El coloso en llamas revisada

Recuerdo la  presentación de esta película que en inglés llevaba el título de The Towering Inferno en el cine, allá por el año 1974. Posiblemente cuando fui a ver Arabesco, una de Hércules o alguna parecida. Fue todo un bombazo. Era todo un paraíso de nombre propio y de actores y actrices de renombre. 

Fue el canto del cisne de algunos de ellos como Fred Astaire o Jennifer Jones, y por otras circunstancias, Steve McQueen. Para otros fue un salto más en su carrera, y eso que algunos estaban en el cénit de sus carreras como el caso de Paul Newman - este nunca bajaría del cénit, por cierto celebramos estos días su centenario- , Faye Dunaway u O.J. Simpson. 

La película estrenada un año antes de Tiburón (1975), fue uno de los primeros éxitos de taquilla con grandes efectos especiales, un reparto coral y un presupuesto ambicioso. Este espectáculo visual y de medios costó $14 millones, que en ese momento era una cifra considerable, y recaudó más de $100 millones en todo el mundo. Lo cierto es que la película de John Guillermin y de Irwin Allen, que participaba como productor, marcó un antes y un después en las películas de catástrofes. 

La historia es la consabida. En la noche de la inauguración el rascacielos más alto y lujoso del mundo situado en San Francisco consigue reunir a altas personalidades de la política y de la sociedad. Sin embargo, lo que parecía ser una velada tranquila y exitosa se convierte en un auténtico desastre al producirse un cortocircuito. La vidas distintas personas se entremezclan en esta trágica situación, llegando algunas a fallecer con independencia de quienes fuesen o no una estrella. 

Para resaltar únicamente decir que a lo largo del fin hay algunas bajas entre estos conocidos y entre ellos están la señora Mueller, Lisonette, que es casi una irreconocible Jernnifer Jones; el que hace de ingeniero eléctrico, Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, Richard Chamberlain ; junto a este muere el senador estadounidense Gary Parker, que estuvo interpretado por Robert Vaughn ; y el personaje que interpreta Robert Wagner , Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas y con él, la chica con la que tiene una aventura, Lorrie Sheila,o sea, Susan Flannery. Igualmente muere Carlos, el camarero, interpretado por Gregory Sierra 

El listado de los que se salvan en amplio. Lo encabeza Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor; Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts; Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller; Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan y yerno de Duncan ; OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad. A estos se le suman Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico; Jack Collins como el alcalde Robert "Bob" Ramsay; Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos; Felton Perry como Scott, otro bombero; Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos; Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos; Elizabeth Rogers como una de las señoras; Ann Leicester como invitado; Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo; Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos; Olan Soule como Johnson; la familia formada por Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright y Carol McEvoy como la señora Allbright - aunque yo creo que ella muere- ; Scott Newman como el joven bombero; Paul Comi como Tim; George Wallace como el Oficial Jefe; Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta; John Crawford como Callahan; Erik Nelson como Wes; Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta y William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. Algunos de estos últimos caen caen a lo largo de la película pero es difícil precisar.  

Son varios los detalles relevantes o curiosos de la película como la rivalidad entre Steve McQueen y Paul Newman, ya que ambos eran dos de las mayores estrellas de Hollywood en ese momento, y ambos querían el papel principal. Para evitar conflictos, los productores hicieron algo inusual: les dieron exactamente la misma cantidad de líneas de diálogo y ajustaron los créditos para que sus nombres aparecieran a la misma altura. También hicieron que McQueen, cuyo personaje aparece más tarde en la película, tuviera un papel igual de heroico que el de Newman. 

Otro detalle es que está basada en dos novelas distintas debido a que la película se inspiró en The Tower de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Warner Bros. y 20th Century Fox habían adquirido los derechos de cada una por separado, pero decidieron unirlas en un solo guion para maximizar el impacto. 

La producción trabajó con bomberos reales para garantizar la autenticidad de las escenas de rescate. Steve McQueen, que interpretaba al jefe de bomberos, incluso pasó tiempo con equipos reales para estudiar sus movimientos y lenguaje. Su famosa frase en la película, "You know, we were lucky tonight. The body count could have been much higher.", fue agregada tras conversaciones con bomberos sobre incendios en edificios altos. 

Y por último, destacar los efectos especiales y los efectos visuales que fueron muy avanzados para la época: se usaron llamas reales, miniaturas detalladas del edificio y técnicas de cámara innovadoras para crear la sensación de peligro. El trabajo de los especialistas fue especialmente arriesgado, con actores y dobles filmando entre fuego real en varias escenas. 

Ha sido hoy la última "intro" que hacía Gerardo Sánchez en Días de Cine...Clásico, cualquiera sabe el por qué de su eliminación. Sus intros eran una marca de calidad para descubrir lo que emitían. No se entiende su omisión a partir de febrero. Sabios tiene la Iglesia, pero no entre los dirigente de RTVE. Para saber más, mucho más, en el enlace.

Mr & Ms. Bridge

Decepcionante película de James Ivory titulada Mister and Misses Bridge, aunque en España se llamó Esperando a Mister Bridge. La película responde a la concepción del cine literario que tiene este director pero lo que es cierto es que en esta ocasión no deja de ser una narración elegante pausada muy acorde con los papeles que interpretan tanto Paul Newman como su mujer en la vida real Joanne Woodward, aquí dando una más magistral lección como actriz. El personaje de India Bridge o la Sra. Bridge (Joanna Woodward) está basado en la madre de Connell, Ruth Connell.

Se trata de una película del año mil novecientos noventa y en la misma se nos cuenta como son la señora y el señor Bridge dos ricos residentes de cansas de los años cincuenta. Ambos viven en el distrito Country Club de Kansas City, Missouri , durante las décadas de 1930 y 1940. 

Los Bridge se enfrentan a costumbres y expectativas cambiantes. Ellos viven anclados en el pasado  y su mentalidad responde a la  lógica de la década de los años veinte. Sus tres hijos lógicamente nos adaptan a esa concepción de vida. Estas son la bella Ruth (Kyra Sedgwick ) la inteligencia Carolyn (Margaret Welsh ) y el obstinado Douglas ( Robert Sean Leonard ). Siempre son tratados como si fueran adolescentes

El señor Bridge, Walter Gene Bridge, (Paul Newman) es un prestigioso abogado que tiene un rígido carácter e ideas conservadoras que tratos su esposa una mujer cariñosa y sensible que ha consagrado íntegramente su vida a su familia como una propiedad y a sus tres hijos con bastante dureza. Su actitud altiva provoca un sentimiento ambivalente pues por un lado sus ideas arcaicas ah provocan un sentimiento de cierto malestar en la gente que lo rodea pero por otra su cabezonería resulta a veces divertida.

La señora Bridge se esfuerza por mantener la visión del mundo de su mejor amiga, Grace , a pesar de la distancia emocional de su marido y el afán de sus hijos por adoptar una visión del mundo más moderna que la suya.

El director californiano James Ebory sea encumbrado como uno de los grandes talentos en el trato psicológico de sus personajes y en la perfecta descripción ambiental de las épocas narradas visualmente. En su haber destacan películas como Oriente y Occidente las bostonianas la mítica una habitación con vistas o el retorno a Howard End´s o lo que queda del día. Todas ellas son respetables adaptaciones literarias con la colaboración de su habitual guionista Ruth Prawer Jhavala. El guión está basado en la novela de Evan S. Connell del mismo nombre. Está dirigida por James Ivory , con guión de Ruth Prawer Jhabvala y producida por Ismail Merchant .

En el año 1986 Ivory que por su plasticidad se asemeja más a un realizador británico fue galardonado con tres Osar de Hollywood por Una habitación con vistas. 

Joanne Woodward leyó la primera de las dos novelas de Connell cuando se publicó en 1959 y durante muchos años esperó adaptarla a una producción televisiva. Originalmente, no tenía intención de interpretar el personaje de la Sra. Bridge debido a la diferencia de edad, pero a finales de la década de 1980, cuando desarrollar el proyecto resultó difícil, ese ya no era el caso. 

Después de una cena en la que James Ivory conoció a los Newman por primera vez, decidieron adaptar los libros al largometraje. Una vez terminado el guión, Paul Newman aceptó interpretar al Sr. Bridge, lo que le permitió obtener suficiente financiación para rodar la película. 

Estimado en 7,5 millones de dólares, con 500.000 dólares destinados inmediatamente al pago de intereses de los préstamos, se consideró un presupuesto muy modesto, pero también concedió a Merchant e Ivory la libertad de hacer la película como quisieran. En la misma se implicaron Miramax, Cineplex-Odeon Films, Merchant Ivory Production y Robert Halmi. Todo el equipo cobraba salarios muy bajos, mientras que Newman y Woodward cobraban salarios mucho más bajos de los que estaban acostumbrados. 

Con la excepción de una escena en París y otra que aprovechó una nevada en Toronto, Mr. & Mrs. Bridge se rodó íntegramente en Kansas City, Missouri , en las mismas calles por las que Connell habría transitado cuando era niño y adolescente. 

Llama la atención las limitaciones presupuestarias de la película. Se utilizaron casas reales, auditorios y edificios de oficinas como decorados. La residencia utilizada como casa Bridge está al oeste de Loose Park en W. 54th St. También hay una escena ambientada en la bóveda del antiguo First National Bank; Ahora la Biblioteca Central, la misma bóveda ha sido reutilizada como Bóveda de Películas Stanley H. Durwood.  Gran parte de la película se rodó con la idea de ahorrar dinero. Por ejemplo, cuando filmaron el despacho de abogados del Sr. Bridge en una sola mañana, cambiaron los muebles, el maquillaje y la ropa de Newman cada hora a medida que las escenas saltaban a través de la primavera de 1932, el otoño de 1938, el invierno de 1945 y el verano de 1938. 

Las limitaciones presupuestarias también impidieron que el departamento de arte alquilara sus decorados, lo que los obligó a depender de préstamos y donaciones. Brunschwig & Fils donó telas y papel tapiz por valor de 100.000 dólares, Glen Raven Mills de Carolina del Norte donó material para toldos de época y Benjamin Moore donó 100 galones de pintura. Un bufete de abogados local prestó una docena de lámparas Tiffany y pinturas de artistas de Kansas City de la década de 1930. 

El propio Merchant tomó prestadas mesas de bridge de una mujer de la sociedad local y un escritorio utilizado por el fundador de las tarjetas de felicitación Hallmark de su hijo, que entonces era director de la empresa. 

Según el diseñador de producción David Gropman, la casa de los Bridges estaba llena de pertenencias personales de la familia Connell, y la hermana de Evan Connell, Barbara Zimmermann, prestó toda su porcelana, toda su colección de plata, sus adornos para el árbol de Navidad y su cafetera. . En el dormitorio de Douglas Bridge se puede ver una lámpara que Evan Connell hizo cuando era niño, mientras que los sujetalibros de mármol que solían pertenecer al padre de Evan Connell se utilizaron para vestir el despacho de abogados del Sr. Bridge. 

La diseñadora de vestuario Carol Ramsey también tuvo que pedir prestado todo el vestuario de la producción, incluidos fajines por valor de 4.000 dólares, insignias al mérito, pañuelos tallados a mano y broches de Boy Scout de 1938 para la ceremonia Eagle Scout de Douglas Bridge. 

Los sastres londinenses Gieves & Hawkes aceptaron confeccionar todo el vestuario de los personajes masculinos de la película a cambio de un crédito en la pantalla. 

Ivory en una entrevista al The New York Times señalaría que "El mundo del Sr. y la Sra. Bridge es el mundo en el que crecí... Es la única película que he hecho que trata sobre mi propia vida, mi infancia y adolescencia. Cuando hablábamos de ello, lo mismo parecía ser cierto también para Paul y Joanne. Hablamos mucho sobre modales, sobre cómo se hacían las cosas antes". 

