Sacarino y sus cuatro habitaciones

Francisco Ibáñez es un grande. Un hombre imaginativo creador de nuestro universo cómic o historieta de estilo patrio perteneciente a la segunda generación o generación del 57 de la mítica escuela de la Editorial Bruguera, la Escuela Bruguera, por medio de personajes inolvidables como Mortaledo y Filemón, La Familia Trapisonda,13, rue del Percebe, Rompetechos, Pepe Gotera y Otilio o El botones Sacarino. Este es un chico ingenuo y algo torpe, que intenta escaquearse del trabajo para dormir, amigo de líos, confusiones y jaleos. 

Reconozco que Sacarino está alejado del botones Ted que interpreta jocosamente Tim Roth al que se le recomienda que no se meta en discusiones de pareja, temas familiares, malos negocios o de cumplir con el famoso dicho allí donde tengas la olla no metas lo que tu sabes y rima. 

Igualmente reconozco que quería ver esta película que se integra en el universo Tarantino. Era una de las que me faltaba, aunque no es suya con exclusividad pues tiene la ventaja / desventaja de ser un producto a cuatro manos para narrarnos cuatro historias que tienen como denominador al botones Ted y un espacio, el hotel, el Mon Signor. Digo ventaja y desventaja pues eso es precisamente la fortaleza y la debilidad de la película : es muy desigual. Por supuesto se reconoce la mano de Tarantino, pero en la misma medida reconozco lo flojo de los dos primeros episodios, a diferencia de los dos últimos, aunque de quedarme me quedo con el tercero. 

Pero vayamos al grano. La película se llama Four Rooms y es una comedia del año 1995 coescrita y codirigida por un cuarteto integrado por las no muy conocidas /os Allison Anders y Alexandre Rockwell , y los dos más señeros Robert Rodriguez y Quentin Tarantino , cada uno dirigiendo un segmento que en su totalidad se basa libremente en escritos cortos de ficción escritos por el notable Roald Dahl , en este caso para adutos y no para jóvenes. Se centra, especialmente el más largo y último  y principal en el " Hombre del Sur ", que es la base de este último, Penthouse - "The Man from Hollywood", dirigido por Tarantino, bastante fiel a su estilo. 

La historia se desarrolla en el ficticio Hotel Mon Signor en Los Ángeles en la víspera de Año Nuevo . Tim Roth interpreta a Ted, el botones y el personaje principal de la historia del marco , cuya primera noche en el trabajo consiste en cuatro encuentros muy diferentes con varios huéspedes del hotel. Hablaré únicamente de Allison Anders y Alexandre Rockwell. 

La primera es una directora de cine independiente que ha trabajado para la gran pantalla como asistente de dirección, como directora , productora, en eso mismo pero en la vertiente ejecutiva , guionista y actriz ocasional así como para la televisión en la que ha realizado muchos capítulos para series como TURN: Washington's Spies - en la que personalmente está implicada- , The Mentalist, Orange Is the New Black , Proof, Riverdale,... Por otro lado, Alexandre Rockwell es un director, productor, profesor de dirección en la Universidad de Nueva York y guionista de cine y , un chisme, se casó con la actriz Jennifer Beals, y así estuvo hasta 1996. En 1992, ganó el Grand Jury Prize en el Festival de Cine de Sundance por su película In the Soup, venciendo, curiosamente a Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. 

Pues bien, los cuatro participan en este proyecto producido por Lawrence Bender por medio de la productora Miramax [USA] y A Band Apart, que invirtió en él $ 4 millones, casi lo mismo que luego se recuperó en taquilla - obtuvo $ 4,257,354-. El guión fue escrito por los directores Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. 

Cada uno llevó a su equipo de fotógrafos y montadores integrado por Phil Parmet, Rodrigo García, Guillermo Navarro, Andrzej Sekula en la fotografía y Margie Goodspeed, Elena Maganini, Sally Menke y Robert Rodriguez en el montaje. La música, esencial en la película, es de Combustible Edison que compuso la partitura y la interpretó Edison , coproducida por Mark Mothersbaugh con música adicional de Juan García Esquivel. 

La película está integrada en todos los episodios por Tim Roth como Ted que aparece en todas las historias, aunque aparece igualmente en la primera historia, "El ingrediente que falta", Valeria Golino como Atenea, Madonna como Elspeth, Alicia Witt como Kiva, Sammi Davis como Jezebel, Lili Taylor como Raven, Ione Skye como Eva y Amanda de Cadenet como Diana. 

En la segunda historia , titulada "El hombre equivocado" aparecen David Proval como Siegfried, Jennifer Beals como Angela, Lawrence Bender como Yuppie Scum, Paul Skemp como Real Theodore y Quinn Thomas Hellerman como Baby Bellhop. 

La tercera llamada "Los malos entendidos" salen Antonio Banderas como padre, Tamlyn Tomita como la madre, Lana McKissack como Sarah, Danny Verduzco como Juancho, Patricia Vonne como el cadáver y Salma Hayek como la bailarina de TV . 

La cuarta historia titulada "El hombre de Hollywood" cuenta con Quentin Tarantino como Chester Rush, Jennifer Beals como Angela, Paul Calderón como Norman, Bruce Willis como Leo (sin acreditar), Kimberly Blair como Hooker (sin acreditar), aunque en la previa sale Kathy Griffin como Betty y Marisa Tomei como Margaret. 

Los créditos de apertura animados de la película están inspirados en las caricaturas de The Pink Panther Show , y cuentan con la canción scat " Vertigogo " de Combustible Edsion. La película se desarrolla en la víspera de Año Nuevo , y comienza con Sam ( Marc Lawrence ), el veterano botones anterior del Hotel Mon Signor, informando a su sustituto, Ted ( Tim Roth ), sobre el trabajo. La primera historia que se desarrolla en la Suite de luna de miel se titula "The Missing Ingredient" - escrita y dirigida por Allison Anders- 

En ella Ted recibe en la recepción a un grupo de mujeres inusuales que llegan a pasar la noche con su equipaje y que tienen reservada la Suite de luna de miel. Entre ellas están Elspeth (Madonna), que va junto a una chica joven Kiva ( Alicia Witt), una hippie de nombre Atenea (Valeria Godino) y otra poco después como Lili Taylor (Raven) así como Jezebel (Sammi Davis) y Eva , que sube en último lugar. 

Las clientes van allí a realizar un "aquelarre de brujas", que intentan crear una poción para revertir un hechizo lanzado sobre su diosa, Diana ( Amanda De Cadenet ) hace 40 años. Para crearlo, tras una ridícula ceremonia con un ridículo baile, cada uno debe colocar un ingrediente en un gran caldero que está en el centro del ritual. Cada una de las brujas aporta el ingrediente pactado ( sangre, ...) . Sin embargo, una de ellas Eva ( Ione Skye ) aún tiene que recuperar su ingrediente, el semen , que de su última relación con un hombre . se lo tragó. 

El resto de brujas le increpan y le dicen que debe recuperar en una hora. Ella se las arregla para seducir a un Ted inicialmente reacio y tiene relaciones sexuales con él en el caldero. Después de que se va, completan el ritual y se ve a Diana emergiendo del caldero. 

Tras salir de la habitación, Ted recibe una llamada telefónica y en ella un invitado de una fiesta en una habitación del hotel de la quinta planta ( Lawrence Bender ) llama a Ted en la recepción para que le suba un poco de hielo. No está seguro de en qué piso está la habitación, pero finalmente dirige a Ted a la Habitación 404 que resulta ser la habitación de la segunda historia, la del "El hombre equivocado" escrita y dirigida por Alexandre Rockwell. 

Al llegar a la Habitación 404, Ted se encuentra en medio de una situación de pareja entre un esposo y su esposa. El marido Sigfried ( David Proval ), acusa a Ted (a quien llama Theodore) de haberse acostado con su esposa, Angela ( Jennifer Beals ). 

A punta de pistola, Ted es obligado a participar en esta escena de matromonio, con incertidumbre sobre lo que es real y parte de una fantasía. En un momento dado, se queda atascado en la ventana del baño y el invitado a la fiesta de arriba, quien lo llamó para pedirle el hielo acaba vomitando. Ted escapa justo cuando aparece un invitado diferente (Paul Skemp), en busca de la Habitación 404 y es recibido por Sigfried de la misma manera que Ted al comienzo del segmento. 

La tercera historia se desarrolla en la Habitación 309 y se titula "Los malos entendidos" y fue escrita y dirigida por Robert Rodriguez. La historia comienza cuando un esposo latino ( Antonio Banderas ) y su esposa ( Tamlyn Tomita ) deciden encargar una botella de champan a la habitación para luego decidir irse de fiesta de fin de año y dejar solos a sus dos hijos, Sarah y Juancho (Lana McKissack y Danny Verduzco), en el hotel. 

A Ted le pagan $ 500 ( tras una dura negociación) para vigilarlos. Su padre además les ordena que no se porten mal. Como Ted es responsable de todo el hotel, no puede quedarse en la habitación con ellos, sino que les indica que lo hagan y vean la televisión. 

Después de que él se va, ellos comienzan a pelearse por el mando tras poner el chico un canal porno, por el fuerte olor a pies y luego vandalizan la habitación, y logran abrir una botella de champagne tras moverla mil veces. Tras beber un rato, llaman a Ted pidiendo unos cepillos de dientes, momento en el que llega e intenta, sin éxito, acostarlos poniéndoles ungüento en los párpados. 

Después de lavarse la cara , la chica , y llamarlo una vez más, llega a una escena en la que domina el caos . han pintado en la habitación, usan una enorme jeringuilla para jugar a los dardos , y la diana la han marcado garabateado con lápiz labial, Juancho tiene un cigarrillo en la boca, mientras Sarah tiene una botella de licor en la mano, la televisión está puesta en un canal para adultos , y a esto se suma que acaban de encontrar el cadáver de una prostituta muerta ( Patricia Vonne ) metida en el somier. 

Mientras Ted intenta calmar , Sarah lo apuñala en la pierna con la jeringa cuando usa repetidamente la palabra "puta" y Juancho accidentalmente prende fuego a la habitación con su cigarrillo. En este momento llega su padre, llevando a su esposa desmayada, y, mirando alrededor de la habitación, le pregunta a Ted: "¿Se portaron mal?" 

Tras esto se produce una la llamada telefónica de Ted a Betty ( Kathy Griffin ), para que vaya. Después de una conversación prolongada con Margaret ( Marisa Tomei ), llama a Betty y se marcha, pero recibe una llamada del ático. Betty razona con él y le convence para que atienda sus necesidades, debido a que un un importante cliente, un productor de Hollywood. 

Así empieza la última historia que se desarrolla en el Ático en una historia que se llama "El hombre de Hollywood" escrita y dirigida por Quentin Tarantino. En el ático está actualmente ocupado por el famoso director Chester Rush (Quentin Tarantino) y por un grupo de sus amigos, que incluye a Angela (Jennifer Beals), que conocimos antes . 

Es una extraña fiesta que se planeta como un reto en la que hay un bloque de madera, tres clavos, un cubo de hielo y un hacha extremadamente afilada (Rush solicita específicamente un hacha "tan aguda como el mismo Demonio"). Después de conocer a Chester y sus amigos, éste le pide a Ted que participe en un desafío: el amigo de Chester, Norman ( Paul Calderón ), ha apostado a que puede encender su encendedor Zippo diez veces seguidas. Si tiene éxito, Norman ganará el auto de Chester, pero si falla, se cortará el dedo meñique de Norman. 

A Ted se le pide "empuñar el hacha" y cortar el dedo meñique de Norman, en caso de que falle. Inicialmente trata de irse, pero Chester lo persuade para que se quede ofreciendo $ 100 por adelantado y otros $ 1,000 si cumple su función asignada. 

El encendedor de Norman falla en el primer intento, y Ted le corta el dedo meñique, recoge todo el dinero y sale del ático con paso danzarín y enérgico como durante toda la película. 

