Había leído que nunca una película había hecho de la voz en off una parte esencial de la misma. Y la película es esta. Yo desde luego, pocas veces he visto una película en la que la banda sonora elegida por Ennio Morricone tiene un papel tan importante y , como no, esencial , maravillosa es la fotografía del español Néstor Almendros.
A Néstor Almendros, Guillermo Cabrera Infante dedica uno de sus capítulos del libro Cine o Sardina. De su voz decía el escrito cubano - fue amigo suyo durante casi medio siglo- que su tono en ocasiones era seco ( debido a su padre castellano) , un poco catalán (debido a su madre), y cuando hablaba en inglés, tenía un leve acento cubano. Era además directo, informativo, deferente, y separaba cada palabra para que no hubiera duda de lo que decía.
Llegó a Cuba en 1948 para reunirse en La Habana con su padre, educador y exiliado español en la isla desde 1938. Néstor tení entones 17 años. Afirmaba el escritor en su libro que se conocieron en un curso de verano que montaba la Universidad de la Habana. "El cine nos reunió, el cine nos unió". Néstor, afirmaba el premio Cervantes, era el más viejo de mis amigos.
A Néstor parece ser que le asombraba no sólo el número de cines, sino que el cine en Cuba fuese siempre en versión original, así como lo mucho que se escribía sobre el cine en la isla.
Cabrera Infante revela que él siempre supo que Almendros sel dedicaría al cine, y en concreto, a lo que él consideraba el arte más difícil, la fotografía.
El joven fotógrafo homosexual se fue de Cuba con Batista y regresó con Castro, al que conocía de fotografiarlo en la cárcel de su exilio mexicano. Pronto se desilusionó con el fidelismo , según el escritor cubano, por ser "el fascismo del pobre". Y eso una vez fundado junto con Cabrera y Germán Puig la Cinemateca de Cuba, el Instituo de Cine (ICAIC). Tras la salida de de su país de acogida, ante una nueva dictadura que imponía, incluso sus gustos sexuales, reprimiendo hasta las tendencias sexuales para acabar asignado como hombre de conductas impropias, como lo hacen todas, busca refugio en Europa, no sin pasar las penurias parisinas.
Desde allí se convertirá en el director de fotografía de muchos de los grandes directores no sólo porque fotografía sus películas, sino por resolver todo lo demás. Atendía los problemas de maquillaje, y vestuario, reescribía guiones, , trabajaba con el director antes y después del rodaje, y durante el mismo. Para finalizar esta visión de Almendros por Guillermo Cabrera Infante destacaba ésta que dio él a la película su aura romántica.
Lo cierto es que Terrence Malick contará con él en esta producción de Bert Schneider y Harold Schneider surgida bajo el amparo de la productora
Paramount Pictures
, encargada igualmente e la distribución y que contará con un presupuesto de $3,000,000.
La película sigue el guión de Terrence Malick que cuenta con la música de Ennio Morricone
además de la fotografía
Néstor Almendros y el montaje de Billy Weber.
En el reparto estarán presentes Richard Gere como Bill, Brooke Adams como su "hermana" Abby, Sam Shepard como el granjero, Linda Manz como Linda y Robert J. Wilke como el capataz de la granja.
Junto a ellos están Jackie Shultis, amiga de Linda, Stuart Margolin que es el capataz del molino, Timothy Scott, como un jornalero, Gene Bell como el bailarín, Doug Kershaw como el violinista, Richard Libertini como el primer figura del voldevil. También participa Frenchie Lemond.
La película empieza en Chicago, en una aceria de la ciudad de Illinois sobre el año 1916. En ella trabaja duramente Bill que tiene problemas con el capataz de la fábrica que le echa en cara su trabajo.
Finalmente, tras una reprimenda Bill golpea , derriba y ¿mata? a su jefe (Margolin) en la fábrica de acero donde trabaja y se va de la fábrica. Al llegar a casa descubrimos que vive con Abby, su joven pareja, y su hermana pequeña, Linda (Manz), quien proporciona la narración de la película.