Cuando Ivory fue homenajeado en el Festival de Artes Cinematográficas de Houston en 2014, presentó Mr. & Mrs. Bridge como una de sus favoritas, y agregó que era la película que más le gustaría ver reevaluada: "Tenía una historia maravillosa, un guion fantástico". y una actuación fabulosa. Así que el hecho de que no fuera tan bien recibido como algunos de los otros fue decepcionante. Tal vez haya algo inherentemente deprimente en lo que los estadounidenses piensen, al mirar detenidamente al Sr. y la Sra. Bridge. Cuando se estrenó, "Tuvimos grupos focales después de la película. Y había una brecha de al menos un par de generaciones entre el público y la familia sobre la que Connell había escrito. La gente no podía entender por qué la señora Bridges actuaba de esa manera, porque no sé cómo era la vida estadounidense en los décadas de los años 30 y 40. 

Johnathan Rosembaum del The Chicago Reader escribió: "No soy un gran fanático de James Ivory, pero esta adaptación de 1990 de las novelas de Evan S. Connell merece ser vista y apreciada por al menos un par de razones: primero, por la exquisita y multicapa de Joanne Woodward. y una interpretación llena de matices, y en segundo lugar por la retención por parte de la guionista Ruth Prawer Jhabvala de gran parte de la forma episódica y de capítulos cortos de los libros. Es cierto que ella e Ivory han atenuado muchos de los aspectos más oscuros, pero como critica del The Village Voice,  Georgia Brown,  ha sugerido, la humanización de su personaje por parte de Woodward en realidad mejora con respecto al original. La imaginación y la compasión de Connell con respecto a este personaje tienen sus límites, y Woodward los supera triunfalmente". 

Vincent Canby del The New York Times elogió la película y la calificó como "un intento vigoroso, ingenioso y satírico de dar forma dramática a dos obras en prosa agresivamente antidramáticas". También elogió a Paul Newman y Joanne Woodward por "las interpretaciones más aventureras y rigurosas de sus carreras", observando que "hay una reserva, un humor y una desesperación en sus caracterizaciones que enriquecen la monotonía consciente del terreno narrativo que los rodea". 

De ella la crítica especializada española dijo que era "Uno de los films más flojos de Ivory" como comentó Javier Ocaña, por aquel entonces en Cinemanía ; mientras que el gran José Luis Guarner en Fotogramas consideró que eran "Dos estupendas novelas de Connell fundidas con impecable tacto en una sola narración de Jhabvala. Entre irónica y patética, impecablemente interpretada". 

A pesar del poco entusiasmo que levantó la película  en la 63 Edición de los Oscar del año 1991 tuvo una nominación a la Mejor actriz principal en la persona de Joanne Woodward.

En los 48ª Globos de Oro fue nominada a la Mejor actriz principal - dramática (Joanne Woodward) y en la VI edición de los Independent Spirit Awards también fue nominada a la Mejor actriz (Joanne Woodward). También fue nominada Joanna Woodward para la Asociación de Críticos de Los Ángeles, en los Premios David di Donatello o la Asociación de Críticos de Chicago. 

Lo mejor sin duda la actuación de Joanna Woodward, la fotografía luminosa, pero también adaptada a interiores de Tony Pierce-Roberts y la música de Richard Robbins con toques clásicos, aunque trufada por música o acordes jazzísticos. La película tiene buenos momentos especialmente relacionados con su relaciópn con sus hijos y la fractura generacional en la que viven , durante el huracán en la mesa del comedor del restaurante, siendo los últimos comensales que se quedan o la declaración de amor por parte de una secretaria despechada tras veinte años de trabajo y devoción silenciosa.

El juez de la horca

Western crepuscular, muy en la linea revisionista de los sesenta dirigido por un grande como John Huston ese hombre que afirmaba en sus Memorias que había "vivido muchas vidas", y que fue boxeador, pintor callejero en París, periodista, novelista, guionista de cine, militar - fue asesor del ejército estadounidense en México-, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte, actor y director de cine.

La película, una visión entre cómica, socarrona y triste de lo que fue transformándose el western , ese espacio sin ley, el refugio de los libertarios , pero que como se ve en la película, a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, cambia con la llegada del capitalismo salvaje representado aquí en los ciches y los pozos de petróleo, haciendo que ese espacio de  libertad que era la frontera,  se transforme en un lugar más de los Estados Unidos.

El director de Missouri contó para ello con un impresionante elenco de actores y actrices que lo habían sido todo y otros artistas que serían estrellas en potencia , aunque algunas realmente serán estrellas fugaces.

La película se vendió en España como El juez de la horca , aunque en su versión original se titulaba The Life and Times of Judge Roy Bean.

La película se basaba en un guión escrito por el también director John Milius, aunque pasada por el tamiz de John Huston , con lo que contiene una profunda reflexión sobre lo que es realidad y lo que es leyenda , resultando de la misma una  mirada cínica y desmitificadora  similar a la que había sido impulsada con el llamado nuevo western , en parte, desde la irrupción de la visión de Sam Peckinpah o con la revisión que había llegado desde el cine europeo. 

Lo cierto es que los dos de Missouri, director y guionista, es decir, Huston y Milius, hicieron una libre adaptación de la que había sido vida del juez Roy Bean. Y es que Phantly Roy Bean, natural de Kentucky, llamado "el juez de la horca" fue un personaje real, dueño de un saloon y que autoprocló juez. Se hacía llamar a sí mismo "The Law West of the Pecos" ("la ley al Oeste del Pecos").

Según la leyenda, el juez Roy Bean celebraba los juicios en su saloon, situado al oeste de Texas, en un tramo desolado del Desierto de Chihuahua a lo largo del Río Grande.

Con la historia de este señor , Milius y  John Huston, el director que mejor retrató a los perdedores, y con la producción de otro hombre del oeste, concretamente de  Idaho como era  John Foreman , amigo personal y socio de Paul Newman  con el que había producido ya Winning (1969) o la mítica Dos hombres y un destino, o sea, Butch Cassidy y Sundance Kid (1969) o El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972) . Desde ese año  anterior al estreno el productor comienza una serie de cuatro películas junto a John Huston , empezando por la vista, y continuando con The Mackintosh Man (1973), El hombre que pudo reinar (1975), They Might Be Giants (1971) y Prizzi's Honor (1985). Huston contó además con el amparo de la productora First Artists , así como con la distribución de la National General Pictures

Para esta película el director quiso tener a su vera la música del francés Maurice Jarre , la fotografía en Technicolor de de Richard Moore y el montaje Hugh S. Fowler.

El reparto de lujo lo encabeza Paul Newman como el juez Roy Bean, Victoria Principal como Maria Elena, Anthony Perkins como Reverendo LaSalle, Ned Beatty como Tector Crites, Jacqueline Bisset como Rose Bean, Tab Hunter como Sam Dodd, John Huston como Grizzly Adams, Roddy McDowall como Frank Gass y Ava Gardner como Lillie Langtry.

Junto a ellos aparecen Richard Farnsworth como un forajido, Stacy Keach como Bad Bob o el albino Bob el malo, una fotografía - literalmente de Michael Sarrazin como el marido de Rose- , Anthony Zerbe como estafador del Opera House de San Antonio, Mark Headley como Billy the Kid, Frank Soto como un mexicano, Jim Burk como Big Bart Jackson, Matt Clark como Nick, Bill McKinney como Fermel Parlee y Steve Kanaly como Lucky Jim.

En papeles menores participan Francesca Jarvis como la Sra. Jackson, Karen Carr como la Sra. Grub, Lee Meza como la Sra. Parlee, Dolores Clark como la señora Lucky Jim. También aparecen Neil Summers como lengua de serpiente Rufus Krile, June Towner como Dorothy Pilsbury, Jack Colvin como el proxeneta, Howard Morton como un fotógrafo, Billy Pearson como Billy el jefe de estación, Stan Barrett como asesino, Dean Casper como recepcionista del hotel, Don Starr como gerente de la Ópera de San Antonio, Alfred G. Bosnos como empleado de la Opera House, John Hudkins como el portero de la Ópera. Igualmente en pequeños papeles Ken Freehill , Roy Jenson , Gary Combs , , Fred Brookfield , Bennie E. Dobbins, Leroy Johnson , Fred Krone, Terry Leonard , Dean Smith , Margo Epper, Jeannie Epper, Stephanie Epper y Barbara J. Longo.

La película comienza con Roy Bean cabalgando junto con una información que adicional , una voz en off, que nos comenta que a finales del siglo XIX, al oeste de Texas, el río Pecos marcaba los límites entre la civilización y el comienzo del salvaje Oeste. Así vemos que Roy Bean (Paul Newman) está cruzando el río Pecos, la frontera entre ley y delincuencia, o como se apreciará según avanza el film,  entre el mundo salvaje y el civilizado, entre lo antiguo y lo moderno. Se dirige hasta una localidad cercana a la frontera con México que , más tarde, será conocida como Vinegaroon. Roy Bean llega , como comenta a todos los parroquianos huyendo de la ley tras haber cometido un robo.

En ese sdaloom perdido en la mitad de la desértica y polvorienta localidad se hace escuchar por los asistentes, forajidos y prostitutas que lo ignoran, todos salvo una chica que parece la sirvienta, María (Victoria Principal) que está lavando a una oronda prostituta. El dice sentirse feliz de estar allí rodeados de fuera de la ley, y cuando se dispone a invitar a todos los presentes a una copa de whisky de cáctus y preguntar que hace sobre la mesa un enorme libro sobre las leyes de Texas, es atacado por todos los presentes y a punto está de ser linchado por el  grupo de desalmados.

Los clientes del salón lo golpean, le roban, le colocan una soga al cuello y arrean a su caballo para que lo arrastre. Afortunadamente para él , a los pocos metros, y fuera de la mirada de los que lo han linchado la cuerda se rompe y es auxiliado por una mujer joven llamada María Elena que lo encuentra y lo ayuda.

A la mañana siguiente, tras beber agua y armarse gracias a la chica, Bean regresa a la ciudad y dispara a todos los que lo hicieron mal.

Ante los únicos supervivientes, los mexicanos que viven en casas cercanas, se proclama  juez ante la falta de  ley y orden imponiendo  "la ley al oeste de Pecos ".

Desde ese momento se personan en la localidad del "juez de la horca" toda una fauna de atracadores , fuera de la ley, y personajes del más variado pelaje. El primero en llegar es un predicador viajero, LaSalle (Anthony Perkins), que entierra a los muertos del saloom. Poco después se marcha.

Al tiempo, Bean renombra el "Salón del juez Bean" con el nombre de su musa, The Jersey Lilly y cuelga un retrato de una mujer , una conocida actriz, que no ha visto en la vida pero a la que adora aunque nunca la haya conocido personalmente, Lillie Langtry  (Ava Gadner), cantante de la década de 1890.

Cuando una banda de ladrones llega a la ciudad (Big Bart Jackson y los miembros de su banda  Nick , Fermel Parlee, Tector Crites y Whorehouse Lucky Jim), en vez de oponerse a ellos, Bean, viendo que están cansados y que quieren abandonar su vida de forajidos, acaba por ofrecerles el cargo de marshalls y les jura como agentes de la ley.

Los nuevos ayudantes "cazan" a otros forajidos y luego reclaman sus bienes después de que Bean los condene siempre al mismo castigo: la horca.

Dispensando su propia clase de justicia fronteriza, Bean deja que sus alguaciles cuelguen a la puerta de su establecimiento a un asesino llamado Sam Dodd y que compartan con sus colaboradores más cercanos su dinero.

Un día llega un borracho conocido con el nombre de Rufus "lengua de serpiente" Krile (Neil Summers) al salón y dispara al techo en repetidas ocasiones , algo que no molesta a Bean, que juega atento a las cartas, pero al  disparar al retrato de Lillie en el pecho, todos a la vez le disparan , matándolo en el acto.

Un día llegó un pistolero albino conocido como Bad Bob o Bob el malo (Stacy Keach) que llega a la ciudad para  enfrentarse a Bean , aunque dispara a todo el que se mueve, pero éste le dispara por la espalda desde un granero.