Mientras los créditos continúan, Chester y su compañía se ven frenéticamente preparándose para llevar a un Norman y su deda a un hospital, mientras el herido grita. Rodada entre noviembre y diciembre de 1994 entre Hollywood , en la mítica Sunset Blvd. en concreto en el Chateau Marmont , y Los Ángeles. 

La idea original de la película vino de Alexandre Rockwell . Originalmente, la película se tituló "Five Rooms", con Richard Linklater contribuyendo con un segmento; sin embargo, se retiró antes de que comenzara la producción. 

Esta desigual película no tuvo un gran recorrido comercial, aunque es una referencia dentro de la filmografía de Tarantino y de Rodríguez - este último rodó junto a Antonio Banderas, una semana después de rodar la película Desesperado (estrenada en 1995) -, dos directores que se han ido involucrando cinematográficamente en diversos proyectos. 

El papel de Ted que asume con alegría y cierto exceso Tim Roth  fue escrito originalmente con Steve Buscemi en mente. 

La razón por la cual Bruce Willis no es acreditado es porque violó las reglas del Sindicato de Actores, la SAG, por actuar en esta película sin dinero. Apareció por diversión y como un favor a Quentin Tarantino , y actuando por libre violación de las reglas del SAG. SAG acordó no demandar a Willis si su nombre no estaba incluido en los créditos. 

Quentin Tarantino estuvo detrás del proyecto como se adivina en el detalle que yo llamo "marca de agua cinematográfuca" como es un paquete de cigarrillos de la marca Red Apple. Además el logotipo de producción de "A Band Apart" de Quentin Tarantino que aparece al comienzo de la película muestra al "Sr. Orange" de Tim Roth descomprimiendo su personaje de Reservoir Dogs (1992) y convirtiéndose en el personaje de salto de cuatro habitaciones o una copa que anuncia Big Kahuna Burger . 

La crítica dijo de ella que la película fue una decepción. James Berardinelli de ReelViews lo describió como "una de las mayores decepciones de 1995". Mientras que Hal Hinson, de The Washington Post, dijo que "se afirma a sí mismo como un truco tan laborioso y agresivo que casi te sientes atrapado en tu asiento". 

Pablo Kurt en Filmaffinity que era la historia de "Cuatro directores con fama de gamberros se juntan para hacer una película. Así, las andanzas de un botones de un hotel en su primer día de trabajo y sus desventuras para con los huéspedes es la excusa para una, a ratos divertida, comedia cosida a gags. 

En España Luis Martínez en El País comentó que era una "Gamberrada de lujo de 4 amigos, directores feroces e independientes que se dejan llevar por la desgana y el alboroto". En este mismo diario, Fernando Morales sostiene que era una "Simpática comedia que, pese a contener algunas escenas realmente divertidas, se muestra bastante irregular". Y Javier Ocaña coincide conmigo en Cinemanía al decir que "Anders y Rockwell hacen 2 tonterías, Tarantino entretiene. El mejor, de Rodríguez". 

Y un pequeño detalle que sostiene mi tesis , la película ganó un Razzie Award por la peor actriz secundaria de Madonna.

Scott y su Rob Roy

Este fin de semana pasado he paseado repetidas veces por Princess Street, una de las avenidas principales de la capital histórica de Escocia. Justo en pleno centro de dicha arteria e integrado en parte en el parque homónimo , Princess Garden, aparece uno de los símbolos de Edimburgo: el monumento a Sir Walter Scott. Se trata de un monumento de estilo gótico de corte victoriano, delante de los almacenes Jenners y en las proximidades de la estación de ferrocarriles de Waverley. La torre, construida en pizarra de Livingston y con una altura de 61'1 metros, dispone de una escalera de caracol interna que permite acceder a los diversos pisos del edificio, desde los que se puede divisar la ciudad y alrededores. El piso más alto, al que se llega tras 287 peldaños, permite alcanzar la cúspide del edificio. 

Para mí, hablar de Waler Scott es hablar del romanticismo literario, aunque también del nacionalismo escocés y de la pasión que tenía este señor por su tierra. Pasión desbordada que vemos en sus poemas, pero también en sus novelas en las que el protagonismo es asumido por héroes del viejo país de los Scottos. 

Dicen que fue el primer escritor que tuvo una auténtica carrera internacional, ya que en vida fue conocido en todos los continentes lectores del siglo XIX. Como entusiasta presidente de la Celtic Society of Edinburgh contribuyó a la reinvención de la cultura escocesa. Fue quien puso de moda el tartán - los cuadros que identifican a los clanes - y los kilts, haciendo de ellos símbolos de la identidad nacional escocesa. Su obra literaria y novelesca comenzó con Waverley (1814)- curiosamente como la estación central de Edimburgo- , Rob Roy (1818) o Quintín Durward (1823). 

De esta seleccionada trilogía he podido ver en la noche de ayer Rob Roy. Se trata de una película estadounidense , presentada como un drama histórico del años 1995. La película fue dirigida por Michael Caton-Jones y está basada en la historia del famoso héroe del folclore escocés Robert Roy MacGregor, más conocido como «Rob Roy» y que inspiró en 1818 la obra de Scott. 

Se trató de una producción en la que participan Peter Broughan y Richard Jackson a través de las productoras United Artists ( en este caso también distribuidora) , así como de Talisman Production que invirtiueron unos 28 millones de dólares. 

El guión fue escrito por Alan Sharp inspirado en lo escrito en parte por Waler Scott, así como en la literatura popular sobre este héroe de las High Lands otieras altas. La música fue compuesta por Carter Burwell, la fotografía fue de Karl Walter Lindenlaub y el montaje de Peter Honess. 

La película presenta como protagonistas a Liam Neeson como Robert Roy MacGregor, Jessica Lange como Mary MacGregor. Y a ellos se suman John Hurt como James Graham, Marqués de Montrose, Tim Roth como el despreciable Archibald Cunningham, Eric Stoltz como Alan MacDonald, Andrew Keir como John Campbell, Duque de Argyll, Brian Cox como el recaudador Killearn y Brian McCardie como Alasdair MacGregor. 

La película comienza en los High Lands de Escocia, allá por 1712, poco después de la firma del Acta de Unión entre la todopoderosa Inglaterra y Escocia. En dichos tierras nos encontramos a Robert Roy MacGregor (Liam Neeson) que como jefe de un clan familiar al que también mantiene está buscando a una partida de ladrones de ganado. 

Tras la búsqueda los bandidos son encontramos. Entre ellos se encuentra un viejo conocido de Robert al que se enfrenta en un duelo a muerte que resulta letal para el ladrón. Tras devolver el ganado a la nobleza de las tierras bajas ya que es el protector de los intereses de los mismos contra el robo de ganado , reconoce que apenas logra alimentar a su clan con esa función. 

Rob Roy vive con su esposa Mary, una mujer con carácter que apoya a su marido  en todos los sentidos y por supuesto ante estas circunstancias un día decide poner en marcha un negocio ganadero.

Con la esperanza de aliviar su pobreza, necesita pedir un dinero a James Graham, marqués de Montrose (John Hurt), un ser malvado y maquiavélico para poder sobrevivir el durísimo invierno de las Highlands, las tierras altas de Escocia. Éste le presta la suma que necesita para comerciar con ganado. En el préstamo como aval pone sus tierras, unos 30 acres, sobre todo empeña su palabra de honor, para él lo más importante. 

Junto al despreciable marqués de Montrose se encuentra un empobrecido aristócrata londinense Archibald Cunningham ( Tim Roth ) que ha sido enviado para quedarse con Montrose, y que se supone que está relacionado con él, ya que sus libertinajes se han convertido en un problema en Inglaterra. Se trata de un magnífico espadachín formado en el Ejército y curtido en la guerra. 

A Cunningham lo conocemos en un duelo con un escocés que representa John Campbell, Duque de Argyll (Andrew Keir), como especialista en el manejo de la espada, a pesar de su apariencia afeminada. Se trata de un rival implacable y eficaz, carente de toda moral. 

Junto a Cunningham , colaborando con Montrose se encuentra su recaudador Killearn (Brian Cox), un escocés despreciable que colabora y que además informa a Cunningham del préstamo de MacGregor concedido por Montrose. Tras esto Killearn ( Brian Cox ) y Cunnigham deciden asesinar al tenedor del pagaré que ha concedido Montrose a MacGregor, Alan MacDonald ( Eric Stoltz ) , al que , finalmente, no roba el pagaré, sino una bolsa de dinero por esa cuantía entregada por Killearn con tal fin. 

Tras asesinar a Alan MacDonald, amigo y persona de confianza de MacGregor, y del que algunos de sus compañeros deducen que se ha marchado con la suma a las colonias en América, Rob Roy le pide tiempo a Montrose para encontrar a MacDonald y el dinero. 

Eso sí, Montrose se ofrece a renunciar a la deuda si MacGregor testifica falsamente que el rival de Montrose, John Campbell, segundi duque de Argyll ( Andrew Keir ) que es un jacobita y que lo ha insultado publicamente. MacGregor se niega a mentir y Montrose promete encarcelarlo hasta que se pague la deuda, pero MacGregor huye, tomando brevemente a Cunningham como rehén. Ante esas circnstancias Montrose decide apoderarse de la tierra de MacGregor para cubrir la deuda, declarándolo un proscrito y ordena a Cunningham que lo traiga "roto, pero no muerto". 

Con MacGregor en la clandestinidad, los casacas rojas encabezados por Cunnigham y secundado por Killearn asaltan el asentamiento del clan junto a un lago y matan el ganado de MacGregor, queman su casa, y Cunningham brutalmente viola a su fiel y valerosa esposa Mary ( Jessica Lange ) que decide defender su honor y el de los suyos cueste lo que cueste. 

Mary entiende que la intención de Cunningham es sacar a su marido de su escondite y hace que su hermano Alasdair ( Brian McCardie ), que llega demasiado tarde para salvarla, jure de silencie el conocimiento de la violación. 

Por su parte, Rob Roy ignorando el asalto a su esposa, aunque no el daño a su propiedad , pues es evidente, como cabeza del clan MacGregor se niega a iniciar una guerra abierta contra Montrose. En lugar de eso, decreta: "La parte más sensible del Montrose es su bolsillo, le atacaremos allí, robaremos su ganado, y asalatarán sus rentas". 

Entretanto una de las sirvientas que trabajan en la mansión de Montrose, Betty (Vicki Masson), se ha quedado embarazada de Cunningham. Ante estas circunstancias Killearn le dice a Montrose, que Betty ha de ser despedida del servicio y es , además, despectivamente rechazada por Cunningham. Una Betty apesadumbrada busca refugio en los MacGregors, y revela que ella había oído el acuerdo entre Killearn y Cunningham para robar el dinero del clan. Betty, sintiéndose decepcionada con la vida acaba por suicidarse.

Para construir un caso contra Cunningham, MacGregor secuestra a Killearn y lo aprisiona en la isla de Factor . Allí también va Mary que le promete a Killearn que le irá mejor si testifica contra Cunningham, pero Killearn la insulta con su violación cuando se da cuenta que MacGregor no sabe nada al respecto. 

Al darse cuenta de que Mary está embarazada, le amenaza con decirle a MacGregor que Cunningham puede ser el padre si no retira su caso contra él. Enfurecida, Mary saca un pequeño cuchillo y apuñala a Killearn en el cuello. Alasdair, el hermano de Mary, lo persigue y lo ahoga en el lago. 

Montrose deja claro a Cunningham de que sospecha que realmente robó el dinero, pero parece que no le importa. Quejándose de los continuos robos de su ganado y sus alquileres lo empobrecen y desconcertado por la desaparición de Killearn, ordena a Cunningham que vuelva a perseguir a MacGregor para evitar más humillaciones. Cunningham y sus casacas queman sistemáticamente las cosechas del Clan. MacGregor se niega caer en las provocaciones reiteradas, pero Alasdair intenta atrapar a Cunningham y recibe un disparo de los casacas rojas revelando así su escondite. Estos atacan y disparan tanto a Alasdair y contra otro miembro del Clan, el viejo Coll. 

