Invasión

Es esta política de desastres colectivos que vivimos, provocados por un virus que castiga a la humanidad por su mala cabeza, y , especialmente, a los occidentales por ir por la vida con una soberbia que trasluce una superioridad que lo único que denota es ser unos cretinos integrales y tener unos políticos miserables, oportunistas que piensa en política, pero no en sus ciudadanos por lo que son tan prescindibles dada el alto grado de incompetencia, la televisión tiene a bien emitir películas de desastres colectivos que se inician por virus.

Mi sorpresa es mayúscula que , precisamente, descubro que no sólo los políticos son competentes, sino también muchos guionistas de Hollywood, sin ideas propias, sin imaginación y sin escrúpulos hacen una nueva revisión de un clásico, prácticamente un corta y pega actualizado, de una misma historia que el cine ya ha tratado varias veces actualizando la idea, cambiando de espacios, buscando actores y actrices atractivos para sacar un nuevo producto que no deja de ser más de lo mismo. Eso sí,  con una factura actualizada y con reparto de campanillas. Pero en lo básico es más de lo mismo.

De la película que escribo ahora es Invasión o The Invasión. Se trata de una película de ciencia ficción del año 2007 dirigida por el director alemán Oliver Hirschbiegel, el que fuera responsable de esa obra monumental del año 2004 que es Der Untergang (aquí, El hundimiento), producida por Bernd Eichinger, sobre los últimos días de Adolf Hitler. Al año siguiente estrenó Ein ganz gewoehnlicher Jude (2005) conocida en castellano como Un judío como cualquier , pasando más tarde a los EStados Unidos para trabajar como mayores presupuestos y con artistas reconocibles internacionalmente como Nicole Kidman y Daniel Craig protagonistas de la siguiente, The Invasion (2007), basada en la novela de Jack Finney The Body Snatchers.

Tras otra experiencia americana con Five Minutes of Heaven (2009) con Liam Neeson y James Nesbitt, y una película que realmente no se su nacionalidad - Diana (2013)- vuelve a casa para realizar Elser – Er hätte die Welt verändert (2015), conocida en castellano como 13 minutos para matar a Hitler. El año pasado estrenó en su país, Criminal (2019).

En esta película aunque dirigida oficialmente por Hirschbiegel, las malas lenguas señalan que la Warner Bros Pictures contrató a James McTeigue más tarde para rodar escenas reescritas por los hermanas Wachowski. La película es un remake de otro remake que a su vez parte de un clásico del cine de ciencia ficción y de la serie B como es Invasion of the Body Snatchers (1956), que como ya sabemos había sido versionada en 1978 por Philip Kaufman. 

De cualquier manera ahora la película fue producida por Joel Silver contando con el amparo de las productoras Village Roadshow Pictures, Silver Pictures y Vertigo Entertainment así como el apoyo de una major en la distribución Warner Bros. Pictures y la friolera de un presupuesto de $80 millones. 

Como ya indicamos la película parte del libro de Jack Finney The Body Snatchers pero transformada en guion por Dave Kajganich.

La película contó con la música de John Ottman, la fotografía de Rainer Klausmann y el montaje de Hans Funck y Joel Negron.

En cuanto al elenco estuvo integrado por Nicole Kidman como Carol Bennell , Daniel Craig como Ben Driscoll, Jeremy Northam como Tucker , Jackson Bond como Oliver , Jeffrey Wright como Stephen Galeano y Veronica Cartwright como Wendy Lenk.

Junto a ellos en papeles menores están Josef Sommer como Dr. Henryk Belicec, Celia Weston como Ludmilla Belicec, Roger Rees como Yorish Kagonavich, Eric Benjamin como Gene Susan Floyd como Pam, Stephanie Berry como Carly, Alexis Raben como Jill, Adam LeFevre como Richard Lenk, Joanna Merlin como Joan Kaufman, Malin Åkerman como Autumn y Jeff Wincott como policía.

La idea es básicamente la misma, pero cambia ya la tradicional California de las dos primeras versiones para irse a la costa este, en concreto, se mueve entre Washington y Baltimore así como actualiza en el tiempo la historia pues habla de hechos coetáneos conocidos por la mayoría de nosotros como el desarme nuclear de Corea del Norte, el abandono de Estados Unidos de Irak, - poco antes de producirse, si es que realmente se ha producido- así como de un acuerdo político entre Estados Unidos y Venezuela con líderes , estos sí que son alienígenas como George W. Bush y -el ya fallecido - Hugo Chávez felicitándose por el fin de las divergencias entre ambos países. No, ya sabemos lo que son las buenas noticias pues Irak sigue siendo un polvorín inconcluso, Corea del Norte un incordio coñazo y la Venezuela - ahora de Maduro-  con ese demagogo a su cabeza, acompañado de Diosdado Cabello y Delcy - ¡Ay Ábalos y sus encuentros! ¿Qué es un encuentro para tí, pillín?-.

La película se inicia en un laboratorio con una desatada protagonista como es Carol Bennell (Nicole Kidman) que busca como loca unas pastillas mientras bebe un isotópico y , algunas personas aporrean una puerta.

Tras eso la película nos lleva al momento en que se produce la explosión de un transbordador espacial de la NASA que trae consigo un virus alienígena que con la explosión se esparce por un área extensa que va desde Dallas (Texas) hasta Washington D. C.

Desde ese momento los habitantes locales, curiosos por los restos del transbordador, los tocan y examinan, e incluso algunos venden las piezas de la nave, de manera similar a lo que sucedió con el accidente del transbordador Columbia. Esto, a su vez, infecta a personas sobre todo comienzan a tener un extraño comportamiento cuando se duermen. Ese es el caso de Tucker (Jeremy Northam), un director de los CDC (Centros para el Control y Prevención de Enfermedades) que investiga el accidente. Éste es infectado como una niña - ¡qué malvada la cabrona!- que  le da un trozo de la nave y se pincha con el material que no es otra cosa que el virus alienígena.

Tras llegar a casa en la que le espera una novia muy guapetona, Tucker durante el sueño se transforma. Al día siguiente llama a su ex mujer para decirle que está en su vieja casa mientras habla se le nota que está infectado y que tiene un extraño comportamiento.

Mientras tanto, la exesposa de Tucker, la psiquiatra Carol Bennell (Nicole Kidman), que ha recibido la extraña llamada de su ex, en las que le pide contacto con su hijo Oliver , después de llevar varios años de alejamiento. Eso le deja mosca. Pero las dudas comienzan a agrandarse cuando por medio de una de sus pacientes le relata que su marido no es su marido.

Al describir el caso y la frialdad con la que mato a su perro comienza a tener muchas dudas. Poco a poco se da cuenta de manera fehaciente cuando pasea junto a una amiga y sus respectivos hijos así como otros dos chicos u en un momento dado el hijo de su amiga muestra un extraño comportamiento sobre todo tras ser atacado por un perro. Luego el chico se separa de sus amigos, se aísla y se le descubre una especie de tejido epitelial que ella se lleva para que lo analice su novio. 

Éste resulta ser un investigador Ben Driscoll (Daniel Craig) y con la ayuda del amigo su amigo y sin embargo compañero Stephen Galeano (Jeffrey Wright), un biólogo, intenta conseguir información acerca del virus.

En poco tiempo descubre que ese extraño tejido se reproduce por esporas. Mientras Tucker utiliza una convención de la CDC para expandir la propagación de la enfermedad. Esta se produce por al consumir líquidos o por trasmisión directa.

Como los síntomas del virus se parecen a los de la gripe común nadie se da cuenta de los verdaderos efectos del impredecible virus.

Sin embargo, la psicóloga sabe que algo no anda bien después de localizar varios pacientes que dicen que sus seres queridos son "impostores", incluyendo sobre todo a Wendy Lenk, la primera paciente suya que afirmaba que su esposo no es su esposo, especialmente cuando descubre a éste , impasible, en el despacho. Poco antes ella se dispone a llevar a su hijo Oliver con su exmarido.

Por el camino ve a una mujer en mitad de un túnel. Ella lo ignora, pero casi de inmediato es atropellada por un impasible conductor. La policía que atiende al accidente se muestra igual. Al dejar a su hijo con Tucker se lo explica para él eso le importa un rábano pues sigue manteniendo un comportamiento raro raro.

Mientras con la ayuda del amigo de Driscoll, Stephen Galeano (Jeffrey Wright), un biólogo, intenta conseguir información acerca del virus y descubre que modifica el cerebro mientras que la víctima duerme.

También se entera de que las personas que han sufrido enfermedades que afectan a la composición del cerebro, como la sífilis o encefalitis, son inmunes al virus, debido a que la encefalitis previene la enfermedad. En ese momento descubre que hijo Oliver (Jackson Bond), el hijo de Carol, es inmune a las esporas a causa de la encefalitis que contrajo cuando era un niño pequeño. También Wendy Lenk, la paciente de Carol que escapó a la casa de su hermana.

Esa noche asiste junto a Ben a una cena en casa del embajador checo. Se trata de un pareja agradable en la que se sientan junto con el embajador ruso. Un hombre con un discurso duro sobre la incapacidad del hombre para conseguir objetivos comunes como la paz. Ella le responde desde la óptica de una psicóloga.

De camino a su oficina, Carol ve a varias personas llorando y angustiadas. Cuando llega a su oficina como he señalado se encuentra al esposo de Wendy. Carol recuerda lo que dijo acerca de que su esposo no es su esposo y busca en Internet palabras similares como «mi hijo no es mi hijo» y encuentra que hay millones de casos similares.

De repente, entra su secretaria que tiene una pinta de infectada tremenda y le lleva un té e insiste en que lo beba. Carol estaba a punto de beberlo, pero recibe una llamada de Ben y se dirige al laboratorio.

Carol se reúne con Ben y su colega Galeano y van a casa de los Belicec. una pareja checo formada por Henryk (Josef Sommer ) y Ludmila (Celia Weston ) - ya que la mujer del embajador checo comenta como regresó el embajador ruso muy enfermo.

A la casa de los Belicec van y encuentran a Yorish Kagonavich (Roger Rees ) postrado en una cama de una habitación. Carol es testigo de la transformación de uno de los infectados que muere, no sin antes atacarla, porque Carol le despierta con el flash de la cámara al fotografiarle. Carol entonces intenta recoger a su hijo de la casa de Tucker.

Cuando llega a su casa, él y varios colegas que , aparentemente, están reunidos, intentan apoderarse de ella, quienes tratan de infectarla. Finalmente lo consigue su marido Tucker escupiéndole en la cara.

De cualquier manera ella se escapa y vuelve a la casa de los checos. Se van cuando Henryk retorna infectado y acompañado de muchas personas. Los cuatro que pueden logran escapar. Stephan y Jill llegan a una base fuera de Baltimore, Fort Detrick, en la que varios ganadores del Premio Nobel y que intentan hacer una cura para el virus.

Por su parte, Carol y Ben se separan para encontrar a Oliver, que está en la casa de la madre de Tucker. De cualquier manera Oliver le da a Carol su ubicación por un mensaje de texto. Ambos son perseguidas por varios infectados y, finalmente, finge ser una infectada reprimiendo sus emociones y sube a un tren con destino a la ciudad costera de Baltimore, cuando Tucker y sus colegas la encuentran. Carol finge ser uno de ellos, y le dice a Ben en secreto su ubicación. Encuentra a Oliver, pero son descubiertos y huyen de ahí.

Después de evitar a los infectados y ocultar sus emociones, Carol logra poner a Oliver en un sitio seguro lejos de los infectados. Ve a varias personas normales que tratan de hacerse pasar por infectados, entre ellos una mujer que es sacada fuera de su automóvil, otro que es perseguido por dos policías infectados pero es dominado, y otro haciéndose pasar por un policía.

Para evitar que se convierta en una infectada se dirige a la farmacia con Oliver, y usa los medicamentos del lugar para mantenerse despierta. En una sala anexa a la farmacia hay personas transformándose en nuevos seres. Es la escena del inicio de la película. Ella logra entrar a la sala y se hace con una pistola. Luego se queda medio dormida, aunque Oliver le despierta.