Los tres , dadas las circunstancias deciden abandonar la ciudad escapando de la pobreza y la dura vida de Chicago.
Ahora el trío viaja hacia los grandes campos de trigo de Tejas, el Panhandle de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Bill y Abby fingen ser hermanos para evitar los chismes. Los tres contratan como parte de un gran grupo de trabajadores de temporada con un agricultor rico y tímido (Shepard).
Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, al que hacen creer que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby.
En Texas, en 1916, dos amantes que se hacen pasar por hermanos, deciden engañar a un terrateniente joven, a quien Bill cree que está aquejado de una enfermedad que acabará con su vida en el plazo de un año.
Antes de todo esto vamos viendo el trabajo duro de jornada completa, los bajos salarios, las sanciones por no realizar su trabajo en condiciones óptimas, la difícil convivencia en la pobreza con sus compañeros de jornal, las habladurías, los celos, pero también el nacimiento de la amistad de Linda con otra chica, la belleza de la naturaleza con sus amaneceres y sus atardeceres, así como la fauna que convive virtuosamente con seres humanos y los animales domésticos.
Mientras esto ocurre, Bill la alienta a casarse con el granjero rico para que puedan heredar su dinero después de que muera. El muchacho, Bill (Richard Gere), convence a su amante Abby (Brooke Adams), para que se case con el terrateniente, y aprovecharse así de su fortuna.
Tras muchas dudas el matrimonio tiene lugar y Bill se queda en la granja como el "hermano" de Abby. El capataz del granjero sospecha de su plan.
Mientras la salud del agricultor permanece inesperadamente estable, va disfrutando de la compañí de Abby y de su nueva familia, sin saber la verdad de las relaciones furtivas entre esta y Bill, y de la fidelidad de éste mismo y sus oscuras ambiciones.
Bill viendo que sus planes se van frustrado, ya que las cosas no salen como tenían previstas, además no deja de sentirse atraído hacia su compañera, de tal manera que en un descuido las sospechas transmitidas por el capataz al propietario se concretan, cuando ve como la joven pareja se besa , mientras están presentes unos comediantes que han llegado en avión a la zona.
Ante el descubrimiento de la situación, Bill debe abandonar la explotación durante unas semanas, en las que la relación entre Abby y el patrón se intensifican, y así están las cosas hasta que Bill retorna.
El retorno a la granja la hace en moto desde Chicago, coincidiendo con una nueva campaña agrícola, en la que llega un buen número de jornaleros, como ellos, en la temporada anterior.
Durante la misma, el granjero vuelve a descubrir la verdadera relación de existente entre Bill y Abby. Al mismo tiempo, que Bill se da cuenta que Abby comienza a enamorarse realmente de su esposo.
Cuando la situación parece estabilizada poco a poco hacen su aparición un enjambre de saltamontes que comienzan a invadirlo todo en la finca. Para hacer frente al enjambre de langostas se aplican todos los medios posibles a su mano, pero durante la atención el dueño se vuelve loco con el fuego . Tras atacar a Bill con una lámpara el fuego prende en el trigal destruye los campos de mieses.
El granjero enfurecido, responsabilizando a Bill de lo ocurrido lo busca con un arma, pero Bill se enfrenta a él , clavándole un destornillador. Tras su asesinato vemos a Bill huyendo con Abby y Linda en el coche de la casa.
El capataz, que en ocasiones anteriores había afirmado que para él su jefe era su hijo, da orden a la policía y esta sale en su búsqueda. Ellos se dirigen río abajo, cambiando su vehículo por un barco con el que navegan hacia el sur.
Ellos parecen haber escapado, sin embargo, y finalmente los encuentran. Bill huye, pero es su huida es alcanzado por disparos de la policía.
Más tarde, parece que Abby hereda el dinero del agricultor y toma la decisión de abandonar a Linda en un internado.
Cuando Abby sale de la ciudad en un tren junto con los soldados que parten a Europa para luchar en la Primera Guerra Mundial.