Alasdair finalmente le cuenta a MacGregor la violación de Mary por Cunningham. Sin embargo, MacGregor es hecho prisionero y , en ese momento, acusa a Cunningham de asesinato, robo y violación. Cunningham confirma las acusaciones, burlándose de él y de lo mucho disfrutaba Mary durante la misma, mucho más que aquellas mujeres que se acostaban con él de buena gana. A la mañana siguiente, 

Montrose, a pesar de oír a MacGregor confirmar sus sospechas sobre dónde realmente fue su dinero, ordena a MacGregor que lo ejecute sumariamente colgándolo de un puente cercano. MacGregor logra hacerse con la cuerda que une sus manos alrededor de la garganta de Cunningham y luego salta por el puente. 

Para salvar a Cunningham, Montrose ordena cortar la cuerda, liberando a MacGregor. MacGregor es perseguido río abajo por los casacas rojas, pero él se esconde y se oculta dentro del cadáver de una vaca. Cunningham, por su parte, sobrevive a su estrangulación, pero sus cuerdas vocales están gravemente dañadas. 

Mary, durante este tiempo, obtiene una audiencia con el rival de Montrose, el duque de Argyll y le expone el plan de Montrose para traicionarlo y como MacGregor se negó. Movido por la integridad del jefe del clan de los MacGregor, él concede asilo a la familia entera en Glen Shira , una de sus haciendas. 

Por su parte, MacGregor llega hasta Glen Shira, y al principio dolido con Mary por no informarle de su asalto y su embarazo. Sin embargo, incluso a la luz de la posible paternidad del bebé no nacido, comenta: "No es al niño al que necesito matar". Mientras, el duque, aunque escéptico de la probabilidad de supervivencia de MacGregor, organiza un duelo entre MacGregor y Cunningham, consiguiendo de Montrose que si MacGregor sobrevive, su deuda será perdonada y que si muere, el duque pagará su deuda. Montrose está de acuerdo con estos términos y Cunningham y MacGregor juran que no se pedirá ni se dará ningún tregua alguna, por lo que el duelo será a muerte. 

Armado con una espada pequeña , Cunningham ataca hábilmente e hiere repetidamente a MacGregor, quien, gravemente deteriorado de la captura anterior parece agotarse rápidamente balanceando una espada pesada. Vemos a un Montrose alegre indica a Cunningham que termine, pero MacGregor agarra la espada de su enemigo con su mano izquierda y mientras Cunningham lucha por liberar su espada, MacGregor se apodera de su arma caída y le da una estocada letal. 

Con su honor restaurado, MacGregor regresa a Glen Shira en donde se encuentra con su familia otra vez. Acabando así la película. 

La película fue filmada enteramente en Escocia , la mayor parte de ella en partes en High Land tan remotos que tuvieron que tuvieron que ser alcanzados por el equipo de rodaje en helicóptero. Entre esos lugares están Glen Coe , Glen Nevis en Fort William, y Glen Tarbert. En las escenas de apertura, Rob y sus hombres pasan por Loch Leven en Onich y Loch Morar se hizo pasar por Loch Lomond , en las orillas en las que el verdadero Rob Roy vivió. 

Escenas de la finca del Duque de Argyll fueron rodadas en el Castillo Tioram en Moidart , mientras que la mansión del Marqués de Montrose se localiza en el Castillo de Drummond en Crieff, Perth and Kinross,. Disparos de "The Factor's Inn" fueron filmados fuera de Megginch Castle . También se rodó en Eilean Donan Castle, en Kyle of Lochalsh, , en Rannoch Moor, en Crichton Castle, en Crichton, M, en Loch Earn, cerca de Stirling, en Caig Falls Bridge, en el Loch Arkaig, , en Megginch Castle, en Errol, Perth and Kinross. 

La lluvia de Highland sin parar representó un problema para el reparto y el equipo al rodarse principalmente al aire libre, al igual que los enjambres resultantes de mosquitos. 

William Hobbs fue el encargado de coreografiar las peleas de espadas, estando Robert G. Goodwin como consultor.La lucha final de la espada entre Rob y Archibald se considera a menudo ser una de las luchas más grandes de la espada nunca filmadas. La banda sonora fue compuesta por el compositor Carter Burwell . Al lado de la misma se presenta una versión ligeramente diferente de una canción gaélica tradicional llamada " Ailein duinn ", cantada en la película por Karen Matheson , vocalista en Capercaillie . 

Lo más destacable de la película aparte de sus paisajes y dificultades de rodaje fue el hecho de que Tim Roth pensó que iba a ser despedido por hacer de Archibald Cunningham un personaje demasiado excéntrico. Le pidió a su agente que empezara a buscar más trabajo para él. A pesar de pensar de ello, el director le dijo que fuera más excéntrico. Tras su actuación Roth recibiría más tarde una nominación al Oscar por su actuación. 

El duque de Argyll le fue ofrecido inicialmente a otros ilustre escocés, Sean Connery , mientras que Jessica Lange reemplazó a Miranda Richardson . Esta fue la última película de Andrew Keir antes de su muerte el 5 de octubre de 1997 a la edad de 71 años. 

En parte hay que decir que hay mucho de la historia de Rob Roy MacGregor (7 de marzo de 1671, 28 de diciembre de 1734) como real. Se sabe que "Red Robert" o "Roberto el rojo" debido a su pelo rojo salvaje antes de ser in proscrito tenía negocios con Montrose durante 10 años antes del préstamo de £ 1000 desapareciera. Sin embargo, el personaje de Cunningham es inventado. 

Detalles de la vida de Rob Roy son una mezcla de historia  y de leyenda; La película retrata a Rob Roy "en la luz más comprensible posible". El marqués de Montrose, James Graham, cuarto marqués de Montrose había sido elevado ya al título de duque de Montrose en este punto en historia como recompensa por su apoyo al Acta de Unión , siendo al mismo tiempo el Señor Presidente del Consejo Privado Escocés . 

A Robert Roy MacGregor ha sido considerado un héroe popular, una especie de Robin Hood de los escoceses. Rob Roy es la adaptación al inglés de su nombre gaélico, Raibeart Ruadh (Roberto El Rojo). Nació en Glengyle, en la zona de Loch Katrine (condado de Stirling), ciudad que estaba visitando este pasado lunes. En enero de 1693 contrajo matrimonio en Glenarklet con Mary Helen MacGregor de Comar, nacida en la granja de Leny, distrito de Strathyre. El matrimonio tuvo cuatro hijos: James (conocido como Mór, que en gaélico significa grande o fuerte), Ranald, Coll y Robert (conocido como Robin Oig o Rob El Joven). También adaptaron a un primo, de nombre Duncan. 

Como muchos otros miembros de los clanes de las Highlands, a los 18 años Rob Roy acompañó a su padre a luchar en apoyo del rey católico James Stuart o Jacobo Estuardo contra el pretendiente protestante al trono, Guillermo de Orange. Aunque victorioso en las primeras batallas, el líder de la rebelión murió en combate y la derrota de los jacobitas fue casi inmediata. Acusado de dudosos cargos de traición, el padre de Rob fue encarcelado durante muchos años. La salud de la madre se quebrantó, muriendo mientras su marido se hallaba en prisión. Cuando Donald fue finalmente liberado, su esposa estaba muerta y su razón de vivir también. Donald MacGregor nunca recuperaría su afán ni su salud. 

Rob Roy se convirtió en un ganadero conocido y respetado. En un tiempo en que el ganado era considerado como propiedad común y el robo de reses era frecuente, se dedicó a vender protección frente a esos robos, una forma habitual de ganarse la vida y Rob Roy se prestó a ello. 

En 1719, Rob Roy comandó a 80 hombres de su clan en la batalla de Glen Shiel entre los jacobitas escoceses, con el apoyo de España, y los ingleses. 

Es cierto que  Rob Roy pidió prestada una gran suma de dinero a James Graham, primer duque de Montrose, para aumentar su rebaño. La garantía del préstamo eran unas tierras propiedad de Rob, cuyo valor era muy superior al importe prestado. Debido a una artimaña del prestamista, que se las ingenió para robarle el dinero, Robert no pudo comprar el ganado con el que pensaba enriquecerse, lo que le impidió devolver la suma según lo convenido. A consecuencia de ello, Rob Roy se convirtió en un proscrito; su esposa e hijos fueron desahuciados de su casa en Inversnaid, que fue incendiada. Después de que el duque se apoderase de sus tierras, Rob Roy luchó para recuperarlas hasta 1722, cuando fue forzado a rendirse. Más tarde, el héroe fue encarcelado. 

En 1727 recibió el perdón real. Robert Roy McGregor murió en su hogar de Inverlochlarig Beg, Balquhidder, el 28 de diciembre de 1734. 

Esta historia atrajo la atención de muchos durante el siglo XVIII. En 1723, Daniel Defoe escribió una versión novelada de la vida de Rob Roy, titulada Highland Rogue, contribuyendo a agrandar su leyenda y a que Jorge I le concediera el perdón. La publicación de la obra Rob Roy de Walter Scott, en 1818, es otro ejemplo de la popularidad de este personaje. 

La película que competía ese año con otra película de contenido escocés que tuvo mucha más repercusión en salas, en premio y en crítica como fue el "Braveheart" de Mel Gibson, se estrenó el 7 de abril de 1995 como un estreno parcial y limitada en los Estados Unidos y Canadá y la película recaudó $ 2,023,272 de 133 salas. En el fin de semana del 14 de abril de 1995, Rob Roy tuvo una liberación amplia y ganó $ 7.190.047 de 1.521 teatros.La película se generalizó a partir del 16 de junio de 1995 consiguiendo recaudar un total de más de 31 millones de dólares, tres millones más que lo invertido. 

Rob Roy recibió una respuesta crítica entre mixta y positiva. Actualmente tiene una calificación de 72% "fresca" en Rotten Tomatoes. 

Un grande de la crítica ya desaparecido, Roger Ebert , del Chicago Sun-Times , opinó: "Esta es una espléndida y emocionante aventura histórica, un ejemplo de lo que puede suceder cuando la mejor dirección, actuación, escritura y créditos técnicos se llevan a cabo en lo que podría parecer un material desgastado ". Ebert dijo que el esbozo de la película podría haber llevado a "otra épica histórica" ​​cansada, pero él encontró que el director podía producir un "estudio intensos en el papel de sus personajes". El crítico aplaudió el desempeño de Tim Roth, calificándolo de "crucial" para el éxito de la película. Ebert también quedó impresionado por la escena culminante de la lucha de la espada y lo llamó "una de las grandes secuencias de acción en la historia de la película". 

Por el contrario, Rita Kempley de The Washington Post valoró Rob Roy negativamente y la colocó al nivel de otras películas de acción como Death Wish y Rambo . A Kempley no le gustó la violencia de la película y escribió: "Francamente, Rob Roy es tan brillante como una de sus vacas, ni siquiera reconoce que su obsesión por el honor conducirá a la destrucción de su clan". Consideró al protagonista nada heroico en su misión para la venganza. De su enemigo, ella dijo, "Los villanos, jugados con júbilo, consiguen animar el ritmo glacial, pero ellos también se cansan." 

En el New York Times , Janet Maslin se quejó de los largos y secos estiramientos de la película y que el argumento era demasiado pesado y poco interesante para el barrido visual de la película. Maslin dijo que una de las elementos salvadores de la película era la presencia "robusta" de Liam Neeson, y el carismático intercambio de afectos con el personaje de Jessica Lange, escribiendo, " Maslin reconoció que Neeson estaba "muy lejos del gordo escocés que era el verdadero Rob Roy" y dijo que la película no logró transmitir la importancia de la figura histórica al público. Destacó la escena de Cunningham violando a Mary como una de las "escenas más fuertes" de la película y que fue respondida por el vengador Rob Roy de Neeson. 

