Millenium (la serie)

Coincidiendo con la cuarta entrega de la saga Millenium, esta última y titulada «Lo que no te mata te hace más fuerte», redactada por David Lagercrantz y  no escrita por Stieg Larsson, el escritor fallecido en 2004 de un ataque de corazón a los 50 años, y que no pudo ver ni vivir el furor que levantó su trilogía “Millenium” y lanzó a la literatura mundial la escritura negra sueca, me propuse antes de leer esta nueva entrega de la serie sueca de  Millenium (La serie), realizada tras el éxito de la trilogía cinematográfica inspirada en la obra de Stieg Larsson una vez que fue adaptada al cine. Se trata de una serie de ficción que recibió el Emmy 2011 Internacional a la Mejor Miniserie (galardón entregado a producciones no estadounidenses), así como el "Årets TV-drama" ( "Series de televisión del año") en los premios Kristallen 2010. 

La serie consta de seis episodios de 90 minutos cada uno, en total nueve horas, de las que dos son material inédito grabado durante el rodaje de los tres largometrajes. 

Esta ficción se estrenó en España el 18 de septiembre de 2010 en Canal +. Cuenta con dos directores Niels Arden Oplev y Daniel Alfredson, encargados de la primera y la segunda y tercera respectivamente. Ambos siguen el guión escrito por Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg, Jonas Frykberg y Ulf Ryberg, partiendo siempre de la trilogía de Stieg Larsson. La productora de la serie, Yellow Bird Films ha intentado respetar al máximo la obra de Larssen ya que de cada libro se ha dividido en dos capítulos. Como curiosidad, la productora, Yellow Bird, está creada por el escritor Henning Mankell y los productores Ole Søndberg and Lars Björkman; los mismos que produjeron las películas y que de hecho la productora se fundó para producir películas basadas en Kurt Wallander, el personaje creado por Mankell.Igualmente están presentes la ZDF Enterprises y la Sveriges Television (SVT), Film i Väst y la productora de cine danesa Nordisk Film  

La música fue labor de Jacob Groth, mientras que la fotografía correspondió a Jens Fischer, Eric Kress, Peter Mokrosinski 

El reparto está integrado por el mismo grupo de actores y actrices que protagonizó la trilogía cinematográfica con Noomi Rapace como Lisbeth Salander, Michael Nyqvist como Mikael Blomkvist , Lena Endre como Erika Berger , Annika Hallin como Annika Giannini , Peter Andersson como Nils Bjurman , Jacob Ericksson como Christer Malm , Sofia Ledarp como Malin Erikson, Micke Spreitz como Ronald Niedermann , Anders Ahlbom como Peter Teleborian y Georgi Staykov como Zalachenko. Junto a ellos aparecen David Dencik, Yasmine Garbi, Björn Granath, Peter Haber, Ingvar Hirdwall, Lennart Hjulström, Niklas Hjulström, Johan Kylén, Per Oscarsson, Paolo Roberto, Stefan Sauk, Sven-Bertil Taube 

La Miniserie de seis capítulos sigue casi de manera literal la trilogía de las obras de Larsson, así como de las  películas de la saga "Millennium", que fueron adaptadas al cine y que tuve ocasión de verlas en los años de su estreno. Lo único reseñable y diferente en la serie es que se añaden algunas escenas para darle más continuidad narrativa a la obra seriada y mimetizarla con la obra literaria. Por supuesto cuenta con los mismos actores protagonistas, Noomi Rapace y Michael Nyqvist retomando sus papeles protagonistas.

Como he dicho responden a las tres novelas: Los hombres que no amaban a las mujeres ; La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire.

Como desarrollar la obra literaria en la serie , pues es de hecho literal, con respectos a los libros he copiado aquí una breve reseña de los mismos.

Los dos primeros capítulos se centran en  Los hombres que no amaban a las mujeres. Como ocurre en la novela, el periodista Mikael Blomkvist ha sido condenado a prisión por difamar al billonario Hans-Erik Wennerström y quiere escapar de la atención de la prensa antes de cumplir su condena. Ante esta circunstancia y antes de su entrada en prisión recibe el encargo de visitar a un empresario que vive en una isla. Se trata del Consejero delegado del grupo Vanger. Mikael es contratado por el anciano magnate industrial Henrik Vanger bajo la excusa de ayudarle a escribir una biografía de la familia Vanger. Lo que realmente busca Vanger es que Blomkvist investigue la desaparición de la sobrina de Henrik, Harriet, ocurrida 36 años antes.

Durante su investigación forma equipo con la introvertida y habilidosa hacker de computadoras Lisbeth Salander, la auténtica protagonista de la serie.

La investigación por la desaparición de Harriet Vanger hace 40 años fue cerrada por la policía, pero en el clan de los Vanger, aún hay alguien que se sigue acordando de ella: su tío Henrik, especialmente cuando recibe una vez al año el día de su cumpleaños un cuadro con una flor seca, algo que le remite a la desaparecida Harriet.

Blomkvist con la ayuda de Lisbeth Salander, una 'hacker' antisocial con una impresionante inteligencia y memoria fotográfica empieza a abrir nuevas vías. Sus averiguaciones los llevarán hacia una oscura historia familiar, pero el clan estará dispuesto a todo para protegerse.

La tercera y cuarta entrega se centra en La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina en la que Mikael Blomkvist es contactado por el periodista freelance Dag Svensson para que Millennium publique un revelador artículo sobre el tráfico sexual de mujeres de Europa del Este en Suecia, el cual involucra a oficiales del Gobierno.

Svensson y su novia son asesinados y la policía cree que Lisbeth Salander es la culpable.Salander es, además de millonaria, la mujer más buscada del país. Sus huellas están en el arma con la que han asesinado a dos colaboradores de la revista Millennium, a punto de sacar a la luz un polémico reportaje sobre el comercio sexual en Suecia. Blomkvist debe probar la inocencia de Salander, al mismo tiempo que intenta terminar el trabajo de Svensson y descubrir el vínculo entre ambos.

Del resultado de esta historia es que Lisbeth Salander localiza al responsable de todo el desaguisado, estando involucrado en el mismo su padre, yendo a buscarlo a su refugio, acabando de muy mala manera. Sobrevive milagrosamente, después de un disparo en la cabeza, pero Alexander Zalachenko también esquiva la muerte. Michael Blomkvist la encuentra, llega la policía y el gigante Ronald Niedermann se escapa.

La quinta y sexta entrega es La reina en el palacio de las corrientes de aire y comienza con Lisbeth y Zalachenko en el hospital, siendo cuestión de tiempo que la organización secreta que protegía al segundo se mueva y actúe, impidiendo que todo salga a la luz. La idea es silenciar a ambos, sea como sea. El tema es que habiendo descubierto la existencia de un grupo secreto al interior del Servicio de Seguridad Sueca, el cual ha cometido varias violaciones constitucionales en contra de Lisbeth Salander, Mikael Blomkvist y un grupo de policías de la división de Protección Constitucional del Servicio de Seguridad Sueca buscan revelar las identidades de sus miembros y que los cargos de asesinato contra Salander sean retirados.Por supuesto, Lisbeth, no la van a quitar de en medio tan pronto, y como se va a celebrar un juicio contra ella, por el intento de asesinato de su padre, la organización planea volver a encerrarla en el psiquiátrico que dirige el doctor Peter Teleborian. Michael, junto a los colaboradores de la revista Millennium y agentes del gobierno, tratará una vez más de ayudar a Lisbeth, hasta que sea declarada inocente y quede en libertad.

La idea de la adaptación cinematográfica de la trilogía Millennium dio paso luego a  la idea de montar una miniserie para la pequeña pantallade seis capítulos con material inédito grabado durante el rodaje de las tres películas. Así lo comentó el productor sueco Soren Staermose, responsable de la adaptación cinematográfica de los tres libros de Millennium y cuya empresa Yellow Bird compró en 2005 a la editorial sueca los derechos audiovisuales de las novelas.

Staermose anunció que durante el rodaje de una de esas tres películas - en concreto, la segunda parte, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, - se optó por dar salida a lo filmado ya que había  "bastante material para una serie de televisión compuesta de seis episodios de noventa minutos".Era algo así como más de dos horas de material inédito.