También un día llega la ciudad un carromato cargado de  prostitutas; mientras que el proxeneta es expulsado, las chicas  son sentenciadas a permanecer en la ciudad y tener como compañía de alguaciles. Él se queda con una pelirroja, pero esto desata los celos de María Elena, con la que convive desde el principio que le dispara con el rifle y la chica tiene que huir para salvar su vida.

A María Elena , como ya he dicho , le da un sitio para vivir y ropa fina y elegante procedente  de un catálogo de Sears Roebuck, vistiéndose desde ese momento y transformándose en toda una belleza.

Un día María Elena y Bean tienen un encuentro en uno de sus paseos con un hombre de las montañas llamado Grizzly Adams (John Huston) , va con un oso que lo tiene como un hijo, pero ya se siente cansado y próximo a la muerte así que decide dejar el oso a Bean.

Desde ese momento el  oso, llamado " Zachary Taylor " en honor al duodécimo presidente de los Estados Unidos, pero que más tarde es rebautizado como el "oso de vigilancia" y asimilado como mascota. Ese oso estará presente en el bar de manera permanente.

Un día se persona en el pueblo un abogado llamado Frank Gass (Roddy McDowall) que aparece reclamando  el salón, diciendo que  es legítimamente suyo, Bean lo mete en la jaula con el oso y con unas cervezas. 

Finalmente, llegará a un acuerdo con él para repartirse parte de los beneficios  que van surgiendo en esta progresiva y próspera ciudad.

Otro día Bean , ante las noticias de que Lilly está de gira por el Estado de la estrella solitaria marcha a San Antonio , dejando a María Elena muy embarazada y prometiéndole que le traerá una caja de música en la que suene la única canción que conoce " La rosa amarilla de Texas ".

Un apuesto y elegante Bean intenta ver el show de Lillie Langtry, pero las entradas están agotadas. Ante la negativa del gerente de llegar a un acuerdo con él, será  engañado por dos hombres, unos estafadores,  que le golpean en la cabeza  y le roban su dinero.

En su ausencia, Gass y las exprostitutas conspiran para tomar el control de la ciudad  aprovechando la ausencia del juez y la debilidad de los calzonazos que son sus maridos.

A su regreso, Bean descubre que María Elena se está muriendo después de un parto difícil. Él llama al bebé Rose como la canción de la caja de música. También planea ahorcar al médico, pero Gass, que ha sido elegido alcalde, lo invalida.

Bean está triste por perder a Maria Elena y un buen día desaparece.  Esto provoca que Gass se haga con el control absoluto de la ciudad. Comienza por deshacerse de los alguaciles de Bean.

Pasan los años. Durante los mismos, son casi veinte,  las plataformas petroleras se han construido alrededor de la ciudad próspera en la que Gass es el dueño de todo. Estamos en 1919 y la ciudad es muy próspera, pero también es muy lejana al oeste que conoció Bean y sus amigos.

Rose (Jaqueline Bisset) , la hija de Bean y María ahora es adulta y  se sorprende un día al mirar y descubrir que un jineta a caballo está en la ciudad. Su amigo Tector  descubre que Bean ha regresado.

Esa noche Bean y Tector reúnen a sus viejos amigos que ahora son unos pobres hombres que malviven o han sido devorados por el alcohol. Deciden , conjuntamente , hacer frente con las armas a Gass.

Se reúnen en el Saloom. Bean descubre que Rose es como María, pero Tector le dice que tiene muchos cosas suyas.

Después de jugar una partida de cartas llega Gass acompañado de su policia personal y se inicia tiroteo contra los hombres de Gass. En la ciudad los edificios se queman y con ellos los pozos de petróleo. Gass huye de la escena. Bean, a caballo, persigue a Gass hasta un edificio en llamas, declarando que luchará "¡Por Texas y Miss Lilly!". 

Bean ajusta las cuentas con el alcalde quien, convertido en un magnate del petróleo y  que ha amenazado con hacer daño a la hija de Roy (Jacqueline Bisset) y lo mata al alcalde de un disparo , aunque muere el juez posteriormente en el incendio de la cantina, provocado por el enfrentamiento que ambos habían mantenido.

Algún tiempo después, un tren se detiene por una ciudad que ha vuelto a ser desértica. Un destino en mitad de la nada. Del tren baja Lillie Langtry. Un hombre mayor que camina sin apoyar bien la planta debido a las heridas generadas por los disparos de Bob el malo , le cuenta la historia de la ciudad y el papel del juez Roy Bean. Esta historia es reforzada después  por Tector, el hombre que cuida del salón, ahora convertido en un museo a la memoria del "Juez que impuso la ley al oeste del Pecos" y ella concluye que debió haber sido todo un personaje. 

La película se desarrolló en espacios de Arizona,  en algunos lugares como Old Tucson , Mescal,  Río San Pedro, ,el Desierto de Sonora, el Área Nacional de Conservación de Las Ciénagas, las Montañas Sierrita, el Monumento Nacional Bosque de Ironwood, en las Montañas de Tucson,  en el Gadsden Hotel de Douglas, en el depósito del ferrocarril de El Paso y del Suroeste sito en Douglas,  y también en Sonoita, , Elgin, y el Área de conservación nacional ribereña de San Pedro.

El rodaje tuvo lugar en el otono e invierno de 1971 Diciembre de 1971 . El lugar de rodaje estaba a unos 90 minutos de Tucson; así que el propio John Huston vivió en el lugar durante el rodaje. Más tarde escribió, "... Fui el único que lo hizo, excepto un vigilante. Los demás volvieron a la ciudad, pero yo permanecí allí todo el tiempo en un remolque. He estado en tantos lugares, y a menudo me he preguntado por qué todos emprenden viajes agotadores y fatigosos hacia atrás y hacia delante, día tras día, a veces una hora de viaje por caminos difíciles, y con frecuencia he pensado: '¿Por qué no te quedas ahí, con los cómodos remolques en los que puedes vivir? ¿hoy?'".

La película se basada en un guión original de John Milius titulado  "Ley y orden". El guionista esperaba, además, poder dirigirla. Pero los productores no estaban de acuerdo con que la dirigiera Milius, por lo que pagaron un precio récord para hacerse con los derechos totales de la película, en concreto $ 300,000. 

El guión se envió inicialmente a Lee Marvin, que estaba haciendo Pocket Money junto a Paul Newman. Pero el libreto cayó en manos de Newman, quien lo leyó y se entusiasmó con la idea de protagonizarlo. Newman siempre consideró que era uno de sus papeles favoritos .

Más tarde, Milius manifestó que le gustaba John Huston como director, pero creía que había arruinado la película.

Milius tampoco estuvo de acuerdo con el casting, pues Newman le parecía demasiado cursi y pensaba que Warren Oates habría sido más adecuado para ese papel. Milius llegó a declarar que el Juez de la horca parecía un juez y un  un western de Beverly Hills. El declaró que "Roy Bean era un hombre obsesionado con en el desierto y tiene esta gran visión de la ley, el orden y la civilización, mata gente y hace cualquier cosa en nombre del progreso. Me encanta ese tipo de personas! ¡Ese es el tipo de personas que construyeron este país! ¡Ese es el espíritu americano!"

El guionista dijo  que cambiaron la idea del  western sobre los cambios, la avaricia y el poder por un "western donde Andy Williams canta una canción en el medio de la película y el juez, su hija y un oso se van de picnic. Es increíble. Se va de picnic y se sienta en un tambaleante. Es una película sobre la gente de Beverly Hills".

Acerca de John Foreman y John Huston y Paul Newman,  Milius también declaró que Huston "me explicaría todo el tiempo lo que estaba haciendo. Tuvimos una relación extraña. Me torturaba constantemente, cambiaba cosas y hacía escenas, pensé, deliberadamente mal. Al mismo tiempo, me explicaba sus opciones. y por qué tomó la decisión que tomó, correcta o incorrecta, o las diferentes maneras en que podría haberlo hecho. Vi la forma en que se creó una atmósfera en el plató, observé la forma en que respondería a un actor que se resistía a él y la forma en que trató con un actor que lo acompañaba demasiado fácilmente. Cómo lidiaría con los malos actores. Recuerdo una vez cuando tuvo a alguien que dijo que era el peor que había tenido, y le pregunté, ¿qué haces? dijo: "No es una maldita cosa, no tengo ni idea". Él simplemente regresó a su remolque ". Según John Huston "El escritor del guión original, John Milius , estaba allí todo el tiempo, trabajábamos por la noche. Fue un placer trabajar con él, e introdujo nuevas ideas con gran entusiasmo. ". Milius refutó esta historia.

Sin embargo, el escritor declaró que el su guión original era menos una sátira caricaturesca y que el Juez era un personaje multidimensional: "Había lados oscuros y malvados para ese hombre, así como lados divertidos y encantadores. Viste que el mal era necesario. al principio, pero que, a medida que pasaba el tiempo, ya no era necesario ... Todo el asunto estaba horriblemente destrozado ".

Lo cierto es que  Milius quería  dirigirlo   pero los productores no estaban interesados ​​en esto y pagaron un precio récord por poseer el guión: $ 300,000. . Eso sí, John Huston reconoció la falta de éxito de la película en su autobiografía, "Un libro abierto" escribiendo que no fue exactamente un fracaso, "... pero difícilmente podríamos decir que fue un éxito rotundo. No despegó, como dicen . Aún así, hubo algunas cosas muy buenas en él ".

Huston sintió que la historia era "... en la bella y antigua tradición estadounidense de Tall Tale, Whopper, el hilado poblado de escandalosos personajes capaces de hechos prodigiosos y altamente improbables. Al mismo tiempo, decía algo importante sobre la vida fronteriza. y la pérdida de la inocencia de Estados Unidos ".

Huston se apropió de la naturaleza dispersa de la narración y escribió que "para realzar el efecto, hice uso deliberado de una técnica que desde entonces se ha vuelto mucho más popular, permitiendo que todo tipo de eventos ocurran sin justificación lógica. Las cosas aparecen, las cosas suceden , gracioso, triste, cómico, dramático. Un minuto lúbrico y sobrio el siguiente ".

En la película aparece un animal interesante en el contexto de la misma, Watch Bear,   un oso negro estadounidense que anteriormente había intervenido en el papel principal en la serie de televisión 1967-1969 CBS Gentle Ben . Paul Newman pensó que Bruno, que ese era su nombre, le  había robado todas las escenas en las que aparecían juntas, una opinión compartida por algunos críticos.

Por su parte, la colaboración de Huston y Newman fue absoluta.  "Mi Dios es Paul Newman, un buen actor", dijo John Huston. "" Él es simplemente maravilloso en esta imagen. Nunca ha hecho algo como esto y, sin embargo, ha descubierto algo único y original. La imagen definitivamente dice algo sobre un espíritu del pasado. Hay algo exclusivamente estadounidense en el juez ".

Añadio el director además que "Creo que tenemos una gran oportunidad",   "Creo que será muy popular. Por supuesto que he estado equivocado antes, pero hay un gran tipo de cosas al respecto. El viento sopla a través de él. La historia es una desviación completa de la realidad, una fantasía pura". La primera de dos películas consecutivas con el director John Huston y la estrella Paul Newman . Su siguiente colaboración fue El hombre de Mackintosh (1973).

Curiosamente la película provocó el nacimiento de una extraña pareja, la de  Anthony Perkins , que parecía hasta el momento vivir una relación homosexual hasta esta película. Durante el rodaje tuvo una aventura con Victoria Principal . Más tarde se casó con Berry Berenson .

La película fue, precisamente el debut cinematográfico de Victoria Principal y de Steve Kanaly  que actuarían más tarde juntos en la mítica serie de televisión Dallas (1978)

El nombre de Michael Sarrazin aparece en los créditos de apertura aparece como "participación". Su "participación" en esta película equivale a aparecer en una fotografía al final de la película, retratando al marido de Rose Bean ( Jacqueline Bisset ). Él no aparece físicamente en la película.