Según Peter Stack columnista del San Francisco Chronicle la valoración no es tan alta al decir "Con semejante reparto y la localización en las Highlands, además de una historia que es una mina de oro dramática, es un misterio que 'Rob Roy' sea tan poco interesante" 

Para Owen Gleiberman del Entertainment Weekly "La película sigue un predecible arco dramático, aunque tiene estilo y corazón y Liam Neeson y Jessica Lange están soberbios juntos" 

Ya en español,  Pablo Kurt en filmaffinity sostiene que "Para los que piensen que Rob Roy es una peliculita de aventuras que pueden ver sus niños, sería bueno advertir que el filme es duro y violento. Mucho más que "Braveheart", por poner un ejemplo. Lanzado el aviso, sólo añadir que se trata de una correcta y entretenida historia de rebeldes independentistas, honores mancillados y sangrientas venganzas en la Escocia del siglo XVIII, bien dirigida, realista y con un magnífico villano: Tim Roth.

Por último Miguel Ángel Palomo en El País asevera que la película es "Entretenida, aunque académica, visión de la vida del héroe escocés" La película tuvo sus recompensas en forma de premios. Por su papel en este film Tim Roth obtuvo una nominación al Óscar al mejor actor de reparto. En los Globos de Oro y en los Premios Saturn fue nominada al Mejor actor de reparto (Tim Roth), al igual que en los Premios BAFTA al mejor actor secundario (Tim Roth), ganando finalmente ese premio. Al igual que ocurrió en los Premio del Círculo de Críticos de Cine de Kansas City

Desde mi punto de vista la película se deja ver. Más aún tras la emoción que me produce ver aspectos sobre la historia de Escocia en la que me sumergí la semana pasada, recordando las montañas nevadas que se podían ver en las cercanías del Castillo de Stirling y que enmarcaban el fondo del monumento de William Wallace - por cuerto Braveheart también fue lanzado ese año- . Eso creo que no debo dejar de resaltar el magnífico trabajo tanto de Tom Roth, como del recientemente desaparecido John Hurt, así como el de la grande y magnífica Jessica lange. La fotografía es formidable , así como el vestuario de unos y otros,  y eso sí, como elemento en negativo, la historia podría, pienso ser más ágil, menos pesada recortándose un poquito el metraje. De cualquier manera ver y recuperar el espíritu de Scott es siempre una delicia.

Reservoir dogs

Pocas veces una película y un director hicieron tanto ruido en su presentación. Otros también lo hicieron, y pienso en este momento en Robert Rodríguez, pero no mantuvieron ese nivel a lo largo de su carrera. Ese nos es el caso de Quentin Tarantino cuyo dos primeros bombazos, lo colocaron en la cabecera y allí sigue, y lo que queda.

Su presentación para el gran público fue Reservoir Dogs, nombre que no llegó a traducirse en España , aunque sí en otros países como México, -Perros de reserva- o en otros países donde se les llamó Perros de la calle.

Y es que el director de Knoxville, Tennessee (27 de marzo de 1963), aunque recriado en Harbor City, una comunidad del Distrito 15 de la ciudad de Los Ángeles, se hizo con ella un lugar ya fuese como director , guionista, productor y actor  es una película estadounidense de 1992. Fue el estreno de Quentin Tarantino como director, contando  con Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen como actores principales. La actuación de Tarantino es de menor trascendencia, como también la del escritor exconvicto, Eddie Bunker. 

Reservoir Dogs incorpora muchos temas y estéticas que se transformarían y se darían a conocer como sellos propios de Tarantino, como director y guionista. En ella ya introduce algunos elementos que estarán muy presentes en toda su filmografía como la idea de contar o emplear historias no lineales o una estetización de la violencia, o al crimen violento o referencias de la cultura pop, etc... 

Es conocida la anécdota de que se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y en donde hacia recomendaciones a los clientes, fijándose especialmente en sus gustos. El propio Tarantino ha dicho: "Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘". 

Intento y comenzó a escribir junto con Avary y otros amigos, e intentando poner en marcha dos guiones , el de que pretendían ser su debut como director. Se trataban los de True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott que adquirió el guión por 50.000 dólares) y Natural Born Killers (Asesinos natos, reescrita y dirigida por Oliver Stone en 1993), pero ambos quedaron en el cajón hasta que escribió en 1991 Reservoir Dogs. En verano de 1991, Quentin Tarantino acudió al taller de guiones del Sundance Institute con el libreto de 'Reservoir Dogs' bajo el brazo (foto). Algunos de sus tutores se mostraron muy efusivos con aquella historia, aunque quien más alentó al director para que tirara el proyecto adelante fue el cineasta y ex miembro de Monty Python, Terry Gilliam, que aquel mismo año había estrenado 'El rey pescador'. Años después, en una entrevista en The Charlie Rose Show, QT recordó que el mejor consejo que le dio Gilliam, y uno de los mejores que jamás ha recibido, es que para ser director tenía que aprender a delegar. "Me dijo: Una de las cosas que tienes que aprender para ser director es que no tienes que hacer según qué cosas, sino contratar a personas con talento para que lo hagan por ti. Debes contratar a un director de cinematografía que pueda obtener la calidad de imagen que tú buscas. Tienes que tener a una diseñadora de vestuario que encuentre los colores y diseños que quieres. Entonces mi idea de ser director dio un vuelco, y me di cuenta de que yo podía hacer eso, que era capaz de describir mi visión, de explicar qué tengo en mi cabeza". Gilliam aparece, por ese motivo, en los agradecimientos del film.Su intención era plantear un proyecto minimalista en base a la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un solo plató. Pretendía que fuese una película de 16 mm en su formato ,  extremadamente barata con un presupuesto de 30.000 dólares y con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles.

Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender  que sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot", leyó el guión de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad". 

Fue Bender por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de este lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción que llegó a alcanzar los 1,2 millones de dólares

Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, en lugares tales como el Johnie's Coffee Shop en el 6101 Wilshire Boulevard, Fairfax, en el Pat & Lorraine's Coffee Shop en el 4720 Eagle Rock Blvd. de Eagle Rock, en North Figueroa Street en Hihg Land Park, en el Belmont Tunnel en el 1304 West 2nd Street, o en Burbank, y con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de coproducirla). Keitel también pagó para que Tarantino y Bender realizaran sus sesiones de casting en Nueva York, donde el dúo encontró a Steve Buscemi, Michael Madsen, y Tim Roth. Ya con tal proyecto este superaba la concepción inicial de cine independiente, aunque corta para una producción media de Hollywood se sumaron en el apartado de actores Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. 

Reservoir Dogs fue todo un éxito,  primero en el Festival de Cine de Sundance donde se estrenó en una de las secciones a competición, creando un verdadero maremoto entre los asistentes y la prensa acreditada, aunque no se llevó ningún premio, y después en todo el mundo, consiguiendo cerca de 15 millones de dólares en taquilla. Ya sólo faltaba introducir en futuras películas otras influencias estilísticas como el Grindhouse, el kung fu y los spaghetti western. La película desde entonces es vista como un importante y muy influyente hito del cine independiente. 

Como ya está dicho Reservoir dogs fue una producción de Lawrence Bender y con las productoras Live Entertainment ,  Dog Eat Dog y Productions Tarantino,, aunque con Miramax Films y la  Rank Film en la distribución que sigue el guión de Quentin Tarantino , la música de Karyn Rachtman , la fotografía de Andrzej Sekula y el montaje de Sally Menke 

Como protagonistas aparecen Tim Roth como el señor Naranja, Harvey Keitel como el señor Blanco , Steve Buscemi como el señor Rosa, Michael Madsen como el señor Rubio ,Quentin Tarantino como el señor Marrón y Edward Bunker como el señor Azul. Lawrence Tierney como Joe Cabot, Chris Penn como Eddie Cabot, Randy Brooks como Holdaway, Kirk Baltz como el policía joven Marvin Nash y Burr Steers.

La historia comienza con la reunión, en concreto un desayuno en un restaurante de Los Ángeles, en la que están presentes seis criminales profesionales que son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo "Nice Guy" Eddie (Chris Penn) para un trabajo, que también asiste al desayuno. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker)- como ya ocurriera en Pelham 1 2 3-. Nos encontramos con unos hombres desayunando en un bar donde comentan hechos banales.

En la reunión intercalan la preparación minuciosamente del robo a un almacén de diamantes, con historias menos profesionales como el debate sobre el significado oculto de la canción de Madonna 'Like a Virgin'. Para el Sr. Marrón (el personaje al que interpreta el propio QT), la canción trata de "una chica que se cuela por un tipo con una polla enorme", un tema que abre la discusión entre el resto de miembros de la banda (- A Madonna le gustó mucho la película. Tanto es así que le mandó una copia de su disco 'Erótica' (1992) a Tarantino. Eso sí, con una dedicatoria especial: "Para Quentin. No se trata de pollas, sino de amor"-). El asalto resulta un fiasco porque la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre que tiene como resultado las muertes de algunos policías, empleados y también del señor Azul y del señor Marrón. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado.

Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite. La mayor parte de lo anterior no se muestra en la película sino que el espectador lo deduce de los diálogos y de flash-backs parciales que ilustran los antecedentes de la situación central.

Cuando terminan los créditos iniciales, se muestra el interior de un coche. El Sr. Blanco lo está conduciendo y trata de tranquilizar al señor Naranja que se desangra en el asiento de atrás a causa de una herida en el estómago. Los dos llegan al punto de encuentro, ubicado en un almacén abandonado. Allí, el señor Naranja pierde el sentido. Aparece el señor Rosa. Ha escondido los diamantes robados porque sospecha que hay un policía infiltrado entre los ladrones. Tiene una confrontación con el señor Blanco, porque no están de acuerdo en qué hacer con el señor Naranja.

El señor Blanco quiere llevarlo a un hospital, pero el señor Rosa no lo permite porque el señor Naranja sabe el nombre y la ciudad natal del señor Blanco y puede traicionarlos a todos.

La llegada del señor Rubio interrumpe la disputa. Ha secuestrado a un policía y los tres pegan al rehén. Llega Eddie, enfadado a causa de la masacre que tuvo lugar en la joyería. Pide ayuda para tomar los diamantes escondidos. El señor Rosa y el señor Blanco salen con él.

El señor Rubio sigue torturando al policía, que afirma su ignorancia acerca de quién es el policía infiltrado. El señor Rubio corta la oreja del rehén y decide quemarlo. En este momento, el señor Naranja mata al señor Rubio de varios disparos. El Sr. Naranja (Tim Roth), resulta ser el topo. Su nombre es  Freddy Newandyke, un policía joven que se ha infiltrado en el grupo de ladrones y cuyo objetivo principal es capturar a Joe Cabot. Tras confiesar al policía su verdadera identidad, que éste ya conoce reconoce que fingió ser un delincuente despreocupado y venció la desconfianza de los otros ladrones con anécdotas inventadas.

Durante el robo lo han herido y él ha matado a la mujer que lo ha hecho. Llegan Eddie, el señor Blanco y el señor Rosa. Al encontrar a su amigo, el señor Rubio, muerto, Eddie mata al policía. Exige explicaciones, y el señor Naranja sigue mintiendo. Dice que el señor Rubio quería matarlos a todos y obtener los diamantes. Nadie lo cree excepto el señor Blanco.

Después llega Joe diciendo que el señor Naranja es un policía infiltrado y el señor Blanco se niega a creerlo. Se forma un triángulo mortal: Joe dirige su pistola al señor Naranja, el señor Blanco dirige la suya a Joe, Eddie dirige la suya al señor Blanco y el señor Rosa se esconde. Esta situación se resuelve con las muertes de Eddie y Joe.

El señor Rosa coge los diamantes y huye. Mientras el señor Blanco, herido, se arrastra hasta el señor Naranja, moribundo. Lo conforta sosteniéndole en sus brazos.

Entonces el señor Naranja confiesa la verdad. Irrumpe la policía. El señor Blanco, llorando, mata a su amigo y de inmediato muere acribillado por la policía. O no, porque no sale en escena, sólo se oyen los disparos, por lo que no se puede saber si solamente dispara la policía (el Sr. Naranja vive y el Sr. Blanco muere); o bien ambos disparan (el Sr. Naranja y el Sr. Blanco mueren).

