Al limite

Siempre creo haber visto toda la filmografía de Scorsese pero cada día descubro que siempre tiene otra que no he visto y que por lo tanto me parece que la obra de Scorsese tiene huecos en mi conocimiento. 

En este caso la película es del año 1999 y se llama al límite, aunque su título en inglés es Bringing out The Dead. Una vez vista la película considero que la misma tiene muchos elementos de escoceses como esa adoración por la ciudad por su bajo fondo por la noche por aquello que nunca se ven por la cara B pero también tiene mucho de su guionista Paul Schrader con el que ya trabajó al fin y al cabo es un colaborador habitual en películas como La última tentación de Cristo; Toro Salvaje, Taxi driver, etc.

Hay mucho de este guionista en esta película por ejemplo en el carácter del protagonista principal de la historia un atormentado Nicolas Cage que aborda un papel dramático de gran entidad. De hecho este es uno de los mejores trabajos del actor ítaloamericano y integrante de la familia Coppola siendo uno de esos trabajos que combinan junto con otros mucho más comerciales aunque son estos los que les dan de comer les proporciona la fama son los otros los que le dan un mayor prestigio como es el caso de Leaving Las Vegas hechizo de amor, Birdy , Peggy su se casó, Arizona baby o La ley de la calle. La idea de contactar con Nicolas Cage para interpretar al personaje principal se le ocurrió a Scorsese tras una conversación con Brian De Palma, que había trabajado con el actor en Snake Eyes.En 2022, Nicolas Cage destacó Bringing Out the Dead como una de las mejores películas que jamás haya hecho. 

Junto a Cage, en esta producción de Scott Rudin y Barbara De Fina para la Touchstone Pictures, en el que inviertieron la friolera de 55 millones de dólares, intervienen dos intérpretes de renombre como son Patricia Arquette y John Goodman. Tanto uno como otro juegan un papel secundario en la historia aunque Patricia Arquette aparece como la protagonista femenina, Mary Burke. 

Junto a ellos se encuentran Ving Rhames, Tom Sizemore, Cliff Curtis como un traficante Cy Curtis, y sorprendentemente también aparece el cantante Marc Anthony como Noel, un latino algo pirado.

La historia se desarrolla en 1990, antes de la última renovación vivida por la ciudad de Nueva York. Por sus calles deambulan personas en la zona alta y en la zona baja pero sobre todo vivencias alguna de las cuales se mueven en ambulancia a toda velocidad. 

En una de ellas trabaja Frank Pierce ( Nicolás Cage) un paramédico que sufre de depresión, insomnio y agotamiento ocupacional y no ha salvado a ningún paciente en meses después de arruinar la reanimación de Rose, una adolescente sin hogar. Ha comenzado a alucinar al fantasma de Rose. Atiende las urgencias junto a sus compañeros Larry, Marcus o Tom Wolls ( John Goodman y Ving Rhames o Tom Sizemore, respectivamente), cada uno con una personalidad muy distinta. 

Rodeado de moribundos y heridos Fran se mueve en el mundo urbano nocturno y está quemado por los años que ha pasado salvando alguna vida pero sobre todo viendo morir a mucha gente. A lo largo de cincuenta y seis horas dos días y tres noches de trabajo Frank vivirá al borde de una crisis moral y espiritual pero también sentirá que puede ser un redentor. Los fantasmas de las personas que no ha podido salvar empiezan a atormentarle. No puede dormir por las noches e incluso intenta que le echen del trabajo. Al borde de la crisis vital, Frank conoce a Mary Burke (Patricia Arquette), la hija de un hombre al que ha tenido que asistir una noche, junto a su colega Larry, cuando responden a una llamada en la que se informa de que el padre de familia, el Sr. Burke, ha sufrido un paro cardíaco. 

Allí, en la casa familiar, del mismo barrio en el que se crió, Frank reconoce a Mary, la angustiada hija de Burke, una ex drogadicta, y descubre que Mary era amiga de Noel, un drogadicto y delincuente que es enviado con frecuencia al hospital.

Después de algunas llamadas,  Frank y Larry responden a las secuelas de un tiroteo, donde Frank nota que están relacionadas con una nueva droga derivada de la heroína como la "Red Death" que salen de la manga de una víctima sobreviviente. 

Mientras está en la parte trasera de la ambulancia con Frank y Noel, la víctima intenta arrepentirse de su forma de traficar con drogas, pero muere antes de que puedan llegar al hospital. 

Al día siguiente, Frank es emparejado con el carismático y ferviente religioso Marcus. Los dos responden a una llamada de un hombre que, según se informó, sufrió un paro cardíaco en un club. Cuando llegan, Frank diagnostica que, de hecho, sufre una sobredosis causada por la Muerte Roja. 

Mientras Frank le inyecta Narcan al hombre, Marcus comienza un círculo de oración con los desconcertados asistentes al club, y justo cuando su predicación llega al clímax, el hombre con sobredosis recupera la conciencia. 

En el camino de regreso al hospital, Frank visita el departamento de Mary para decirle que la condición de su padre está mejorando. 

Frank y Marcus luego responden a una llamada de un joven cuya novia está dando a luz a gemelos. Frank y Marcus llevan a los dos bebés y a la madre al hospital, donde Marcus lleva a la madre y al gemelo sano a la sala de maternidad, mientras Frank intenta revivir al otro gemelo con el personal del hospital. El hospital no puede revivir al gemelo más pequeño y Frank, consternado, comienza a beber antes de que Marcus se le una y estrelle la ambulancia contra un automóvil estacionado. Salen ilesos y se ríen del incidente. 

A la mañana siguiente, Frank ve a Mary salir del hospital y la sigue hasta un bloque de apartamentos; Mary le dice a Frank que está visitando a una amiga y él la acompaña a la habitación. 

Después de esperar un rato, Frank irrumpe y descubre que es un garito de drogas dirigido por un traficante llamado Cy Coates. Mary admite que ha vuelto a las drogas para hacer frente a la situación de su padre y, mientras Frank intenta que ella se vaya, Cy le ofrece algunas pastillas. En un momento de desesperación, Frank toma las drogas y comienza a alucinar, viendo más fantasmas de sus pacientes. 

Una vez sobrio, agarra a Mary y la saca del edificio. Mientras visita a un Burke en coma en el hospital, Frank comienza a escuchar la voz de Burke en su cabeza, diciéndole que lo deje morir, pero en su lugar resucita a Burke. 

En su tercer turno, Frank forma pareja con Tom Wolls, un hombre con tendencias violentas. La pareja responde a una llamada al antro de drogas de Cy, donde ocurrió un tiroteo, y encuentran a Cy empalado en una barandilla. Frank sostiene a Cy mientras los servicios de emergencia cortan la barandilla, pero ambos casi salen disparados por el borde antes de ser levantados nuevamente. Cy luego agradece a Frank por salvarle la vida y se convierte en el primer paciente que Frank salva en meses. 

Luego, Frank acepta ayudar a Tom a golpear a Noel y perseguirlo. Frank comienza a alucinar nuevamente y se recupera justo cuando se encuentra con Tom golpeando a Noel con un bate de béisbol. Frank salva a Noel. 

Cuando Frank visita a Burke nuevamente, la voz suplica por la muerte una vez más y Frank le quita el aparato respiratorio a Burke, lo que provoca que sufra un paro cardíaco fatal. Frank luego se dirige al apartamento de Mary para informarle que ha muerto. Alucina al fantasma de Rose por última vez y obtiene su perdón. 

Mary acepta la muerte de su padre, con el que tenía una malas relaciones, por eso se sentía mal. Frank es invitado a pasar y se queda dormido con Mary.

Al límite representó el regreso de Martin Scorsese a las calles de Nueva York pero esta vez desde otro punto de vista. El realizador de películas como New York New York, Taxi driver, Malas calles, El rey de la comedia, Uno de los nuestros, Jo qué noche, Historia de Nueva York o La edad de la inocencia, se acerca en esta ocasión a las avenidas de la Gran manzana a través de las ambulancias de los servicios de urgencias de la ciudad que se extiende por todos los distritos y en una dimensiones tales que resultan inabarcables. 

La película se inspiró en parte en una novela Bringing Out the Dead de Joe Connelly. La película contó con la música de Elmer Bernstein, la fotografía de Robert Richardson y el montaje de Thelma Schoonmaker. 

La película fue un fracaso en pantalla . De los 55 millones invertidos apenas ganó 16 millones. Thelma Schoonmaker, la editora de la película, reflexionando sobre la misma, la elogió  y dijo: "Creo que es la única de las películas [de Scorsese] que no ha recibido su merecido. Es una película hermosa, pero creo que fue difícil para la gente aceptarla". Para ella la película  fue comercializada erróneamente, como una película de persecución de autos: "Lo que pasó fue que esa película trataba sobre la compasión, y creo que se vendió como una película de persecución de autos. Cuando vi el tráiler dije: "¡Espera un minuto! ¡De eso no se trata la película!" . 

En cuanto a la crítica señalar que no fue unánimemente valorada en positivo. Según el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, «El film sabiamente no tiene un argumento real, porque el día a día de los paramédicos no tienen un comienzo o un destino. (...) Contemplar Bringing Out the Dead —contemplar, de hecho, cualquier film de Scorsese— es recordar que el cine puede tocarnos de forma inmediata, profundamente».

Años más tarde, Scorsese le reflexionó a Ebert que Bringing Out the Dead "fracasó en taquilla y fue rechazado por muchos críticos". Sin embargo, agregó: "Tuve 10 años de ambulancias. Mis padres, entrando y saliendo de los hospitales. Llamadas en medio de la noche. Estaba exorcizando todo eso. Esos paramédicos de la ciudad son héroes, y santos, son santos". Crecí junto al Bowery, observando a las personas que trabajaban allí, el Ejército de Salvación, el Movimiento de Trabajadores Católicos de Dorothy Day, todos ayudando a las almas perdidas. Son el mismo tipo de personas". 

Janet Maslin The New York Times dijo de ella que es "Un intenso y volátil film lleno de tristeza y de salvaje y mordaz humor. (...) Cage, con la mirada de un angustiado santo medieval, ofrece una sutil y atormentada interpretación que hace la crisis espiritual de Frank muy real." 