Sobre la protagonista estelar de la serie, Lisbeth Salander que  interpreta de nuevo Noomi Rapace, "la actriz ideal para luchar por los derechos de la mujer", según Staermose, señala sobre su origen algunos de los amigos de Larsson comentaron que el personaje de Lisbeth Salander fue creado a partir de un incidente que vivió Larsson, cuando era adolescente,al ser testigo de como tres chicos violaban a una conocida suya llamado Lisbeth, parece ser que él no hizo nada para detenerlo. Días más tarde, atormentado por la culpa, le pidió perdón , algo que ella rechazó. El incidente, dijo, le persiguió durante años después, y en parte lo movió a crear un personaje con su nombre, que también era una superviviente de una violación. Sin embargo, existen dudas sobre la veracidad de esta historia que Larsson parece haberlo tomado de una segunda mano y contada como suya.

Es posible que se note algún matiz diferencial entre los dos primeros episodios y los cuatro restantes , puesto que el encargado de esta segunda y tercera mitad fue el director, el sueco Daniel Alfredson que tomó el testigo en la segunda y tercera entrega del director danés Niels Arden Oplev, responsable de la primera.

Staermose, que recogió el premio de la industria en el Festival de Cine Europeo de Sevilla destacó que la elección de la actriz para el papel de Lisbeth fue su mayor preocupación pues del acierto de esa decisión "dependía que el público aceptase al resto de personajes y el universo narrado por Larsson". "Noomi Rapace es una actriz especial y creo que Stieg Larsson hubiera estado de acuerdo con la decisión del director de ser la elegida para interpretar a Lisbeth Salander", explicó el productor quien, sin embargo, considera que al escritor sueco le habría gustado que la primera película dedicara más tiempo al papel del capitalista Wennerström.

La miniserie opts por meternos en las dintintas historias y los hace por medios de los muchos detalles narrados por Lrsson , pero que son llevados a la pequeña pantalla mediante primerísimos planos de fotografías, aires de argumento fantasmagórico con apariciones en ventanas, paisajes remotos de inusitada belleza con dificultades en su acceso, etc) a los que hay que sumar una inmejorable banda sonora, que casa perfectamente con la ambientación, y que acerca el relato por momentos al genero de terror.

Esta edición extendida de la saga Millenium el espectador logra entender mucho mejor la historia  que con las películas, pues cada entrega tienen  un metraje entre 30 minutos y 60 minutos superior al mostrado en el cine, con momentos sumamente importantes para el desarrollo argumental que se obviaron en la versión cinematográfica

Para la crítica el cambio de formato de  cine a serie ha sido un acierto. Paul Pritchard alabó : "Este cambio de formato no sólo no daña el material, sino que realmente lo realza. ...Cada episodio  permite al espectador tomar la historia  en trozos fácilmente digeribles , además destaca que la historia aún mantiene su sensación cinematográfica. " Para Thomas Spurlin destaca el papel de Noomi Rapace con el texto bien adaptado y hace convincente su carácter con el tono y el impacto de l texto de Larsson."

Lo más destacable de la serie es , sin duda, una Noomi Rapace como Salander, que consigue aunar toda la vulnerabilidad y fuerza en el mismo personaje. Es toda una heroína y empatizas desde el primer momento con ella.  Está inconmensurable e inimitable en su papel de Lisbeth.

Cada capítulo te sumerge en la historia totalmente, es muy fiel al libro, y consigue que te metas en la historia  gracias a su fotografía y el desarrollo detenido de los acontecimientos. el tono en los seis capítulos es oscuro y violento, muy entretenido, posiblemente más que en las películas especialmente en las dos últimas como señala José Luis Caviaro, editor de blog de cine, que llega a calificar estas dos últimas entregas como tan decepcionantes como aburridas . De hecho, piendo que la serie supera con creces, dado sus detalles, a las dos últimas entregas cinematográficas, en parte, por ser más esclarecedora.

También es destacable la crítica que se hace a la superestructura en término marxistas de la sociedad sueca ( con empresarios corruptos, psiquiatras pervertidos, abogados deshonestos, policía, políticos, etc.), supuestamente tan avanzada pero con un lado muy oscuro y un pasado, el nazi, que parece no haber existido. Y una vez visto esto, estoy en buena disposición para la lectura.

Dos duros con mucho postureo

No esperaba nada de una película interpretada por Mickey Rourke y Don Johnson, más aún cuando iban de moteros, chulitos y además se acogían bajo el extraño título en inglés Harley Davison and The Malboro Man, aunque aquí conocida como Dos duros sobre ruedas. Y no me equivoqué, pues es eso, nada.

Hablamos de una película de los iniciales noventa, en concreto del año 1991, una película de acción. La película fue escrita por Don Michael Paul y dirigida por Simon Wincer. Si tiro un poco de la memoria ya para esos años los dos protagonistas habían iniciado la senda de su declive como actores, pero recuerdo que estuvo en cartelera.

El director de la película fue para mi un desconocido Simon Wincer, que contó con la producción de Jere Henshaw para el conglomerado de productoras compuesto por Krisjair, Laredo y la todopoderosa Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), que fue además la encargada de distribuir el producto. La película contó con un presupuesto de 23 millones de dólares.

Wincer para su película contó con el guión - bueno es un decir- de Don Michael Paul, así como la música de Basil Poledouris y la fotografía de David Eggby, así como el montaje de Corky Ehlers.

El reparto lo encabezan Don Johnson como Robert Lee Anderson, más conocido como Marlboro Man y Mickey Rourke como Harley Davidson. Junto a estos un jovensísimo y delgado Tom Sizemore como Chance Wilder, Chelsea Field como la agente Virginia Slim, Daniel Baldwin como el malvado Alexander, Julius Harris como "Old" Jiles, Vanessa L. Williams como Lulu Daniels, Giancarlo Esposito como Jimmy Jiles, Kelly Hu como Suzi, Mitzi Martin, Tia Carrere como la impresionante Kimiko, Big John Studd como Jack Daniels. A los que se suman Eloy Casados ​​como José Cuervo, Robert Ginty como Thom, Branscombe Richmond como Big Indian, Sean "Hollywood" Hamilton, Theresa San-Nicholas, Sven-Ole Thorsen,

La película se desarrolla en el entonces futuro del año 1996 en el sur de los Estados Unidos, especialmente entre Tucson, Las Vegas y Los Ángeles.

Comienza con Malboro Man en la cama junto a una chica, la agente Virginia Slim. En paralelo conocemos a Harley Davidson ( Mickey Rourke ) que se encuentra en un motel de Texas cuando escucha por radio una droga peligrosa que se ha lanzado a la calle denominada "suelo de Crystal sueño".

Poco después se persona en un garito de Arizona Harley Davidson, un viejo amigo de Malboro, y que desapareció de la ciudad hace un par de años. Allí Malboro está echando una partida de billar con un indio enorme al que derrota ganándole la apuesta , cosa que se toma a mal en nativoamericano. Presente en la pelea está Harvey,  que no lo ayuda, pues confía en su capacidad para salir de los problemas.

Ya una vez junto marchan dirección Los Ángeles, aunque haciendo una breve parada en Las Vegas. Vamos conociendo que ambos tuvieron una juventud complicada, pero que lograron superar sus problemas gracias a un grupo de amigos con los que se juntaban en un bar de Burbank, en las afueras de Los Ángeles.

Ambos son apasionados de las motos y además de eso Marlboro es un consumado tirador con la pistola, además de ser un buen montador de rodeos. Malboro manifiesta estar cansado de la perra vida que lleva, así como de su vieja moto japonesa, una Kawasaki, no así Harley. Éste esta noche de recuentro se le ha regalado una pistola.

Los dos colegas moteros entran en un viejo bar de Burbank en que hay una chica cantando, Lulu Daniels, con la que Harvey tuvo una vieja aventura. Antes saludan al dueño. Se trata de "Old" Jiles, un hombre del que recibieron buenas recomendaciones y que les ayudó a ser personas alejadas de la cárcel y de las drogas.

Los dos moteros entran en una zona reservada para las apuestas ilegales en las que se encuentran otros tres amigos, entre ellos el hijo de Old, Jimmy y el enorme Jack Daniels. Tras una pelea entre Harley y Jack se juntan para celebrarlo. Mientras celebran el reencuentro Old Jiles comenta que ha recibido hoy, tal y como habían percibido Harvey y Malboro, la visita de un matón llamado Alexander, un hombre que viste una capa negra hasta los pies.

