Mr & Ms. Bridge

Decepcionante película de James Ivory titulada Mister and Misses Bridge, aunque en España se llamó Esperando a Mister Bridge. La película responde a la concepción del cine literario que tiene este director pero lo que es cierto es que en esta ocasión no deja de ser una narración elegante pausada muy acorde con los papeles que interpretan tanto Paul Newman como su mujer en la vida real Joanne Woodward, aquí dando una más magistral lección como actriz. El personaje de India Bridge o la Sra. Bridge (Joanna Woodward) está basado en la madre de Connell, Ruth Connell.

Se trata de una película del año mil novecientos noventa y en la misma se nos cuenta como son la señora y el señor Bridge dos ricos residentes de cansas de los años cincuenta. Ambos viven en el distrito Country Club de Kansas City, Missouri , durante las décadas de 1930 y 1940. 

Los Bridge se enfrentan a costumbres y expectativas cambiantes. Ellos viven anclados en el pasado  y su mentalidad responde a la  lógica de la década de los años veinte. Sus tres hijos lógicamente nos adaptan a esa concepción de vida. Estas son la bella Ruth (Kyra Sedgwick ) la inteligencia Carolyn (Margaret Welsh ) y el obstinado Douglas ( Robert Sean Leonard ). Siempre son tratados como si fueran adolescentes

El señor Bridge, Walter Gene Bridge, (Paul Newman) es un prestigioso abogado que tiene un rígido carácter e ideas conservadoras que tratos su esposa una mujer cariñosa y sensible que ha consagrado íntegramente su vida a su familia como una propiedad y a sus tres hijos con bastante dureza. Su actitud altiva provoca un sentimiento ambivalente pues por un lado sus ideas arcaicas ah provocan un sentimiento de cierto malestar en la gente que lo rodea pero por otra su cabezonería resulta a veces divertida.

La señora Bridge se esfuerza por mantener la visión del mundo de su mejor amiga, Grace , a pesar de la distancia emocional de su marido y el afán de sus hijos por adoptar una visión del mundo más moderna que la suya.

El director californiano James Ebory sea encumbrado como uno de los grandes talentos en el trato psicológico de sus personajes y en la perfecta descripción ambiental de las épocas narradas visualmente. En su haber destacan películas como Oriente y Occidente las bostonianas la mítica una habitación con vistas o el retorno a Howard End´s o lo que queda del día. Todas ellas son respetables adaptaciones literarias con la colaboración de su habitual guionista Ruth Prawer Jhavala. El guión está basado en la novela de Evan S. Connell del mismo nombre. Está dirigida por James Ivory , con guión de Ruth Prawer Jhabvala y producida por Ismail Merchant .

En el año 1986 Ivory que por su plasticidad se asemeja más a un realizador británico fue galardonado con tres Osar de Hollywood por Una habitación con vistas. 

Joanne Woodward leyó la primera de las dos novelas de Connell cuando se publicó en 1959 y durante muchos años esperó adaptarla a una producción televisiva. Originalmente, no tenía intención de interpretar el personaje de la Sra. Bridge debido a la diferencia de edad, pero a finales de la década de 1980, cuando desarrollar el proyecto resultó difícil, ese ya no era el caso. 

Después de una cena en la que James Ivory conoció a los Newman por primera vez, decidieron adaptar los libros al largometraje. Una vez terminado el guión, Paul Newman aceptó interpretar al Sr. Bridge, lo que le permitió obtener suficiente financiación para rodar la película. 

Estimado en 7,5 millones de dólares, con 500.000 dólares destinados inmediatamente al pago de intereses de los préstamos, se consideró un presupuesto muy modesto, pero también concedió a Merchant e Ivory la libertad de hacer la película como quisieran. En la misma se implicaron Miramax, Cineplex-Odeon Films, Merchant Ivory Production y Robert Halmi. Todo el equipo cobraba salarios muy bajos, mientras que Newman y Woodward cobraban salarios mucho más bajos de los que estaban acostumbrados. 

Con la excepción de una escena en París y otra que aprovechó una nevada en Toronto, Mr. & Mrs. Bridge se rodó íntegramente en Kansas City, Missouri , en las mismas calles por las que Connell habría transitado cuando era niño y adolescente. 

Llama la atención las limitaciones presupuestarias de la película. Se utilizaron casas reales, auditorios y edificios de oficinas como decorados. La residencia utilizada como casa Bridge está al oeste de Loose Park en W. 54th St. También hay una escena ambientada en la bóveda del antiguo First National Bank; Ahora la Biblioteca Central, la misma bóveda ha sido reutilizada como Bóveda de Películas Stanley H. Durwood.  Gran parte de la película se rodó con la idea de ahorrar dinero. Por ejemplo, cuando filmaron el despacho de abogados del Sr. Bridge en una sola mañana, cambiaron los muebles, el maquillaje y la ropa de Newman cada hora a medida que las escenas saltaban a través de la primavera de 1932, el otoño de 1938, el invierno de 1945 y el verano de 1938. 

Las limitaciones presupuestarias también impidieron que el departamento de arte alquilara sus decorados, lo que los obligó a depender de préstamos y donaciones. Brunschwig & Fils donó telas y papel tapiz por valor de 100.000 dólares, Glen Raven Mills de Carolina del Norte donó material para toldos de época y Benjamin Moore donó 100 galones de pintura. Un bufete de abogados local prestó una docena de lámparas Tiffany y pinturas de artistas de Kansas City de la década de 1930. 

El propio Merchant tomó prestadas mesas de bridge de una mujer de la sociedad local y un escritorio utilizado por el fundador de las tarjetas de felicitación Hallmark de su hijo, que entonces era director de la empresa. 

Según el diseñador de producción David Gropman, la casa de los Bridges estaba llena de pertenencias personales de la familia Connell, y la hermana de Evan Connell, Barbara Zimmermann, prestó toda su porcelana, toda su colección de plata, sus adornos para el árbol de Navidad y su cafetera. . En el dormitorio de Douglas Bridge se puede ver una lámpara que Evan Connell hizo cuando era niño, mientras que los sujetalibros de mármol que solían pertenecer al padre de Evan Connell se utilizaron para vestir el despacho de abogados del Sr. Bridge. 

La diseñadora de vestuario Carol Ramsey también tuvo que pedir prestado todo el vestuario de la producción, incluidos fajines por valor de 4.000 dólares, insignias al mérito, pañuelos tallados a mano y broches de Boy Scout de 1938 para la ceremonia Eagle Scout de Douglas Bridge. 

Los sastres londinenses Gieves & Hawkes aceptaron confeccionar todo el vestuario de los personajes masculinos de la película a cambio de un crédito en la pantalla. 

Ivory en una entrevista al The New York Times señalaría que "El mundo del Sr. y la Sra. Bridge es el mundo en el que crecí... Es la única película que he hecho que trata sobre mi propia vida, mi infancia y adolescencia. Cuando hablábamos de ello, lo mismo parecía ser cierto también para Paul y Joanne. Hablamos mucho sobre modales, sobre cómo se hacían las cosas antes". 

Cuando Ivory fue homenajeado en el Festival de Artes Cinematográficas de Houston en 2014, presentó Mr. & Mrs. Bridge como una de sus favoritas, y agregó que era la película que más le gustaría ver reevaluada: "Tenía una historia maravillosa, un guion fantástico". y una actuación fabulosa. Así que el hecho de que no fuera tan bien recibido como algunos de los otros fue decepcionante. Tal vez haya algo inherentemente deprimente en lo que los estadounidenses piensen, al mirar detenidamente al Sr. y la Sra. Bridge. Cuando se estrenó, "Tuvimos grupos focales después de la película. Y había una brecha de al menos un par de generaciones entre el público y la familia sobre la que Connell había escrito. La gente no podía entender por qué la señora Bridges actuaba de esa manera, porque no sé cómo era la vida estadounidense en los décadas de los años 30 y 40. 

Johnathan Rosembaum del The Chicago Reader escribió: "No soy un gran fanático de James Ivory, pero esta adaptación de 1990 de las novelas de Evan S. Connell merece ser vista y apreciada por al menos un par de razones: primero, por la exquisita y multicapa de Joanne Woodward. y una interpretación llena de matices, y en segundo lugar por la retención por parte de la guionista Ruth Prawer Jhabvala de gran parte de la forma episódica y de capítulos cortos de los libros. Es cierto que ella e Ivory han atenuado muchos de los aspectos más oscuros, pero como critica del The Village Voice,  Georgia Brown,  ha sugerido, la humanización de su personaje por parte de Woodward en realidad mejora con respecto al original. La imaginación y la compasión de Connell con respecto a este personaje tienen sus límites, y Woodward los supera triunfalmente". 

Vincent Canby del The New York Times elogió la película y la calificó como "un intento vigoroso, ingenioso y satírico de dar forma dramática a dos obras en prosa agresivamente antidramáticas". También elogió a Paul Newman y Joanne Woodward por "las interpretaciones más aventureras y rigurosas de sus carreras", observando que "hay una reserva, un humor y una desesperación en sus caracterizaciones que enriquecen la monotonía consciente del terreno narrativo que los rodea". 

De ella la crítica especializada española dijo que era "Uno de los films más flojos de Ivory" como comentó Javier Ocaña, por aquel entonces en Cinemanía ; mientras que el gran José Luis Guarner en Fotogramas consideró que eran "Dos estupendas novelas de Connell fundidas con impecable tacto en una sola narración de Jhabvala. Entre irónica y patética, impecablemente interpretada". 

A pesar del poco entusiasmo que levantó la película  en la 63 Edición de los Oscar del año 1991 tuvo una nominación a la Mejor actriz principal en la persona de Joanne Woodward.