Para  Emanuel Levy en Variety la película contiene "Humor negro, pirotecnia visual e interpretaciones valientes, ayudan a hacer más digerible una película intensa y llena de detalles sangrientos" 

Mike Clark del USA Today escribió que "En un papel tan hecho a medida para él, como la historia para su guionista y director, Nicholas Cage potencia la película con una de sus mejores interpretaciones" 

Al otro lado del país, Bob Graham de SFGATE consideró que "Scorsese y el guionista Paul Schrader regresan a lo que parece la otra cara de 'Taxi Driver'. Es igualmente impactante. También es sorprendentemente divertida y muy conmovedora" 

Retornando a la costa atlántico en las páginas del Boston Globe Jay Carr señaló que "Aunque sentida y bellamente realizada, está demasiado cargada con el fallido complejo de salvador de su protagonista y sorprendentemente, carece de impacto primario"

Y en la capital federal,  Rita Kempley en las páginas del The Washington Post afirmó, menos generosa,  que "Carece del impacto de las mejores colaboraciones de Scorsese y Schrader" 

De la prensa británica destacan las valoraciones de Ian Freer en Empire que señaló que "La apasionante maestría como director de Scorsese está a máxima potencia, encontrando una fantástica variedad en una película enfocada en el interior y exterior de una ambulancia (...); y la crítica de Time Out que dijo de ella que "Está muy bien realizada y tiene un ritmo trepidante, pero al final, nunca llega a implicarte emocionalmente como podría y debería" 

Ya en España, destaco dos críticas aparecidas en las dos revistas de cine especializadas, Cinemanía y Fotogramas. María Casanova que escribió en la revista que la película presentaba un "Extraordinario reparto y extraordinario Scorsese que, después de mojarse en cada plano, da una vuelta de tuerca en la escena más hermosa de la película: una eutanasia"; mientras que en la revista Fotogramas Jordi Costa señaló: «una de las más ásperas, incómodas y perturbadoras obras del único director americano de su generación que no ha perdido ni coherencia, ni atrevimiento». 

En cuanto a premios, el Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti. En los IV Premios Sattellite Awards Ving Rhames fue nominado a mejor secundario.

Para algunos críticos esta película se integraría en una no reconocida - o sí, realmente no lo sé- trilogía neoyorkina de la noche de Scorrsese junto a Jo, que noche! o Taxi Driver. 

Desde mi punto de vista la película vuelve a ser un canto a su ciudad, a sus bajos fondos, tras haber mostrado previamente a la alta sociedad a finales del XIX en La edad de la inocencia y volvería a los bajos fondos del XIX en 2002 con Gangs of New York. Tiene grandísimas actuaciones, pocas veces todos los que salen hacen un trabajo tan soberbio destacando sobremanera los papeles asumidos por Nicolas Cage, Patricia Arquette, Ving Rhames , Cliff Curtis, o el mismísimo Marc Anthony: una película que habla de lo que gusta a Schraeder, los traumas y la redención, magníficamente filmada y excepcionalmente dirigida, como sabe hacer siempre, maese Scorsese. 

Los sustitutos

Por el título uno podría pensar que podría ir de un centro educativo y la llegada de un profesor sustituto. He visto películas más o menos que respondían a este título , una con Tom Berenger, - yo creo que llevaba ese título, pero en singular , y otra , una auténtica castaña película de terror y ciencia ficción con un deprimente Malcom McDowell. Pero no , no hablan de ese oficio por el que yo pasé y que el propio Steven Spielberg presentaba en el escalafón más bajo de la sociedad , según los niños perdidos en Hook - en concreto ser profesor sustituto de Química- algo que le hacía gracia a la que fue mi novia durante un par de años, que había pasado por ese estado de nulo reconocimiento. 

Sin embargo, fue uno de mis cuñados quien en una comida dominical campestre me recomendó verla por lo original de la trama más que por la calidad de la película. Hablamos de eso hace mucho tiempo, casi poco menos de una década, pero ha sido hoy cuando he podido verla y darle la razón. No , Surrogates o Los sustitutos no es una filme de profesores, sino una película de ciencia ficción producida por Touchstone Pictures, basada en la adaptación al cine del cómic original guionizado por Robert Venditti y dibujado por Brett Weldele. 

El director de la misma era Jonathan Mostow responsable de otras películas como Breakdown con Kurt Russell, U-571, ‘Terminator 3: La rebelión de las máquinas’) por la que cobró 5.000.000 $, y esta una adaptación del cómic Los sustitutos o Surrogates creado por Robert Venditti y Brett Weldel. Se trataba de una producción de Elizabeth Banks y del trío de "man" formado por David Hoberman, Todd Lieberman y Max Handelman en la que intervienen las productoras Touchstone Pictures , Mandeville Films, Top Shelf Productions y Wintergreen Productions que tuvieron el valor de invertir en ella 80 millones de dólares, para filmar espectaculares secuencias de acción en un entorno futurista, en un mundo habitado por robots que pudieran inspirarse en una historia ideada por Richard Matheson , el escritor y guionista de New Jersey fallecido en Calabasas (California) en 2013 , creador de un universo de fantasía, western, ciencia ficción y terror por medio de obras como Soy leyenda, El increíble hombre menguante entre otras. 

El guión en este caso fue de John Brancato y Michael Ferris partiendo siempre de la novela gráfica de Robert Venditti y Brett Weldel. La tarea de trasladar la historia del cómic de Venditti y Weldele al cine ha corrido a cargo de fue del ya citado tándem Ferris y Brancato, responsables de ‘Terminator 3: La rebelión de las máquinas’ y la siguiente, ‘Terminator Salvation’ . 

De la música se encargó Richard Marvin, mientras que la fotografía fue de Kevin Stitt y Barry Zetlin; mientras que el montaje lo fue de Oliver Wood, Kevin Stitt y Barry Zetlin y la fotografía de Oliver Wood. 

El reparto lo encabeza Bruce Willis como Tom Greer, Radha Mitchell como Jennifer Peters. Junto a ella está Rosamund Pike como Maggie Greer, la esposa de Tom Greer, Jack Noseworthy como Miles Strickland, el hombre contratado para matar a Lionel Canter, James Cromwell como el Dr. Lionel Canter, el inventor de los sustitutos, Ving Rhames como El Profeta, una figura de culto que desdeña a los sustitutos. Boris Kodjoe como Andrew Stone, supervisor de Peters y Greer en el FBI. James Francis Ginty como Canter Surrogate, un sustituto que perteneció al hijo de Lionel Canter, Trevor Donovan como sustituto de Tom Greer, Michael Cudlitz como el Coronel Brendon, Devin Ratray como Bobby Saunders, Helena Mattsson como JJ, una mujer sustituta rubia, Shane Dzicek como Jarod Canter, el hijo del Dr. Lionel Canter que fue asesinado por un asesino de VSI así como elDr. Hiroshi Ishiguro y Dr. Takeo Kanade como si mismos. 

En el distótipo futuro , que resulta ser 2017, se vive en una época de plena tecnología biocibernética. La gente vive sus vidas por control remoto desde la seguridad de sus casas a través de robots sustitutos. Los sustitutos son representaciones mecánicas de ellos mismos pero ideales, mucho más jóvenes, más atractivos y físicamente perfectos. Mientras en los créditos iniciales, intercalados con material de noticias futurista, nos presentan algunos datos de la nueva sociedad durante casi cuatro minutos. 

El creador de los sustitutos, El Doctor Liones Canter (James Cromwell) es un genio de la biocibernética que ha acabado y arruinado y separado de la empresa que el fundó. Había creado la superempresa VSI, especialista y dominante en el sector de la producción de sustitutos perfectos; no obstante, dada su situación, había sido despedido de ella y el Estado, en conjunto con la policía, se había hecho cargo de ella para garantizar la continuación del nuevo estilo de vida. 

Gracias a los sustitutos , los humanos solo tenían que levantarse, alimentarse, hacer su vida casera y luego acostarse en el sillón de control, colocarse la interfaz de control, y el sustituto ya cargado de energía, se activaba y tenía las vivencias diarias por ellos: trabajan, flirtean, salen y se divierten, hacen una vida normal, idealista en felicidad y plena en sensaciones, mientras sus dueños envejecen en sus poltronas de comando. 

Los sustitutos o Surrogates nos presenta un futuro en el que la raza humana prefiere vivir a través de máquinas, con las que pueden interactuar sin riesgo alguno, y tener el aspecto que siempre envidiaron. Es un mundo ideal donde el crimen, el dolor, el miedo y las consecuencias no existen. En contraste con sus sustitutos, los operadores humanos son representados como descuidados y confinados en sus casas. El operador de un sustituto está protegido de daños y no siente dolor cuando el sustituto está dañado. 

Poco después de iniciarse vemos como es asesinado el hijo del fundador Canter cuando iba a asistir oficialmente a un concierto de música clásica en Boston , aunque el chico marcha a una discoteca en la que se enrolla con una chica, pero es asesinado creyendo que era su padre, ya que el padre usa en ocasiones la imagen del hijo. 

La extraña y misteriosa muerte del estudiante universitario , vinculado al hombre que ayudó a crear un fenómeno sustituto de alta tecnología que permite a las personas comprar robots humanoides controlados a distancia que asumen sus roles de vida, permitiendo que las personas experimenten la vida indirectamente desde la comodidad y seguridad de sus propios hogares es asignada a dos agentes del FBI Tom Greer(Willis) y su compañera Jennifer Peters (Radha Mitchell) que por medio de sus sustitutos investigan el misterioso asesinato. 

Se trata del primer asesinato en años y parece ser que ha sido realizada por un humano que ha eliminado a este sustituto prominente mediante una máquina de rayos que descarga un virus que no sólo destruye al sustituto sino que hace que su dueño fallezca con el cerebro licuado en la cama de interfaz, un efecto secundario no esperado por los militares que crearon el arma. 

Este homicidio que afecta nada menos que al hijo único del expresidente de VSI, Canter, hace introducirse al agente Greer (Bruce Willis) del FBI en una conspiración y en la búsqueda del presunto asesino Miles Strickland (Jack Noseworthy) , el hombre contratado para matar a Lionel Canter. 

