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miércoles, 15 de mayo de 2019

La redada


Hoy martes es mi día de cine y curiosamente he apostado por un programa doble. Los dos película han sido de cine francés, las  dos películas presentan a Jean Reno como uno de los protagonistas, pero en género son dos películas totalmente opuestas. Frente a la comedia anterior , un drama basado en hechos reales. Frente a la ironía, el horror.

Así que de filme francés ligero a un filme francés absolutamente serio. Los franceses cuando reflexionan con su historia lo hacen con madurez y con calma, posiblemente más y mejor medida de lo que hacemos los españoles, más cainitas, con más bilis.  

En este caso es una gran y emotiva película basada en un historia real. Es una de estas historias que generan bochorno y llaman a nuestras conciencias en la misma medida. El bochorno, el colaboracionismo francés y la insolidaridad de muchos de nuestros vecinos con los judíos que eran perseguidos tanto por los nazis como por el Gobierno colaboracionista de Vichy; la llamada a la conciencia, pues otros quisieron ayudar y ser solidarios con las personas de esta comunidad que estuvo en un trance de ser exterminado por el nazismo.

Es todo un retrato de cómo el ser humano puede llegar a comportarse en situaciones límites y un recordatorio para no olvidar una historia vivida o sufrida por parte de la humanidad provocada por la inhumanidad de otra parte. 

El título de la película , La redada o La rafle, título original en francés. El filme fue escrito y dirigida en 2010 por Roselyne Bosch. Cuenta la historia de la Redada del Velódromo de Invierno, llevada a cabo un 16 de julio de 1942 por la policía de París (en colaboración con los ocupantes nazis) y que se prolongó al 17 , y que dio lugar a que encerraran a unos  13.000 ciudadanos judíos en el Velódromo de Invierno parisino como paso previo  a su envío al campo de concentración de Auschwitz,tras varios días de encierro en el recinto (y de pasar por varios «campos de tránsito» ubicados en las fronteras del país) . De ellos, 4.051 eran niños, 5.802 eran mujeres y 3.031 eran hombres.

La rafle , presentada a nivel internacional como The Round Up es del año  2010 y fue dirigida por la realizadora de Avignon Roselyne Bosch .  Bosch, que es también productora y guionista , hija de padre catalán y madre italiana , pasó antes por el periodismo documental y por colaboraciones con Le Point sobre temas muy diversos.

Pero tras dejar aparcada su carrera como periodista se lanza a la escritura cinematográfica siendo ella la responsable de la historia que llevo Ridley Scott al cine titulada  1992: Conquista del Paraíso.

En 1998 la encontramos como responsable en dos guiones para las películas En el corazón de Pierre Jolivet y Bimboland , de Ariel Zeitoun. En 2003, Gérard Depardieu recupera a Roselyne Bosch, cuyo guión de El pacto del silencio , tomado de la novela de Marcelle Bernstein, está dirigido por Graham Guit . El siguiente paso en lo profesional de Bosch fue pasar a la dirección. Y esto se produce en mayo de 2005, cuando Roselyne Bosch dirigió, una película en inglés producida por Légende que llevaba por título ''Animal''.

Tras esta llegó La redada y tiempo después estrenó en 2013 ''Avis de Mistral'') con Jean Reno. Pero volviendo a nuestra película esta nace en 2007, cuando Ilan Goldman y R. Bosch se embarcaron en un proyecto en el que llevaba pensando diez años y que está vinculado con lo que en francés se conoce como "Vel d'Hiv". En ella está involucrado personalmente el productor Alain Goldman, pues su familia , oriunda de Butte Montmartre, escapó de esta enorme redada que tuvo lugar en julio de 1942. Sus experiencias, así como los testigos que aún vivían de esta oscura página de la historia de Francia, inspiraron a Rose Bosch a escribir el guión de la Rafle.

Así que con el guión de Roselyne Bosch y la producción de Alain Goldman junto a las productoras Légende Films , Gaumont Film , Wide Pictures y con un presupuesto de € 20,000,000 se lanzan a contratar a Christian Henson en la música, a David Ungaro en la fotografía y Plantin Alice en el montaje.

El elenco lo encabeza Hugo Leverdez como Jo Weismann, a la edad de 11 años, y que en un momento dado al inicio de la película mira y le sonríe al auténtico Joseph Weismann, que hace un breve cameo, a la edad de 80. También interviene Raphaëlle Agogué como Sura Weismann, Gad Elmaleh como Schmuel Weismann, Sylvie Testud como Bella Zygler, Oliver Cywie como Simon Zygler, Mathieu y Romain Di Concetto como Nono Zygler, Adèle Exarchopoulos como Anna Traube a la edad de 20, Anne Brochet como Dina Traube, Catherine Allegret como la conserje Tati, Isabelle Gélinas como Hélène Timonier, Barnabás Réti como Monsieur Goldstein, Mélanie Laurent como la enfermera Annette Monod (que falleció en 1995), Jean Reno como Dr. Sheinbaum, Thierry Frémont como Capitaine Pierret, el jefe de bomberos, Catherine Hosmalin como la mujer del panadero, Udo Schenk como Adolf Hitler, Thomas Darchinger como Heinrich Himmler, Holger Daemgen como Helmut Knochen, Dr. Roland Copé como el Mariscal Pétain, Jean-Michel Noirey como Pierre Laval, el Primer ministro de Vichy, Frederic Moulin como René Bousquet, Patrick Courtois como Emile Hennequin, el jefe de policía y Denis Ménochet como Corot, el comandante de Beaune-la-Rolande. Además de los integran el reparto Rebecca Marder, Caroline Raynaud, Marc Rioufol, Tamás Lengyel, Iván Fenyö, Gyula Mesterházy.