Al poco llega Ben, que viene a buscarla, pero descubre que está infectado. Dispara un arma de fuego contra Ben y varias personas infectadas. Mata a todos excepto a Ben, a quien le dispara en la pierna. 

Poco después de una breve lucha por huir de los infectados, los colegas de Driscoll los ayudan a escapar en un helicóptero a través de la azotea de un edificio hacia una base no infectada. Allí, los científicos usan la sangre de Oliver para crear una vacuna.

Al cabo de una semana vemos a Galeano en la televisión y explicando como el virus afectó el cerebro mientras las víctimas dormían, nadie recuerda nada pero están curados, sintiendo como si hubieran despertado de una larga siesta. Ben y Carol leen el periódico y ven, "como de costumbre", otras tragedias pues si bien se habían detenido por la transformación de los dirigentes mundial ahora con los humanos han vuelto lo que predijo el embajador ruso la guerra, la violencia de noticias, etc. Así es la condición humana.

La película fue rodada en el otoño de 2005 y comenzó en Baltimore durando 45 días. La filmación también tuvo lugar en Washington, DC, incluso en la estación de metro de Cleveland Park , así como en las cercanías de la estación de metro Foggy Bottom-GWU , y en Dupont Circle .

La historia de esta película se había iniciado antes,  en marzo de 2004, cuando la Warner Bros. contrató al guionista David Kajganich para que escribiera un guión que sirviera como una nueva versión de la película de ciencia ficción de 1956 Invasion of the Body Snatchers .

En julio de 2005, el director Oliver Hirschbiegel fue el encargado de dirigir el proyecto, y la producción comenzará en Edgemere, Maryland . El siguiente agosto, Nicole Kidman fue la elegida para protagonizar una película que se llamaría The Invasion y que por participar en ella recibiría cerca de $ 17 millones.

En agosto, Daniel Craig fue elegido junto a Kidman The Invasion se basaba en el guión de Kajganich, originalmente pensado como un remake de Invasion of the Body Snatchers, pero Kajganich creó una historia lo suficientemente diferente para que el estudio vea el proyecto como una concepción original.

Kajganich describió la historia para reflejar los tiempos contemporáneos, diciendo: "Solo hay que mirar alrededor de nuestro mundo hoy para ver que el poder no inspira nada más que el deseo de retenerlo y eliminar cualquier cosa que lo amenace".

El guionista dijo que la historia se estableció en Washington, DC para reflejar el tema. Se decidió que la película tendría efectos visuales mínimos, sin necesidad de trabajo en pantalla verde . En cambio, el director disparó desde ángulos de cámara extraños y espacios claustrofóbicos para aumentar la tensión en la película.

En octubre de 2006, The Visiting cambió a su título definitivo de The Invasion , debido a la cancelación de una serie de televisión de la ABC que llevaba el mismo título. Sin embargo, tras el rodaje el estudio que no estaba contento con los resultados de Hirschbiegel y contrató a los hermanos - ahora creo que son hermanas- Wachowski para reescribir la película y ayudar con la filmación adicional.

El estudio más tarde contrató al director James McTeigue para realizar nuevas filmaciones que costarían $ 10 millones pero por las cuales McTeigue no sería acreditado. Después de 13 meses de inactividad, se realizaron repeticiones en enero de 2007 para aumentar las escenas de acción y agregar un final inesperado . El nuevo rodaje duró 17 días en Los Ángeles.

Durante el nuevo rodaje, Kidman estuvo involucrado en un accidente, mientras ya que mientras conducía el un Jaguar y fue llevada a un hospital donde se apreció que se había roto varias costillas, pero pudo volver a trabajar poco después de ser hospitalizada.

En cuanto a los críticos estos sometieron a juicio esta remake de un remake. Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, dijo de ella que era "la cuarta, y la peor de las películas hechas con la clásica novela de ciencia ficción de Jack Finney".

Owen Gleiberman de Entertainment Weekly escribió que era "una repetición sin alma ... La película no es terrible; es simplemente de bajo costo y reductiva".

Mick LaSalle en las páginas de San Francisco Chronicle señaló que "Hay algo en esta historia que habla de la experiencia de la vida (...) Conecta a nivel visceral de dos modos: político y existencial." 

Lou Lumenick en New York Post escribió que "El personaje de Nicole Kidman lucha para permanecer despierta...al igual que el público (...)"

Dennis Harvey en Variety señaló que era "Un thriller pulido pero olvidable y sin carácter" Por su parte, Kenneth Turan en Los Angeles Times manifestó que "La nueva versión ilustra el porqué y el cómo la potencia de la historia original no ha disminuido más de medio siglo después de su creación"
Joanne Kaufman de The Wall Street Journal agregó: "Con todos los tiroteos, los gritos, las persecuciones, las colisiones y las bolas de fuego, no hay mucho tiempo para contar historias".

Manohla Dargis de The New York Times criticó la película y escribió: "La última y más floja versión de Invasion of the Body Snatchers podría haber sido un clásico de campamento accidental si su política no fuera tan aborrecible y la película no intentara ocultar su ineptitud detrás de un velo de pomposidad ". Y añade que la película "Se desarrolla dando tumbos y es pesada e irregular. Es como si la hubiera hecho alguien que estaba en trance, pero no uno guay."

En Gran Bretaña Paul Arendt, de la BBC, escribió: "Habiendo establecido un estado de ánimo realmente espeluznante en la primera mitad, la película finalmente degenera en un desorden confuso, con Nicole y Daniel Craig esquivando zombis mientras estallan anfetaminas en un esfuerzo desesperado por mantenerse despiertos. saber cómo se sienten ".

Maitland McDonagh de TV Guide calificó la película de "un desastre frenético que se abre con una escena extraída del tercer acto de la película que huele a haber sido movido para apaciguar al público demasiado inquieto para una construcción lenta".

Ya en España Javier Ocaña en El País destaca que "La visión de Hirschbiegel parte de un error de base. (...) las explícitas interpretaciones hacen que, de un vistazo, se sepa quién es humano y quién no. El tono de la película huye del terror para enmarcarse en el del cine político pos 11-S"

Javier Cortijo en ABC defiende que "El resultado de pasar una de las historias más impactantes y poliédricas del género por la turmix del Hollywood actual es tan evidente como frustrante. (...) "

David Broc en Fotogramas dice de ella que es "Un film que no provoca ninguna reacción entre el espectador: ni miedo, ni sorpresa (...) Un guión conservador hasta el tuétano, una dirección plana y convencional y un reparto muy perdido en el sinsentido general"

Yo por mi parte decir lo que ya he dicho. Me parece un ejercicio innecesario repetir por enésima un producto sobre todo si lo que se hace no está a la altura de las obras de Siegel o de Kaufmann ¿Qué sentido tiene? Pues eso, ninguno. Llevamos, mientras escribo esto  23 días de confinamiento. Eso sí que antes podría parecer Ciencia Ficción, pero se está transformando en un auténtico horror y lo peor es que no es una película. Es real.

Los ultracuerpos nos invaden

Supongo que descubrí la original en aquel magnífico programa que se emitía la noche de los lunes en lo que entonces era la UHF o segunda cadena , que presentaba Chico Ibáñez Serrador junto a Luisa Armenteros y que se titulaba Mis terrores favoritos. Cada una de esas películas que emitieron empezaba con una divertida y macabra presentación que servía para enmarcar la película. En concreto en la noche del lunes 7 de diciembre la elegida fue La invasión de los ladrones de cuerpo de Don Siegel. Desde entonces la consideración de una vaina es algo diferente a lo que era cuando recogía habas o habichuelillas verdes y Kevin McCarthy un actor que cada vez que lo veo, hoy lo visto en un breve cameo como hizo igualmente en el homenaje a Twilight zone o Dimensión desconocida que hicieron cuatro grandes directores en los ochenta al presentar en Los límites de la realidad.  

Como la película casaba con lo que estamos sufriendo con este puto virus se ha convertido en la undécima película del confinamiento aunque hemos apostado por su remake que se presentó con el título de Invasion of the Body Snatchers o La invasión de los ultracuerpos. 

El responsable de este remake fue Philip Kaufman, director de cine y guionista estadounidense, natural de Chicago donde estudio derecho y que entró a farmar parte formativamente en  el Colegio de Abogados de Harvard. 

Antes de decidirse por el cine, ejerció varios oficios, y tuvo varios empleos. En su desarrollo artístico, Kaufman optó por la dirección cinematográfica, pero también por la escritura de guiones. 

En 1964, en colaboración con Benjamin Master, escribió, produjo y realizó Goldstein, su ópera prima que mereció el Prix de la Nouvelle Critique en el festival de cine de Cannes. 

En los años setenta escribió el grandioso guion de The Outlaw Josey Wales (1976) e iba a dirigirla, pero finalmente fue reemplazado por Clint Eastwood, quien también la protagonizó. 

Dos años después tuvo su estreno su siguiente proyecto, Invasion of the Body Snatchers , aquí La invasión de los ultracuerpos estrenada en 1978 convirtiéndose en su primer éxito comercial. 

En los años ochenta escribe el guion de Raiders of the Lost Ark e Indiana Jones y la última cruzada que llevaron a cabo entre George Lucas y Steven Spielberg.

En 1988, Kaufman dirigió La insoportable levedad del ser, la adaptación de la novela de Milan Kundera, multinominada a varios premios, entre estos el Oscar. 

En la década de los 90 con Henry y June, nominada también a un Óscar. Siendo su penúltima cinta es Twisted (2004), protagonizada por Ashley Judd, Samuel L. Jackson y Andy García.

La última que yo tenga constancia fue Una pasión al límite (Hemingway and Gellhorn) estrenada en 2012.

En este caso la película es una producción de Robert H. Solo para su productora Solofilm , aunque la película fue distribuida por la United Artists. Contó con un presupuesto de $3 500 000 .

La película fue escrita por W.D. Richter basándose en la novela  The Body Snatchers de Jack Finney . La música de la película le correspondió a Denny Zeitlin , mientras que la fotografía fue Michael Chapman y el montaje de Douglas Stewart.

En el capítulo de actores preside el elenco Donald Sutherland como Matthew Bennell  acompañado de Brooke Adams como Elizabeth Driscoll , Leonard Nimoy como el Dr. David Kibner,  Jeff Goldblum como Jack Bellicec Veronica Cartwright como Nancy Bellicec. Junto a ellos están  Art Hindle como el dentista Geoffrey Howell , Lelia Goldoni como Katherine Hendley , Kevin McCarthy como un hombre que huye perseguido y quien interpretó al Dr. Miles Bennell en la original Invasion of the Body Snatchers . Igualmente vinculada con ese homenaje a la versión cinematográfica de 1956 aparece Don Siegel como un taxista.  

Igualmente aparecen Tom Luddy como Ted Hendley , Jerry Walter como el dueño del restaurante francés del principio, incluso hay un cameo del director Henri Philip Kaufman  como el hombre con sombrero que molesta al Dr. Matthew Bennell en una cabina telefónica y también la voz de una de los funcionarios con los que Bennell contacta . Aparece igualmente la mujer del director Rose Kaufman como la mujer que discute con Jack en la fiesta del libro , Joe Bellan como Harry, el músico callejero y algún importante actor más como Robert Duvall que aparece balanceándose en un columpio vestido de sacerdote al inicio de la película.

La película se inicia en el espacio es un lugar lejano en la que una raza de criaturas, microorganismos  , con forma de filamentos de repente abandonan su planeta y se desplazan por el espacio . 

En su viaje llegan a la Tierra, aterrizando esos extraños filamentos, mezcladas con la lluvia. Se ve llover sobre una extraña flor parásita creciendo en una hoja en un parque público de San Francisco. Al llegar aquí toman la forma de pequeñas vainas que son la base de flores rosadas. Una excursión de niños que visita uno de los muchos parques urbanos repara en ellas, mientras que un sacerdote vestido con sotana (Robert Duvall) se balancea armoniosamente sin mirar prestar atención a los chicos y chicas que van de excursión. 