Una madrugada Linda huye de la escuela con un amiga. Ella está ilusionada de ver a un soldado con el que dice salir, pero no es cierto. No hay nadie. Las dos chicas marchan a un destino incierto siguiendo las vías del tren. Así acaba la película
La historia de la misma surge cuando Jacob Brackman presentó a su compañero productor Bert Schneider a Terrence Malick en 1975.
En un viaje a Cuba , Schneider y Malick comenzaron las conversaciones que conducirían al desarrollo de Days of Heaven . Days of Heaven iba a ser el segundo largometraje de Malick, después de la recepción entusiasta de Badlands (1973)
Malick había intentado y no consiguió que Dustin Hoffman o Al Pacino protagonizaran la película. Schneider acordó producir la película.
Él y Malick eligieron a los actores jóvenes Richard Gere y Brooke Adams y al actor / dramaturgo Sam Shepard para los papeles principales.
El CEO de Paramount Pictures en ese momento, Barry Diller, quería que Schneider estuviese involucrado en la película y accedió a financiar Days of Heaven . En ese momento, el estudio se dirigía en una nueva dirección. Ellos estaban contratando nuevos jefes de producción que habían trabajado en la televisión y, según el ex jefe de producción Richard Sylbert , querían "productos " rentables.
A pesar del cambio de dirección, Schneider pudo asegurar un acuerdo con Paramount al garantizar el presupuesto y asumir la responsabilidad personal de todos los excedentes. "Ese fue el tipo de ofertas que me gustaba hacer ... porque entonces podría tener el corte final y no hablarle a nadie sobre por qué vamos a usar a esta persona en lugar de a esa persona", dijo Schneider.
Malick admiraba el trabajo del director de fotografía Néstor Almendros desde que vio The Wild Child (1970) y quería que rodara Days of Heaven . Almendros quedó impresionado por el conocimiento de Malick sobre la fotografía y su disposición a usar poca iluminación de estudio. Los dos modelaron la fotografía de la película después de ver películas mudas , que a menudo usaban luz natural.
También, tal y como he dicho que decía de él Cabrera Infante, buscaban inspiración en otras facetas artísticas como la pintura. En este caso se inspiraron en la luz y el trabajo de pintores como holandeses como Johannes Vermeer , norteamericanos como Edward Hopper (en particular, su House by the Railroad ) y Andrew Wyeth , así como fotorreporteros de principios del siglo XX. A mi algunas me han recordado el Angelus de Jean François Millet.
La producción comenzó en el otoño de 1976. Aunque la película se ambientara en Texas, los exteriores se filmaron en Whiskey Gap, Alberta , un pueblo fantasma, y se filmó una escena final en los terrenos de Heritage Park Historical Village, en Calgary .
Jack Fisk diseñó y construyó la mansión a partir de madera contrachapada en los campos de trigo y las casas más pequeñas donde vivían los trabajadores. La mansión no era una fachada, como era costumbre, sino auténticamente recreado por dentro y por fuera con colores de época: marrón, caoba y madera oscura para los interiores.
Patricia Norris diseñó e hizo los trajes de época con telas usadas y ropa vieja para evitar el aspecto artificial de los trajes hechos en estudio.
Según Almendros, la producción no estaba "rígidamente preparada", lo que permite la improvisación. Las hojas de llamadas diarias no eran muy detalladas y el horario cambió para adaptarse al clima. Esto molestó a algunos miembros del equipo de Hollywood que no estaban acostumbrados a trabajar de esta manera.
La mayoría del equipo estaba acostumbrada a un "estilo de fotografía brillante" y se sentía frustrado porque Almendros no les dio mucho trabajo. A diario, les pidió que apagaran las luces que habían preparado para él. Algunos miembros del equipo dijeron que Almendros y Malick no sabían lo que estaban haciendo. La tensión llevó a que parte del equipo de imagen abandonara la producción.
Malick apoyó lo que Almendros estaba haciendo e impulsó aún más el aspecto de la película, quitando más elementos de iluminación y dejando la imagen al descubierto como un elemento más de la narración.