La película comienza en los últimos momentos de la primavera del año 1942. La capital francesa está ya ocupada por los nazis desde que vencieron a las tropas francesas en el verano de 1940. El país presenta la dualidad entre la Francia ocupada, la zona oeste del país con capital en París y en la que las autoridades son las alemanas, mientras que la parte oriental forma el Estado Francés (État Français), dirigido por el Mariscal Philippe Pétain que surgió tras la derrota francesa en 1940 y que estableció su capital en la pequeña ciudad de Vichy. El "régimen de Vichy" autoritario presenta rasgos fascista y colaboracionista con la Alemania Nazi con Pierre Laval como primer ministro.

Vemos que ya se están aplicando las medidas de identificación de la comunidad hebraica. Todos los miembros de la comunidad llevan la correspondiente estrella de David . Vemos como en la capital francesa un alemán se dedica a grabar con una cámara sonríe a un chico que va a la escuela, pero cambia su cara cuando detecta que el niño lleva en su ropa de estrella amarilla. El niño es un joven Jo Weissman (Hugo Leverdez) que vive junto a su familia de origen polaco y que lleva un tiempo asentado en la capital francesa.

Viven ellos en un bloque de viviendas en las que se hacinan muchas familias judías, aunque Tati (Catherine Allegret ) , la conserje de la finca , tiene una magnífica relación con los integrantes de la comunidad. Las familias que allí viven entre ellos los Weismann, formado por Sura Weismann (Raphaëlle Agogué) y Schmuel Weismann (Gad Elmaleh), junto a sus tres hijos, o los Zygler, cuya padre decidió ir a otro sitio , pero que en la casa reside la madre , Bella Zygler (Sylvie Testud)y sus cuatro hijos entre ellos Simon (Oliver Cywie) y Nono (Mathieu y Romain Di Concetto).  Forman una comunidad de trabajadores, algunos nacidos o con raíces en otros lugares e ideológicamente dispares.

Todos van por calles y places identificados con su estrella y , a veces, descubren con desagrado los comentarios abiertamente racistas y las actitudes discriminatorias de sus compatriotas que los tratan como escoria y los llaman "indeseables".

Las medidas legales contra la población judía implican que los que son funcionarios dejan de serlo de la Universidad o de la Administración, incluso, se les  limita los accesos a tiendas privadas y entidades públicas.

El curso escolar acaba y trae consigo cambios. Las chicas de los Weismann son obligadas a abandonar sus estudios de danza  e incluso profesionales de la educación son apartados de sus puestos.

Pero las noticias de que todo irá a pesar hace que algunos se planteen la posibilidad de huir, mientras otros como el padre de los Weismann lo ve como algo imposible.

Mientras vemos como hay decisiones que se toman en Berlín , en el Berghoff y "Nido de águilas" y París contra la comunidad judía. Vemos que Hitler y Himmler siguen con sus discursos racistas y la puesta en práctica de la llamada "Solución Final" que implica la aparición de los campos de concentración en los que serán recluidos los judíos de todo el continente.

En París y en la región de Île de France culmina la propuesta del detener a todos los judíos franceses estaban fichados desde 1940. Las autoridades conocían, por tanto, sus direcciones. Las instrucciones del director de la policía municipal, M. Hennequin, el 12 de julio de 1942, fueron que los policías e inspectores, después de verificar la identidad de los judíos que tenían que arrestar, debían hacer caso omiso y no discutir las diferentes observaciones que les pudieran hacer; que no atenderían a su estado de salud por lo que todo judío arrestado deberá ser conducido al Centro primario; y que las detenciones deberían ser efectuadas con la máxima rapidez, sin palabras inútiles y sin ningún comentario. Hennequin toma la decisión de detener a los integrantes de la comunidad hebraica que calculaba en una cifra superior a los 25.000 a cambio de conseguir más autonomía para la policía colaboracionista. Con respecto a los niños y niñas se decide igualmente que caigan en la redada.

Las condiciones del arresto fueron las siguientes: las personas arrestadas no podían llevarse más que una manta, un par de zapatos y dos camisas; después separaron a las familias, muchas de las cuales nunca volvieron a reunirse.

En la noche del 16 de julio de 1942, 4.500 gendarmes del gobierno colaboracionista del Mariscal Pétain, que había firmado un pacto con Hitler y aceptado la ocupación de Francia por el ejército alemán, procedieron en París a una gigantesca redada, en la que 13.152 judíos fueron arrestados y posteriormente encerrados, en condiciones infrahumanas, en el Velódromo de invierno. Estaba previsto detener a 27.391 judíos, pero, aunque la mayoría de los franceses fueron colaboracionistas, una minoría dio cobijo a muchos de los integrantes en la comunidad.

La desobediencia civil de muchos ciudadanos y de algunos funcionarios permitió escapar a buena parte de los que habían sido previamente fichados y marcados con la estrella amarilla. La batida se inició a las cuatro de la mañana del 16 de julio de 1942.

Durante dos días, los agentes franceses fueron casa por casa con la orden de actuar con la máxima rapidez, sin palabras inútiles y sin ningún comentario. En la película vemos como a pesar de los gritos de Tati , que había sido informada por el de la poste, se produce la irrupción de los gendarmes y la actuación de estos y otros colaboradores. Vemos como algunos en la comunidad intentan huir entregando sus hijos a vecinos no judíos, como algunos se lanzan al vacío , vemos como otros escapan usando nombres falsos como la hija mayor y el menor de los Zygler, que es salvada por una pareja de prostitutas , aunque Bella es agredida sin piedad.