Según transmite Old se trata de un extorsionador que trabaja a sueldo del banco que gestionada el alquiler. El lleva 50 años en el local y ha ido pagando rigurosamente durante esos años, desde los 300 dolares que le pedían hasta los 3.000 anuales que paga en la actualidad. Pero ahora teme perder su bar, ya que un banco quiere construir un nuevo complejo allí y le exige 2,5 millones de dólares para un nuevo contrato de alquiler.

Harley y Marlboro deciden ayudarle a robar el banco, una entidad corrupta. Todos los amigos, aunque Daniels con reservas, pues se presenta al final, deciden participar del atraco a un furgón blindado con dinero procedente del banco.

Tras una ingeniosa puesta en escena, Malboro y Harvey, así como sus amigos logran entrar en el furgón blindado y se hacen con las sacas, aunque para desgracia del grupo, antes de escapar un grupo de seis hombres vestidos de negro y encabezado por Alexander les atacan. Sus trajes parecen inalterables a las balas.

Los asaltantes huyen por el canal de Los Ángeles hasta llegar al depósito de aviones de Burbank, en donde descubren que el transporte de seguridad no llevaba dinero sino una nueva droga sintética, "sueño de Crystal". Ahora tienen que enfrentarse no sólo al banquero criminal, Chance Wilder, sino a unos asesinos a sueldo de la mafia de drogas.

Esa misma noche Malboro se reencuentra con su amiga , la agente Virginia Slim, que le comenta que está cansada de la vida que lleva y que se va a casar con un compañero. Al día siguiente se persona en la casa Harvey que se va a desayunar con Virginia y le pregunta a ésta por la droga.

Visto lo visto, deciden ir a entrevistarse con Chance Wilder ( Tom Sizemore ), tras dar el visto bueno su auxiliar japonesa, Kimiko. Wilder es el presidente del banco involucrado en el tráfico de drogas. Éste exige la devolución de las drogas. Ellos no quieren quedarse con las drogas, pero sí quieren el dinero para Old Jiles.

Esa misma noche se personan en el bar los seis matones que entregan el dinero a Old a cambio de la droga, pero de inmediato Alexander le dispara a él y a los demás que estaban escondidos. Únicamente escapan  con vida Harvey y Malboro de la muerte, aunque son perseguidos por los tipos, que logran meterse en la bodega de un avión y llegar a la ciudad de Las Vegas. ¡Ah, Las Vegas!

Esa ciudad no satisface en nada a Malboro, pues es natural de allí, y en la que vio perder su relación con su padre, del que únicamente conserva sus viejas botas. Tras instalarse en Sin City buscan piso en el hotel rascacielo de la ciudad que no duerme.

Sin embargo, cuando Malboro está llamando a Virginia se personan los seis matones que han llegado a la ciudad pues portan , sin saberlo, un localizador. Huyen como pueden de los asesinos de Alexarder y , finalmente, optan por saltar al vacío para caer en una piscina del hotel.

Escapan nuevamente en dirección a Los Ángeles metidos en un tren, pero Malboro que no encuentra sentido a nada decide marchase a Los Ángeles para vengarse por la dolorosa muerte de sus amigos.

Allí, inicialmente, va en busca de Virginia, que ya vive con su novio, un teniente de la policía, tras hablar con ella y ver lo irreversible de la situación se marcha de la casa. Apareciendo en ese momento Harley en su moto dispuesto ayudarle a acabar ya de una vez con Wilder y sus matones.

Comenzando por los matones reactiva Harley el localizador y se enfrentan a ellos en el depósito de aviones de Burbank. Allí acompañados por la suerte y la escasa puntería de Harvey, logran acabar uno a uno con los preMatrix de Alexander.

Una vez puesto fin a ello, deciden hablar con Chance Wilder, al que vemos hablando con los integrantes de un consejo japonés, ¿la Yakuza o un Banco?, no lo sabemos, y tras esto se produce un enfrentamiento verbal entre Chance y Malboro, pero durante la misma se persona un helicóptero que destroza el despacho , pero no acaba con nadie.

Sin embargo, en la lucha final Wilder que está a punto de caer a la calle, pero se agarra a las botas de Malboro, cayendo aquel junto con las viejas botas al vacío.

En la última escena nos encontramos con Malboro que quiere retomar su carrera como cowboy en lo alto de un toro en un rodeo. Su amigo Harvey quiere seguir con la carretera, pero antes de acabar ve a una chica guapa haciendo autostop y le pregunta ¿dónde va? Le da igual, así que moto, carretera  y manta. Y fin de este rollo.

Gran parte de ella fue filmada en diversos puntos de Tucson y Phoenix(Arizona), Los Ángeles, Las Vegas y en el "Boneyard" en Davis-Monthan Air Force Base.

La película fue un fracaso financiero, ganando sólo $ 7 millones de dólares en taquilla de los 23 millones que invirtieron en su realización.

La crítica la vapuleó , como debe ser, pero sorprendentemente se convirtió en un clásico de culto después de su lanzamiento al vídeo. Eso del estereotipo "macho motorista " es lo que tiene, parece ser. Debe ser , es posible, que se deba a mostrar con tanta antelación, casi diez años, la estética de las gabardinas a lo Matrix o por presentar esas ametralladoras de cientos de disparos por segundo que nunca dan a los duros sobre ruedas o por el salto desde un piso 40 a una piscina de 2 metros por 3 sin sufrir el menos rasguño, por la aparición estelar del helicóptero para masacrar el despacho de Chance Wilder sin matar ni a éste ni a Malboro, por las actuaciones planas como pocas o por la profundidad de diálogos tan profundos como los siguientes: “Alguna vez quise tener una familia, pero no encontré a la mujer con la cual quisiera siempre estar, una mujer que fuera mas importante que mis amigos, que mis motos, que todo lo demás, nunca llegó”. “Mi infancia fue difícil, sin un padre. Si tuviera un hijo siempre estaría con él, nunca más alguien sufrirá lo que yo viví”. Un despropósito ... de culto, pero un despropósito.

Estamos ante una película acción que roza el absurdo en su historia. En la misma se mezcla lo futurista, con la comicidad, pero una y otra invitan a la mueca. La cinta lo que sí hizo fue aprovechar el gancho de tener a dos símbolos sexuales masculinos de los ochenta, cuando entraban en los noventa como son Mickey Rourke y Don Johnson.

Para la crítica especializada la película se las trae. Kevin Thomas, del diario Los Angeles Times lo llamó "un empedrado sin sentido de un sinnúmero de buddy movies". Para Owen Gleiberman de Entertainment Weekly lo calificó con una bajísima nota, C +, dedicándole entre sus epítetos el de "ridículo". En Variety se calificó la película como " tonta, casi dolorosamente mala película de acción sobre dos actores que se creen leyendas ".

Vicent Canby del The New York Times señaló que "el Sr. Rourke y el Sr. Johnson manejan sus papeles confacilidad y humor y que se acomodan a una película de peleas sin sentido, tiroteos, persecuciones en helicóptero, explosiones y saltos desde edificios altos . " La revista británica Time Out la llamó directamente "basura absoluta, y mal vestida"

Kim Newman de Empire dijo de ella que:" Durante un tiempo, su tosquedad es divertida, pero a medida que la trama se establece, poco a poco se convierte en un taladro sofocante "

Sorprendentemente en España las críticas no fueron tan vitriólicas. Para Fernando Morales del diario El País la película es "Tan convencional como efectiva", mientras que Miguel Ángel Palomo en ese mismo Diario comentó que era una "Comedia satírica con mucha acción, que divierte al principio pero acaba por saturar."

Por su parte, Alberto Abuín editor en blog de cine señala con contundencia una vez revisitado la película  tras haberla vista de "chico" como decimos por aquí entiende que Simon Wincer, que  venía de realizar un intento de western, ‘Un vaquero sin rumbo’ (‘Quigley Down Under’, 1990) señalado como director adecuado para el film, que no deja de ser el responsable de esta "insípida película de acción con un ritmo inexistente, un vacuo sentido del espectáculo y unos personajes eminentemente planos. Una vez transcurrido un tiempo que "Dos duros sobre ruedas’ me ha parecido un insufrible producto barriobajero que pretende ir de abanderado de la cultura trash, quedándose en poco menos que nada".