Debido a las regulaciones sindicales en América del Norte, Almendros no tenía permitido operar la cámara. Con Malick, planearía y ensayaría los movimientos de la cámara y los actores. Almendros se paraba cerca de la cámara principal y daba instrucciones a los operadores de la cámara.
Lo peor de todo es que Almendros estaba perdiendo gradualmente la vista cuando comenzó el rodaje. Para evaluar sus configuraciones, "hizo que uno de sus asistentes tomara Polaroids de la escena, luego los examinó a través de lentes muy potentes".
Según Almendros, Malick quería "una película muy visual. La historia se contaba a través de imágenes. Muy pocas personas realmente quieren darle prioridad a la imagen. Generalmente el director da prioridad a los actores y la historia, pero aquí el la historia fue contada a través de imágenes ".
Gran parte de la película se rodaría durante la llamada " hora mágica" , lo que Almendros llamó: "un eufemismo, porque no es una hora, sino alrededor de 25 minutos como máximo. Es el momento en que se pone el sol, y después de que se pone el sol y antes de que noche. El cielo tiene luz, pero no hay sol real. La luz es muy suave, y hay algo mágico en eso. Nos limitaba a unos veinte minutos al día, pero pagaba en la pantalla. Dio algún tipo de de apariencia mágica, una belleza y romanticismo ".
La iluminación fue parte integral de la filmación y ayudó a evocar la calidad pictórica de los paisajes de la película. La gran mayoría de las escenas fueron filmadas a última hora de la tarde o después de la puesta de sol, con el cielo recortando las caras de los actores, lo que de otra manera sería difícil de ver.
Las escenas interiores que presentan luz proveniente del exterior, se tomaron con luz artificial para mantener la consistencia de esa luz intrusa. El "aspecto mágico", sin embargo, también se extendería a las escenas interiores, que ocasionalmente utilizaban la luz natural.
Para el plano de la secuencia de "langostas", donde los insectos se elevan hacia el cielo, los realizadores de películas arrojaron cáscaras de maní desde unos helicópteros. Hicieron que los actores caminaran hacia atrás mientras corrían la película en reversa a través de la cámara. Cuando se proyectó, todo avanzó, excepto las langostas.
Para los primeros planos y las inyecciones de inserción, se utilizaron miles de langostas vivas que habían sido capturadas y suministradas por el Departamento de Agricultura de Canadá.
Si bien la fotografía dio al director resultados satisfactorios de manera crítica, el resto de la producción fue difícil desde el principio.
Según los informes, los actores y la tripulación vieron a Malick como un hombre frío y distante. Después de dos semanas de rodaje, Malick estaba tan decepcionado con los diarios, que "decidió tirar el guión, ir a Leo Tolstoi en lugar de a Fyodor Dostoyevsky , ancho en lugar de millas profundas de película con la esperanza de resolver los problemas en el sala de edición ".
Las cosechadoras se rompieron constantemente, lo que provocó que los rodajes comenzaran a última hora de la tarde, permitiendo solo unas pocas horas de luz antes de que fuera demasiado oscuro para continuar.
Un día, dos helicópteros fueron programados para lanzar proyectiles de maní que simulaban langostas en una película; sin embargo, Malick decidió disparar autos de época en su lugar. Mantuvo los helicópteros en espera lo que supuso un gran costo.
La producción se estaba retrasando e inversamente aumentaba en sus costes que excedían el presupuesto de $ 3,000,000 en aproximadamente $ 800,000, y Schneider ya había hipotecado su casa para cubrir los excedentes.
La producción se retrasó tanto que que tanto Almendros como el operador de cámara John Bailey tuvieron que partir debido a un compromiso previo con The Man Who Loved Women (1977) de François Truffaut .
Almendros en ese caso eligió como director de fotografía a Haskell Wexler para completar la película. Trabajaron juntos durante una semana para que Wexler pudiera familiarizarse con el estilo visual de la película. Wexler tuvo cuidado de igualar el trabajo de Almendros, pero hizo algunas excepciones. "Hice algunas tomas manuales en un Panaflex", dijo, "[para] la apertura de la película en la fábrica de acero. Usé algo de difusión. Néstor no utilizó ninguna difusión. Me sentí muy culpable al usar la difusión y tener la sensación de violar a un compañero camarógrafo ".