Mientras el agente Greer investiga por Boston , descubrimos al llegar a casa que tiene una relación complicada con su esposa Maggie ( Rosamund Pike ), desde la muerte de su hijo varios años antes. Él nunca la ve fuera de su sustituta y le pide su deseo de interactuar a través de sus cuerpos reales. 

Tras entrevistarse con Dr. Lionel Canter , después lo hará con el Coronel Brendon (Michael Cudlitz), un coronel que sospechaba de los vínculos de VSI , sus nuevas armas y el propio ejercito que probó armas peligrosa para otros operadores. Según declara la VSI originalmente produjo el arma bajo un contrato gubernamental. Fue diseñado para cargar un virus que sobrecargaba los sistemas del sustituto , lo que lo desactivaba. Inesperadamente, el arma también deshabilitó los protocolos a prueba de fallos que protegen a los operadores. 

Después de la prueba, el proyecto fue eliminado y todos los prototipos fueron supuestamente destruidos. 

También tras verse , especialmente Jennifer con Bobby Saunders, el administrador del sistema informático del FBI que controla la red de suplentes e identificar al asesino del hijo del científico Miles Strickland (Jack Noseworthy), el hombre contratado para matar a Jarid Canter (Shane Dzicek), el hijo del Dr. Lionel Canter ( James Cromwell ), el inventor de sustitutos y el ex jefe de su compañía de fabricación, VSI. Tom y Jennifer , tras estudiar el caso son conocedores de que Miles Strickland ( Jack Noseworthy) usó un nuevo tipo de arma para sobrecargar los sistemas de sustitutos y matar a sus operadores.

Después de localizar a Strickland, Tom intenta ponerlo bajo custodia. Strickland usa el arma y lastima a Tom durante la persecución; Tom inadvertidamente aterriza en una zona contraria a los sustitutos llamada la reserva de terror (una de las tantas en todo Estados Unidos). 

Allí unos humanos destruyen al sustituto de Tom, lo que le obliga a interactuar en el mundo sin su sustituto. 

El líder de grupo es El Profeta ( Ving Rhames ) que mata a Strickland y confisca el arma. Ahora Tom sabe que hay vínculos con el profeta y su grupo, humanos pobres que se niegan a usar sustitutos y averigua que el responsable de la orden pudo ser Andrew Stone (Boris Kodjoe), supervisor de Peters y de Greer en el FBI. Tom descubre por el Coronel Brendan ( Michael Cudlitz ) que Andrew Stone ( Boris Kodjoe), su superior del FBI, suministró el arma a Strickland y ordenó el asesinato del Dr. Canter, a petición de VSI, por su crítica al uso sustitutivo. Jarid, usando uno de los muchos sustitutos de su padre, fue asesinado en su lugar. 

Mientras llega a estas conclusiones, Jennifer es asesinada en su propia casa por un hombre desconocido que secuestra a su sustituto, y el Profeta ordena que le entreguen el arma. Durante una incursión militar en la reserva dirigida por el coronel Brendan, el Profeta recibe un disparo, revelando su identidad como sustituto, con nada menos que el propio Dr. Canter como su operador. Tom averigua que fue Awdrew el que envió a Strickland a matar a Canter, pero en su lugar mató a su hijo por error. Eso fue determinante para que Canter cambiara sus principios. Tom va a la casa de Canter y descubre que ha estado controlando no solo al Profeta, sino también a Jennifer. 

Usando el sustituto de Jennifer en el Cuartel General del FBI, Canter usa el arma para matar a Stone y procede a cargar el virus a todos los sustitutos, lo que los destruirá y matará a sus operadores. Canter le revela a Tom que su visión era capacitar a los discapacitados para llevar una vida normal, pero VSI ha aprovechado la subrogación para obtener ganancias. 

Al creer que su plan es imparable, Canter se desconecta del sustituto de Jennifer y se traga una pastilla de cianuro . Tom toma el control del sustituto de Jennifer y, con la ayuda del administrador del sistema de la red, Bobby Saunders ( Devin Ratray), aísla el virus para que los operadores sobrevivan, pero se requiere un segundo paso para salvar a los sustitutos. 

Finalmente, Tom decide dejar que el virus deshabilite permanentemente a los sustitutos en todo el mundo.

La gente sale de sus hogares sin sus sustitutos, confundida y temerosa. Tom regresa a casa y comparte un abrazo emocionado con Maggie en su forma real. La película termina con una vista aérea de los sustitutos colapsados en el suelo ​​junto con las noticias que informan de los sustitutos caídos en todo el mundo y cómo la gente ahora está "sola", acabando así la película. 

En marzo de 2007, Disney adquirió los derechos de largometraje de la serie de cómics 2005-2006 The Surrogates con la intención de distribuir bajo Touchstone Pictures . El proyecto fue concebido por Max Handelman y Elizabeth Banks , y se buscaron para ello la colaboración de otro productor, Todd Lieberman para que avanzara. Bajo Disney, Jonathan Mostow se unió para dirigir la película basada en un guión adaptado de Michael Ferris y John Brancato. El siguiente noviembre, Poco después, el rentable actor Bruce Willis fue elegido para protagonizar el papel principal. 

La filmación estaba programada para comenzara en febrero de 2008 en Lynn, Massachusetts . Sin embargo, se retrasó, hasta abril de 2008 , iniciándose en Woburn. 

El rodaje se llevó a cabo en las ciudades de Massachusetts de Lynn , Worcester , Milford , Hopedale , Taunton , Lawrence y Wayland , además de Boston y sus área metropolitanay el citado Woburn. 

Los efectos visuales fueron manejados por Sandbox FX, Brickyard VFX, Industrial Light and Magic y Moving Picture Company .El exterior del edificio VSI es una versión digitalmente alterada del Dallas Bank of America Plaza (informalmente conocido como "The Green Building"). El interior está actualmente en la ciudad de Massachussett de Cambridge, siendo la sede de Genzyme y Momenta Pharmaceuticals. Fue diseñado por Steven Ehrlich Architects & SMMA. 

Debido a que Bruce Willis se negó a volver a grabar varias escenas una vez que la película se estaba reestructurando, se tuvo que traer a un actor de doblaje. Además, Bruce Willis en una reciente entrevista, el actor calificó de “repugnante” el look que Mostow y los guionistas le impusieron cuando en la película da vida a su “sustituto”, teóricamente una visión idealizada de sí mismo 

Surrogates se esrenó en  el cine  El Capitán en Hollywood ,  el 24 de septiembre de 2009 y al día siguiente, el 25 de septiembre de 2009 en los Estados Unidos y Canadá. 

La película recibió críticas mixtas de críticos y recaudó más de $ 122 millones..Los sustitutos no fueron muy bien valoradas por los críticos 

Para Rotten Tomatoes informó que el 39% de los críticos le dio a la película calificaciones positivas, basadas en 112 revisiones, y una calificación promedio de 5.3 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Aunque tiene una apariencia elegante, Surrogates no logra capitalizar una premisa prometedora, confiando en la acción sin sentido y un guión pobre".  Metacritic le dio a la película una puntuación de    45 sobre 100 basado en 21 críticas, lo que indica "críticas mixtas". 

Para la Web de  IGN valora la película por su "entretenimiento de género hecha de manera competente, relativamente predecible y hábilmente presentada, ofreciendo la cantidad justa de ritmos de acción y visuales futuristas para mantener al espectador comprometido sin tener un pensamiento real . Es bueno, diversión escapista ". 

En  Entertainment Weekly  Lisa Schwarzbaum concluyó su valoración diciendo que 'hay cosas divertidas en los robots, algunas buenas ideas filosóficas, y una breve reencuentro Willis-Ving Rhames 15 años después de Pulp Fiction '. 

Para Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo de ella que  "aunque es más ambicioso de lo que debe ser, la película desciende a escenas de acción demasiado rápido ... Surrogates es entretenido e ingenioso, pero se instala demasiado pronto para la fórmula ". También dice: "El concepto, basado en una novela gráfica de Robert Venditti y Brett Weldele, conduciría naturalmente a consideraciones intrigantes". 

Algunos críticos, sin embargo, no fueron demasiado favorables para la película: Claudia Puig de USA Today lo calificó como  "un pobre sustituto del thriller de ciencia ficción con un tono  rara vez satírico y que está más interesado en la intriga política que involucra bolsillos de manifestantes anti-sustitutos que disfrutan golpeando las máquinas ". 

Para Roger Moore del Orlando Sentinel  "visible, pero obvio ... Los sustitutos nunca logran ser más que un pobre sustituto de lo real". 

Entiende  Jordan Hoffman de UGO Entertainment que es lo suficientemente estimulante intelectualmente para mantenerte intrigado sin olvidar su obligación como diversión de la película B. 

Todd McCarthy de Variety lo describió como un thriller de ciencia ficción intenso y misteriosamente plausible(...) un suspense inteligentemente especulativo" . 

Para Louise Keller de Urbancinefile destaca que "Con elevados conceptos y elevado presupuesto, 'Surrogates' añade una asombrosa magia tecnológica a las ideas discutidas en películas como 'Multiplicity', 'Total Recall' y 'I Robot', pero falla en lograr la humanidad por la que el film aboga." 

Para Manohla Dargis del The New York Times "En este tipo de entretenimiento industrial, en concreto uno al que parece que le falta algo de hilo narrativo conductor, es difícil saber si los guionistas (...) o el director (...) mercen crédito o ser culpados de lo que dejan en pantalla." 

Ya en España  Francisco Marinero de  El Mundo afirma que estamos ante "Una intriga inconsistente, de sorpresas caprichosas, y un espectáculo de persecuciones urbanas tan profesional como falto de novedad. Lo mejor: La solvencia de la producción" 

Para  Jordi Costa en Fotogramas Pla película es "Libérrima e infiel (aunque no desestimable) adaptación (...) A ratos, permite intuir la notable película que podría haber sido." Destaca el articulista que The Surrogates, serie limitada de comic-books de Robert Venditti y Brett Weldele creada en 2005, canalizaba unos miedos colectivos espoleados por la expansión de la casi recién nacida Second Life: el futuro era algo que el ser humano iba a vivir por delegación, como elemento orgánico residual (por usar una expresión de Zizek) en el paisaje del deseo. Un deseo hecho carne (o su simulacro) a través del artificio. Inevitablemente, la obra sonaba a Dick y también a la mitología de Matrix articulada por los Wachowski, pero el esquemático grafismo y las elecciones cromáticas de Weldele aportaban un interesante matiz: ese mundo sustitutorio era algo espectral, al borde de su disolución. En Los Sustitutos, Jonathan Mostow, con la ayuda de los guionistas Michael Ferris y John D. Brancato, escoge el camino inverso: la sociedad futura de esta libérrima e infiel (aunque no desestimable) adaptación es un mágico mundo de colores de inexpresiva hipervisibilidad plástica. La disidencia del personaje encarnado por Bruce Willis encontrará en la cicatriz su forma de expresión. El conjunto no encuentra su equilibrio entre los ecos de la ciencia-ficción admonitoria de los 70 y el sentido del espectáculo de última generación, pero, a ratos, permite intuir la notable película que podría haber sido. 

