemplo, la composición de Carl Orff como Die grauen Weiber , Passion, Mariae Geburt u otras interpretadas por Gunild Keetman perteneciente a los "trabajos escolares" ( Schulwerk) realizados por Orff Keetman para su Musica Poetica como Gassenhauer, Musik zu einem Puppenspiel y Xylophonstucke . Una pieza similar de Hans Zimmer titulado "You're So Cool" se usa a lo largo de la película criminal de 1993 True Romance  o Amor a quemarropa. Suena igualmente Trois Morceaux En Forme De Poire de Erik Satie, la canción "A blosson fell" de Nat King Cole, la de Love is strange de Mickey & Sylvia , asi como el tema "Migration" de James Taylor.

Por cierto hay algunos cameos, como los del propio director Malick eso sí, involuntarios, ya que el actor originalmente elegido como el arquitecto que toca la puerta del hombre rico no se presentó, por lo que Terrence Malick interpretó el papel por sí mismo. Malick más tarde quería volver a filmar la escena con otro actor, pero Martin Sheen se negó a volver a hacer la secuencia con otra persona. Igualmente aparecen los hijos de Martin Sheen, Charlie Sheen y Emilio Estevez jugando bajo una farola. Como anécdota comentar que Sissy Spacek conoció a su futuro esposo, el director de arte Jack Fisk, en el set de esta película. A partir de noviembre de 2015, han colaborado en ocho largometrajes. Badlands fue el largometraje de clausura en el Festival de Cine de Nueva York de 1973 , y según se informó "ensombreciendo incluso las Calles Malas de Martin Scorsese ". Como resultado, Warner Bros. compró derechos de distribución por tres veces su presupuesto.

En 1993, cuatro años después de que se estableciera el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos , Badlands fue seleccionada para su conservación por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

La película tuvo , finalmente, como fecha de lanzamiento 15 de octubre de 1973 . La película obtuvo algunos Premios y reconocimientos. Fue nominada a Mejor actriz revelación (Sissy Spacek) en los Premios BAFTA y fue Concha de Oro Mejor película y Mejor actor (Martin Sheen) en el Festival de San Sebastián.

En cuanto a la crítica de ella dijo Vincent Canby , que vio la película en el debut del festival, que era una "película fría, a veces brillante, siempre ferozmente estadounidense"; de acuerdo con Canby, "Sheen y  Spacek están espléndidos como los niños egoístas, crueles, posiblemente psicóticos de nuestro tiempo, al igual que los miembros del elenco de apoyo, incluido Warren Oates como el padre de Holly. Uno puede debatir legítimamente la validez de la visión de Malick, pero creo, que creo no su inmenso talento. Badlands es una película muy importante y emocionante ".

En abril de 1974, Jay Cocks escribió que la película "podría considerarse menos como una pieza de acompañamiento de Bonnie y Clyde que como una elaboración y una respuesta. En ella hay una "tiene una ironía helada, y su la violencia, en lugar de ser brutal, se ejecuta con un impulso seco y sin remordimientos ".

Según el productor ejecutivo Edward Pressman, aparte de la crítica de  Canby en New York Times , la mayoría de las críticas iniciales de la película fueron negativas, pero su reputación con los críticos mejoró con el tiempo.

David Thomson informó, por el contrario, que el trabajo fue "de común acuerdo [...] uno de los primeros largometrajes más notables hechos en Estados Unidos".

Escribiendo años más tarde para The Chicago Reader , Dave Kehr escribió: "La primera película de Malick en 1973 es una película tan rica en ideas que apenas sabe a dónde ir. Los temas trascendentes del amor y la muerte se fusionan con una sensibilidad de cultura pop y se juegan contra un fondo del medio oeste, que es impresionante tanto en su barrido como en su banalidad ".

Spacek más tarde dijo que Badlands cambió la manera en que pensaba sobre el cine. "Después de trabajar con Terry Malick, pensé: 'El artista gobierna. Nada más importa'. Mi carrera hubiera sido muy diferente si no hubiera tenido esa experiencia ".

En 2003, el fallecido actor Bill Paxton dijo: "Tenía un lirismo que las películas tienen de vez en cuando, momentos de una naturaleza trascendental ... Has visto este tipo de momentos en otras películas, son realmente difíciles de lograr, y por lo general vienen como una pretensión. [Malick] sabía cómo ubicar a sus personajes contra el paisaje. Esta es una maravillosa secuencia en la que la pareja se ha separado de la civilización. Saben que la soga se está cerrando y se han salido del camino, cruzando las tierras baldías . Se oye a Sissy narrar varias historias, y ella está hablando de visitar lugares lejanos. Hay una extraña pieza de música clásica [una orquestación etérea de Erik Satie los  Trois Morceaux  ...],y un tiro de lente muy larga. Ves algo a lo lejos, creo que es un tren en movimiento, y parece una toma de una caravana árabe que se mueve por el desierto. Estos son momentos que no tienen nada que ver con la historia y, sin embargo, tienen todo que ver con ella. No están orientados a la trama, pero tienen que ver con el anhelo o los sueños de estos personajes. Y son el tipo de momentos que nunca olvidarás, un cierto tipo de lirismo que solo golpea una parte profunda de ti y al que te aferras ".

Martin Sheen comentó en 1999 que Badlands "todavía es" el mejor guión que jamás haya leído. Él escribió que "fue fascinante. Me desarmó. Era una pieza de época, y sin embargo de todos los tiempos. Era extremadamente estadounidense, atrapó el espíritu de la gente, de la cultura, de una manera que fue inmediata identificable ".

En Variety se dijo de ella que "'Malas tierras' es un cuento de hadas americano único ... y es un impresionante debut"

Para Roger Ebert del Chicago Sun-Times "No hay símbolos a tener en cuenta ni lecciones que aprender. Lo que transmite más que nada es la enorme soledad de la vida de estos dos personajes, ya sea juntos o separados (...)" Roger Ebert lo agregó a su lista de "Grandes Películas" en 2011.