Aunque la mitad de la imagen final fue un metraje filmado por Wexler, recibió solo un crédito por "fotografía adicional", para su disgusto. El crédito le negó la posibilidad de obtener un Premio de la Academia por su trabajo en Días del Cielo .
Wexler envió al crítico de cine Roger Ebert una carta "en la que describió que estaba sentado en un cine con un cronómetro para demostrar que más de la mitad del metraje" era suyo.
Después de completar la fotografía principal, el proceso de edición tomó más de dos años en completarse. Malick tuvo dificultades para dar forma a la película y hacer que las piezas se combinaran.
Según los informes, Schneider mostró algunas imágenes al director Richard Brooks, que estaba considerando a Gere para un papel en Looking for Mr. Goodbar .
Según Schneider, la edición de Days of Heaven llevó tanto tiempo que "Brooks eligió a Gere, lo filmó, lo editó y lo lanzó [mientras buscaba a Mr. Goodbar ] mientras Malick seguía editando".
Se produjo un gran avance cuando Malick experimentó con las voces en off del personaje de Linda Manz, similar a lo que había hecho con Sissy Spacek en Badlands .
Según el editor Billy Weber , Malick se deshizo de gran parte del diálogo de la película y lo reemplazó con la voz en off de Manz, que sirvió como comentario oblicuo de la historia.
Después de un año, Malick tuvo que llamar a los actores a Los Ángeles, California, para filmar algunas escenas que eran necesarios pero que no habían sido filmados en Alberta.
La película final incluye, por lo tanto, primeros planos de Shepard que fueron filmados bajo un paso elevado de la autopista. El disparo submarino de la cara caída de Gere en el río fue filmado en un gran acuario en la sala de estar de Spacek.
Mientras tanto, Schneider estaba decepcionado con Malick. Se había enfrentado a Malick en numerosas ocasiones por incumplimiento de plazos y promesas incumplidas. Debido a los excesos de costos adicionales, tenía que pedirle a Paramount más dinero, lo que prefirió no hacer. Cuando proyectaron una demo para Paramount e hicieron su presentación, el estudio quedó impresionado y según los informes "le dio a Malick un trato muy dulce en el estudio, carta blanca, esencialmente".
Malick no pudo capitalizar el trato. Estaba tan agotado por trabajar en la película que se mudó a París con su novia. Trató de desarrollar otro proyecto para Paramount, pero después de una cantidad sustancial de trabajo, lo abandonó. No hizo otra película hasta The Thin Red Line de 1998, veinte años después.
La banda sonora de Days of Heaven es un fuerte reflejo del contexto de la película. Ennio Morricone proporcionó la partitura de la película y recibió su primera nominación al Premio de la Academia en su carrera como compositor de bandas sonoras por su trabajo en la película.
Morricone recordó el proceso como "exigente" y dijo de Malick: "No me conocía muy bien, por lo que hizo sugerencias y, en algunos casos, dio soluciones musicales. Esto me molestaba porque él diga: 'Esto ... intentarlo con tres flautas'. ¡Algo imposible! Entonces, para complacerlo, lo haría con tres flautas y luego él decidiría usar mi versión después de todo. Era imposible o lo habría escrito yo mismo. Y más quisquilloso como eso, lo que significa que era muy atento y cuidadoso con la música ".
La partitura se centra en tres temas principales: el tema principal, que hace referencia a " Acuario ", el séptimo movimiento del Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns , una "melodía pastoral" para la flauta y finalmente un tema de amor .
La banda sonora fue remasterizado y relanzado en julio de 2011 en el sello Film Score Monthly , en una edición de dos discos y con extractos de la narración de Manz.
Se sumaron dos canciones adicionales que fueron contribuidas por el guitarrista Leo Kottke . Kottke fue abordado originalmente por Malick para todo el puntaje, pero declinó.