Y yo digo que es floja, muy  floja. Con un Mickey Rourke que empezaba su descenso y que participa únicamente, y lo reconocerá más tarde, por necesidades económicas, con escenas dignas del teatro del absurdo como la escena del atraco al furgón, o ese salto desde los alto de la terraza a la piscina que parece rendir in insensato homenaje a ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy & The Sundance Kid’, George Roy Hill, 1969). Es una inmensa memez, con penosas secuencias de acción, con mucho, pero mucho postureo, con momentos que rozan lo ridículo. Dice uno de los dos  "El infierno es vivir día a día sin saber la razón de tu existencia" o "Es mejor estar muerto y fresco, que vivo y fuera de moda.", yo , más mundano y menos profundo, mientras veía la película pensaba: es mejor estar en la cama y no haber perdido el tiempo.

El evangelio según los nazis

Que el nacionalsocialismo ha sido una de las grandes desgracias que ha vivido la humanidad en el pasado siglo XX no hay quien lo niegue. Su concepción del mundo terminó con una de las manifestaciones más criminales y crueles que ha conocido el hombre. Esa maldad no procedía de una locura, no esa maldad procedía de una concepción del mismo partiendo de la falsa idea de la superioridad de una raza, la aria, sobre las demás. Un intento de explicar cuáles fueron las raíces que llevaron a la humanidad en una de sus manifestaciones más crueles se presenta en este documental presentando en Channel History titulado El Evangelio según los Nazis. 

En una hora y media que dura este reportaje vemos de manera detallada como concibió Hitler y los líderes nazis la necesidad de crear una nueva doctrina para aquellos nuevos y desgraciados momentos de la historia. A la largo de este reportaje vamos viendo como partiendo de una simbología , en ocasiones cristiana y en ocasiones pagana se diseña toda una corriente propagandística dirigida al pueblo alemán. Este especial explora las raíces de la ideología nazi y cómo el Tercer Reich manipuló la Historia y la religión. El objetivo era reforzar su poder y conducir a Alemania a la guerra y la ejecución de un genocidio. 

Este documental profundiza en la psique retorcida del estado nazi, dejando al descubierto sus extraños cimientos ocultos: desde la idea de Himmler de las SS para crear una nueva religión del nuevo estado que parece sentirse como un miembro de la  orden de caballeros antiguos, hasta otras extrañas creencias impuestas o buscadas por el poder nazi. Allí estaba una nueva forma de entender la vida humana, el mundo natural y lo sobrenatural, la historia del planeta y el funcionamiento del cosmos. Una creencia que trajo sus peores consecuencias con el holocausto.

En El Evangelio según los Nazis se nos explica que la filosofía del tercer Reich estaba basada en creencias a modo de un culto esotérico más que político, de su cosmovisión, entendida esta como una religión política o secular plagada de símbolos, mitos, ritos y ceremonias. Un conglomerado ideológico donde se reúnen neopaganismo, religión natural, racismo biologicista, y tradición gnóstica. Probablemente habría que buscar los indicios de esta concepción del mundo hitleriana en la corriente nacionalista de tendencia mitológica vinculados con grupos cercanos a las sociedades secretas, la   Logia del Vril, a la sociedad Thule, y en la personalidad de Karl Haushoffer, el deseo de buscar las supurestas raíces del pueblo ario en el Tibet Haushofer fue el fundador de la Sociedad Vril, relacionada con la Sociedad Thule y fue una influencia importante en el pensamiento ocultista de Hitler. Las sociedades Thule y Vril combinaban creencias de varias fuentes algunas de ellos casi fantasmagóricas cercanas al mundo de Atlantiso a la ilusionaria isla de Thule. De hecho se nos comenta como desde el grupo Thule, gran proveedor de los dirigentes racistas neognósticos, que creían que el bien correspondía al ario y el mal al semita. Sobre la base de esta filosofía neomaniquea, se construye el Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán ( NSDAP), o partido nazi, creado por Hitler.

La literatura del siglo XIX describe la existencia de una raza superior, la Vril-ya, que vivía bajo tierra y planeaba conquistar el mundo utilizando el vril, una energía psico-quinética. A estas teorías se unirán después los estudios de iluminados como los de Otto Rahn, escritor alemán aficionado al esoterismo, miembro del Partido Nazi y Obersturmführer de las SS, que dan algunas pistas sobre los orígenes secretos de la cosmogonía hitleriana, y que puso en contacto con nazismo y el antiguo mundo cátaro y sus vínculos con el Santo Grial. Sus ideas lo llevaron hasta las ruinas de Montsegur y las grutas próximas a la montaña. Sabemos igualmente como Otto Rahn falleció el 13 de marzo de 1939, congelado en la cima del Wilden Kaiser (Austria), probablemente en un suicidio ritual.

Se trata  de un buen documental, bien documentado  valga la redundancia, en el que combinan desde la declaraciones de  profesores universitarios de centros prestigiosos, hasta imágenes documentales extraídas de películas del cine mudo alemán, pasando por las magnas obras de Leni Riefensthal , pasando por recreaciones en la que algunas protagonistas del momento como Himler hacen ante la cámara de declaración de intenciones , al igual que otros integrando en una historia de la degradación humana que tenía como intención dominar el mundo.

Por supuesto un papel protagonista en este historia es asumida por Heinrich Himmler , uno de los personajes más siniestros de la historia de la humanidad y auténtico impulsor de esta locura evangélica. Himmler es el eje del relato sobre el que se narra esta historia que acabará con el gran crimen del genocidio.

Pulp Fiction,

Pulp Fiction  se estrenó en España  en octubre de 1994 después de su sonoro éxito en aquel mes de mayo de ese mismo año en el Festival de Cine de Cannes donde conquistó el máximo galardón, la Palma de Oro y en aquel septiembre tras pasar también por San Sebastián. Tuvo que ser aproximadamente el día 15 de octubre cuando compré mi entrada en el Cabrera Vistarama, cuando ya esa sala daba sus estertores ante la competencia de los multicines que, por entonces, se expansionaban por la ciudad, hasta la crisis de principios de milenio. El cine, con cómodas butacas tapizadas en rojo ¿ o era azul? y con una caída correcta - no magnífica, pero razonable- para disfrutar de la sesión. Al rato escuché una voz reconocible ¡horror!, mi vecino el loco, estaba dos filas por detrás acompañado de sus amistades demenciales. Afortunadamente, se apagaron las luces, comenzó el Movierecord, se hizo la oscuridad y sólo un haz de luz empezó a inundar la pantalla.

La película comenzó, y con ella un clásico moderno que consagró definitivamente al joven cineasta , con talento, provocador y renovador del cine norteamericano y eso que tan sólo había estrenado Reservoir Dogs y era autor de dos guiones de cierto éxito -Asesinos natos y Amor a quemarropa- había logrado un buen éxito de taquilla y un puñado de críticas positivas pero todos estaban expectantes a su siguiente paso. Necesitaba demostrar que su carrera irrumpiría Pulp Fiction es una película estadounidense de 1994 dirigida por Quentin Tarantino, quien coescribió el guión con Roger Avary. Debido a sus narración no lineal, a los diálogos originales, su combinación irónica de humor y violencia extrema, y las múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, está considerada como una película de culto y una referencia dentro del cine de los noventa. Es considerada también una de las películas más representativas del cine de Tarantino, transgresora, original, Tarantiniana y que marcaría un hito. 

La dirección artística estuvo en manos de David Wasco y la producción en Lawrence Bender como representante de Miramax Films que junto con la de Tarantino, Band Apart, y Jersey Films. Contó con un presupuesto de unos 8 millones de dólares. Elementos esenciales en la película son la fotografía de Andrzej Sekuła con su trabajo de cámara y el significado que tiene en cada escena, el montaje de Sally Menke , coherente con  la estructura narrativa deseada y proyectada y un vestuario que ha quedado como icono del pop realizado por  Betsy Heimann. 

Los protagonistas son John Travolta como Vincent Vega, Uma Thurman como Mia Wallace, Samuel L. Jackson  como Jules Winnfield, Bruce Willis como Butch Coolidge, Harvey Keitel como Winston Wolfe  o el famoso "Sr.Lobo", Tim Roth como "Pumpkin" o "Ringo" , Amanda Plummer como Yolanda o "Honey Bunny", Maria de Medeiros como Fabienne,  Ving Rhames como Marsellus Wallace, Eric Stoltz  como Lance, Rosanna Arquette como Jody,  Christopher Walken como Capitán Koons.  Junto a ellos Phil LaMarr, Peter Greene, Duane Whitaker, Paul Calderon, Frank Whaley, Burr Steers , Bronagh Gallagher , Susan Griffiths , Steve Buscemi , Stephen Hibbert, Angela Jones, Julia Sweeney , Venessia Valentino , Alexis Arquette, Kathy Griffin y Quentin Tarantino.