Para otro crítico de Illinois, Michael Wilmington, de Chicago Tribune "Viéndola, sientes que Malick encuentra a sus amantes fuera de la ley hermosos y terribles, patéticos y monstruosos, divertidos y abrumadoramente tristes"

El británico Peter Bradshaw del The Guardian dijo de ella que era "Un trascendentalmente hermosa y clásica que no te puedes perder (...) "

Ya en España, Carlos Boyero en  El Mundo escribía que "[Junto a 'Días del cielo'] me parecen dos obras maestras, auténticamente líricas, inquietantes, insólitas."

Para  Javier Ocaña en Cinemanía "Todas las películas de parejas de niñatos asesinos que huyen se basan en ésta"

En Fotogramas se dice que es " Una de las últimas inflexiones abiertamente líricas del cine contemporáneo, en la que se rendía homenaje a Nicholas Ray en general y a "They Live by ìNight" en particular. En su día fue sobrevalorada en exceso, lo que más tarde provocaría un rechazo no menos injusto. Vista en su justa medida, el equilibrio entre virtudes y defectos refuerza su atmósfera de desencanto.

Para Pablo Kurt en filmaffinity "Con gran elegancia el director norteamericano envuelve en un tono poético un duro relato basado en hechos reales (unos jóvenes que cometen un asesinato y huyen), ayudado por unas interpretaciones excepcionales tanto de Sheen como de Spacek. Mejor película en el Festival de San Sebastián, una cinta independiente que hoy es todo un clásico sobre la América profunda".

Para Adrián Massanet en el antiguo blog de cine , ahora Espinoff "Mientras otros directores, o aspirantes a directores, o directores sólo de nombre, buscan su estilo a lo largo de una carrera, o quizá a lo largo de sus primeras películas, Terrence Malick lo consiguió a la primera. Esa es una de las hazañas de ‘Malas Tierras’ (innecesaria traducción literal de ‘Badlands’, término con el que se nombra a grandes extensiones áridas, de terreno volcánico erosionado por los vientos), que apareció en la segunda mitad de 1973, previa presentación por aclamación en el Festival de Nueva York de ese año: la de establecer una personalidad". Y añade" ‘Malas Tierras’ es muchas cosas, pero primeramente es una confesión de un par de chiquillos inocentes pero asesinos, o asesinos pero inocentes.

Para finalizar en Miradas de cine, José Francisco Montero comenta que "A Malick apenas le interesan los elementos iconográficos o el contexto social, cultural y político propios de la época en que se desarrolla la historia: además de alguna canción y algún detalle más, en los diálogos tan solo aparecen algunas referencias a la guerra fría, al conflicto de Corea o a las estrellas cinematográficas de esos años. A pesar, también, de narrar (muy oblicuamente, es cierto) el proceso de fascinación por una determinada mitología cinematográfica, Terrence Malick se aparta radicalmente del cine que intenta (infructuosamente) restituir a partir de la cinefilia un clasicismo olvidado y una específica tradición genérica, distanciándose Malick sabiamente, en este sentido, de los protagonistas de la película. Acogida a los parámetros de la road movie, pero sin someterse a sus convenciones, Malas tierras narra dos recorridos vitales (los de sus dos protagonistas), prácticamente inversos y de ahí que su trayecto conjunto sea, paradójicamente y al contrario que el de tantos filmes similares, un recorrido que progresivamente los distancia. 

Para Holly se trata ante todo de la habitual historia iniciática, la del paso de la infancia a la edad adulta, de los sueños al despertar de la realidad, el progresivo desvelamiento de un cuento de hadas construido a ritmo de violencia y muerte. El director muestra este itinerario seguido por Holly con su habitual capacidad para la sugerencia: véase el bello plano en que ésta mira por la ventana de su casa a los niños sentados en la acera, consciente tras la muerte del padre que la infancia queda definitivamente atrás. Malas tierras es (al menos para su protagonista femenina), como en el resto de la filmografía de Terrence Malick, aunque de forma menos explícita, la narración de la pérdida de la inocencia, la historia del vano deseo de recuperar el Paraíso Perdido. La chica es, no obstante, un personaje más misterioso que Kit: nunca conoceremos sus verdaderas motivaciones, a no ser el afán de vivir una aventura por delegación (o como una observadora privilegiada) en la persona de Kit. Es el de Holly probablemente uno de los personajes más opacos de la carrera de Terrence Malick, y no atenúa en absoluto esta sensación el hecho de que el filme esté narrado por la voz en off de este personaje: pocas veces este recurso narrativo ha sido menos explicativo, menos redundante; una voz en off interiorizada, más cerca del monólogo interior que de la funcionalidad narrativa. 

Por el contrario, Kit no despertará en ningún momento de su sueño, la conducta que manifiesta, al contrario, parece ir infantilizándose conforme avanza el filme; de hecho, su detención parece ser para él su definitiva y tan ansiada entrada en el territorio de la leyenda. 

La evolución dramática de este personaje está muy vinculada con los condicionamientos socioeconómicos: Kit pertenece a uno de los oficios de más baja consideración en la sociedad, de hecho encargado de sus residuos, el de basurero (atiéndase a cómo siente la necesidad de justificarse ante Holly por su trabajo, señalando que no le importa madrugar), trabajo del que incluso será despedido. El abrupto trayecto de Kit no deja de ser el que él considera un ascenso social y su detención la última y necesaria etapa de ese ascenso: cuando habla por primera vez con el padre de Holly, obteniendo solo su desprecio, Kit ocupa una posición inferior en el plano respecto a él (éste está subido en una pequeña plataforma pintando un cartel); posteriormente, poco antes de matarle, momento inaugural del ascenso social por la vía criminal de Kit, las posiciones se han invertido: ahora es él quien está en la parte superior de las escaleras y el padre en la inferior. Es significativa, también, la imagen de Kit en la conclusión del filme subido triunfalmente al aeroplano estacionado, ofreciendo pertenencias personales a los soldados que le hacen diversas preguntas para saciar su curiosidad. Está dialéctica ascendente es recurrente en el filme: el globo que suelta Kit para perpetuar su memoria y la de Holly, el helicóptero en que son trasladados los dos jóvenes, recogido en contrapicado mientras se eleva, en la conclusión de la película,…. 

