El señor de los anillos: versiones extendidas

El retorno del rey (la que fue conclusión de la trilogía de El Señor de los Anillos) fue estrenada en España en diciembre de 2003. Además, con motivo de su 25 aniversario, la película regresó a los cines de toda España en mayo de 2026, proyectándose en formato 4K y en su Versión Extendida, que además fue emitida en diciembre de 2025 en Movistar +. 

Yo me he dedicado a ver en estos tres días pasados estas tres películas extendidas que seis meses después del estreno de El retorno del rey, en algunas salas de varios cines de Norteamérica y otros países, se proyectaron unas versiones extendidas de la trilogía con escenas inéditas y con escenas extendidas.

Estas versiones son más fieles a los libros de Tolkien que las versiones que todos hemos conocido en los cines, vienen a ser las versiones definitivas de los filmes de «El Señor de los Anillos”. 

No importa que duren casi cuatro horas cada una (y en el caso de la tercera y última, más de cuatro horas) pues la Tierra Media se merece eso y mucho más.

Lo cierto que hace seis meses Movistar + tuvo a bien emitir y crear un canal llamado Tierra Media, en el que junto a estas películas incluían el biopic sobre Tolkien , que ya puede ver con ese título homónimo así como versiones animadas tanto del señor de los anillos como una específica que tenñía como protagonistas a los Rohirrin.

Ni que decir tiene que ninguna - o casi- de las adiciones a estos filmes es de relleno. Mucho de lo agregado es relevante y ayuda a desarrollar mejor a los personajes, la narrativa o simplemente el mundo creado originalmente por Tolkien. 

«El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” es decir, la primera entrega, es la película que más se beneficia de todo el material extra. Lógico, pues en esta entrega se establece lo que van a ser   las personalidades de los personajes y sus problemas; el conflicto central; la construcción del universo; la historia de trasfondo de Sauron, Isildur y el Anillo Único; las características de las diferentes razas (Hombres, Hobbits, Elfos, Enanos y más) y, por supuesto, el estilo que Jackson le daría a sus películas. 

En el prólogo en el que vemos a Bilbo Baggins (Ian Holm) escribiendo su libro y hablándonos a través de una narración en off sobre los Hobbits. Se nos da mucha más información sobre su cultura y la paz que buscan en el mundo. Además, se hace un mayor énfasis en la paranoia que Bilbo siente ahora que está adicto al Anillo, escondiéndose de sus familiares lejanos no solo al principio cuando está en su casa en Bag End, sino también ya en la fiesta de su cumpleaños, donde además comparte un momento callado e introspectivo con Frodo durante la fiestuki. Esto último, por supuesto, ayuda a desarrollar mejor la relación entre tío y sobrino.

Siguiendo con el inicio de la película, esta versión extendida ahonda un poco más en el prólogo que nos explica la guerra de la Segunda Edad. Vemos a Isildur siendo asesinado luego de que las fuerzas enemigas lo encuentran con el Anillo, a diferencia del corte regular de la película, donde simplemente aparece muerto en un río. Y también se hace un mayor énfasis en los conflictos internos de Aragorn, hijo de Arathorn (Viggo Mortensen), y heredero al trono de Gondor.  Precisamente, en Rivendel ante la tumba de su madre,  tiene lugar una conversación con Boromir  junto a la estatua que lleva los restos de Narsil, la espada de Isildur.

Parece que esta versión extendida de «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se concentre más en Aragorn,  pues descubrimos sus miedos respecto a la debilidad del espíritu familiar. Evidentemente el personaje parece humanizado siendo m,ucho más que un ser heroico y apuesto y valiente y emocional capaz de renunciar a heredar el trono de Gondor.

Cuando Frodo y Sam Gamyee (Sean Astin) recién están saliendo de Hobbiton, se encuentran con un grupo de elfos que están yendo a las Bahías Grises se nos informa del fin de la era élfica en la Tierra Media.  

Además, en esta primera entrega tenemos la versión completa de la entrega de los regalos por parte de Galadriel (Cate Blanchett) a los nueve miembros de la Comunidad, lo cual ayuda a justificar el que todos tengan capas de Elfos a partir de cierto momento, así como dagas para Merry (Dominic Monaghan) y Pippin (Billy Boyd), o una soga irrompible para Sam que le será útil en la segunda entrega. 

Esto no interfiere demasiado con el ritmo de la cinta — «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se sigue moviendo igual de rápido que siempre, con intención e intensidad, sin que los momentos más emotivos, como la “muerte” de Gandalf (Ian McKellen), dejen de funcionar tan bien. 

La versión más larga de “El Señor de los Anillos: Las Dos Torres” también funciona  en esta Versión Extendida.

Para empezar, todo el inicio con Frodo (Elijah Wood) y Sam (Sean Astin) caminando por una zona rocosa en dirección a Mordor se ha alargado —como para darle un mayor uso a la cuerda que Galadriel (Cate Blanchett) le regaló a Sam, pero no mucho más. Es algo que se aprecia porque algo de contexto adicional le da a las situaciones en las que los dos Hobbits se meten antes de encontrarse con Gollum/Sméagol (Andy Serkis), pero la verdad es que no se siente como algo vital. 

Algo similar se puede decir sobre las escenas adicionales con Gimli (John Rhys-Davis) y Legolas (Orlando Bloom). Ya en la versión original, Gimli es relegado básicamente a ser un personaje de comedia, cayéndose frecuentemente de su caballo y teniendo intercambios e interacciones algo incómodas con los personajes humanos. Pero ese sentido de comedia está presente cuando está sentado encima de un cadáver de orco luego de la Batalla de Helm’s Deep, y le dice a Legolas que la criatura se movió porque tiene su hacha metida en su sistema nervioso. 

También se extiende la historia de los Ents aquí entroncada con la historia de  Merry (Dominic Monaghan), Pippin (Billy Boyd) y Barbol. La voz del Ent es de John Rhys-Davis. La historia entre ellos dónde Pippin toma el agua que le hace crecer es graciosa pero a la vez curiosa, ya que hace referencia a una escena de la novela de “La Comunidad del Anillo” y no cuando Barbol se pone a recitar poesía mientras los Hobbits se duermen en sus ramas.

También un persona de Roham como Éowyn (Miranda Otto)  adquiere otro protagonismo ya que se le da más énfasis comienza a sentir por Aragorn (Viggo Mortensen). 

De los momentos nuevos que comparten, destaca la escena en la que ella le ofrece un mal estofado  que sirve para desarrollar un poco mejor la historia de trasfondo de Aragorn. Resulta que nuestro guerrero humano favorito, al ser descendiente de Isildur, es muy longevo, y a pesar de lucir cuarentón, ¡tiene ochenta y siete años! 

Por otro lado, casi al principio hay escenas que involucran al hijo del Rey Théoden (Bernard Hill). El poder ver a Éomer (Karl Urban) encontrar al chico medio muerto causa un mayor impacto, y la inclusión del funeral del joven, en el que Éowyn realiza unos cánticos desgarradores, complementa muy bien el momento posterior en el que vemos al Rey llorar por la muerte de su hijo. Se puede argumentar que estas escenas son inferidas en el corte original de la historia, pero el poder verlas y sentirlas en la Versión Extendida ayuda a justificar mejor las decisiones que Théoden termina tomando, dejando bien en claro el sufrimiento por el que tiene que pasar luego de ser “rescatado” por Gandalf (Ian McKellen). 

También en esta segunda entrega vemos a Faramir (David Wenham) cómo captura a Frodo, Sam y Gollum, lo vemos tener un flashback en el que lo vemos primero celebrar una victoria junto a su hermano mayor Boromir (Sean Bean) en Osgiliath, para luego ver cómo es subestimado y maltratado por su padre Denethor (John Noble). Se trata de una magnífica secuencia de recuerdo que logra comunicar muy bien los conflictos entre hijos y padre, así como el hecho de que Boromir siempre fue el favorito de Gondor. 

Por otro lado, en  “El Retorno del Rey” la versión extendida añade 62 minutos adicionales (aumentando su duración de 3 horas 21 minutos a 4 horas 23 minutos) con escenas cruciales, como la confrontación de Gandalf con Saruman en Isengard, el enfrentamiento de Aragorn con la repugnante Boca de Sauron y la resolución de la historia del elfo Legolas y el enano Gimli con los piratas de Umbar. 

Lo cierto es que “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” es la culminación de todo lo que Peter Jackson logró hacer con las dos películas anteriores y uno de los blockbusters épicos con once Premios de la Academia, y en su momento, uno de los filmes norteamericanos más exitosos en la taquilla. Tenemos ahora sí una escena que explica el destino de Saruman (Christopher Lee), mientras que en la versión regular simplemente lo dejan en su torre , pero ahora hay una escena de enfrentamiento verbal con Gandalf (Ian McKellen) y los demás en Isengard, la cual culmina con Grima (Brad Dourif) asesinando a su exjefe, quien cae de la torre y muere empalado. Junto a esta ahora vemos como Pippin (Billy Boyd) encuentre el Palantir en medio del agua. 

En esta Versión Extendida de “El Retorno del Rey” hace un mayor énfasis en el personaje de Faramir (David Wenham), en su enfrentamiento con su padre, el senescal Denethor (John Noble), así como un momento que comparte con Pippin, donde le cuenta que la armadura que el Hobbit estaba usando le solía pertenecer a él. E incluso más importante: tiene ahora dos escenas con Éowyn (Miranda Otto), las cuales dan a entender que se terminan enamorando y convirtiendo en una pareja. Todo esto ayuda a desarrollar mejor a sus personajes y a darle un final satisfactorio a las historias tanto de Faramir como de Éowyn. 

Adicionalmente, tenemos la línea narrativa de Aragorn (Viggo Mortensen), Legolas (Orlando Bloom) y Gimli (John Rhys-Davis) buscando al ejército de los muertos en la montaña. Evidentemente, esto es algo que también aparece en el corte regular de la película, pero que acá está mejor desarrollado. No solo tenemos un momento visualmente impactante, con un mar de calaveras cayendo encima de nuestros héroes o las mismas siendo pisadas por Gimli, mientras tratan de escapar de la caverna de los muertos, sino también un poema recitado por Legolas sacado directamente del libro de Tolkien. Junto a esto vemos al trío abordar el barco de los corsarios junto al ejército de fantasmas

Aragorn tiene un par de momentos más con él que me parece contribuyen al mejor desarrollo de la narrativa. Por un lado, tenemos la escena en la que confronta a Sauron a través del Palantir, con este último tratado de asustarlo mostrando imágenes de Arwen (Liv Tyler). Pero lo mejor está en la escena con la Boca de Sauron (el gran Bruce Spence), quien intenta intimidar a nuestros héroes justo fuera de la Puerta Negra en Mordor. El efecto de la boca enorme de dicho personaje es apropiadamente perturbador, pero lo mejor de la escena es que hace referencia a un momento similar en el libro y contribuye a la sensación de desesperanza que los personajes podrían tener antes de enfrentarse a las fuerzas de Mordor. 