En diversos flashbacks vemos el fracasado robo y vamos viendo como Sr. Blanco (Harvey Keitel), un ladrón de mediana edad y con mucha experiencia, y cuyo nombre verdadero es Lawrence "Larry" Dimick  y que se considera a si mismo como un ladrón honesto y con principios, y recibe un encargo de un jefe criminal, en concreto de Joe Cabot (Lawrence Tierney) , un mafioso que ha planeado el robo de diamantes. al que conoce desde hace muchos años. Ahora está acompañado de Eddie Cabot (Chris Penn) , el hijo de Joe Cabot que planea el robo. Joe Cabot, un criminal experimentado que ha ensamblado a un equipo de ladrones para un gran robo de diamantes considera que parte de la clave de su plan es que sus socios no se conozcan entre sí, y por lo tanto no pueden hablar si son atrapados. Los nombra en una carta de colores: el Sr. White, el Sr. Orange, el Sr. Blonde, el Sr. Pink, y así sucesivamente. A Mr. Pink no le gusta su nombre. -Tienes suerte de que no seas el señor Amarillo -gruñó Cabot / Tierney-.

Eddie es también  amigo de Sr. Rubio (Michael Madsen) ,  un psicópata que acaba de salir de la cárcel y descubrimos que le divierte la violencia.

A lo largo de la conversación entre el señor blanco y el señor naranja nos enteramos que fue el primero en disparar durante el robo debido al ruido de la alarma. Se llama Vic Vega y la experiencia que tuvo en cárcel lo hizo un poco cruel, especialmente con policías.

Tras asignar Cabot los nombres respectivos, cosa que molesta especialmente al Sr. Rosa (Steve Buscemi) , un delincuente un egoísta y miserable, pero muy inteligente  que dice que es un "profesional" y pide a los otros que lo sean también. Algo que igualmente está presente en el Sr. Azul (Edward Bunker), un ladrón experimentado y el Sr. Marrón (Quentin Tarantino) , un ladrón joven y lenguaraz encargado de la conducción.

Hay igualmente que destacar la presencia sonora de la voz de Steven Wright como K-Billy DJ  un DJ del programa de radio ficticio K-Billy y el Supersonido de los 70.

Al hilo de la música decir que una parte del éxito de la película se encuentra en su banda sonora cuyo disco, Reservoir Dogs: Original Motion Picture Soundtrack  supuso un modelo a seguir en algunas de las siguientes películas de Tarantino , al menos , en cuanto su estructura de su banda sonora. La banda sonora cuenta con selecciones de canciones de la década de 1960 hasta los años 80. Sólo el grupo Bedlam grabó canciones originales para la película, un grupo de rock de Nashville de los 90 liderado por Jay Joyce, que firmó con MCA Records. Su álbum Into the Coals (en las brasas) fue lanzado en 1992. Otros miembros fueron Chris Feinstein (bajo) y Doug Lancio que interpretan  "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf, "Harvest Moon" de Jay Joyce, "Fool for Love" de Sandy Rogers.

La estación de radio "K-Billy y el Supersonido de los 70" jugó un papel prominente en la película. El DJ de la radio fue elegido Steven Wright. Tarantino ha dijo, y yo en eso estoy de acuerdo,  que siente que la música sea un contrapunto a la violencia en la pantalla y la acción. También declaró que deseaba que la película tuviera una sensación de década de los 50 con música de los 70. La lista de canciones está compuesta por "And Now Little Green Bag..." , "Little Green Bag" , "Rock Flock of Five" , "Hooked on a Feeling" , "Bohemiath" , "I Gotcha" "Magic Carpet Ride" -compusta por  Bedlam - "Madonna Speech" , "Fool for Love" ,  "Super Sounds" "Stuck in the Middle with You" , "Harvest Moon"  "Let's Get a Taco" "Keep on Truckin'", "Coconut" y "Home of Rock" .

Reservoir Dogs estaba, según Tarantino, influenciado por The Killing de Stanley Kubrick . Tarantino dijo: "No salí para hacer un remake de The Killing , pero pensé en él como algo mío". La trama de la película fue sugerida por la película Kansas City confidencial de 1952 . Además, parece estar influia por la película 1955 de Joseph H. Lewis que llevaba por título The Big Combo y por otra de Sergio Corbucci , Django, que le inspiró la escena donde un policía es torturado en una silla. Tarantino ha negado que plagiara con Reservoir Dogs y, en su lugar, prefereía hablar de homenajes como el que hace con la nominación de colores a la película de 1974, Pelham uno dos tres .

La película también contiene elementos clave similares a los encontrados en la película de 1987 de Ringo Lam, City on Fire .

El rodaje en Los Ángeles y su área no estuvo exento de problemas con alguno de los actores. En este caso, fue precisamente Lawrence Tierney que hacía de Joe Cabot al que durante la primera semana de rodaje, Tarantino le despidió después de tener una dura discusión con él, aunque después se retractó de la decisión. Algunos miembros del reparto y del equipo técnico del film recuerdan verle acudir a trabajar borracho en más de una ocasión, y rememoran la noche en que tuvieron que sacarle de un bar después de que se bajara los pantalones.

Pero el episodio más controvertido con el actor tuvo lugar durante uno de los días de descanso del rodaje. Tarantino y parte del equipo de producción tuvieron que acudir a comisaria para pagar una fianza y sacarle del calabozo, pues al parecer Tierney había amenazado con un arma de fuego a su sobrino. Edward Bunker, que interpretó al Sr. Azul, pasó gran parte de la primera mitad de su vida en la cárcel, condenado por robo de bancos, narcotráfico, extorsión, robo a mano armada y falsificación. Fue en la cárcel donde se hizo amigo de otro conocido actor con el que después Tarantino coincidiría en 'Abierto hasta el amanecer': Danny Trejo.

Tarantino sobre la narración en la que la elipsis puede casi con todo lo explica al entender que su trabajo es similar al de un novelista, y ha dicho que quería que la película fuera sobre algo que no se veía . Con respecto al título de la película reconoce que el mismo provino de un cliente de Video Archives, que pidió la película de Louis Malle en 1987, " Au revoir les enfants" , pero pronunció erróneamente el título de "Reservoir Dogs". Una variable sobre esa teoría es que fue una novia de Tarantino quién le recomendó el film de Malle, y él el que entendió mal el título. La hipótesis más plausible, no obstante, es que el cineasta se inventó una explicación para convencer a sus productores de que aquel título era genial porque 'Reservoir Dogs' era una expresión que se utilizaba en los polars franceses de la Nouvelle Vague, como 'Bande à parte' o 'Breathless' ('Al final de la escapada en su traducción al español), y que esa expresión significaba literalmente "canalla" o "rata". Como los que pagaban la película no tenían ni idea de cine francés, se creyeron la historia y avalaron el título.

Reservoir Dogs se estrenó en el Sundance Film Festival en enero de 1992. Se convirtió en la película más comentada del festival, y posteriormente fue comprada para su distribución por Miramax Films.

La película obtuvo bastantes reconocimientos como el premio al mejor director para  Quentin Tarantino en el Avignon Film Festival (1992), el premio al mejor actor secundario: Steve Buscemi en el Independent Spirit Awards (1993), donde obtuvo tres nominaciones, el Premio al nuevo director del año para Tarantino entregado por London Critics Circle Film Awards (1993).

En el Festival de Cine de Sitges (1992) se le premió a Quentin Tarantino como mejor director y mejor Guion: . Recibió el Premio Caballo de oro Quentin Tarantino en el Stockholm Film Festival (1992) y el Premio de la Crítica Internacional, el Premio FIPRESCI, para Tarantino e el Festival de Cine de Toronto (1992) . El Círculo de Críticos de Nueva York en el año 1992 la nominó a la Mejor Ópera prima

En cuanto a las críticas la revista británica de cine Empire la considera como "La película independiente más grande de todos los tiempos" . En el sitio web de agregación Rotten Tomatoes da a la película una calificación de aprobación del 90%, basada en 62 reseñas, con una calificación promedio de 8.8 / 10, mientras que en Metacritic la película tuvo una puntuación media de 78 de cada 100, basada en 23 críticas.

En el estreno de la película en el Sundance Film Festival, el crítico de cine Jami Bernard del New York Daily News comparó el efecto de Reservoir Dogs con el de la película de 1895, L'Arrivée d'un Train en Gare de la Ciotat. Bernard dijo que Reservoir Dogs tenía un efecto similar y la gente no estaba lista para ello.

Para Vincent Canby de The New York Times comentó que disfrutó con el elenco y el uso de la narración no lineal. Igualmente felicitó a Tarantino por su dirección y le gustó el hecho de que no usara a menudo los primeros planos de la película. Kenneth Turan de Los Angeles Times también disfrutó de la película y la actuación, en particular la de Buscemi, Tierney y Madsen, y dijo: "El entusiasmo palpable de Tarantino, su pasión apasionada por lo que ha creado, revigoriza esta venerable trama y, , lo involucra durante más tiempo de lo que podría sospechar.

El crítico James Berardinelli fue de una opinión similar; felicitó tanto al reparto como a las habilidades de escritura de diálogo de Tarantino. Hal Hinson, del Washington Post , también estaba entusiasmado con el reparto, felicitó a la película por su "sentido inexpresivo del humor". Para Desson Thomson del The Washington Post dijo de ella que "La película es un largo clímax. Incluso con sus flashbacks y saltos temporales, nunca decae. Tienes que remitirte al 'Le salaire de la peur', la película de Clouzot de 1952, para encontrar un suspense tan implacable"

Para Mick LaSalle columnista del San Francisco Chronicle se trataba de "Una película brutal, brutal en el mejor de los sentidos: brutalmente austera, brutalmente divertida, brutalmente brutal"

Gene Siskel del Chicago Reader comentaba que era "Una aclamadísima película revisionista del cine de gánsgers que me parece que tiene más estilo que sustancia". Desde las páginas del Chicago Sun Times Rogert Ebert comentaba "En cuanto a la película, me gustó lo que vi, pero quería más. Conozco la historia detrás de la película - Tarantino promovió el proyecto desde cero, con talento y nervios - y creo que es todo un logro para un principiante. Se hizo en un presupuesto bajo. Pero la parte que necesita trabajo no cuesta dinero. Es el guión. Habiendo creado los personajes y formado el contorno, Tarantino no hace mucho con sus personajes, excepto para dejarlos hablar demasiado, especialmente cuando deben estar inconscientes de shock y pérdida de sangre".

En la revista Todd McCarthy afirmaba que era "Un drama criminal directo, intenso y sangriento sobre un chapucero robo y sus consecuencias"

Ya en España y en concreto en las páginas del diario El País M. Torreiro decía que era un "Guión perfecto (...) gran puesta en escena", mientras que Luis Martínez comentaba que era "Sin duda, poderosa"

Por su parte, en entonces columnista del diario El Mundo, Carlos Boyero afirmaba que era "Insólita y violenta ópera prima, donde se mezclan la sangre, el talento y una apasionante estructura" .

En filmaffinity Pablo Kurt comentaba que , "para muchos -entre los que se incluye este cronista-, estamos ante la mejor ópera prima de los noventa y una de las mejores películas "independientes" del cine americano. Apenas 100 fascinantes minutos que reformulan algunos de los códigos del cine de autor de las últimas décadas. Un desconocido Quentin Tarantino sorprendió con un violento thriller sin apenas acción, de trama apasionante, ingeniosos diálogos, contundente banda sonora, puesta en escena calculada y un montaje espacio-temporal diferente. Un film genial que rebosa talento.