Inevitablemente, estas trayectorias opuestas acabarán por escindirse irreversiblemente. Cuando Holly se hastíe de la vida que lleva con Kit, no dudará en abandonarlo (acaso la única decisión que toma en el filme, pero al fin y al cabo una decisión en negativo, de no-acción, coherentemente al carácter extremadamente pasivo del personaje), del mismo modo que hace al principio de la película con su pez cuando enferma. Al final del filme, la distancia entre ellos es ya definitiva . 

Malick despliega un indudable talante conductista en el filme, una ausencia de cualquier tipo de psicologismo y de sentimentalismo. Contribuye enormemente a afianzar este tono deshumanizado, gélido, el hecho de que las andanzas de los protagonistas de Malas tierras están profundamente marcadas por la incomunicación, en sintonía con el temperamento muy poco explícito de la puesta en escena del cineasta. En este sentido, adquieren especial relevancia los casi siempre sencillos y muy adecuados diálogos del filme, que dicen mucho más por lo que callan que por lo que verbalizan: lo que hace terrible, por ejemplo, la escena del asesinato de Cato, el amigo de Kit, es menos el hecho mismo de la injustificada muerte del hombre que la intrascendente conversación que Holly mantiene con él poco antes de expirar, totalmente indiferente (se diría inconsciente) de lo que está pasando. 

(...)    La incomunicación predominante en Malas tierras afecta incluso a la relación que mantienen los protagonistas: tan solo al final de la película, Kit le dice a Holly que siente haber matado a su padre y que un día tendrán que hablar de ello (cosa que evidentemente no podrán hacer); Holly se sorprende de que se pueda conocer y simultáneamente desconocer a una misma persona, refiriéndose a Kit. 

En Malas tierras la mayor violencia proviene de esta incapacidad de la palabra para salvar las distancias entre los personajes, de la fragilidad del lenguaje como puente de comunicación entre ellos, como forma privilegiada de salir de su aislamiento (no es extraño que Holly diga en un determinado momento que tardaron cierto tiempo en darse cuenta de que un determinado personaje era sordomudo). Si los comportamientos de los protagonistas carecen de explicación, las palabras tampoco van a conceder el alivio de dársela. Nunca antes este tipo de personajes habían sido descritos tan cercanos al autismo, a la profunda soledad, como aquí. Soledad que impregna todo el filme: desde las calles desoladoramente vacías del principio del filme hasta los vastos y desérticos paisajes que atraviesan posteriormente los dos jóvenes. 

Primera muestra, pues, del discurso acerca de las relaciones entre la palabra y la imagen, que de forma subterránea pero extraordinariamente productiva recorre la filmografía de Terrence Malick, Malas tierras está narrada por una voz en off, correspondiente a Holly, que provoca una curiosa disgregación en el filme entre la diégesis y su verdadero motor narrativo: mientras en los sucesos que jalonan la aventura criminal de la pareja protagonista, el elemento activo es Kit, ejerciendo Holly un papel muy pasivo, rayano con la indolencia —como ya hemos apuntado—, el impulso narrativo del filme recae, sin embargo, en el relato que de esos hechos hace Holly, hasta el punto que la película parece teñida por la visión romántica y novelesca de esta adolescente de quince años. 

Esto es evidente en el momento, hacia el final de la película, en que la pareja se separa y Kit huye de la policía hasta su detención, sucesos narrados por Holly, aunque obviamente no participó en ellos, y por tanto producto de la recreación imaginativa e idealizada que ella ha hecho de ellos (hay detalles que lo evidencian: uno de los policías se sorprende del parecido de Kit con James Dean, al igual que al principio de la cinta lo había hecho Holly; o la imagen sigue las indicaciones de la voz en off de Holly: esta no cree que en la huida se pinchara la rueda del coche de Kit y la película muestra como este dispara a la misma); sin embargo, este filtro cabe sospechar que canalice no solo este fragmento sino toda la película. Si las acciones del filme pertenecen a Kit, aquel le concede la voz a Holly. 

Como pretendía Malick creó con la película "Un cuento de hadas para adultos" al margen de  la industria cinematográfica , en parte, porque sus películas están llenas de temas filosóficos y según el académico película Lloyd Michaels, otros temas como "el deseo del individuo aislado de trascendencia en medio de las instituciones sociales establecidas, la grandeza y la belleza virgen de la naturaleza, las demandas en competencia de instinto y la razón, y el atractivo de la carretera ". Malas tierras (1973) recibió un lugar en el libro de referencia de la película "1001 películas que debes ver antes de morir".

Es una película elegante es las formas, pero brutal en el fondo. Llena de imágenes bellísimas pero que supura pobreza física y mental, la de los protagonistas, envuelto en un tono que te encamina hacia el dolor dada la brutalidad existente. Los protagonistas no tienen maldad, pero es que no tienen ninguna empatía con sus víctimas, a las que , realmente, tampoco odian. Los protagonistas son encantadores por su simplicidad, su nula intención, quieren huir y huyen. Una gran película, aunque el modelo de Badlands, no la he visto en ningún momento.




miércoles, 6 de diciembre de 2017

Días del cielo


Había leído que nunca una película había hecho de la voz en off una parte esencial de la misma. Y la película es esta. Yo desde luego, pocas veces he visto una película en la que la banda sonora elegida por Ennio Morricone tiene un papel tan importante y , como no, esencial , maravillosa es la fotografía del español Néstor Almendros.

A Néstor Almendros, Guillermo Cabrera Infante dedica uno de sus capítulos del libro Cine o Sardina. De su voz decía el escrito cubano - fue amigo suyo durante casi medio siglo-  que su tono en ocasiones era seco ( debido a su padre castellano) , un poco catalán (debido a su madre), y cuando hablaba en inglés, tenía un leve acento cubano. Era además directo, informativo, deferente, y separaba cada palabra para que no hubiera duda de lo que decía.

Llegó a Cuba en  1948 para reunirse en La Habana con su padre, educador y exiliado español en la isla desde 1938. Néstor tení entones 17 años. Afirmaba el escritor en su libro que se conocieron en un curso de verano que montaba la Universidad de la Habana. "El cine nos reunió, el cine nos unió". Néstor, afirmaba el premio Cervantes, era el más viejo de mis amigos.

A Néstor parece ser que le asombraba  no sólo el número de cines, sino que el cine en Cuba fuese siempre en versión original, así como lo mucho que se escribía sobre el cine en la isla. 