Mientras todo esto pasa Elizabeth Driscoll (Brooke Adams) una científica de un laboratorio del Departamento de Salud de San Francisco, con ciertos conocimientos de botánica lleva a su casa una de las flores a su casa. Al llegar ve a su novio el dentista Geoffrey Howell (Art Hindle)  un hombre interesado más en el baloncesto que en ella. 

Esa noche un inspector de sanidad, Matthew Bennell (Donald Sutherland), que trabaja como funcionario en el departamento de sanidad de la ciudad de San Francisco.  entra en un restaurante con el objeto de hacer una inspección en la cocina. Allí descubre las condiciones insalubres de la comida en la que flota una cagada de rata por lo que sanciona el local. 

Se despierta a la mañana siguiente para descubrir que su novio, Geoffrey, actúa de una manera fría y distante. Considera Elizabeth que él ha experimentado una transformación tal que le resulta irreconocible.

El colega científico de Driscoll, Matthew Bennell (Donald Sutherland)  y amigo de Elizabeth, una colaboradora suya por la que siente algo más que admiración profesional,  pero aunque Matthew no se lo cree, pero ese mismo día observa que también otras personas sienten el mismo recelo hacia sus parejas o amigos. Así que le aconseja  al creer que todo se debe a la ansiedad que se ponga en manos de otro amigo suyo, un psiquiatra de gran prestigio , el  Doctor  en psiquiatra David Kibner (Leonard Nimoy  ), quien está presentando su nuevo libro. Aunque antes ha tenido un extraño encuentro con un trabajador de una lavandería del Chinatown franciscano cuando le dice que su mujer no es su mujer , lo que coincide con la sensación que tiene Elizabeth. 

Mientras Elizabeth y Matthew se dirigen a la presentación del libro, un ciudadano histérico (Kevin McCarthy) salta sobre el coche que lleva Matthew y les advierte del peligro advirtiéndole del peligro que suponen las vainas. Tras ello sigue corriendo con una turba detrás y escuchamos como es atropellado de forma inmediata por un choque con lo que acaba su fuga. Ellos pasan cerca mientras su cuerpo es observado por espectadores sin emociones. 

En la librería, Elizabeth le pide ayuda al Doctor Kibner con respecto a Geoffrey, pero él teoriza que Elizabeth está usando la creencia de que Geoffrey se comporta de manera diferente como una excusa para interrumpir su relación. 

Mientras tanto, otro de los asistentes , amigo de Matthew , Jack Bellicec (Jeff Goldblum), un aspirante a escritor y amigo de Matthew, tiene algunos desacuerdos con los asistentes a la reunión.

Luego Matthew va a buscar a su mujer, un fisioterapeuta a su clínica y mientras ella , Nancy (Veronica Cartwright) descubre un cuerpo humano a medio crear. Tras eso Jack llama a Matthew para investigar qué puede ser ese cuerpo deformado parecido a Jack que ha aparecido en la sala de la clínica de su esposa Nancy . Al mismo acude el Dr. Kibner dando o intentando dar una explicación racional de los ocurrido.

Matthew, que relaciona una historia con lo comentado esta mañana con Elizabeth,  acude a esta para advertirla, pero al entrar en la casa descubre , tras entrar en la misma  forzando una ventana, un duplicado semiformado de ella. Matthew rescata a Elizabeth y alerta a la policía, pero los duplicados de Jack y Elizabeth desaparecen antes de su llegada. 

Elizabeth deduce que las flores están relacionadas con lo que ocurre y las examina en el departamento de salud, sin encontrar registros de ellas, incluso entre sus compañeros científicos.

Especialmente le extraña el de una compañera que ayer tenía signos de humanidad no reconociendo a su maruido y hoy está tan tranquila; mientras que Matthew intenta sin éxito alertar a varias agencias gubernamentales y descubre que varios amigos y asociados cercanos se han duplicado. 

Por la noche, Matthew que se ha refugiado juntos a Elizabeth y sus amigos, la pareja integrada por Jack y Nancy, descubre a lo largo de la noche que sus cuerpos están casi duplicados mientras duermen. 

Matthew llama a la policía, pero se da cuenta de que el departamento ha sido duplicado. Matthew destruye los duplicados con una azada de jardín antes de escapar junto a los demás. 

Ya son conscientes de que los "duplicados" extraterrestres que toman la forma de humanos y matan a los originales mientras duermen parten en busca del grupo de Matthew. Los seres surgidos de las vainas emiten un grito agudo cuando descubren un ser humano entre ellas. 

Ellos intentan escapar por las calles de la ciudad hasta llegar a Embarcadero. En uno de sus PIER se refugian. Jack y Nancy salen para  distraerlos, permitiendo que Matthew y Elizabeth escapen de regreso a la ciudad. 

Matthew y Elizabeth se refugian en el departamento de salud, donde toman una gran dosis de pastillas para no dormir, manteniéndolos despiertos por varias horas más.

Pronto se ven rodeados y son capturados por Jack y Kibner, -éste muy al principio-  que fueron duplicados previamente, e inyectados con sedantes mientras se les informa de sus intenciones de supervivencia, aunque su dosis para no dormir previa les permiten escapar y matar el duplicado de Jack mientras encierran a Kibner en una habitación refrigerada. 

Matthew y Elizabeth se reúnen con Nancy, quien ha aprendido a evadir a los "duplicados" ocultando sus emociones.

Los dos siguen su ejemplo, pero su ocultación no dura nada  y se desvanece cuando Elizabeth grita al ver a un perro mutante , el de un mendigo al que Matthew conocía, con rostro humano. Se separan de Nancy en su fuga y montan rápidamente un camión que lleva las vainas al muelle 70, lugar en el que los "duplicados" los cultivan y tienen la intención de enviarlos a otras ciudades muy pobladas. 

Mientras Matthew explora el área en un intento de huir a bordo de un barco vacío, Elizabeth pronto se duerme y se duplica antes de que el primero regrese. Cuando llega Matthew es demasiado tarde y Elizabeth , desnuda, le pide a su amigo que se entregue que ahora la vida es más dulce, sin problemas. 

Horrorizado y enfurecido, Matthew irrumpe en el almacén del muelle y , tras subir, a la planta alta decide quemar el edificio, destruyendo varias plantas y matando a muchas vainas. 

Después de eso escapa al exterior y  se esconde debajo del muelle a medida que llegan más duplicados que lo buscan continuamente. 

A la mañana siguiente, Matthew regresa al departamento de salud y es testigo de como algunos chicos, de escolares, son llevados para ser duplicados mientras se preparan más plantas para las ciudades restantes de la costa oeste. 

Mientras se dirige hacia el Ayuntamiento , Matthew se encuentra con Nancy, que en silencio le pide ayuda. Sin embargo, Matthew, en cambio, señala con el dedo a Nancy y grita. Para su horror, Nancy se da cuenta de que Matthew también se ha convertido en un duplicado mientras es uno de los pocos humanos que quedan en la ciudad. Al final, Nancy se queda gritando impotente.

La película fue rodada entre febrero y abril de 1978 . Se rodó en distintos puntos de la localidad californiana de San Francisco. En concreto se rodó en el San Francisco Health Department, en Montgomery Street en pleno Telegraph Hill,en la Napier Lane, en Steiner Street, en Alamo Square, en el Bimbo's 365 Club en la céntrica Columbus Avenue, en Broadway Tunnel de Russian Hill, en Castle Street sita en Telegraph Hill, en Chinatown, en el Ayuntamiento de San Francisco en City Hall en el 1 de Dr. Carlton B. Goodlett Place, en Eddy & Leavenworth Sts.en The Tenderloin, en Lafayette Park a la altura de Pacific Heights, en Powell & Market Streets, en Presidio, cerca del Golden Gate National Recreation Area, en la base del piramidal edificio de Transamerica Pyramid en la céntrica Montgomery Street - que para entonces era la sede matriz de United Artists, que produjo esta película -, en Broadway & Columbus en North Beach de San Francisco, en California & Front Streets en el distrito financiero - Financial District- , en Hamlin Hotel en Eddy Street, en algunas naves de embarcadero como los Pier 33, Pier 70. También se rodó en Postcard Row en Alamo Square, Ramada Plaza Hotel Downtown que está en Market Street, en Union Square y United Nations Plaza, así como en San Francisco Drydock en The Dogpatch. 

Durante el rodaje Donald Sutherland fue atropellado por un escarabajo, un Volkswagen , mientras se filmaba una toma de Matthew y Elizabeth corriendo. Cayó sobre el parabrisas y pudo ver al conductor que decía "¡Dios mío! ¡Tú no!". Donald Sutherland insistió en realizar sus propias acrobacias en el clímax de la película. Sus escenas en la fábrica de cápsulas fueron filmadas sin arneses ni redes. La película presenta algunos cambios argumentales respecto a la versión original pero son pocos importantes. Además de  lo relacionados con el cambio de época (22 años después) esta versión no tiene lugar en un pequeño pueblo de California, sino en una ciudad entre tinieblas como San Francisco. El final también es diferente ya que en vez del abierto de la versión de 1956, deja claro que, al final, ganan las vainas. 

El director Philip Kaufman era un fanático de la película de 1956, una referencia cinematográfica aunque no había leído la novela hasta después de que accediera a dirigir el remake. El mismo director declaró que "Pensé, 'Bueno, esto no tiene que ser una nueva versión como tal. Puede ser una nueva visión que fue una variación de un tema', dijo en 2018, en el 40 aniversario de la película. 

El primer cambio que anticipó fue filmar en color ; el segundo fue cambiar la ubicación para llevarla a San Francisco. Señaló que "¿Podría suceder en la ciudad que más amo? ¿La ciudad con las terapias más avanzadas y progresivas, política, etc? ¿Qué pasaría en un lugar así si las vainas aterrizaran allí y se extendiera ese elemento? " 

El director de fotografía Michael Chapman trabajó con Kaufman para tratar de capturar la sensación de cine negro del original en color, repasando algunos clásicos de ese género antes de la producción. Algunas de las cosas que tomaron prestadas fueron escenas con luz dando paso a sombras y disparando desde ángulos inusuales. Usaron ciertos matices de color para indicar que algunos personajes ahora eran personas duplicadas. "Cuando corren a lo largo de Embarcadero y las grandes sombras aparecen primero, esas son imágenes clásicas de cine negro", declaró el director. 

El editor de sonido Ben Burtt , que había ayudado a crear muchos de los sonidos característicos de Star Wars el año anterior, también se sumó al ambiente de la película. Los sonidos naturales que se mezclan con los ruidos industriales de la ciudad dan paso a este último a medida que avanza la película. Entre ellos se encuentran los ruidos de los camiones de basura, un sonido urbano común que lentamente se vuelve horrible a medida que queda claro que la mayoría de lo que están procesando son las cáscaras desechadas que quedan de los cuerpos humanos anteriores a duplicarse. 

Ben Burtt también diseñó el icónico chillido cuando la gente de la manada ve a un humano sobreviviente, un sonido que Kaufman dijo que estaba compuesto de muchos elementos, incluido el chillido de un cerdo. 

Todos los efectos especiales fueron creados en vivo para la cámara. La escena al principio donde las cápsulas viajan a través del espacio desde su mundo natal  hasta San Francisco fue una de las más simples. 

El director declaró que "Encontré material viscoso en una tienda de arte, creo que pagamos $ 12 por una gran tina y luego [lo dejamos caer] en soluciones y revertimos la película". El perro con la cara del jugador de banjo, otro momento efectivo más adelante en la película, incluyó un mecanismo por el cual la criatura parecía lamerse. 

La película presenta una serie de cameos . Kevin McCarthy , quien interpretó al Dr. Miles Bennell en  la original Invasion of the Body Snatchers , hace una breve aparición como un hombre  que grita frenéticamente "¡Ya vienen!" pasando junto a los coches en las calles de San Francisco. 