Por su parte, uno de los grandes secundarios de la historia del cine, Ned Beatty,  hizo curiosamente de  juez Roy Bean en la película Calles de Laredo (1995)

Como vemos, Ava Gardner que da vida a la actriz Lily Gantry, la única mujer a la que amó de verdad Bean aún sin conocerla en persona y que es la única verdadera motivación de todos sus actos, e incluso de su existencia, tiene un corto papel al final, aunque está presente en múltiples litografías a lo largo de la película.

La  película tuvo su estreno el 18 de diciembre de 1972 y consiguió unos resultados en taquilla de $ 16,530,578, aunque también he leído que obtuvo unos ingresos sensiblemente menores de unos siete millones de dólares .

En cuanto a la crítica poca información he encontrado. La principal procede de Rogert Ebert . El crítico del Chicago Sun Times señala que " se presenta como una elegía del viejo oeste, y termina siendo una elegía para los malos modales. Finalmente nos quedamos con una visión Technicolor de Ava Gardner deambulando por las ruinas de la frontera, y se supone que debemos tener los ojos brumosos, supongo.

El crítico de Illinois añadió que " la película y sus creadores, Huston y el guionista John Milius (...) se olvidan de convertirlo en un personaje para nosotros, dependiendo demasiado del encanto de Paul Newman y del capricho del guión. Es un lapso increíble en una película de este tamaño y ambición, pero no han logrado que el juez Roy Bean sea interesante. Él es unidimensional, predecible, apoyado por el estilo de actuación de Paul Newman, sin personalidad propia. Sin embargo, hay muchos personajes en el fondo: demasiados. Caminan en la pantalla, hacen su parte, y o bien son ahorcados o se van al atardecer. El guión de Milius los convierte en caricaturas. Y acaba señalando que "tal vez deberíamos sentir pena por su tiempo".

Para Fernando Croce de CinePassion dice de ella que "El guión de Milius es muy sabroso y que Huston hace una lectura muy suave".

Por su parte, Staci Wilson señala que "Newman y Bear: bien. Película: Mala. Es una sacudida, pero yo voto por ahorcar".

En España, en Fotogramas se dice que "Roy Bean fue una de las leyendas más confusas del Oeste, recreada por el cine en diversas ocasiones. Huston pretendió una desmitificación definitiva de la misma, en un film que combina el tono crepuscular con el crítico. El resultado es una obra irregular pero atractiva, en la que unos trazos algo difusos se acaban perfilando nítidamente, moviéndose entre la nostalgia y la acidez".

Por su parte,  Alberto Abuín en Espinoff comenta que es " un film triste y melancólico, violento y calmado, alegato sentido de una época lejana de libertad que se hunde ante la llegada imparable de la civilización –así lo muestra ese inmenso incendio final, alegoría no sólo del paso imparable del progreso, sino de que éste puede destruirse a sí mismo−, que funciona a modo de viaje circular culminando casi de la misma forma que comenzó, con la llegada de un personaje a un lugar, esta vez una leyenda auténtica –una estrella− que contemplará con contenida emoción lo que fue todo un santuario hacia su persona"

En cuanto a premios obtuvo la película algunas  nominaciones . En los Óscar del año  fue nominada a a la mejor canción original, nominación por el tema "Marmalade, Molasses and Honey" (Maurice Jarre, Marilyn Bergman, Alan Bergman) . También el tema fue reconocido con una nominación por los  Globo de Oro a la mejor canción original,  al igual que Victoria Principal fue nominada a la nueva estrella del año.

Huston había escrito en sus Memorias que si pudiera reescribir su vida "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez". Yo creo que dejó otras muchas cosas, entre ellas muchas películas. Estoy de acuerdo con él que no es una de sus mejores, pero es que nos dejó mucho y buen cine.

Indomable con muchos huevos

Hay imágenes en el cine que son imborrables. Hay escenas de esta película que acabo de ver que viven permanentes en mi memoria desde la primera que la vi. Y han sido varias las ocasiones de ello. Cómo olvidar el atracón de huevos que se da el protagonista para ganar una apuesta; cómo olvidar la manera de lavar un coche; o cómo olvidar la sonrisa de un ganador. Es el tono optimista y la sonrisa lo que prevalece en esta brutal , por momentos, película. Lo que comienza y, por momentos, aparente ir en tono de comedia no deja de ser un drama bestial. Eso sí, nunca de ser luminoso. Como la sonrisa de su protagonista que son duda es la que se mantiene incólume en esta imborrable leyenda del indomable.

La película tenía como título original Cool Hand Luke, pero en España se conoció como La leyenda del indomable.

Se trata de una película dramática estadounidense de 1967 dirigida por Stuart Rosenberg, que contó con la producción de Gordon Carroll por medio de la productora Jalem Productions , aunque la encargada de la distribución fue una de las "majors", la Warner Brothers junto a Seven Arts Pictures . La película contó con un presupuesto de 3,2 millones de dólares que se recuperó con creces al multiplicarse por cinco los ingresos en taquilla que alcanzaron los $ 16,217,773 de dólares.

La película está basada en la novela homónima de 1965 escrita por Donn Pearce aunque fue transformada en guión por  el mismo Donn Pearce y Frank Pierson.

La película contó con la música de Lalo Schifrin , la luminosa fotografía de Conrad Hall y el montaje de Sam O'Steen.

El protagonista absoluto de la misma es Paul Newman como Lucas "Luke" Jackson , aunque se acompaña igualmente de George Kennedy como Dragaline y de Strother Martin como el capitán. Junto a estos aparecen  Jo Van Fleet como la madre de Luke, Arletta Joy Harmon como la chica (Lucille) , Morgan Woodward como Boss , Godfrey Lucas que hace el papel de jefe Paul,  Robert Donner como Boss Shorty,  Clifton James como Carr,  John McLiam como Boss Keen , Andre Trottier como Boss Popler , Charles Tyner como el jefe Higgins,  JD Cannon como Red Soiety, Lou Antonio como Koko,  Robert Drivas como Loudmouth,  Steve Marc Cavell como Rabbitt , Richard Davalos como Blind Dick , Warren Finnerty como Tatoo,  Dennis Hopper como Babalugats,  Wayne Rogers como el jugador Harry , Dean Stanton como vagabundo,  Ralph Waite como Alibi , Anthony Zerbe como Dog Boy , Buck Kartalian como dinamita Joe y Don Baker como fijador .

Un veterano de guerra condecorado Lucas "Luke" Jackson ( Paul Newman ), es arrestado por cortar las "cabezas" de los parquímetros en una noche de borrachera.

Tras esto es condenado a dos años de prisión y enviado a una cárcel de la Florida , administrada por un severo guardián, el capitán Strother Martin para el que trabajan una serie de guardianes, entre ellos un vigilante que siempre lleva gafas de sol reflejadas de nombre  Boss Godfrey (Morgan Woodward)..

Otro trabajador del penal, Carr ( Clifton James ), les comenta a los prisioneros recién llegados entre los que se encuentra Luke, las reglas. Cualquier violación que resulte en pasar la noche en "la caja", una pequeña habitación cuadrada con aire limitado y muy poco espacio para moverse.

Luke se niega a observar el orden jerárquico establecido entre los prisioneros y rápidamente se enfrenta al líder de los prisioneros, Dragline ( George Kennedy ).

Cuando los dos tienen un combate de boxeo, los prisioneros y guardias miran con interés. Aunque Luke es severamente superado por su oponente , un hombre más corpulento, se niega a admitir su derrota, levantándose una y mil veces.

En un momento dado, Dragline se niega a continuar la lucha. La tenacidad de Luke hace que se gane el respeto de los prisioneros y llama la atención de los guardias.

Más tarde, Luke gana un juego de póquer por un farol con una mano que no vale nada. Luke comenta que "a veces, nada puede ser como una verdadera mano fría", lo que llevó a Dragline a apodarlo "Cool Hand Luke".

Luke formará parte de una cadena de presos que se encuentran pavimentando la carretera. Lo hacen de sol a sol, desbrozando los márgenes de la misma observando cuidadosamente lo que ocurre a  su alrededor.

Después de una visita de su madre enferma, Arletta ( Jo Van Fleet ), Luke se vuelve más optimista sobre su situación. Se enfrenta continuamente al capitán y  a los guardias, y su sentido del humor e independencia resultan ser contagiosos e inspiradores para los demás prisioneros.

La lucha de Luke por el bien común culmina cuando lidera un equipo de trabajo en un esfuerzo aparentemente imposible pero exitoso para completar un trabajo de pavimentación en menos de un día.

Los otros prisioneros comienzan a idolatrarle después de que él gane  una apuesta sobre sí es capaz de comerse cincuenta huevos duros en una hora.

Un día, Luke coge una serpiente de cascabel de la zanja cubierta de hierba y la sostiene para que el jefe Godfrey dispare con su rifle. Luke lanza la serpiente al jefe como una broma, antes de que le dé su bastón.

Dragline aconseja a Luke que tenga más cuidado con sus acciones relacionadas con el "hombre sin ojos". Una tormenta hace que todos terminen prematuramente su trabajo.

Antes de unirse a los otros prisioneros en el camión, Luke grita a Dios, probándolo. Esa misma noche, Luke recibe una carta en la que se le anuncia que su madre ha muerto. Luke responde a la noticia cantando con un banjo "Jesus Plastic".

Después de noticias de la muerte de su madre llega a Luke, el capitán, anticipando que Luke podría intentar escapar para asistir al funeral de su madre, lo  encierra en la caja del castigo de la prisión.

Después de ser liberado de la caja, recibiendo la noticia de que el entierro de su madre ya ha tenido lugar  y le dice que se olvide de ella.

Sin embargo, Luke está decidido a escapar. Aprovechando la celebración del cuarto de julio, él hace su intento de escape inicial. Es detenido  más tarde por la policía local y regresando junto a la cadena de presos, pero no antes de que uno de los sabuesos enviados después de él muera debido a la tensión causada por la lucha a través de alambradas de alambre de púas.

Después de su captura y regreso, el capitán obliga a Lukea llevar unas argollas de  hierro en los pies y ofrece un discurso de advertencia a los demás presos, explicando: "Lo que tenemos aquí es el fracaso de la comunicación".

Poco tiempo después, Luke escapa de nuevo usando una cuerda para sacudir un arbusto y distraer a los guardias, visitando una casa cercana donde pide ayuda a unos chicos de color y con un hacha se quita los grilletes. Para mantener a los perros alejados e impedir que puedan seguir su olor, extiende polvo de curry y polvo de chile en el suelo para desorientarles anulándoles el sentido del mismo por sus   estornudos o sobrecargándoles de olores.

Mientras está libre, Luke envía a Dragline una revista que incluye una fotografía de él con dos hermosas mujeres.

Pronto es detenido, golpeado y enviado  al campo de prisioneros , equipado ahora con dos juegos de planchas de hierro  para las piernas.

Luke es advertido por el capitán que si alguna vez intenta escapar de nuevo, será asesinado en el acto. Luke ahora está molesto por los otros presos que adulan y envidian por la foto de la revista y revela que es una falsificación.

Al principio, los demás presos están enojados, pero después de una larga estancia en la caja, cuando Lucas se ve obligado a comer una gran porción de arroz, vienen a ayudarlo.

Como castigo por su fuga, se ve obligado a cavar repetidamente un agujero de tamaño grave en el patio del campamento, llenarlo de nuevo y luego ser golpeado. Los prisioneros observan su persecución, cantando espirituales.

Finalmente, mientras los otros presos miran desde las ventanas de la choza, un Luke exhausto ya  se derrumba en el agujero, suplicando a Dios por su misericordia y pidiendo a sus carceleros que no lo golpeen de nuevo. Creyendo que Luke finalmente está derrotado, el Capitán detiene el castigo.

El jefe Paul advierte a Lucas que lo matará si alguna vez huye otra vez, lo que Luke promete llorando y diciendo que no lo volverá a hacer.