En los 48ª Globos de Oro fue nominada a la Mejor actriz principal - dramática (Joanne Woodward) y en la VI edición de los Independent Spirit Awards también fue nominada a la Mejor actriz (Joanne Woodward). También fue nominada Joanna Woodward para la Asociación de Críticos de Los Ángeles, en los Premios David di Donatello o la Asociación de Críticos de Chicago. 

Lo mejor sin duda la actuación de Joanna Woodward, la fotografía luminosa, pero también adaptada a interiores de Tony Pierce-Roberts y la música de Richard Robbins con toques clásicos, aunque trufada por música o acordes jazzísticos. La película tiene buenos momentos especialmente relacionados con su relaciópn con sus hijos y la fractura generacional en la que viven , durante el huracán en la mesa del comedor del restaurante, siendo los últimos comensales que se quedan o la declaración de amor por parte de una secretaria despechada tras veinte años de trabajo y devoción silenciosa.

La hija del pantano

Película muy previsible en su presentación, en su nudo y en su desenlace que a los quince minutos, y una vez superada las dudas iniciales, ya sabías cómo iba a acabar. Su título original en inglés fue The Marsh King's Daughter. Se trata de una película del año 2022, estrenada en 2023 en prime Amazon y que tiene como director a Neil Burger que podemos recordarlo como el director de Divergente del año 2014, El ilusionista del año 2006 o Entrevista con el asesino del año 2002. 

La película cuenta con una protagonista absoluta, Helena, una chica que conocemos en dos momentos de su vida; una, con doce años y la otra, en el momento actual. Su madre Helena que hasta el primer cuarto de la película pensábamos que era la mujer en todo caso maltrataba y marginada de ese hombre que vive en mitad del bosque que es un buen conocedor del paisaje y que está educando a su hija con sus principios y sus valores es una simple mujer anulada. 

Sin embargo, la realidad es infinitamente peor ya que un momento dado vemos que su madre Helena no es precisamente una mujer infelizmente casada, sino que es una mujer que ha sido secuestrada cuando era adolescente y que, además, ha sido violada por su captor que la dejó embarazada de la chica protagonista. 

Dos años antes de que naciera Helena, el rey de los pantanos secuestró a su madre y ella pasó su infancia en cautiverio. Un día un golpe de fortuna lleva allí a un joven aventurero en su quad, y al preguntar cómo salir de allí la madre coge a la hija y huye en el Quad, a pesar de que la chica se resiste a separarse de su padre. 

Tras hospitalizar a la madre y a la hija, el padre es detenido y llevado a prisión acusado de secuestro y asesinato del senderista que llegó en Quad, pasando en ella más de 30 años. Helena, al cabo de los años ha rehecho su vida. está felizmente casada, tiene una hija, Marygold, y rompió lazos con su madre que ya ha fallecido y con su padrastro, un nativo americano, Clark. por supuesto en estos años no ha tenido contacto con su padre que está en prisión a pesar del mucho afecto que le tenía. ella ha decidido ocultar su pasado dando a su marido como a su círculo de amigos. 

Sin embargo, un día en los informativos se comenta como un preso, conocido como el rey del pantano, ha logrado escapar. y su fuga destapado la verdadera identidad de Helena generando tensión en su matrimonio. pero realmente lo que le preocupa a la chica protagonista es el retorno del padre y que estén tengan intención de volver en busca de su hija, cuando esta ya ha rehecho su vida. 

No obstante, al divulgarse la fuga del padre la hija vuelve a caer en él y un día cuando percibe que el padre merodea la casa, pues oficialmente ha muerto pero ella sabe que es un superviviente, decide ir en su búsqueda. 

Ahora está mas convencida que nunca de que intentará llevarse a su hija, Así que Helena se propone superar al hombre que le enseñó todo lo que sabe sobre cómo sobrevivir en la naturaleza. 

Al llegar a la cabaña no encuentra nada. Parece abandona desde que salieron de allí. Sin embargo, en un momento dado el padre aparece. Tanto hija como padre eran conscientes de que el encuentro iba a tener lugar. 

Tras dar un paseo por la zona rememorando el pasado y hablando de lo ocurrido y de los momentos vividos, cuando el padre le pide que tanto él como ella, asó como la hija  salgan en dirección a Canadá en barca, ella se niega y pide a su padre que abandone esa idea. Ella quiere seguir con su nueva vida. Pero el padre insiste. Ella decide marcharse, pero al hacerlo aparece su padrastro, Clark, con la intención de acabar esta historia. La presencia de Clark coincide con la reaparición de Jacobs que dispara y acaba con él. 

Jacobs ahora secuestra a su hija, la mete en un zulo excavado en el suelo y la encierra. Ella, con todo, sale del agujero y sigue a su padre que se va desplazando por el río con el objetivo de ir a por su nieta. Ella, con una escopeta de mira telescópica dispara y alcanza al padre. 

Con todo, como es un superviviente huye por el pantano. Allí lo alcanza con la intención de acabar con él, pero él la hiere y la detiene. Su intención es volver a la piragua para huir juntos. Pero Helena, conocedora del terreno, se cae por un terraplén, tirándolo al padre junto a ella. 

La caída es enorme, pero los dos están málheridos, pero no muertos. Sólo puede sobrevivir uno, y ella es la más rápida en alcanzar un arma, acabando con su padre y con la película. Ha ganado la hija del pantano.  

La película cuenta con un elenco encabezado por Daisy Ridley como Helena Pelletier, Ben Mendelson como Jacobs Hollbrook, Brooklyn Prince como la joven Helena, Gil Birminghan como Clark,  Karen Pistorius y Garrett Hedlund. 

El proyecto se anunció en febrero de 2018, con Elle Smith y Mark L. Smith escribiendo el guion para el director Morten Tyldum. Alicia Vikander fue elegida para el papel principal y también se desempeñaría como productora ejecutiva. Como productores estaban Keith Redmon, Teddy Schwarzman, Mark L. Smith por parte de las productoras  STXfilms, Black Bear Pictures y Anonymous Content. 

Para el desarrollo del guion participaron Mark L. Smith y Elle Smith que se basaron en The Marsh King's Daughter de Karen Dionne. En la banda sonora se contrato a Adam Janota Bzowski, mientras que el responsable de la fotografía fue Alwin H. Küchler y la del montaje Naomi Geraghty.

El rodaje debía comenzar a finales de julio de 2019 y continuar hasta el otoño, pero no se anunciaron más novedades hasta febrero de 2021, y Tyldum y Vikander ya no participarían en la película. Neil Burger ahora dirigía con Daisy Ridley como protagonista, reemplazando a Tyldum y Vikander respectivamente. En mayo, Ben Mendelsohn se unió al elenco. En junio de 2021, Brooklynn Prince, Gil Birmingham, Caren Pistorius y Garrett Hedlund se unieron al elenco de la película. 

El rodaje comenzó el 7 de junio de 2021 en Ontario, Canadá. La filmación concluyó oficialmente el 6 de agosto de 2021.

Estrenada en cines en los Estados Unidos y Canadá la película tuvo críticas mixtas. Frank Scheck en las páginas de The Hollywood Reporter escribió sobre ella que "Los actores casi consiguen que la película se convierta en algo grande". 

Menos generoso es David Ehrlich en IndieWire al considerar que "La película tiene tanto miedo de inquietar al espectador que rehúye dramatizar cualquier cosa que no pueda resolver en 20 segundos o menos". 

En Slant, Ross McIndoe consideró que "Las últimas partes de 'The Marsh King's Daughter' se desarrollan de forma mucho más convencional que su magnífico comienzo (...). 

Owen Gleiberman de Variety señala que "Tiene un planteamiento similar al de 'Cape Fear' pero tiene muy poca tensión" y en el The Washington Post, Pat Padua, señala que "Cuenta con un tenso acto final (...)". 

A mi personalmente me ha parecido una película previsible y convencional, por momentos, pocos, únicamente al final, física, pero menos brillante de los esperado. Buena fotografía, buenas ambientación, buen trabajo, flojo argumento.  

Todo a la vez en todas partes

Para contar la historia de una familia en crisis no había que haber montado este follón. Una historia enrevesada al máximo que te lleva a mostrar mil historias para finalmente llegar a la conclusión que habían llegado los payasos de la tele: qué buena es la familia unida. Una tontería de dimensiones multivérsicas o alfavérsicas. 

Everything Everywhere allí at once fue la película del año 2023. Le endosaron siete Óscar entre ellos el de mejor película mejor dirección mejor guión mejor actriz principal la fantástica Michelle Yeoh, Mejor actor de reparto (para Ke Huy Quan) y a la actriz de reparto la enorme - en ocasiones villana multidimensional - Jamie Lee Curtis. Y a esto se unieron trescientos premios más para esta considerada como una divertida ingeniosa y conmovedora comedia de ciencia ficción, eso dice de ella. 

Fue la gran sorpresa del cine independiente de 2022 desde que se proyectó en el festival texano de South by Southwest (SXSW) en marzo de ese año y su posterior estreno limitado con solo diez copias pero me consiguió recordar más de $500,000 en el primer fin de semana. A partir de ahí el fenómeno no dejó de crecer llegando a proyectarse en 2.200 salas de Estados Unidos manteniéndose entre las cinco películas más taquillera durante semanas y convirtiéndose en el mayor éxito de la productora a 24 responsable de películas como Hereditary, Ex máquina, Lady Bird... Entre otras.