La película en gran medida está contada en una voz en off por Linda, la hermana de Bill, y es una de los mejores ejemplos de utilización de este recurso. Resulta nostálgica y evocadora, porque da cuenta de aquellos años como si fueran una especie de paraíso perdido, unos "Días del cielo", o "Días en la gloria", que inevitablemente tienen su fin.
Con esta película Malick ahondaba en su estilo, al mismo tiempo que se aleja por completo de los cánones comerciales, lo que lo convertía en uno de los máximos representantes del cine independiente norteamericano.
Days of Heaven recibió críticas positivas sobre su lanzamiento teatral original; su fotografía fue ampliamente elogiada, aunque un pequeño número de críticos consideró que solo este aspecto merecía grandes elogios.
Days of Heaven tuvo su estreno el 13 de septiembre de 1978. Más tarde se estrenó en el Festival de Cannes , en 1979, donde Malick ganó el premio al Mejor Director, lo que le convirtió en el primer director estadounidense en ganar el premio desde Jules Dassin en 1955 para Rififi ( en una victoria conjunta compartida con otros dos directores).
La película fue un fracaso comercial: su recaudación bruta de $ 3,446,749 fue solo un poco más de lo que costó hacer la película ($ 3 millones), pero Charles Bluhdorn, quien dirigió la empresa matriz de Paramount, Gulf + Western, lo amaba tanto que le ofreció a Malick $ 1 millón para su próximo proyecto, fuera lo que fuese.
La reacción crítica inicialmente varió. Muchos críticos encontraron la película visualmente hermosa, pero otros encontraron un defecto en la debilidad percibida de su historia.
Dave Kehr de The Chicago Reader ofreció una crítica positiva y escribió: "El segundo largometraje brillante de Terrence Malick es una historia de vidas humanas tocadas y desbordadas por lo divino, narradas con imágenes impresionantes y precisas. La cinematografía de Nestor Almendros es tan nítida y vívida, ya que la narración de Malick es elíptica y enigmática. El resultado es una película que se encuentra más allá de nuestro alcance: misteriosa, hermosa y, muy posiblemente, una obra maestra ".
Variety dijo de la película que era "uno de los grandes logros cinematográficos de la década de 1970".
Gene Siskel de The Chicago Tribune también escribió que la película "realmente prueba el poder de descripción de un crítico de cine ... Algunos críticos se han quejado de que la historia de Days of Heaven es demasiado leve. Supongo que lo es, pero, francamente, tú no lo pienses mientras la película se está reproduciendo ".
Frank Rich de la revista Time escribió: " Days of Heaven es exuberante con imágenes brillantes". El periódico pasó a nombrar una de las mejores películas de 1978. Por su parte, Nick Schager de Slant Magazine lo ha llamado "la película más grande jamás hecha".
Mientras tanto, los detractores apuntaban a la dirección de la historia de la historia y la estructura. En su reseña de The New York Times , Harold C. Schonberg escribió: " Days of Heaven nunca se decide realmente qué quiere ser. Termina siendo algo entre una pastoral de Texas y Cavalleria Rusticana . Detrás de lo que básicamente es un convencional la trama es todo tipo de técnicas de cineaste sofisticadas y autoconscientes ".
Además, Monica Eng del Chicago Tribune criticó la falta de una trama significativa y declaró que "la historia se vuelve secundaria a los efectos visuales".
Roger Ebert del Chicago Sun-Times respondió a estas críticas diciendo:
"Days of Heaven" de Terrence Malick ha sido elogiada por sus imágenes pictóricas y su música evocadora, pero criticada por sus emociones apagadas: aunque las pasiones brotan en un triángulo de amor mortal, todos los sentimientos se mantienen de alguna manera en condiciones de igualdad. Esta observación es lo suficientemente cierta, si solo piensas en las acciones de los adultos en la historia. Pero al ver esta película de 1978 nuevamente, me llamó la atención más que nunca con la convicción de que esta es la historia de una adolescente, contada por ella, y su tema es la forma en que la esperanza y la alegría han sido derribadas en su corazón. No sentimos la pasión total de los adultos porque no es su pasión: se ve a distancia, como un fenómeno, como el clima, o la plaga de saltamontes que señala el comienzo del fin.