Kaufman quería ese cameo para vincular las dos películas, como si hubiera estado "metafóricamente" corriendo por el país desde la película original gritando sus advertencias. Mientras filmaban la escena,  Kaufman recuerda que un hombre tirando en la calle lo reconoció y al saber que estaba rodando el remake de la original Invasion of the Body Snatchers  le dijo a McCarthy que esa película era mejor. "¡Estábamos en medio de la filmación de la película y obtuvimos nuestra primera crítica!".

El director de la película original, Don Siegel , aparece como un taxista que alerta a la policía sobre el intento de Matthew y Elizabeth de huir de la ciudad. 

Robert Duvall también es visto brevemente como un sacerdote silencioso sentado en un columpio en la escena de apertura aprovechando que era amigo personal del director y que se encontraba en San Francisco en el momento de la filmación, filmando su única escena gratis . 

El mismo director Kaufman así como su mujer aparecen tanto como un hombre con un sombrero que molesta al personaje de Sutherland en una cabina telefónica, y la voz de uno de los funcionarios con los que el personaje de Sutherland habla por teléfono. Su esposa, Rose Kaufman, tiene un pequeño papel en la fiesta del libro como la mujer que discute con el personaje de Jeff Goldblum.

También como cameo aparece en el papel de Harry, el hombre sin techo que toca el banjo es el líder de Grateful Dead, Jerry García. La canción que se está reproduciendo (y cantando) es el tradicional "Going Down the Road Feeling Bad", que es una melodía habitual interpretada por The Dead en presentaciones en vivo, y aparece en varios álbumes en vivo. 

McCarthy y Siegel jugaron un papel en la idea final de la película . Antes de filmar, Kaufman había pedido consejo a Siegel, y mientras los dos hablaban en la oficina de este último, McCarthy entró. El tema finalmente llegó al final de la película original, que consideraron como "palmadita". Después de encontrar el final que usó, lo mantuvo en secreto para todos los involucrados en la filmación, excepto el guionista WD Richter y el productor Robert Solo . Sutherland solo fue informado de la escena la noche anterior al rodaje; Kaufman no estaba muy seguro de que Cartwright lo supiera hasta que Sutherland se giró para señalarla y gritarle.  

Los ejecutivos del estudio solo se enteraron cuando vieron una muestra de la película en la casa de George Lucas . 

La banda sonora de Denny Zeitlin fue publicada en Perseverance Records ; Es la única partitura cinematográfica que Zeitlin ha compuesto. 

Kaufman dijo sobre el reparto que Leonard  Nimoy, estaba encasillado y esta [película] fue un intento de sacarlo de eso, refiriéndose a las peculiaridades similares que el Dr. Kibner. Eso sí, suya fue la idea del medio guante de cuero que usa el Dr. David Kibner (Leonard Nimoy) y se usó deliberadamente con el único propósito de hacer que el personaje sea más distintivo y reconocible. Nimoy tuvo la idea de un amigo que lo usó para cubrir una quemadura en su mano. .

Según Kaufman, fue Mike Medavoy , entonces jefe de producción de United Artists , quien sugirió el reparto de Donald Sutherland como protagonista. El personaje de Sutherland tenía un peinado rizado similar al de otro personaje que interpretó en Don't Look Now (1973). "Tendrían que arreglar su cabello con rulos rosados ​​todos los días", recordó la coprotagonista Veronica Cartwright.  Según Zeitlin, el personaje de Sutherland fue escrito pensando originalmente como un "músico de jazz vocacional" al principio del desarrollo. 

El director alentó a sus actores a llenar los espacios entre el diálogo con expresiones faciales. "A menudo, las personas en el set o en el estudio están tan preocupadas por obtener contenido, y el contenido no necesariamente hará que la escena esté llena de humanidad o sienta compasión, diversión y humor", declaró  Kaufman en  The Hollywood Reporter . 

Las intenciones del director no estaban muy claras. Así, mientras que la primera película era una clara advertencia anticomunista (vigila a tu vecino, puede ser un enemigo oculto), esta carga política se pierde en la versión de Kaufman. El ambiente conservador de la película del '56 ha sido sustituido por una California de finales de los '70 mucho más abierta y tolerante, y los malos son simplemente eso: malos. Además es la más terrorífica de todas las versiones, con unos excelentes efectos especiales. 

En la década de 1990 se estrenó una nueva versión a cargo de Abel Ferrara titulada Secuestradores de cuerpos (1993). 

Y en 2007 se estrenó una versión más titulada The Invasion, en este caso protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig. De igual manera Veronica Cartwright, protagonista en este largometraje de 1978, hace una pequeña aparición en la nueva versión de 2007, The Invasion, donde interpreta el papel de paciente de Nicole Kidman al comienzo del largometraje. 

La película se estrenó en diciembre de 1978 y recaudó un total de casi $ 25 millones en los Estados Unidos. 

A lo largo del año 1979 la película recibió algunos Premios como los Saturn al mejor director y al Mejor sonido. En los Saturn la película  fue nominada a la mejor película de ciencia ficción,  al mejor actor, mejor actriz, a mejor actor de reparto, a los mejores efectos especiales y mejor maquillaje.

Consiguió el Premio del Festival de Cine Fantástico de Avoriaz a Philip Kaufman.

Entre las nominaciones destacan el Premio Hugo a la mejor representación dramática. También la Writers Guild of America Award , o sea, el Sindicato de Guionistas (WGA) nominó a la película al mejor guion adaptado.

En cuanto a las críticas destacan la opinión de Pauline Kael, en The New Yorker al decir que  "puede ser la mejor película de su tipo jamás realizada".

En Variety se dijo que es "valida todo el concepto de remakes. Esta nueva versión del clásico de culto de Don Siegel de 1956 no solo coincide con el original en tono y efecto horribles, sino que lo supera tanto en la concepción como en la ejecución".

Gene Siskel  dijo que era "una de las películas más entretenidas en lo que resultó ser una triste temporada de películas navideñas".

Kevin Thomas del Los Angeles Times comentó que era "un éxito completamente aterrador por derecho propio. No es literalmente una nueva versión, es más una secuela, en realidad, esta hermosa y altamente imaginativa película genera sus propias implicaciones a partir de la fuerte alegoría de deshumanización de Finney e incluso se divierte en el proceso."

La película no estuvo exenta de críticas negativas. Janet Maslin, del New York Times , escribió que " lo que la espeluznante película de Kaufman  genera es tan locamente ubicua que se vuelve divertida" Y añade que es "Un deslumbrante remake de uno de los clásicos del terror más inteligentes jamás creados (...) Funciona a la vez como una carta de amor a la original y como una broma de buen gusto."

Roger Ebert del Chicago Sun Times escribió que "se dice que tiene algo que ver con Watergate y llevar la cuenta de los que no son como tú”, y valoró la alabanza de Pauline Kael para la película como 'inexplicable', mientras que en Time Richard Schickel decía de  su guión que era "ridículamente literal".

La Enciclopedia de Cine Aurum de Phil Hardy calificó la dirección de Kaufman como "menos segura" que el guión.

Gary Arnold del The Washington Post destaca que "Es interesante analizar cómo Kaufman (...) se las ingenia para explotar y refinar los elementos tanto de la novela de Finney como de la original de Siegel para obtener un remake imaginativo, hábil y un tanto cohibido."

Keith Phipps de AV Club señala que "Alterna el comentario social con algunos sustos genialmente elaborados. Rememora el clásico de Siegel de 1956 al mismo tiempo que lo reinventa, aunque aporta pocas novedades a una fórmula de eficacia probada."

Meagan Navarro de Bloody Disgusting destaca que "Fue el remake que impuso el estándar a todos los que estarían por llegar en el futuro (...) Los efectos especiales tienen una factura realmente impresionante."

Kevin Carr en Film School Rejects señala que es "Una de las joyas del cine de terror junto con 'The Thing' de John Carpenter (...) Tiene fuerza, es visceral y perturbadora; un visionado que cualquier aficionado del género se arrepentirá de no haber visto."

El estudioso del cine M. Keith Booker postuló que la "atmósfera paranoica" de la película la vincula con otras películas fuera del género de ciencia ficción, y que "tiene un claro parecido familiar con los thrillers de conspiración paranoica como The Parallax View (1974) de Alan J. Pakula . "

Chris Barsanti, en The Sci-Fi Movie Guide en 2014, elogió las actuaciones de Adams y Sutherland, pero criticó algunos elementos de la película, escribiendo: "La sutileza del original de Donald Siegel da paso a llamativos F/X y trabajo de cámara artístico conscientemente consciente ... la película también es excesivamente larga, aunque ciertamente tiene sus momentos impactantes ".

Para Joe Morgenstern del The Wall Street Journal la película "Honra el género de los remakes"

Kim Newman en la británica revista Empire comenta que "Los expertos de cine de los años 70 reconocerán esta obra como una de las películas norteamericanas de ciencia ficción más inteligentes y espeluznantes de la década (…) "

Tim Robey en  el diario británico en Telegraph que "Un viaje alucinante y paranoico. Es una especie de montaña rusa que mantiene una profunda relación con la original de Siegel, sin pretender machacarla o reemplazarla. Parece más una continuación que un clon."

Para algunas publicaciones, como la Rolling Stone, Invasion of the Body Snatchers (1978) ha sido considerado como uno de los mejores remakes cinematográficos jamás realizados . Y yo añado que es una película adecuada para esta situación de confinamiento que vivimos.

Living in Alien

No se el número de veces que habré visto Alien: el octavo pasajero, o simplemente Alien en su versión original. Hay ideas y nombres de esta película que son imborrables léase Ripley , o Nostromo, incluso Prometheus, y, por supuesto, el término Alien. Han sido todas las películas de la saga, incluso aquellas que han partido de la misma. Me refiero a sino todas que han integrado la saga a saber - aparte de al original- Aliens: el regreso (1986), Alien 3 (1992), Alien: Resurrección (1997), y las subsidiarias como Alien vs. Predator (2004) y Aliens vs. Predator: Requiem (2007), con la única excepción de la última Prometheus (2012). Para 2017 está programada otra Alien: Covenant (2017).

La primera escena que vi desde filme y que sacaron en un programa sobre las películas que se estrenaban en el cine fue la comida en Nostromo, justo cuando Gilbert Kane (John Hurt), oficial al mando, despierta aparentemente ileso, y parece haberse recuperado del ataque de la larva alienígena y proceden a comer antes de entrar nuevamente en hipersueño, cuando Kane comienza a asfixiarse convulsivamente hasta que una larva emerge violentamente de su pecho, matándolo en el acto, y escapando para ocultarse en la nave. No sólo me impactó a mí, parece ser que incluso el elenco se exaltó y perturbó al momento de realizar la toma, hecho que favoreció a popularizar la cinta.

Es todo un icono del cine de ciencia ficción y terror, de un director Ridley Scott y desde su estreno en  en 1979 toda una referencia estética. El título de la película hace referencia a una criatura alienígena que acecha a la tripulación de una nave espacial.

Para su realización  Ridley Scott contó con una pléyade de productores de importancia como Gordon Carroll, David Giler y Walter Hill y contndo con la participación de la  20th Century-Fox ( también como distribuidora) , Brandywine-Ronald Shushett  que dudaron poco en invertir los 11 millones de dólares, casi una bagatelas comparada con la recaudación de casi 105 millones de dólares.

En el apartado técnico destaca el guión de  Dan O'Bannon y  Ronald Shusett , la música de Jerry Goldsmith, la fotografía de Derek Vanlint y el montaje de Terry Rawlings y Peter Weatherley .

Su reparto estuvo integrado por los un grupo muy reducido de actores y actrices formado por Sigourney Weaver como la suboficial Ellen Ripley, Tom Skerritt como como Arthur Dallas, capitán y oficial en jefe, Veronica Cartwright como Joan Lambert, oficial de navegación, Harry Dean Stanton como Samuel Brett, ingeniero técnico, John Hurt como Gilbert Kane, oficial al mando, Ian Holm como Ash, oficial científico y Yaphet Kotto como Dennis Parker, ingeniero en jefe. A ellos se le unió Bolaji Badejo como el alienígena aunque los especialistas de cine Eddie Powell y Roy Scammell también interpretaron a la criatura en algunas escenas.