Finalmente los Zygler supervivientes son protegidos por un párroco que les pide que se olviden de sus nombres y apellidos , así como de su religión mientras siga la ocupación.

En las casa de familias más pudientes como los Traube, Anna (Adèle Exarchopoulos) la mayor de las hijas intenta huir , tras atraer la atención de los gendarmes como el fin de que su madre Dina  ( Anne Brochet) y su hermana escapen, como ya había hecho su padre, el profesor que daba clases de alemán.  Pero Anna es detenida poco después y llevada al Velódromo con lo puesto.

Los solteros fueron trasladados directamente a Drancy, al norte de París, escala previa a la deportación a los campos de concentración alemanes, mientras que las familias acabaron en el Velódromo de Invierno, entonces situado junto a la Torre Eiffel.

Las condiciones de los encarcelados en el Velódromo de Invierno, en un estadio abarrotado son deplorables. Las gradas colapsadas y las pistas con niños jugando en la pista central daba lugar a un ruido infernal en el que había desde imploraciones , lamentos, gritos , lágrimas ...

Sin agua, sin comida hacinados pasan esos cinco días en el Velódromo. Para atender únicamente hay un médico - judío evidentemente-  el Dr. Sheinbaum (Jean Reno ) que se desbordado ante las deshidrataciones , la escarlatina, las paperas y otras enfermedades. Desde el hospital se envía como apoyo a una joven enfermera Annette Monod  (Mélanie Laurent)  que se siente solidaria con el doctor y con los allí confinados. De entre todos hay especialmente un chico, Nono , el pequeño de los  Zygler, ante la muerte de Bella, su madre . También se hace cargo de Simon.

En el interior la tensión va en aumento ante la falta de agua , pero la llegada del Capitaine Pierret, el jefe de bomberos, (Thierry Frémont ) alivia la situación al repartir agua y recoger los muchos mensajes que los confinados le entregan a su equipo de bomberos.

Aprovechando la llegada de los mismos y la confusión reinante y gracias a las indicaciones del Doctor David,  Anna Traube logró huir gracias a la ayuda del responsable de saneamiento, Gaston Roques,  que le da un pase. Anna se hace pasar por su mujer y logra salir al exterior.

Mientras vemos como   el Gobierno de Vichy responde con Laval a la cabeza a la exigencia alemana de entregar un cupo determinado de judíos, pero es evidente que fue la iniciativa de incluir en la redada, por primera vez, a menores de 16 años con el fin de evitar cargar con el problema de los huérfanos.

Tras cinco días de penalidades que vemos principalmente desde la óptica de Annette que ve como los prisioneros son trasladados en tren desde la Gara dÁusterlitz  a los campos de Drancy, Beaune-la-Rolande y Pithiviers.

Como ella no quiere abandonar a los judíos ni a el Dr David se monta en el tren y se integra en la triste caravana que va esos campos de concentración de la región del Loira. Al llegar detectan que los barracones todavía huelen a humanidad y sospechan que un grupo se acaba de ir a un destino indeterminado. 

Desde la radio escuchan las consignas radiofónicas en la que son tratados como indeseables. Detectan igualmente como en el exterior Anna , que consiguió escapar, contactó con su padre y entrega algunos víveres a Jo y Simon para que se lo entregue a su hermana y madre que están en ese campo. 

Por otro lado, Annette escribe en incontables ocasiones al prefecto local para que mejoren las condiciones de vida de los allí instalados. La enfermera sólo consigue la solidaridad de un grupo de monjas que prepara magdalenas para los chicos.

El tiempo pasa y el cautiverio se hace más severo. Una mañana se personan los guardias de custodian el campo y anuncian el inmediato traslado a Polonia del grupo. Les dicen que no han de llevar elementos personales.

Las mujeres tiran a los retretes la mayor parte de objetos de valor (collares, sortijas, anillos, chequeras,...) , pero son revisadas con suma brutalidad por algunos carceleros que les obligan a desvestirse y les agreden brutalmente si aparece algo de valor oculto. En el exterior los hombres y mujeres son separados. En eso llega una serie de camiones alemanes que dan la orden por medio del sargento francés de separar a los hijos de los padres y madres.

El drama ante la separación es respondido con la bestialidad de franceses y alemanes que agreden a hombres y mujeres.

Testigo de todo Annette que ve como se llevan al Doctor y ella, conjunto a otro enfermera se quedarán encargada de los niños. Hombres y mujeres son llevados a Auschwitz.

Ante el drama de la separación Jos y otro chico, Pavel deciden escaparse cruzando la alambrada para sobrevivir sacan de los urinarios el oro y las joyas, así como dinero que echaron las madres. Simon no puede debido a una hernia además debe encargarse de Nono. Una mañana se escabullen y logran llegar a un cementerio.

A la mañana siguiente lo carceleros dan la orden de traslado de los chicos. Annette no puede impedirlo ya que está convaleciente de unas fiebres. Cuando llega a la estación sólo encuentra el oso de peluche que portaba Nono y que se le cayó mientras buscaba y esperaba a Annette.

La historia salta en el tiempo y alcanza el verano de 1945 . Vemos que Annette, como enferemera, atiende a un grupo de niños que proceden de los campos de exterminio liberados. De vez en cuando busca a los supervivientes del Velódromo en el Hotel Lutetia, mientras suena "Claro De Luna" (Piano/Chelo) - Claude Debussy.