Dirigida y escrita por Dan Kwan y Daniel Sneinert, Los Daniels responsables de la original Swiss Army Man, la película sigue a Evelyn Wang, una mujer nacida en China pero asentada en los Estados Unidos que regenta una lavandería y que en medio de una revisión de Hacienda en la que puede perderlo todo descubre que es una de las muchas encarnaciones de la persona más importante del multiverso y que varios viajeros interdimensionales quieren acabar con ella. 

Una vez conocidos todos los integrantes de esta familia chinoamericana, integrada por una madre , Evelyn ( Michelle Yeoh), Waygong, el marido, la hija Joy y el padre de ella, Gong Gong, la historia, más o menos, es la siguiente: En China, Evelyn Quan Wang se enamora de Waymond Wang y, en contra de las objeciones de su padre Gong Gong, se fuga con él a los Estados Unidos. 

La pareja abre una lavandería en California y tiene una hija, Joy. Años más tarde, la lavandería es auditada por el Servicio de Impuestos Internos de los Estados Unidos (IRS). 

Por su parte, Waymond quiere entregarle los papeles de divorcio a Evelyn, mientras su suegro, Gong Gong,  llega de visita a pasar el año nuevo chino. 

Al mismo tiempo, Joy quiere que su madre acepte a su novia no china, Becky, sobre quien Evelyn le miente a Gong Gong afirmando que es una amiga. 

Tras eso llevan la documentación al IRS. Saben que la reunión será conflictiva con la inspectora del IRS, Deirdre Beaubeirdre, pero mientras está en el ascensor se paraliza la realidad y se produce una ruptura interdimensional en la que aparece un nuevo Waymond, Alpha-Waymond, una versión de su esposo de un universo conocido como "Alfaverso", toma posesión brevemente del cuerpo de Waymond. Alpha-Waymond y le explica a Evelyn que algunas cosas van a ocurrir ya que existen muchos universos paralelos porque cada elección de vida crea un nuevo universo. Es la presentación de un Alphaverso, dirigido por la difunta Alpha-Evelyn, desarrolló una tecnología de "salto de universos" que permite a las personas acceder a las habilidades, los recuerdos y los cuerpos de sus versiones de universos paralelos mediante la realización de acciones extrañas. Le explica igualmente que el multiverso ahora está amenazado por Jobu Tupaki, la versión Alphaverso de su hija Joy, cuya mente se dividió después de que Alpha-Evelyn la empujara a saltar extensamente entre los universos. Ella experimenta todos los universos a la vez y puede saltar entre multiversos y manipular la materia a voluntad, por lo que, aburrida, decide crear un "bagel" o donut, un pastelillo similar a un agujero negro que amenaza la existencia del multiverso. Evelyn recibe tecnología de salto de universo para luchar contra los secuaces de Jobu, que ahora están convergiendo en el edificio del IRS. 

Desde que se inicia la reunión con Deirdre Beaubeirdre la tensión va en aumento, pero Evelyn por momentos está ausente, lo que llama la atención de Deirdre y ella le responde de forma extraña.

Evelyn descubre otros universos en los que tomó diferentes decisiones y tuvo éxito, como convertirse en una maestra de kung fu o una estrella de cine, al mismo tiempo que se entera de los planes de divorcio de Waymond. Alpha-Waymond cree que esta Evelyn, como el mayor fracaso de todas las Evelyn en el multiverso, tiene el mayor potencial sin explotar y es la indicada para derrotar a Jobu. 

Alpha-Gong Gong, que controla al Gong Gong de Evelyn, le indica que mate a su hija Joy para evitar que Jobu entre en este universo, pero Evelyn decide enfrentarse a Jobu, ganando poderes y mayor experiencia a través de saltos de universo repetidos, donde aprende nuevas habilidades de lucha. 

Mientras Evelyn, perdida en el mundo salvaje multidimensional, es perseguida por los soldados de Alpha-Gong Gong, Jobu localiza y mata a Alpha-Waymond en el Alphaverso. Cuando Jobu al fin se enfrenta a Evelyn, la mente de Evelyn se fragmenta, al igual que la de Jobu. La conciencia desapegada de Evelyn comienza a saltar de universo con la de Jobu a través de universos extraños y diversos. En lugar de pelear, Jobu explica que ha estado buscando a una Evelyn que pueda llegar a creer, como ella, que ya nada importa. Lleva a Evelyn a la all-bagel, y le explica que espera que finalmente puedan morir, las dos juntas. Al mirar dentro de la rosquilla, Evelyn se convence y comienza a actuar de manera nihilista en los otros universos, lastimando emocionalmente a quienes la rodean. 

Evelyn está a punto de entrar a la rosquilla con Jobu y terminar con todas sus vidas en el multiverso, pero se detiene para escuchar las súplicas de Waymond, para que todos dejen de pelear y sean amables. 

Evelyn tiene una epifanía y sigue su consejo, usando sus poderes adquiridos del multiverso para descubrir que está lastimando a quienes la rodean y en cambio brindarles felicidad. Al hacerlo, repara su daño en los otros universos y neutraliza a los luchadores de Alpha-Gong Gong y Jobu. 

En su universo natal, Evelyn le cuenta a Gong Gong sobre la relación de Joy y Becky, habla con Deirdre después de que Waymond la convence de que les permita rehacer sus impuestos y se reconcilia con Waymond. Con todo, Jobu intenta acabar con su vida entrando en la all-bagel, mientras, al mismo tiempo que Joy en el universo de Evelyn, le ruega a Evelyn que la deje ir. Evelyn dice que incluso si pudiera estar en cualquier otro lugar, siempre querría estar con Joy. 

Evelyn y los demás salvan a Jobu del bagel, y al mismo tiempo Evelyn y Joy se abrazan. A la vez o algo después, con la mejora de las relaciones familiares, Evelyn y su familia regresan al edificio del IRS para volver a declarar sus impuestos. Mientras Deirdre habla, la atención de Evelyn se dirige momentáneamente a sus yo alternativos, presentes en otros universos, y al multiverso antes de regresar a su universo natal en donde la familia está unida: Waymonf y Evelyn se entiende como pareja, Evelyn acepta a su hija tal como es con su relación con Becky, al igual que su padre Gong-gong que agradece la amabilidad de la chica. Todo acaba cuando han de solucionar sus problemas con la Hacienda estadounidense.  

Durante la preproducción, se consideró a Jackie Chan para el papel protagónico; el guion fue escrito originalmente para él antes de que los directores cambiaran de opinión y rediseñaro el papel principal como femenino, sintiendo que haría que la dinámica de marido y mujer en la historia fuera más identificable. 

En agosto de 2018 se anunció que Michelle Yeoh y Awkwafina habían sido elegidas para protagonizar una "película de acción interdimensional" de Dan Kwan y Daniel Scheinert, con Anthony y Joe Russo como productores Awkwafina salió del proyecto debido a conflictos de programación en enero de 2020. 

Stephanie Hsu, James Hong, Ke Huy Quan y Jamie Lee Curtis se agregaron al elenco, con Hsu reemplazando a Awkwafina. 

El rodaje comenzó en enero de 2020 y A24 adquirió los derechos de distribución de la película. La fotografía principal comenzó en enero de 2020, luego de que A24 anunciara que financiaría y distribuiría la película. El rodaje duró 38 días y tuvo lugar principalmente en Simi Valley, California. 

Los Daniels dijeron que las escenas de lucha de kung-fu de la película se rodaron inusualmente rápido; por ejemplo, la pelea de la riñonera se rodó en un día y medio. La filmación terminó a principios de marzo de 2020, al inicio de la pandemia de COVID-19. 

Eb cuanto a la crítica tiene muchas razón, o almenos en parte Peter Debruge en las páginas de Variety al decir que "El resultado es un lío, pero es un lío meticulosamente planeado y ejecutado, en el que cada escena, cada efecto de sonido y cada gag visual encaja exactamente en lo que pretenden los Daniels". Desgraciadamente creo que se queda en el lío. En su reseña para Vanity Fair, Maureen Ryan destacó la actuación de Yeoh y escribió: "Yeoh imbuye a Evelyn de conmovedores tonos de melancolía, arrepentimiento, resolución y creciente curiosidad" y agregó que "hace que su abrazo a la energía del personaje principal sea positivamente apasionante". 

Adam Nayman de The Ringer se refirió a la película como "una carta de amor a Yeoh", y agregó: "Everything Everywhere All At Once es extremadamente conmovedora, le da a su estrella de 59 años la oportunidad de flexionar músculos de actuación inesperados mientras revisa la coreografía de lucha de alto vuelo que la convirtió en un ícono mundial en la década de 1990".En esta misma línea, Jacob Hall de SlashFilm señala que es "Alucinante obra maestra (...) Hay mucho cine en este cine: un descenso a la locura descontrolado, desmesurado e impresionante, seguido por una emocionante llamada a la sanación y a la bondad"  

Las críticas disidentes incluyeron tanto una alabanza como , entreverada alguna crítica como ocurre en el caso de David Rooney de The Hollywood Reporter al afirmar que "Es demencialmente imaginativa y a menudo, muy divertida. Pero con sus más de dos horas, acaba siendo implacable y tediosa"; o la opinión de Richard Brody para The New Yorker, quien descartó a la película como un "carrete de presentación de director de largometraje cínico y enfermizo para una película de Marvel", y Keith Garlington, quien señaló que si bien la película era una tarea ambiciosa, "a menudo da paso a la indulgencia excesiva, lo que hace que este guiso de género demasiado largo y repleto sea una experiencia bien intencionada pero agotadora.