La historia hiperreconocible en mi memoria , dado el número de veces que he visto la película, se inicia en una nave espacial de transporte comercial, la U.S.C.S.S. Nostromo, que  regresa a la Tierra proveniente del planeta ficticio Thedus, con un remolque de veinte millones de toneladas de mena.

Los siete miembros de la tripulación están en un estado de sueño criogénico. Al recibir una transmisión de origen desconocido, procedente al parecer de la luna de un planeta cercano,  el ordenador central de la nave, «Madre», despierta a la tripulación.

En un principio creen que están en las proximidades de la Tierra, hasta que descubren que se hallan en una región fuera del sistema solar. El capitán Dallas les comenta que la computadora cambió el rumbo de la nave para acudir a una señal anormal que la nave recibe cada doce segundos, y que Madre identifica como una alerta de auxilio.

Dallas asume la responsabilidad de investigarla y, con la ayuda del oficial científico Ash, persuade al resto del equipo para que colabore.

Gracias a cálculos de trayectoria realizados por la nave, descubren que están en el sistema extrasolar Zeta II Reticuli, en los límites de astronavegación, y se dirigen hacia un destino desconocido.

Finalmente, la Nostromo llega a la luna de un planeta gigantesco gaseoso anillado e inexplorado. En ella, la tripulación desengancha a Nostromo del remolque y la nave desciende hacia donde se originó la transmisión; en su aterrizaje, la nave sufre algunos daños.

El capitán Dallas, el oficial ejecutivo Kane y la navegante Lambert salen a la superficie del planetoide a investigar el origen de la señal, mientras que la suboficial Ellen Ripley, Ash, y los ingenieros Brett y Parker se quedan en la nave para monitorearlos y hacer reparaciones.

Dallas, Kane y Lambert descubren que la señal viene de lo que parece ser una nave espacial alienígena varada desde hace tiempo. Dentro encuentran los restos fosilizados de un extraterreste gigante sentado en la silla del piloto, con un boquete en su abdomen perforado de adentro hacia afuera.

Mientras tanto, Ripley ordena a Madre que realice una minuciosa decodificación binaria del código extraterrestre para su interpretación; durante la actividad, se percata de que el mensaje es uno de advertencia y no una solicitud de socorro como les hizo creer la computadora.

Dentro de la nave abandonada, Kane descubre una enorme cámara llena de numerosos huevos, uno de los cuales libera una criatura que se adhiere a su casco, derritiendo su visor y dejándolo inconsciente.

Dallas y Lambert lo llevan a la Nostromo, donde Ash les permite entrar, a pesar del protocolo de cuarentena activado por Ripley.

Una vez en el interior de la nave, Dallas y Ash intentan arrancar la alimaña del rostro de Kane, pero descubren que la sangre de la alimaña es un ácido extremadamente corrosivo. Finalmente, la criatura se desprende por sí sola y cae muerta.

Con la nave reparada, la tripulación despega, acopla el remolque y retoma el viaje hacia la Tierra. Kane despierta aparentemente ileso, pero durante una comida antes de entrar nuevamente en hipersueño, Kane comienza a asfixiarse convulsivamente hasta que una larva emerge violentamente de su pecho, matándolo en el acto, y escapando para ocultarse en la nave.

La tripulación decide intentar localizar y capturar al monstruo con sensores de movimiento, armas de electrochoque y lanzallamas y descartar el uso de armas convencionales ya que la sangre de la criatura podría disolver parte del casco de la Nostromo.

Mientras Brett busca a «Jones», el gato de la tripulación, llega a una sala en la que encuentra al engendro ya desarrollado,  que lo asesina antes de desaparecer por los conductos del sistema de ventilación de la nave.

Dallas lo sigue con la intención de forzar a la cosa a entrar en una esclusa donde pueda ser expulsada hacia el espacio, pero el ser le tiende una emboscada y lo mata.

Lambert les pide a los demás que escapen en una lanzadera, pero Ripley, siguiente al mando, se niega alegando que la lanzadera no podría dar soporte vital a cuatro personas.

Tras acceder a «Madre», Ripley descubre que Ash recibió secretamente órdenes de llevar la nave hasta su corporación propietaria con el alienígena dentro, a expensas de lo que le pudiese ocurrir a los demás pasajeros.

Ash le ataca bruscamente, pero Lambert y Parker intervienen, siendo este último quien golpea a Ash con un extintor decapitándolo, revelando a la tripulación que en realidad Ash es un androide.

Antes de ser incinerado, Ash les indica a los tripulantes que no sobrevivirán. Más tarde, los sobrevivientes idean un plan para activar el sistema de autodestrucción de la Nostromo y escapar en la lanzadera.

Mientras Ripley, inicia la secuencia de autodestrucción; Lambert y Parker son emboscados y asesinados por la criatura mientras recolectan pertrechos para el escape. A continuación, Ripley se dirige a la lanzadera con Jones, pero el Alien le bloquea el camino, pero alcanza a escapar de él.

La suboficial intenta, sin éxito, abortar la autodestrucción, y vuelve a la compuerta de la lanzadera. Para su alivio, el ser ya no se halla ahí y Ripley logra escapar en la cápsula antes de que la Nostromo explote. Mientras se prepara para entrar en hipersueño, Ripley descubre que el monstruo se encuentra con ella en la lanzadera.

Tras ponerse un traje espacial, ella despresuriza la lanzadera al abrir la escotilla, logrando finalmente expulsar el organismo fuera de la nave con ayuda de un gancho que lanza contra la criatura. Sin embargo el cable del gancho termina atascándose en la puerta y el xenomorfo se mantiene sujeto al cable tratando de introducirse en la nave por uno de los motores. Finalmente Ripley activa los motores y el impulsor envía al monstruo al espacio, deshaciéndose de él.

En las escenas finales se ve a Ripley entrando en hipersueño junto con el gato antes de su retorno a la Tierra.

Al comienzo del proyecto de la película 20th Century Fox no tenía muchas expectativas respecto al éxito comercial, ya que era solo otra «cinta de suspense de bajo presupuesto», lo cual quedaba confirmado por los fondos asignados por los estudios para el rodaje. Mientras estudiaban cinematografía en la Universidad del Sur de California, Dan O'Bannon, John Carpenter y Ron Cobb realizaron un filme de ciencia ficción y comedia titulado Dark Star (1974). Para representar a uno de los personajes que era un alienígena utilizaron una pelota de playa pintada con aerosol. Cobb no quedó muy convencido con la apariencia del extraterrestre y manifestó su interés en representar uno «que se viera real».

Ocho años más tarde empezó a escribir una historia similar a la de aquella película pero más centrada en el género del terror: «quería hacer una película aterradora ambientada en una nave espacial, con unos cuantos astronautas [...] Una Dark Star de terror en vez de una comedia», comentó Cobb.

Simultáneamente Ronald Shusset trabajaba en el guion de Total Recall (1990) y, después de ver Dark Star y quedar impresionado con la trama, contactó a O'Bannon para proponerle trabajar juntos en sus respectivos guiones. Este último accedió y entre ambos acordaron desarrollar primero la trama de los extraterrestres, considerando que iba ser la menos costosa de producir.

Para entonces O'Bannon ya tenía desarrollado un borrador de veintinueve páginas titulado Memory en el que, tras despertar de un sueño inducido, un grupo de astronautas se percata de que su viaje espacial se ha visto interrumpido por una señal que recibieron proveniente de un planetoide desconocido, al cual acuden para investigar al respecto. Esta escena fue incluida en la introducción de Alien: el octavo pasajero.

No obstante, el guionista todavía no tenía una idea clara de la apariencia que iba a tener su extraterrestre. Poco después viajó a París cpara trabajar en  la adaptación de la novela Dune, lo que le llevó a permanecer en Francia por seis meses.

Aunque el proyecto fue cancelado, O'Bannon tuvo la oportunidad de conocer a otros escritores y artistas de ciencia ficción como Chris Foss, H. R. Giger, y Jean «Moebius» Giraud, cuyas ideas y conceptos tendrían repercusión en la historia que estaba desarrollando.

Las carátulas de los libros de ciencia ficción de Foss lo dejaron impresionado, mientras que el trabajo de Giger le pareció «perturbador». En sus palabras: «sus ilustraciones tuvieron un profundo impacto en mí. Nunca había visto nada tan horrible y al mismo tiempo tan hermoso como sus trabajos. Acabé escribiendo un guion sobre el monstruo de Giger».

De regreso en Los Ángeles y tras mudarse con Shusett, retomó Memory. Este último le sugirió que agregara una escena parecida a una que ya O'Bannon había usado en uno de sus filmes anteriores para explicar la infiltración del extraterrestre en la nave, Shusett propuso que uno de los astrounautas tuviera implantado un embrión alienígena en su estómago, el cual saldría abruptamente al exterior al terminar su gestación.

Para este momento el  título provisional era Memory —Recuerdo—, se cambió por Star Beast o Bestia estelar. De cualquier manera a O'Bannon no le gustó y prefirió renombrarlo como «Alien», pues se percató que era un término que aparecía mucho en el libreto. Shusett estuvo de acuerdo con el cambio al considerar que era sencillo e implicaba una connotación gramatical al poder aplicarse como sustantivo y adjetivo, era un nombre más simple y pegadizo que los anteriores.

O'Bannon se inspiró en varias obras de ciencia ficción y de terror; en una ocasión comentó: «yo no le robé Alien a nadie. ¡Se lo robé a todos!». De hecho la película tiene mucho de metacine. Por ejemplo, el concepto de un entorno claustrófobico en el que la bestia va persiguiendo a la tripulación provino de The Thing from Another World (1951); la advertencia que recibe la nave respecto a no aterrizar en el planetoide misterioso, y el hecho de que la criatura vaya matando uno a uno a los tripulantes es similar a la idea de Forbidden Planet (1956); la escena en la que descubren el esqueleto gigante de un extraterrestre proviene de Terror en el espacio (1965); y el hallazgo que hace la tripulación de la cámara repleta de huevos de xenomorfo corresponde al relato corto «Junkyard» (1953), de la autoría de Clifford D. Simak.

Otras influencias importantes incluyeron la novela Strange Relations de Philip José Farmer (1960) —que aborda la reproducción extraterrestre— y varias historietas de terror de la editorial EC Comics que tienen tramas en común en la que seres monstruosos comen humanos que encuentran a su paso.8 Cuando tenían un 85 % del guion terminado, O'Bannon y Shusett decidieron enviárselo a varios estudios para su aprobación, promoviéndolo como una versión de «Tiburón en el espacio».

Cuando estaban por llegar a un acuerdo con la productora de Roger Corman, un amigo suyo les sugirió buscar una mejor opción tras enviarle el libreto a Walter Hill, David Giler y Gordon Carroll, propietarios de los estudios Brandywine que a su vez tenían una estrecha relación con 20th Century Fox.

Tan pronto firmaron un acuerdo, Hill y Giler expresaron su insatisfacción con el guion así que empezaron a hacerle varias modificaciones. Esto provocó tensión con los guionistas originales, especialmente por el hecho de que Hill y Giler carecían de experiencia en el género de la ciencia ficción y de acuerdo con Shusett ellos «no fueron buenos al mejorarlo, o al menos en no empeorarlo más». Estos últimos fueron los responsables de agregar al personaje de Ash el androide, que para O'Bannon y Shusett resultaba innecesario, aunque luego Shusett cambió de opinión y lo describió como «una de las mejores cosas de la película... Todo ese hilo argumental y el escenario surgió de ellos».

Hill y Giler llevaron a cabo hasta ocho revisiones del guión; no solo se centraron en desarrollar el papel de Ash, sino que también se esforzaron en hacer más naturales los diálogos y le proporcionaron un mayor énfasis a ciertas escenas del planetoide.

Al principio la postura de Fox respecto al financiamiento de Alien era de recelo ya que consideraban arriesgado invertir en una película de ciencia ficción en esa época. Sin embargo, esta percepción cambió completamente tras el éxito de Star Wars en 1977.  De acuerdo a Carroll: «la ciencia ficción se volvió en el género popular después de que Star Wars se estrenó y tuvo todo ese extraordinario éxito».