Cabrera Infante revela que él siempre supo que Almendros sel dedicaría al cine, y en concreto, a lo que él consideraba el arte más difícil, la fotografía.

El joven fotógrafo homosexual se fue de Cuba con Batista y regresó con Castro, al que conocía de fotografiarlo en la cárcel de su exilio mexicano. Pronto se desilusionó con el fidelismo , según el escritor cubano, por ser   "el fascismo del pobre". Y eso una vez fundado junto con Cabrera y Germán Puig la Cinemateca de Cuba, el Instituo de Cine (ICAIC). Tras la salida de de su país de acogida, ante una nueva dictadura que imponía, incluso sus gustos sexuales, reprimiendo hasta las tendencias sexuales para acabar asignado como hombre de conductas impropias, como lo hacen todas, busca refugio en Europa, no sin pasar las penurias parisinas. 

Desde allí se convertirá en el director de fotografía de muchos de los grandes directores no sólo porque fotografía sus películas, sino por resolver todo lo demás. Atendía los problemas de maquillaje,  y vestuario, reescribía guiones, , trabajaba con el director antes y después del rodaje, y durante el mismo.  Para finalizar esta visión de Almendros por Guillermo Cabrera Infante destacaba ésta que dio él a la película su aura romántica.

Lo cierto es que Terrence Malick  contará con él en esta producción de Bert Schneider y Harold Schneider surgida bajo el amparo de la productora Paramount Pictures , encargada igualmente e la distribución y que contará con un presupuesto de $3,000,000.

La película sigue el guión de Terrence Malick que cuenta con la música de Ennio Morricone además de la fotografía Néstor Almendros y el montaje de Billy Weber.

En el reparto estarán presentes Richard Gere como Bill, Brooke Adams como su "hermana" Abby,  Sam Shepard como el  granjero,  Linda Manz como  Linda y Robert J. Wilke como el capataz de la granja. 

Junto a ellos están Jackie Shultis, amiga de Linda, Stuart Margolin que es el  capataz del molino, Timothy Scott, como un jornalero, Gene Bell como el bailarín, Doug Kershaw como el violinista,  Richard Libertini como el primer figura del voldevil. También participa Frenchie Lemond.  

La película empieza en Chicago, en una aceria de la ciudad de Illinois sobre el año 1916. En ella trabaja duramente Bill que tiene problemas con el capataz de la fábrica que le echa en cara su trabajo.

Finalmente, tras una reprimenda Bill golpea , derriba y ¿mata? a su jefe (Margolin) en la fábrica de acero donde trabaja y se va de la fábrica. Al llegar a casa descubrimos que vive con Abby, su joven pareja, y su hermana pequeña, Linda  (Manz), quien proporciona la narración de la película. 

Los tres , dadas las circunstancias  deciden abandonar la ciudad escapando de la pobreza y la dura vida de Chicago. 

Ahora el trío viaja hacia los grandes campos de trigo de Tejas, el Panhandle de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Bill y Abby fingen ser hermanos para evitar los chismes. Los tres contratan como parte de un gran grupo de trabajadores de temporada con un agricultor rico y tímido (Shepard). 

Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, al que hacen creer que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby. 

En Texas, en 1916, dos amantes que se hacen pasar por hermanos, deciden engañar a un terrateniente joven, a quien Bill cree que está  aquejado de una enfermedad que acabará con su vida en el plazo de un año. 

Antes de todo esto vamos viendo el trabajo duro de jornada completa, los bajos salarios, las sanciones por no realizar su trabajo en condiciones óptimas, la difícil convivencia en la pobreza con sus compañeros de jornal, las habladurías, los celos,  pero también el nacimiento de la amistad de Linda con otra chica, la belleza de la naturaleza con sus amaneceres y sus atardeceres, así como la fauna que convive virtuosamente con seres humanos y los animales domésticos.

Mientras esto ocurre, Bill la alienta a casarse con el granjero rico para que puedan heredar su dinero después de que muera. El muchacho, Bill (Richard Gere), convence a su amante Abby (Brooke Adams), para que se case con el terrateniente, y aprovecharse así de su fortuna. 

Tras muchas dudas el matrimonio tiene lugar y Bill se queda en la granja como el "hermano" de Abby. El capataz del granjero sospecha de su plan. 

Mientras la salud del agricultor permanece inesperadamente estable, va disfrutando de la compañí de Abby y de su nueva familia, sin saber la verdad de las relaciones furtivas entre esta y Bill, y de la fidelidad de éste mismo y sus oscuras ambiciones.

Bill viendo que sus planes se van frustrado, ya que las cosas no salen como tenían previstas, además no deja de sentirse atraído hacia su compañera, de tal manera que en un descuido las sospechas transmitidas por el capataz al propietario se concretan, cuando ve como la joven pareja se besa , mientras están presentes unos comediantes que han llegado en avión a la zona.

Ante el descubrimiento de la situación, Bill debe abandonar la explotación durante unas semanas, en las que la relación entre Abby y el patrón se intensifican, y así están las cosas hasta que Bill retorna.

El retorno a la granja la hace en moto desde Chicago, coincidiendo con una nueva campaña agrícola, en la que llega un buen número de jornaleros, como ellos, en la temporada anterior.

Durante la misma, el granjero vuelve a descubrir la verdadera relación de existente entre Bill y Abby. Al mismo tiempo, que Bill se da cuenta que Abby comienza a enamorarse realmente de su esposo.

Cuando la situación parece estabilizada poco a poco hacen su aparición un enjambre de saltamontes que comienzan a invadirlo todo en la finca. Para hacer frente al enjambre de langostas se aplican todos los medios posibles a su mano, pero durante la atención el dueño se vuelve loco con el fuego . Tras atacar a Bill con una lámpara el fuego prende en el trigal destruye los campos de mieses.

El granjero enfurecido, responsabilizando a Bill de lo ocurrido lo busca con un arma, pero Bill se enfrenta a él , clavándole  un destornillador. Tras su asesinato vemos a Bill  huyendo con Abby y Linda en el coche de la casa. 

El capataz, que en ocasiones anteriores había afirmado que para él su jefe era su hijo, da orden a la  policía y esta sale en su búsqueda. Ellos se dirigen río abajo, cambiando su vehículo por un barco con el que navegan hacia el sur.