Finalmente, en lo que se refiere a la historia de Frodo (Elijah Wood), Sam (Sean Astin) y Gollum (Andy Serkis), no hay demasiadas adiciones. Después de todo, son ellos los que cargan con el peso entero del conflicto, por lo que me imagino que Jackson y compañía decidieron no quitar mucho de su historia para el corte original. No obstante, sí hay una secuencia nueva en la Versión Extendida en la que vemos a los Hobbits metiéndose en un grupo de orcos marchando por Mordor, para luego comenzar una pelea y así crear una distracción y poder escapar. Puede que no suene a mucho, pero la escena ayuda a que la travesía de los Hobbits por Mordor se sienta un poco más difícil, contribuyendo a la tensión que uno siente por ellos. Después de todo, uno “no puede simplemente caminar por Mordor”, así que tenía sentido que Frodo y Sam se encontraran con más obstáculos en dicho lugar. 

Las escenas adicionales en la Versión Extendida de “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” son todas importantes. Ayudan a explicar la muerte de ciertos personajes, a desarrollar mejor a otros, a aumentar la tensión que debería desarrollarse a lo largo de la película, o simplemente a detallar mejor las situaciones por las que los protagonistas pasan.

La versión extendida de la trilogía de El Señor de los Anillos, dirigida por Peter Jackson, añade aproximadamente dos horas de metraje inédito en total. Estas ediciones no son solo recortes con escenas añadidas, sino nuevos montajes que profundizan en la Historia de la Tierra Media y el desarrollo de los personajes. Las adiciones cumplen el propósito de hacer las películas más fieles a los libros de J. R. R. Tolkien. Más contexto de la Comarca: Escenas iniciales con Bilbo Bolsón escribiendo su libro y detalles sobre las costumbres de los hobbits, pero también hay momentos donde los personajes cantan pasajes clásicos de los libros, como Aragorn cantando sobre Beren y Lúthien. En total más de 1800 kilómetros de película grabadas se recortaron hasta las 11 horas y 23 minutos (683 minutos) de duración que suman los tres DVD en versión extendida. 

El montaje fue la operación final en la que las películas tomaron su forma definitiva, y durante la que Jackson se dio cuenta de que hasta el mejor script puede quedar en ocasiones redundante en la pantalla. Se vio obligado a retirar a diario escenas completas de múltiples tomas. Con todo, lo cierto es que gran parte del metraje rodado no se utilizó en las películas proyectadas en las salas, y ni siquiera en sus versiones extendidas en DVD. 

Los descartes más relevantes produjeron el acortamiento de importantes escenas de la trama, eliminaron tomas sueltas, o, incluso, escenas completas. Entre los primeros se pueden mencionar las siguientes escenas significativas que fueron concebidas más largas que el montaje final: la Batalla de la Última Alianza, presentada en el prólogo de La Comunidad del Anillo; el diálogo del Concilio Blanco, en el que Gandalf explicaba cómo Sauron forjó el Anillo Único; el intento de Boromir de hacerse con el Anillo;las visiones de la Tierra Media que tiene Frodo al ponerse el Anillo;  la batalla en Parth Galen;

De los segundos, se pueden enumerar las siguientes tomas sueltas cortadas, conocidas por haber sido mencionadas por el equipo, o vistas en tráiler u otro material promocional: una oscura imagen de los tráileres de dos jóvenes elfas jugando en Rivendel; diversas tomas, mencionadas por el equipo en los comentarios de los DVD, de un animal (se usaron varios, desde conejos hasta un ciervo) molestando a Frodo y Sam en el Bosque Cerrado;

Y de los terceros, se enumeran las siguientes escenas completas desaparecidas de las películas: el ataque de los orcos de Moria sobre los flets en las lindes de Lothlórien después de que la Compañía saliera de las minas. 

Gran parte del metraje de esta se pudo ver como material promocional del lanzamiento en DVD de la versión de las salas de La Comunidad del Anillo, en sus folletos, como material documental en los DVD de las ediciones extendidas y en las imágenes de los juegos de cartas coleccionables; un ataque de un uruk-hai a Frodo y Sam en el río Anduin; una visión de Faramir en la que se imagina a Frodo transformándose en una criatura similar a Gollum; un combate entre Sauron y Aragorn en la Puerta Negra. 

En contra de lo aparente, la escena sí se incluyó en El retorno del Rey, pero con un troll generado por ordenador ocultando la imagen de Sauron y sustituyéndole en la acción, pues Jackson pensó que la escena con Sauron era inapropiada. En ella se ve también a Sauron bajo la apariencia maravillosa de Annatar, el Señor de los Dones.

Peter Jackson ha comentado que le gustaría incluir algunas de estas últimas escenas no empleadas en una futurible «Ultimate Edition» de la trilogía, probablemente en alta definición. No serían insertadas en los montajes existentes de las películas, sino accesibles para su visionado independiente. Esta edición también podría incluir tomas descartadas.

Greystoke, objetivo cubierto

El 20 de enero de 2020 escribia lo siguiente "Comencé a ver una película que vi hace unos años. La vi un par de ocasiones. Se trataba de Greystoke , la verdadera historia de Tarzán. Una película del año 1984 y dirigida por Hugh Hudson, un director británico que llegó a ser nominado al mejor director por la que se considera su más prestigiosa política, Carros de fuego (1981). 

Después de este éxito que alcanzó bastantes premios y en concreto 4 Oscars, realizó la menciona película inspirada en la obra de Edgar Rice Burroughs. Pero las cosas de la nube, tras ver algo más de una hora que incluía la llegada de Tarzán (Cristophe Lambert) al Castillo de los Clayton, único descendiente del conde de Greystoke, su encuentro con el mismo, un enorme Ralph Richardson, nominado a título póstumo, y el inicio de su admiración por Jane Porter (Andie MacDowell), su prima norteamericana, la marcha de Phillipe D'Arnot (Ian Holm) pero...¡vaya por Dios!, paré para ver la Supercopa y la nube de Movistar, me fastidió la continuación al estimar que ya habían pasado los seis meses que me dan para ver la película".

Sin embargo hoy he cubierto el objetivo marcado. Película completada. Esta que fue la revisión de uno de los Tarzán que había conocido y recuerdo como uno de mis cuñados recomendándomela por como se ajustaba a la idea original. !!!Ah, los cuñaos!!! 

Reconozco que  era uno de los Tarzanes más conseguidos. Por supuesto no pertenece a esos Tarzanes de Johnny Weissmuller , que empezó tras ser un héroe de la natación en aquel título mítico de Tarzán de los monos (Tarzan the Ape Man) de 1932 que transformó el cine de aventuras   gracias a su papel y a la dirección de W. S. Van Dyke. 

A esa siguieron otras. No todas fueron emitidas en Televisión Española. Recuerdo algunas de ellas como Tarzán y su compañera (1934), La fuga de Tarzán (1936), Tarzán y su hijo (1939) o Tarzán en Nueva York (Tarzan's New York Adventure, 1942). 

De las otras en las que intervenía el que fuese nadador alemán no tanto muy claro haberlas visto o no, como  El tesoro de Tarzán (Tarzan's Secret Treasure, 1941), El triunfo de Tarzán (Tarzan Triumphs, 1943), Tarzán el temerario (Tarzan's Desert Mystery, 1943), Tarzán y las intrépidas amazonas (Tarzan and the Amazons, 1945), Tarzán y la mujer leopardo (Tarzan and the Leopard Woman, 1946), Tarzán y la cazadora (Tarzan and the Huntress, 1947) o Tarzán y la sirena (Tarzan and the Mermaids, 1948). De ellas quedaron palabras como Yu-yu - que sigue presente en mi generación- o el nombre de muchos animales que todos vosotros os podéis imaginar. 

Sin embargo, a lo largo de mi vida , especialmente en los cines de verano he conocido a otros Tarzanes como son Lex Barker y Gordon Scott como vimos con La Gran aventura de Tarzán, Tarzán el Justiciero, Tarzán y el safari perdido o Tarzán lucha por su vida, y en menor medida otros como Buster Crabbe, Ron Ely Denny Miller, Miles O´Keefee, Casper Van Dien, los que he conocido hace poco como el primero, el original, Elmo Lincoln en su Tarzan of the Apes (1918) y mucho más recientemente a Alexander Skarsgard con una entrada aún pendiente,

Pero desde luego siempre recordaré igualmengte a Christophe Lambert como el señor Tarzán y Señor de Greystoke.   

La película fue producida para la Warner Bros. por Hugh Hudson y Stanley S. Canter contó con un presupuesto que oscilaba entre los 27 y los $ 30 millones. La película sigue el guion de Robert Towne y Michael Austin inspirada en la obra Tarzán de los monos de Edgar Rice Burroughs. De hecho Greystoke regresó a la novela original de Burroughs para muchos elementos de su trama. 

La musica fue labor de John Scott y Sir Edward Elgar, mientras que la fotografía es de John Alcott y el montaje de Anne V. Coates. 

El elenco lo encabeza Christopher Lambert como John Clayton / Tarzán, el señor de los monos, Ralph Richardson como el sexto conde de Greystoke,Ian Holm como el Capitán Phillippe d'Arnot, James Fox como Lord Charles Esker, Andie MacDowel como Jane Porter . 

Aparecen igualmente Cheryl Campbell como Alice, Lady Clayton de Greystoke, Paul Geoffrey como John "Jack" Clayton, vizconde Clayton, Ian Charleson como Jeffson Brown, Nigel Davenport como Mayor Jack Downing, Nicholas Farrell como Sir Hugh Belcher, Richard Griffiths como Capitán Billings, Hilton McRae como Willy, David Suchet como Buller, John Wells como Sir Evelyn Blount y Paul Brooke como el reverendo Stimson. 

La historia se inicia en Gran Bretaña en el momento en que John (Paul Geoffrey) , Lord Clayton, el heredero del sexto condado de Greystoke rompe las relaciones con su padre (Ralph Richardson) , el sexto Conde de Greystoke y junto con su esposa embarazada Alice ( Cheryl Campbell ) marchan fuera del país. 

A la altura de la costa africana sufre un motín que deriva en un naufragio. Tras llegar a la costa la pareja así como el capitán del barco,este último malherido, John decide construir una casa en los árboles cerca de una colonia de simios. 

Poco después Alice da a luz a un hijo. Aunque Alice luego se enferma de malaria y muere. Mientras John la llora, la casa del árbol es visitada por simios curiosos, uno de los cuales mata al padre. Una mujer del grupo, Kala , que porta a su bebé muerto, escucha los gritos del bebé humano en su cuna. Al verlo adopta al niño y lo cría como miembro de los Mangani . 