Nunca encuentra nadie hasta que se presenta Jos que , finalmente, logra huir y fue recogido por una familia del norte y cuando va a marcharse ve el retrato de Bella que lleva una mujer que va con un niño que busca a un pariente. La enfermera Annette descubre entre lágrimas a Nono al que abraza.

La historia acaba con la información de que ninguno de los niños llevados a Velódromo y que más tarde pasaron a los campos de concentración alemanes lograron sobrevivir a la barbarie. Así, con la imagen de Jos acompañando a su nueva familia que lo lleva al carroussel con el que empezaba la película acaba este dura y emotiva historia.

Roselyne Bosch escribió el guión tras estudiar el caso durante tres años porque no entendía que este episodio de la historia de Francia fuese ignorado en los libros de textos , por la idea de amnesia sobre el colaboracionismo que hubo en Francia tras su liberación simpatiza con las víctimas.

La familia judía de su esposo vivía muy cerca de la casa de los Weismann y el padre de Bosch estuvo encarcelado en un campo de internamiento, pero en este caso franquista. Además contactó con el historiador Joseph Willman y se apoyó en su relato para construir su obra.​

Para el elenco hubo una buena selección de actores. El primero en ser elegido fue  el actor cómico Gad Elmaleh que no quería hacer el papel serio de Schumel Weismann, pero después de leer el guión cambió de opinión.

Bosch le dio a la actriz Melanie Laurent el papel de la enfermera de la Cruz Roja Annette Monod, fallecida en 1995 y que era conocida entre la comunidad judía de "justa entre las naciones".

Según la directora "Para mí, Jean Reno era el Dr. Sheinbaum (...) Tiene ese poder de seducción para la pantalla, es tan camaleónico y desprende tanta humanidad... Además, Jean tiene unas manos inmensas, perfectas para un tocólogo o un pediatra. Es un hombre de gran nobleza y eso lo trasmite hasta en películas como 'Los visitantes'. Es una especie de caballero judío"

Emmanuelle Seigner fue elegida originalmente en el papel de la madre de Jo, Sura Weismann, pero se retiró tres semanas antes de la filmación pasando el papel a manos de Raphaëlle Agogué.

Samuel Le Bihan fue originalmente elegido para el papel de Capitaine Pierret, en última instancia, pasó a  Thierry Frémont.

Lo cierto es que lo ocurrido en el gigantesco Velódromo cercana a la Torre Eiffel había sido ignorado por gran parte del pueblo francés. Parecía haberse borrado o que había desaparecido como el edificio que fue derruido en 1959 y del que sólo una pequeña placa conmemorativa da constancia de lo que ocurrió aquel verano de 1942.

De la redada tan sólo queda una fotografía, en la que se ven los autobuses que transportaron a las familias.

Aquel traumático episodio no entró en los libros de historia escolares hasta la década de los ochenta. En 1995, el presidente Jacques Chirac se decidió a reconocer la responsabilidad francesa en la deportación de judíos. "La locura criminal del ocupante fue, lo sabemos, secundada por franceses, por el Estado francés", recalcó, en un histórico discurso que apareció en Le Journal du dimanche.  Por otro lado, hombres y mujeres tanto de la derecha y de la izquierda apoyaron su proyección (Nicolas Sarkozy, Dominique Strauss-Kahn, Bernard Kouchner, Ségolène Royal, Jean-François Cope, Simone Veil ...).

France 2 dedicó un programa especial en horario de máxima audiencia de dos horas en vivo al evento, invitando a la cineasta, testigos, políticos, historiadores y psiquiatras a participar en un debate con material de archivo y extractos de la película.

Paris Match publicó en especial de diez páginas sobre la película, en torno  Joseph Weismann. También Le Nouvel Observateur dedicará a la película su portada.

Jean Daniel , ex compañero de Charles de Gaulle en un artículo reconoció que había visto película La Rafle y que lloró  viendo la película de Rose Bosch "que relataba uno de los episodios más trágicos de France Vichy. [...]...he sentido durante mucho tiempo que el arrepentimiento no era necesario ya que los que habían sido culpables de complicidad con el genocidio ya no eran franceses, al menos según la moral gaullista. Esperé todo este tiempo y esta película para darme cuenta que estaba equivocado. »

La directora en una entrevista a la revista The Laser Years molesta por las críticas y las acusaciones de buscar la lágrima fácil dijo: "Lloramos durante La Rafle porque ... solo podemos llorar. Excepto si  (...) consideras que las emociones humanas son una abominación o una debilidad. Esto es lo que Hitler pensó: que las emociones son sentimentalismo."

En enero de 2011, en AlloCiné , acompañada por Alain Goldman, su esposo, Rose Bosch regresa a estos eventos, explicando que simplemente deseaba "advertir contra el aumento del cinismo y la disminución de la emoción".

La directora escribió el guion del filme en solo 5 semanas, sin pausa y de una tirada y según declaraciones de la propia escritora fue como una especie de liberación escribir la obra.  La cineasta, de origen catalán, se nutrió de los testimonios de supervivientes como Anna -interpretada en la película por la joven griega Adèle Exarchopoulos- o Joe Weismann -el pequeño de 11 años, protagonista del filme y al que da vida Hugo Leverdez-, que logró escapar del campo de detención.

La auténtica Anna Traube, una de las supervivientes, que entonces tenía 20 años le relató que "Mi madre les suplicaba, pero yo me di cuenta de que no serviría de nada". Y añadió  "Era infernal, el ruido, la gente que lloraba, que gritaba, los niños que jugaban en la pista central", recuerda Traube. 