Ellos parecen haber escapado, sin embargo, y finalmente los encuentran. Bill huye, pero es su huida es alcanzado por disparos de la policía. 

Más tarde, parece que Abby hereda el dinero del agricultor y toma la decisión de abandonar a Linda en un internado.

Cuando Abby sale de la ciudad en un tren junto con los soldados que parten a Europa para luchar en la Primera Guerra Mundial. 

Una madrugada Linda huye de la escuela con un amiga. Ella está ilusionada de ver a un soldado con el que dice salir, pero no es cierto. No hay nadie. Las dos chicas marchan a un destino incierto siguiendo las vías del tren. Así acaba la película 

La historia de la misma surge cuando Jacob Brackman presentó a su compañero productor Bert Schneider a Terrence Malick en 1975.

En un viaje a Cuba , Schneider y Malick comenzaron las conversaciones que conducirían al desarrollo de Days of Heaven . Days of Heaven iba a ser el segundo largometraje de Malick, después de la recepción entusiasta de Badlands (1973)

Malick había intentado y no consiguió que Dustin Hoffman o Al Pacino protagonizaran la película. Schneider acordó producir la película.

Él y Malick eligieron a los actores jóvenes Richard Gere y Brooke Adams y al actor / dramaturgo Sam Shepard para los papeles principales.

El CEO de Paramount Pictures en ese momento, Barry Diller, quería que Schneider estuviese involucrado en la película y accedió a financiar Days of Heaven . En ese momento, el estudio se dirigía en una nueva dirección. Ellos estaban contratando nuevos jefes de producción que habían trabajado en la televisión y, según el ex jefe de producción Richard Sylbert , querían "productos " rentables.

A pesar del cambio de dirección, Schneider pudo asegurar un acuerdo con Paramount al garantizar el presupuesto y asumir la responsabilidad personal de todos los excedentes. "Ese fue el tipo de ofertas que me gustaba hacer ... porque entonces podría tener el corte final y no hablarle a nadie sobre por qué vamos a usar a esta persona en lugar de a esa persona", dijo Schneider.

Malick admiraba el trabajo del director de fotografía Néstor Almendros desde que vio The Wild Child (1970) y quería que rodara Days of Heaven . Almendros quedó impresionado por el conocimiento de Malick sobre la fotografía y su disposición a usar poca iluminación de estudio. Los dos modelaron la fotografía  de la película después de ver  películas mudas , que a menudo usaban luz natural.

También, tal y como he dicho que decía de él Cabrera Infante, buscaban inspiración en otras facetas artísticas como la pintura. En este caso se inspiraron en la luz y el trabajo de  pintores como holandeses como Johannes Vermeer , norteamericanos como Edward Hopper (en particular, su House by the Railroad ) y Andrew Wyeth , así como fotorreporteros de principios del siglo XX.  A mi algunas me han recordado el Angelus de Jean François Millet.


La producción comenzó en el otoño de 1976.  Aunque la película se ambientara en Texas, los exteriores se filmaron en Whiskey Gap, Alberta , un pueblo fantasma, y ​​se filmó una escena final en los terrenos de Heritage Park Historical Village, en Calgary .

Jack Fisk diseñó y construyó la mansión a partir de madera contrachapada en los campos de trigo y las casas más pequeñas donde vivían los trabajadores. La mansión no era una fachada, como era costumbre, sino auténticamente recreado por dentro y por fuera con colores de época: marrón, caoba y madera oscura para los interiores.

Patricia Norris diseñó e hizo los trajes de época con telas usadas y ropa vieja para evitar el aspecto artificial de los trajes hechos en estudio.

Según Almendros, la producción no estaba "rígidamente preparada", lo que permite la improvisación. Las hojas de llamadas diarias no eran muy detalladas y el horario cambió para adaptarse al clima. Esto molestó a algunos miembros del equipo de Hollywood que no estaban acostumbrados a trabajar de esta manera.

La mayoría del equipo estaba acostumbrada a un "estilo de fotografía brillante" y se sentía frustrado porque Almendros no les dio mucho trabajo.  A diario, les pidió que apagaran las luces que habían preparado para él. Algunos miembros del equipo dijeron que Almendros y Malick no sabían lo que estaban haciendo. La tensión llevó a que parte del equipo de imagen abandonara la producción.

Malick apoyó lo que Almendros estaba haciendo e impulsó aún más el aspecto de la película, quitando más elementos de iluminación y dejando la imagen al descubierto como un elemento más de la narración.

Debido a las regulaciones sindicales en América del Norte, Almendros no tenía permitido operar la cámara. Con Malick, planearía y ensayaría los movimientos de la cámara y los actores. Almendros se paraba cerca de la cámara principal y daba instrucciones a los operadores de la cámara.

Lo peor de todo es que Almendros estaba perdiendo gradualmente la vista cuando comenzó el rodaje. Para evaluar sus configuraciones, "hizo que uno de sus asistentes tomara Polaroids de la escena, luego los examinó a través de lentes muy potentes".

Según Almendros, Malick quería "una película muy visual. La historia se contaba a través de imágenes. Muy pocas personas realmente quieren darle prioridad a la imagen. Generalmente el director da prioridad a los actores y la historia, pero aquí el la historia fue contada a través de imágenes ".

Gran parte de la película se rodaría durante la llamada " hora mágica" , lo que Almendros llamó: "un eufemismo, porque no es una hora, sino alrededor de 25 minutos como máximo. Es el momento en que se pone el sol, y después de que se pone el sol y antes de que noche. El cielo tiene luz, pero no hay sol real. La luz es muy suave, y hay algo mágico en eso. Nos limitaba a unos veinte minutos al día, pero pagaba en la pantalla. Dio algún tipo de de apariencia mágica, una belleza y romanticismo ".

La iluminación fue parte integral de la filmación y ayudó a evocar la calidad pictórica de los paisajes de la película. La gran mayoría de las escenas fueron filmadas a última hora de la tarde o después de la puesta de sol, con el cielo recortando las caras de los actores, lo que de otra manera sería difícil de ver.