A la edad de un año, el niño aprende a comunicarse con los de la especie que la han criado, unos gorilas, y aprende a caminar. A los cinco años, el niño aprende a moverse y despalzarse de una liana a otra . A pesar de todo aún está tratando de encajar con su familia de simios. Irá aprendiendo la vida de la selva, el sonido de los animales, los peligros que entraña con otros animales (felinos) incluso con los de su especie. 

A los 12 años, el niño descubre la casa del árbol en la que vivió cuando era un bebé con su verdadera madre y su padre. Encuentra un bloque de madera, con dibujos de un niño y un chimpancé pintados. Se ve a sí mismo en un espejo y reconoce las diferencias físicas entre él y el resto de su familia de simios. También descubre el cuchillo de caza de su padre y cómo funciona. Los objetos fascinan al niño y se los lleva. Un día su madre es atacada y queda gravemente herida, pero finalmente muere. Poco después se convierte en uno más dentro del clan de os simios que hay que proteger. 

Años más tarde, el explorador belga Phillippe d'Arnot (Ian Holm) viaja con una banda de aventureros británicos a lo largo del río. Está disgustado por su naturaleza grosera y su amor por la "sangre y el deporte" de la gente a la que acompaña. Sin embargo, un grupos de nativos ataca al grupo matando a todos menos a Phillippe, aunque está herido y se esconde en los árboles. 

El joven encuentra a Phillippe y lo cuida hasta que se recupera. D'Arnot descubre que el hombre es un imitador natural y le enseña a hablar un inglés rudimentario. D'Arnot deduce que este hombre es el hijo del difunto Lord John y Lady Alice de Greystoke y lo llama "Jean". 

Jean, previo paso por una mugrienta estación colonial, acepta regresar a Inglaterra con su benefactor y reunirse con su familia humana. A su llegada a Greystoke, la mansión de la familia en las tierras bajas de Escocia, John (Ralph Richardson) es recibido por su abuelo, el sexto conde de Greystoke, y su sobrina, una joven estadounidense llamada Jane (Andie MacDowell). 

La chica es pretendida por un petimetre Lord Charles Esker (James Fox) que la corteja . El conde lamenta la pérdida de su hijo y su nuera años antes, pero está muy feliz de tener a su nieto en casa. Muestra un comportamiento excéntrico y a menudo confunde a John con el padre de John. 

John es tratado como una novedad por la sociedad local, y parte de su comportamiento es visto como amenazante y salvaje. Se hace amigo de un joven trabajador mentalmente discapacitado en la finca y en su compañía se relaja en su comportamiento natural de simio. Mientras tanto,D ´Arnot ha de marcharse a Bélgica algo que le duele al joven . 

Por otro lado, Jane, que rompe con Lord Charles le enseña a John más inglés, así como francés y habilidades sociales. Se vuelven muy cercanos y una noche hacen el amor apasionadamente en secreto.

Lord Greystoke disfruta de un renovado vigor con el regreso de su nieto y, recordando su juego de infancia de usar una bandeja de plata como tobogán en un tramo de escaleras en la gran casa, decide revivir el antiguo pasatiempo. Se estrella al pie de las escaleras y muere del golpe en los brazos de su nieto. 

A su fallecimiento, John muestra emociones de dolor y una sensación de incomprensión sobre la muerte como lo hizo en África después de la muerte de Kala. John hereda el título de Conde de Greystoke. Jane ayuda a John a superar su dolor y se comprometen. También se anima cuando su mentor, Phillippe, regresa. 

Un día visita el Museo de Historia Natural de Londres con Jane. Durante su visita, John se ve perturbado por la exhibición de animales disecados, de picos y patas. 

Pero su gran dolor llega cuando descubre muchos simios abiertos en canal para proceder a disecarlos o al estudio y cuando encuentro a otros enjaulados y vivos, incluido su padre adoptivo, Silverbeard . Se reconocen y John libera a Silverbeard. 

Los dos son perseguidos por la policía y los funcionarios del museo. Llegan a un parque arbolado. Allí suben a un árbol y donde Silverbeard es asesinado a tiros. John, devastado, grita a la multitud: "¡Era mi padre!" 

Incapaz de asimilar a una sociedad humana que considera cruel, John decide regresar a África y reunirse con su familia de simios. Phillippe y Jane lo escoltan de regreso a la jungla donde Phillippe y John se conocieron por primera vez. 

John regresa al mundo que comprende. Jane no se une a él, pero Phillippe expresa su esperanza de que quizás algún día se reúnan acabando así la película. 

En agosto de 1974, el productor Stanley Jaffe anunció que Warner Bros había comprado los derechos del personaje de Tarzán de la propiedad de Burroughs y quería hacer una nueva película de Tarzán. Declaró que "No será una caricatura ni una popularización" añadiendo después que "Será una aventura de acción de época seria fiel a los personajes y realizada en términos de las costumbres contemporáneas". 

Poco después Robert Towne firmó para escribir el guión, aunque no se adjuntó ningún director ni elenco, pero el productor dijo: "Espero que el Tarzán que elegiremos no será un hombre musculoso". Towne siguió declarando que "Llamé a un amigo y le dije:" Hagámoslo ". 

En septiembre de 1975, un informe decía que la película se haría el año siguiente. La película tenía un presupuesto tentativo de $ 6 millones y un título provisional de Lord Greystoke . Towne dijo que trabajar en el guión es lo que le hizo querer dirigir. "De repente me di cuenta de que había escrito un montón de descripciones sin mucho diálogo que las acompañara" . "Llegué a la edad en la que me di cuenta de que no necesariamente podía entregarle eso a un director y decirle:" No lo arruines ". Es solo un montón de descripciones, y luego se volvió vergonzosamente evidente para mí que eso fue lo que vi cuando los escribí. No había nadie más que pudiera verlos, así que necesitaba dirigir ... La distancia entre la página y el escenario es tan enorme que es increíble cómo incluso las personas más brillantes pueden leer mal tu intención o no verlo del todo. Los guiones tienen aire. Se supone que los guiones dejan las cosas a la interpretación, pero la gente puede malinterpretar las cosas enormemente. 

En octubre de 1977 Towne se incorporó como director y escritor. Anthea Sylbert fue nombrada ejecutiva de Warner a cargo del proyecto. Sin embargo, Towne hizo su debut como director en otro proyecto que había escrito, Personal Best . Esta película, sobre atletas femeninas, surgió del interés de Towne en el movimiento humano, que nació de su investigación sobre Greystoke . Pretendía que Personal Best fuera una "prueba" para Greystoke . 

Sin embargo, filmar Personal Best resultó extremadamente difícil: Towne tuvo que lidiar con una huelga de actores y una explosión presupuestaria. Terminó en conflicto con el productor David Geffen y Warner que lo llevó a vender su interés en Greystoke . El guionista señaló que " Greystoke puede ser el niño que más amo, pero tenía ocho meses de embarazo de Personal Best , así que ese es el niño al que tenía que salvar", dijo Towne. Parte del $ 1 millón que Towne recibido por Greystoke fue depositado en plica para retenerlo contra cualquier dinero que exceda el presupuesto en Mejor Personal. Towne dijo más tarde que estaba prácticamente arruinado. "Nadie puede creer lo arruinado que puedes estar financieramente con estos chicos del estudio. Pero un taxista en Nueva York que no recibe propinas recibe más simpatía que cualquier escritor de Hollywood". Personal Best fue un fracaso de taquilla. En 2010, Towne dijo que perder a Greystoke fue "entonces, es ahora y siempre será el mayor arrepentimiento creativo de mi vida". 

Había entonces que buscar un nuevo director , y en eso llegó Hugh Hudson, cuyo largometraje de debut Chariots of Fire había sido un sorprendente éxito de taquilla. "El guión de Towne era brillante", dijo Hudson. "Solo estaba a medio terminar y era demasiado largo, pero todo el material de la jungla estaba allí y fue fascinante. Dije que sí de inmediato". 

Hudson iba a hacer la película con su productor de Chariots , David Puttnam y Rick Baker . Puttnam finalmente se retiró y se fue a producir Local Hero en su lugar. "Después de analizarlo detenidamente, sentí que necesitaba un productor con más experiencia", dijo. "Nunca he trabajado con efectos especiales y, francamente, me aterrorizan. Y en esa película necesitas a alguien que haya hecho eso. Habría estado aprendiendo en el trabajo y eso podría haber resultado costoso y una de las cosas en las que confío es la gente cree que puedo ofrecer una buena relación calidad-precio. Tuve esta terrible visión de que Greystoke se sobrepasaba el presupuesto y toda mi reputación se iba por el desagüe ". 

Según Hudson "Creo que él [Puttnam] sintió que había perdido el control porque era una película de estudio creada por Semel y Daly y ellos querían tratar directamente conmigo, y él tenía esta otra película en marcha, The Killing Fields , que él probablemente quería hacer más. Stanley Canter [quien está acreditado como productor junto a Hudson] tenía un trato con Warner y la propiedad de Edgar Rice Burroughs, pero no participó en la realización de la película ". 

Hudson hizo que Michael Austin reviviera el guión. Pasaron nueve meses en eso. Towne había realizado pruebas con simios reales, pero Hudson sintió que esto era demasiado difícil y decidió usar humanos con disfraces de simios. 

Después llegó la selección del casting. Por lo pronto Hudson quería lanzar a actores y actrices desconocidas como Tarzán y Jane. "Son completamente inocentes y, por lo tanto, alguien nuevo es más aceptable para la audiencia que una cara que conoces. También representan el lado inocente de nosotros mismos, y deberíamos poder identificarnos con ellos. Así que Tarzán es lo que podríamos ser". Hudson probó a cuatro personas como Tarzán: un bailarín de ballet danés, Julian Sands , Viggo Mortensen y Christopher Lambert . 

Hudson dijo que todo se redujo a Lambert y Mortensen. "Simplemente sentí que Christopher era la persona adecuada. Él tenía esta extraña cualidad, de alguna manera, porque era miope, cuando se quitó las gafas, realmente no podía ver correctamente, por lo que parecía mirar a través de ti en la distancia". " 

Andie MacDowell hizo su debut cinematográfico como Jane. "La cámara la ama, y sentí que era la persona adecuada", dijo Hudson. "Por supuesto que es un riesgo, pero entonces todo el proyecto es un riesgo. Si soy un buen director, obtendré el desempeño que quiero de ella". 