Annette Monod, la enfermera que encarna Mélanie Laurent en la pantalla, es el primer personaje real al que la realizadora Roselyne Bosch identificó. "La encontré a través de entrevistas de radio y de televisión, ya que ella decidió contar las cosas que había visto, antes del morir en 1995". Annette Monod, enviada a Vel' Hiv', se dio cuenta de lo que estaba pasando allí. Organizó como pudo la llegada de los internos y se quedó con ellos, hasta quería ser trasladada con ellos a los campos de Loiret, sin saber que les esperaba la muerte. Cuando se enteró de esto, fue hospitalizada cuatro meses. Pero jamás abandonó su misión. Al final de la guerra, se fue para Lutétia para acoger a los supervivientes. Hoy forma parte de una asociación en la que los judíos honran a aquellas personas que los ayudaron durante la guerra. Cuando se jubiló militó en Amnistía Internacional para seguir luchando contra la tortura".

Para documentarse sobre esta redada histórica, Roselyn Bosch pidió ayuda a Serge Klarsfeld, que desde hace 25 años se ha dedicado a censar a las víctimas. "Él conocía todos los datos", "Pero él se había ocupado sobre todo de los muertos, y yo quería saber más acerca de los supervivientes". También hay que tener en cuenta que las cosas que le interesaba saber al historiador no eran las mismas que las que necesitaba conocer la cineasta. "Aún así Serge Klarsfeld fue un consejero formidable desde el más riguroso punto de vista histórico, sobre todo cuando abordé las relaciones entre Vichy y las autoridades alemanas. Podemos hablar de "regateo humano". Los ferrocarriles franceses enviaban facturas a Berlín por cada cabeza de judío que transportaban". Señalar que los niños fueron enviados directamente a la muerte en las cámaras de gas.

Fue ella la que aportó la información de que  logró huir gracias a la ayuda del responsable de saneamiento, Gaston Roques, y del médico judío de la Cruz Roja, David Sheinbaum, interpretado en la película por Jean Reno.

El rodaje comenzó en mayo de 2009 y duró 13 o 14 semanas acabando en agosto de 2009. Hubo 9.000 extras y el equipo de rodaje reconstruyó (en Hungría) el Velódromo de Invierno y un campo de concentración. Se rodó en ocasiones con tres cámaras estando una de ellas a la altura de la mirada de un niño.

Se rodó en los Mafilm  y Fót Studios de Budapest,  donde se recreó  el velódromo de invierno , aunque también en Montmartre, y el Centre Hippique du Touring Club de France de  Bois de Boulogne,  y otros puntos de Paris.

Rose Bosch audicionó a 200 niños para el papel de Jo Weismann siendo Hugo Leverdez, el seleccionado entre los más de 200 niños y aproximadamente 100 para los otros  papeles infantiles.

En Francia el filme será muy polémico al ser en apuntar a la responsabilidad francesa. Desde su estreno  La rafle recibió un tratamiento especial. Profesores y alumnos han sido invitados a diferentes preestrenos. La propia productora preveía una serie de acciones didácticas y contó para ello con el   apoyo de la administración de la región parisiense.

Los diarios desde la película se fueron llenando de cronologías recordando la serie de redadas que se realizaron en Francia durante la II Guerra Mundial; y la radio abrió sus micrófonos para recoger  los testimonios de los supervivientes. Los principales canales de televisión  dedicaron programas especiales a la salida de la película, aprovechando la ocasión para hacer un trabajo de memoria colectiva.

Pero la película no tenía como objetivo único el recordar sino también el de apuntar responsabilidades y honrar a los héroes que se arriesgaron para salvar la vida de sus vecinos. La intención del productor Alain Goldman era hacer una lista francesa de Schindler  ya que sentía que ninguna película francesa había abordado realmente el tema.

Algunos de los personajes de la película están basados ​​en personas reales, en cuyos testimonios se basó el guión; y, como se mencionó en los créditos de apertura, todos los eventos que ocurren en la película, sin importar cuán extremos, realmente sucedieron.

La parte que representa a Adolf Hitler con una gabardina blanca en la terraza que tiene pastel está tomada de un material de color extremadamente raro tomado por Eva Braun, la amante de Hitler y más tarde esposa, en Berghof, la residencia privada de Hitler en Baviera, durante su cumpleaños. Las escenas fueron cuidadosamente reconstruidas no solo para incluir posturas, paisajes y uniformes, sino también para los invitados: el jefe de la SS Heinrich Himmler y el ministro de Propaganda Joseph Goebbels, la propia Eva Braun, el pastor alemán de Hitler, Blondi, y los dos niños, que eran los hijos mayores de Goebbels. Incluso hay una parte cuando Hitler regaña a Eva por fumar y luego un general mira con recelo a la cámara cuando lo apunta. Todo esto es genuino y se puede ver en las imágenes completas.

La película  se entrenó en París y Budapest  en 2009 donde se filmó, y  fue un éxito sin paliativos consiguiendo en taquilla los 3 millones de euros.

Además fue la ganadora en el Festival de cine judío de Atlanta en 2011. Recibió varios premios, como mejor película en el Festival Internacional de Cine de Washington en octubre de 2010, así como el Senato Romano Award de 2010 y el premio de la prensa extranjera en París ese mismo año.

Fue estrenada en salas de Estados Unidos durante 2011, así como en Australia, Japón, Polonia e Inglaterra. En 2011, ingresó en el Museo del Holocausto en Washington, en la colección permanente, en concreto en la "Salle France".