En España Carlos Boyero publicó en El Mundo que "[Junto a 'Malas tierras'] me parecen dos obras maestras, auténticamente líricas, inquietantes, insólitas."
En Fotogramas se destaca que el "segundo largometraje de Malick, donde incidió en el clima enfermizo que había caracterizado "Malas tierras". En esta ocasión consiguió un film más conseguido formalmente pero menos inspirado. Pese a ello, mantiene la atmósfera desencantada por encima de los excesos esteticistas de su preciosista y oscarizada fotografía.
En Espinof Aseián Massanet comienza con las palabras de Linda que dice " Nadie es perfecto. No hay gente por ahí perfecta. Todo el mundo tiene medio demonio y medio ángel dentro".
Con esta cita Massanet película a la que él considera el lirismo de los miserables. Afirma que
"Si algunos cinéfilos (y no pocos analistas) consideran ‘Días del cielo’ como una película preciosista, pero también sosa y pagada de sí misma, por la innegable belleza de sus prístinas imágenes, por el extraño tono que Malick imprime a su mirada, y por la insólita dirección de actores que despliega, quizá otros podríamos desarrollar la percepción de que esta historia de falsos hermanos amantes, que deciden sacrificar su amor para librarse de una terrible pobreza y desesperanza, es una evidente parábola sobre el cielo y el infierno, evidenciada en todos y cada uno de sus elementos.
De hecho, el cielo y el infierno se dan la mano en este relato, de manera eminentemente visual, y nunca moralizadora. Y en realidad, más que parábolas, sus imágenes nos advierten que el cielo y el infierno están aquí, en la Tierra. Y que tanto los demonios como los ángeles viven juntos".
Massanet dice , acertadamente, que se trata de " Una sinfonía a tres voces" "
A saber: la adoración del marido por su mujer pero también su desconfianza por su relación con su supuesto hermano, el cargo de conciencia de Abby y a la vez su amor por ambos hombres, y los crecientes celos y vacío vital de Bill.
La pequeña Linda, hermana de Bill (¿será ésta una hermana auténtica, o tampoco?), ejercerá de punto de vista, con su condición entre la infancia y la adolescencia. Su mirada es nuestra mirada, y en parte también la del director. También se inicia una apasionante relación de amistad truncada entre el Granjero y Bill. Es apasionante observar al hombre privilegiado compartir su tiempo con el paria, y también cómo, a pesar de la paciencia y la bondad del primero, el rencor y la ira del segundo por la vida que le ha tocado vivir hará que todo termine en tragedia."
Y continua el articulista diciendo
"De esta manera, los tres parias conocen en verdad el cielo en la Tierra, que no es otro que la riqueza y la ausencia de problemas materiales. Tal como asegura la perspicaz Linda, los ricos lo tienen muy fácil. Pero Bill se siente muy solo, en esa abundancia. A pesar de que por fin puede descansar y no tiene que trabajar para comer, pone en peligro ese “cielo” al no querer renunciar a Abby".
Lo narrativo, o convencional, deja paso a la imagen como figura absoluta, carente de significado por parte del director, pues el espectador es invitado a dotarlas del significado que le otorguen sus propias sensaciones. Así como la contenida dirección de los actores también da pie a que sea el espectador el que aporte sus propios sentimientos. La sencillez es absoluta: tres voces; pero la conmoción que provoca en el espectador es compleja y profunda.
Pero no nos pone las imágenes en bandeja el director, como podría creerse.
Las repetidas imágenes contrapicadas del Granjero podían dar una obvia idea de qué significa este personaje, pero también hay planos de igual índole para Bill. Hacia la hora de película, tenemos un asombroso plano, en el que podemos ver, desde dentro de la tierra, cómo nace y crece la semilla del cereal, para ser arrancada después por el capataz, quien observa la evolución de las cosechas. Pronto hay una nueva recogida.
En otra entrada Adrián Massanet nos comenta que
Días del cielo’ no es un itinerario suicida como ‘Malas Tierras’, sino un relato lírico y aparentemente estático sobre las miserias de la pobreza.