Hudson utilizó al Dr. Earl Hopper, el autor estadounidense de Social Mobility , como asesor sobre la plausibilidad psicológica y social de la película. También utilizó al profesor Roger Fouts de la Universidad Central de Washington, un primatólogo que ha instruido con éxito a los chimpancés en el lenguaje de señas para sordos. Para Hudson "Tarzán es todo hombre, y también es la proyección idealizada de todo hombre de sí mismo" . Y añadió que "Todos aspiramos a ser como él es, moral y físicamente. A todos nos encantaría tener ese cuerpo, ser salvajes, columpiarnos en los árboles y tener la mujer ideal, que es Jane. Y todo eso, todo ese significado, está vestida con una fabulosa historia de 'Boys Own', una historia de aventuras maravillosamente emocionante ". 

Como preparación para la película, Christopher Lambert entrenó con simios reales y dijo: "No les tenía miedo, pero debes mostrarles respeto".El rodaje comenzó en noviembre de 1982. 

La película se rodó en el Parque Nacional Korup en el oeste de Camerún y en Escocia. Varias grandes casas en el Reino Unido se utilizaron para la sede de la familia Greystoke como fueron Floors Castle cerca de Kelso en Roxburghshire , Escocia, se utiliza para las escenas exteriores y de salón; Hatfield House en Hertfordshire (vestíbulo de entrada, gran escalera), el Palacio de Blenheim en Oxfordshire . 

Greystoke fue la primera película de Hollywood que se rodó en formato Super Techniscope . La voz de Andie MacDowell, quien interpretó a Jane, fue doblado en postproducción por Glenn Close . Según Hudson, esto se debió al acento sureño de MacDowell, que no quería para la película, y que ella no era (en ese momento) una actriz entrenada. La joven Jane que aparece al comienzo de la película es retratada como estadounidense, lo cual es consistente con la historia de Burroughs. 

Sir Ralph Richardson , quien interpretó al sexto conde de Greystoke, murió poco después de que terminara la filmación y recibió una nominación póstuma al Oscar como Mejor Actor de Reparto . La película estuvo dedicada a su memoria. 

Warner recortó 25 minutos de escenas de la jungla de Tarzán creciendo. "Lamenté perder esas escenas", dijo Hudson. "Pero no puedes tenerlo todo". Vangelis iba a hacer la música, pero según Hudson tuvo "bloqueo de compositor", así que consiguieron a John Scott "e hizo un muy buen trabajo en muy poco tiempo", dijo el director. Cuando terminó la película, Hudson dijo que el resultado fue "70%" de la película que quería hacer. 

La película recaudó 45,9 millones de dólares tras su estreno, lo que la convirtió en la decimoquinta película más popular en taquilla en 1984. 

Colin Greenland hizo una reseña de Greystoke para la revista Imagine y afirmó que "si hay una película mejor este año que Greystoke, me asombraré" 

Vincent Canby en las páginas de The New York Times señaló que era " una variante pop y muy romántica de la historia del 'niño salvaje' (...) Al mismo tiempo, es un entretenimiento para las masas inusualmente serio e inteligente" 

Ian Nathan de Empire escribió que "Hugh Hudson intenta imprimir naturalismo al clásico (...) Es una buena idea, pero aunque rica en detalle histórico y de diseño suntuoso, es una historia que no puede aferrarse al realismo (...) " 

En TV Guide se señala que es "La versión fílmica más inteligente y quizás, la mejor, de las clásicas novelas pulp de Edgar Rice Burroughs" 

Ya en España Fausto Fernández lanzó varios tweets sobre la misma señalando que "Christopher Lambert es un Tarzán estrábico de la historia en la estrábica Greystoke, y de pocas luces en la desafortunadilla , pero también lo más decente de Hugh Hudson... " 

La película obtuvo algunos premios, Círculo de Críticos de Nueva York concedió el Premio a Mejor actor secundario a Ralph Richardson. En los Premios César estuvo nominada a la Mejor película extranjera. En los Premios BAFTA consiguió el premio al Mejor maquillaje y peluquería para Paul Engelen, Peter Frampton, Rick Baker, Joan Hills , de sus seis nominaciones entre otras al Mejor Sonido - Ivan Sharrock, Gordon K. McCallum, Les Wiggins, Roy Baker- , Mejor Actor de Reparto - Ian Holm- y Mejor Actor de Reparto - Ralph Richardson. Obtuvo una nominación por el Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión adaptado. 

Consiguió el Premio al Logro Técnico del British Film Institute Fue nominada a tres Oscar: al mejor actor de reparto (Ralph Richardson, nominado a título póstumo), al mejor guion adaptado en las personas de Robert Towne , Michael Austin y al mejor maquillaje para Rick Baker y Paul Engelen. No ganó ninguno. La Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films la nominó al Mejor vestuario para John Mollo y Mejor película fantástica.

Hugh Hudson que ahora tiene unos 85 años casi se transformó en un Guadiana de la dirección tras su fallido proyecto de Revolution (1985) con Al Pacino que vi gace muchos años. Desde entonces Hugh ha rodado"Lost Angels"(1989),"My Life So Far"con Colin Firth (1999),"I Dreamed of Africa"con Kim Basinger (2000) y regresó en el 2016, para dirigir la flojísima "Altamira".  

La película es destacable es el sentido de haber cambiado la historia, lo fue por presentar a una actriz qie será toda una revelación en los años 80 como Andie MacDowell. Junto a ella  Christopher Lambert saltó a la palestra y se convertirá en uno de los actores más populares de esos años, casi en un inmortal.

A eso se suman el ramillete de secundarios uno que termina su actividad profesional y vital con la película Ralph Richardson, y el otro elevándose, aunque ya tenía una carrera que se iba consolidando , Ina Holm.

Por otro lado es cierto que la película presenta la historia desde un prisma distinto. Ya no es el hombre atlético y musculoso, sino ese ser medio salvaje pero con sentido de la humanidad que lo coloca en el punto intermedio entre el animal  y el hombre que es , por lo que aparece en un plano similar cuando interviene el dolor por la pérdida o el amor por el sentir. A destacar la fotografía selvática, tan clara como oscura es la selva o  las escenas que nos llevan a las mansiones británicas . En contra de la misma, los simios, que indudablemente, se ven casi como una mascarada, aunque en su momento se vio como todo un acierto, êrp habrá que reconocer lo mucho que ha cambiado la carcatreizaciones. En definitiva, una película que hay que ver. 

Robin y Marian

Juegos de amor a una edad tardía, manzanas maduras, miradas al pasado recordando una historia de amor y amistad. Y hacerlo de manera sutil, elegante, con dosis de comedia que tiene un punto de amargura , pero sobre todo de melancolía es de agradecer, y mucho. La escena final que nos guarda esta joya del cine que se mueve entre la aventura, la comedia, la épica y , al final, la tragedia es todo un monumento al buen hacer del director nacido en Philadelphia (Pennsylvania, EE.UU.) en 1932 Richard Lester que optó por que una historia de amor acabara en una historia de muerte. 

El hecho de que Marian , una eterna Audrey Hepburn proporcione a su amado Robin , otro eterno Sean Connery- una buena muerte menos dolorosa que la sufrida por el rey Ricardo al inicio de la película y ambos esperen juntos y resignados su inminente destino , la intención de este Robin que peina canas en la barba, ya casi sin pelo, tense por última vez su arco y la idea de pedirle a su viejo e inseparable amigo Little John que entierre a ambos donde caiga la flecha nos hace mirar a todos como espectadores ese vuelo final y eterno de una flecha a la que nos quedamos mirando mientras suena la impresionante música de John Barry . Para acabar el director acaba con una imagen muda de unas manzanas ya maduras y apagadas y no verdes en un mismo plano que ya reconocimos al inicio de la película. Una auténtica obra de arte por esto y por todo lo demás. 

Lo cierto es que Robin y Marian o Robin and Marian es una película tan pequeña como gigante una de las más bellas del director estadounidense , pero asentado en Gran Bretaña, Richard Lester que se había hecho famoso en los sesenta al llevar al cine como director las dos primeras películas que protagonizaron los Beatles: ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y Help! (1965). 

Ambas le hicieron enormemente popular en virtud de su experimental puesta en escena —excesivamente entroncada con la estética del spot publicitario. Aquel mismo 1965 fue el año en que hizo una adaptación cinematográfica de la obra teatral de Ann Jellicoe El Knack y cómo conseguirlo se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1965.

A esta siguió A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, aquí conocida como Golfus de Roma (1966),inspiradas en los textos escritos por el comediógrafo latino Plauto , alguna comedia más como Petulia (1968) que contaba ya con la música de John Barry , alguna película de catástrofes como una que ya pasó por aquí El enigma se llama Juggernaut, u otras de aventuras como Los tres mosqueteros y Los cuatro mosqueteros (1973 y 1974).

A estas siguieron Royal Flash (El cobarde heroico, 1975) o The Ritz (El Ritz, 1976). Y ese mismo año estrenó Robin y Marian. A estas siguieron otras como Cuba (1979), Buth and Sundance: The Early Days (Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid, 1979), Superman II (1980), Superman III (1983), quedando como últimas obras la comedia Finders Keepers (1984), El regreso de los mosqueteros (1989), el documental Get Back (1991) y retirándose definitivamente de la dirección en 2008.

En este caso la película contó con la producción de Denis O'Dell y Richard Shepherd amparados por la Productora Rastar y la Columbia Pictures en la distribución contando con un presupuesto de $ 5,000,000.

La película parte de un magnífico guión escrito por el estadounidense James Goldman, hermano del novelista William Goldman, autor de guiones como The Lion in Winter ( 1968), Nicolás y Alexandra (1971) o Noches blancas (1985).

En el apartado técnico destaca la fotografía de David Watkin rodada en Panavision y Technicolor , la música John Barry, el montaje de John Victor-Smith y la escenografía de ese gigante que era Gil Parrondo.

El elenco lo encabezan Sean Connery como Robin Hood, Audrey Hepburn como Lady Marian, Robert Shaw como el sheriff de Nottingham, Richard Harris como Ricardo Corazón de León y Nicol Williamson como Little John.

Junto a ellos aparecen Denholm Elliott como Will Scarlett, Kenneth Haigh como Sir Ranulf de Pudsey, Ronnie Barker como el fraile Tuck, Ian Holm como Juan I de Inglaterra, Bill Maynard como el Mercader, Esmond Knight como el viejo tuerto del castillo, Veronica Quilligan como la hermana Mary, Peter Butterworth como el cirujano, John Barrett como Jack, Kenneth Cranham como el aprendiz de Jack, así como un grupo de actrices españolas encabezadas por Victoria Abril como Isabel de Angulema, y las monjas Montserrat Julio , Victoria Hernández Sanguino y Margarita Minguillon .

Desilusionados por los años que perdieron luchando como cruzados en Tierra Santa, Robin Hood y su amigo regresan a Inglaterra y se dan cuenta de que todo ha vuelto a ser como antes. ( Robin Hood (Sean Connery) vuelve de las Mientras tanto, Lady Marian (Audrey Hepburn) ha ingresado en un convento. El reencuentro es inevitable, pero nada es como antes.