Para Juan Luis Caviaro en Espinoff "Jonathan Mostow no le queda nada por dar al cine, filmando unas persecuciones lamentables, mareantes y sin criterio alguno, centrando la cámara en objetivos aleatorios, impidiendo saber qué demonios ocurre en la escena y dónde está cada personaje. En definitiva, ‘Los sustitutos’ no logra nada de lo que se propone, se desinfla muy rápido, tirando por tierra enseguida un interesante punto de partida, que podría haber dado mucho juego en otras manos; pero claro, para eso hace falta tiempo y talento, cosas de las que al parecer carecen los dos guionistas y el director de esta película inútil.

Yo por mi parte, además de cumplir con mi cuñado, puedo destacar que tiene como ventaja el ser una película no excesivamente larga y que si bien al principio nos puede resultar caótica, después va aclarando su narración , resultando , en parte, por lo breve una interesante reflexión sobre el futuro que nos espera a una humanidad perezosa y robotizada. Es, simplemente , una película pasa pasar el rato y en todo caso hacerte preguntas hacia dónde vamos. Creo que de dónde venimos lo tenemos claro, lo tienen hasta los sustitutos. 

Pulp Fiction,

Pulp Fiction  se estrenó en España  en octubre de 1994 después de su sonoro éxito en aquel mes de mayo de ese mismo año en el Festival de Cine de Cannes donde conquistó el máximo galardón, la Palma de Oro y en aquel septiembre tras pasar también por San Sebastián. Tuvo que ser aproximadamente el día 15 de octubre cuando compré mi entrada en el Cabrera Vistarama, cuando ya esa sala daba sus estertores ante la competencia de los multicines que, por entonces, se expansionaban por la ciudad, hasta la crisis de principios de milenio. El cine, con cómodas butacas tapizadas en rojo ¿ o era azul? y con una caída correcta - no magnífica, pero razonable- para disfrutar de la sesión. Al rato escuché una voz reconocible ¡horror!, mi vecino el loco, estaba dos filas por detrás acompañado de sus amistades demenciales. Afortunadamente, se apagaron las luces, comenzó el Movierecord, se hizo la oscuridad y sólo un haz de luz empezó a inundar la pantalla.

La película comenzó, y con ella un clásico moderno que consagró definitivamente al joven cineasta , con talento, provocador y renovador del cine norteamericano y eso que tan sólo había estrenado Reservoir Dogs y era autor de dos guiones de cierto éxito -Asesinos natos y Amor a quemarropa- había logrado un buen éxito de taquilla y un puñado de críticas positivas pero todos estaban expectantes a su siguiente paso. Necesitaba demostrar que su carrera irrumpiría Pulp Fiction es una película estadounidense de 1994 dirigida por Quentin Tarantino, quien coescribió el guión con Roger Avary. Debido a sus narración no lineal, a los diálogos originales, su combinación irónica de humor y violencia extrema, y las múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, está considerada como una película de culto y una referencia dentro del cine de los noventa. Es considerada también una de las películas más representativas del cine de Tarantino, transgresora, original, Tarantiniana y que marcaría un hito. 

La dirección artística estuvo en manos de David Wasco y la producción en Lawrence Bender como representante de Miramax Films que junto con la de Tarantino, Band Apart, y Jersey Films. Contó con un presupuesto de unos 8 millones de dólares. Elementos esenciales en la película son la fotografía de Andrzej Sekuła con su trabajo de cámara y el significado que tiene en cada escena, el montaje de Sally Menke , coherente con  la estructura narrativa deseada y proyectada y un vestuario que ha quedado como icono del pop realizado por  Betsy Heimann. 

Los protagonistas son John Travolta como Vincent Vega, Uma Thurman como Mia Wallace, Samuel L. Jackson  como Jules Winnfield, Bruce Willis como Butch Coolidge, Harvey Keitel como Winston Wolfe  o el famoso "Sr.Lobo", Tim Roth como "Pumpkin" o "Ringo" , Amanda Plummer como Yolanda o "Honey Bunny", Maria de Medeiros como Fabienne,  Ving Rhames como Marsellus Wallace, Eric Stoltz  como Lance, Rosanna Arquette como Jody,  Christopher Walken como Capitán Koons.  Junto a ellos Phil LaMarr, Peter Greene, Duane Whitaker, Paul Calderon, Frank Whaley, Burr Steers , Bronagh Gallagher , Susan Griffiths , Steve Buscemi , Stephen Hibbert, Angela Jones, Julia Sweeney , Venessia Valentino , Alexis Arquette, Kathy Griffin y Quentin Tarantino.

La película empieza con una pareja de criminales sentada en una cafetería mientras desayunan, un chico "Pumpkin" o "Ringo" (Tim Roth) y una chica, Yolanda o "Honey Bunny" (Amanda Plummer). Ellos conversan acerca de su situación "laboral" y de lo arriesgado que es asaltar una licorería o una gasolinera (que es lo que normalmente hacían). En medio de la conversación surge la idea de asaltar la misma cafetería en la que están desayunando por parte de Pumpkin, la cual llegan a aceptar pactando con un beso, luego, Pumpkin inmediatamente coge una pistola que se encontraba en su cartera, mientras Honey Bunny hace lo mismo que su pareja, Honey Bunny procede a amedrentar a los clientes mientras les apunta con el arma. A continuación, al ritmo de Misirlou, vemos los créditos iniciales, que repentinamente ya al finalizar, cambia la canción a Jungle Boogie.

Tras esto nos conocemos a dos de los protagonistas Vincent Vega y Jules Winnfield . A los dos  los vemos vestidos con traje en el interior de un coche mientras se desplazan. El primero, Vincent,  es un mafioso de carácter relajado llamado Vincent Vega (John Travolta), el cual ha llegado de un viaje desde Ámsterdam. Dialoga con su acompañante, Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), acerca de los beneficios que brinda Ámsterdam para el acceso a la droga y de las pequeñas diferencias que hay entre Europa y América, por ejemplo a nivel de hamburguesas y su peso. Vincent le cuenta a Jules mientras van en coche algunas diferencias que ha encontrado entre EEUU y Europa especialmente destaca la parte sobre las diferencias entre los nombres de las hamburguesas de los McDonald's de L.A. y los de París, como la Royale with cheese (Royal con queso)

Ya fuera del automóvil, vemos que abren el maletero del coche, sacan de él sus pistolas y se las guardan. Luego se dirigen hacia un piso, mientras siguen dialogando de forma relajada, esta vez acerca de la esposa de su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames).

Cuando entran en el piso encuentran a tres jóvenes, Jules llega a dar con el nombre de uno de ellos, Brett (Frank Whaley), luego nos enteramos que han venido de parte de Marsellus Wallace. En un inicio. Jules trata amablemente a los jóvenes, alguno de los cuales está desayunando, mientras Vincent se limita a quedarse en silencio. Nos enteramos que Brett se ha rebelado contra su jefe, Marsellus

Luego Jules les pregunta donde se encuentra un supuesto maletín que fue robado por estos jóvenes, a lo que dan respuesta inmediatamente. Vincent descubre el maletín, lo abre , se ilumina o algo brilla dentro del mismo y da una rápida revisión de su interior, con lo que queda atónito.

Brett comienza a pedir perdón, lo que  produce que el estado de Jules se altere totalmente, luego Jules dispara a uno de los muchachos, Roger (Burr Steers), mientras comienza a amedrentar a Brett, al que termina disparándole en el hombro.

Jules le pregunta a Brett si lee la Biblia, a lo que él responde que sí, luego comienza a recitarle el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo . Apenas termina esto, los dos mafiosos masacran a Brett a balazos.

La siguiente historia es la de Vincent Vega y Mia Wallace, la esposa de Marsellus Wallace. En esta historia, Vincent tiene que llevar a cenar a Mia Wallace (Uma Thurman), la esposa de Marsellus, ya que él ha tenido que ausentarse.

Como preámbulo al desarrollo de esa historia conocemos en un local a Butch Coolidge (Bruce Willis) un boxeador en horas bajas que acepta una gran suma de dinero de Marsellus (Ving Rhames) para manipular un combate próximo y ganar así el dinero de las apuestas. Al rato en ese momento, Vincent y Jules llegan a entregar el maletín.

Al día siguiente, Vincent adquiere tres gramos de heroína de su proveedor  de drogas habitual y amigo suyo, Lance (Eric Stoltz) que está con dos chicas, entre ellas Jody (Rosanna Arquette). Consume una cierta cantidad y guarda el resto en su abrigo.

Tras esto va a casa de los Wallace. No lo recibe directa,ente Mia, sino que  le habla por un micrófono Poco después va a conocer a la señora Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent queda impresionado con ella.

Tras recoger a Mia, van a cenar en un restaurante temático de ambiente  de los 50 y 60, en el que pueden aparece Lana Turner, Elvis o Marilym Monroe (Susan Griffiths)  incluso participan en un concurso de baile - que queda como modelo de baile-. A continuación, vuelven a la casa de Wallace con el trofeo.

Mientras que Vincent siente una tensión sexual hacia Mia y mientras él está en el baño hablando con el espejo y reflexionando sobre si debe o no enrollarse con ella y sigue en el baño, Mia encuentra la heroína, y creyendo que era cocaína, la inhala y tras resoplar le produce una sobredosis y colocando al personaje de Travolta en una situación realmente embarazosa.

Vincent le dice por teléfono al vendedor de la heroína que tiene una persona con sobredosis en el vehículo y que necesita de su ayuda. Vincent va a casa de Lance, el vendedor de drogas. El vendedor por su parte  rechaza ayudarle por el teléfono pero Vincent estrella su coche contra el garaje.