O'Bannon comentó que «ellos [los ejecutivos de Fox] querían replicar el éxito de Star Wars. Y querían hacerlo pronto; el único guion de naves espaciales que tenían en ese momento sobre su escritorio era el de Alien». Finalmente, Fox aprobó un presupuesto inicial de 4,2 millones de dólares para Alien, dando así comienzo a la fase de producción.

Ahora había que encontrar a un director y el reparto. O'Bannon pensaba que él iba a dirigir Alien pero Fox se decidió por Hill, que rechazó la propuesta debido a que tenía otros compromisos cinematográficos en ese momento, aunque también confesó que no se iba a sentir cómodo con los numerosos efectos visuales que necesitaba la cinta.

Otros cineastas contemplados por Fox fueron Peter Yates, Jack Clayton y Robert Aldrich, sin embargo ninguno de ellos se habría tomado en serio la trama y podrían haberla filmado como una cinta de monstruos de bajo presupuesto de acuerdo a los guionistas y Brandywine.

Asombrados por Los duelistas (1977), que significó el debut fílmico de Ridley Scott, Giler, Hill y Carroll le propusieron la dirección y este accedió sin dudarlo.

Pronto Scott comenzó a crear guiones gráficos que lograron convencer a Fox del potencial que tenía la película, decidiendo incrementar el presupuesto a 8,4 millones USD

Algunas de estas ilustraciones incluían el diseño de la nave y los trajes espaciales, los cuales están influenciados por las películas 2001: A Space Odyssey y Star Wars. Dado que parte de la película transcurre en la Nostromo y en exteriores espaciales, se tuvieron que utilizar dos estudios de rodaje distintos, algo poco común para esa época.

Al igual que O'Bannon, Scott se esforzó por hacer una película que tuviera elementos predominantes del género de terror, y la describió como «la The Texas Chain Saw Massacre de la ciencia ficción».

O'Bannon le mostró a Scott varias obras de H. R. Giger, entre las que figuraba Necronom IV —predecesor del diseño del alienígena—. Esta obra les agradó mucho porque se asemejaba a lo que buscaban para la apariencia del antagonista de la película, motivo que los llevó a solicitarle a Fox su reclutamiento, pese a que para los estudios su trabajo resultaba «muy tétrico y cadavérico».

De acuerdo a Gordon Carroll: «desde el primer instante en que Ridley miró la obra de Giger, supo que el mayor problema de diseño y quizá el más serio en la película estaba resuelto». Scott tomó un vuelo a Zürich para reunirse con Giger, y una vez ahí le explicó a detalle el concepto de Alien, y le pidió que se hiciera cargo de los diferentes diseños.  Sin embargo, Scott persuadió al equipo de producción para que aumentara el presupuesto, al asegurar que la trama tendría un tono más serio.

H. R. Giger fue el encargado de diseñar el aspecto «biomecánico» del monstruo, así como la apariencia industrial de la nave, además de decorar personalmente algunos de los sets principales.

En cuantos a los actores empezaremos por el que no se identifica y fue Bolaji Badejo como el alienígena. Un integrante del equipo de producción descubrió a Badejo en un bar, un nigeriano que en ese entonces estudiaba diseño. Después de entrevistarlo, lo puso en contacto con Scott, para quien Badejo resultó ideal para representar a la criatura ya que sus brazos y piernas eran muy largos, lo que a su parecer haría creer a la audiencia que el alienígena no podía tratarse de un ser humano disfrazado. Los especialistas de cine Eddie Powell y Roy Scammell también interpretaron a la criatura en algunas escenas.

La cara más visible de la saga Alien es Sigourney Weaver como Ellen Ripley. Se trata de  la suboficial lo curioso es que fue la última en integrarse el elenco. La decisión de dar el personaje principal a una mujer provino de Giler y Hill, que sentían que eso podría ayudar a Alien a destacar en un género como el de la ciencia ficción, dominado por personajes masculinos. Weaver, que tenía experiencia en Broadway pero que era relativamente desconocida en el cine, impresionó a Scott, Giler y Hill con su audición. Realizó sus pruebas de cámara en los estudios, mientras construían los sets. El rol de Ripley fue el primer papel protagónista de Weaver, y le hizo ganar nominaciones al Saturn a la «Mejor Actriz» y un BAFTA como la «Principiante más prometedora en un rol protagonista en el cine».  Lo curioso es que su papel iba para otra de las actrices de la película, Veronica Cartwright.

Veronica Cartwright como Joan Lambert, era oficial de navegación. Cartwright tenía experiencia en películas de terror y ciencia ficción habiendo actuado en Los pájaros (1963) e Invasion of the Body Snatchers (1978). Originalmente tenía el papel de Ripley, y no fue informada del cambio de rol hasta que llegó a Londres por cuestiones de vestuario. A Cartwrihgt le disgustó que su personaje fuera emocionalmente débil, pero aceptó el papel: «Me convencieron de que yo representaba los miedos de la audiencia; yo era un reflejo de cómo se sentía el público». Cartwright ganó un Saturn a la «Mejor actriz de reparto» por su papel.

Otra de las caras conocidas del reparto es Ian Holm como Ash, oficial científico.Era ya un actor veterano que ya había participado en veinte películas, fue el miembro del reparto que contaba con mayor experiencia cinematográfica. Su papel de androide más tarde en otras entregas que tendrá el nombre de Bishop sería asumido por otro actor., Lance Heriksen.

John Hurt como Gilbert Kane, oficial al mando era otra de las caras conocidas del cine británico. Hurt resultó ser la primera elección de Scott para el personaje, pero no se encontraba disponible por cuestiones de agenda puesto que trabajaba en esa época en Sudáfrica, así que Jon Finch accedió a interpretar el personaje en su lugar. Sin embargo, Finch se enfermó el primer día de rodaje y le diagnosticaron diabetes severa y bronquitis. Debido a esto, Hurt llegó a Londres para sustituirlo. Su actuación le valió una nominación para el premio BAFTA al «Mejor actor de reparto».

Yaphet Kotto como Dennis Parker, ingeniero en jefe. Kotto, un afroamericano, fue elegido para dar diversidad étnica y una sensación de internacionalidad a la tripulación de la Nostromo. Se le envió una copia del guion poco después de haber participado en la película Vive y deja morir (1973). No obstante, tuvo que pasar un tiempo para que, junto con su agente, negociara la participación en el filme.

Tom Skerritt como Arthur Dallas, capitán y oficial en jefe. A Skerritt, un personaje más vinculado en la actualidad con las series de televisión que en el cine,  lo contrataron en fases tempranas del rodaje, pero rechazó el rol debido al bajo presupuesto y a la ausencia de un director al frente de la producción. Más tarde, cuando Scott asumió la dirección y el presupuesto se duplicó, Skerritt aceptó el papel de Dallas.

Harry Dean Stanton como Samuel Brett, el ingeniero técnico y figura importante como secundario en el cine, que me hace reir como pocos por su pequeño papel en la milla verde, tuvo estas primeras palabras con Scott: «no me gustan las escenas de ciencia ficción o las películas de monstruos». A Scott le divirtió aquello y convenció a Stanton de actuar en el rol de Brett, después de asegurarle que Alien era realmente un thriller más bien parecido a la película Diez negritos (1974)

Las audiciones y selección del reparto se llevaron a cabo de forma simultánea en Nueva York y Londres, para lo cual contrataron a dos directoras de casting: Mary Goldberg para Estados Unidos y Mary Selway para Reino Unido.

Es curioso, pero los guionistas O'Bannon y Shusett prefirieron centrase en el Alien antes que en llenar de personalidad  al elenco conformado por siete personajes humanos «[de sexo] intercambiable», de tal forma que Scott, Selway y Goldberg podían elegir con qué actor o actriz trabajar según la personalidad y rasgos que definieran para cada personaje.

La prioridad de Scott era buscar actores con experiencia para que así pudiera centrarse en desarrollar el estilo visual de la película. Inspirado por el concepto de «futuro explorado» de Star Wars huyó de  la idea de astronautas como «camioneros espaciales», para dar  la apariencia de trabajadores espaciales en un entorno realista.

Scott detalló en varias páginas el trasfondo de cada personaje para asegurarse de que los actores contaran con material suficiente para interpretar su rol.

Grabó también algunos de los ensayos con la finalidad de capturar la espontaneidad, improvisación y tensiones que había en el reparto, especialmente de la entonces inexperta Weaver, y posteriormente incluir esas tomas en la película para transmitir esa misma sensación en los personajes.

Para el crítico de cine Roger Ebert, el hecho de que el reparto estuviese integrado por actores de mayor edad que aquellos que solían aparecer en las cintas de suspenso le proporcionó veracidad a la trama y actuaciones de Alien. En su opinión: Ninguno de ellos es particularmente joven. Tom Skerritt, el capitán, tenía 46; Hurt tenía 39 pero se veía mayor; Holm tenía 48; Stanton 53, Yaphet Kotto 42. Solo Weaver y Veronica Cartwright, que tenían 29 y 30 años, tenían la edad promedio del reparto usual de un filme de suspenso. En Alien  no son aventureros sino trabajadores contratados por una empresa para traer 20 millones de toneladas de minerales a la Tierra.

David McIntee, autor de Beautiful Monsters: The Unofficial and Unauthorised Guide to the Alien and Predator Films, explicó que la efectividad de la película para aterrar a la audiencia «proviene del hecho de que los espectadores pueden identificarse con los personajes... Todos los que están a bordo de la Nostromo son personas normales, cotidianas. Solo que viven y trabajan en una época futura».

Por su parte, la banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith es básicamente orquestal y vanguardista . La banda sonora fue compuesta por Jerry Goldsmith, y dirigida por Lionel Newman e interpretada por la National Philharmonic Orchestra. Aunque la primera opción de Scott era el compositor Isao Tomita, Fox quería a alguien cuyo nombre fuera más reconocible. Fue Alan Ladd, Jr, el entonces presidente de la productora, quien finalmente propuso a Goldsmith. Para las escenas introductorias, Goldsmith eligió tonos que brindaran una sensación romántica y misteriosa, con tal de generar el ambiente de terror y suspenso que se buscaba escuchar a lo largo de toda la cinta.  Pronto surgieron algunas tensiones respecto a su labor; Scott estaba disconforme con el tema principal que había compuesto, mientras que el editor Terry Rawlings prefirió utilizar algunas melodías anteriores del mismo compositor y un fragmento de Symphony No.2 («Romantic»), de Howard Hanson, para los créditos finales.

Debido a que Scott y Rawlings estaban ya lo suficientemente familiarizados con los temas que iban revisando, decidieron volver a editar el material original del compositor y grabar nuevamente varias de las secuencias, pese a que parte de la revisión original de ambos se mantuvo en la versión final de la película.  Al respecto, Goldsmith luego comentó: «pueden apreciar que yo estaba yendo a los extremos opuestos del polo con los realizadores de la cinta».

Pese a su involucramiento y el de Rawlings en la banda sonora, Scott elogió el trabajo de Goldsmith al cual describió como «lleno de una lúgubre belleza» y «seriamente intidimidante, pero hermoso».

Tras el estreno de Alien, el material resultó nominado al Globo de Oro por la «Mejor banda sonora», al Grammy al «Mejor disco de banda sonora», y a un BAFTA por la «Mejor banda sonora en una película».

La fase de rodaje comenzó el 5 de julio de 1978 y duró solo catorce semanas debido al bajo presupuesto y a la insistencia de Fox en que el equipo de producción se ajustara al calendario estipulado.

Se utilizaron los estudios Shepperton, cerca de Londres, para grabar la mayoría de las escenas principales de la película y, aproximadamente a 40 km, los estudios Bray en Water Oakley, Berkshire para filmar los modelos en miniatura.

Más de doscientos obreros y técnicos colaboraron para construir los tres principales sets de Alien: la superficie del planetoide, los interiores de la Nostromo, y la nave abandonada.