La película empieza con una pareja de criminales sentada en una cafetería mientras desayunan, un chico "Pumpkin" o "Ringo" (Tim Roth) y una chica, Yolanda o "Honey Bunny" (Amanda Plummer). Ellos conversan acerca de su situación "laboral" y de lo arriesgado que es asaltar una licorería o una gasolinera (que es lo que normalmente hacían). En medio de la conversación surge la idea de asaltar la misma cafetería en la que están desayunando por parte de Pumpkin, la cual llegan a aceptar pactando con un beso, luego, Pumpkin inmediatamente coge una pistola que se encontraba en su cartera, mientras Honey Bunny hace lo mismo que su pareja, Honey Bunny procede a amedrentar a los clientes mientras les apunta con el arma. A continuación, al ritmo de Misirlou, vemos los créditos iniciales, que repentinamente ya al finalizar, cambia la canción a Jungle Boogie.

Tras esto nos conocemos a dos de los protagonistas Vincent Vega y Jules Winnfield . A los dos  los vemos vestidos con traje en el interior de un coche mientras se desplazan. El primero, Vincent,  es un mafioso de carácter relajado llamado Vincent Vega (John Travolta), el cual ha llegado de un viaje desde Ámsterdam. Dialoga con su acompañante, Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), acerca de los beneficios que brinda Ámsterdam para el acceso a la droga y de las pequeñas diferencias que hay entre Europa y América, por ejemplo a nivel de hamburguesas y su peso. Vincent le cuenta a Jules mientras van en coche algunas diferencias que ha encontrado entre EEUU y Europa especialmente destaca la parte sobre las diferencias entre los nombres de las hamburguesas de los McDonald's de L.A. y los de París, como la Royale with cheese (Royal con queso)

Ya fuera del automóvil, vemos que abren el maletero del coche, sacan de él sus pistolas y se las guardan. Luego se dirigen hacia un piso, mientras siguen dialogando de forma relajada, esta vez acerca de la esposa de su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames).

Cuando entran en el piso encuentran a tres jóvenes, Jules llega a dar con el nombre de uno de ellos, Brett (Frank Whaley), luego nos enteramos que han venido de parte de Marsellus Wallace. En un inicio. Jules trata amablemente a los jóvenes, alguno de los cuales está desayunando, mientras Vincent se limita a quedarse en silencio. Nos enteramos que Brett se ha rebelado contra su jefe, Marsellus

Luego Jules les pregunta donde se encuentra un supuesto maletín que fue robado por estos jóvenes, a lo que dan respuesta inmediatamente. Vincent descubre el maletín, lo abre , se ilumina o algo brilla dentro del mismo y da una rápida revisión de su interior, con lo que queda atónito.

Brett comienza a pedir perdón, lo que  produce que el estado de Jules se altere totalmente, luego Jules dispara a uno de los muchachos, Roger (Burr Steers), mientras comienza a amedrentar a Brett, al que termina disparándole en el hombro.

Jules le pregunta a Brett si lee la Biblia, a lo que él responde que sí, luego comienza a recitarle el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo . Apenas termina esto, los dos mafiosos masacran a Brett a balazos.

La siguiente historia es la de Vincent Vega y Mia Wallace, la esposa de Marsellus Wallace. En esta historia, Vincent tiene que llevar a cenar a Mia Wallace (Uma Thurman), la esposa de Marsellus, ya que él ha tenido que ausentarse.

Como preámbulo al desarrollo de esa historia conocemos en un local a Butch Coolidge (Bruce Willis) un boxeador en horas bajas que acepta una gran suma de dinero de Marsellus (Ving Rhames) para manipular un combate próximo y ganar así el dinero de las apuestas. Al rato en ese momento, Vincent y Jules llegan a entregar el maletín.

Al día siguiente, Vincent adquiere tres gramos de heroína de su proveedor  de drogas habitual y amigo suyo, Lance (Eric Stoltz) que está con dos chicas, entre ellas Jody (Rosanna Arquette). Consume una cierta cantidad y guarda el resto en su abrigo.

Tras esto va a casa de los Wallace. No lo recibe directa,ente Mia, sino que  le habla por un micrófono Poco después va a conocer a la señora Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent queda impresionado con ella.

Tras recoger a Mia, van a cenar en un restaurante temático de ambiente  de los 50 y 60, en el que pueden aparece Lana Turner, Elvis o Marilym Monroe (Susan Griffiths)  incluso participan en un concurso de baile - que queda como modelo de baile-. A continuación, vuelven a la casa de Wallace con el trofeo.

Mientras que Vincent siente una tensión sexual hacia Mia y mientras él está en el baño hablando con el espejo y reflexionando sobre si debe o no enrollarse con ella y sigue en el baño, Mia encuentra la heroína, y creyendo que era cocaína, la inhala y tras resoplar le produce una sobredosis y colocando al personaje de Travolta en una situación realmente embarazosa.

Vincent le dice por teléfono al vendedor de la heroína que tiene una persona con sobredosis en el vehículo y que necesita de su ayuda. Vincent va a casa de Lance, el vendedor de drogas. El vendedor por su parte  rechaza ayudarle por el teléfono pero Vincent estrella su coche contra el garaje.

Luego de una rápida discusión el vendedor prepara adrenalina para inyectarle, pero tienen duda sobre quién la inyectaría, ya que ninguno sabía hacerlo. Finalmente Vincent recibe las instrucciones del vendedor y termina inyectándole con un pinchanzo directo de adrenalina en el corazón provocando una reanimación espontánea. Mia vuelve así de la muerte. Al final, Vincent termina fuera de problemas.

Comienza ahora lo que se ha venido en llamar el Preludio a "El reloj de oro". La historia va al pasado. Conocemos a un pequeño Butch Coolidge, el futuro boxeador, que ve la televisión, y que es interrumpido por la llegada de un veterano de la guerra de Vietnam, el Capitán Koons (Christopher Walken). Koons explica que le ha traído un reloj de oro que ha sido transmitido de generación en generación a los hombres de la familia Coolidge desde la Primera Guerra Mundial.

Koons le informa que su padre había muerto de disentería en un campo de prisioneros de guerra, y que como último favor, su padre le había pedido que lo escondiera (para lo cual tuvo que ponérselo en el recto durante dos años) con el fin de entregárselo a Butch.

Una campana suena, despertando a un adulto Butch (Bruce Willis) de su sueño. Él está vestido preparado para iniciar un combate de boxeo y que está listo para un combate.

Tras ello comienza la historia presente de Butch Coolidge (Bruce Willis) conocida como El reloj de oro. Es la historia de la traición de Butch  a Marsellus Wallace, pues incumple con lo pactado,  y su problemática huida de la ciudad.

Por lo pronto, Butch gana el combate, cuando parecía que lo iba a perder. Tras huir no se olvida de su reloj , que lo que más cuida . Tras esto toma un   taxi, cuya conductora es una colombiana, Esmarelda Villalobos (Angela Jones) y que lo lleva a un motel de la ciudad.Nos enteramos que Butch , en vez de perder en el quinto asalto, como estaba pactado con Wallace, decide noquear a su oponente y recibir una jugosa suma de dinero resultado de unas apuestas a favor de sí mismo.

Una vez llega al motel se encuentra con su amada, Fabienne (Maria de Medeiros), una chica tierna y delicada que habla con acento francés con la que había preparado la huída. Tras hacer el amor, Butch descubre que Fabienne, mientras ha preparado la matea con sus cosas, se ha olvidado del reloj de su padre y monta en cólera.

Tras huir al motel, Butch tiene que volver a su apartamento en Los Ángeles a por su reloj de oro que se le había quedado olvidado a Fabienne. Regresa a su apartamento, recupera el reloj, pero antes de salir se da cuenta de que hay un arma de fuego en la encimera de la cocina. Al oír el inodoro, Butch toma el arma y dispara sobre Vincent Vega, que aparentemente había sido enviado por Marsellus Wallace para liquidar a Butch por estafarle. Butch aprovecha para matar a Vincent cuando sale del servicio y está desarmado, matándolo tras recibir una buena ráfaga después de que éste salga del baño.