Una manzanas verdes, junto a alguna algo madura, dan inicio a la historia que nos presenta a un envejecido Robin Hood que retorna a Gran Bretaña junto a su viejo amigo Little John  (Nicol Williamson ). Ambos han estado en las cruzadas  luchando junto a Ricardo Corazón de León (Richard Harris) , pero la guerra los ha devastado en lo físico y sobre todo en lo moral. Están cansado de la violencia, de la lucha sin sentido, de la barbarie y del fin de las ilusiones y los grandes y sublimes objetivos.

Robin y Little John se encuentran en ese momento en Francia . Ahora Robin Hood, capitán de confianza del Rey Ricardo Corazón de León en Francia ,  no quiere cumplir con lo que le ha ordenado el rey Ricardo: tomar un castillo en el que se rumorea que hay  oro.

Tras lanzar una enorme piedra con una caapulta, descubren que el castillo es defendido por un anciano solitario y tuerto (Esmond Knight) que alberga a mujeres y niños. El anciano le dice que lo único  que hay de valor  es una estatua que no tiene valor pues es de piedra. Ante esto y negándose a cometer una tropelía más,  Robin y Little John, se niegan a atacar.

El rey Ricardo o Richard enojado por su insubordinación, ordena la ejecución de la pareja y el castillo es atacado, pero antes del ataque el anciano lo hiere mortalmente con una flecha que le da en el cuello.

Richard masacra a los indefensos salvo al anciano, porque a Richard le gustan sus ojos. El rey se ofrece a dejar libre a Robin siempre que ruega por su vida. Cuando Robin , que ha intentado escapar por una ventana previamente, se niega, Richard saca su espada, pero al haber sido herido y desangrarse, le falta fuerza para golpearlo y cae al suelo. Robin ayuda al rey moribundo y, movido por su lealtad, Richard libera a Robin y Little John.

Robin y Little John regresan a Inglaterra y van a sus antiguos predios, al bosque Sherwood. Al llegar buscan espacios reconocibles en los robles del lugar . Escuchan un ruido procedente del bosque. Piensan que es un ciervo, sin embargo son dos cazadores furtivos que resultan ser sus viejos amigos Will Scarlet  (Denholm Elliott ) y el Fraile Tuck  (Ronnie Barker  ) que como pobres que son siguen viviendo al margen de la ley en el Sherwood Forest .

Tras abrazarse estos les cuentas las hazañas de Tierra Santa que han escuchado y que  se han vuelto legendarias. Robin y Little John las humanizan. Cuando Robin le pregunta casualmente por Lady Marian, le dicen que todavía está viva y dónde vive. Robin decide en ese momento ir a verla.

Cuando él va  a la granja  en la que ella se encuentra , ahora transformada en una pobre abadía, la  encuentra tan viva como siempre . Lady Marian (Audrey Hepburn) sigue siendo tan bella y tal altiva como antaño. Sorprendida de ver a su antiguo amigo hay un reencuentro , pero ella le echa en cara el silencio durante todos estos años y las dificultades pasadas. Ahora ella es la abadesa del lugar y sabe que nada ha cambiado. Se entera de que su antiguo enemigo, el Sheriff de Nottingham (Robert Shaw), le ha ordenado su arresto en respuesta a la orden del nuevo Rey , Juan sin Tierra (Ian Holm) de expulsar a las autoridades  de la Iglesia Católica Romana de Inglaterra.

Descubrimos que el sheriff de Nottingham sigue poniendo "orden" en el territorio y entrenando a sus hombres. Ahora el Sheriff  ordena el arresto de Marian,

Marian no quiere problemas, pero Robin la rescata contra su voluntad, golpeando a Sir Ranulf  (Kenneth Haigh ) , el enviado del Sheriff, en el proceso. Tras eso se entera que las compañeras de Lady Marian están presas en Nothingham, así que Robin y Little John tras robar un carro se dirigen al castillo.

Nada más llegar, aunque se hacen pasar por comerciantes son descubiertos por el mismo Sheriff que les prepara una trampa- Sin embargo, Robin y Little John logran rescatar a las monjas, que han sido encerradas en el castillo del Sheriff.

Tras una lucha a muerte con algunos de los guardas del castillo logran escapar "in extremis" saltando desde las murallas a un carro de heno.

Marian y las monjas van en un carro que se hunde en un arroyo , pero son auxiliados por Robin y los suyos, produciéndose un acercamiento físico y espiritual entre la ex pareja.

Ignorando las advertencias del Sheriff, Sir Ranulf ordena la persecución de Robin en el bosque, pero allí son emboscados por Robin, Little John, Scarlet y Tuck que acaban con varios de los que se persiguen muertos por sus flechas. No obstante, Sir Ranulf queda ileso solo porque Robin le ordena que sea liberado con un mensaje: que no entren los hombres del Sheriff en el bosque, espacio libre para aquellos que huyen.

Cuando la noticia del regreso de Robin se extiende,  algunos viejos camaradas y nuevos reclutas se reúnen una vez más junto a él.

Por su parte, Sir Ranulf le pide al rey John (Ian Holm) que están guerreando ¿en Francia? junto a su joven esposa Isabelle ( Victoria Abril) 200 soldados para tratar de detener a Robin.

Cuando Sir Ranulf llega a Nottingham su Sheriff le dice el dirige la tropa de 200 soldados para derrotar a Robin y los suyos.

Sin embargo, la estrategia del Sheriff de Nottingham es esperar en los campos limítrofes del Bosque, sabiendo que Robin no podrá resistir indefinidamente la tentación de atacar, a pesar de que el terreno abierto,  es desfavorable para sus  hombres no entrenados en guerra abierta y superados en número en comparación con los soldados entrenados del Rey.

Cuando Robin , tras algunas escaramuzas, lo hace y se encara con el enemigo ,  él propone que él y el Sheriff luchen en un combate individual , a pesar de las protestas de Sir Ranulf.

Aunque Robin parece ser el más fuerte al comienzo de la pelea, queda claro que el Sheriff es más que un rival para él. Finalmente, el Sheriff , aunque inicialmente es herido, va agotando al envejecido Robin al que también hiere y exige su rendición. Negándose, Robin, herido de muerte,  logra matar al Sheriff con sus últimas fuerzas.

Tras eso los 200 hombres dirigidos por Sir Ranulf  atacan y dispersan a los hombres de Robin, muchos de los cuales son capturados o asesinados. Will Scarlet y Friar Tuck son capturados pero Little John logra matar a Sir Ranulf. John y Marian llevan a Robin a su abadía , donde ella guarda su propia medicina.

Ella prepara una pócima, pero a la que agrega veneno, tomándola ella y entregando el vaso a Robin , quien cree que se recuperará para ganar futuras batallas.

Mientras Little  John hace guardia afuera mientras Marian atiende las heridas de Robin. Marian  tras beber se la entrega a Robin quien bebe y nota que el dolor se ha ido , pero  que sus piernas se han adormecido. Al darse cuenta de que ella los ha envenenado a ambos, él llama a voces a Little John. Sin embargo, llega a comprender que Marian ha actuado por amor porque nunca volvería a ser el mismo hombre. Ella le dice: "  te quiero. Más que todo lo que sabes. Te amo más que a los niños. Más que a los campos que he plantado con mis manos. Te quiero más que las oraciones de la mañana o la paz o la comida para comer. Te amo más que la luz del sol, más que la carne o la alegría, o un día más. Te amo mas que a Dios".

Robin y Marian intentan tocarse las manos mientras entra Little John que rompe  la puerta y llora junto a la cama de Robin. Robin le pide  a Little John  su arco y dispara una flecha desde su lecho de muerte a través de la ventana abierta, y le dice que los entierre a ambos donde aterriza.

La flecha se eleva fuera de la ventana en la distancia mientras las manzanas maduras , ya en descomposición están en el alféizar de la ventana mientras suena , como durante toda la película, la música de John Barry.

La película de Lester originalmente se titulada The Death of Robin Hood, pero fue modificado por Columbia Pictures para que tuviese un título más comercial.

Los productores originalmente querían que Albert Finney interpretara a Robin, y Sir Sean Connery que interpretara a Little John. La viuda de Denholm Elliott , que aquí interpreta a Will Scarlett detalló  que  durante la producción mientras que Sir Sean Connery y Audrey Hepburn eran perfectamente manejables, no fue así por la actitud de Robert Shaw, Nicol Williamson y Richard Harris que generaron tensiones durante el mismo, según su libro sobre su difunto esposo.

La película fue rodada entre mayo y julio de 1975 en distintos puntos de España como en Zamora, en concreto en el Castillo de Villalonso así como en las localidades de la actual Comunidad Foral de Navarra como en los recintos medievales de Artajona,  Quinto Real y Orgi así como en paisajes de la Sierra de Urbasa todos en Navarra.

La película supuso el regreso a la actuación cinematográfica de la actriz Audrey Hepburn ,desde Sola en la oscuridad (1967), tras ocho años de ausencia. Se dice que la rodó por la insistencia de sus hijos que al enterarse se enteraron de que Sir Sean Connery había sido elegido como Robin Hood, le rogaron a su madre que hicera el papel, para que ella pudiera actuar con "James Bond".

Richard Harris aceptó interpretar el papel de rey Ricardo Corazón de León como un favor a Sir Sean Connery , de quien se había hecho amigo mientras filmaba Odio en las entrañas (1970). Curiosamente Connery hizo un cameo como Rey Ricardo Corazón de León en Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991).

El actor Esmond Knight que aquí vemos sin ojo de cristal perdió su ojo en el servicio activo en el mar durante la batalla del estrecho de Dinamarca en 1941. Por su papel en las escenas iniciales, se quitó el ojo de cristal.

Estamos en una comedia que combina la amargura y el romanticismo. El mismo director Richard Lester declaró que " Robin y Marian es una cinta romántica, pero también desmitificadora"

A destacar sobremanera la banda sonora de John Barry, el que fuera el músico más popular de Inglaterra y que ya había colaborado con con Lester en The Knack ... and How to Get It Knack. Desde 1968 había debutado en Hollywood en la película de Lester , Petunia y llega a culminar su obra en 1976, iniciando tras eso su ligera crisis de la que se recuperó como demostró en 1985 en Out of Africa como señala Valls Gorina y Joan Padrol en su obra Música y Cine. Sorprendentemente el director Richard Lester estaba molesto con Barry por la composición en esta película.

La película que se estrenó en los Estados Unidos en marzo de 1976 fue un éxito alcanzando una taquilla que superó los 8 millones de dólares.

En 2002 Robin and Marian fue nominada por la American Film Institute a la categoría AFI's 100 años... 100 pasiones.