En cuanto a la crítica especializada se mueve entre el aprecio y la crítica feroz. Entre los primeros Tom Long del Detroit News señala que "La escritora y directora Rose Bosch está trabajando en un modo épico histórico descarado, equilibrando las historias individuales con la grandeza de manera efectiva. Ella nunca se desvía por el sentimiento barato, solo lo pone todo".

Para John Hartl del Seattle Times "Bosch hace un trabajo impresionante al recopilar las historias que ella y sus ayudantes encontraron mientras investigaban el guión. " Entre los críticos Ty Burr del Boston Globe critica que se trate de "Una épica grande, triste y dramáticamente trillada sobre un capítulo sombrío en la historia de la Francia moderna. "

En Time Out, Andrew Schenker afirmaba que "La película logra generar solo una leve indignación, atenuada por el gusto impecable y la distancia segura del tiempo."

Jeannette Catsoulis en el New York Times señala que "Un relato bienintencionado pero inexperta dramatizado del resumen de 13,000 judíos parisinos en el verano de 1942.

Ya en España ,  Tony Val en Cinemanía nos dice que " (...) Roselyne Bosch ha escrito y dirigido una película de denuncia concebida como una experiencia estética a medio camino entre el hiperrealismo y el cartón piedra. Pero es una opción consciente, deliberada y para nada fallida. (... ) Recuerda La redada a un tipo de cine que ya no se estila, tristemente periclitado, un cine europeo de los años 30 y 40 inyectado de mirada humanista y trazo artesanal. Se adivinan en ella –salvando todas las distancias– intenciones y rastros del cine de Jean Renoir –¿qué tendrá Esta tierra es mía para que su recuerdo sea tan perdurable?– y son los niños los que, una vez más, cargan con la misión de acumular el peso de una ficción esencialmente limpia sobre seres desprotegidos, sometidos al arbitrario designio de unos iluminados. Todo un placer, además, encontrarse de nuevo con la gran Mélanie Laurent, una presencia hermosa dotada de un gran talento para la pura naturalidad. La redada es, en fin, una película inesperada, sencilla y emotiva como un cuadro impresionista, un lienzo colorista donde los trazos del pincel no son ni finos ni gruesos. Tan sólo trazos. Tan sólo vida".

Ana Teruel en El País dice de la película que " retrata por primera vez sin tapujos una de las páginas más oscuras -y durante décadas, tabú- de la historia reciente de Francia: la redada del Velódromo de Invierno de París, la mayor realizada en territorio francés y en la que fueron detenidos más de 13.000 judíos, la mayoría mujeres y niños."


martes, 14 de mayo de 2019

El Chef


La comedia francesa es una comedia elegante , sin estridencia, amable que juega con las situaciones y que tira de un buen número de actores y actrices que saben cómo afrontar el tono adecuado.  A esto se suman los guionistas que sacan brillo y logran tesoros de historias sacados de los cotidiano que llevada al extremo adquieren una dinámica divertida, amable, rara vez sonrojante y escasamente grosera. 

Esta es la impresión que me ha transmitido Chef, la receta de la felicidad , una película de 2012 y titulada en francés Comme un chef Dirección Daniel Cohen. Se trata del tercer largometraje dirigido por el cineasta galo Daniel Cohen, quien ya se había sentado en la silla del realizador con la también cómica ''Les deux mondes'' y el drama ''Une vie de prince''.

En esta ocasión, Cohen se propuso caricaturizar un gremio muy popular tanto en Francia como España (los países productores de la cinta): el de la alta cocina, con grandes alusiones al ego de los cocineros, a la comercialización del oficio, a la imagen estelar del producto o a las tendencias vanguardistas de algunos profesionales.

Esta coproducción hispano-francesa estuvo controlada por la productora francesa  Sidonie Dumas directora general de Gaumont desde 2004 al que llegó sustituyendo a Patrice Ledoux por lo que indudablemente en la misma participa la Gaumont y junto a ello la TF1 Films Production, y la española A Contracorriente Films, encargada en España de la distribución.

El guión es obra del mismo Daniel Cohen, mientras que la música es obra de Nicola Piovani, la fotografía de Robert Fraisse, el sonido de Lucien Balibar , en el vestuario Emmanuelle Youchnowski y en los efectos especiales Guy Monbillard.

Dejo para el final el montaje pues en ella participaron seis personas: Géraldine Rétif, Héléna Retif, Magalie Thuillier, Magalie Magnan y Elodie Mittet, lo que habla de problemas con el mismo.

El reparto lo integra Jean Reno, como Alexandre Lagarde y Michaël Youn, como Jacky Bonnot. Junto a ellos , figuras estelares, están Raphaëlle Agogué como Beatrice, Julien Boisselier como Stanislas Matter, Santiago Segura, como el chef vanguardista Juan, Salomé Stevenin, como Amandine, Serge Larivière, como Titi, Issa Doumbia, como Moussa, Bun Hay Mean, como Chang y Pierre Vernier, como Paul Matter el albañil metido a cocinero. Igualmente tienen papel en las misma Geneviève Casile como la madre de Beatrice, André Penvern como el padre de Béatrice, James Gérard como Cyril Boss, el chef británico especializado en cocina molecular, Laurent Claret como el crítico, Christophe Paou como el sumiller, Rebecca Miquel como Carole, patrona de un restaurante en Nevers y Henri Payet como Thibault.

La historia comienza mostrándonos a un joven Jacky Bonnot (Michaël Youn) de 32 años, amante de la alta cocina, que sueña con triunfar un dia en un gran restaurante. Pero que es expulsado de varios en una semana puesto que intenta hacer alta cocina en lugares que buscan exclusivamente dar comidas.