Al salir del apartamento, sube a su coche y conduce de vuelta al motel, pero parado en un semáforo y ya de camino se encuentra con Marsellus Wallace, que lo reconoce y saca una pistola, ante eso Butch decide atropellar al jefe del clan, Butch choca y queda inconsciente.

Cuando despierta, Wallace lo persigue con una pistola, Butch herido y algo desorientado corre por las calles angelinas y se esconde en un local no sin antes comienzar una pelea con Wallace. En su enfrentamiento entran a una tienda de antigüedades o casa de empeño, donde el dueño, Maynard, al ver la pelea, los deja inconscientes. Cuando despiertan, están atados y amordazados en unas sillas en la parte trasera de la tienda, frente a ellos están Maynard y un sujeto llamado Zed (Peter Greene).un guardia de seguridad.

Ambos están discutiendo de qué van a hacer con sus víctimas, al final el elegido es Marsellus Wallace.; se llevan a Marsellus a otra habitación con el fin de violarlo. Despiertan al "Tarado", "The Gimp", para que vigile a Butch , una figura silenciosa con traje de servidumbre sadomasoquista, un esclavo sexual vestido y lo ponen en la habitación para que Butch no escape. Maynard y Zed se meten en otra habitación con Marsellus. Finalmente, después de forcejear con las cuerdas que lo ataban, Butch logra desatarse, golpea y deja inconsciente al Tarado y se dirige a la entrada de la tienda.

En el momento en que va a salir, y ya que está a punto de huir, Butch decide salvar a Marsellus al escuchar los gritos de los violadores , así que elige entre todas las armas de la tiempo ( despreciando un  martillo hasta una Motosierra), una katana y vuelve a la habitación, entrando al cuarto y matando a Maynard. Zed se aparta de Marsellus (al que estaba sodomizando) y Butch lo amenaza con la katana.

De repente, Marsellus sale con la escopeta de Maynard y le dispara en los genitales a Zed. Ambos deciden qué sucederá con la situación del dinero, no sin que antes Marsellus emita una serie de amenazas contra Zed, donde anuncia que va a llevar a la tienda "a dos negros empapados en crack". Por salvarle la vida, Butch queda perdonado con tal de que abandone Los Ángeles con la condición que le pone Marsellus : nunca podrá decir a nadie lo de la violación.

Butch sale de la tienda, tomando la motoc de Zed y vuelve al Motel, recoge a Fabienne y salen de la ciudad, ella le pregunta de dónde sacó esa motocicleta, él le responde que es de Zed, ella pregunta: "¿Quién es Zed?, Butch responde: "Zed está muerto nena, Zed está muerto".

Tras este capítulo la historia se desplaza a un tiempo anterior y se conoce con el nombre de La situación con Bonnie.

Nos encontramos otra vez en el apartamento en el que Vincent y Jules matan a Roger y a Brett, donde termina una de las primeras escenas anteriores. De repente aparece un cuarto hombre del baño (Alexis Arquette) quien vacía un cargador sobre ellos sin llegar a darles ni en una sola ocasión. El cuarto hombre es seguidamente asesinado por Vincent y Jules. Jules decide que esta suerte de escapar es un milagro, algo que le rebate Vincent.

Después de salir del edificio con Marvin (Phil LaMarr), que en realidad era amigo de Jules, suben al coche. Mientras van hablando y encuentran un bache por lo que  Vincent accidentalmente dispara en la cabeza a Marvin. Luego de una áspera discusión por dicho descuido, terminan yendo a casa de un amigo de Jules, Jimmie (Quentin Tarantino) donde esconden el coche.

Una vez allí Vincent y Jules se relajan, desatando el enojo de Jimmie quién se encuentra alterado puesto que su esposa, Bonnie (Venessia Valentino), está a punto de llegar y encontrar semejante situación, la cual derivaría en un divorcio seguro.

Jules se apresura a contactar a Marsellus quién a su vez se comunica con el Sr. Winston Wolfe (Harvey Keitel), el Sr. Lobo, un hombre elegante, educado e inteligente que se dedica a resolver problemas en el mundo de la mafia y goza de un alto renombre por su eficiencia con ello. Wolfe acude rápidamente al lugar para ayudarlos.

En todo momento Vincent no para de cometer errores, desde ensuciar las toallas de Jimmie hasta casi ofender al Sr. Lobo por lo que Jules termina discutiendo fuertemente con él cuando limpian el auto. Gracias a la planificación y rápido modo de actuar - limpiando el coche, ocultan el cuerpo en el maletero, y disponen de su ropa manchada de sangre. terminan por ocultar las pruebas y solucionar el inconveniente tras deshacerse del cadáver en una chatarrería perteneciente a un contacto del Sr. Lobo. Finalmente Jules y Vincent deciden ir a desayunar.

El desayuno viene a ser el Epílogo de la historia. En la última escena nos encontramos a  Jules y Vincent desayunando en una cafetería, y vuelven a discutir , en este caso, acerca de la decisión de Jules de retirarse. Esto se debe a que Jules acaba de plantearse la retirada de su vida de crimen, teniendo como coartada la supervivencia "milagrosa" tras lo ocurrido en la casa.

En un breve corte, vemos a Pumpkin y a Honey Bunny poco antes de iniciar el asalto de la primera escena de la película.

Mientras que Vincent está en el baño, Pumpkin y Honey Bunny inician el asalto a la cafetería. Pumpkin ordena a los clientes que depositen sus pertenencias de valor en una bolsa de basura hasta llegar a Jules, a quien le ordena que le dé su maletín.

Jules sorprende a Pumpkin (a quien él llama "Ringo") sujetándolo mientras le apunta a la cara con la pistola. Honey Bunny, histérica, ordena a Jules que suelte a su pareja mientras lo amenaza con su arma.

Vincent sale del baño con su arma apuntándo a Honey Bunny. Repitiendo el versículo pseudobíblico, Jules expresa la ambivalencia acerca de su vida de criminal. En su primer acto de redención, permite que los dos ladrones tomen el dinero que han robado y huyan, simbólicamente comprando el perdón y la vida de los asaltantes. La película termina con Jules y Vincent saliendo de la cafetería portando el misterioso maletín. Acabando así la película.

Quentin Tarantino escribió el guion de Pulp Fiction a finales de 1992 en un apartamento de Ámsterdam, donde no había teléfono ni fax. Allí se había refugiado y decidido establecerse gracias a un contrato de novecientos mil dólares con TriStar para escribir el guión de su nuevo trabajo, En la ciudad holandesa se recluyó durante varias largas semanas con la finalidad de volcar todos sus esfuerzos en el guión de ‘Pulp Fiction’. Escribiendo en un mugriento apartamento con su vieja máquina de escribir, encontró su inspiración para desesperación de su manager, Cathryn Jaymes en Hollywood.

De vuelta a Los Ángeles, contó con la ayuda de Linda Chen, secretaria del guionista y director de cine Robert Towne, que le ayudó a mecanografiarlo y así de esta manera ser más fácil moverlo entre los productores de Hollywood.

El primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Los ejecutivos de TriStar Pictures rechazaron el guion de un Tarantino, que ya tenía un cierto prestigio, tras Reservoir Dogs y los guiones de True Romance y Natural Born Killers. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ sería un éxito. Y Miramax se hizo cargo de la producción definitiva.

Comentar que previamente Tarantino y su productor, Lawrence Bender ,llevaron  el guión a Jersey Films, la productora dirigida por Danny DeVito , Michael Shamberg y Stacey Sher . Jersey había intentado firmar a Tarantino para su proyecto. . Tras un  acuerdo entre Jersey Films y Tarantino con la aportación de  $ 1 millón de dólares este creó  A Band Apart , Bender y la productora de Tarantino, Más tarde, Pulp Fiction apareció en una  lista de películas en preproducción de TriStar. pero al considerar el guión demasiado largo y violento concluyeron que era imposible de filmar.  Tras esto Bender llevó el guión a Miramax , y Harvey Weinstein -co-presidente de Miramax, junto con su hermano, Bob, dieron la luz verde y fue presupuestado en $ 8,5 millones, convirtiéndose en la primera película que Miramax financiada en su totalidad.