En España, y aunque estoy siempre más cerca de Fausto Fernández que de Carlos Boyero, hoy estoy más cerca de la opinión de Boyero cuando escribió en El País que ""Lamentable película, un disparate inentendible, bobamente imaginativo, pesado de ver y de escuchar (...) Me resultó muy laborioso tragármela completa, llegar a su final", frente a la de Fausto Fernández en Fotogramas cuando afirmaba que ""Viaje concéntrico y alucinante, ambicioso en su puesta en escena y generoso en su pantagruélica comilona de géneros. (...) Es ese sinsentido vital, familiar (...) o cósmico de estéril lectura (…) "

Lo mismo tengo que hacer lo que propone David Ehrlich en IndieWire "La vi dos veces simplemente para asegurarme de que la primera no estaba alucinando completamente y la veré pronto por tercera vez, por la misma razón". Lo mismo, no le he dado su oportunidad o la he visto en un momento inadecuado.

A double life

Ronald Colman es el protagonista absoluto de esta película de George Cukor en la que un actor pierde la referencia de la realidad, sin poder delimitar que es verdad y que no. Su papel como Otello de Shakespeare y su sentido del método actoral le hace perder el sentido de lo real y acaba cometiendo un asesinato con una brutalidad extrema imitando al de la obra teatral. Por este papel fue premiado con los máximos galardones a su actuación, pero ¿ Quién se acuerda hoy de Ronald Colman?

Ronald Colmar aquí interpreta al actor Anthony "Tony" John, y aparece acompañado de la actriz sueca Signe Hasso como Brita, Edmon O' Brien como Bill Friend y Shelley Winters como Pat Kroll en el que fue casi su debut como actriz. 

Junto a ellos participan Ray Collins como Víctor Donlan, Philip Lorb como Max Lasker, Millard Mitchell como Al Cooley, Joe Sawyer como Pete Bonner, Charles La Torre como Stellini y White Bissell como el Doctor Staufer. 

Doble vida es una película del año 1948 dirigida por George Cukor y que cuenta la historia de Anthony un famoso actor trágico que trabaja en Broadway (Nueva York) y qué es adorado por los espectadores yo odiado por las personas más cercanas al menos algunas de ellas.

Anthony "Tony" John, es un célebre actor de teatro que disfruta del éxito de su actual comedia "A Gentleman's Gentleman". Un día recibe la oferta del protagonista de una nueva producción de Otelo de Shakespeare del productor teatral Max Lasker. Lasker también quiere que la ex esposa de Tony, Brita, coprotagonice el papel de Desdémona. El productor recupera una antigua propuesta del propio Anthony que tenía su prio concepto de este proyecto shakesperiano.

Tony inicialmente rechaza la oferta, para alivio del director Victor Donlan, quien sabe que Tony se involucra demasiado en sus papeles. Brita está de acuerdo con su exmarido y advierte al agente de prensa Bill Friend que, aunque el ánimo de Tony es agradable cuando aparece en una comedia, es aterrador cuando actúa en un drama. Ella advierte a Friend que Tony se sumerge tanto en los roles que pueden apoderarse de su realidad. Tony cambia de opinión después de obsesionarse con la idea de interpretar a Otelo.

Un día te deja convencer por el empresario Max lasker y el director Víctor Dong Lang a quien debe sus mayores éxitos de que el mejor papel que para su carrera artística es el del celoso Otello de  Shakespeare. En su decisión entra en el lecho de que la coprotagonista es su ex mujer Brita kaurin de la que a pesar de estar dos años divorciado de ella sigue estando locamente enamorado. De hecho viven juntos. 

Tras comenzar los ensayos se aprecia un cambio en el ánimo de Anthony que de pronto empieza a revestir caracteres casi patológicos. En vano, Brita, que lo conoce bien, trata de calmarle por todos los medios. Ella siempre encuentra en el amor pasado y el cariño presente un inicio de cura pero no es suficiente. 

Anthony interviene en los más nimios detalles del montaje de la obra aterrorizando con sus bruscos y violentos cambios de humor a cuantos entran en contacto con él. De tal modo se identifica con el personaje dramático que olvida el lenguaje habitual y comienza a hablar en tono o teatral y de forma grandilocuente a otras personas como si fuese permanentemente un personaje de la obra.

Brita acepta de mala gana el papel de Desdemona y comienzan los ensayos. La producción se abre con excelentes críticas, pero Tony gradualmente se absorbe en su papel y comienza a perder el control sobre dónde termina la obra y comienza su vida real. Tony ve los celos como la clave de su carácter.

Justo antes de la representación número 300 de la obra, Brita le muestra un relicario que Bill le regaló por su cumpleaños y esto provoca celos en su interior. Esa noche, durante la escena del "beso de la muerte" de Otelo con Desdémona, Tony se siente abrumado por el papel y casi estrangula a Brita hasta la muerte. 

Una noche ya en vísperas del estreno y más exaltado que nunca Anthony vagando por la ciudad y llega al barrio de Little Italy y en Mulberry Street entra en una pizzería, el café Venecia, y se sienta en una mesa. Allí es atendido por una bella camarera del establecimiento, Pat Kroll, y se enamora de él a primera vista empleando sus ardides de mujer de tal modo que logra atraerlo a su nuevo piso.

Cuando la obra comienza su segundo año, Tony le pide a Brita que se vuelva a casar con él, pero ella se niega. Tony sospecha que Brita está enamorada de Bill. Enfurecido, confundido y delirante, Tony va al apartamento de Pat. 

Esa relación es pasajera, pero no el Estado es un instante y exageradamente peligroso del actor. Una noche se persona en el  piso de la joven Pat y el actor sucumbe a su obsesión llegándose a identificar tanto con su personaje que acaba estrangulando a la mujer creyéndola Desdémona.  Tony regresa a casa de Brita y se queda dormido en su sofá.

Al día siguiente, el periodista Al Cooley le ofrece a Bill publicidad en primera plana para la obra de Tony, señalando las similitudes entre el asesinato de Pat y el "beso de la muerte" por lo que el tipo de asesinato lo vincula con el beso de Otello.

Tony se enfurece cuando ve la historia y ataca físicamente a Bill. Bill sospecha que Tony es el asesino de Pat y acude a la policía, sólo para descubrir que el vecino borracho de Pat ha sido arrestado por su asesinato. 

Tony exige el despido de Bill, que casi sin querer ha dado con el asesino curiosamente la persona que se encuentra enamorada de Brita  y Bill planea unas cortas vacaciones. 

Bill le dice a Brita que la ama, pero Brita no le corresponde. Sin embargo, Brita le revela a Bill que Tony salió de su casa la noche del asesinato de Pat.

De todas maneras tiene que confirmar que el asesino es Anthony así que busca a una mujer de similares características a la asesinada la viste y la peina con ese estilo y la convierte en un cebo cuando con cierta una cita con él. Bill contrata a una actriz para que se vista como Pat, incluido el uso de los aretes distintivos de Pat, y la coloca como camarera en el restaurante donde Pat había trabajado. 

Bill invita a Tony al restaurante mientras que el capitán de policía Pete Bonner observa. Tony se angustia al ver al "doble" de Pase se descompone y sale corriendo del restaurante al ver a la chica Anthony . Luego marcha al teatro. Con sospechas ahora, Bill y la policía siguen a Tony al teatro.

Ese día está muy nervioso, algo que percibe Brita,  que intenta calmarlo como siempre pero el descontrol es tal que parados entre bastidores, los dos observadores ven la actuación y Tony los ve allí. En un momento dado de la representación Otelo decide suicidarse en el clímax de la actuación de Otelo. Tony, lleno de culpa, se mata clavándose un cuchillo en el pecho pues las puñaladas son con una daga real, en el mismo momento en que lo hace Otelo en la obra. Entre bastidores, sangrando por la herida que se autoinfligió, confiesa todo y muere.

Los espectadores piensan que es una parte más del espectáculo pero tanto Brita como Bill saben que es un intento por parte del actor para acabar con la locura que lo consume, acabando así la película. 

En esta película el director mezcla abiertamente en la pantalla zinc y literatura concretamente teatro. A esto se suman celos y locura en esta película de la Kanin Productions perteneciente al productor Michael Kanin.  El guión fue escrito por Ruth Gordon y por  Garson Kanin. El diseño de producción estuvo en manos de Harry Horner, mientras que la fotografía fue responsabilidad de Milton krasner. Robert parrish fue el montador de esta película. La música fue compuesta por el gran Miklos Rozsa. 

El trabajo de Ronald Colman fue recompensado con un Óscar al mejor actor por esta interpretación y un globo de oro por su difícil interpretación del protagonista. Hasso reconoció que su papel en esta película fue su actuación más lograda y por supuesto su favorita. Esa actriz sueca fue a los Estados Unidos con la vitola de la nueva Gago y bajo la protección del productor Howard Hughes. Junco el que siempre fue considerado como actor de actrices en este caso se manejan magníficamente con el protagonista. 

El papel principal estaba previsto inicialmente para Laurence Olivier . Inicialmente, Colman estaba ansioso por representar a Shakespeare en la pantalla. Para tranquilizarlo, Cukor le dijo al actor que la película había sido diseñada para conseguirle un Oscar muy esperado (que ganó más tarde); Colman había sido nominado tres veces antes. 

La música de Miklós Rózsa, por la que ganó su segundo Premio de la Academia, mezcla su propio lenguaje moderno con pasajes del estilo veneciano del siglo XVI. 

Posteriormente, el compositor adoptó el título A Double Life para sus memorias de 1982 para indicar la división en su carrera entre la música absoluta y las bandas sonoras de películas de Hollywood.