Los prisioneros comienzan a perder en ese momento la imagen idealizada de Luke, incluso uno de ellos rompe la fotografía de Luke con las dos mujeres.

Vemos a Luke aparenta ahora ser un servil y ante los demás es un juguete roto. De nuevo está trabajando en la cuerda de presos. Luke deja de trabajar para dar agua a un prisionero.

Es observado por unos presos decepcionados, que ven con horror como se dirige a uno de los camiones para llevarle el rifle al "Boss" Godfrey.

Después de que el jefe Godfrey dispare una tortuga rompiendo, Luke  recupera escopeta y felicitado al jefe por su tiro. Tras esto a Luke se le ordena llevar la tortuga al camión y cuando llega al mismo roba el camión  así como las llaves de los otros camiones.

En la emoción del momento, Dragline salta al camión y se une a Luke en su escapada.  Más tarde, después de abandonar el camión, Luke le dice a Dragline que deben separarse. Dragline le dice que está de acuerdo y se va.

Luke entra en una iglesia, donde habla con Dios y le culpa por sabotearlo impidiendo que no pueda ganar nada en la vida.

Momentos más tarde, los coches de la policía llegan. Dragline entra y le dice a Luke que la policía y los jefes han prometido no herirle si se rinde pacíficamente. Pero Luke, sintiendo que su vida ya no vale la pena vivir, se acerca a una ventana frente a la policía y se burla del capitán repitiendo la primera parte de su discurso ("Lo que tenemos aquí es un fracaso de nuestra  comunicación").

De inmediato recibe un disparo  en el cuello por parte del jefe Godfrey. Dragline lo auxilia y lleva a Luke fuera del templo, luego se lanza contra  Boss Godfrey y trata de estrangularlo hasta que es golpeado y sometido por los otros guardias.

Colmado de lágrimas, Dragline implora a Luke  que luche por su vida. La policía local quiere llevar a Luke a un hospital cercano, pero el capitán les dice que lo lleven al hospital de la prisión . Deebe cubrir una distancia lo suficientemente larga como para que sus posibilidades de supervivencia de Luke sean escasas.

Cuando el coche del capitán se aleja, aplasta las gafas de Boss Godfrey que han caida tras su enfrentamiento con Dragline.

Después de la muerte implícita de Luke, Dragline y los otros prisioneros lo recuerdan a su compañero "el indomable Luke".

En la escena final, el equipo de la prisión se ve trabajando cerca de una intersección rural cerca del lugar  donde Luke fue alcanzado por los disparos. Dragline ahora está usando las cadenas entre las pierna, y hay un nuevo jefe en el equipo policial.

Cuando la cámara se aleja,una fotografía, la  rasgada en la que Luke sonriendo con las dos mujeres se superpone a la vista de un ojo de pájaro de la cruce de carretera en forma de cruz. Luke queda en la memoria como el ídolo del resto de los presidiarios. El hombre que logró  escapar cuantas veces quiso.

La película, ambientada en la década de 1950, se basa en la novela de 1963 de Donn Pearce del mismo nombre . Pearce, un marinero mercante que más tarde se convirtió en un falsificador escribió la novela Cool Hand Luke , sobre sus experiencias trabajando en una cuerda de presos mientras servía en una prisión de Florida. Pearce vendió la historia a la Warner Bros. por 80.000 dólares, que luego lo contrató para escribir el guión recibiendo por ello otros 15.000 dólares.

Debido a la falta de experiencia cinematográfica de Pearce, el estudio agregó a Frank Pierson para reelaborar el guión.

Después de trabajar en televisión durante más de una década, Rosenberg lo eligió para hacer su debut como director en el cine. Llevó la idea a Jalem Productions, propiedad de Jack Lemmon. Ya con la producción en el guión aparece la autoría de Pearce y Frank Pierson. Conrad Hall fue contratado como director de fotografía,   mientras que el hermano de Paul Newman, Arthur, fue contratado como director de producción de la unidad.

La biografía de Newman, Marie Edelman Borden, afirma que el guión "duro, honesto" permitió tirar de su experiencia como actor .

Por su parte, el director Stuart Rosenberg alteró el final original en el guión, agregando "un optimista final que volvería a representar el protagonista (y Paul Newman) una marca propia de la casa, su sonrisa "

Mientras que el guión estaba siendo desarrollado, para el papel principal fue considerado inicialmente para Jack Lemmon o Telly Savalas . Newman pidió desempeñar el papel principal después de oír hablar del proyecto. Con el fin de desarrollar su carácter, viajó a Virginia Occidental, donde grabó acentos locales e investigó el comportamiento de la gente.

George Kennedy como Dragline, preocupado por su nominación, y por el éxito de taquilla de Camelot y Bonnie y Clyde , Kennedy invirtió US $ 5.000 en publicidad comercial para promocionarse. Kennedy declaró más tarde que gracias al premio su salario fue "multiplicado por diez ", agregando también que "la parte más feliz fue que ya no tenía que hacer siempre de  villanos".

Strother Martin , conocido por sus apariciones en westerns, fue contratado como el Capitán, un guardián de la prisión que es descrito como un líder cruel e insensible, que castiga  severamente a Luke por sus fugas.

El papel de la madre agonizante de Luke, Arletta, que lo visita en prisión, fue para  Jo Van Fleet después de que fuera rechazado por Bette Davis .

Morgan Woodward fue elegido como jefe Godfrey, un oficial lacónico, cruel y sin remordimientos que Woodward describió como cercano a "Mephistopheles ". Es apodado  "el hombre sin ojos" por los internos para sus gafas de sol reflejadas.

La rubia explosiva  Joy Harmon fue contratada  para la escena donde ella se burla a los prisioneros mientras lava su coche después de que su gerente, Leon Lance, se puso en contacto con los productores. Ella audicionó delante de Rosenberg y Newman llevando un bikini, sin hablar. Joy Harmon llegó al lugar, permaneció dos días en su habitación de hotel, y no fue vista por el resto del reparto hasta que comenzó el rodaje. Rosenberg instruyó a un inconsciente Harmon de los diferentes movimientos y expresiones que quería.   Originalmente planeado para ser rodado en medio día, la escena de Harmon tomó tres días. Para la parte de la escena con la cadena de presos, Rosenberg la sustituyó por una animadora adolescente.

La filmación tuvo lugar en el delta del río San Joaquín , y el conjunto, imitando una granja carcelaria del sur, fue construido en Stockton , California. Los cineastas enviaron un equipo a la Tavares Road Prison en Tavares , en Florida, para tomar fotografías y medidas. Las estructuras que fueron construidas en Stockton incluyeron cuarteles, un pasillo , los cuartos del guarda, una choza  y perreras .  La construcción pronto atrajo la atención de un inspector de construcción del condado que lo confundió con la vivienda de los trabajadores migratorios y ordenó que fuera "condenados por violaciones del código".

La escena de apertura donde Newman corta los parquímetros fue filmada en Lodi, California .  Mientras tanto, la escena en la que Luke es perseguido por sabuesos y otros exteriores fueron rodados en Jacksonville, Florida , en la prisión de Callahan Road.

Después de su lanzamiento, Cool Hand Luke recibió críticas favorables y se convirtió en un éxito de taquilla.

La película cimentó el estatus de Newman como uno de los principales actores de la taquilla de la época, mientras que la película fue descrita como la "piedra de toque de una era".

Para el crítico de Illinois Rogert Ebert se trata de  una película anti-establishment  filmada durante el tiempo de la Guerra de Vietnam , en la que el personaje de Newman soporta el "castigo físico, la crueldad psicológica, la desesperanza a partes iguales de sadismo y masoquismo". Su influencia sobre sus compañeros de prisión y la tortura que soporta se compara con la de Jesús , y el simbolismo cristiano se utiliza a lo largo de la película, culminando en una fotografía superpuesta a la encrucijada al final de la película en comparación con la crucifixión .

La película fue candidata a cuatro Premios Óscar: al mejor actor (Paul Newman, quien perdió contra Rod Steiger por In the Heat of the Night), al mejor actor de reparto (George Kennedy, en el papel que lo hizo famoso), al mejor guion adaptado (Donn Pearce y Frank R. Pierson) y a la mejor música original (Lalo Schifrin).

Por su trabajo en el film, Kennedy resultó ganador del Oscar al mejor actor secundario y del Premio Golden Laurel 1968 al Mejor actor.

La película Cool Hand Luke fue archivada en el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, uno de los méritos más importantes que puede lograr una cinta en este país en 2005, considerando que era "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Tiene una calificación del 100% en el sitio web del agregador de la revisión Rotten Tomatoes . La cita utilizada por el director de la prisión en la película, que comienza con " Lo que tenemos aquí es el fracaso en la comunicación ", figura en el número 11 de la lista de las 100 películas más memorables del American Film Institute .

La película tiene varios momentos memorables, como la "escena del alquitrán" musicalizada con la famosa música del compositor argentino Lalo Schifrin, usada frecuentemente como tema de apertura de noticieros en algunos sitios.

Otro de los momentos más recordados del film es cuando el personaje de Luke apuesta que es capaz de comerse 50 huevos duros, una de las escenas por las que la película pasará a la historia.

Otro elemento famoso del film fue la presencia del "personaje sexy" realizado por la actriz Joy Harmon, quien interpreta a una rubia que se dedica a caldear los ánimos de los presidiarios durante sus trabajos forzados al aire libre, mediante el uso de manguera y jabón para limpiar un coche; imágenes que inspirarían infinidad de anuncios de televisión, videoclips, parodias y homenajes en otras películas, además de ser consideradas como uno de los momentos más tórridos del cine.

Estamos, sin ninguna duda, ante la película más famosa de toda la filmografía de Stuart Rosenberg, fallecido el pasado marzo, un director proveniente del mundo televisivo. Rosenberg volvería años más tarde sobre la misma temática carcelaria con Robert Redford en este caso,  'Brubaker'.

'La Leyenda del Indomable' fue su primera experiencia en solitario en el campo del cine, y en ella se nota su procedencia, sobre todo en lo que se refiere a la puesta en escena. A pesar de que el director utiliza el formato scope, no puede evitar el recurrir a cierta resoluciones visuales muy típicas del mundo televisivo, como zooms o planos medios poco descriptivos.

Destaca en la película la extraordinaria fotografía del gran Conrad L. Hall, ganador de dos oscars y nominado en nueve ocasiones, responsable de la fotografía de cuarenta películas a lo largo de sus cincuenta años de carrera, fallecido en 2003 a los 73 años, y considerado como uno de los mejores directores de fotografía de la historia. Gracias a su espectacular trabajo el espectador es capaz de sentir el calor asfixiante del verano que sienten los personajes en la película. Probablemente esto alcanza su máximo exponente en la calenturienta secuencia en la que los presos realizando trabajos de limpieza en una carretera, observan a la chica, ligerita de ropa, limpia un coche, moviéndose con la esponja y el jabón. Hall ganó el Oscar en 1969 por su trabajo en Butch Cassidy and the Sundance Kid, y en 1999 por American Beauty. La última película en la que intervino Hall fue Road to perdition (Camino de perdición), rodada el año pasado, protagonizada por Paul Newman y Tom Hanks. Recibió un premio de la American Society of Cinematography, en 1994, y el diploma, en 1988, por su trabajo en Tequila Sunrise. Nacido en Tahití, Conrad L. Hall era hijo de James Norman Hall, coautor de novelas tan conocidas como El motín del Bounty y El huracán, y a su vez, era padre de Conrad W. Hall, que ha seguido los pasos de su progenitor y recientemente ha participado como director de fotografía en la película Panic Room.

Decía antes que este film se había con vertido en un film icónico de la imagen de Paul Newman. La película habla de la rebeldía, de la lucha contra la injusticia, y sobre todo, de la libertad

Hay algunos elementos inexplicables como el porqué de la rebeldía del personaje central, y luego de su relación con los guardias que aparece de manera superficial o la razón de la apuesta por comerse los 50 huevos cocidos

A destacar la actuación de Newman y de George Kennedy,  así como la aparición como secundarios de Dennis Hopper y Harry Dean Stanton, acompañados de Strother Martin, Anthony Zerbe y Jo Van Fleet.