Para el papel de Vincent Vega inicialmente iba a llamarse Vic Vega. Michael Madsen iba a repetir el papel que interpretó en Reservoir Dogs , pero eligió aparecer en la Kevin Costner Wyatt Earp algo que, declaró, siempre se arrepintió. Finalmente, el papel pasó a llamarse Vincent Vega. Steven Seagal y Mel Gibson fueron considerados para el papel antes de que John Travolta fuera escogido para el rol. Fue , pisiblemente, la mejor decisión profesional de su carrera dado el éxito de la película y la nominación de la Academia al mejor actor lo que revitalizó su carrera.

El papel de Mia Wallace iba a ser considerado por Molly Ringwald, Meg Ryan, Holly Hunter - como planteó Miramax- , Patricia Arquette, Isabella Rossellini, Meg Tilly, Alfre Woodard, Amy Irving, Kim Basinger y Melanie Griffith. También se pensó en Meg Ryan, Michelle Pfeiffer, Bridget Fonda y Helen Slater. Tarantino pensó brevemente en Julia Roberts para el papel de Mia, pero su salario era demasiado alto para una película de bajo presupuesto. Finalmente Uma Thurman fue escogida para el papel después de varias audiciones y se convirtió más tarde en la musa y estrella en las dos Kill Bill

Para el papel de Jules Winnfield Tarantino había escrito el mismo con Samuel L. Jackson en mente. Jackson recibió una nominación al Oscar al mejor actor secundario.

El papel de Butch Coolidge inicialmente iba a ser protagonizado por Harrison Ford. Después de que Ford abandonara el proyecto, Tarantino pensó brevemente en Sylvester Stallone o Michael Biehn, hasta que Bruce Willis fue escogido para el papel. Willis era una gran estrella, pero la mayoría de sus películas recientes habían sido decepciones para la crítica y taquilla.

Según lo descrito por Peter Bart , teniendo un papel en la película de bajo presupuesto "significaba la reducción de su salario y arriesgar su estatus de estrella, pero la estrategia [...] dio sus frutos magníficamente: Pulp Fiction no sólo trajo Willis nuevo respeto como actor, pero también le valió varios millones de dólares como resultado de su participación bruta ". Era la mayor estrella del proyecto y la que generaba más coste.

Harvey Keitel como Winston Wolfe fue escrito específicamente para Keitel, que había participado en Reservoir Dogs y en palabras del realizador, "Harvey había sido mi actor favorito desde que tenía 16 años ." algo parecido ocurre con Tim Roth había actuado en Reservoir Dogs junto Keitel. También el papel de Amanda Plummer. Igualmente a Christopher Walken aparece en una sola escena dedicada al monólogo del veterano de Vietnam sobre el reloj de oro.

La película se rodó entre el 20 de septiembre y 30 de noviembre de 1993 en diversas localizaciones de California tales como Hawthorne Grill , Culver City, Los Ángeles, Sun Valley, Berverly Hills, Pasadena o Glendale,

Para la película no hubo ninguna composición específica, sino una selección musical muy ecléctica de música surf , el rock and roll , soul , y canciones pop. La película sirvió como referencia cultural para el "renacimiento" o revival del Surf Rock Instrumental perdido a mediados los años 60's, debido a la inclusión en el soundtrack de piezas clásicas del género como Misirlou de Dick Dale & His Del-Tones y Surf Rider de The Lively Ones. El título del álbum es Music from the Motion Picture Pulp Fiction,  y además de la anterior contiene cortes musicales como Jungle Boogie de Kool & The Gang Let's Stay Together con  Al Green; Bustin' Surfboards de The Tornadoes, Lonesome Town de Ricky Nelson; Son of a Preacher Man de Dusty Springfield; Bullwinkle Part II de The Centurians; You Never Can Tell de Chuck Berry;  Girl, You'll Be a Woman Soon con Urge ; Overkill If Love Is A Red Dress (Hang Me In Rags) con  Maria McKee; Comanche como The Revels Flowers ; On The Wall de The Statler Brothers ; Personality Goes A Long Way, Surf Rider y  The Lively Ones .

Tras su  estrenó, en el festival de cine de Cannes de 1994,   donde recibió la Palma de Oro. la película fue un éxito de público y consiguió una recaudación de más de 213 millones de dólares siendo una delas  películas más taquilleras del bienio 1994-1995.

La película se estrenó el 14 de octubre de 1994 en los Estados Unidos, con grandes elogios por la crítica.

La película es recordada por algunas de sus escenas famosas como el baila entre Vincent Vega y Mia. Curiosamente dicha escena estuvo a punto de ser suprimida porque a Uma Thurman le entró una crisis de ansiedad, ya que no creía que pudiese estar a la altura de John Travolta en el baile. O en el pasaje bíblico de Jules que recita antes de asesinar a alguien el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo 17. Este paisaje es un icono cinematográfico, si bien el pasaje de la película es diferente del real, ya que de todo el recitado, sólo la frase (en su versión original) "(...) and you will know my name is the Lord, when I lay my vengeance upon thee" corresponde al mencionado versículo, mientras que el resto es ficticio. La frase fue escrita por Tarantino para darle (y con razón) más fuerza a la escena.

El guión incluye un par de marcas comerciales confeccionados que característica a menudo en posteriores películas de Tarantino : hamburguesas Big Kahuna (una taza de soda Big Kahuna aparece en Reservoir Dogs .) y cigarrillos Red Apple

Después hay auténticas leyendas urbanas sobre la misma como la famosa cartera con el Bad Motherfucker de Jules que era, también, de Tarantino y se la prestó para la escena. Algo parecido ocurre con el coche, ya que en varios momentos de la película Vincent habla de su coche, un Chevrolet Malibu de 1964. La cuestión es que el coche pertenecía, en realidad, al mismísimo Quentin Tarantino y fue robado poco después del rodaje de la película, en 1994. No apareció hasta veinte años después y por pura casualidad. Irónicamente, uno de los posteriores propietarios del coche, que se lo compró a un coleccionista sin sospechar nada, gastó casi $40.000 dólares en repararlo, por lo que el coche volvió prácticamente intacto al director casi dos décadas después. O la maleta en cuyo interior había dos pilas y unas bombillas o como dijo Tarantino que años afirmó que hay "exactamente lo que el espectador quiere que haya". O la tirita que aparece en el cuelo de Marsellus Wallace y es que Ving Rhames, el actor que dio vida a Wallace, se cortó mientras se afeitaba la cabeza y a Tarantino le gustó tanto cómo le quedaba que le pidió que no se la quitase.

Es una de las escenas más icónicas de Pulp Fiction y, aunque aparece tanto al principio como al final de la película, ambas son ligeramente distintas porque se rodaron dos veces, una para cada momento. Y aunque no suele ser común en el rodaje de una película, la primera escena fue también la primera en grabarse. La escena del Capitán Koons fue la última en rodarse y además Christopher Walken la hizo a pelo, sin practicarla. Para que no se le secase la boca mientras hablaba, utilizó un viejo truco de Hollywood: ponerse tabasco en los labios.

La escena en la que el personaje de Travolta, Vincent Vega, ensarta una jeringa con adrenalina en el pecho de Mia (Uma Thurman) para revivirla de la sobredosis se filmó a la inversa: Travolta tiró de la jeringa desde el pecho y luego la cinta se proyectó al revés.

Las idas al baño en esta cinta anuncian malas noticias. Cada vez que el personaje de John Travolta, Vincent Vega, va a enpolvearse la nariz, ocurre una tragedia. Durante sus tres idas al baño, Mia Wallace (Uma Thurman) sufre una sobredosis; unos ladrones sitian el restaurante en el que él y Jules están desayunando, y Butch Coolidge, el personaje de Bruce Willis, lo ataca.

Algunas de las películas de Tarantino comparten un universo común. Es el caso de Vincent Vega en Pulp Fiction y Vic Vega en Reservoir Dogs, que son en realidad hermanos. Se ha especulado de hecho con una precuela a ambas películas llamada The Vega Brothers.

También la película es homenaje a película precedentes como el Goodfellas de Martin Scorsese y  la secuencia de entrada de Vincent Vega en el Jack Rabbit Slim's, realizando un largo plano-secuencia mediante una steadicam, o punto de partida de otras películas del mismo Tarantino .  También cierto homenaje a Psiscosis cuando cruza por Marsellus se encuentra con Butch pasando por el paso de cebra.