Cuando la película se estrenó en el Radio City Music Hall ya con el título definivo, pues pudo ser previamente durante el rodaje, se plantearon y se utilizaron como títulos de trabajo Inspiration y The Art of Murder`-, el crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther , escribió: "Lo tenemos bajo la muy buena autoridad de Ruth Gordon y Garson Kanin, quienes deberían saberlo: no solo son actores y dramaturgos, sino también esposas". y su cónyuge—que lo que parece una profesión bastante segura, la actuación, es tan peligrosa como parece y que el amor entre gente del teatro es una aventura llena de peligros infinitos. Es especialmente arriesgado cuando un actor se toma en serio su trabajo y se dedica a interpretar "Otelo". Entonces los pañuelos y los puñales dominan su mente. Al menos eso es lo que se demuestra de manera rica, emocionante y melodramática en la lujosa producción de los Kanin... George Cukor, en su dirección, demuestra ampliamente que sabe el teatro, sus imágenes, sus sonidos y su gente frágil". 

El crítico Jerry Renshaw escribió en 1999: " A Double Life es un noir inusualmente inteligente y alfabetizado que se aleja con clase de la atmósfera pulposa de "B" que a menudo se asocia con el género. Esté atento a Paddy Chayefsky y John Derek en partes minúsculas. "

Lo cierto es que lo más destacado de esta película de cine negro que tiene mucho que ver tanto con Robert Louis Stevenson como con Shakespeare , es decir, con el Doctor Jeckyll y con Otelo, con el cine -pues son técnicas narrativas cinematográficas propias del cine negro- con el teatro, es el trabajo del londinense Ronald Colman, que vivió en primera persona la Primera Guerra Mundial junto con otros compañeros de profesión como Claude Rains, Herbert Marshall y Basil Rathbone, y que fue seriamente herido en la batalla de Passchendaele.

Tras la guerra, empezó a actuar en el teatro londinense. En 1922, apareció en Broadway, en el éxito teatral La Tendresse, aunque ya había trabajado en el cine en 1917 en algunas películas como The Live Wire (1917), A Daughter of Eve (1919), Sheba (1919), Snow in the Desert (1919), The Toilers (1919), Anna the Adventuress (1920), A Son of David (1920) o The Black Spider (1920). 

El director Henry King le vio, y lo incluyó en el reparto de la película de 1923, The White Sister (La hermana blanca), junto a Lillian Gish. Se hizo un actor muy popular del cine mudo, tanto en películas románticas como de aventuras. 

Pasó con éxito al cine sonoro gracias a su voz sonora y elegante. Su primer gran éxito sonoro tuvo lugar en 1930, cuando fue nominado a los Premios Óscar por dos papeles — Condemned (Condenado) y Bulldog Drummond (El capitán Drummond). Apareció en El prisionero de Zenda y Horizontes perdidos en 1937, Si yo fuera rey en 1938, y The Talk of the Town en 1941. 

Tras ganar el Óscar en 1948 por esta película, Doble vida (A Double Life), su carrera se detuvo realizando tres películas más: Champagne for Caesar (1950), La vuelta al mundo en ochenta días (1956) y La historia de la humanidad (1957), centrándose en la Radio en un par de programas humorísticos The Jack Benny Program, junto con su segunda esposa, Benita Hume, The Halls of Ivy . 

Ronald Colman falleció el 19 de mayo de 1958, a los 67 años de edad, a causa de una infección pulmonar, en Santa Bárbara. Con dos estrellas en el paseo de la fama, pero la duda vuelve y es la siguiente: ¿Quién se acuerda de estos grandes actores y actrices de los cuarenta y cincuenta?  

CODA

CODA, podría interpretarse como el final de algo como cola en italiano pero en este caso CODA es un acrónimo. Viene del inglés y significa literalmente hija de adultos con sordera. Y es que la película escrita y dirigida por Sian Heder. va de esto, aunque hay que reconocer que esta película ya la he visto pero en su versión original francesa que no es otra que una película de 2014, La familia Bélier de Eric Lartigau con Karin Viard y François Damiens.

La película tiene como protagonista a Rubí Rossi (Emilia Jones), una chica que es la única de su familia que puede oír y hablar correctamente, en una familia que tiene su lenguaje propio. La historia se desarrolla en Gloucester, en la costa noreste de Massachusetts, allí vive Ruby Rossi, de diecisiete años, que es el único miembro oyente de su familia; sus padres, Frank y Jackie, y su hermano mayor, Leo, son todos sordos. 

Ella ayuda con el negocio pesquero familiar y planea unirse a él a tiempo completo después de la secundaria. La chica sufre la realidad propia de su edad es una adolescente en último año de instituto y que está a punto de entrar en la universidad, pero como adolescente y más en su situación sufre igualmente pues las molestias de algunas compañeras, un proceso de enamoramiento de un compañero y y las inquietudes propias de una chica que sabe que tiene un don de la música y el canto pero que carece de horizonte propio pues su horizonte dominante es el familiar. 

Un día en la escuela, Ruby ve a su amor platónico, Miles, inscribiéndose en el coro como su materia optativa, por lo que impulsivamente también se inscribe en el coro. El profesor de música, el señor Bernardo "Mr. V" Villalobos, anima a Ruby a cantar más. Él le asigna a cantar a dúo con Miles. 

Papel fundamental en su vida no solo la familia y su chico, sino su profesor v de Villalobos, un mexicano que formado en la Universidad de Berklee, insta a su alumna a que mejore como cantante pero sobre todo a qué rompa las cadenas intensas que le unen a su propia familia. El Sr. V anima a Ruby a hacer una audición para Berklee College of Music, su alma mater. Él le ofrece lecciones privadas para prepararse, ya que ya está dando clases particulares a Miles. 

Mientras tanto, Frank y Leo luchan por llegar a fin de mes con el negocio pesquero a pasar de que la junta local impone nuevas tarifas y sanciones. En una reunión de la junta directiva, todo el mundo está enojado porque cada vez más barcos desaparecen del puerto a pesar de que el ayuntamiento intenta ayudar. Durante la Asamblea, Frank se pone de pie y anuncia- a través de su hija-  que va a iniciar su propia empresa para sortear las nuevas restricciones y que tiene la intención de vender su pescado por su cuenta, invitando a otros pescadores locales a unirse a él. La idea es magnífica pero hay un pero: Ruby será en todo momento la interlocutora con pescadores, compradores, incluso con los medios de comunicación. Es cierto que la familia lucha por hacer despegar el nuevo negocio, confiando en Ruby para correr la voz. 

Ruby está de acuerdo, pero sus crecientes compromisos con el negocio familiar (sus padres dependen de ella para que les interprete) hacen que llegue tarde a sus lecciones. El Sr. V se irrita con la constante tardanza de Ruby y la regaña por hacerle perder el tiempo y no preocuparse lo suficiente por la música. 

Un día, mientras el padre y el hermano van de pesca, mientras que Ruby ha decidido no acompañar a su padre dada una reciente discusión y opta por nadar con Miles, el barco recibe la visita de una observadora de pesca federal a bordo, que no sabe de antemano que Frank y Leo son sordos. 

El barco es interceptado por la Guardia Costera, después de no responder a las bocinas del barco ni a las llamadas de radio. Por esas razones Frank y Leo son multados y se les suspenden las licencias de pesca por negligencia. 

Cuando le dicen a Ruby que debería haber estado en el barco con ellos, ella les dice que no siempre puede interpretarles y que no tuvo la culpa. Frank y Leo apelan y logran recuperar su licencia, con la condición de que tengan una persona oyente a bordo en todo momento. 

Ruby anuncia a la familia que abandonará la idea de ir a la universidad y se unirá al negocio a tiempo completo. Sus padres la apoyan, pero el hermano, Leo, reacciona enojado, insistiendo en que pueden arreglárselas sin Ruby porque ella realmente tiene talento. En la playa cercana al puerta, él y Ruby tienen una discusión en la que él le dice que se arrepentirá de no haber ido a la universidad para siempre si no va. Al final Ruby debe elegir entre su amor por la música y su miedo a abandonar a sus padres. 

El curso va terminando y la familia de Ruby asiste a su recital del coro y, aunque no pueden oírla cantar, notan la recepción positiva de la audiencia que la rodea. 

Esa noche, Frank le pide a Ruby que cante para él mientras él siente sus cuerdas vocales y se emociona. Luego, toda la familia conduce a Boston con Ruby para su audición para Berklee. 

Antes de su audición, ve a Miles, quien le revela que fracasó en su audición y le desea suerte. La familia de Ruby se acerca sigilosamente al balcón mientras el Sr. V viene a acompañarla al piano, a pesar de la prohibición general de asistencia externa a las audiciones. Ruby está nerviosa y no está preparada al principio, pero después de que el Sr. V deliberadamente comete un error al acompañarlo, se le permite comenzar de nuevo y gana confianza cuando ve a su familia. Ruby hace señas mientras canta "Both Sides, Now" de Joni Mitchell, para que puedan entender lo que está cantando. Los jueces se fijan en la familia y suponen la situación familiar particular. 

Algún tiempo después, Ruby es aceptada en Berklee. Su familia y el Sr. V están encantados con la noticia. Invita a Miles a visitarla en Boston. 

Mientras tanto, los trabajadores del negocio pesquero de la familia han estado aprendiendo el lenguaje de señas, lo que les permite comunicarse e interpretar para la familia. Gertie, la amiga de Ruby, la lleva a Boston para ir a la universidad mientras su familia los despide; Ruby les dice "Os quiero mucho" (traducción literal: "Realmente te amo") mientras se alejan, acabando así la película.