Los sets en miniatura del planetoide y de la nave abandonada fueron creados a una escala de 24:1 por el director artístico Les Dilley, que se basó en los diseños de Giger. También fabricó moldes para usarlos como diagramas para las distintas formas de madera y de fibra de vídrio de los sets.

Para representar el planetoide, llevaron al estudio toneladas de arena, yeso, fibra de vídrio, roca y grava sobre los cuales debían caminar los protagonistas vistiendo sus trajes espaciales.

El diseño de los trajes supuso un importante problema durante las grabaciones, ya que al estar forrados de nailon resultaban gruesos y voluminosos y no contaban con ningún sistema de ventilación para el escape del dióxido de carbono  Algunos de los actores estuvieron cerca de desmayarse debido a este inconveniente, sumado al intenso calor de esas fechas; para remediarlo, se le solicitó a algunas enfermeras que estuvieran a disposición de ayudar al elenco con tanques de oxígeno durante las tomas y evitar cualquier tipo de asfixia.

Para dar la impresión de que la nave abandonada tenía un gran tamaño, el equipo construyó un soporte vertical que les permitió hacer tomas desde una altura de hasta dieciocho metros. No obstante, esto no cumplió con las expectativas del cineasta, que optó por pedir que vistieran a sus hijos y al hijo de uno de los fotógrafos igual que los actores, de forma que al grabar ciertas tomas el set luciera todavía más grande.

La misma técnica fue empleada en la escena en que la tripulación descubre el cadáver extraterrestre en la nave abandonada. Los niños experimentaron la misma sensación de asfixia que el reparto principal, por lo que fue necesario que les diseñaran un sistema de oxigenación para sus trajes.

Mientras filmaban, se percataron de que el pelo de gato en combinación con la glicerina que le ponían a Weaver para aparentar sudoración le ocasionaba alergia a la actriz, razón por la que esta aparece en la película aparentemente con menos sudoración que sus demás compañeros de reparto.

En el libreto inicial de Alien, la película terminaba con la destrucción de la Nostromo y Ripley escapando a bordo de la lanzadera Narcissus. Sin embargo Scott concibió un «cuarto acto» en el que la criatura aparece inesperadamente en la lanzadera y Ripley debe enfrentarla.

Para grabar estas nuevas escenas tuvo que concretar antes un acuerdo con Fox con tal de aumentar el presupuesto y extender la filmación algunos días más de lo estipulado. Su idea original era que el monstruo le arrancara de un bocado la cabeza a Ripley y con su voz pudiera acceder a la bitácora de la nave, sin embargo los productores no estuvieron conformes con este desenlace y en cambio propusieron que la criatura muriera al final de la película. La filmación de Alien terminó el 21 de octubre de 1978.

Originalmente la película tenía una duración de tres horas, pero esta se fue reduciendo hasta dos conforme se llevó a cabo el montaje. Una de las principales escenas que fueron modificadas durante el montaje mostraba a Ripley encontrándose con los cuerpos de Dallas y Brett envueltos parcialmente en una especie de capullo fabricado por el extraterrestre. La intención de O'Bannon con este segmento era dar a entender que Brett se estaba convirtiendo en un huevo incubador de la criatura, mientras que el cuerpo de Dallas estaba cerca de él para permitirle al abrazacaras resultante implantar un nuevo embrión en este último.

De acuerdo al diseñador de producción Michael Seymour, Dallas «se había vuelto una especie de alimento para la criatura»,en tanto que el productor Ivor Powell percibió que «se encuentra en la nave en forma de huevo, con vida».

Para Scott, la escena mostraba cómo «[Dallas y Brett] están transformándose, cambiando estructuralmente hasta... ser consumidos por lo que fuera ese organismo alienígena... en un huevo». Al final se optó por recortarla ya que consideraron que se veía muy irreal, además de que alteraba el ritmo de la secuencia de escape de la protagonista.

Tom Skerritt señaló que «la cinta debía mantener ese ritmo. Ella [Ripley] tratando de escapar de ese lugar de una puñetera vez, todos nosotros animándola para que pudiera hacerlo. El hecho de que ella se detuviera para charlar con Dallas resultaba algo inoportuno [en el guion]».

En cuanto al diseño  O'Bannon contactó a los artistas Ron Cobb y Chris Foss —con quienes había colaborado previamente en Dark Star y Dune, respectivamente— para que se encargaran de diseñar todos los elementos humanos de la película, incluyendo la Nostromo y los trajes espaciales. Conforme el guión era redactado, Cobb creó cientos de bocetos preliminares de la nave jugando con diversos conceptos y nombres como «Leviathan» y «Snark». Al final se basó en los títulos de un par novelas de Joseph Conrad para denominar tanto a la nave como a la lanzadera espaciales: «Nostromo» a raíz del título homónimo de 1904, y «Narcissus» por la novela El Negro del 'Narciso' de 1897.

La destreza con la que Cobb representó de forma realista los interiores de la nave fue un aspecto muy elogiado por el equipo de producción. Scott fue quien decidió que la nave fuera la remolcadora de 240 m de largo de una plataforma de refinería de 3,2 km de largo y 2,4 km de ancho.

Aunque Cobb también dibujó algunas imágenes conceptuales del extraterrestre, sus propuestas no fueron consideradas para el filme. Moebius, otro de los involucrados en el fallido proyecto de Dune, colaboró solamente por unos días con la producción de Alien al proponer unos diseños de vestuario que habrían de servir para los trajes espaciales de los protagonistas diseñados por John Mollo.

Para los sets señalar que si bien los tres pisos que posee la Nostromo fueron construidos casi enteramente en una sola pieza, cada uno de ellos constituyó un set por separado. Estos estaban conectados por corredores para facilitar el traslado de los actores durante el rodaje, ofreciendo así un entorno claustrofóbico más realista.

El equipo realizador quiso proporcionarle un aspecto industrial a los interiores de la nave con «tecnología retro», por lo que colocaron radiorreceptores de gran tamaño y algunas pantallas de baja resolución en los sets, mientras que Cobb se encargó de diseñar una simbología industrial con patrones de colores para distinguir los distintos elementos y áreas de la nave.

Aunque nunca se menciona en la película el nombre de la compañía propietaria de la Nostromo, en algunas escenas se aprecia que en los monitores de las computadoras y en las latas de cerveza aparece el nombre «Weylan-Yutani», junto con un logotipo. Cobb ideó esta denominación pensando en una inversión conjunta de Gran Bretaña y Japón —«Weylan» derivado de British Leyland Motor Corporation, y «Yutani» del apellido de un vecino suyo de nacionalidad japonesa—.

No es sino hasta Aliens, el regreso que ya se identifica a Weylan-Yutani como la empresa responsable del vehículo y , al final sabemos que la cara de Bishop es de su propietario.

Para ahorrar dinero del presupuesto, el director de arte Roger Christian utilizó chatarra para producir varias piezas del set de forma idéntica a como había hecho en Star Wars. Algunos de los corredores de la nave fueron construidos con partes desarmadas de un bombardero, e instalaron un espejo para aparentar que eran más extensos los que estaban situados debajo de cada piso.

A su vez, los supervisores de efectos especiales Brian Johnson y Nick Allder fueron responsables de crear muchas de las piezas y accesorios que aparecen en el set, tales como las sillas giratorias, las pantallas de computadora, los sensores de movimiento y el lanzallamas.

Todos los aspectos alienígenas —tales como la nave abandonada, el xenomorfo, la cámara de huevos— fueron diseñados y trabajados por H. R. Giger, que quiso darles una apariencia orgánica y biomecánica en contraste con el ambiente industrial de la Nostromo y sus elementos humanos.

Para recrear los interiores de la nave abandonada y de la bóveda con huevos, esculpió los distintos elementos del escenario con huesos secos y yeso. Desde la perspectiva de Cartwright: «[los sets de Giger eran] tan eróticos... tienen grandes vaginas y penes... es como si te metieras dentro de una especie de útero o algo así... es visceral».

Al principio, Fox estaba renuente a invertir una elevada cantidad del presupuesto en la construcción del set del cadáver extraterreste, personaje al que la producción apodó como el «Ingeniero», debido a que aparece en una sola escena. No obstante, el equipo de producción pudo persuadir al estudio tras explicarle la importancia que tenía ese segmento puesto que lo veían como una manera de impresionar a la audiencia y quitarle la noción de que se trataba de otra película de bajo presupuesto.  Se construyó una sola pared del set y un disco giratorio en el cual quedó ubicado el personaje, con tal de facilitar las tomas desde distintos ángulos respecto a la posición del reparto, lo cual redundó en un ahorro para los estudios.

El set y el Ingeniero fueron aerografiados completamente a mano por Giger. Aunque la película no detalla el origen del Ingeniero, el director explicó que podría haberse tratado del piloto de la nave que a su vez describió como una especie de carguero que lanzaba huevos de la criatura en un planeta, con tal de que estas criaturas pudieran usar las formas de vida de ese lugar como recipientes.

En las primeras versiones del guion, los huevos iban a estar colocados en una estructura piramidal con estatuas y jeroglíficos en su interior que habrían de mostrar el ciclo reproductivo del antagonista, así como los principales rasgos de los xenomorfos y de la raza del Ingeniero tal y como se refleja en Aliens versus Predator.

Los guiones gráficos de estas secuencias fueron trazados por Cobb, Foss y Giger, sin embargo se prescindió de ellas debido a las restricciones presupuestarias y a que no querían extender más la duración de la película. En su lugar instalaron la cámara de huevos en el mismo set del Ingeniero, aunque tuvieron que removerlo junto con la silla y el disco giratorios para poder grabar esas otras escenas.

Es curiosa la relación de Alien con la música de uno de mis grupos favoritos. Y eso está en el hecho de que la banda de rock inglesa The Who, que ensayaba en un escenario de sonido al lado de donde filmaban Alien, quería probar un nuevo equipo de láseres para una de sus presentaciones por lo que se los prestaron para producir los efectos de iluminación que se aprecian en la cámara de huevos. Se utilizaron modelos en miniatura para recrear las diferentes naves y el planetoide, los cuales fueron construidos en los estudios Shepperton bajo la supervisión de Brian Johnson y Martin Bower, de las áreas de efectos visuales y de modelismo respectivamente.

Estos diseños estaban directamente basados en los guiones gráficos de Scott y en los dibujos conceptuales de Cobb.

Por una parte la estructura básica de los modelos estaba conformada de madera y de plástico, mientras que los elementos usados para darle los acabados provenían de modelos a escala de buques de guerra, tanques y bombarderos de la Segunda Guerra Mundial.

Las tomas de la Nostromo requirieron de tres modelos: una versión de 30 cm para las escenas más extensas; una de 1,2 m para las tomas posteriores de la nave, y una más de 3,7 m que se hacía acompañar de un aparejo de 6,4 toneladas para las secuencias de desacoplamiento y aterrizaje en la superficie del planetoide.

Scott fue muy  exigente - y variable- durante el rodaje y solicitaba constantemente cambios en los modelos, lo cual ocasionó algunos conflictos con los equipos responsables de modelismo. Por ejemplo, al principio la Nostromo era amarilla y el equipo trabajó en la filmación de las escenas citadas durante seis semanas hasta que Johnson abandonó el equipo para involucrarse en la producción de The Empire Strikes Back.

A continuación, Scott pidió que el color de la nave fuese cambiado a gris, por lo que debieron volver a grabar dichas tomas desde cero.

De similar manera, fue incorporando más y más piezas al modelo de la nave principal hasta llegar al punto en que fue necesario construir un armazón metálico para poder mover el set con una carretilla elevadora; destruyó con un martillo y un cincel varios elementos de la refinería en los que había estado trabajando Bower durante semanas; y tuvo diferencias con el fotógrafo de los efectos de miniatura respecto a la iluminación de los modelos durante el rodaje.

Para grabar la parte inferior de la Nostromo y mostrar así la sección de la nave de la que se desprende Narcissus y de la cual es liberado el cadáver de Kane, produjeron otro modelo de 12 m de largo. Bower moldeó la mortaja con madera y para mostrar su expulsión recurrieron a una catapulta. El equipo de producción la filmó a alta velocidad, aunque luego la retardaron durante la fase de edición para lograr el efecto cinético que buscaban.