La música original fue nominada al Premio de la Academia  compuesta por Lalo Schifrin , quien creó temas con un fondo en música popular y jazz. Se ella se incluyen guitarras, banjos y armónicas, pero también en trompetas, violines, flautas y piano.  Una versión editada de la señal musical de la Secuencia de Alquitrán (donde los internos están enérgicamente pavimentando el camino) se ha utilizado durante años como el tema musical de los programas de noticias de las estaciones de televisión locales en todo el mundo, principalmente los poseídos y operados por ABC en el Estados Unidos. Aunque la música fue escrita para la película, se hizo más familiar por su asociación con noticias de la televisión, en parte porque su melodía staccato se asemeja al sonido de un telégrafo., es el llamado Tar Sequence.

En cuanto a los temas que subyacen en la película debemos resaltan algunos que fueron incluidos conscientemente por el guionista y autor de la obra de referencia, Frank Pierson que incluyó en su proyecto un  simbolismo religioso explícito. Entre el mismo está el tomar como referencia a Lukes como  un Santo que gana sobre las multitudes y que finalmente sacrificado. Es retratado como una "figura redentora de Jesús".  Después de ganar la apuesta de comer huevos, Lucas se extiende sobre la mesa en la posición de Jesús como se muestra en su crucifixión . Después de enterarse de la muerte de su madre, Lucas canta "Plastic Jesús ".

Greg Garrett también compara a Luke con Jesús por el carácter de su castigo   "desproporcionado". Luke desafía a Dios durante la lluvia en el camino, diciéndole que le haga algo. Más tarde, mientras él está cavando y llenando las trincheras y enfrentado por los guardias, un preso realiza el espiritual " Ninguna tumba va a mantener mi cuerpo abajo ".  Hacia el final de la película, Luke habla a Dios, evocando la conversación entre Dios y Jesús en el Jardín de Getsemaní , representado en el Evangelio de Lucas . Después de la charla de Luke, la película representa a Dragline como un Judas , quien entrega a Luke a las autoridades, tratando de convencerlo de rendirse.  En la escena final, Dragline elogia a Luke. Explica que a pesar de la muerte de Luke, sus acciones lograran derrotar al sistema.  El tiro de cierre muestra reclusos trabajando en encrucijada con la foto reparada de Luke y las dos mujeres superpuestas.

Diferentes señales de tráfico se utilizan a lo largo de la película, complementando las acciones de los personajes durante las escenas. Al principio, mientras Luke corta las cabezas de los parquímetros, aparece la palabra "Violación". S Los semáforos pasan de verde a rojo en el fondo cuando Luke es arrestado, mientras que al final, cuando está fatalmente herido, una luz verde en el fondo se vuelve roja.  También, otro tema en la película es el  "Fracaso en la  comunicación" o el tema del encarcelamiento.

Cool Hand Luke se estrenó el 1 de noviembre de 1967 en  la ciudad de Nueva York. Las ganancias del estreno fueron para organizaciones benéficas. La película se convirtió en un éxito de taquilla, recuadando más de US $ 16,217,773 en proyecciones en Estados Unidos.

Kennedy ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto , mientras que Paul Newman fue nominado para el Premio de la Academia al Mejor Actor , a su vez Pearce y Pierson fueron nominados para el Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado y Schiffrin fue nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original .

Tuvo , además, dos nominaciones a los Globos de Oro tanto al mejor actor dramático en la persona de Paul Newman como al mejor y actor secundario en George Kennedy. El Sindicato de Directores (DGA) nominó a Rosenberg al mejor director

Rosenberg fue nominado al mejor director por el Gremio de Escritores de América y Conrad Hall fue nominado a la mejor cinematografía por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine .

En cuanto a la crítica  Variety describió el trabajo de Newman como "excelente", señalando que el elenco de apoyo es "versátil y competente".

El New York Times elogió la película, señalando que el "guión agudo" de Pearce y Pierson, "la escenificación y la dirección" despiadadamente realistas y plausibles "de Rosenberg y la" espléndida "actuación de Newman así como su elenco".

Rotten Tomatoes le da a la película una calificación de aprobación 100% "Certified Fresh" basada en 45 revisiones, con un promedio de 8,8 sobre 10.

La revista Empire consideró que la película una de las mejores actuaciones de Newman, mientras que  Slant describió el papel de Newman como "icónico", alabando también su cinematografía y su sonido.

Allmovie elogió el funcionamiento de Newman como "uno de los héroes anti-autoritarios más indelibles en historia de la película."

Para el crítico del Chicago Sun Times "La sonrisa de Paul Newman, la razón por la que la película funciona . Ebert incluyó la película en su colección de crítica The Great Movies , calificándola como cuatro estrellas de cuatro.  Ebert declaró que era una película "grande" y también una crítica contra la guerra de Vietnam. Él creyó que la película era un producto de su tiempo y que ninguna compañía importante de la película estaría interesada en producir una película de tal "castigo físico, crueldad psicológica, desesperación y partes iguales del sadismo y del masoquismo" hoy. Elogió la fotografía capturando el "calor castigador" de la ubicación, y declaró que "la presencia física de Paul Newman es la razón por la que esta película funciona: La sonrisa, los ojos azules inocentes, la falta de pavoneo", que ningún otro actor podría haber producido con la misma eficacia.

Contrariamente al consenso general, el biógrafo de Newman Lawrence J. Quirk pensó que era una de las interpretaciones más débiles de Newman, afirmando: "Por una vez, incluso el famoso carisma de Newman le falla, porque en Cool Hand Luke carece completamente del encanto ...".

Algunos autores han criticado la representación de la película de la vida de la prisión como un artículo escrito en la revista Life que describía que era una "Belleza pura en el lugar equivocado", , al tiempo que elogiaba la fotografía de la película, criticó la influencia de los estilos visuales en las representaciones del campo de prisioneros. La revista declaró que los paisajes lo convirtieron en "un campamento de descanso (en el que) los hombres están recibiendo un montón de sueños, comida y saludable ejercicio al aire libre", que a pesar de la presencia de los guardias mostró que había "peores formas de pagar la deuda Con la sociedad ".  Ron Clooney también comentó que las cárceles "no eran hoteles y ciertamente no son cosas como la de Cool Hand Luke ".

En España Luis Martínez en el diario El País afirma que "A un lado, la merendola de huevos (memorable). El cine carcelario tiene aquí un arrebatado, hiriente y muy divertido (todo en uno) clásico. Kennedy (no sólo Newman) enamora".

En 2006, el personaje de Newman, Luke,  se ubicó en el puesto 53 en la revista Empire , "The 100 Greatest Movie Characters". Lo cierto es que la película consolidó el estado de Newman como estrella de la taquilla, mientras que la película se considera una referencia de su tiempo.

Como ya hemos dicho en 2005, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos consideró que la película era "cultural, histórica o estéticamente significativa" y la seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Cine .

En definitiva una película muy buena, perfecto ejemplo de lo que es un film mítico, aunque no sea del todo perfecto. Al menos, hay que reconocer que había que echarle muchos huevos para hacerla en su época.

El coloso

Cuando hablamos del cine de catástrofes nos referimos a aquel que tiene como centro de la historia una catástrofe en curso o inminente para la humanidad. Este género, que se hizo famoso en los setenta con un sinfín de Aeropuertos, que comenzó - creo- con la película Aeropuerto dirigida en 1970 por George Seaton y protagonizada por Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes y Van Heflin en los papeles principales, encabezando un largo reparto; y que contó con muchos epígonos como Aeropuerto 75 dirigida por Jack Smight en 1974, y dio con una fórmula de éxito para el cine de la década -como se aprecia en Aeropuerto 77 y Aeropuerto 80- y de la siguiente, y que , de vez en cuando resurge como Ave Fénix en los noventa y en este milenio. 

La fórmula consistía en llevar a la gran pantalla una historia aparentemente normalizada ( un vuelo, una fiesta en un bloque de pisos, un paseo por el campo o la playa,...) que , de repente, acaba siendo un infierno para los personajes debido a las catástrofes naturales (reales o ficticias), tales como grandes incendios, terremotos, inundaciones, volcanes o una hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra, a una invasión de plagas, depredadores, mutantes o alienígenas o por siniestros de avión o barcos. Todo ello es una delicia para un público casi "sadomasoquista" que disfruta o alucina con las muertes o terribles circunstancias que viven los protagonistas para divertimento de los espectadores. Por cierto, protagonistas que suelen ser estrellas de ayer y de hoy de Hollywood. Por ejemplo, ese Aeropuerto 74 fue interpretado por actores casi en su cénit tales como Charlton Heston, hoy una olvidada Karen Black o Linda Blair, el recientemente fallecido George Kennedy, un actor de los cincuenta como Dana Andrews y dos divas del cine mudo como Gloria Swanson y Myrna Loy. La fórmula de éxito ha contado con grandes presupuestos y ha dado lugar a importantes réditos. 

El año 1974 fue productiva en este tipo de películas. Ese año se rodó por ejemplo Terremoto dirigida por Mark Robson con Charlton Heston, Ava Gardner , Geneviève Bujold , George Kennedy, Lorne Greene, Richard Roundtree, Marjoe Gortner, Barry Sullivan, Lloyd Nolan, Victoria Principal, Monica Lewis, Pedro Armendáriz Jr. y Walter Matthau ; Tiburón dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Richard Dreyfuss y Roy Scheider; y The Towering Inferno aquí conocida como El coloso en llamas . 

La película en cuestión fue producida por Irwin Allen y dirigida por el británico John Guillermin - director fallecido el pasado 2015 y protagonizada por reparto coral repleto de estrellas y encabezado por Steve McQueen y Paul Newman. Fue una coproducción de 20th Century Fox y Warner Bros. con la Irwin Allen Productions- aunque también participó la United Films - , la primera película resultado de la unión de dos grandes estudios, con guión de Stirling Silliphant basado en dos novelas: La torre, de Richard Martin Stern y The Glass Inferno de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. La película siguiendo el esquema de las películas de catástrofes contó con un presupuesto de $14.3 millones. Como buena película de catástrofes contó con una recaudación de $139.7 millones. 

En el apartado técnico contó con gente experimentada como John Williams para la música, la fotografía de Fred J. Koenekamp, el montaje de los hermanos Carl Kress y Harold F. Kress Como era de experar el reparto lo integraban actores en la cúspide, otros en decadencia, otras que parecían grandes estrellas y fueron fugaces , otros procedentes del medio televisivo que se entreveran en múltiples líneas argumentales, y que serán personajes que intentan evitar, escapar o resistir las consecuencias de la catástrofe. Hay siempre uno o dos personajes principales, con varios menores y muchos extras suelen morir antes de la resolución de la historia. 

En este caso el elenco protagonista lo forman Paul Newman como Doug Roberts, el Arquitecto; Steve McQueen como Michael "Mike" O'Halloran, como el Jefe del bomberos , William Holden como James "Jim" Duncan, el Constructor, Faye Dunaway como Susan Franklin, la prometida de Doug Roberts, Fred Astaire como Harlee Claiborne, el estafador que coquetea con la señora Mueller, Susan Blakely como Patty Duncan Simmons, hija de James Duncan, Richard Chamberlain como Roger Simmons, el ingeniero eléctrico, y yerno de Duncan , una casi irreconocible Jennifer Jones como Lisolette Mueller, OJ Simpson como Harry Jernigan, el Oficial Jefe de Seguridad, Robert Vaughn como el senador estadounidense Gary Parker, Robert Wagner como Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas.