La película es una coproducción internacional entre Estados Unidos y Francia, con Philippe Rousselet de La Famille Bélier retomando su papel de productor, junto a otros como Fabrice Gianfermi, Jerôme Seydoux y Patrick Wachsberger que invirtieron 10 millones de dólares por medio de las productoras Pathé y Vendôme Pictures .Philippe Rousselet fue uno de los productores de la película original y tenía derecho a hacer una nueva versión. 

Él y Patrick Wachsberger se acercaron a la directora Sian Heder para dirigir una nueva versión para la audiencia estadounidense. Heder dijo: "Estaban interesados en adaptar la película, pero querían que alguien la hiciera única y tomara la premisa del original y, además, la reinventara". 

En mayo de 2019, las empresas Pathé Films y Vendôme Group habían formó una sociedad de producción cinematográfica para desarrollar y producir películas en inglés, siendo la primera CODA. Heder eligió ubicar CODA en Gloucester, ya que estaba familiarizado con la ciudad porque visitó la costa norte en el verano cuando era niño. Heder explicó: "Para mí, tiene la combinación de ser muy pintoresco y esencialmente de Nueva Inglaterra, pero también con un valor de clase trabajadora". 

Heder aprendió el lenguaje de señas americano en el proceso de escribir el guion, con un 40%. de que finalmente esté en ASL. La directora contó con la ayuda de dos colaboradoras sordas a quienes llamó "maestros de ASL", Alexandria Wailes y Anne Tomasetti. 

La película fue filmada en locaciones de Gloucester, Massachusetts, Para prepararse para la película, Heder observó una planta procesadora de pescado y consultó al capitán del puerto local sobre cómo las autoridades trabajarían en un barco. Recibió la ayuda del director Kenneth Lonergan, quien dirigió la película Manchester by the Sea de 2016, ambientada en Manchester-by-the-Sea, Massachusetts , y de miembros de la organización sin animo de lucro de la industria pesquera Gloucester Fishermen's Wives Association. 

Varios consultores y un pescador educaron a Heder en las prácticas pesqueras locales.Durante la búsqueda de localizaciones, Heder encontró lo que le pareció la casa ideal para la familia y recibió permiso de sus residentes para utilizarla como lugar de rodaje. La casa del director del coro era una casa de estilo victoriano junto al mar, donde Heder había visitado a amigos de la familia varias veces durante su infancia y le permitieron filmar allí. Un pescador que educó a Heder en las prácticas pesqueras locales permitió que su barco pesquero se utilizara como escenario de filmación. Las escenas ambientadas en una cantera inundada se filmaron en la cantera Steel Derrick en Rockport, Massachusetts. 

La película utiliza actores sordos para interpretar a los personajes sordos, quienes, junto con Jones, se comunican mediante el lenguaje de señas americano. Eugenio Derbez como Bernardo "Mr. V" Villalobos, Troy Kotsur como Frank Rossi, Ferdia Walsh-Peelo como Miles, Daniel Durant como Leo Rossi y Marlee Matlin como Jackie Rossi y aparecen en papeles secundarios  Amy Forsyth como Gertie, la amiga de Ruby, Kevin Chapman como Brady. 

CODA tuvo su estreno mundial el 28 de enero de 2021, en el Festival de Cine de Sundance 2021, donde Apple adquirió sus derechos de distribución por una cifra récord del festival de 25 millones de dólares. 

La película se llevó múltiples premios en el año 2022, la 94ª edición de los Premios de la Academia, entre ellos el Óscar ganado por Troy Kotsur, quien se convirtió en el primer actor barón con discapacidad auditiva en conseguir un Óscar, aunque curiosamente su compañera de reparto Marlee Matlin fue la primera mujer en lograr este hito en mil novecientos ochenta y seis en la película hijos de un dios menor. Además la película fue premiada y los Óscar como mejor película, mejor guion adaptado. 

CODA fue nominada a Mejor Película Dramática y Mejor Actor de Reparto (por Kotsur) en la 79ª edición de los Globos de Oro. Recibió tres nominaciones en la 75ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica, ganando dos, incluido el de Mejor Actor de Reparto para Kotsur, convirtiéndolo en la primera persona sorda en ganar un BAFTA, y Mejor Guión Adaptado para Heder. 

En la 28ª edición de los Screen Actors Guild Awards, la película hizo historia: Kotsur, Matlin y Durant se convirtieron en los primeros actores sordos/no auditivos en ganar, junto con Jones, Derbez y Walsh-Peelo, por Mejor Actuación de un Elenco en una Película.

En la 33ª edición de los premios Producers Guild of America, la película también recibió el premio Producers Guild of America a la mejor película teatral.  

¿Pero que pensó la comunidad que presenta este tipo de dificultades auditivas? 

Los espectadores sordos tuvieron diversas reacciones ante la película. Elogiaron el reparto y las actuaciones de los actores sordos y encontraron que la representación de personajes sordos como personas autosuficientes y sexualmente activas algo que contrastaba con las representaciones anteriores en la pantalla. 

Delbert Whetter, vicepresidente de RespectAbility, una organización sin ánimo de lucro, dijo: "Después de ver tantas historias en las que se representa a personas con discapacidades como almas indefensas y desamparadas que necesitan ser rescatadas, es muy reconfortante ver una historia con personajes sordos que son propietarios de pequeñas empresas y líderes de su comunidad pesquera, con una profundidad y matices que rivalizan e incluso superan a los de sus homólogos oyentes en la historia". 

La escritora sorda Sara Nović también señaló que "Me gustó que estos personajes fueran seres sexuales; las personas sordas y discapacitadas a menudo son castradas o virginales en películas y libros, y eso es extremadamente aburrido e inexacto".

Algunos espectadores criticaron la representación de la incapacidad de los personajes sordos para apreciar la música como un tropo común en películas con personajes sordos, como Opus, Beyond Silence y Sound of Metal del Sr. Holland. Nos quedamos con Sound of Metal.

Y aunque la idea es haber hecho una película casi una comedia de corte dramático sobre esta excéntrica familia con discapacidad auditiva la película se muestra al espectador como la vida misma tal y como señalan Variety es "tierna, enérgica, divertida, bella, y emotiva". En esa revista Owen Gilberman afirmó que Sian Heder había recibido el don, "la esencia sagrada de cómo dar forma y elaborar un drama que gira, burbujea y fluye". Su sensación fue que la película "lo hace todo con tanta sinceridad y precisión" y está tan "fascinantemente bien interpretada, que puedes salir agradecido de que este tipo de artesanía dramática convencional todavía exista", y también elogió la actuación de Jones y Kotsur por sus actuaciones. 

En las páginas de The New York Times, la editora Jeannette Catsoulis escribió: "Una aceptación sincera de la cultura sorda eleva esta historia, por lo demás convencional, de un adolescente talentoso atrapado entre la ambición y la lealtad".

Jon Frosch, de The Hollywood Reporter, opinó que "CODA se abre camino fielmente a través de una lista de tropos de comedias de secundaria, dramas sobre discapacidad, narrativas de maestros prodigios musicales e inspiradores, historias sobre la mayoría de edad sobre jóvenes que luchan por declarar su independencia de los dominantes. familias y crónicas independientes de la clase obrera estadounidense". atmósfera evocadora y tono genuino que es imposible no amar". 

El crítico de RogerEbert.com, Tomris Laffly, escribió: "No es que Heder no adopte las convenciones mencionadas con todo su valor reconfortante; lo hace. Pero al torcer la fórmula y colocar esta historia reconocible dentro de un entorno nuevo, tal vez incluso innovador, con personajes tan amorosos, , con una especificidad muy observada, logra nada menos que un milagro conmovedor con su película". 

Brian Lowry de CNN la describió como "una pequeña película que toca todas las notas correctas".

Ya en España, la película ha generado críticas diversas desde las elogiosas a la críticas. Para Luis Martínez en El Mundo "La película no sólo presume de jugar en un terreno familiar y universal, sino que además es de esas que ofrecen exactamente lo que el espectador quiere, desea y hasta anticipa en cada plano (…)" . 

Según Federico Marín Bellón en ABC la película "No ofrece nada extraordinario en apariencia, pero es una obra feliz. De esquema convencional y realización correcta, lo que tiene de especial es la historia, sus personajes y los actores elegidos. (…) ". 

Carlos Boyero en las páginas de El País señalaba que "Historia empeñada en ser amable, (...) en la que prevés lo que va a ocurrir en cada secuencia (...) Aunque recurra a los tópicos, está amablemente contada, posee un tono creíble" 

En Fotogramas Juan Pando destaca que "Hay películas cuyo mayor atractivo radica en su sencillez (...) Ese es el caso de 'CODA' (...) es una deliciosa feelgood movie, de las que animan a enfrentarse al mundo con fuerzas renovadas. (…) " 

Nando Salvá en El Periódico escribe sobre la película que es "Un puñado de conflictos del todo predecibles (...) exhibe con descaro su desesperación por dibujarnos una sonrisa en la cara o mojárnosla de lágrimas, y por ser amable en lugar de interesante u honesta. (…)" 

Para Carmen L. Lobo en La Razón la película es una "Bienintencionada cinta (...) Hay referencias a «Glee», algún momento sensible, varios instantes divertidos, tiernos y/o cursis, pero, sobre todo, muchísimas ganas de agradar al público, cuanto más, mejor. (…) 

Por el contrario, me quedo con la opinión de Tim Robey, que escribe para el británico The Telegraph, criticando abiertamente la película que es planteada como "un drama que podría haber asumido más riesgos" y añadió: "El guion de Heder hace posible cualquier elección fácil y manipulada, reduciendo demasiadas dinámicas familiares al nivel de una comedia de situación de disputas." Comparándolo con Sound of Metal (2020), dirigida por Darius Marder, al que llamó "una versión genuinamente aventurera y formalmente experimental de temas para sordos", escribió que CODA "se siente demasiado bonito". 