La escena del desprendimiento de la lanzadera fue la única toma que requirió de una pantalla verde; todas las demás fueron grabadas con mantas oscuras que tenían estrellas superpuestas con una técnica llamada exposición múltiple.

Aunque la tecnología de fotografía con control de movimiento ya existía en aquel entonces, el equipo de producción no contaba con el presupuesto suficiente para incorporarla por lo que, como alternativa, emplearon una cámara capaz de enfocar varios ángulos con el uso de lentes especiales, la cual montaron sobre un sistema de rieles que les permitió moverse lentamente frente a los modelos, así como filmar a una velocidad de 2½ cuadros por segundo. Aunque esto ayudó por sí solo a dar el efecto de desplazamiento que querían, Scott decidió agregarle algunos efectos con humo y viento para darle mayor credibilidad a la secuencia.

Para la escena en la que la Nostromo se desengancha de la refinería, se construyó un brazo mecánico de 9,1 m con piezas de un modelo ferroviario. El efecto del desprendimiento fue logrado con ayuda de la carretilla elevadora que cubrieron con un manto negro; de esta forma el brazo mecánico se extendió más allá de la refinería, dando la ilusión de que era este dispositivo el responsable de empujar la lanzadera.

Las tomas hechas desde el exterior de la nave, en la que se aprecia a través de las ventanillas de la nave a la tripulación en operaciones, fueron logradas con modelos más extensos que contenían a su vez pantallas que mostraban escenas grabadas previamente por el elenco —técnica conocida en la industria del cine como «transparencia»—.

Ciertas áreas de la nave extraterrestre abandonada fueron pintadas con acabado mate.11 Para la escena en la que se observa su parte superior mientras la Nostromo aterriza en el planetoide pintaron una esfera de blanco, luego mezclaron químicos, la tiñeron en transparencias y los proyectaron sobre esta.

En cuanto a las criaturas El «huevomorfo»  que observa Kane en una de las escenas fue creado con fibra de vidrio y, para lograr el efecto en el que se aprecia al embrión moviéndose en su interior, grabaron las manos de Scott dentro del huevo traslúcido mientras este las agitaba usando guantes de hule. La parte superior del huevo se abría por medio de un sistema hidráulico y su interior contenía las tripas y vísceras de una vaca.  La secuencia fue rodada en la posproducción y durante las grabaciones de prueba decidieron usar huevos de gallina. Este material habría de aparecer luego en los primeros avances promocionales, siendo esta la razón por la que aparece este elemento en el póster y no el huevo alienígena que realmente aparece en la película.

Se usó el intestino de una oveja para representar al «abrazacaras» —del inglés: «facehugger»—. Para la escena en la que este sale expulsado del huevo utilizaron mangueras de alta presión, aunque para prolongar el efecto decidieron grabar de forma inversa la secuencia, es decir que se ocuparon primeramente de los últimos actos de la misma; ya en el proceso de edición, la invirtieron y redujeron su velocidad para prolongar así el efecto mencionado del abrazacaras, con el fin de volverlo más detallado para la audiencia. Esta fue la primera criatura que diseñó Giger para Alien, y aunque había varias versiones al final eligieron aquella que se asemejaba a los dedos de una mano.

O'Bannon contribuyó a estilizar la apariencia del abrazacaras tras presentarle al equipo de la película su propia versión inspirada en las imágenes de Giger, en la cual también participó Cobb.  Este último sugirió que la criatura tuviera una potente sustancia ácida en su organismo, lo cual la habría de hacer invulnerable a heridas con armas de fuego o explosivos. Para emular las vísceras del abrazacaras se usaron restos de pescado y mariscos.

El diseño que Giger hizo del «quebrantapechos» —del inglés: «chestburster»—  está inspirado en la pintura Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión (1944) de Francis Bacon, aunque en los primeros bosquejos lucía más bien como «un pollo desplumado».

Como ya he comentado la primera escena que vi en un reportaje sobre la película fue en la que aparece una criatura del pecho de John Hurt. Se basó en las experiencias personales de O'Bannon con la enfermedad de Crohn, según dio a conocer él mismo después en la que el alienígena sale expulsado del pecho de Kane. Si bien el reparto era consciente de que el extraterrestre iba salir expulsado del cuerpo de Hurt, además de que habían visto la marioneta que sería usada en la escena por lo que tenían noción de su apariencia, lo cierto es que desconocían que la producción había colocado bombas de alta presión y petardos para hacer que la sangre falsa se esparciera por doquier. Para grabar esta escena, que se rodó en una sola toma, usaron un torso ficticio lleno de sangre y vísceras, y Hurt se ubicó debajo de la mesa de modo que solo su cabeza y brazos eran visibles en la secuencia. Un marionetista se encargó de sostener con un palo el títere a través del torso. Al llegar el momento en que la criatura salía violentamente del torso, un chorro de sangre salpicó a Veronica Cartwright que cayó súbitamente al piso y se puso histérica.

De acuerdo a Skerritt: «lo que se ve en la película fue su verdadera reacción. Ella no tenía idea de qué es lo que estaba pasando. Todo sucedió repentinamente». Para conseguir el efecto en el que la criatura huye velozmente de la sala, hicieron un corte en la mesa para que el marionetista pudiera pasar entremedio el palo y, llegado el momento, impulsar el títere con una manguera de aire que le colocaron en la cola.  La sorpresa y el pánico que sintieron los actores de esta escena ayudó a darle un nivel de realismo sin precedentes a Alien, que con el tiempo contribuiría a que fuera considerado como uno de los momentos más icónicos de toda la película

Previo a su estreno definitivo, en las exhibiciones de prueba el equipo de producción se percató de que algunos espectadores se movían de sus asientos hacia la parte trasera de la sala, buscando distanciarse de la pantalla mientras era proyectada esa escena en particular.

En 2007 la revista inglesa Empire la catalogó como la mejor secuencia de cine para mayores de dieciocho años, por encima de otras como la decapitación de uno de los personajes de The Omen (1976) o la metamorfosis del protagonista de Un hombre lobo americano en Londres (1981).

Otro títere se utilizó para representar otras de las escenas claves de Alien en la que descubrimos el tronco y las extremidades superiores de Ash para la escena en la que se revela que este es un androide, el cual era controlado por un marionetista de baja estatura.

Para filmar la siguiente secuencia en la que la tripulación de la Nostromo reactiva la cabeza de Ash y la colocan sobre una mesa, recurrieron a un modelo animatrónico de la cabeza de Holm cubierto con una capa de látex. Para crear el fluido blanco que arroja el androide a causa de su mal funcionamiento se usó una combinación de leche, caviar, pasta y perlas de vidrio.

La versión definitiva de Alien comenzó a proyectarse en salas de cine de EE. UU., el 25 de mayo de 1979. Varias personas acudieron el día del estreno al Grauman's Egyptian Theatre en Hollywood, y se formó una larga fila que se extendió por algunas manzanas. Fuera del edificio se instaló un set con modelos y accesorios relacionados con la película y, a manera anecdótica, algunos devotos le prendieron fuego a un modelo del Ingeniero al considerar que se trataba de una «obra satánica».

En Reino Unido sí hubo un estreno de gala al que acudieron los actores y el equipo de producción, durante el Festival de Cine de Edimburgo el 1 de septiembre de 1979, evento que fue seguido de una proyección en el Odeon Leicester Square, en Londres, el 6 de septiembre. Semanas más tarde  se estrenaba en España  el 25 de septiembre de 1979. Su estreno en Reino Unido e Irlanda fue el 1 de noviembre de 1979, para hacerla coincidor con Halloween.

Tras su estreno, obtuvo críticas positivas en su mayoría —las cuales se refieren especialmente a los efectos visuales y musicales—, además de gozar de un considerable éxito comercial.

En el Reino Chris Hewitt de Empire dijo de ella "No importa cuantas veces la hayas visto, seguirás escondiéndote detrás de tus dedos en cada uno de sus momentos críticos"

En Estados Unidos Roger Ebert escribió en el Chicago Sun-Times que ha sido "Unas cuantas películas de ciencia ficción más serias y ambiciosas han seguido los pasos de Alien (...) pero la original todavía vibra con una intensidad oscura y aterradora (...) " En otros diarios de Illinois como el Chicago Tribune donde escribe Michael Wilmington se dice que "Es un grito de otra época que todavía hace eco alrededor nuestro. (...) . Sorprende la valoración de Dave Kehr del Chicago Reader se trata de "Una vacua película de horror con nada que recomendar más allá de la dirección artística estilo disco y algunos efectos atractivos, aunque populacheros (...) "

Peter Hartlaub del San Francisco Chronicle dijo de ella que era "Una obra superior del cine, con un ritmo que es como contemplar una película de autor, en comparación con las principales óperas espaciales de los últimos años" En Variety se escribió que era "Una película de miedo a la antigua usanza, ambientada en un futuro de ciencia ficción extremadamente realista, y toda ella hecha creíble gracias a una experta destreza técnica" Y Lou Lumenick en el New York Post afirma que es "Una película de terror elegante y cerebral (...)

En España destacan tres críticas publicadas en el diario El País. La primera firmada por Jordi Batlle Caminal quien dice que es una "Obra maestra, filme hermoso, tenebroso, tenso, angustioso cuento gótico de horror por cuyas arterias y espeluznantes pasillos corren fantasmas de Conrad y Lovecraft. Es el suspense sobrecogedor, el más sobrecogedor de los últimos tiempos." Para M. Torreiro se trata de "Un clásico incontestable. (...) un título imprescindible del cine americano del último medio siglo." Y Carlos Boyero, comenta que es "Una de mis películas favoritas. Qué miedo paso siempre con el bicho. Y, cómo no, me enamoré de la teniente Ripley, ese personaje digno del mejor Hawks."

Recibió un Óscar en la categoría de «Mejores efectos visuales» para H.R. Giger, Carlo Rambaldi, Brian Johnson, Nick Allder y Denys Ayling; y una nominación a la dirección artística (Michael Seymour, Leslie Dilley, Roger Christian e Ian Whittaker). Obtuvo igualmente tres premios Saturn —uno a la «Mejor película de ciencia ficción», otro a la «Mejor dirección» para Scott y uno más para la «Mejor actriz de reparto» para Cartwright—, entre otras nominaciones a la mejor actriz, guión, maquillaje y efectos sonoros .

En los Premios BAFTA tuvo siete nominaciones , pero sólo dos premios: diseño de producción y banda sonora.

Fue nominada al Globo de Oro por su banda sonora para Jerry Goldsmith, que repitió en nominación en los Grammyy ganó el Premio Hugo a la mejor presentación dramática. Y aquí, en San Sebastián, y su festival fue premiada por su fotografía y efectos especiales.

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la incluyó en el Registro Nacional de Cine en 2002 para su preservación histórica, al considerar «su importancia cultural, histórica o estéticamente, significativa».

Por su parte el American Film Institute la eligió como la séptima mejor película en el género de la ciencia ficción y la revista británica Empire la consideró como la trigésimo tercera mejor película de todos los tiempos, ambos en 2008.

El éxito de Alien generó una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como tres secuelas —Aliens, Alien 3 y Alien Resurrection—, y  dos crossovers —Alien vs. Predator y Aliens vs. Predator: Requiem— y dos cintas relacionadas con la trama original, Prometheus y Alien: Covenant, ésta última se estrenará en un futuro.

La película también lanzó la carrera de Weaver hacia el estrellato. Además, varios estudiosos han encontrado ciertos aspectos filosóficos y psicológicos dentro de la trama que presenta la cinta,30 uno de los cuales radica en el trato humano respecto a otros seres con capacidades cognitivas similares, como los androides y los alienígenas,  o su contenido sexual, según O'Bannon, la alusión provocativa en diversas escenas fue «hecha a propósito [...] porque quisimos irritar al público».

Dicho lo cual ¿ qué voy a decir yo de esta maravilla?