Su precaria situación económica le obliga a aceptar trabajos que ni siquiera consigue conservar y más aún en este momento puesto que su compañera sentimental Beatrice (Raphaëlle Agogué ) se encuentra embarazada y es la única que aporta algo en la casa.

Dada las circunstancias Jacky Bonnot decide aceptar un puesto de trabajo de pintor de brocha gorda en una residencia de la tercera edad. Como la cabra tira al monte en el momento que pinta la ventana de la cocina le dice a los tres cocineros que trabajan en el lugar como ha de preparar un bacalao. Los cocineros son cualquier cosa menos profesionales pues han salido de sus trabajos como taxista o como obrero para hacer una comida que guste a los ancianos. No obstante Moussa ( Issa Doumbia) Chang (Bun Hay Mean) y Paul Matter ( Pierre Vernier) le invitan a pasar a su cocina.

Evidentemente no gusta a nadie, salvo a uno de los presentes. De todas maneras como pintor, se hace amigo de los cocineros del establecimiento y los ayuda a mejorar su menú.

Un día se cruza en su camino Alexandre Lagarde (Jean Reno), un célebre y reputado chef, con 3 estrellas Michelin cuya acomodada posición se ve amenazada por el grupo financiero propietario de su restaurante y eso a pesar de su éxito.

Alexander Lagarde gusta hacer el “tour” de la sala para recibir aplausos. Pero en estas circunstancias Lagarde ve peligrar su cómoda posición porque el grupo financiero que es dueño de sus restaurantes quiere implantar la "cocina molecular" en la carta. De hecho quieren que en esta nueva temporada, la Carta de Primavera contenga este tipo de cocina. Pero , lo cierto, es que el chef Lagarde está descontento con sus recetas porque ya no le emocionan nada . El chef estrella Alexandre Lagarde no se entiende con la nueva dirección de la empresa propietaria de su restaurante, ya que prefiere apostar por su cocina , además lo molecular si le gusta ni sabe plantearlo.

Poco a poco, a los miembros del equipo de cocina de Alexandre les ofrecen otros puestos y le avisan de su marcha a otros restaurantes de prestigio en Nueva York y Qatar mientras Lagarde hace su popular programa de TV .

Además la presión que siente Lagarde por parte del hijo de su socio fundador y ahora ejecutivos del grupo financiero que controla el restaurante y sus propiedades le dicen a Lagarde que utilice ingredientes baratos y congelados para legitimar su uso por la industria. El chef estrella Alexandre Lagarde no se entiende con la nueva dirección de la empresa propietaria de su restaurante, restaurante Cargo Lagarde, encabezada por Stanislas Matter (Julien Boisselier) que prefiere apostar por la nueva cocina molecular. Poco a poco,  su equipo de cocina va saliendo de la misma.

Lagarde se encuentra desesperado y sin ideas para el nuevo menú que puntuarán los críticos gastronómicos de la Guía. Alexandre necesita inspiración y un nuevo ayudante. Lagarde se encuentra desesperado y sin ideas para el nuevo menú y sabe que en poco tiempo será evaluado por los críticos gastronómicos de una Guía. Alexandre necesita inspiración y un nuevo ayudante. Y entonces aparece por arte de casualidad Jacky, el aficionado a la alta cocina, autodidacta, obstinado y con mucho, mucho talento que llega gracias a uno de los comensales de la residencia, socio del grupo y que ha valorado la crema realizada por el joven Jacky Bonnot.

Entonces conoce a Jacky y ve en él mucho talento. Así que Lagarde contrata a Jacky, que le dará un aire nuevo a su cocina y le ayudará a recuperar su inspiración, y Jacky podrá conseguir su sueño de ser un gran cocinero en un prestigioso restaurante.

Pero el temor a la pérdida de la Guía por un lado y el temor de Jacky por no decirle a Beatrice que se ha ido del trabajo de pintor y que está en calidad de aprendiz, sin sueldo , en el restaurante genera un conflicto de Jacky con su chica y de Lagarde con su hija a la que ignora en estos momentos que está a punto de leer su tesis doctoral en la Sorbonna de Literatura francesa comparada con los escritores rusos del XIX.

De todas maneras Jacky como Alexandre comienzan a cocinar juntos, pero tan pronto como comienzan, Jacky y la obstinación de Alexandre llevan a una discusión que hace que Jacky sea despedido.

Con todo vuelve por petición de Lagarde, aunque su novia , que aún no sabe nada de su nuevo empleo va al lugar donde esperaba verlo como pintor y se encuentra en la cocina de los internos, que están teniendo una videollamada con Jacky. Ella lo descubre mintiendo y su relación se rompe ya que ella se enoja tanto por su torpe propuesta como por haberle mentido.

Forzados por las circunstancias Lagarde y Bonnot , que tiene una severa crisis con Beatrice, a la que va a buscar a Nevers para pedirle la mano, pero ella le ignora, decide seguir con la idea de ayudar al Chef.

Alexandre le ofrece una copa de vino que Jacky acepta, y siguen probando botellas de vino hasta que ambos se emborrachan un poco. Alexandre le dice a Jacky que los críticos de comida que prefieren la cocina molecular cenarán pronto en su restaurante y resultará en la pérdida de una estrella de la calificación de sus restaurantes. Jacky, borracho, pide ayuda a su amigo Juan.

Inicialmente Jacky recurren un reputado chef español Juan Ortiz (Santiago Segura), un especialista en nitrógeno líquido, gelatinizantes y demás recursos tecno que ha aprendido con cocineros españoles. Ortiz ( les enseña a atomizar un pato y otros trucos que terminan en un fracaso estrepitoso. Como la tendencia es la tendencia y la estrella no la quiere perder, la siguiente experiencia tecno acaban en el restaurante de un chef inglés , precisamente el que pretende ocupar el sitio de chef en el restaurante .