Y personalmente no puedo estar más de acuerdo. Bien visto lo de Sound of Metal, porque como he leído en parte de las críticas CODA no deja de ser una película bienintencionada pero menor, que premia la diferencia que, a su vez, es la mejor de sus virtudes, que nunca llega a ser una comedia, porque si la comedia es lo sexual, no me genera ningún tipo de risa. En este caso es más un drama familiar que una entrega tendente a lo cómico. Yo la he visto más como una fuerza del cariño, quedándome con Sound of Metal y con la versión francesa, C´est comme ça!!!

Amsterdam

Hubo una vez en la Historia de los Estados Unidos en la que su régimen democrático estuvo en peligro. Este hecho conocido como Business Plot es la guiño que sirve de base argumental para la historia que David O. Russell nos cuenta en la película Amsterdam, una película del año 2022 y que contó con toda un firmamento de estrellas que se sumó a la misma. 

La conspiración de la que hace referencia la trama de la película se basa libremente en la llamada "Business Plot" una supuesta conspiración para derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt en 1933. El personaje de De Niro, Gil Dillenbeck, se basa en el general Smedley Butler, quien testificó ante el Comité McCormack-Dickstein en 1934 sobre la supuesta conspiración.

La mayoría de los demás detalles de la conspiración representada en la película, incluido el Comité de los Cinco, sus conexiones con el nazismo y los nombres de la mayoría de las personas involucradas, son ficticios. 

La manifestación que ocurre al final de la película puede haberse inspirado en el documental de 2017 Una noche en el jardín, que describe una manifestación nazi de 1939 en el Madison Square Garden. Aunque el trío principal de personajes de Ámsterdam es ficticio, la película describe con precisión aspectos del 369.º Regimiento de Infantería, que luchó en Francia en la Primera Guerra Mundial y estaba formado por afroamericanos que servían bajo el mando de oficiales en su mayoría blancos. La película también refleja la Marcha Bonus de 1932 como un importante evento de fondo, y el discurso de Dillenbeck en el evento se basa en un discurso similar pronunciado por Butle.

Se trataba de un gran producción la que había de enfrentarse a esta historia. En ella se implicaron en la producción Arnon Milchan, Matthew Budman, Anthony Katagas , David O. Russell - por aquí han pasado algunos de sus títulos como El luchador, o La gran estafa americana- y Christian Bale respaldadas por las productoras Regency Enterprises, New Regency, DreamCrew Entertainment, Keep Your Head Productions y Corazon Camera. 

Entre las estrellas se encontraban Christian Bale, Margot Robbie, y John David Washington en los tres papeles principales pero a los que se suman Chris Rock, Anya Taylor-Joy, Zoe Saldaña, Mike Myers, Michael Shannon, Timothy Olyphant, Andrea Riseborough, Matthias Schoenaerts, Alessandro Nivola, Rami Malek, Robert De Niro ... hasta Taylor Swift. Y contra lo que podía esperarse la película se convirtió en un sonoro fracaso que generó perdidas por encima de los 100 millones de dólares. ¿Qué falló en ella? Pudo ser el momento de su lanzamiento o el tono de la misma, pero es inexplicable pues es una buena historia que contar.  

La historia parte de su presente, años treinta, y nos presenta a un veterano médico, Burt Berendsen (Christian Bale) , que ejerce su actividad profesional, principalmente, con lisiados y afectados de la Gran Guerra. Lo hace de manera casi fuera de la legalidad , pues emplea terapias dudosamente legales o abiertamente ilegales en las que las drogas forman parte de la misma.

Nos enteramos que ha perdido un ojo, lleva uno de cristal, y que lleva un corsé producto de las heridas infringidas mientras participó, muy a su pesar, en el frente franco-belga. Nos enteramos que en 1918, Burt Berendsen fue enviado por los suegros de su ex esposa a luchar en la Primera Guerra Mundial. 

Mientras estaba destinado en Francia, Burt es enviado a una compañía de soldados negros a los que no se les permite ni tan siquiera vestirse con el uniforme del ejército estadounidense, sino el francés. El regimiento está al mando del comandante Bill Meekins (Ed Begley Jr ), un senador que ve en el médico un nexo blanco para unir ese regimiento. Entre los soldados de color y el médico surgen una fidelidad que , en el presente, se mantiene.

De entre ese regimiento de color el doctor hace amistad con el soldado afroamericano Harold Woodman (John David Washington ), al igual que otros como Milton King (Chris Rock) . 

Después de sufrir ambos heridas en la batalla, Burt y Harold son cuidados por Valerie Bandenberg (Margot Robbie ), una enfermera bella y excéntrica que hace arte con metralla extraída de los soldados, con quienes también se hacen amigos. 

Después del final de la guerra, los tres viven juntos en Amsterdam y se hacen amigos íntimos. Ella además les abre las puertas a otros singulares personajes como los integrantes del servicio secreto británico y estadonidense - Henry Norcross (Michael Shannon) y Paul Canterbury ( Mike Myers) - que les une más su interés por la ornitología más que por el trabajo. 

El tiempo pasa dulcemente en Amsterdam hasta que Burt regresa a la ciudad de Nueva York para volver con su esposa Beatrice Vandenheuvel (Andrea Riseborough). Es significativo que Burt marchó a la guerra por la presión que sobre su hija ejercían sus padres Augustus (Casey Biggs) y Alvelia Vandenheuvel (Dey Young). 

Por su parte, Harold, que ha permanecido en Holanda, se ha enamorado de Valerie y comienza a tener  una relación romántica con ella. Pero Valerie abandona a Harold, por lo que regresa a Nueva York. 

Quince años después, Burt abrió su consultorio médico atendiendo a los veteranos de la guerra y sigue siendo amigo de Harold, quien ahora es abogado. Sin embargo, no han sabido nada de Valerie desde que abandonaron Ámsterdam. 

Un día de repente Harold se persona en la clínica y le pide a Burt que realice una autopsia a Bill Meekins que acabada de llegar de Roma para una convención organizada por los veteranos de su regimiento. Harold informa que han de realizar esa autopsia a instancias de Elizabeth (Taylor Swift) , la hija de Meekins, quien cree que fue asesinado durante su reciente viaje a Europa. 

Burt rechaza realizar la autopsia pero pide ayuda a una médica forense amiga, con la que mantiene una relación, Irma St. Clair ( Zoé Saldaña). La autopsia revela una cantidad considerable de veneno en el estómago de Meekins; Burt e Irma teorizan que esta debe haber sido la causa de su muerte. 

Burt y Harold que había  concertado una cita con la chica en un restaurante va a reunirse con Elizabeth para hablar sobre los resultados de la autopsia, aunque ella, que ha salido unos minutos antes,  muere atropellada repentinamente cuando alguien, posiblemente, un sicario, la empuja hacia el tráfico y es arrollada por un camión. 

El sicario, ante otros testigos no oculares,  incrimina a Burt y Harold por su muerte. Lo cierto que la extraña conjunción de un blanco con ojo de cristal y un negro que dice ser abogado puede resultar difícil de creer y ambos huyen cuando llega la policía. 

Burt y Harold intentan descubrir quién le dijo a Elizabeth que los contratara para limpiar sus nombres. Esto los lleva al rico heredero textil, Tom Voze (Rami Malik) , su condescendiente esposa Libby  (Anya Taylor-Joy ) y la hermana de Tom, Valerie, (cuyo verdadero apellido es Voze) que no deja de ser para sorpresa de ambos, sino la Valerie Bandeberg que ambos conocieron en Francia y convivieron en Holanda. Se enteran de que Valerie fue quien convenció a Elizabeth para que los contratara, sabiendo que eran dignos de confianza. Valerie está bajo constante supervisión de Tom y Libby, quienes afirman que sufre de una enfermedad nerviosa y epilepsia. 

Burt y Harold hablan con Tom, y éste le sugiere que hablen con el general Gil Dillenbeck (Robert de Niro) , un veterano famoso y condecorado que era amigo de Meekins, para saber quién acompañó a Meekins en el viaje (y podría haberlo envenenado o poder guiarlos hasta la persona quién lo hizo. 

Mientras Burt intenta comunicarse con el general, Irma lo visita en su consultorio médico, al que también han llegado los dos policías que están atendiendo el asesinato de los Meekins -el Detective Hiltz ( Alessandro Nivola) , otro veterano de la Gran guerra que respeta a Burt , y su compañero el Detective Gem Getweller  (Matthias Schoenaerts) -  y revela que fue atacada y le rompieron la muñeca mientras intentaba llevarle el informe de la autopsia y el atacante le quitó el papel. Tras eso, ambos se sientan cuando de repente 

Después de restablecerle la muñeca, Burt e Irma se besan cuando de repente aparece Beatrice Vandenheuvel, la mujer de Burt, que le pega una torta a su esposo. 

Mientras tanto, Harold y Valerie pasan el día en su casa, donde notan que el asesino a sueldo, Tarim Milfax (Timothy Olyphant) , ha estado vigilando la casa. Lo siguen hasta una clínica de esterilización forzada propiedad de una misteriosa organización conocida como el "Comité de los Cinco". Es el cinco una cifra y un símbolo que han ido apareciendo en varios momentos. 

Después de una pelea con Milfax, Harold y Valerie se reencuentran con Burt. Valerie los lleva al Waldorf Astoria de Nueva York, donde conocen a Paul Canterbury y Henry Norcross, los benefactores de Valerie de Ámsterdam que son espías secretos en la comunidad de inteligencia. Paul y Henry explican que el Comité de los Cinco es una camarilla estadounidense con vínculos con Alemania que planea derrocar al gobierno estadounidense y que Dillenbeck puede ayudar a frustrar su complot. 