A estos se le suman Susan Flannery como Lorrie Sheila,  Matthews Allen como Paula Ramsay, Norman Burton como Will Giddings, ingeniero eléctrico, Jack Collins como Alcalde Robert "Bob" Ramsay, Don Gordon como Kappy, el capitán de Bomberos, Felton Perry como Scott, otro bombero, Gregory Sierra como Carlos, el camarero, Ernie Orsatti como Mark Powers, otro de los bomberos, Dabney Coleman como el Jefe Adjunto de ls bomberos, Elizabeth Rogers como una de las señoras, Ann Leicester como invitado, Norma Grabowski como el jefe de la Armada de rescate aéreo, Ross Elliott como el jefe Adjunto de los bomberos, Olan Soule como Johnson, Carlena Gower como Angela Allbright, Mike Lookinland como Phillip Allbright, Carol McEvoy como la señora Allbright, Scott Newman como el joven bombero, Paul Comi como Tim, George Wallace como el Oficial Jefe, Patrick Culliton como Técnico, William Bassett como un agente de venta, John Crawford como Callahan, Erik Nelson como Wes, Art Balinger como el locutor. Se suman Norman Hicks como piloto, Thomas Karnahan como copiloto, Maureen McGovern como la cantante en la fiesta, William Traylor como Bill Harton, el guardia de seguridad. 

Varios actores que aparecían en pequeños papeles, incluyendo a John Crawford, Erik Nelson, Elizabeth Rogers, Ernie Orsatti y Sheila Matthews, habían aparecido previamente en La aventura del Poseidón , que Irwin Allen también produjo. El hijo de Paul Newman participa como Scott el bombero que hace rappel en el hueco del ascensor. 

La historia comienza con un helicóptero que se dirige hacia San Francisco, ciudad que aparece entre nieblas hasta definirse finalmente, viendo desde el helicóptero su skyline de donde destaca un rascacielos, el más alto del mundo acaba de ser construido en San Francisco.

Del mismo helicóptero baja el arquitecto que ha proyectado el edificio, Doug Roberts (Paul Newman) que regresa a San Francisco desde su nueva finca  para la dedicación de la torre de cristal, que diseñó para el propietario de James "Jim" Duncan, (William Holden) y su constructor,

El edificio es un mastodonte de 1.800 pies o 550 metros, siendo en 1974 es el edificio más alto del mundo.

Nada más bajarse se entrevista con Jim que cree que la retirada de Doug es momentánea y le dice que se verán esta noche en la inauguración oficial. Tras esto, Doug va a su oficina en el edificio en el que le espera su prometida  Susan Franklin (Faye Dunaway),

Mientras Doug  Roberts y Susan pasan el rato juntos, aquí puedes leer lo que quieras, se detecta en el edificio un par de cortocircuitos. Uno de ellos no es detectado, con el que se inicia un fuego sin ser detectados en el piso 81. Mientras que con el otro, tras ser informado Roberts del mismo y llegarse a ver la causa del mismo descubre que no se han respetado las especificaciones técnica en los claves en ninguna parte del edificio. Robert habla con Jim, pero entre los dos llegan a la conclusión que el responsable de eso es el ingeniero eléctrico del edificio, Roger Simmons (Richard Chamberlain)  y  yerno de Duncan. Roberts que va a Lombard Street a casa del ingeniero eléctrico para entrevistarse con éste. Allí está su mujer Patty Duncan Simmons, (Susan Blakely), la hija de James Duncan, y poco después llegar Roger, un vividor egoista y manirroto, al que Robert acusa ,de comprar un cable de menos calidad con el que se ha montado todo el edificio. de cortar esquinas, Simmons insiste en que el edificio está a la altura.

Por la noche tiene lugar una fiesta con numerosos invitados (senadores, alcalde, congresistas, empresarios,....) en la sala de baile, situada en la planta más alta del edificio.

Durante la ceremonia de dedicación, el jefe de relaciones públicas Dan Bigelow (Robert Wagner ) ordena encender las luces exteriores de la torre para impresionar a los invitados y dignatarios. La iluminación sobrecarga el sistema eléctrico y Roberts ordena que se apaga de inmediato viendo la mala calidad del cable Tras esto Dan Bigelow, el oficial de relaciones públicas, se va a su despacho para pasar la velada con su secretaria.

De repente, una fallo en la instalación eléctrica provoca un fallo generalizado y el incendio empieza a manifestarse de materia notoria. El humo se ve en el piso 81 y Roberts llama entonces al cuerpo de bomberos de San Francisco para apagarlo.

Roberts y otro ingeniero eléctrico Will Giddings (Norman Burton) van a la planta 81, pero no pueden entrar pues un guardia de seguridad les impide el paso. En ese momento se produce una explosión y el fuego da directamente en  Giddings (y que más tarde se nos informa que ha muerto), mientras que Roberts informa del fuego a un desdeñoso Duncan, que se niega a ordenar una evacuación.

Los bomberos llegan inicialmente mal equipados para hacer frente a las llamas, que de pronto se propagan y el incendio se ve que está  fuera de control.

Tras lo acontecido el Jefe de bomberos de San Francisco (SFFD) Michael O'Halloran (Steve MacQueen) sube en asensor hasta la última planta y obliga a Duncan a evacuar a los  invitados de ese piso, el 135, dirigiéndolos a  ir en los ascensores.

Entre los invitados se encuentra Lisolette Mueller (Jennifer Jones), una señora de edad que está siendo cortejada por un señor (al final sabremos que es un estafador) Harlee Claiborne (Fred Astaire) quiere ir al piso 87, pues allí están durmiendo una familia formada por una viuda (sordomuda) y sus dos hijos. Lisolette piensa que están en peligro puesto que ella no habrá escuchado los avisos de los agentes de seguridad no de los bomberos. Allí se persona ella, acompañada de Harry Jernigan (OJ Simpson), el Oficial Jefe de Seguridad que le acompaña.

Por otro lado, Simmons admite ante su suegro  Duncan que puso cables de menor calidad y grosor y que lo hizo para mantenerse dentro del presupuesto.

Duncan, ayudado por el senador estadounidense Gary Parker (Robert Vaughn)  y el alcalde Robert "Bob" Ramsay (Jack Collins), que dirigen la evacuación hacia el ascensor .

Sin embargo, el fuego lo va devorando todo y hace que los ascensores sean inseguros. Al no prestar atención a las instrucciones de Duncan, un último grupo que toma un ascensor para en la planta 81 y son sorprendidos por el fuego.

Ahora los asistentes a la velada se ven acorralados por el fuego, por lo que tienen pocas probabilidades de sobrevivir ya que al estar a una altura tan elevada y a los bomberos les resulta imposible controlar el infierno.

El fuego también atrapa a Bigelow y a su secretaria, la señora Lorrie (Susan Flannery) en su oficina del piso 65, quemando primero a él, cuando sale de la habitación protegido únicamente con toallas mojadas y a ella en la misma habitación, cuando todo estalla y salga disparada a la calle .

Por su parte, el Jefe de Seguridad Harry Jernigan y Roberts rescatan a la señora  Mueller y la familia. Jernigan. manda a la madre a un lugar seguro, pero Roberts, la señora Mueller y los dos niños son detenidos por la escalera cuando está se colapse y caiga al vacío. Hacen una subida peligrosa por las escaleras, pero el fuego les obliga a la ir a la Sala Promenade donde se celebraba la fiesta de inauguración del nuevo rascacielos de 138 plantas.

Todos  los esfuerzos de extinción de los incendios se muestran inoperante, y esto se agrava cuando el edificio se queda sin alimentación eléctrica y los hombres de O'Halloran se ven obligados a hacer rappel por un hueco de ascensor.

Por medio de la azotea de un edificio colindante, así como usando medios aéreos ( helicópteros) se inicia un proceso de rescate, aunque ya no se puede evitar el desastre.

Por medio del helicóptero se consiguen sacar frenar la caída de un ascensor al vacío lleno de mujeres de los invitados así como de los dos niños ,entre ellos Mueller. Una explosión deja el ascensor descendente hace que el ascensor penda de un solo cable en el piso 110, pero Mueller cae y muere., Finalmente entre el helicóptero y algunos bomberos frenan la caída. El jefe de bomberos O'Halloran y otros ayudan al grupo y siguen salvando personas.

Desde la azotea vecina se decide ir trasvasando uno a uno a los asistentes. Así van saliendo no pocas invitadas en un rescate casi imposible entre ellas salvan a la hija de Duncan, Susan y alguna esposa más.

Simmons dice a Duncan que él y otros la  boya para alcanzar la azotea vecina, pero Duncan le da un puñetazo, diciendo que a todos que la salida se hará tal y como se ha proyectado con los números sacados al azar, y que  él y su yerno  serán los últimos en salir. Hay un intento de asalto de la boya por parte de algunos de los asistentes entre ellos Simmons.  A la boya se agarra el senador Parker que es empujado a la muerte por Simmons, quien muere momentos después por efectos de una explosión.
Mientras como la situación es tan grave un militar le propone al jefe  de la SFFD O'Halloran un plan para para el incendio y salvar a algunos de los asistentes: explotar los tanques de agua de millones de galones que hay en lo alto del edificio para extinguir el fuego.

Tras esto el el jefe de bomberos (Steve McQueen) y le plantea una solución al arquitecto del rascacielos  y le pide ayuda. Sabiendo que podría ser su muerte, O'Halloran se reúne con Roberts y avanzan con explosivos hacia los  seis tanques de agua. Tras colocar el explosivo, vuelven a la habitación Promenade, donde los invitados restantes se atan para evitar ser arrastrados por las aguas.

La explosión se produce y el agua lo invade todo. O'Halloran, Roberts, Duncan, Claiborne y la mayoría de los asistentes a la fiesta sobreviven al agua que correpor el edificio y  extingue las llamas.

Sobre el terreno, Claiborne se entera de que Mueller no sobrevivió y tiene el corazón roto. Jernigan, que sabe que Clairborne tonteaba con ella  le entrega su último recuerdo:  el gato de Mueller.

Duncan consola a su hija Patty por la muerte de su marido, pero no da a conocer la forma cobarde en la que Simmons ha muerto.

Mirando hacia lo alto de la torre, Duncan promete que una debacle así de  trágico no volverá a ocurrir en el futuro. Roberts dice a Susan que él no sabe qué va a ser del edificio, y tal vez se debe dejar en su estado dañado por el fuego como "una especie de santuario para recordar la miseria de este mundo".

Roberts informa que el número de víctimas numerada son al menos de 200, y O'Halloran dice que son unos  afortunados. Roberts se compromete a consultar con los bomberos en el futuro, cuando dichos diseñe los edificios, tras lo cual  O'Halloran se va, exhausto, mirando los muchos bomberos caídos. Acabando así la película.

Parecía una premonición de lo que podía acontecer con las torres gemelas en 2001  ya que las novelas de las que parte el filme fueron inspirados por la construcción del World Trade Center en la década de los años 1970, y lo que podría suceder en un incendio en un rascacielos. Aparte de la espectacularidad de algunas escenas y el suspense que provocó al espectador, el filme brindó la oportunidad de ver juntos a dos de las más grandes estrellas de Hollywood como Paul Newman , quien hizo la mayoría de sus escenas de acción, incluyendo subir y bajar la barandilla de escalera doblada -y Steve McQueen, sin miedo a rodar escenas de peligro, que por cierto se negó a dar entrevistas durante la película, además de viejas estrellas como Fred Astaire, Jennifer Jones o William Holden, quien hizo en ésta película una de sus últimas apariciones en el cine, al igual que Jennifer Jones.

Irwin Allen junto a  la Fox y la Warner se unieron para ofrecer todo un clásico del cine de catástrofes -un género que se popularizó enormemente en los años setenta-, con superproducciones que combinaban siempre espectáculo y conocidas estrellas.había obtenido un espectacular éxito con ‘La aventura del Poseidón’ (‘The Poseidón Adventure’, Ronald Neame, 1972) que, junto a ‘Aeropuerto’ (‘Airport!’, George Seaton, 1970), abrieron la veda de películas sobre catástrofes, creando un nuevo (sub)género. Para ello la Warner Brothers había comprado ya los derechos para filmar "La Torre" de Richard Martin Stern, por $ 390.000. Y Ocho semanas después de Irwin Allen (de la 20th Century Fox) hizo lo mismo con "The Glass Inferno" Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson comprando los derechos por $ 400,000. Para evitar dos películas similares compitieran en la taquilla los dos estudios se unieron y unieron sus recursos, pagando cada uno la mitad de los costes de producción. A cambio, la 20th Century Fox puso la cuota de taquilla de Estados Unidos y la Warner para el resto del mundo.