Pulp Fiction,

Pulp Fiction  se estrenó en España  en octubre de 1994 después de su sonoro éxito en aquel mes de mayo de ese mismo año en el Festival de Cine de Cannes donde conquistó el máximo galardón, la Palma de Oro y en aquel septiembre tras pasar también por San Sebastián. Tuvo que ser aproximadamente el día 15 de octubre cuando compré mi entrada en el Cabrera Vistarama, cuando ya esa sala daba sus estertores ante la competencia de los multicines que, por entonces, se expansionaban por la ciudad, hasta la crisis de principios de milenio. El cine, con cómodas butacas tapizadas en rojo ¿ o era azul? y con una caída correcta - no magnífica, pero razonable- para disfrutar de la sesión. Al rato escuché una voz reconocible ¡horror!, mi vecino el loco, estaba dos filas por detrás acompañado de sus amistades demenciales. Afortunadamente, se apagaron las luces, comenzó el Movierecord, se hizo la oscuridad y sólo un haz de luz empezó a inundar la pantalla.

La película comenzó, y con ella un clásico moderno que consagró definitivamente al joven cineasta , con talento, provocador y renovador del cine norteamericano y eso que tan sólo había estrenado Reservoir Dogs y era autor de dos guiones de cierto éxito -Asesinos natos y Amor a quemarropa- había logrado un buen éxito de taquilla y un puñado de críticas positivas pero todos estaban expectantes a su siguiente paso. Necesitaba demostrar que su carrera irrumpiría Pulp Fiction es una película estadounidense de 1994 dirigida por Quentin Tarantino, quien coescribió el guión con Roger Avary. Debido a sus narración no lineal, a los diálogos originales, su combinación irónica de humor y violencia extrema, y las múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, está considerada como una película de culto y una referencia dentro del cine de los noventa. Es considerada también una de las películas más representativas del cine de Tarantino, transgresora, original, Tarantiniana y que marcaría un hito. 

La dirección artística estuvo en manos de David Wasco y la producción en Lawrence Bender como representante de Miramax Films que junto con la de Tarantino, Band Apart, y Jersey Films. Contó con un presupuesto de unos 8 millones de dólares. Elementos esenciales en la película son la fotografía de Andrzej Sekuła con su trabajo de cámara y el significado que tiene en cada escena, el montaje de Sally Menke , coherente con  la estructura narrativa deseada y proyectada y un vestuario que ha quedado como icono del pop realizado por  Betsy Heimann. 

Los protagonistas son John Travolta como Vincent Vega, Uma Thurman como Mia Wallace, Samuel L. Jackson  como Jules Winnfield, Bruce Willis como Butch Coolidge, Harvey Keitel como Winston Wolfe  o el famoso "Sr.Lobo", Tim Roth como "Pumpkin" o "Ringo" , Amanda Plummer como Yolanda o "Honey Bunny", Maria de Medeiros como Fabienne,  Ving Rhames como Marsellus Wallace, Eric Stoltz  como Lance, Rosanna Arquette como Jody,  Christopher Walken como Capitán Koons.  Junto a ellos Phil LaMarr, Peter Greene, Duane Whitaker, Paul Calderon, Frank Whaley, Burr Steers , Bronagh Gallagher , Susan Griffiths , Steve Buscemi , Stephen Hibbert, Angela Jones, Julia Sweeney , Venessia Valentino , Alexis Arquette, Kathy Griffin y Quentin Tarantino.

La película empieza con una pareja de criminales sentada en una cafetería mientras desayunan, un chico "Pumpkin" o "Ringo" (Tim Roth) y una chica, Yolanda o "Honey Bunny" (Amanda Plummer). Ellos conversan acerca de su situación "laboral" y de lo arriesgado que es asaltar una licorería o una gasolinera (que es lo que normalmente hacían). En medio de la conversación surge la idea de asaltar la misma cafetería en la que están desayunando por parte de Pumpkin, la cual llegan a aceptar pactando con un beso, luego, Pumpkin inmediatamente coge una pistola que se encontraba en su cartera, mientras Honey Bunny hace lo mismo que su pareja, Honey Bunny procede a amedrentar a los clientes mientras les apunta con el arma. A continuación, al ritmo de Misirlou, vemos los créditos iniciales, que repentinamente ya al finalizar, cambia la canción a Jungle Boogie.

Tras esto nos conocemos a dos de los protagonistas Vincent Vega y Jules Winnfield . A los dos  los vemos vestidos con traje en el interior de un coche mientras se desplazan. El primero, Vincent,  es un mafioso de carácter relajado llamado Vincent Vega (John Travolta), el cual ha llegado de un viaje desde Ámsterdam. Dialoga con su acompañante, Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), acerca de los beneficios que brinda Ámsterdam para el acceso a la droga y de las pequeñas diferencias que hay entre Europa y América, por ejemplo a nivel de hamburguesas y su peso. Vincent le cuenta a Jules mientras van en coche algunas diferencias que ha encontrado entre EEUU y Europa especialmente destaca la parte sobre las diferencias entre los nombres de las hamburguesas de los McDonald's de L.A. y los de París, como la Royale with cheese (Royal con queso)

Ya fuera del automóvil, vemos que abren el maletero del coche, sacan de él sus pistolas y se las guardan. Luego se dirigen hacia un piso, mientras siguen dialogando de forma relajada, esta vez acerca de la esposa de su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames).

Cuando entran en el piso encuentran a tres jóvenes, Jules llega a dar con el nombre de uno de ellos, Brett (Frank Whaley), luego nos enteramos que han venido de parte de Marsellus Wallace. En un inicio. Jules trata amablemente a los jóvenes, alguno de los cuales está desayunando, mientras Vincent se limita a quedarse en silencio. Nos enteramos que Brett se ha rebelado contra su jefe, Marsellus

Luego Jules les pregunta donde se encuentra un supuesto maletín que fue robado por estos jóvenes, a lo que dan respuesta inmediatamente. Vincent descubre el maletín, lo abre , se ilumina o algo brilla dentro del mismo y da una rápida revisión de su interior, con lo que queda atónito.

Brett comienza a pedir perdón, lo que  produce que el estado de Jules se altere totalmente, luego Jules dispara a uno de los muchachos, Roger (Burr Steers), mientras comienza a amedrentar a Brett, al que termina disparándole en el hombro.

Jules le pregunta a Brett si lee la Biblia, a lo que él responde que sí, luego comienza a recitarle el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo . Apenas termina esto, los dos mafiosos masacran a Brett a balazos.

La siguiente historia es la de Vincent Vega y Mia Wallace, la esposa de Marsellus Wallace. En esta historia, Vincent tiene que llevar a cenar a Mia Wallace (Uma Thurman), la esposa de Marsellus, ya que él ha tenido que ausentarse.

Como preámbulo al desarrollo de esa historia conocemos en un local a Butch Coolidge (Bruce Willis) un boxeador en horas bajas que acepta una gran suma de dinero de Marsellus (Ving Rhames) para manipular un combate próximo y ganar así el dinero de las apuestas. Al rato en ese momento, Vincent y Jules llegan a entregar el maletín.

Al día siguiente, Vincent adquiere tres gramos de heroína de su proveedor  de drogas habitual y amigo suyo, Lance (Eric Stoltz) que está con dos chicas, entre ellas Jody (Rosanna Arquette). Consume una cierta cantidad y guarda el resto en su abrigo.

Tras esto va a casa de los Wallace. No lo recibe directa,ente Mia, sino que  le habla por un micrófono Poco después va a conocer a la señora Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent queda impresionado con ella.

Tras recoger a Mia, van a cenar en un restaurante temático de ambiente  de los 50 y 60, en el que pueden aparece Lana Turner, Elvis o Marilym Monroe (Susan Griffiths)  incluso participan en un concurso de baile - que queda como modelo de baile-. A continuación, vuelven a la casa de Wallace con el trofeo.

Mientras que Vincent siente una tensión sexual hacia Mia y mientras él está en el baño hablando con el espejo y reflexionando sobre si debe o no enrollarse con ella y sigue en el baño, Mia encuentra la heroína, y creyendo que era cocaína, la inhala y tras resoplar le produce una sobredosis y colocando al personaje de Travolta en una situación realmente embarazosa.

Vincent le dice por teléfono al vendedor de la heroína que tiene una persona con sobredosis en el vehículo y que necesita de su ayuda. Vincent va a casa de Lance, el vendedor de drogas. El vendedor por su parte  rechaza ayudarle por el teléfono pero Vincent estrella su coche contra el garaje.

Luego de una rápida discusión el vendedor prepara adrenalina para inyectarle, pero tienen duda sobre quién la inyectaría, ya que ninguno sabía hacerlo. Finalmente Vincent recibe las instrucciones del vendedor y termina inyectándole con un pinchanzo directo de adrenalina en el corazón provocando una reanimación espontánea. Mia vuelve así de la muerte. Al final, Vincent termina fuera de problemas.

Comienza ahora lo que se ha venido en llamar el Preludio a "El reloj de oro". La historia va al pasado. Conocemos a un pequeño Butch Coolidge, el futuro boxeador, que ve la televisión, y que es interrumpido por la llegada de un veterano de la guerra de Vietnam, el Capitán Koons (Christopher Walken). Koons explica que le ha traído un reloj de oro que ha sido transmitido de generación en generación a los hombres de la familia Coolidge desde la Primera Guerra Mundial.

Koons le informa que su padre había muerto de disentería en un campo de prisioneros de guerra, y que como último favor, su padre le había pedido que lo escondiera (para lo cual tuvo que ponérselo en el recto durante dos años) con el fin de entregárselo a Butch.

Una campana suena, despertando a un adulto Butch (Bruce Willis) de su sueño. Él está vestido preparado para iniciar un combate de boxeo y que está listo para un combate.

Tras ello comienza la historia presente de Butch Coolidge (Bruce Willis) conocida como El reloj de oro. Es la historia de la traición de Butch  a Marsellus Wallace, pues incumple con lo pactado,  y su problemática huida de la ciudad.

Por lo pronto, Butch gana el combate, cuando parecía que lo iba a perder. Tras huir no se olvida de su reloj , que lo que más cuida . Tras esto toma un   taxi, cuya conductora es una colombiana, Esmarelda Villalobos (Angela Jones) y que lo lleva a un motel de la ciudad.Nos enteramos que Butch , en vez de perder en el quinto asalto, como estaba pactado con Wallace, decide noquear a su oponente y recibir una jugosa suma de dinero resultado de unas apuestas a favor de sí mismo.

Una vez llega al motel se encuentra con su amada, Fabienne (Maria de Medeiros), una chica tierna y delicada que habla con acento francés con la que había preparado la huída. Tras hacer el amor, Butch descubre que Fabienne, mientras ha preparado la matea con sus cosas, se ha olvidado del reloj de su padre y monta en cólera.

Tras huir al motel, Butch tiene que volver a su apartamento en Los Ángeles a por su reloj de oro que se le había quedado olvidado a Fabienne. Regresa a su apartamento, recupera el reloj, pero antes de salir se da cuenta de que hay un arma de fuego en la encimera de la cocina. Al oír el inodoro, Butch toma el arma y dispara sobre Vincent Vega, que aparentemente había sido enviado por Marsellus Wallace para liquidar a Butch por estafarle. Butch aprovecha para matar a Vincent cuando sale del servicio y está desarmado, matándolo tras recibir una buena ráfaga después de que éste salga del baño.

Al salir del apartamento, sube a su coche y conduce de vuelta al motel, pero parado en un semáforo y ya de camino se encuentra con Marsellus Wallace, que lo reconoce y saca una pistola, ante eso Butch decide atropellar al jefe del clan, Butch choca y queda inconsciente.

Cuando despierta, Wallace lo persigue con una pistola, Butch herido y algo desorientado corre por las calles angelinas y se esconde en un local no sin antes comienzar una pelea con Wallace. En su enfrentamiento entran a una tienda de antigüedades o casa de empeño, donde el dueño, Maynard, al ver la pelea, los deja inconscientes. Cuando despiertan, están atados y amordazados en unas sillas en la parte trasera de la tienda, frente a ellos están Maynard y un sujeto llamado Zed (Peter Greene).un guardia de seguridad.