En cuanto a las críticas destacan la de Roger Ebert que valoró y mucho el trabajo de Connery y Hepburn como Robin y Marian. Para Ebert, "lo que impide que la película se pierda realmente en su camino, son las actuaciones de Sean Connery y Audrey Hepburn en los papeles del título. No importa lo que piensen el director y el escritor, parece que Connery y Hepburn han llegado. una comprensión tácita entre ellos acerca de sus personajes. Ellos brillan. Realmente parecen enamorados. Y se proyectan como personas maravillosamente complejas, cariñosas y tiernas; el paso de 20 años les ha dado gracia y sabiduría ".

El crítico de Illinois destaca igualmente la fotografía  y dijo que  Lester fotografía la película "con más moderación de las que podría haber usado hace 10 años. Su cámara activa se reemplaza aquí por un ritmo visual más adecuado para la nostalgia agridulce. "Él fotografía Sherwood Forest y sus personajes con un bonito realismo que es mejor que la solemnidad pretenciosa que a veces obtenemos en imágenes históricas".

Ya en España Fernando Morales en El País señala que "Robin Hood vuelve a Sherwood, pero el bosque ya no es lo que era. Deliciosa cinta de aventuras capitaneada por unos sobresalientes Connery y Hepburn. Sin duda, el mejor filme de Lester"

Destaca Pablo González Taboada en Cinemanía que "Es lo más cerca que ha estado nunca la aventura de ser no sólo física, sino también emocional. Un film bellísimo, con uno de los finales más perfectos que recuerdo."

Como se señalaba en Televisión Española cuando en 2013 apostó por presentarla un Ciclo de Cine clásico - ya dice mucho eso- hablaban de la película como película entrañable , en este reencuentro 20 años después y la recuperación de un amor profundo.

Pablo Kurt en FilmAffinity  dice que es un " Hermosísimo y crepuscular filme de Richard Lester. La leyenda de Robin Hood, narrada en otras épocas con briosos aires de aventuras indoloras, se vuelve aquí melancólica, violenta y real. La insólita propuesta es abordar al legendario personaje, en su etapa madura, mecido por maravillosas historias de amor y amistad (estupendos los personajes de Nicol Williamson-Little John y Robert Shaw-Sheriff). Además, de regalo, cuenta con una de las declaraciones de amor (la de Audrey Hepburn a Sean Connery) más conmovedoras de la historia del cine".

Por último Alberto Abuín en Espinof  nos dice que " ‘Robin y Marian’ es el sencillo y sentido título de una película que se adentra en el mito de Robin Hood desde una perspectiva totalmente desmitificadora y en un tono de elegía elucubra sobre las vidas de todos los personajes cuando éstos son ya mayores y no tienen el cuerpo para tantas batallas. Una historia otoñal, una canción triste de acentuados tintes crepusculares en la que Lester —director que efectuó una maniobra similar sobre otras figuras míticas, los mosqueteros de Dumas— se acerca sorprendentemente a un terreno en el que hubiera campado a sus anchas el mismísimo Sam Peckinpah."

A destacar sus grandes e inteligentes diálogos en esta historia nostálgica , desmitificadora y agridulce película con una banda sonora impresionante y conmovedora que hay que ver, al menos, dos veces en la vida por lo menos para emocionarte.

eXistenZ

Primera sesión de esta VIII temporada del club de cine y la apertura no ha dejado a nadie indiferente. Conociendo al director es imposible. Apostar por Cronemberg es hacer una apuesta arriesgada. Su apuesta cinematográfica invita al desconcierto , pero no a la indiferencia.

Tras ver la película sólo puedo calificarla de desoladora. El juego entre la realidad y el sueño, o entre el cine realista y el cine como ensoñación te deja un poco consternado. No se puede esperar menos de este valiente director canadiense que, desde luego,  tiene un sello inconfundible y del que he disfrutado en muchas ocasiones con títulos tales como la zona muerta o The Dead Zone (1983) , comentada hace nada, o clásicos con los he disfrutado entre mucho y poco como son la nueva versión y tremenda versión de The Fly (1986), el clásico Dead Ringers o como se le conoce aquí, Inseparables (1988), ese libro cercano a la alucinación literaria como el Almuerzo desnudo o Naked Lunch (1991), una película transgresora , pero de corta más clásica como M. Butterfly (1993), la pulsión llevada al cine con Crash (1996), a la que se suman otras más terrenales pero tremendas como A History of Violence (2005) o la fantástica Eastern Promises (2007). En esta caso la película que tanto me ha consternado ha sido su decimotercera película que lleva por título eXistenZ , una película del año 1999.

eXistenZ  es una película de ciencia ficción, estrenada en 1999  para su realización David Cronenberg , que participa en la producción junto a András Hámori y Robert Lantos. Detrás de la misma  en esta coproducción entre Canadá-EEUU estaban Alliance Atlantis , Serendipity Point Films ,  Natural Nylon Entertainment así como la Canadian Television Fond, Harold Greenberg Fond, Movie Network,  Natural Nylon , Téléfilm Canada , Dimension Films. La distribución quedó en manos de Momentum Pictures . La película contó con un presupuesto de 15 000 000 USD o lo que es lo mismo CAD $ 31 millones. 

En este caso la película parte de un guión foirmado por el mismo David Cronenberg , que como siempre se vió rodeado de su "guardia de corps" habitual en el apartado técnico, es decir, Howard Shore en la música,  Peter Suschitzky en la fotografía, Ronald Sanders en el montaje y en los efectos especiales Jim Isaac. Para los elementos artísticos y  escenográficos lo hará con Carol Spier.

El reparto lo integran Jennifer Jason Leigh como Allegra Geller , Jude Law como Ted Pikul . Junto a los dos protagonista estelares participan Ian Holm como Kiri Vinokur , Don McKellar como Yevgeny Nourish,  Callum Keith Rennie como Hugo Carlaw,  Sarah Polley como Merle,  Christopher Eccleston como el líder del seminario , Willem Dafoe como Gas , Robert A. Silverman como D'Arcy Nader,  Oscar Hsu como camarero chino , Kris Lemche como Noel Dichter,  Vik Sahay como asistente de sexo masculino 

Esta película refleja una sociedad del futuro próximo en la que los diseñadores de juegos son venerados como ídolos, y los jugadores pueden entrar orgánicamente en los juegos. De entre los diseñadores gráficos Alegra Geller es la número uno y ahora está presentando un nuevo juego de su autora cuyo nombre es Existenz. Se trata de un juego más original y transgresor de todos los creados hasta el momento ya que impide a los usuarios distinguir los límites entre la realidad y la fantasía.

Es un mundo en que las consolas de realidad virtual biotecnológica conocidas como "cápsulas de juegos" han reemplazado a las electrónicas.

La base de este juego en un futuro cercano está en las  consolas orgánicas de videojuegos de realidad virtual conocidas como "vainas de juego" (en inglés "game pods") que ya han sustituido a las electrónicas .

Las vainas tienen la virtd de unirse a los "bio-puertos", conectores insertados quirúrgicamente en las espinas de los jugadores que son los puntos de entrada de la información inserta en las espinas dorsales de los jugadores, a través de un cordón umbilical (Umbycord).

En ese presente distópico son dos empresas de videojuegos las que contralan el mercado. Por un lado, Antenna Research y , por otro, Cortical Systematics, que compiten entre sí.

Además, frente a esta apuesta por el juego de ficción ha surgido un grupo de "realistas" que lucha contra ambas empresas para evitar la "deformación" de la realidad. Entre los objetivos de los realistas   se sitúa Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh), que trabaja para Antenna Research , y que es la diseñadora del juego más importante del mundo.

Para presentar su juego , que todavía está en prueba, eXistenZ, ante un grupo de aficionados y personal de la empresa , en una pequeña sala que parece el interior de una iglesia (participar en el juego se convierte en una experiencia espiritual), se han congregado unos seleccionados jugadores , así como los integrantes de un discusión sobre la calidad del juego, que aún está en fase de pruebas.

El presentador del evento y jefe de la compañía de Antenna Research (Christopher Eccleston) llama al estrado a los jugadores seleccionados y presenta a Allegra que compartirá con ella la nueva versión de su vaina de juego y éste mismo. Ella declara que ""El mundo de los juegos se encuentra en un punto de inflexión. La gente está programada para aceptar muy poco, pero las posibilidades son tan enormes..."

Nada más instalarse la vaina y engancharla a su biopuerto la diseñadora recibe un disparo por parte de uno de los asistentes al mismo. Se trata de un asesino  llamado Noel Dichter (Kris Lemche) que ha entrado con una una pistola orgánica, que no ha sido detectada por el jefe de seguridad del evento e integrante del departamento de marketing ( que está como "trainning" o en formación  en la empresa) Ted Pikul (Jude Law), que se apresura en proteger a Geller y  acompañarla afuera.

De cualquier manera, Allegra ha sido alcanzada un disparo en el hombro por el asesino Dichter , que a su vez es abatido a tiros por el equipo de seguridad que estaba sentado entre el público. Tras salir Allegra descubre que su vaina, que contiene la única copia del juego eXistenZ, puede haber sido dañada debido a que el "UmbyCord" fue arrancado cuando el juego cuando estaba siendo descargado.

Tras una fuga en una furgoneta, Allegra y Ted, dos desconocidos, se preguntan el por qué y quién ha sido el responsable del intento de asesinato. De cualquier manera lo que le urge a Allegra es el probar si la consola ha sufrido daños. Para ello, y tras alojarse en  un motel de carretera , le pide a Ted conectarse al juego  con otro jugador en que pueda confiar, y habla con Pikul. Allegra descubre que Ted no tiene instalado en bipuerto, y lo que es peor, es  renuente a instalarse el bio-puerto en su propio cuerpo. Sin embargo, ella lo convence para hacerlo, pues el futuro de la compañía está en juego. Allegra le dice a Pikul "Debes participar en el juego para descubrir por qué forma parte del juego. ¡Es el futuro! ».

Tras aceptar Ted el instalárselo se dirigen a una estación de servicio, a cargo de un operario llamado Gas (Willem Dafoe) . Ella sospecha que Gas , a pesar de no tener permiso para ello, lo puede instalar. Gas lo niega inicialmente, pero cuando reconoce a Allegra, su ídolo absoluto accede a la instalación.Pikul le pregunta "¿Cómo era tu vida antes de que la cambiara Allegra Geller? -Trabajaba en una gasolinera. -Todavía trabajas en una gasolinera, ¿no? -Solo en el nivel más patético de realidad".

Pikul , que es uno de los pocos que se niegan a tener un bio-puerto instalado en su espina, debido a su fobia a la "penetración quirúrgica",  finalmente accede. Mientras opera, Allegra se queda fuera y descubre en un surtidor un extraño animal mutante.

Gas, que ahora reconoce haber instalado un par de biopuertos en su cochambrosa nave y con una tecnología ínfima se lo instala, pero al probarlo descubren que Gas ha instalado  deliberadamente un bio-puerto fallido y la vaina de juego se daña.