Las escenas interiores que presentan luz proveniente del exterior, se tomaron con luz artificial para mantener la consistencia de esa luz intrusa. El "aspecto mágico", sin embargo, también se extendería a las escenas interiores, que ocasionalmente utilizaban la luz natural.

Para el plano de la secuencia de "langostas", donde los insectos se elevan hacia el cielo, los realizadores de películas arrojaron cáscaras de maní desde unos helicópteros. Hicieron que los actores caminaran hacia atrás mientras corrían la película en reversa a través de la cámara. Cuando se proyectó, todo avanzó, excepto las langostas.

Para los primeros planos y las inyecciones de inserción, se utilizaron miles de langostas vivas que habían sido capturadas y suministradas por el Departamento de Agricultura de Canadá.

Si bien la fotografía dio al director resultados satisfactorios de manera crítica, el resto de la producción fue difícil desde el principio.

Según los informes, los actores y la tripulación vieron a Malick como un hombre frío y distante. Después de dos semanas de rodaje, Malick estaba tan decepcionado con los diarios, que "decidió tirar el guión, ir a Leo Tolstoi en lugar de a Fyodor Dostoyevsky , ancho en lugar de millas profundas de película con la esperanza de resolver los problemas en el sala de edición ".

Las cosechadoras se rompieron constantemente, lo que provocó que los rodajes  comenzaran a última hora de la tarde, permitiendo solo unas pocas horas de luz antes de que fuera demasiado oscuro para continuar.

Un día, dos helicópteros fueron programados para lanzar proyectiles de maní que simulaban langostas en una película; sin embargo, Malick decidió disparar autos de época en su lugar. Mantuvo los helicópteros en espera lo que supuso un gran costo.

La producción se estaba retrasando e inversamente aumentaba en sus costes que excedían el presupuesto de $ 3,000,000 en aproximadamente $ 800,000, y Schneider ya había hipotecado su casa para cubrir los excedentes.

La producción se retrasó tanto que que tanto Almendros como el operador de cámara John Bailey tuvieron que partir debido a un compromiso previo con The Man Who Loved Women (1977) de François Truffaut .

Almendros en ese caso eligió como director de fotografía a Haskell Wexler para completar la película. Trabajaron juntos durante una semana para que Wexler pudiera familiarizarse con el estilo visual de la película. Wexler tuvo cuidado de igualar el trabajo de Almendros, pero hizo algunas excepciones. "Hice algunas tomas manuales en un Panaflex", dijo, "[para] la apertura de la película en la fábrica de acero. Usé algo de difusión. Néstor no utilizó ninguna difusión. Me sentí muy culpable al usar la difusión y tener la sensación de violar a un compañero camarógrafo ".

Aunque la mitad de la imagen final fue un metraje filmado por Wexler, recibió solo un crédito por "fotografía adicional", para su disgusto. El crédito le negó la posibilidad de obtener un Premio de la Academia por su trabajo en Días del Cielo .

Wexler envió al crítico de cine Roger Ebert una carta "en la que describió que estaba sentado en un cine con un cronómetro para demostrar que más de la mitad del metraje" era suyo.

Después de completar la fotografía principal, el proceso de edición tomó más de dos años en completarse.  Malick tuvo dificultades para dar forma a la película y hacer que las piezas se combinaran.

Según los informes, Schneider mostró algunas imágenes al director Richard Brooks, que estaba considerando a Gere para un papel en Looking for Mr. Goodbar . Según Schneider, la edición de Days of Heaven llevó tanto tiempo que "Brooks eligió a Gere, lo filmó, lo editó y lo lanzó [mientras buscaba a Mr. Goodbar ] mientras Malick seguía editando".

Se produjo un gran avance cuando Malick experimentó con las voces en off del personaje de Linda Manz, similar a lo que había hecho con Sissy Spacek en Badlands .

Según el editor Billy Weber , Malick se deshizo de gran parte del diálogo de la película y lo reemplazó con la voz en off de Manz, que sirvió como comentario oblicuo de la historia.

Después de un año, Malick tuvo que llamar a los actores a Los Ángeles, California, para filmar algunas escenas que eran necesarios pero que no habían sido filmados en Alberta.

La película final incluye, por lo tanto, primeros planos de Shepard que fueron filmados bajo un paso elevado de la autopista. El disparo submarino de la cara caída de Gere en el río fue filmado en un gran acuario en la sala de estar de Spacek.

Mientras tanto, Schneider estaba decepcionado con Malick. Se había enfrentado a Malick en numerosas ocasiones por incumplimiento de plazos y promesas incumplidas. Debido a los excesos de costos adicionales, tenía  que pedirle a Paramount más dinero, lo que prefirió no hacer. Cuando proyectaron una demo para Paramount e hicieron su presentación, el estudio quedó impresionado y según los informes "le dio a Malick un trato muy dulce en el estudio, carta blanca, esencialmente".

Malick no pudo capitalizar el trato. Estaba tan agotado por trabajar en la película que se mudó a París con su novia. Trató de desarrollar otro proyecto para Paramount, pero después de una cantidad sustancial de trabajo, lo abandonó. No hizo otra película hasta The Thin Red Line de 1998, veinte años después.

La banda sonora de Days of Heaven es un fuerte reflejo del contexto de la película. Ennio Morricone proporcionó la partitura de la película y recibió su primera nominación al Premio de la Academia en su carrera como compositor de bandas sonoras por su trabajo en la película.

Morricone recordó el proceso como "exigente" y dijo de Malick: "No me conocía muy bien, por lo que hizo sugerencias y, en algunos casos, dio soluciones musicales. Esto me molestaba porque él diga: 'Esto ... intentarlo con tres flautas'. ¡Algo imposible! Entonces, para complacerlo, lo haría con tres flautas y luego él decidiría usar mi versión después de todo. Era imposible o lo habría escrito yo mismo. Y más quisquilloso como eso, lo que significa que era muy atento y cuidadoso con la música ".

La partitura se centra en tres temas principales: el tema principal, que hace referencia a " Acuario ", el séptimo movimiento del Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns , una "melodía pastoral" para la flauta y finalmente un tema de amor .

La banda sonora fue remasterizado y relanzado en julio de 2011 en el sello Film Score Monthly , en una edición de dos discos y con extractos de la narración de Manz.