Ambos están discutiendo de qué van a hacer con sus víctimas, al final el elegido es Marsellus Wallace.; se llevan a Marsellus a otra habitación con el fin de violarlo. Despiertan al "Tarado", "The Gimp", para que vigile a Butch , una figura silenciosa con traje de servidumbre sadomasoquista, un esclavo sexual vestido y lo ponen en la habitación para que Butch no escape. Maynard y Zed se meten en otra habitación con Marsellus. Finalmente, después de forcejear con las cuerdas que lo ataban, Butch logra desatarse, golpea y deja inconsciente al Tarado y se dirige a la entrada de la tienda.

En el momento en que va a salir, y ya que está a punto de huir, Butch decide salvar a Marsellus al escuchar los gritos de los violadores , así que elige entre todas las armas de la tiempo ( despreciando un  martillo hasta una Motosierra), una katana y vuelve a la habitación, entrando al cuarto y matando a Maynard. Zed se aparta de Marsellus (al que estaba sodomizando) y Butch lo amenaza con la katana.

De repente, Marsellus sale con la escopeta de Maynard y le dispara en los genitales a Zed. Ambos deciden qué sucederá con la situación del dinero, no sin que antes Marsellus emita una serie de amenazas contra Zed, donde anuncia que va a llevar a la tienda "a dos negros empapados en crack". Por salvarle la vida, Butch queda perdonado con tal de que abandone Los Ángeles con la condición que le pone Marsellus : nunca podrá decir a nadie lo de la violación.

Butch sale de la tienda, tomando la motoc de Zed y vuelve al Motel, recoge a Fabienne y salen de la ciudad, ella le pregunta de dónde sacó esa motocicleta, él le responde que es de Zed, ella pregunta: "¿Quién es Zed?, Butch responde: "Zed está muerto nena, Zed está muerto".

Tras este capítulo la historia se desplaza a un tiempo anterior y se conoce con el nombre de La situación con Bonnie.

Nos encontramos otra vez en el apartamento en el que Vincent y Jules matan a Roger y a Brett, donde termina una de las primeras escenas anteriores. De repente aparece un cuarto hombre del baño (Alexis Arquette) quien vacía un cargador sobre ellos sin llegar a darles ni en una sola ocasión. El cuarto hombre es seguidamente asesinado por Vincent y Jules. Jules decide que esta suerte de escapar es un milagro, algo que le rebate Vincent.

Después de salir del edificio con Marvin (Phil LaMarr), que en realidad era amigo de Jules, suben al coche. Mientras van hablando y encuentran un bache por lo que  Vincent accidentalmente dispara en la cabeza a Marvin. Luego de una áspera discusión por dicho descuido, terminan yendo a casa de un amigo de Jules, Jimmie (Quentin Tarantino) donde esconden el coche.

Una vez allí Vincent y Jules se relajan, desatando el enojo de Jimmie quién se encuentra alterado puesto que su esposa, Bonnie (Venessia Valentino), está a punto de llegar y encontrar semejante situación, la cual derivaría en un divorcio seguro.

Jules se apresura a contactar a Marsellus quién a su vez se comunica con el Sr. Winston Wolfe (Harvey Keitel), el Sr. Lobo, un hombre elegante, educado e inteligente que se dedica a resolver problemas en el mundo de la mafia y goza de un alto renombre por su eficiencia con ello. Wolfe acude rápidamente al lugar para ayudarlos.

En todo momento Vincent no para de cometer errores, desde ensuciar las toallas de Jimmie hasta casi ofender al Sr. Lobo por lo que Jules termina discutiendo fuertemente con él cuando limpian el auto. Gracias a la planificación y rápido modo de actuar - limpiando el coche, ocultan el cuerpo en el maletero, y disponen de su ropa manchada de sangre. terminan por ocultar las pruebas y solucionar el inconveniente tras deshacerse del cadáver en una chatarrería perteneciente a un contacto del Sr. Lobo. Finalmente Jules y Vincent deciden ir a desayunar.

El desayuno viene a ser el Epílogo de la historia. En la última escena nos encontramos a  Jules y Vincent desayunando en una cafetería, y vuelven a discutir , en este caso, acerca de la decisión de Jules de retirarse. Esto se debe a que Jules acaba de plantearse la retirada de su vida de crimen, teniendo como coartada la supervivencia "milagrosa" tras lo ocurrido en la casa.

En un breve corte, vemos a Pumpkin y a Honey Bunny poco antes de iniciar el asalto de la primera escena de la película.

Mientras que Vincent está en el baño, Pumpkin y Honey Bunny inician el asalto a la cafetería. Pumpkin ordena a los clientes que depositen sus pertenencias de valor en una bolsa de basura hasta llegar a Jules, a quien le ordena que le dé su maletín.

Jules sorprende a Pumpkin (a quien él llama "Ringo") sujetándolo mientras le apunta a la cara con la pistola. Honey Bunny, histérica, ordena a Jules que suelte a su pareja mientras lo amenaza con su arma.

Vincent sale del baño con su arma apuntándo a Honey Bunny. Repitiendo el versículo pseudobíblico, Jules expresa la ambivalencia acerca de su vida de criminal. En su primer acto de redención, permite que los dos ladrones tomen el dinero que han robado y huyan, simbólicamente comprando el perdón y la vida de los asaltantes. La película termina con Jules y Vincent saliendo de la cafetería portando el misterioso maletín. Acabando así la película.

Quentin Tarantino escribió el guion de Pulp Fiction a finales de 1992 en un apartamento de Ámsterdam, donde no había teléfono ni fax. Allí se había refugiado y decidido establecerse gracias a un contrato de novecientos mil dólares con TriStar para escribir el guión de su nuevo trabajo, En la ciudad holandesa se recluyó durante varias largas semanas con la finalidad de volcar todos sus esfuerzos en el guión de ‘Pulp Fiction’. Escribiendo en un mugriento apartamento con su vieja máquina de escribir, encontró su inspiración para desesperación de su manager, Cathryn Jaymes en Hollywood.

De vuelta a Los Ángeles, contó con la ayuda de Linda Chen, secretaria del guionista y director de cine Robert Towne, que le ayudó a mecanografiarlo y así de esta manera ser más fácil moverlo entre los productores de Hollywood.

El primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Los ejecutivos de TriStar Pictures rechazaron el guion de un Tarantino, que ya tenía un cierto prestigio, tras Reservoir Dogs y los guiones de True Romance y Natural Born Killers. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ sería un éxito. Y Miramax se hizo cargo de la producción definitiva.

Comentar que previamente Tarantino y su productor, Lawrence Bender ,llevaron  el guión a Jersey Films, la productora dirigida por Danny DeVito , Michael Shamberg y Stacey Sher . Jersey había intentado firmar a Tarantino para su proyecto. . Tras un  acuerdo entre Jersey Films y Tarantino con la aportación de  $ 1 millón de dólares este creó  A Band Apart , Bender y la productora de Tarantino, Más tarde, Pulp Fiction apareció en una  lista de películas en preproducción de TriStar. pero al considerar el guión demasiado largo y violento concluyeron que era imposible de filmar.  Tras esto Bender llevó el guión a Miramax , y Harvey Weinstein -co-presidente de Miramax, junto con su hermano, Bob, dieron la luz verde y fue presupuestado en $ 8,5 millones, convirtiéndose en la primera película que Miramax financiada en su totalidad.

Para el papel de Vincent Vega inicialmente iba a llamarse Vic Vega. Michael Madsen iba a repetir el papel que interpretó en Reservoir Dogs , pero eligió aparecer en la Kevin Costner Wyatt Earp algo que, declaró, siempre se arrepintió. Finalmente, el papel pasó a llamarse Vincent Vega. Steven Seagal y Mel Gibson fueron considerados para el papel antes de que John Travolta fuera escogido para el rol. Fue , pisiblemente, la mejor decisión profesional de su carrera dado el éxito de la película y la nominación de la Academia al mejor actor lo que revitalizó su carrera.

El papel de Mia Wallace iba a ser considerado por Molly Ringwald, Meg Ryan, Holly Hunter - como planteó Miramax- , Patricia Arquette, Isabella Rossellini, Meg Tilly, Alfre Woodard, Amy Irving, Kim Basinger y Melanie Griffith. También se pensó en Meg Ryan, Michelle Pfeiffer, Bridget Fonda y Helen Slater. Tarantino pensó brevemente en Julia Roberts para el papel de Mia, pero su salario era demasiado alto para una película de bajo presupuesto. Finalmente Uma Thurman fue escogida para el papel después de varias audiciones y se convirtió más tarde en la musa y estrella en las dos Kill Bill

Para el papel de Jules Winnfield Tarantino había escrito el mismo con Samuel L. Jackson en mente. Jackson recibió una nominación al Oscar al mejor actor secundario.

El papel de Butch Coolidge inicialmente iba a ser protagonizado por Harrison Ford. Después de que Ford abandonara el proyecto, Tarantino pensó brevemente en Sylvester Stallone o Michael Biehn, hasta que Bruce Willis fue escogido para el papel. Willis era una gran estrella, pero la mayoría de sus películas recientes habían sido decepciones para la crítica y taquilla.

Según lo descrito por Peter Bart , teniendo un papel en la película de bajo presupuesto "significaba la reducción de su salario y arriesgar su estatus de estrella, pero la estrategia [...] dio sus frutos magníficamente: Pulp Fiction no sólo trajo Willis nuevo respeto como actor, pero también le valió varios millones de dólares como resultado de su participación bruta ". Era la mayor estrella del proyecto y la que generaba más coste.

Harvey Keitel como Winston Wolfe fue escrito específicamente para Keitel, que había participado en Reservoir Dogs y en palabras del realizador, "Harvey había sido mi actor favorito desde que tenía 16 años ." algo parecido ocurre con Tim Roth había actuado en Reservoir Dogs junto Keitel. También el papel de Amanda Plummer. Igualmente a Christopher Walken aparece en una sola escena dedicada al monólogo del veterano de Vietnam sobre el reloj de oro.

La película se rodó entre el 20 de septiembre y 30 de noviembre de 1993 en diversas localizaciones de California tales como Hawthorne Grill , Culver City, Los Ángeles, Sun Valley, Berverly Hills, Pasadena o Glendale,

Para la película no hubo ninguna composición específica, sino una selección musical muy ecléctica de música surf , el rock and roll , soul , y canciones pop. La película sirvió como referencia cultural para el "renacimiento" o revival del Surf Rock Instrumental perdido a mediados los años 60's, debido a la inclusión en el soundtrack de piezas clásicas del género como Misirlou de Dick Dale & His Del-Tones y Surf Rider de The Lively Ones. El título del álbum es Music from the Motion Picture Pulp Fiction,  y además de la anterior contiene cortes musicales como Jungle Boogie de Kool & The Gang Let's Stay Together con  Al Green; Bustin' Surfboards de The Tornadoes, Lonesome Town de Ricky Nelson; Son of a Preacher Man de Dusty Springfield; Bullwinkle Part II de The Centurians; You Never Can Tell de Chuck Berry;  Girl, You'll Be a Woman Soon con Urge ; Overkill If Love Is A Red Dress (Hang Me In Rags) con  Maria McKee; Comanche como The Revels Flowers ; On The Wall de The Statler Brothers ; Personality Goes A Long Way, Surf Rider y  The Lively Ones .

Tras su  estrenó, en el festival de cine de Cannes de 1994,   donde recibió la Palma de Oro. la película fue un éxito de público y consiguió una recaudación de más de 213 millones de dólares siendo una delas  películas más taquilleras del bienio 1994-1995.

La película se estrenó el 14 de octubre de 1994 en los Estados Unidos, con grandes elogios por la crítica.

La película es recordada por algunas de sus escenas famosas como el baila entre Vincent Vega y Mia. Curiosamente dicha escena estuvo a punto de ser suprimida porque a Uma Thurman le entró una crisis de ansiedad, ya que no creía que pudiese estar a la altura de John Travolta en el baile. O en el pasaje bíblico de Jules que recita antes de asesinar a alguien el pasaje bíblico del libro de Ezequiel, capítulo 25 versículo 17. Este paisaje es un icono cinematográfico, si bien el pasaje de la película es diferente del real, ya que de todo el recitado, sólo la frase (en su versión original) "(...) and you will know my name is the Lord, when I lay my vengeance upon thee" corresponde al mencionado versículo, mientras que el resto es ficticio. La frase fue escrita por Tarantino para darle (y con razón) más fuerza a la escena.