Ahora Gas (con una escopeta en la mano) revela que su intención es matar a Allegra para obtener la recompensa que se ofrece por su cabeza, pero Pikul le dispara con la pistola de remaches utilizada para instalar el puerto.

La pareja ahora , después del asesinato, ha de huir y se abre camino a un refugio de montaña para el ski utilizado por el ex mentor de Allegra, Kiri Vinokur (Ian Holm). Él y su ayudante reparan la cápsula dañada e instalan en Pikul un nuevo bio-puerto.

Ahora ya dentro del juego, Pikul cuenta que le es difícil saber si las acciones de él o Allegra son sus propias intenciones o son las del juego.

Nada más entrar en el mismo se encuentran con D'Arcy Nader (Robert A. Silverman), un propietario de una tienda de juegos de video, al Pikul, un hombre educado,  le habla con rudeza, lo que sorprende al propio Pikul. Allegra le informa de que fue la acción de su personaje del juego. La realidad se vuelve más distorsionada cuando utilizan nuevas micro cápsulas que Nader les da, para obtener una nueva identidad como trabajadores de una fábrica de vainas de juego.

La realidad se vuelve más distorsionada a medida que ganan nuevas identidades como trabajadores en una fábrica de cápsulas de juegos. Una vez en la fábrica se reúnen con Yevgeny Nourish (Don McKellar), que dice ser su contacto en el bajo mundo realista.

Tras cierta confusión y en un ambiente extraño de fabricación de vainas, Yevgeny le dice a Pikul que es hora del almuerzo y le recomienda que vaya a un chino que hay en el bosque. Además le dice a Pikul que pida el especial de almuerzo en un restaurante chino cerca de la fábrica. Pikul marcha con Allegra a comer. ( Don McKellar ), que dice ser su contacto en el metro realista.

Una vez en el restaurante, Pikul "pausa" el juego, muy a pesar de Allegra,  con el fin de volver al mundo real, pero descubre que él es incapaz de distinguir la realidad de la ilusión.

De vuelta en el restaurante, Pikul siente el impulso de comer el poco apetitoso especial, que resulta ser una variedad de animales mutantes cocidos similar al encontrado en la gasolinera, un lagarto bicéfalo.

Pikul, con el repulsivo animal, que le repugna no puede evitar la pulsión de comerlo. Conforme lo devora, con la osamenta del bicho, irá construyendo un objeto familiar de las partes comestibles, la pistola orgánica utilizada para disparar Allegra al inicio de la película.

Apunta a ella con la pistola como una broma, pero luego identifica a su camarero (Oscar Hsu) y declara que siente la necesidad de matarlo como si un enemigo fuese y le pega un tiro en el pecho falleciendo en el acto. Los clientes del restaurante parecen más congelados que sorprendidos, y, tras el asesinato,  regresan a sus comidas cuando Pikul les dice que fue un simple malentendido por  la factura.

Cuando la pareja retorna a la tienda del juego, Hugo Carlaw (Callum Keith Rennie) les informa que Nourish, el operario de la fábrica, que también es uno de los cocineros,  es en realidad un agente doble para la Cortical Systematics, y el camarero que Pikul disparo era el contacto real.

Al día siguiente en la fábrica, el plan de los dos es sabotear todas las vainas de juego en la fábrica . Para ello utilizarán una vaina enferma que encuentran en una sala que al conectarla servirá para propagar la enfermedad. Cuando Allegra se la instala , se infecta; y Pikul la libera  cortando su umbycord. Allegra casi se desangra hasta que Nutrir se muestra de nuevo con un lanzallamas, dirigiéndolo a la vaina enferma.

Las explosión de la vaina libera esporas mortales que lo invaden todo. Antes de salir, Allegra apuñala a Nourish en la espalda con un cuchillo.

Tras ello  Allegra y Pikul de repente se encuentran de vuelta en el refugio de montaña cerca del laboratorio de Vinokur, y parece que han perdido el juego. Ahora descubren que la vaina de juego de Allegra también está enferma por lo que el juego se perderá, ya que es la vaina originaria.

Pikul, en ese momento de desconcierto, confunde  la enfermedad del juego y la realidad. Sin embargo, Allegra nota inmediatamente a Pikul frotarse la espalda y se da cuenta de que Vinokur no puso a Pikul un bio-puerto nuevo, sino uno infectado con el fin de destruir su juego. Se inserta un dispositivo de desinfección en el BioPort de Pikul.

Inesperadamente, reaparece Carlaw como un combatiente de la resistencia realista y los escolta fuera para que sean testigos de la muerte de eXistenZ.

Antes de que Carlaw pudiera matar a Allegra, recibe un disparo en la espalda por Vinokur, que es un agente doble para la Cortical Systematics. Vinokur le informa a Pikur que Allegra, que copió sus datos de juego, mientras que él arreglaba su vaina. En venganza, ella mata a Vinokur.

Pikul entonces revela que él mismo fue enviado a matarla y  es un realista. Sin embargo, ella le informa que ella sabía  sus verdaderas intenciones desde que le apuntó el arma hacia ella en el restaurante chino,  y luego lo mata al detonar el dispositivo de desinfección en su BioPort por control remoto.

En otro giro narrativo, los dos reaparecen en el escenario donde se había iniciado todo, junto con los principales actores del juego. Resulta que la historia en sí es en realidad un juego de realidad virtual llamado "tranCendenZ", interpretado por el elenco, reflejo de la primera escena.

Es ahora cuando los dos protagonistas actúan más naturalmente, junto con menos clichés en los diálogos, y cortes que  Allegra y Pikul. Otra diferencia se produce cuando se revela que los jugadores están utilizando dispositivos electrónicos en lugar de las vainas del juego. Todos felicitan a Allegra y Pikul por haber ganado la partida. Y hablan de sus personajes. Algunos como gas se queja de lo poco que han jugado al haber desaparecido al principio del juego.

El diseñador del juego real es Nourish que está satisfecho a granes rasgos con el juego, pero ha detectado elementos que no estaban programados como el alto grado de violencia empleado. Además se  siente incómodo porque la partida comenzó con el asesinato de un diseñador de juegos y tuvo una atmósfera total de anti-juego temático que sospecha que se originó a partir de los pensamientos de uno de los probadores.

En ese momento Pikul y Allegra se acercan a él (con el perro de Pikul cerca) y le pregunta si él debe pagar por sus "crímenes" de deformar la realidad. En ese momento entra Merle (Sarah Polley), la asistente de Nutrir, que llama a la seguridad, pero Pikul y Allegra toman unas  armas ocultas que estaban bajo la melena falsa del perro y disparan a Nutre y Merle matándolos.

Al igual que en la escena del restaurante, los otros jugadores parecen más congelados que sorprendidos. En ese momento se cruzan con uno de los jugadores que había ido al servicio . ahora los dos le apuntan con sus armas. Se trata del hombre que hacía de camarero, que pide que no le maten y le preguntan si todavía están en el juego. Y les dice a los dos asesinos:  Decidme la verdad… ¿estamos aún en el juego?

La última escena es de Pikul y Allegra de pie, en silencio, sorprendidos, al parecer, dudan en saber con seguridad la respuesta.

La película se rodó en Canadá , principalmente en el área de conservación de Rockwood en Ontario.

Al igual que en Videodrome (1983), Cronenberg nos da su declaración psicológica sobre cómo los humanos reaccionan e interactúan con las tecnologías que los rodean, en este caso, el mundo de los videojuegos .

La trama de la película  surge poco después de que Cronenberg dirigiera una entrevista con Salman Rushdie para la revista Shift en 1995. En ese momento, Rushdie estaba escondido debido a que Fatwa le había puesto a su vida extremistas musulmanes debido a su   libro The Satanic Verses . El dilema de Rushdie le dio a Cronenberg una idea de "una Fatwa contra un diseñador de juegos de realidad virtual". De aquí surge la historia y vino a ser el primer guión original de David Cronenberg desde Videodrome (1983).

Contó la mismo con el apoyo de dos productores húngaros, por lo que no es casualidad que la X y la Z de la palabra "eXistenZ" estén en mayúscula, ya que las letras entre ellas hacen que la palabra que se forma en húngaro sea  "isten", que significa "dios". Igualmente, cuando Kiri (Sir Ian Holm) y su asistente operan en la cápsula de Allegra (Jennifer Jason Leigh), Kiri dice: "Köszönöm, köszönöm, köszönöm", húngaro por "Gracias, gracias, gracias".

Existenz fue lanzado originalmente por  Metro-Goldwyn-Mayer , pero no acompañaron publicitariamente  la película debido a su estructura compleja.

Para el rodaje contaron con  Jennifer Jason Leigh que ya había terminado de rodar su papel en Eyes Wide Shut (1999). Cuando algunas de esas escenas de la  película requirieron volver a grabarse, el horario requerido para ello interfirió con esta. Leigh decidió quedarse en esta película y su papel en Eyes Wide Shut fue modificado. Siguiendo con la actriz, en la escena en la que Jennifer Jason Leigh y Jude Law se refugian en una habitación de motel después del fallido intento de asesinato, la bolsa en la que vienen sus comidas rápidas tiene escrita "Perky Pat". Esta es una referencia a la novela "Los tres estigmas de Palmer Eldritch" de Philip K. Dick .

El director ha confesado en alguna entrevista no conocer de primera mano los videojuegos, pero no le resulta necesario para sumergir al espectador en este paranoico universo de realidades e identidades alternativas que es ‘eXistenZ’ (que por momentos parece escrita por Philip K. Dick, de hecho hay un guiño a ‘Los tres estigmas de Palmer Eldritch’ de donde toma referencias sobre la realidad  y la alienación que proceden directamente de este libro de Dick. En la obra de Dick el marco de las realidades falsas no es un videojuego, sino fármacos llamados Can-D y Chew-Z.

 Es muy interesante el paralelismo que se establece entre la realidad del juego y la “auténtica” realidad (la falta de metas en la vida, la conversación sobre el libre albedrío, las claves necesarias para poder iniciar y continuar una interacción, algo que hacemos a menudo incluso sin darnos cuenta…), cómo la realidad puede ser una cuestión subjetiva o grupal, y nuestro deseo por querer ser los protagonistas de apasionantes y peligrosas historias, no simples secundarios en existencias aburridas o tramas protagonizadas por otros.

Pero no sólo influyó el libro de Dick, sino que también se inspira en algunos  novelas de Christopher En 1999, se publicó una novela gráfica acreditada a David Cronenberg y Sean Scoffield.