Luego de una rápida discusión el vendedor prepara adrenalina para inyectarle, pero tienen duda sobre quién la inyectaría, ya que ninguno sabía hacerlo. Finalmente Vincent recibe las instrucciones del vendedor y termina inyectándole con un pinchanzo directo de adrenalina en el corazón provocando una reanimación espontánea. Mia vuelve así de la muerte. Al final, Vincent termina fuera de problemas.

Comienza ahora lo que se ha venido en llamar el Preludio a "El reloj de oro". La historia va al pasado. Conocemos a un pequeño Butch Coolidge, el futuro boxeador, que ve la televisión, y que es interrumpido por la llegada de un veterano de la guerra de Vietnam, el Capitán Koons (Christopher Walken). Koons explica que le ha traído un reloj de oro que ha sido transmitido de generación en generación a los hombres de la familia Coolidge desde la Primera Guerra Mundial.

Koons le informa que su padre había muerto de disentería en un campo de prisioneros de guerra, y que como último favor, su padre le había pedido que lo escondiera (para lo cual tuvo que ponérselo en el recto durante dos años) con el fin de entregárselo a Butch.

Una campana suena, despertando a un adulto Butch (Bruce Willis) de su sueño. Él está vestido preparado para iniciar un combate de boxeo y que está listo para un combate.

Tras ello comienza la historia presente de Butch Coolidge (Bruce Willis) conocida como El reloj de oro. Es la historia de la traición de Butch  a Marsellus Wallace, pues incumple con lo pactado,  y su problemática huida de la ciudad.

Por lo pronto, Butch gana el combate, cuando parecía que lo iba a perder. Tras huir no se olvida de su reloj , que lo que más cuida . Tras esto toma un   taxi, cuya conductora es una colombiana, Esmarelda Villalobos (Angela Jones) y que lo lleva a un motel de la ciudad.Nos enteramos que Butch , en vez de perder en el quinto asalto, como estaba pactado con Wallace, decide noquear a su oponente y recibir una jugosa suma de dinero resultado de unas apuestas a favor de sí mismo.

Una vez llega al motel se encuentra con su amada, Fabienne (Maria de Medeiros), una chica tierna y delicada que habla con acento francés con la que había preparado la huída. Tras hacer el amor, Butch descubre que Fabienne, mientras ha preparado la matea con sus cosas, se ha olvidado del reloj de su padre y monta en cólera.

Tras huir al motel, Butch tiene que volver a su apartamento en Los Ángeles a por su reloj de oro que se le había quedado olvidado a Fabienne. Regresa a su apartamento, recupera el reloj, pero antes de salir se da cuenta de que hay un arma de fuego en la encimera de la cocina. Al oír el inodoro, Butch toma el arma y dispara sobre Vincent Vega, que aparentemente había sido enviado por Marsellus Wallace para liquidar a Butch por estafarle. Butch aprovecha para matar a Vincent cuando sale del servicio y está desarmado, matándolo tras recibir una buena ráfaga después de que éste salga del baño.

Al salir del apartamento, sube a su coche y conduce de vuelta al motel, pero parado en un semáforo y ya de camino se encuentra con Marsellus Wallace, que lo reconoce y saca una pistola, ante eso Butch decide atropellar al jefe del clan, Butch choca y queda inconsciente.

Cuando despierta, Wallace lo persigue con una pistola, Butch herido y algo desorientado corre por las calles angelinas y se esconde en un local no sin antes comienzar una pelea con Wallace. En su enfrentamiento entran a una tienda de antigüedades o casa de empeño, donde el dueño, Maynard, al ver la pelea, los deja inconscientes. Cuando despiertan, están atados y amordazados en unas sillas en la parte trasera de la tienda, frente a ellos están Maynard y un sujeto llamado Zed (Peter Greene).un guardia de seguridad.

Ambos están discutiendo de qué van a hacer con sus víctimas, al final el elegido es Marsellus Wallace.; se llevan a Marsellus a otra habitación con el fin de violarlo. Despiertan al "Tarado", "The Gimp", para que vigile a Butch , una figura silenciosa con traje de servidumbre sadomasoquista, un esclavo sexual vestido y lo ponen en la habitación para que Butch no escape. Maynard y Zed se meten en otra habitación con Marsellus. Finalmente, después de forcejear con las cuerdas que lo ataban, Butch logra desatarse, golpea y deja inconsciente al Tarado y se dirige a la entrada de la tienda.

En el momento en que va a salir, y ya que está a punto de huir, Butch decide salvar a Marsellus al escuchar los gritos de los violadores , así que elige entre todas las armas de la tiempo ( despreciando un  martillo hasta una Motosierra), una katana y vuelve a la habitación, entrando al cuarto y matando a Maynard. Zed se aparta de Marsellus (al que estaba sodomizando) y Butch lo amenaza con la katana.

De repente, Marsellus sale con la escopeta de Maynard y le dispara en los genitales a Zed. Ambos deciden qué sucederá con la situación del dinero, no sin que antes Marsellus emita una serie de amenazas contra Zed, donde anuncia que va a llevar a la tienda "a dos negros empapados en crack". Por salvarle la vida, Butch queda perdonado con tal de que abandone Los Ángeles con la condición que le pone Marsellus : nunca podrá decir a nadie lo de la violación.

Butch sale de la tienda, tomando la motoc de Zed y vuelve al Motel, recoge a Fabienne y salen de la ciudad, ella le pregunta de dónde sacó esa motocicleta, él le responde que es de Zed, ella pregunta: "¿Quién es Zed?, Butch responde: "Zed está muerto nena, Zed está muerto".

Tras este capítulo la historia se desplaza a un tiempo anterior y se conoce con el nombre de La situación con Bonnie.

Nos encontramos otra vez en el apartamento en el que Vincent y Jules matan a Roger y a Brett, donde termina una de las primeras escenas anteriores. De repente aparece un cuarto hombre del baño (Alexis Arquette) quien vacía un cargador sobre ellos sin llegar a darles ni en una sola ocasión. El cuarto hombre es seguidamente asesinado por Vincent y Jules. Jules decide que esta suerte de escapar es un milagro, algo que le rebate Vincent.

Después de salir del edificio con Marvin (Phil LaMarr), que en realidad era amigo de Jules, suben al coche. Mientras van hablando y encuentran un bache por lo que  Vincent accidentalmente dispara en la cabeza a Marvin. Luego de una áspera discusión por dicho descuido, terminan yendo a casa de un amigo de Jules, Jimmie (Quentin Tarantino) donde esconden el coche.

Una vez allí Vincent y Jules se relajan, desatando el enojo de Jimmie quién se encuentra alterado puesto que su esposa, Bonnie (Venessia Valentino), está a punto de llegar y encontrar semejante situación, la cual derivaría en un divorcio seguro.

Jules se apresura a contactar a Marsellus quién a su vez se comunica con el Sr. Winston Wolfe (Harvey Keitel), el Sr. Lobo, un hombre elegante, educado e inteligente que se dedica a resolver problemas en el mundo de la mafia y goza de un alto renombre por su eficiencia con ello. Wolfe acude rápidamente al lugar para ayudarlos.

En todo momento Vincent no para de cometer errores, desde ensuciar las toallas de Jimmie hasta casi ofender al Sr. Lobo por lo que Jules termina discutiendo fuertemente con él cuando limpian el auto. Gracias a la planificación y rápido modo de actuar - limpiando el coche, ocultan el cuerpo en el maletero, y disponen de su ropa manchada de sangre. terminan por ocultar las pruebas y solucionar el inconveniente tras deshacerse del cadáver en una chatarrería perteneciente a un contacto del Sr. Lobo. Finalmente Jules y Vincent deciden ir a desayunar.

El desayuno viene a ser el Epílogo de la historia. En la última escena nos encontramos a  Jules y Vincent desayunando en una cafetería, y vuelven a discutir , en este caso, acerca de la decisión de Jules de retirarse. Esto se debe a que Jules acaba de plantearse la retirada de su vida de crimen, teniendo como coartada la supervivencia "milagrosa" tras lo ocurrido en la casa.

En un breve corte, vemos a Pumpkin y a Honey Bunny poco antes de iniciar el asalto de la primera escena de la película.

Mientras que Vincent está en el baño, Pumpkin y Honey Bunny inician el asalto a la cafetería. Pumpkin ordena a los clientes que depositen sus pertenencias de valor en una bolsa de basura hasta llegar a Jules, a quien le ordena que le dé su maletín.

Jules sorprende a Pumpkin (a quien él llama "Ringo") sujetándolo mientras le apunta a la cara con la pistola. Honey Bunny, histérica, ordena a Jules que suelte a su pareja mientras lo amenaza con su arma.

Vincent sale del baño con su arma apuntándo a Honey Bunny. Repitiendo el versículo pseudobíblico, Jules expresa la ambivalencia acerca de su vida de criminal. En su primer acto de redención, permite que los dos ladrones tomen el dinero que han robado y huyan, simbólicamente comprando el perdón y la vida de los asaltantes. La película termina con Jules y Vincent saliendo de la cafetería portando el misterioso maletín. Acabando así la película.

Quentin Tarantino escribió el guion de Pulp Fiction a finales de 1992 en un apartamento de Ámsterdam, donde no había teléfono ni fax. Allí se había refugiado y decidido establecerse gracias a un contrato de novecientos mil dólares con TriStar para escribir el guión de su nuevo trabajo, En la ciudad holandesa se recluyó durante varias largas semanas con la finalidad de volcar todos sus esfuerzos en el guión de ‘Pulp Fiction’. Escribiendo en un mugriento apartamento con su vieja máquina de escribir, encontró su inspiración para desesperación de su manager, Cathryn Jaymes en Hollywood.

De vuelta a Los Ángeles, contó con la ayuda de Linda Chen, secretaria del guionista y director de cine Robert Towne, que le ayudó a mecanografiarlo y así de esta manera ser más fácil moverlo entre los productores de Hollywood.

El primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Los ejecutivos de TriStar Pictures rechazaron el guion de un Tarantino, que ya tenía un cierto prestigio, tras Reservoir Dogs y los guiones de True Romance y Natural Born Killers. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ sería un éxito. Y Miramax se hizo cargo de la producción definitiva.