El trío marcha a la mansión del ex militar y, en principio , no es bien recibido por su mujer (Beth Grant), aunque luego tras la entrega de algunas fotos da permiso para reunirse con el general Dillenbeck, a quien un hombre, que lleva varios días intentando hablar con él, le ofrece una gran suma de dinero en nombre de un benefactor anónimo para pronunciar un discurso en el que aboga por que los veteranos destituyan por la fuerza al presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt e instalen a Dillenbeck como un dictador títere. 

El general acepta ayudar al trío a frustrar el complot y acepta hablar en una gala de reunión de veteranos que organizan Burt y Harold para descubrir quién está detrás del complot. 

En la gala, el general Dillenbeck es la estrella. Es el reclamo para que personas de la alta sociedad neoyorkina asistan al evento. Todos quieren conocerlo y están fascinados por ellos especialmente Beatrice Vandenheuvel y sus padres. Ella le comenta en un momento dado que , ahora, tras el éxito su padre está dispuesto a rehabilitarlo en el Colegio de Médicos, pero Burt ya se ha dado cuenta de que Beatrice nunca lo ha querido y la rechaza a ella, a su familia y a la rehabilitación. 

Tras algunas actuaciones presentadas por veteranos y por ellos mismos y antes de  leer su discurso tiene un encuentro con los "benefactores" integrantes del "Comité de los Cinco", aunque únicamente están presentes tres, pues otro está en Munich. Son representantes de grandes corporaciones industriales norteamericanas así como de la prensa y que están dispuestos a cambiar el régimen. De todo ello, del encuentro,  hay una grabación realizada por Valerie

Tras esto Dillenbeck "procede a leer su discurso en lugar del que le pagaron por leer. Desde una zona elevada Milfax, el asesino de Meekins, intenta dispararle por hacerlo, pero Harold, Valerie y luego Burt, éste recibiendo una bala en su cuerpo, más bien, en su corsé, logran detenerlo a tiempo. 

Milfax es arrestado y se revela que el Comité de los Cinco está formado por cuatro líderes de la industria, incluido Tom, que conjuntamente con Libby han estado envenenando a Valerie para mantenerla obediente. que está fanáticamente obsesionado con Benito Mussolini y Adolf Hitler, y tiene la intención de convertir a Estados Unidos en un país fascista. 

Tom y los demás líderes son arrestados por la policía, pero no permanecen en prisión por mucho tiempo y calumnian al general Dillenbeck en la prensa después de su liberación. No osbtante, el general Dillenbeck testifica sobre el incidente ante el Congreso y regresa a casa para vivir su vida. 

Por su parte, sabiamente, y conscientes de que ni Tom ni la sociedad norteamericana van a permitir que sigan juntos, Harold y Valerie abandonan el país porque no pueden estar juntos en Estados Unidos. Creen que van a Amsterdam , pero los agentes del servicio secreto les informan que ese lugar dentro de poco tampoco será seguro.

Por último, Burt que ha ido al puerto a despedirse de ellos y planea reabrir su práctica médica y entablar una relación con Irma.

Con  imágenes reales de la declaración ante el comité del Congreso que estudia la denuncia , concluye la película. 

En enero de 2020, New Regency anunció el desarrollo de una película sin título escrita y dirigida por David O. Russell y protagonizada por Christian Bale. meses después se anunció que Margot Robbie y Michael B. Jordan  pero este último abandonó antes de que comenzara la producción debido a conflictos de agenda. Según los informes, Jennifer Lawrence fue considerada para el papel de Robbie, mientras que Jamie Foxx fue considerada para el de Jordan. En octubre de ese, John David Washington fue elegido como reemplazo de Jordan. El resto del elenco se reveló al año siguiente, 2021. 

Originalmente, el rodaje estaba previsto para comenzar en marzo de 2021 en Boston con un presupuesto de 50 millones de dólares, pero se retrasó debido a la pandemia de COVID-19. El rodaje se trasladó a Los Ángeles, y se rodó durante 49 días entre enero y marzo de 2021. 

El traslado de Boston a Los Ángeles y las precauciones de COVID hicieron que el presupuesto final de la película se disparara a 80 millones de dólares. 

Los miembros del equipo incluían al director de fotografía Emmanuel Lubezki (su primer largometraje desde 2015), el editor Jay Cassidy y el compositor Hildur Guðnadóttir, pero finalmente la responsabilidad recayó en Daniel Pemberton. Lo llamativo y a pesar de los técnicos la película fue nominada únicamente en los BAFTA a Mejor diseño de vestuario (J.R. Hawbaker, Albert Wolsky).

Reconozco que la película me ha gustado, pero la crítica fue especialmente dura con el producto final. No oobstante, se cuenta con una mano , casi, las críticas positivas ante la misma. De estas positivas destacas unas cuentas como la de Scott Mendelson de Forbes la describió como una "delicia de estrellas" con "fuertes valores de producción" y un "elenco fantástico que ofrece un trabajo de primer nivel". 

Chris Knight, que escribía para National Post, admiraba el "traqueteo" de la película "ritmo, guión "encantador" y reparto secundario. Brian Truitt de USA Today alabó el elenco, especialmente en la química "que agradó al público" entre Bale, Robbie y Washington. 

Ryan Swen de Slate elogió el sentimiento de la película y la narrativa "rica en detalles" y Oliver Jones de The New York Observer escribió que la película es "bastante extraña y desconcertante, pero si permites que su energía intensa y persistente te invada y te empapes de la alegría y la justa ira que anima su espíritu generoso, el resultado final es decididamente conmovedor y... en algunos puntos, incluso fascinante. 

Frente a ellos, David Rooney de The Hollywood Reporter escribió que Amsterdam es "un montón de películas de manera poco elegante juntas en una sola: una comedia estrafalaria, un thriller policial, un sincero saludo a los pactos de amor y amistad, una lección de historia antifascista con florituras ficticias". Elogió las actuaciones principales, la cinematografía, la producción y el diseño de vestuario, pero consideró que su material se adapta más a una serie limitada que a una película. 

Tim Grierson de Screen International calificó la película como un "asesinato misterioso y recargado" con una historia "intrincada", pero aplaudió algunos aspectos: la "imprevisibilidad" de la trama y el "descaro indulgente" de la película. 

El crítico de Variety, Peter Debruge la calificó de "bellamente filmada" pero "sátira social sobrecargada" con ideas inteligentes mal ejecutadas.

David Ehrlich de IndieWire señaló que era "Una nueva comedia histórica repleta de estrellas, que es divertida en el mejor de los casos, perniciosa en el peor y frenéticamente autoinsistente en su insignificante valor como entretenimiento (...)  

En el Reino Unido, el británico Peter Bradshaw de The Guardian elogió su humor, pero consideró que la historia era "exhaustivamente loca".

Ian Freer de Empire afirmó que Ámsterdam "no llega a ser más que la suma de sus partes ocasionalmente impresionantes". con una historia "agitada", pero calificó la producción y el diseño de vestuario como "impecables". 

Robbie Collin de The Daily Telegraph encontró el diálogo poco impresionante y escribió que el guión de Russell "hace que la historia sea pesada". 

Ya en España la ponen a parir todos o casi todos los críticos. Carlos Boyero  en El País escribe que "Yo no doy crédito a lo que veo y escucho en el agotador metraje de la última tontería que se le ha ocurrido a Russell. El guion juega con variados géneros, pero fracasa en todos ellos. (...) Todo es un disparate." 

Quim Casas en el barcelonés El Periódico comenta que "Russell mueve los hilos de su hiperbólica trama confiando en sus intérpretes, la reconstrucción retro de la época y los vaivenes de un relato que a ratos interesa, en otros desconcierta y en la parte final se acelera (...) " 

En Cinemanía Rubén Romero  sostiene que "Entra por derecho propio en el top ten de películas fallidas. (...) Salta de género sin ton ni son (...) un filme en el que no se sabe si el esperpento es buscado o accidental. (...) " 

Javier Yuste de El Cultural habla de "Película caótica, a veces cursi, 'Ámsterdam' resulta fallida, lastrada por diálogos poco inspirados y ciertas florituras de estilo que aportan poco (especialmente la voz en off de Bale)." 

Oti Rodríguez Marchante del ABC comenta que "Muchas estrellas y muy poco brillo y claridad. Hay para todos, para los que soportan el exceso de ingenio y para los que llevan bien el adoquinazo (...) "

Por último en Fotogramas Antonio Trashorras sostuvo que "Ámsterdam' nos devuelve al Russell de siempre, embriagado de su propio afán de trascendencia multinivel: él no solo quiere transmitir contenidos relevantes sino detonar en el público auténticas epifanías ideológicas (...)"

Yo, por mi parte, tengo que decir que me ha gustado haber visto esta película. Recuerdo que comencé a verla hace meses, pero la dejé, y no tengo claro la razón. Posiblemente fue el caos inicial y ese tono cómico en el que parecía haberse desarrollado el primer crimen, el de Meekins. Sin embargo, una conversación en la cena de fin de año con uno de mis cuñados me abrió nuevamente la posibilidad de  verla y de dedicarle toda mi atención para descubrir una película coral, algo liosa, es cierto, pero que nos acerca a una historia en la que la cuna de la democracia contemporánea estuvo en el punto de mirar del totalitarismo. Pero además esto me ha permitido hacerme una pregunta ¿Estaremos a salvo de los movimientos totalitarios en democracia aparentemente consolidadas?