Por ser Pulp Fiction , una película independiente con un presupuesto bastante modesto de millón y medio de dólares, la mayoría de estrellas que aparecían en la misma, como Bruce Willis o Uma Thurman, grabaron las escenas correspondientes en los huecos que les dejaban las otras películas que se encontrasen haciendo en ese momento. Para ajustar presupuesto, también, todos los actores cobraron lo mismo, "sólo" $20.000 dólares por semana. También recibieron parte de los ingresos de la película que acabó cosechando $214 millones de dólares en taquilla.

Desde el principio se vio la potencialidad de la película. Ya en  mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, consiguió la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, incluyendo mejor película, si bien solo ganó el Óscar al mejor guion original.

Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones como dos  Premios BAFTA al mejor actor secundario (Samuel L. Jackson) y al mejor guión, aunque obtuvo nueve nominaciones.

En los Premios Cesar fue nominada a la mejor película extranjera , En los Premios David di Donatello se premió al mejor film y al actor extranjero para Travolta.

Tuvo tres nominaciones en los National Board of Review entre ellos a la mejor película (ex-aequo) El Círculo de Críticos de Nueva York la valoró premiándolo con el  premio al mejor director y mejor guión.

La Asociación de Críticos de Los Angeles la premió con la mejor película, director, actor y guión El Sindicato de Actores nominó al mejor actor (Travolta), al actor secundario (Jackson) y actriz secundaria (Thurman)

La Asociación de Críticos de Chicago la premió con el premio al mejor director y Mejor guión

Henry Giroux profesor y director del Waterbury Forum in Education and Cultural Studies de la Universidad de Pennsylvania y uno de los teóricos de la pedagogía crítica, explica en su libro Cine y entretenimiento, elementos para una crítica política del film lo siguiente, entre otros argumentos: [...] cómo Tarantino articula en esas películas una amoralidad que legitima la ideología neoconservadora de los años noventa, coherente con lo que Ruth Conniff ha llamado una cultura de la crueldad; es decir, el creciente desprecio de la sociedad norteamericana hacia los pobres, los que están privados de derechos civiles y los desheredados. Pulp Fiction se apropia del crimen y la violencia como una presencia cotidiana que convierte en cine popular pero, con ello, Tarantino produce una política racialmente codificada, culturalmente reaccionaria y una pedagogía que transforma la insensibilidad neoconservadora y el desprecio de las clases más bajas en una representación a la moda de la vanguardia artística". La película es universalmente reconocida por crítica y público como una de las mejores de toda la historia del cine y es, quizás, el principal referente de la cultura popular contemporánea, formando muchos de sus diálogos o escenas parte de acervo occidental.

En FilmAffinity está en el puesto número diez de las mejores películas de todos los tiempos, mientras que en IMDb está en el quinto puesto. En la primera Pablo Kurt nos dice que "Tras firmar con "Reservoir Dogs" (1992) una de las más geniales óperas primas jamás realizadas, Quentin Tarantino confirma su talento único en esta brillantísima película de acción, con diálogos y toques de comedia delirantes ("Soy el Sr. Lobo, resuelvo problemas") al lado de escenas que rayan lo desagradable por su violencia y crudeza. Maravillosamente filmada, de nuevo sorprende su estructura narrativa en un desborde de creatividad estética y guiños cinéfilos de enorme impacto en crítica y público. Un póster perfecto, el misterioso maletín como MacGuffin, una banda sonora impecablemente elegida, un comienzo en una (otra) cafetería inolvidable, John Travolta bailando... Son innumerables los hallazgos de esta sinfonía audiovisual pop que reinventa (o se inventa) una fusión de códigos y géneros para alumbrar todo un clásico del cine moderno.

Para Roger Ebert en el Chicago Sun-Times nos comenta que "Al igual que 'Ciudadano Kane', 'Pulp Fiction' está construida de una manera no lineal, podrías verla una docena de veces y no ser capaz de recordar lo que viene después"

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle señala que "Es una gozada de principio a fin. Es el equivalente en película de esas pocas novelas en las que vas comprobando cuántas páginas te quedan con la esperanza de que haya más, y no menos"

Michael Wilmington en Chicago Tribune afirma que "'Pulp Fiction' no es sólo divertida'. Es tremendamente divertida"

Mike Clark de USA Today sostiene que "Para tratarse de una brutal comedia negra sobre sicarios de L.A., 'Pulp Fiction' se desmarca de su género con deliciosas locuras"

Para  Richard Corliss en Time la película "Se eleva por encima de las otras películas del año tan majestuosamente y amenazadoramente como el jefe de una pandilla en una escuela preescolar" 

Anthony Lane del The New Yorker entiende que "La arquitectura de 'Pulp Fiction' puede parecer sesgada y tensa, pero sus adornos son muy divertidos"

Kenneth Turan en Los Angeles Times afirma que "Algunas secuencias (...) tienen la incómoda sensación de desesperación creativa de alguien que tiene miedo de perder su reputación si no consigue encontrar alguna forma de ofender la sensibilidad"

Janet Maslin en el  The New York Times entiende que es "Un triunfante y hábilmente desconcertante viaje a través de un submundo que surge enteramente de la madura imaginación del Sr. Tarantino, un paisaje de peligro, conmoción, hilaridad y vibrante colorido".

En Gran Bretaña, James Wood , en The Guardian , nos dice que "Tarantino representa el triunfo final de la posmodernidad , que es vaciar la obra de todo el contenido, evitando así su capacidad para representar nuestras agonías .... Sólo en esta edad podría un escritor tan talentoso como Tarantino producir obras de arte tan vacua, tan completamente despojado de cualquier política, metafísica, o interés moral. "

En  España Miguel Ángel Palomo Diario escribió en El País que "Tan alabada como denostada, es una sinfonía pop que funciona por acumulación y en la que todo vale salvo el rigor."

Como afirma Gabriela Fleitas en un estudio sobre Pulp Fiction que está en Internet "El montaje se vale de saltos temporales, el ritmo interno que se ancla en aquello que más relevancia tiene en el contenido dramático de cada secuencia, lo que hace de esta historia sobre lo burdo de la cultura y la violencia, un relato que simula ser caótico como el mundo que representa".

Jesús León en blog de cine nos comenta que Tarantino supo exprimir su peculiar universo cultural, sus experiencias y su enorme talento para el diálogo en un guión que quería romper con los moldes. Tanto en la narrativa, en la que mostraba una nueva forma de mostrar una historia violenta y de gángsters (pero con apenas cinco minutos de violencia explícita en todo el metraje), como a la hora de aglutinar referencias, dotarlas de su personal visión y mostrarlas de un modo del todo fascinante, brillante y con un dominio de la narración inesperado. 

Aunque mucho de ‘Pulp Fiction’ se apunta ya en ‘Reservoir Dogs’, aquí Tarantino prescinde de la atmósfera claustrofóbica para presentarnos una historia fragmentada, pero hilada con unos diálogos sobresalientes, que hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante. 

Gran dominador del tiempo, de la acción, de los diálogos, de la construcción de personajes, Tarantino extrae con suma inspiración un puñado de escenas inolvidables (el baile, el monólogo de Walken, la adrenalina inyectada…). (...)  Tan sólo entretener, divertir y ofrecer un espectáculo de fuegos artificiales sublime a base de un guión sólido. 

(...)  Tarantino dota a sus personajes de alma, de personalidad y lo consigue no sólo dibujándolos con suficiente tino en el papel, sino también trasladando su esencia con un puñado de actores a los que sabe sacarles lo mejor de sí mismos. Ni que decir tiene, que la recuperación de un John Travolta denostado y olvidado para el cine, es obra de Tarantino. De su apuesta personal y de darle un personaje inolvidable. Pero en general, la película posee un reparto coral muy inspirado, sobresaliente. Desde un Bruce Willis memorable a una fascinante Uma Thurman o un locuaz evangélico y despiadado Samuel L. Jackson. 

Como película violenta y criminales, Tarantino no renuncia a mostrar escenas repletas de sangre, de acción o de mostrar con gran detalle las drogas y su consumo. Consigue virtuosidad en su puesta en escena de forma provocativa, pero también midiendo con especial cuidado. Es más violento lo que sugiere que lo que muestra (como ya hiciera en la famosa cercenación de oreja en ‘Reservoir Dogs’), y eso que ahora intentaba homenajear a su añorada revista Black Mask, donde el asesinato, la sangre y los bajos fondos eran los ingredientes principales.

La película es un clásico contemporáneo. Una joya por su montaje que cuenta con  un guión monumental, con una fantástica fotografía, unida a una magnífica dirección. Lo dicho, todo un clásico.