Comentar que previamente Tarantino y su productor, Lawrence Bender ,llevaron  el guión a Jersey Films, la productora dirigida por Danny DeVito , Michael Shamberg y Stacey Sher . Jersey había intentado firmar a Tarantino para su proyecto. . Tras un  acuerdo entre Jersey Films y Tarantino con la aportación de  $ 1 millón de dólares este creó  A Band Apart , Bender y la productora de Tarantino, Más tarde, Pulp Fiction apareció en una  lista de películas en preproducción de TriStar. pero al considerar el guión demasiado largo y violento concluyeron que era imposible de filmar.  Tras esto Bender llevó el guión a Miramax , y Harvey Weinstein -co-presidente de Miramax, junto con su hermano, Bob, dieron la luz verde y fue presupuestado en $ 8,5 millones, convirtiéndose en la primera película que Miramax financiada en su totalidad.

Para el papel de Vincent Vega inicialmente iba a llamarse Vic Vega. Michael Madsen iba a repetir el papel que interpretó en Reservoir Dogs , pero eligió aparecer en la Kevin Costner Wyatt Earp algo que, declaró, siempre se arrepintió. Finalmente, el papel pasó a llamarse Vincent Vega. Steven Seagal y Mel Gibson fueron considerados para el papel antes de que John Travolta fuera escogido para el rol. Fue , pisiblemente, la mejor decisión profesional de su carrera dado el éxito de la película y la nominación de la Academia al mejor actor lo que revitalizó su carrera.

El papel de Mia Wallace iba a ser considerado por Molly Ringwald, Meg Ryan, Holly Hunter - como planteó Miramax- , Patricia Arquette, Isabella Rossellini, Meg Tilly, Alfre Woodard, Amy Irving, Kim Basinger y Melanie Griffith. También se pensó en Meg Ryan, Michelle Pfeiffer, Bridget Fonda y Helen Slater. Tarantino pensó brevemente en Julia Roberts para el papel de Mia, pero su salario era demasiado alto para una película de bajo presupuesto. Finalmente Uma Thurman fue escogida para el papel después de varias audiciones y se convirtió más tarde en la musa y estrella en las dos Kill Bill

Para el papel de Jules Winnfield Tarantino había escrito el mismo con Samuel L. Jackson en mente. Jackson recibió una nominación al Oscar al mejor actor secundario.

El papel de Butch Coolidge inicialmente iba a ser protagonizado por Harrison Ford. Después de que Ford abandonara el proyecto, Tarantino pensó brevemente en Sylvester Stallone o Michael Biehn, hasta que Bruce Willis fue escogido para el papel. Willis era una gran estrella, pero la mayoría de sus películas recientes habían sido decepciones para la crítica y taquilla.

Según lo descrito por Peter Bart , teniendo un papel en la película de bajo presupuesto "significaba la reducción de su salario y arriesgar su estatus de estrella, pero la estrategia [...] dio sus frutos magníficamente: Pulp Fiction no sólo trajo Willis nuevo respeto como actor, pero también le valió varios millones de dólares como resultado de su participación bruta ". Era la mayor estrella del proyecto y la que generaba más coste.

Harvey Keitel como Winston Wolfe fue escrito específicamente para Keitel, que había participado en Reservoir Dogs y en palabras del realizador, "Harvey había sido mi actor favorito desde que tenía 16 años ." algo parecido ocurre con Tim Roth había actuado en Reservoir Dogs junto Keitel. También el papel de Amanda Plummer. Igualmente a Christopher Walken aparece en una sola escena dedicada al monólogo del veterano de Vietnam sobre el reloj de oro.

La película se rodó entre el 20 de septiembre y 30 de noviembre de 1993 en diversas localizaciones de California tales como Hawthorne Grill , Culver City, Los Ángeles, Sun Valley, Berverly Hills, Pasadena o Glendale,

Para la película no hubo ninguna composición específica, sino una selección musical muy ecléctica de música surf , el rock and roll , soul , y canciones pop. La película sirvió como referencia cultural para el "renacimiento" o revival del Surf Rock Instrumental perdido a mediados los años 60's, debido a la inclusión en el soundtrack de piezas clásicas del género como Misirlou de Dick Dale & His Del-Tones y Surf Rider de The Lively Ones. El título del álbum es Music from the Motion Picture Pulp Fiction,  y además de la anterior contiene cortes musicales como Jungle Boogie de Kool & The Gang Let's Stay Together con  Al Green; Bustin' Surfboards de The Tornadoes, Lonesome Town de Ricky Nelson; Son of a Preacher Man de Dusty Springfield; Bullwinkle Part II de The Centurians; You Never Can Tell de Chuck Berry;  Girl, You'll Be a Woman Soon con Urge ; Overkill If Love Is A Red Dress (Hang Me In Rags) con  Maria McKee; Comanche como The Revels Flowers ; On The Wall de The Statler Brothers ; Personality Goes A Long Way, Surf Rider y  The Lively Ones .

Tras su  estrenó, en el festival de cine de Cannes de 1994,   donde recibió la Palma de Oro. la película fue un éxito de público y consiguió una recaudación de más de 213 millones de dólares siendo una delas  películas más taquilleras del bienio 1994-1995.

La película se estrenó el 14 de octubre de 1994 en los Estados Unidos, con grandes elogios por la crítica.

La película es recordada por algunas de sus escenas famosas como el baila entre Vincent Vega y Mia. Curiosamente dicha escena estuvo a punto de ser suprimida porque a Uma Thurman le entró una crisis de ansiedad, ya que no creía que pudiese estar a la altura de John Travolta en el baile. O en el pasaje bíblico de Jules que recita antes de asesinar a alguien el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo 17. Este paisaje es un icono cinematográfico, si bien el pasaje de la película es diferente del real, ya que de todo el recitado, sólo la frase (en su versión original) "(...) and you will know my name is the Lord, when I lay my vengeance upon thee" corresponde al mencionado versículo, mientras que el resto es ficticio. La frase fue escrita por Tarantino para darle (y con razón) más fuerza a la escena.

El guión incluye un par de marcas comerciales confeccionados que característica a menudo en posteriores películas de Tarantino : hamburguesas Big Kahuna (una taza de soda Big Kahuna aparece en Reservoir Dogs .) y cigarrillos Red Apple

Después hay auténticas leyendas urbanas sobre la misma como la famosa cartera con el Bad Motherfucker de Jules que era, también, de Tarantino y se la prestó para la escena. Algo parecido ocurre con el coche, ya que en varios momentos de la película Vincent habla de su coche, un Chevrolet Malibu de 1964. La cuestión es que el coche pertenecía, en realidad, al mismísimo Quentin Tarantino y fue robado poco después del rodaje de la película, en 1994. No apareció hasta veinte años después y por pura casualidad. Irónicamente, uno de los posteriores propietarios del coche, que se lo compró a un coleccionista sin sospechar nada, gastó casi $40.000 dólares en repararlo, por lo que el coche volvió prácticamente intacto al director casi dos décadas después. O la maleta en cuyo interior había dos pilas y unas bombillas o como dijo Tarantino que años afirmó que hay "exactamente lo que el espectador quiere que haya". O la tirita que aparece en el cuelo de Marsellus Wallace y es que Ving Rhames, el actor que dio vida a Wallace, se cortó mientras se afeitaba la cabeza y a Tarantino le gustó tanto cómo le quedaba que le pidió que no se la quitase.

Es una de las escenas más icónicas de Pulp Fiction y, aunque aparece tanto al principio como al final de la película, ambas son ligeramente distintas porque se rodaron dos veces, una para cada momento. Y aunque no suele ser común en el rodaje de una película, la primera escena fue también la primera en grabarse. La escena del Capitán Koons fue la última en rodarse y además Christopher Walken la hizo a pelo, sin practicarla. Para que no se le secase la boca mientras hablaba, utilizó un viejo truco de Hollywood: ponerse tabasco en los labios.

La escena en la que el personaje de Travolta, Vincent Vega, ensarta una jeringa con adrenalina en el pecho de Mia (Uma Thurman) para revivirla de la sobredosis se filmó a la inversa: Travolta tiró de la jeringa desde el pecho y luego la cinta se proyectó al revés.

Las idas al baño en esta cinta anuncian malas noticias. Cada vez que el personaje de John Travolta, Vincent Vega, va a enpolvearse la nariz, ocurre una tragedia. Durante sus tres idas al baño, Mia Wallace (Uma Thurman) sufre una sobredosis; unos ladrones sitian el restaurante en el que él y Jules están desayunando, y Butch Coolidge, el personaje de Bruce Willis, lo ataca.

Algunas de las películas de Tarantino comparten un universo común. Es el caso de Vincent Vega en Pulp Fiction y Vic Vega en Reservoir Dogs, que son en realidad hermanos. Se ha especulado de hecho con una precuela a ambas películas llamada The Vega Brothers.

También la película es homenaje a película precedentes como el Goodfellas de Martin Scorsese y  la secuencia de entrada de Vincent Vega en el Jack Rabbit Slim's, realizando un largo plano-secuencia mediante una steadicam, o punto de partida de otras películas del mismo Tarantino .  También cierto homenaje a Psiscosis cuando cruza por Marsellus se encuentra con Butch pasando por el paso de cebra.

Por ser Pulp Fiction , una película independiente con un presupuesto bastante modesto de millón y medio de dólares, la mayoría de estrellas que aparecían en la misma, como Bruce Willis o Uma Thurman, grabaron las escenas correspondientes en los huecos que les dejaban las otras películas que se encontrasen haciendo en ese momento. Para ajustar presupuesto, también, todos los actores cobraron lo mismo, "sólo" $20.000 dólares por semana. También recibieron parte de los ingresos de la película que acabó cosechando $214 millones de dólares en taquilla.

Desde el principio se vio la potencialidad de la película. Ya en  mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, consiguió la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, incluyendo mejor película, si bien solo ganó el Óscar al mejor guion original.

Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones como dos  Premios BAFTA al mejor actor secundario (Samuel L. Jackson) y al mejor guión, aunque obtuvo nueve nominaciones.

En los Premios Cesar fue nominada a la mejor película extranjera , En los Premios David di Donatello se premió al mejor film y al actor extranjero para Travolta.