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Los títulos de crédito de esta película ya son una declaración de principios, estética y filosóficamente. Imágenes auténticas de la época (Chicago, 1916), aunque nunca se dan estos datos en la película, en las que observamos a pobres y a ricos, a los deshechos de la sociedad y a los que han medrado en ella, todo mezclado con las instantáneas de enormes edificios y construcciones que empequeñecen a la gente. De fondo, la música de Morricone le da un toque de cuento de hadas melancólico.
Comienza la voz en off de Linda en el mismo momento en que Bill descubre que le ha asesinado. Este nuevo nivel narrativo desactiva completamente el sonido ambiente, pero de alguna forma potencia la violencia trágica de esta primera escena larga.
Dice el director que si las imágenes van por un lado y la voz en off por otro, resulta algo mucho más interesante, y tiene mucha razón.
Malick confía plenamente en la imagen como un absoluto, no como una mera herramienta narrativa con la que construir el tiempo, sino con la que el tiempo se detiene y se vuelve sobre sí mismo, pues para él merece la pena detenerse en lo que significan y en lo que sugieren, sacrificando así la misma sustancia conque está hecha la imagen, y haciéndola levitar, literalmente, haciéndola volar sobre el suelo. La secuencia de ‘Días del cielo’ parece un sueño que flota sobre la conciencia del espectador, acosando su consciencia. Pero es un relato de una materia muy sencilla, sin dobleces.
No fue un éxito comercial significativo, pero sí ganó un Premio de la Academia a la Mejor fotografía junto con tres nominaciones para la música , diseño de vestuario y sonido ( John Wilkinson , Robert W. Glass, Jr. , John T. Reitz y Barry Thomas ). Sólo consiguió un Oscar, al español Néstor Almendros por su fotografía.
Malick también ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes siendo la película nominada a la Palma de Oro
En los Premios BAFTA recibió el Premio Anthony Asquith a la mejor música
Tuvo dos nominaciones al Globo de Oro al mejor drama y al mejor director
. Ganó dos Premios David di Donatello al mejor actor (Richard Gere) y al mejor guión extranjero.
En los National Board of Review obtuvo el de mejor película
y en el Círculo de Críticos de Nueva York obtuvo el de mejor director, auque obtuvo también dos nominaciones. El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión original drama .
Days of Heaven se ha convertido en una de las películas más aclamadas de su década, especialmente notable por su trabajo de fotografía.
En 2007, fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el National Film Registry por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".
La película continúa apareciendo en las encuestas de las mejores películas que se hayan hecho , y apareció en el n. ° 49 en una encuesta de la BBC sobre las mejores películas estadounidenses.
En 2012, la revista Time incluyó la película entre las 20 mejores " de las 100 mejores películas " según la revista.
Ese mismo año, Days of Heaven ocupó el puesto # 112 en la encuesta decenal de la crítica del Sight & Sound del British Film Institute sobre las mejores películas de todos los tiempos, y # 132 en la encuesta de directores de la misma revista.
La pelíucla ha sido valorada como lo que es, hermosa y poética película sobre la América rural en los años precedente a la intervención americana en la Primera Guerra Mundial.
A destacar como dijo ya en su momento Cabrera Infante el aura romántica de la fotografía del español, catalán, cubano y europeo - se puede ser todo a la vez sin que te de un sarpullido- de Nestor Almendros por el que logró el Oscar por su magnífico trabajo y utilización de la luz natural para subrayar el dramatismo de la historia.
La película es una acertada reflexión sobre la vida de la gente, sobre la miseria y la gloria de las gentes de toda condición, sobre el amor y la belleza, la cercana y la desconocida y sobre las vías de escape hacia la salida del abismo. A destacar igualmente el brillante uso de las frases musicales , incluyendo en la misma esa voz en off que nos acerca a las cosas así como las grandes interpretaciones de los dos grandes masculinos, uno de ellos la del fallecido este año, Sam Sheppard, un hombre de letras que encajaba magníficamente en el western. Gran y poética película.