Se sumaron dos canciones adicionales que fueron contribuidas por el guitarrista Leo Kottke . Kottke fue abordado originalmente por Malick para todo el puntaje, pero declinó.

La película en gran medida está contada en una voz en off por Linda, la hermana de Bill, y es una de los mejores ejemplos de utilización de este recurso. Resulta nostálgica y evocadora, porque da cuenta de aquellos años como si fueran una especie de paraíso perdido, unos "Días del cielo", o "Días en la gloria", que inevitablemente tienen su fin.

Con esta película Malick ahondaba en su estilo, al mismo tiempo que se aleja por completo de los cánones comerciales, lo que lo convertía en uno de los máximos representantes del cine independiente norteamericano.

Days of Heaven recibió críticas positivas sobre su lanzamiento teatral original; su fotografía fue ampliamente elogiada, aunque un pequeño número de críticos consideró que solo este aspecto merecía grandes elogios.

Days of Heaven  tuvo su estreno  el 13 de septiembre de 1978. Más tarde se estrenó en el Festival de Cannes , en 1979, donde Malick ganó el premio al Mejor Director, lo que le convirtió en el primer director estadounidense en ganar el premio desde Jules Dassin en 1955 para Rififi ( en una victoria conjunta compartida con otros dos directores).

La película fue un fracaso comercial: su recaudación bruta de $ 3,446,749 fue solo un poco más de lo que costó hacer la película ($ 3 millones), pero Charles Bluhdorn, quien dirigió la empresa matriz de Paramount, Gulf + Western, lo amaba tanto que le ofreció a Malick $ 1 millón para su próximo proyecto, fuera lo que fuese.

La reacción crítica inicialmente varió. Muchos críticos encontraron la película visualmente hermosa, pero otros encontraron un defecto en la debilidad percibida de su historia.

Dave Kehr de The Chicago Reader ofreció una crítica positiva y escribió: "El segundo largometraje brillante  de Terrence Malick es una historia de vidas humanas tocadas y desbordadas por lo divino, narradas con imágenes impresionantes y precisas. La cinematografía de Nestor Almendros es tan nítida y vívida, ya que la narración de Malick es elíptica y enigmática. El resultado es una película que se encuentra más allá de nuestro alcance: misteriosa, hermosa y, muy posiblemente, una obra maestra ".

Variety dijo de  la película que era "uno de los grandes logros cinematográficos de la década de 1970".

Gene Siskel de The Chicago Tribune también escribió que la película "realmente prueba el poder de descripción de un crítico de cine ... Algunos críticos se han quejado de que la historia de Days of Heaven es demasiado leve. Supongo que lo es, pero, francamente, tú no lo pienses mientras la película se está reproduciendo ".

Frank Rich de la revista Time escribió: " Days of Heaven es exuberante con imágenes brillantes".  El periódico pasó a nombrar una de las mejores películas de 1978. Por su parte, Nick Schager de Slant Magazine lo ha llamado "la película más grande jamás hecha".

Mientras tanto, los detractores apuntaban a la dirección de la historia de la historia y la estructura. En su reseña de The New York Times , Harold C. Schonberg escribió: " Days of Heaven nunca se decide realmente qué quiere ser. Termina siendo algo entre una pastoral de Texas y Cavalleria Rusticana . Detrás de lo que básicamente es un convencional la trama es todo tipo de técnicas de cineaste sofisticadas y autoconscientes ".

Además, Monica Eng del Chicago Tribune criticó la falta de una trama significativa y declaró que "la historia se vuelve secundaria a los efectos visuales".

Roger Ebert del Chicago Sun-Times respondió a estas críticas diciendo: "Days of Heaven" de Terrence Malick ha sido elogiada por sus imágenes pictóricas y su música  evocadora, pero criticada por sus emociones apagadas: aunque las pasiones brotan en un triángulo de amor mortal, todos los sentimientos se mantienen de alguna manera en condiciones de igualdad. Esta observación es lo suficientemente cierta, si solo piensas en las acciones de los adultos en la historia. Pero al ver esta película de 1978 nuevamente, me llamó la atención más que nunca con la convicción de que esta es la historia de una adolescente, contada por ella, y su tema es la forma en que la esperanza y la alegría han sido derribadas en su corazón. No sentimos la pasión total de los adultos porque no es su pasión: se ve a distancia, como un fenómeno, como el clima, o la plaga de saltamontes que señala el comienzo del fin.

En España  Carlos Boyero publicó en  El Mundo que "[Junto a 'Malas tierras'] me parecen dos obras maestras, auténticamente líricas, inquietantes, insólitas."

En Fotogramas se destaca que el "segundo largometraje de Malick, donde incidió en el clima enfermizo que había caracterizado "Malas tierras". En esta ocasión consiguió un film más conseguido formalmente pero menos inspirado. Pese a ello, mantiene la atmósfera desencantada por encima de los excesos esteticistas de su preciosista y oscarizada fotografía.

En Espinof Aseián Massanet comienza con las palabras de Linda que dice " Nadie es perfecto. No hay gente por ahí perfecta. Todo el mundo tiene medio demonio y medio ángel dentro".

Con esta cita  Massanet  película a la que él considera el lirismo de los miserables. Afirma que "Si algunos cinéfilos (y no pocos analistas) consideran ‘Días del cielo’ como una película preciosista, pero también sosa y pagada de sí misma, por la innegable belleza de sus prístinas imágenes, por el extraño tono que Malick imprime a su mirada, y por la insólita dirección de actores que despliega, quizá otros podríamos desarrollar la percepción de que esta historia de falsos hermanos amantes, que deciden sacrificar su amor para librarse de una terrible pobreza y desesperanza, es una evidente parábola sobre el cielo y el infierno, evidenciada en todos y cada uno de sus elementos. De hecho, el cielo y el infierno se dan la mano en este relato, de manera eminentemente visual, y nunca moralizadora. Y en realidad, más que parábolas, sus imágenes nos advierten que el cielo y el infierno están aquí, en la Tierra. Y que tanto los demonios como los ángeles viven juntos". 