El personaje de Allegra puede ser una referencia a un personaje menor del mismo nombre existente en la novela de Samuel R. Delany "The Star Pit". En esa novela, Allegra es un niño prodigio capaz de proyectar telepáticamente cualquier tipo de realidad que desee a cualquiera a su alrededor. El  aspecto del cabello de Allegra cambia a lo largo de la película en relación a la realidad en la que se encuentre. En el mundo "real", es recto, en transCendenZ es parcialmente rizado, y en eXistenZ es completamente rizado.

A pesar de que esto fue filmado en el formato esférico estándar, "Filmed in Panavision" aparece en los créditos finales.

La película fue premiada en diversos festivales. En el  de Sitges de ese año 1999 fue presentada en la sección oficial largometrajes a concurso . También en el Festival de Berlín donde fue premiado por la contribución artística sobresaliente ganando un premio y otro David Cronenberg, obteniendo el Oso de Plata declarando que era un “extraordinario logro artístico” , siendo el Oso de Oro fue para Terrece Malick por ‘La delgada línea roja’.

Fue premiado en el Amsterdam Fantastic Film Festival  donde obtuvo el Silver Scream.  En los Genie Awards obtuvo igualmente premios a la edición en la persona de Ronald Sanders y nominaciones en dirección de arte y diseño de producción para Carol Spier y Elinor Rose Galbraith y como mejor película en las personas de David Cronenberg , Robert Lantos y Andras Hamori.

En los Golden Reel Awards fue nominada a la mejor edición de sonido a una película extranjera el equipo integrado por David Evans, Wayne Griffin, Mark Gingras, John Laing, Tom Bjelic y Paul Shikata.

En los Premios Saturn fue nominada, a la mejor película de ciencia ficción, perdiendo frente a The Matrix.

La f echa de lanzamiento  fue el 23 de abril de 1999 simultáneamente en Canadá  y Estados Unidos). A la semana siguiente, el 30 de abril de 1999  en el Reino Unido.

A pesar de sus rarezas la película consiguió una recaudación de 2 856 712  de dólares, muy por debajo de los entre los 10  y 15  millones de dólares invertidos.  Es posible que este relato sobre ciencia ficción se viese perjudicado por coincidir su estreno con  ‘Matrix’. El enfoque más personal, modesto, reflexivo y enfermizo de la película del canadiense no no pudo con los otrora Wachowski  . 

La película recibió críticas generalmente positivas, con una calificación de aprobación del 71% en Rotten Tomatoes , bajándose ligeramente en ImBd donde tiene un 6'8 sobre 10.

De ella los críticos dijeron muchas cosas. Unas buenas y otras no tan buenas.  Para Keith Uhlich en Cahiers du Cinéma la película contiene "momentos mágicos"  Y es destaca una frase de la película que dice Allegra   "El mundo de los juegos está en una especie de trance " Esa es la palabra. 'Trance.'  Después el escritor habla de confianza y de miopía.  Y añade " En el mundo de eXistenZ, nunca puedes estar completamente seguro si estás hablando con una persona real o un facsímil replicado digitalmente, aunque cada contacto existe, básicamente, para avanzar en la búsqueda anárquica y cargada de pliegues de Geller y Pikul. Mi favorito de estos informantes es, por supuesto, Gas (...) un ser humano como puro estado de la materia, uno que probablemente se desmaterialice de la vista y la mente todo de un instante. (...) Geller y Pikul siempre se las arreglan para encontrarse. Cuanto más se acercan, y cuanto más profundizan en eXistenZ y sus siempre cambiantes misterios, más ese estado de atracción , de trance  que desenfoca sus propios sentido de fantasía y realidad.

Geoff Andrew de Time Out dijo que era una película " Oscura, pero un delirio divertido". Kevin Thomas de Los Ángeles Times alabó el trabajo de la actriz protagonista al decir de ella que " es la ideal heroína de Cronemberg, en la que proyecta su personalidad y sus obsesiones" Frente a ellos nos encontramos críticos como James Berardinelli de Reel Views a los que le gusta la premisa de la que parte el director, no así como se ejecuta. o Jeff Millar de Houston Cronicle que destaca la buena dirección artística en busca de una idea. M. Torreiro en el diario El País dice que es un "Ilustre tropezón de Cronenberg, director que es un maestro en la narración y sus formas, en cómo se construyen las historias y cómo enganchan y juegan con el espectador (...) Vende humo, pero lo vende convicentemente"

Por contra, Leonardo D’Espósito en la revista Noticias comnta que es una "Película notable y divertida, perversa e irónica. (...) Cronenberg sigue a sus personajes, se ríe de los absurdos y crea una historia densa y poética, (...) Una genialidad. (...) "

Para Juan Luis Caviaro en Espinof afirma que "David Cronenberg es uno de esos ejemplos que hacen trizas la consideración del autor de cine ... La marca del autor no es la originalidad de la historia, sino de la mirada, cómo construye una realidad que nosotros miramos a través de la ventana que es la pantalla. Los temas, las inquietudes y la personalidad del cineasta no requieren de una historia propia. 

En un guión puede estar escrito que un hombre se sienta y se queda mirando el tráfico, y la manera de plasmar eso (de convertirlo en cine) marcará la diferencia entre un realizador mediocre, sin nada que aportar, uno excelente pero impersonal, capaz de crear bellas imágenes de manera casi automática, y uno que narra desde el interior, que se expresa a través de la pantalla. 

Cuando Cronenberg comienza a crear la historia de ‘eXistenZ’, en 1995, habían transcurrido 14 años desde la última vez que había trabajado en un guion original (‘Videodrome’). Y cuando se estrena, en 1999, nadie pone en duda de que el canadiense es uno de los autores más relevantes del panorama cinematográfico internacional. El premio que logró en Cannes por ‘Crash’ (1996) tuvo mucho que ver, pero solo para extender una idea que ya resultaba evidente para todo aquel que se hubiera tomado cierta molestia en observar atentamente (sin prejuicios ni vagancia) la obra del cineasta, que había comenzado a compartir con el mundo su peculiar enfoque en ‘Stereo’, filmada en 1969 (”una investigación de la incapacidad de la sexualidad corriente“, en palabras de su director, ¿acaso no es uno de sus temas favoritos?). 

Al parecer, Cronenberg se sentó a escribir el guion de ‘eXistenZ’ mientras esperaba que arrancara la complicada producción de ‘Crash’, porque no había leído nada que le interesara tanto como para adaptarlo al cine. 

De sus entrañas surge una película que vuelve a girar en torno a la relación del ser humano con la tecnología y a nuestra capacidad (o necesidad) para crear existencias o identidades alternativas, pudiendo llegar a una confusión entre fantasía y realidad. 

El público real y el de la fantasía cinematográfica se unen, y es que en esta confusión de realidades que se nos plantea entra también el cine, una manera habitual de escapar de nuestra existencia cotidiana, tanto para quienes lo hacen como para quienes lo ven (el diseñador del juego sería el cineasta y los usuarios sus actores protagonistas). 

Desde la primera escena (atención a Christopher Eccleston) se hace patente la irrealidad de los personajes, no se comportan de manera natural, tienen extraños acentos (Ian Holm...) y se mueven de forma exagerada, algo que en un principio puede atribuirse a un mal trabajo del reparto cobrará sentido más adelante. 

Destaca Caviaro que Cronenberg convirtió a su nuevo protagonista en una diseñadora de videojuegos, , una mujer para dar una vuelta a los roles habituales en el cine y enrarecer las escenas en las que jugar a ‘eXistenZ’ se convierte en una metáfora del sexo. Se participa a través de unos biopuertos situados cerca del ano, que son penetrados por uno de los extremos del cable que se conecta al juego, el cual se activa tras estimulación manual. Las escenas de Gas (Willem Dafoe) taladrando por detrás a Ted (Jude Law)  que tiene un enorme miedo a la penetración y de Allegra lubricando el excitado biopuerto de su compañero resultan claras en este sentido.

La película es un himno a lo orgánico, visible desde el primer momento en la pistola o en la consola de juegos  un ser vivo mutado genéticamente que se fusiona con el usuario como si fuese parte de él, y al que necesita para vivir (el cordón umbilical le da una apariencia de grotesco feto).

Destaca Caviaro el ambiente arquetípico y lúgubre de esta aventura gráfica de ciencia-ficción para el que Cronenberg aprovecha al máximo los recursos (10 millones de dólares de presupuesto) y el talento de los profesionales (Howard Shore, Peter Suschitzky, Carol Spier...) que tiene a su disposición.

Concluye Caviaro diciendo que " es una película arriesgada, turbadora, inteligente y estimulante, con algunas de las imágenes más potentes de su carrera".

Una vez terminada la película hubo un interesantísimo debate sobre la realidad y la ficción en esta compleja película, eXistenZ, incluida por Cahiers du Cinema como una de las diez películas más interesantes del año 1999. A destacar como algunos vieron en la actriz, un estado constante de deseo y dependencia, que pudiera ser el impulso vital, a veces destructivo pero también creativo, el que sugiere Cronenberg como camino frente a la pasividad del chico. Una película inquietante y turbadora.

Además se dio información sobre publicaciones que hablan de la misma como la citada de Cahiers o la de Laura Borrás que afirma que "Los conceptos que se revelan problemáticos en el escenario cinematográfico imaginado por Cronenberg son los de naturaleza y realidad y, en cierta medida, también las nuevas formas literarias nos conducen a una distinción entre prácticas "naturales" de lectura y nuevas prácticas lectoras". Y destaca en ella como la película "trata de esfumar, empañar, subvertir, en definitiva, las fronteras entre lo orgánico y lo inorgánico, la futura fantasía y la realidad inmediata"

Señala en ello que eXistenZ es un film relativamente calmado y cerebral, a pesar de los efectos especiales que algunos han considerado "efectos repulsivos", por la visceralidad material de la cosa en sí misma a la cual dentro de poco nos referiremos.

Laura Borrás da informa información sobre los que supone para otros los objetos de Cronemberg , aquí y en otras películas, especialmente de esta decada " Son objetos, afirma Pilar Pedraza, "fuertemente sexualizados, que se hinchan y respiran, se comportan como animales, se ponen enfermos, mueren e, incluso, hablan" .

Por último recoge la opinión de Montserrat Hormigó quien sostiene "que Cronenberg está fascinado por la posthumanidad, es decir, por el impacto de la tecnología en el cuerpo humano. En este sentido, sus películas forman parte del grupo de prácticas intelectuales y artísticas que repiensan el cuerpo humano a medida que éste va siendo reconstruido por los avances en ingeniería genética y en robótica".

Habrá que reconocer que , desde luego, la película menos indiferencia , genera todo tipo de opiniones. Reflexionando sobre ella, no tanto sobre lo que pensaba de ella durante la misma - por momento, creía estar ante una tomadura de pelo- , sino sobre lo que hemos visto , una película rabiosamente sobre hacia dónde se encamina la humanidad, reconoceré que me ha gustado. Y cada momento que pienso en ella me gusta más.