Tuvo tres nominaciones en los National Board of Review entre ellos a la mejor película (ex-aequo) El Círculo de Críticos de Nueva York la valoró premiándolo con el  premio al mejor director y mejor guión.

La Asociación de Críticos de Los Angeles la premió con la mejor película, director, actor y guión El Sindicato de Actores nominó al mejor actor (Travolta), al actor secundario (Jackson) y actriz secundaria (Thurman)

La Asociación de Críticos de Chicago la premió con el premio al mejor director y Mejor guión

Henry Giroux profesor y director del Waterbury Forum in Education and Cultural Studies de la Universidad de Pennsylvania y uno de los teóricos de la pedagogía crítica, explica en su libro Cine y entretenimiento, elementos para una crítica política del film lo siguiente, entre otros argumentos: [...] cómo Tarantino articula en esas películas una amoralidad que legitima la ideología neoconservadora de los años noventa, coherente con lo que Ruth Conniff ha llamado una cultura de la crueldad; es decir, el creciente desprecio de la sociedad norteamericana hacia los pobres, los que están privados de derechos civiles y los desheredados. Pulp Fiction se apropia del crimen y la violencia como una presencia cotidiana que convierte en cine popular pero, con ello, Tarantino produce una política racialmente codificada, culturalmente reaccionaria y una pedagogía que transforma la insensibilidad neoconservadora y el desprecio de las clases más bajas en una representación a la moda de la vanguardia artística". La película es universalmente reconocida por crítica y público como una de las mejores de toda la historia del cine y es, quizás, el principal referente de la cultura popular contemporánea, formando muchos de sus diálogos o escenas parte de acervo occidental.

En FilmAffinity está en el puesto número diez de las mejores películas de todos los tiempos, mientras que en IMDb está en el quinto puesto. En la primera Pablo Kurt nos dice que "Tras firmar con "Reservoir Dogs" (1992) una de las más geniales óperas primas jamás realizadas, Quentin Tarantino confirma su talento único en esta brillantísima película de acción, con diálogos y toques de comedia delirantes ("Soy el Sr. Lobo, resuelvo problemas") al lado de escenas que rayan lo desagradable por su violencia y crudeza. Maravillosamente filmada, de nuevo sorprende su estructura narrativa en un desborde de creatividad estética y guiños cinéfilos de enorme impacto en crítica y público. Un póster perfecto, el misterioso maletín como MacGuffin, una banda sonora impecablemente elegida, un comienzo en una (otra) cafetería inolvidable, John Travolta bailando... Son innumerables los hallazgos de esta sinfonía audiovisual pop que reinventa (o se inventa) una fusión de códigos y géneros para alumbrar todo un clásico del cine moderno.

Para Roger Ebert en el Chicago Sun-Times nos comenta que "Al igual que 'Ciudadano Kane', 'Pulp Fiction' está construida de una manera no lineal, podrías verla una docena de veces y no ser capaz de recordar lo que viene después"

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle señala que "Es una gozada de principio a fin. Es el equivalente en película de esas pocas novelas en las que vas comprobando cuántas páginas te quedan con la esperanza de que haya más, y no menos"

Michael Wilmington en Chicago Tribune afirma que "'Pulp Fiction' no es sólo divertida'. Es tremendamente divertida"

Mike Clark de USA Today sostiene que "Para tratarse de una brutal comedia negra sobre sicarios de L.A., 'Pulp Fiction' se desmarca de su género con deliciosas locuras"

Para  Richard Corliss en Time la película "Se eleva por encima de las otras películas del año tan majestuosamente y amenazadoramente como el jefe de una pandilla en una escuela preescolar" 

Anthony Lane del The New Yorker entiende que "La arquitectura de 'Pulp Fiction' puede parecer sesgada y tensa, pero sus adornos son muy divertidos"

Kenneth Turan en Los Angeles Times afirma que "Algunas secuencias (...) tienen la incómoda sensación de desesperación creativa de alguien que tiene miedo de perder su reputación si no consigue encontrar alguna forma de ofender la sensibilidad"

Janet Maslin en el  The New York Times entiende que es "Un triunfante y hábilmente desconcertante viaje a través de un submundo que surge enteramente de la madura imaginación del Sr. Tarantino, un paisaje de peligro, conmoción, hilaridad y vibrante colorido".

En Gran Bretaña, James Wood , en The Guardian , nos dice que "Tarantino representa el triunfo final de la posmodernidad , que es vaciar la obra de todo el contenido, evitando así su capacidad para representar nuestras agonías .... Sólo en esta edad podría un escritor tan talentoso como Tarantino producir obras de arte tan vacua, tan completamente despojado de cualquier política, metafísica, o interés moral. "

En  España Miguel Ángel Palomo Diario escribió en El País que "Tan alabada como denostada, es una sinfonía pop que funciona por acumulación y en la que todo vale salvo el rigor."

Como afirma Gabriela Fleitas en un estudio sobre Pulp Fiction que está en Internet "El montaje se vale de saltos temporales, el ritmo interno que se ancla en aquello que más relevancia tiene en el contenido dramático de cada secuencia, lo que hace de esta historia sobre lo burdo de la cultura y la violencia, un relato que simula ser caótico como el mundo que representa".

Jesús León en blog de cine nos comenta que Tarantino supo exprimir su peculiar universo cultural, sus experiencias y su enorme talento para el diálogo en un guión que quería romper con los moldes. Tanto en la narrativa, en la que mostraba una nueva forma de mostrar una historia violenta y de gángsters (pero con apenas cinco minutos de violencia explícita en todo el metraje), como a la hora de aglutinar referencias, dotarlas de su personal visión y mostrarlas de un modo del todo fascinante, brillante y con un dominio de la narración inesperado. 

Aunque mucho de ‘Pulp Fiction’ se apunta ya en ‘Reservoir Dogs’, aquí Tarantino prescinde de la atmósfera claustrofóbica para presentarnos una historia fragmentada, pero hilada con unos diálogos sobresalientes, que hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante. 

Gran dominador del tiempo, de la acción, de los diálogos, de la construcción de personajes, Tarantino extrae con suma inspiración un puñado de escenas inolvidables (el baile, el monólogo de Walken, la adrenalina inyectada…). (...)  Tan sólo entretener, divertir y ofrecer un espectáculo de fuegos artificiales sublime a base de un guión sólido. 

(...)  Tarantino dota a sus personajes de alma, de personalidad y lo consigue no sólo dibujándolos con suficiente tino en el papel, sino también trasladando su esencia con un puñado de actores a los que sabe sacarles lo mejor de sí mismos. Ni que decir tiene, que la recuperación de un John Travolta denostado y olvidado para el cine, es obra de Tarantino. De su apuesta personal y de darle un personaje inolvidable. Pero en general, la película posee un reparto coral muy inspirado, sobresaliente. Desde un Bruce Willis memorable a una fascinante Uma Thurman o un locuaz evangélico y despiadado Samuel L. Jackson. 

Como película violenta y criminales, Tarantino no renuncia a mostrar escenas repletas de sangre, de acción o de mostrar con gran detalle las drogas y su consumo. Consigue virtuosidad en su puesta en escena de forma provocativa, pero también midiendo con especial cuidado. Es más violento lo que sugiere que lo que muestra (como ya hiciera en la famosa cercenación de oreja en ‘Reservoir Dogs’), y eso que ahora intentaba homenajear a su añorada revista Black Mask, donde el asesinato, la sangre y los bajos fondos eran los ingredientes principales.

La película es un clásico contemporáneo. Una joya por su montaje que cuenta con  un guión monumental, con una fantástica fotografía, unida a una magnífica dirección. Lo dicho, todo un clásico.

La primera del año

Las noches de fin de año suelen ser generosas desde el punto de vista gastronómico, pero limitadas desde el punto de vista televisivo. El alcance parcial de esto último se encuentra en los brindis, en la pesadez de la comida, en la falta de un lugar cómodo para ver la televisión y, sobre todo, en la indigna programación existente, especialmente, en esa noche con muchos refritos, confetis, cutradas varias y algunas películas. 

Este fin de año, curiosamente en la madrigada del 31 de diciembre al 1de enero, en uno de los zappeos realizados entre pedazo de turrón y copa de champán, una película llamó la atención de mí y de mis sobrinos. La película generó polémica, pues algunos de mis cuñados, protestó por su contenido o por tener la televisión detrás. El caso es que empezamos a ver una película de zombies. Su nombra, “El amanecer de los muertos”. No la pudimos ver entera, pero anoche, tras el “bluff” del Madrid, la encontré en Neox. 

El amanecer de los muertos es una película norteamericana-canadiense, un remake de la de George A. Romero, y fue estrenada en los Estados Unidos el 10 de marzo de 2004. La cinta estuvo dirigida por Zack Snyder y mantiene básicamente los elementos centrales de la versión de 1978. 

El guión fue obra del director y de James Gunn. La cinta, como ya he dicho, es un remake de la película homónima de 1978. Al igual que su antecesora, la historia se centra en un grupo de personas que se refugia en un centro comercial ante una plaga de zombis. Esta versión posee algunas variaciones en la trama y personajes. Otro de los cambios tiene que ver con los movimientos de los zombis, siendo estos más rápidos en la película de 2004. 

La producción estuvo en manos de Marc Abraham, Eric Newman y Richard P. Rubinstein estando la distribución en poder de la Universal Pictures. La buena música fue obra de Tree Adams y Tyler Bates, y la fotografía es de Matthew F. Leonetti. 

Está interpretada por Sarah Polley, Ving Rhames, Jake Weber, Mekhi Phifer, Ty Burrell, Michael Kelly, Kevin Zegers, Michael Barry, Lindy Booth, Tom Savini. 

La idea de la película se centra en una inexplicable plaga que ha diezmado la población del planeta, convirtiendo a los muertos en horribles zombies que continuamente buscan carne y sangre humana para sobrevivir. En Wisconsin, un variopinto grupo de personas que han escapado a la plaga, tratan de salvar sus vidas refugiándose en un centro comercial, donde deben aprender no sólo a protegerse de las hordas de zombies, sino también a convivir. 