El guión incluye un par de marcas comerciales confeccionados que característica a menudo en posteriores películas de Tarantino : hamburguesas Big Kahuna (una taza de soda Big Kahuna aparece en Reservoir Dogs .) y cigarrillos Red Apple

Después hay auténticas leyendas urbanas sobre la misma como la famosa cartera con el Bad Motherfucker de Jules que era, también, de Tarantino y se la prestó para la escena. Algo parecido ocurre con el coche, ya que en varios momentos de la película Vincent habla de su coche, un Chevrolet Malibu de 1964. La cuestión es que el coche pertenecía, en realidad, al mismísimo Quentin Tarantino y fue robado poco después del rodaje de la película, en 1994. No apareció hasta veinte años después y por pura casualidad. Irónicamente, uno de los posteriores propietarios del coche, que se lo compró a un coleccionista sin sospechar nada, gastó casi $40.000 dólares en repararlo, por lo que el coche volvió prácticamente intacto al director casi dos décadas después. O la maleta en cuyo interior había dos pilas y unas bombillas o como dijo Tarantino que años afirmó que hay "exactamente lo que el espectador quiere que haya". O la tirita que aparece en el cuelo de Marsellus Wallace y es que Ving Rhames, el actor que dio vida a Wallace, se cortó mientras se afeitaba la cabeza y a Tarantino le gustó tanto cómo le quedaba que le pidió que no se la quitase.

Es una de las escenas más icónicas de Pulp Fiction y, aunque aparece tanto al principio como al final de la película, ambas son ligeramente distintas porque se rodaron dos veces, una para cada momento. Y aunque no suele ser común en el rodaje de una película, la primera escena fue también la primera en grabarse. La escena del Capitán Koons fue la última en rodarse y además Christopher Walken la hizo a pelo, sin practicarla. Para que no se le secase la boca mientras hablaba, utilizó un viejo truco de Hollywood: ponerse tabasco en los labios.

La escena en la que el personaje de Travolta, Vincent Vega, ensarta una jeringa con adrenalina en el pecho de Mia (Uma Thurman) para revivirla de la sobredosis se filmó a la inversa: Travolta tiró de la jeringa desde el pecho y luego la cinta se proyectó al revés.

Las idas al baño en esta cinta anuncian malas noticias. Cada vez que el personaje de John Travolta, Vincent Vega, va a enpolvearse la nariz, ocurre una tragedia. Durante sus tres idas al baño, Mia Wallace (Uma Thurman) sufre una sobredosis; unos ladrones sitian el restaurante en el que él y Jules están desayunando, y Butch Coolidge, el personaje de Bruce Willis, lo ataca.

Algunas de las películas de Tarantino comparten un universo común. Es el caso de Vincent Vega en Pulp Fiction y Vic Vega en Reservoir Dogs, que son en realidad hermanos. Se ha especulado de hecho con una precuela a ambas películas llamada The Vega Brothers.

También la película es homenaje a película precedentes como el Goodfellas de Martin Scorsese y  la secuencia de entrada de Vincent Vega en el Jack Rabbit Slim's, realizando un largo plano-secuencia mediante una steadicam, o punto de partida de otras películas del mismo Tarantino .  También cierto homenaje a Psiscosis cuando cruza por Marsellus se encuentra con Butch pasando por el paso de cebra.

Por ser Pulp Fiction , una película independiente con un presupuesto bastante modesto de millón y medio de dólares, la mayoría de estrellas que aparecían en la misma, como Bruce Willis o Uma Thurman, grabaron las escenas correspondientes en los huecos que les dejaban las otras películas que se encontrasen haciendo en ese momento. Para ajustar presupuesto, también, todos los actores cobraron lo mismo, "sólo" $20.000 dólares por semana. También recibieron parte de los ingresos de la película que acabó cosechando $214 millones de dólares en taquilla.

Desde el principio se vio la potencialidad de la película. Ya en  mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, consiguió la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, incluyendo mejor película, si bien solo ganó el Óscar al mejor guion original.

Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones como dos  Premios BAFTA al mejor actor secundario (Samuel L. Jackson) y al mejor guión, aunque obtuvo nueve nominaciones.

En los Premios Cesar fue nominada a la mejor película extranjera , En los Premios David di Donatello se premió al mejor film y al actor extranjero para Travolta.

Tuvo tres nominaciones en los National Board of Review entre ellos a la mejor película (ex-aequo) El Círculo de Críticos de Nueva York la valoró premiándolo con el  premio al mejor director y mejor guión.

La Asociación de Críticos de Los Angeles la premió con la mejor película, director, actor y guión El Sindicato de Actores nominó al mejor actor (Travolta), al actor secundario (Jackson) y actriz secundaria (Thurman)

La Asociación de Críticos de Chicago la premió con el premio al mejor director y Mejor guión

Henry Giroux profesor y director del Waterbury Forum in Education and Cultural Studies de la Universidad de Pennsylvania y uno de los teóricos de la pedagogía crítica, explica en su libro Cine y entretenimiento, elementos para una crítica política del film lo siguiente, entre otros argumentos: [...] cómo Tarantino articula en esas películas una amoralidad que legitima la ideología neoconservadora de los años noventa, coherente con lo que Ruth Conniff ha llamado una cultura de la crueldad; es decir, el creciente desprecio de la sociedad norteamericana hacia los pobres, los que están privados de derechos civiles y los desheredados. Pulp Fiction se apropia del crimen y la violencia como una presencia cotidiana que convierte en cine popular pero, con ello, Tarantino produce una política racialmente codificada, culturalmente reaccionaria y una pedagogía que transforma la insensibilidad neoconservadora y el desprecio de las clases más bajas en una representación a la moda de la vanguardia artística". La película es universalmente reconocida por crítica y público como una de las mejores de toda la historia del cine y es, quizás, el principal referente de la cultura popular contemporánea, formando muchos de sus diálogos o escenas parte de acervo occidental.

En FilmAffinity está en el puesto número diez de las mejores películas de todos los tiempos, mientras que en IMDb está en el quinto puesto. En la primera Pablo Kurt nos dice que "Tras firmar con "Reservoir Dogs" (1992) una de las más geniales óperas primas jamás realizadas, Quentin Tarantino confirma su talento único en esta brillantísima película de acción, con diálogos y toques de comedia delirantes ("Soy el Sr. Lobo, resuelvo problemas") al lado de escenas que rayan lo desagradable por su violencia y crudeza. Maravillosamente filmada, de nuevo sorprende su estructura narrativa en un desborde de creatividad estética y guiños cinéfilos de enorme impacto en crítica y público. Un póster perfecto, el misterioso maletín como MacGuffin, una banda sonora impecablemente elegida, un comienzo en una (otra) cafetería inolvidable, John Travolta bailando... Son innumerables los hallazgos de esta sinfonía audiovisual pop que reinventa (o se inventa) una fusión de códigos y géneros para alumbrar todo un clásico del cine moderno.

Para Roger Ebert en el Chicago Sun-Times nos comenta que "Al igual que 'Ciudadano Kane', 'Pulp Fiction' está construida de una manera no lineal, podrías verla una docena de veces y no ser capaz de recordar lo que viene después"

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle señala que "Es una gozada de principio a fin. Es el equivalente en película de esas pocas novelas en las que vas comprobando cuántas páginas te quedan con la esperanza de que haya más, y no menos"

Michael Wilmington en Chicago Tribune afirma que "'Pulp Fiction' no es sólo divertida'. Es tremendamente divertida"

Mike Clark de USA Today sostiene que "Para tratarse de una brutal comedia negra sobre sicarios de L.A., 'Pulp Fiction' se desmarca de su género con deliciosas locuras"

Para  Richard Corliss en Time la película "Se eleva por encima de las otras películas del año tan majestuosamente y amenazadoramente como el jefe de una pandilla en una escuela preescolar" 

Anthony Lane del The New Yorker entiende que "La arquitectura de 'Pulp Fiction' puede parecer sesgada y tensa, pero sus adornos son muy divertidos"

Kenneth Turan en Los Angeles Times afirma que "Algunas secuencias (...) tienen la incómoda sensación de desesperación creativa de alguien que tiene miedo de perder su reputación si no consigue encontrar alguna forma de ofender la sensibilidad"

Janet Maslin en el  The New York Times entiende que es "Un triunfante y hábilmente desconcertante viaje a través de un submundo que surge enteramente de la madura imaginación del Sr. Tarantino, un paisaje de peligro, conmoción, hilaridad y vibrante colorido".

En Gran Bretaña, James Wood , en The Guardian , nos dice que "Tarantino representa el triunfo final de la posmodernidad , que es vaciar la obra de todo el contenido, evitando así su capacidad para representar nuestras agonías .... Sólo en esta edad podría un escritor tan talentoso como Tarantino producir obras de arte tan vacua, tan completamente despojado de cualquier política, metafísica, o interés moral. "

En  España Miguel Ángel Palomo Diario escribió en El País que "Tan alabada como denostada, es una sinfonía pop que funciona por acumulación y en la que todo vale salvo el rigor."

Como afirma Gabriela Fleitas en un estudio sobre Pulp Fiction que está en Internet "El montaje se vale de saltos temporales, el ritmo interno que se ancla en aquello que más relevancia tiene en el contenido dramático de cada secuencia, lo que hace de esta historia sobre lo burdo de la cultura y la violencia, un relato que simula ser caótico como el mundo que representa".

Jesús León en blog de cine nos comenta que Tarantino supo exprimir su peculiar universo cultural, sus experiencias y su enorme talento para el diálogo en un guión que quería romper con los moldes. Tanto en la narrativa, en la que mostraba una nueva forma de mostrar una historia violenta y de gángsters (pero con apenas cinco minutos de violencia explícita en todo el metraje), como a la hora de aglutinar referencias, dotarlas de su personal visión y mostrarlas de un modo del todo fascinante, brillante y con un dominio de la narración inesperado. 

Aunque mucho de ‘Pulp Fiction’ se apunta ya en ‘Reservoir Dogs’, aquí Tarantino prescinde de la atmósfera claustrofóbica para presentarnos una historia fragmentada, pero hilada con unos diálogos sobresalientes, que hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante. 

Gran dominador del tiempo, de la acción, de los diálogos, de la construcción de personajes, Tarantino extrae con suma inspiración un puñado de escenas inolvidables (el baile, el monólogo de Walken, la adrenalina inyectada…). (...)  Tan sólo entretener, divertir y ofrecer un espectáculo de fuegos artificiales sublime a base de un guión sólido. 

(...)  Tarantino dota a sus personajes de alma, de personalidad y lo consigue no sólo dibujándolos con suficiente tino en el papel, sino también trasladando su esencia con un puñado de actores a los que sabe sacarles lo mejor de sí mismos. Ni que decir tiene, que la recuperación de un John Travolta denostado y olvidado para el cine, es obra de Tarantino. De su apuesta personal y de darle un personaje inolvidable. Pero en general, la película posee un reparto coral muy inspirado, sobresaliente. Desde un Bruce Willis memorable a una fascinante Uma Thurman o un locuaz evangélico y despiadado Samuel L. Jackson. 

Como película violenta y criminales, Tarantino no renuncia a mostrar escenas repletas de sangre, de acción o de mostrar con gran detalle las drogas y su consumo. Consigue virtuosidad en su puesta en escena de forma provocativa, pero también midiendo con especial cuidado. Es más violento lo que sugiere que lo que muestra (como ya hiciera en la famosa cercenación de oreja en ‘Reservoir Dogs’), y eso que ahora intentaba homenajear a su añorada revista Black Mask, donde el asesinato, la sangre y los bajos fondos eran los ingredientes principales.

La película es un clásico contemporáneo. Una joya por su montaje que cuenta con  un guión monumental, con una fantástica fotografía, unida a una magnífica dirección. Lo dicho, todo un clásico.