De hecho, el mismo año ‘El coloso en llamas’ “competía” con otro conocido film, ‘Terremoto’ (‘Earthquake’, Mark Robson), el cual ganó directamente el Oscar a los mejores efectos visuales.

El film dirigido por Guillermin, y también por Irwin Allen —dirigió todas las secuencias de acción— es, a día de hoy, el más recordado de todos. La película tuvo un coste de 15 millones de dólares, y para hacerle frente unieron fuerzas Twentieth Century Fox —distribución estadounidense— y Warner Bros. —distribución internacional—. Un reparto absolutamente espectacular, y un equipo técnico de primera, son los pilares sobre los que se sustenta ‘El coloso en llamas’.

La película obtuvo un gran éxito de taquilla -fue la segunda película más taquillera del año 1975, tras "Tiburón" (Jaws)- y, en cuanto a premios, consiguió 3 Oscar "menores", aunque tuvo 8 nominaciones, incluyendo el de mejor película.

Fue todo un éxito , pues John Guillermin era todo un especialista en  este tipo de película como lo demuestran las eficaces La gran aventura de Tarzán (1959), Tarzán en la India (1962), El mayor mujeriego (1962), The Blue Max (1966), El puente de Remagen (1969), y , más tarde al la vista, King Kong (1976), Muerte en el Nilo (1978) y King Kong 2 (1986). Todos ellas bien realizadas y con mucho suspense.

A la hora de los créditos hubo muchas susceptibilidad. McQueen, Newman, y William Holden querían aparecen como los primeros dado el prestigio del trío.  Esa es la razón por la que los créditos fueron dispuestos en diagonal, con McQueen en la parte superior derecha y Newman en la parte inferior izquierda, quedando Holden relegado.

McQueen fue el primero es ser  mencionado en los trailers de la película aunque el el nombre de Newman es totalmente visible primero. A McQueen y Newman se les prometió el mismo pago y el número de líneas, lo que significaba que había que rodar escenas adicionales para igualar el diálogo.

Por exigencias de McQueen, ambos actores poseen el mismo número de palabras pronunciadas, y el personaje del jefe de bomberos debía ser superior, heroicamente hablando, a todos los demás. Ambos actores cobraron un millón de dólares y el 7’5 % de la taquilla. Newman odió ceder ante los porcentajes, era su primera vez, y juró que sería la última.

Seis años más tarde volvió a colaborar con Allen , pero  justo después del film más famoso de John Guillermin, el actor regresó sobre uno de sus personajes más recordados, el detective Harper. El papel de Jennifer Jones fue ofrecido originalmente a Olivia de Havilland y a Esther Williams, al igual que Katharine Ross , Raquel Welch y Natalie Wood fueron ofrecidos para el papel que finalmente fue interpretado por Faye Dunaway . Wood se negó porque estaba embarazada de su segundo hijo y también encontró el guión "mediocre".

James Franciscus y John Forsythe eran las opciones originales para el senador Gary Parker. Sin embargo, se consideró que se parecían demasiado al entonces senador. John Tunney y al entonces gobernador Ronald Reagan . Dado que uno era un demócrata y el otro republicano, decidieron que querían dejar la política fuera. A continuación, elegidos para ofrecer el papel a Robert Vaughn , que no se parecía a nadie política en el momento.

Se película se rodó en varios escenarios californianos , entre ellos San Francisco , en lugares tan emblemáticos como Vallejo Street, la casa Roger y  Patty Simmons, el Bank of America Building, en  Mason Street, Nob Hill, Hyatt Regency Hotel en Embarcadero Center,Grace Cathedral Episcopal Church , San Francisco Fire Station 38 en California Street,  todas ellas en mi querida y recordada San Francisco,  en la  20th Century Fox Ranch, de Malibu Creek State Park en  Las Virgenes Road, Calabasas, en 20th Century Fox Studios  en Pico Blvd., en Los Angeles. De los 57 conjuntos construidos para la producción, sólo ocho permanecieron de pie al final del rodaje.El edificio utilizado en la película era una serie de miniaturas. Sólo las secciones del edificio fueron construidos en realidad para los actores y para que dobles de riesgo pudieran realizar sus escenas. Las tomas interiores principales se hicieron en el Hyatt Regency de San Francisco con su ascensor panorámico. Para rodaje de exteriores se utilizó el edificio del Banco de América . Unos 1.000 bomberos reales fueron contratados a través de toda la producción.


Steve McQueen , siempre intrépido, durante el rodaje cundo se produjo un incendio real en uno de los conjuntos se encontró ayudando brevemente junto a bomberos reales. El rodaje terminó el 11 de septiembre de 1974 A veces el rodaje no estuvo exento de problemas. Por ejemplo, el actor / especialista Ernie F. Orsatti , señaló que Faye Dunaway a menudo llegaba tarde a rodar o no aparecía en absoluto. Esto hizo que algunas escenas fueran imposibles de filmar y generó malestar en actores como William Holden o Jennifer Jones . Según los informes, Holden empujó Faye contra el único día de la pared y la amenazó.

La música fue compuesta y dirigida por John Williams , orquestada por Herbert W. Spencer y Al Woodbury, El ingeniero de grabación original fue Ted Keep. La canción ganadora de un Oscar  «We May Never Love Like This Again»fue compuesta por Al Kasha y Joel Hirschhorn e interpretado por Maureen McGovern , que aparece en un cameo como cantante de salón y en el álbum de la banda sonora . Además, la melodía del tema de  Williams y del tema musical se repite en varias ocasiones.

Desde su estreno el 16 de diciembre de 1974 y el internacional el 1 de enero de 1975, El coloso en llamas tuvo  críticas positivas de los críticos, obteniendo una calificación del 77% "fresco" en  el  agregador de críticas del sitio web Rotten Tomatoes . Entre las mismas destacan las de Roger Ebert del Chicago Sun-Times que elogió la película como "la mejor de la onda de cintas de desastres de mediados de 1970  ".

Alberto Abuín en blog de cine señala que , la película construida con la precisión de un arquitecto, y a la que el paso del tiempo no sólo no daña ni lo más mínimo, sino que efectúa sobre ella un proceso de rejuvenecimiento que sólo las obras atemporales. Este editor destaca como Paul Newman y Steve McQueen ya habían coincidido en la película ‘Marcado por el odio’ (‘Somebody Up There Likes Me’, Robert Wise, 1956), con el segundo en un papel insignificante, y casi irreconocible. Mucho cambiaron las cosas desde esa película hasta el rodaje de ‘El coloso en llamas’ (‘The Towering Inferno’, John Guillermin, 1974) en la que ambos actores, ya estrellas, volvieron a coincidir, y Newman tuvo que someterse ante las exigencias de McQueen, que en ese momento era su máximo rival en el cine. Una rivalidad, como todas, absurda, y propiciada por McQueen.

Fue una de las películas con las mayores recaudaciones de 1974 con 116 millones de dólares y fue nominada al Óscar a la mejor película. De hecho fue nominada a ocho Oscar en total, de los cuales ganó tres: mejor fotografía(Fred J. Koenekamp y Joseph F. Biroc) , mejor montaje  y edición (Carl Kress y Harold F. Kress) y mejor canción (Al Kasha y Joel Hirschhorn) por la canción «We May Never Love Like This Again» . Entre ellos al Mejor actor de reparto para Fred Astaire , al mejor diseño de producción para William J. Creber , Preston Raphael Bretton  , mejor banda sonora original (John Williams) , mejor mezcla de sonido (Theodore Soderberg, Herman Lewis) , y mejor película para Irwin Allen como productor.

También ganó, entre otros premios, dos BAFTA: Fred Astaire como mejor actor secundario y John Williams a mejor música - Anthony Asquith a la mejor música, y dos Globos de Oro uno para Fred Astaire, de nuevo como mejor actor secundario y Susan Flannery como intérprete promesa, aunque Jennifer Jones,Stirling Silliphant  y .como mejor canción original estuvieron nominados.

Ganó en 1974 el Premios David di Donatello al mejor film extranjero

Abuín, seguimos con él. destaca que la película es un prodigio de montaje, de narración cinematográfica pura y dura, desde el primer minuto hasta el 158 final. El espectador ya es consciente del inicio de la desgracia en el minuto doce, y nos vuelven a avisar en el minuto 29 —dos planos del pequeño cuarto en el que da comienzo el incendio son suficientes—. Así, y hasta el minuto 43, con la entrada de Steve McQueen en escena, ‘El coloso en llamas’ es toda una lección de suspense, por cuanto el espectador posee datos que los personajes no. 

La labor de los montadores Harold F. Kress y Carl Kress —padre e hijo, el primero con un currículum impresionante— fue galardonada con un más que merecido Oscar; hacen avanzar con sumo interés un relato que, a tenor de lo visto en muchas de las películas del género, podría haber caído de lleno en el aburrimiento. Pero ambos, siguiendo las órdenes de Allen, consiguen el tempo interno perfecto en las secuencias más emocionantes, que son innumerables. Por citar dos: la secuencia de Paul Newman con Jennifer Jones y dos niños por el hueco de una escalera destrozada —el actor hizo absolutamente todas sus secuencias—, o la secuencia del ascensor externo y el helicóptero. Un espectáculo por todo lo alto 

Con una muy presente banda sonora de John Williams, quien convenció a Allen de insertar música desde la primera secuencia, ‘El coloso en llamas’ avanza a un ritmo espectacular, sin caer en subrayados y manejando los tópicos con habilidad. A ello se debe, cómo no, lo entregado de un reparto lleno de estrellas, aportando todos y cada uno matices de autenticidad a personajes en base simples. Tanto Paul Newman como Steve McQueen no necesitan esforzarse lo más mínimo por tener carisma con dos de los personajes más planos de sus carreras. William Holden está perfecto con su ambivalente personaje; otros como Jennifer Jones y Fred Astaire, más por el segundo que por la primera, hacen creíble una historia de amor imposible. 

En su concepción de cine espectáculo, la película tiene tiempo para criticar sin miramientos a todo aquel que quiere hacerse rico mediante operaciones que superan la legalidad, incluso el respeto por la vida. Se traduce aquí en la figura de Duncan (Holden) y Simmons —Richard Chamberlain, demostrando que es mejor villano que héroe—, que por “ahorrar” millones de dólares decidieron emplear material defectuoso en el edificio. También no da concesiones a la hora de mostrar las víctimas, de toda índole, que el gigantesco incendio se cobra. En ese aspecto, el film es incluso bastante cruel. Baste citar al respecto el destino sufrido por los personajes de Robert Wagner y Susan Flannery, unos de los momentos más fuertes de la película, de una tensión indescriptible; por supuesto el de Jennifer Jones, demostrando que la vida es terriblemente injusta, o el de todos los héroes anónimos que dieron sus vidas por intentar apagar un incendio que en realidad representa el tamaño de la estupidez y avaricia humanas. 

El plano de O’Hallorhan (McQueen) mirando en silencio los cuerpos de sus hombres muertos es el broche perfecto a un film que, en cierto modo, es todo un homenaje a esa profesión en la que se juegan la vida continuamente por los demás. 

El coloso o El gigante, El Pánico  o La Tormenta, aquí, no hacen referencia a esa obra atribuida  a Goya y que se exhibe desde 1931 en el Museo del Prado, pero para mi si tiene elementos en común con la película. En reste caso el gigante es el edificio, las nubes equivalen a las llamas y el Pánico que lo invade todo. Así es la película, unas obra grande, colosal sobre uno de nuestros grandes temores: el fuego y sus consecuencias, el Pánico.