Realmente la película se centra en Ana (Sarah Polley), una enfermera que vive en la ciudad de Milwaukee. Tras finalizar su turno en el hospital, regresa a casa, donde duerme con su marido Louis. Sin embargo, en ese mismo instante un virus se propagaba por el mundo, el cual reanimaba a los muertos, volviéndolos violentos. A la mañana siguiente son despertados por Vivian, su vecina, quien ataca a Louis mordiéndolo en el cuello. Louis muere, pero regresa a la vida y ataca a su esposa. Ana huye en su automóvil, mientras ve cómo las personas se atacan unas a otras ante los efectos del virus. Debido a un forcejeo con un superviviente por su coche, Ana choca contra un árbol, quedando inconsciente. 

Tras despertar, Ana se encuentra con Kenneth (Ving Rhames), un policía que viajaba a Fort Pastor, una base perteneciente al Ejército de los Estados Unidos. Sin embargo, la ruta había sido bloqueada por zombis, por lo que junto a otros tres sobrevivientes –Michael (Jake Weber), Andre (Mekhi Phifer) y su esposa embarazada Luda- irrumpen en un centro comercial. Dentro, son atacados por un zombi, el cual hiere a Luda. 

En el lugar se encuentran con tres guardias de seguridad -CJ, Bart y Terry (Michael Kelly, Kevin Zegers, Michael Barry)- quienes deciden dejarlos permanecer a cambio de sus armas. Después de asegurar las entradas del centro comercial, suben al techo donde ven cómo los zombis rodean lentamente el edificio.

Frente al edificio conocen a otro superviviente, Andy, quien se encuentra en una tienda de armas cruzando el estacionamiento. 

Al día siguiente, uno de los guardias, Terry, se alía con el grupo de Ana, desarmando a CJ y Bart. Tras esto se ponen de acuerdo para dejar entrar un camión de supervivientes al centro comercial, en el cual iban Norma, Steve, Tucker, Monica, Glen, Frank, Nicole y una mujer anónima mal herida. 

Los recién llegados les informan que Fort Pastor ha sido invadida por zombis, por lo que es imposible recibir ayuda. Poco después, la mujer anónima muere, convirtiéndose pocos minutos después en zombi y atacando a las demás personas; sin embargo, Ana la detiene. 

Ante lo ocurrido se dan cuenta que las mordeduras son el método a través del cual se propaga el virus, por lo que dejan a Frank en cuarentena debido a que había sido herido. Frank se convierte en zombi y es detenido por Kenneth, quien le dispara en la cabeza. 

Mientras los personajes aprovechan las posibilidades que les ofrece el centro comercial, el edifico es rodeado por un número cada vez mayor de zombis. Tras un corte de energía, CJ, Bart, Michael y Kenneth van al estacionamiento subterráneo para encender el generador de emergencia. Allí abajo, además de encontrar a un perro, Bart muere tras el ataque de un grupo de zombis, que son detenidos con fuego por los sobrevivientes. 

Andre, previendo la muerte de Luda a raíz de su herida, la ata a una cama para que no ataque a los demás sobrevivientes. Luda muere al dar a luz, convirtiéndose en un zombi. 

Norma descubre a Luda y le dispara, lo cual enfurece a Andre, quien inicia un tiroteo. Ana llega al lugar, descubriendo a los tres personajes muertos, además de un bulto en los brazos de Andre. Al percatarse que el bulto es el bebé de Luda -quien también fue infectado- le dispara. 

El resto de los supervivientes decide huir del centro comercial y dirigirse al muelle, donde utilizarían el yate de Steve(Ty Burrell) para llegar a una isla del Lago Míchigan. Para lograr esto refuerzan dos autobuses del estacionamiento y los cargan con armas. 

Tras esto, Andy, quien continúa en la tienda de armas, es mordido por un zombi. Nicole utiliza un camión para llegar al lugar, pero es atacada por Andy. Los supervivientes llegan a la tienda por el alcantarillado y rescatan a Nicole, cogiendo además las armas y municiones que había en el lugar. Mientras escapaban en el alcantarillado los zombis logran entrar y Tucker se daña la pierna dejándolo incapacitado de continuar, los zombis lo atacan y CJ le dispara en la cabeza para que no se convierta en zombi. 

Cuando regresan al centro comercial se dan cuenta que los zombis han entrado, obligando a una inmediata evacuación. Los supervivientes huyen en dos autocares, pero el ingente número de zombies ralentiza la huida. 

De hecho algunos se le cuelgan de los vehículos. CJ sube a uno de los autocares y les lanza una bombona de propano que les hace estallar, matando a muchos de los zombies. Parece que el camino ha quedado liberado. No obstante, uno de los autocares lleva algún zombie enganchado. Al intentar liberarse de él, se produce un brutal incidente con la motosierra. Glen y Mónica, pero sobre todo provocan un accidente, y el bus en el que estaban se voltea. Steve huye del vehículo, pero es atacado por un zombi. Tras esto sale Kenneth que con dificultad logra integrarse en el otro autocar. Ana, además, consigue la llaves del barco. 

El grupo de supervivientes llega al muelle, aunque lo zombies les persiguen en masa. CJ, para alejar a un grupo de zombis, detona un depósito de propano, acabando con los zombis y con él mismo. 

Los demás llegan al barco, con la excepción de Michael, quien decide quedarse al sufrir un mordisco. Por último, el barco sale con sus los cuatro supervivientes. Michael queda en el muelle, mientras a cámara lenta los zombies se le acercan. Mientras la cámara vuelve al barco se escucha un tiro. Acaba la peli. 

El guión de la película fue escrito por James Gunn, quien había trabajado anteriormente en la cinta Scooby-Doo (2002), basada en la serie animada del mismo nombre. Para esta nueva versión de El amanecer de los muertos, Gunn decidió no repetir la misma trama, sino que utilizar ciertos elementos centrales -como el grupo de sobrevivientes que se refugia de los zombis en un centro comercial- y contar a partir de ellos una nueva historia. Esta decisión también fue compartida por el director Zack Snyder, quien buscaba filmar la película desde una perspectiva diferente. 

La película fue filmada en la ciudad de Toronto y en otros lugares de Ontario como la bahía de Ashbridge. La ciudad de Milwaukee fue elegida como escenario para la historia debido a que el director Zack Snyder nació en Wisconsin, existiendo además ciertas similitudes entre ambas localidades. El proceso de filmación comenzó el 16 de junio de 2003 y finalizó el 6 de septiembre del mismo año. 

Las variaciones con respecto a la de George Romero se centran en diversos aspectos como Los zombis pueden correr —rápidamente— y son mucho más agresivos. Este concepto es similar a la infección de la película 28 Days Later. Su gran velocidad hace que los zombis sean más amenazantes, en contraste con las películas originales donde los muertos vivientes generalmente solo eran peligrosos en grupos grandes. 

La infección y el proceso de revivir de los "muertos" fueron acelerados considerablemente. Algunos personajes se transforman en zombis a menos de un minuto de haber sido mordidos. Un ejemplo de esto es el dueño del almacén de armas, Andy. En El amanecer de los muertos y El día de los muertos de George Romero, la infección era un proceso lento que podría tomar días. 

En la versión de 2004, sólo se convertiría en zombi una persona infectada con el virus, por esto, el personaje de Mekhi Phifer no se convierte cuando le disparan y lo matan. Los animales como el perro encontrado en el aparcamiento no son atacados por los muertos vivientes en la nueva versión. En el Amanecer de los Muertos original se estableció que la crisis duró meses. 

El amanecer de los muertos fue estrenada el 19 de marzo de 2004 en Estados Unidos, el 31 de marzo en México y el 23 de abril en España. La película recaudó 59 millones de dólares en Estados Unidos, con un total de 102 millones de dólares a lo largo del mundo. 

En general, la película obtuvo una respuesta favorable por parte del público y la crítica. La cinta posee un 77% de comentarios "frescos" en el sitio web Rotten Tomatoes y un promedio de 58/100 en Metacritic. George A. Romero, director de la película homónima de 1978, opinó de esta versión. 

Fue mejor de lo que esperaba. Creo que es una buena película de acción. Los primeros 15, 20 minutos fueron increíbles, pero luego perdió su razón de ser. Se asemejaba más a un videojuego. No me aterrorizan las cosas que corren hacia mi; es como Space Invaders. No había un trasfondo. 

El crítico de cine Roger Ebert consideró que "desde un punto de vista técnico, la nueva versión es más engañosa, mejor pulida y la actuación es superior. Pero le hace falta el humor mordaz de la versión de Romero; y, aunque ambas películas están ambientadas en un centro comercial, sólo Romero lo utiliza como ocasión para satirizar la naturaleza consumista de la sociedad".

Dave Kehr de The New York Times también destacó esta diferencia entre ambas versiones, considerando que la nueva carece de suspense y del trasfondo metafórico que caracterizó a la de 1978. Por otra parte, Manohla Dargis de Los Angeles Times sostuvo que esta versión "no toca temas nuevos, pero nos hace recordar cómo las buenas películas de terror proporcionan una cuota de placer y horror al mismo tiempo".

Varias líneas y frases memorables fueron repetidas como homenaje a la versión original de 1978, tales como una escena donde Andre y Michael disparan a un zombi en la cabeza desde la perspectiva del zombi (que por cierto, no es vista en el corte final de la película) y la parte donde Kenneth repite una línea de Stephen de la versión original en la azotea del centro comercial. Además también él usa el mismo tipo de gafas de sol que Stephen usaba. 

Se muestra un almacén de ropa en el centro comercial con el nombre "Gaylen Ross". Gaylen Ross interpretó el papel de Fran, el principal papel en la versión original. La película que Ana y Michael están viendo al principio es Animal House (Desmadre a la americana). 

La tienda de armas de Andy Andy's gun works es la única armería verdadera en Canadá. La casa de Ana estaba construida dentro del centro comercial en uno de los almacenes. El centro comercial de la versión 2004 es falso, es un centro comercial construido dentro de otro centro comercial. Otro dato curioso es que Ken Foree ha aparecido en las dos versiones de El amanecer de los muertos. 

La película está bien llevada por el director. Es entretenida, dinámica, con buen ritmo. Tiene todo lo que de este género se puede esperar: acción, suspense, saltos, lealtad, amistad, y un pelín de sexo. Una película fantástica para pasar el rato y para la entrada de año, para completar la saga Walking Dead o para ser la primera del año.