Massanet dice , acertadamente, que se trata de " Una sinfonía a tres voces"  "A saber: la adoración del marido por su mujer pero también su desconfianza por su relación con su supuesto hermano, el cargo de conciencia de Abby y a la vez su amor por ambos hombres, y los crecientes celos y vacío vital de Bill. La pequeña Linda, hermana de Bill (¿será ésta una hermana auténtica, o tampoco?), ejercerá de punto de vista, con su condición entre la infancia y la adolescencia. Su mirada es nuestra mirada, y en parte también la del director. También se inicia una apasionante relación de amistad truncada entre el Granjero y Bill. Es apasionante observar al hombre privilegiado compartir su tiempo con el paria, y también cómo, a pesar de la paciencia y la bondad del primero, el rencor y la ira del segundo por la vida que le ha tocado vivir hará que todo termine en tragedia."

Y continua el articulista diciendo "De esta manera, los tres parias conocen en verdad el cielo en la Tierra, que no es otro que la riqueza y la ausencia de problemas materiales. Tal como asegura la perspicaz Linda, los ricos lo tienen muy fácil. Pero Bill se siente muy solo, en esa abundancia. A pesar de que por fin puede descansar y no tiene que trabajar para comer, pone en peligro ese “cielo” al no querer renunciar a Abby". 

Lo narrativo, o convencional, deja paso a la imagen como figura absoluta, carente de significado por parte del director, pues el espectador es invitado a dotarlas del significado que le otorguen sus propias sensaciones. Así como la contenida dirección de los actores también da pie a que sea el espectador el que aporte sus propios sentimientos. La sencillez es absoluta: tres voces; pero la conmoción que provoca en el espectador es compleja y profunda. Pero no nos pone las imágenes en bandeja el director, como podría creerse. 

Las repetidas imágenes contrapicadas del Granjero podían dar una obvia idea de qué significa este personaje, pero también hay planos de igual índole para Bill. Hacia la hora de película, tenemos un asombroso plano, en el que podemos ver, desde dentro de la tierra, cómo nace y crece la semilla del cereal, para ser arrancada después por el capataz, quien observa la evolución de las cosechas. Pronto hay una nueva recogida. 

En otra entrada Adrián Massanet  nos comenta que Días del cielo’ no es un itinerario suicida como ‘Malas Tierras’, sino un relato lírico y aparentemente estático sobre las miserias de la pobreza. (---)  Los títulos de crédito de esta película ya son una declaración de principios, estética y filosóficamente. Imágenes auténticas de la época (Chicago, 1916), aunque nunca se dan estos datos en la película, en las que observamos a pobres y a ricos, a los deshechos de la sociedad y a los que han medrado en ella, todo mezclado con las instantáneas de enormes edificios y construcciones que empequeñecen a la gente. De fondo, la música de Morricone le da un toque de cuento de hadas melancólico. 

Comienza la voz en off de Linda en el mismo momento en que Bill descubre que le ha asesinado. Este nuevo nivel narrativo desactiva completamente el sonido ambiente, pero de alguna forma potencia la violencia trágica de esta primera escena larga. Dice el director que si las imágenes van por un lado y la voz en off por otro, resulta algo mucho más interesante, y tiene mucha razón. 

Malick confía plenamente en la imagen como un absoluto, no como una mera herramienta narrativa con la que construir el tiempo, sino con la que el tiempo se detiene y se vuelve sobre sí mismo, pues para él merece la pena detenerse en lo que significan y en lo que sugieren, sacrificando así la misma sustancia conque está hecha la imagen, y haciéndola levitar, literalmente, haciéndola volar sobre el suelo. La secuencia de ‘Días del cielo’ parece un sueño que flota sobre la conciencia del espectador, acosando su consciencia. Pero es un relato de una materia muy sencilla, sin dobleces. 

No fue un éxito comercial significativo, pero sí ganó un Premio de la Academia a la Mejor fotografía junto con tres nominaciones para la música , diseño de vestuario y sonido ( John Wilkinson , Robert W. Glass, Jr. , John T. Reitz y Barry Thomas ).  Sólo consiguió un Oscar, al español Néstor Almendros por su fotografía.

Malick también ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes siendo la película nominada a la Palma de Oro

En los Premios BAFTA recibió el Premio Anthony Asquith a la mejor música

Tuvo dos nominaciones al Globo de Oro al mejor drama y al mejor director . Ganó dos Premios David di Donatello al mejor actor (Richard Gere) y al mejor guión extranjero.

En los National Board of Review obtuvo el de mejor película y en el Círculo de Críticos de Nueva York obtuvo el de mejor director, auque obtuvo también dos nominaciones. El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión original drama .

Days of Heaven se ha convertido en una de las películas más aclamadas de su década, especialmente notable por su trabajo de fotografía.



En 2007, fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el National Film Registry por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".


La película continúa apareciendo en las encuestas de las mejores películas que se hayan hecho , y apareció en el n. ° 49 en una encuesta de la BBC sobre las mejores películas estadounidenses.

En 2012, la revista Time incluyó la película entre las 20 mejores " de las 100 mejores películas " según  la revista.

Ese mismo año, Days of Heaven ocupó el puesto # 112 en la encuesta decenal de la crítica del Sight & Sound del British Film Institute sobre las mejores películas de todos los tiempos,  y # 132 en la encuesta de directores de la misma revista.​ 

La pelíucla ha sido valorada como lo que es, hermosa y poética película sobre la América rural en los años precedente a la intervención americana en la Primera Guerra Mundial.

A destacar como dijo ya en su momento Cabrera Infante el aura romántica de la fotografía del español, catalán, cubano y europeo - se puede ser todo a la vez sin que te de un sarpullido-  de Nestor Almendros por el que logró el Oscar por su magnífico trabajo y utilización de la luz natural para subrayar el dramatismo de la historia.

La película es  una acertada reflexión sobre la vida de la gente, sobre la miseria y la gloria de las  gentes de toda condición, sobre el amor y la belleza, la cercana y la  desconocida y sobre las vías de escape hacia la salida del abismo. A destacar igualmente el brillante uso de las frases musicales , incluyendo en la misma esa voz en off que nos acerca a las cosas así como las grandes interpretaciones de los dos grandes masculinos, uno de ellos la del fallecido este año, Sam Sheppard, un hombre de letras que encajaba magníficamente en el western.  Gran y poética película.