Allí asisten camuflados pues ambos son conocidos del cocinero así que lo hacen asumiendo el rol agregado cultural de la Embajada de Japón y Señora ( Reno y Jacky) en una de las escenas más divertidas de la película.

Con la ideas claras Jacky y Lafarge , auxiliados por los tres cocineros de la residencia logran dominar los procesos de la cocina. Alexandre le ofrece a Jacky una habitación en su casa para pasar la noche, donde Alexandre trata de hablar con su hija, quien está resentida por la indiferencia de su padre ante su tesis y su título.

El día de la presentación de la carta de primavera coincide con la lectura de la tesis de la hija y Lagarde , qiue por contacto con Jacky , ha empezado a cambiar de prioridades deja solo a su ayudante para que enamora a los críticos con platos de base tradicional y resolución moderna, lo que denominamos tercera vía.

Cuando llega Jacky a la cocina no hay alimentos así que son adquiridos en un colmado de la esquina de un marroquí y el lleva el peso de la comida. Mientras trabaja recibe la noticia de que ha sido padre de una niña y que vuelve a tener la consideración de su pareja. Mientras Lafarge ha apostado por leer la tesis de su hija, prepararle un apetitoso desayuno y acompañarla a la lectura a la Sorbonne. Cuando sale de la defensa de la tesis va al restaurante y descubre que los críticos valoran positivamente los platos diseñados manteniendo las tres estrellas.

Pero Lafarge reconoce que ni la carta ni la presentación es suya sino de nuevo Chef Jacky. Renuncia a la presión de las estrellas, cede el cetro de mejor cocinero a su aprendiz , qe antes va a ver a su hija, mientras que Lafarge vuelve a las recetas de su juventud en un restaurante de pueblo (Nevers) y con una nueva compañera sentimental.

La película termina con la presentación en el Trocadero del nuevo programa de cocina realizado conjuntamente por Lafarge y Jacky y acaban , como siempre, discutiendo por la ortodoxia en la receta.

Dicen - yo no lo he visto - que tras los créditos finales, una escena añadida protagonizada por Juan, el cocinero español interpretado por Santiago Segura. Por cierto, Santiago Segura chapurrea en la película algo de francés y cuando le preguntaron por la película dijo de ella: "Todos tenemos vanidad y cuando haces algo con total dedicación quieres que te lo reconozcan. Lo importante es no caer en el ridículo de morir por un Óscar o por una estrella Michelin".

La película fue rodada en distintos puntos de París siendo reconocible además del Trocadero y otros puntos de la ciudad La plaza de los Vosgos y en Nevers.

En cuanto a la crítica, en general, la valoraciones han sido positivas. Fausto Fernández en Fotogramas informa que "No es alta comedia sobre la 'haute cuisine', pero sí una distraída y jugosa ración de risas, horneada a fuego lento con cariño. Y servida con elegancia" Por su parte, Mariló García en Cinemanía dice de ella que es una "Simpática comedia (...) "

En Movistar + se indica que "es una deliciosa comedia francesa en torno a fogones y deliciosos platos. "

En Argentina Fernando López en La Nación comenta que la película es tan "liviana como resulta ser no es un menú que pueda satisfacer a todos, y mucho menos a quienes tengan el recuerdo de 'Ratataouille' como referencia."

Diego Brodersen en el argentino Página 12 afirma que es "Una película no apta para paladares cinéfilos."

Hugo F. Sánchez en Tiempo Argentino señala que es una "comedia que en sus mejores momentos apenas logra el esbozo de una sonrisa, una película muy menor que apela a una comicidad rústica, de un cine viejo y sin ideas."

En México Lucero Solórzano en Excélsior señala que "Muy aparte de ser un vehículo para el lucimiento de Reno en un género más ligero de los que acostumbra, no aporta nada nuevo." Y en cine Premiere Sergio López Aguirre escribe que "La receta de 'El chef' ya está más que vista y repasada en el cine (...) el chiste aquí es que la ejecución se sienta fresca y única y la película lo cumple a medias. "
En Chile Ernesto Garrat en El Mercurio afirma que "Tiene oficio, humor, no es cine arte: es un plato más cercano a la comida rápida, pero una gourmet y con mejores terminaciones en esto del consumo masivo y pop."

Como es habitual con el cine francés y , especialmente con el complejo género de la comedia, los norteamericanos llevaron al cine un remake muy diferente al que hemos visto - no se hasta que punto se inspira en esta, puede que en el fondo, pero no en la forma- con una película escrita, dirigido e interpretada por Jon Favreau y que contaba con Sofia Vergara, John Leguizano, Scarlett Johansson , incluso Dustin Hoffmann y Robert Downey Jr.



Estamos ante una comedia ligera , amable crítica con la alta "cuisine", con personajes estereotipados  asumidos perfectamente por Reno y el ex de Elsa Pataky pero con encanto. Tan ligera y tan simple como una tortilla francesa.


domingo, 10 de marzo de 2019

Wasabi mafioso


No hay duda de que el cine francés, el presente y el pasado,  pretende ser original, y lo es. Se suele meter en todos los géneros, pero , además, los mezcla y la miscelánea resultante no suele salir mal. Responsable de ello creo que son sus productoras y en especial aquellas que tiene lo que yo llamo el "toque Besson", que,  de un tiempo a esta parte, está en todo. A esto se suma un grupo de actores que cuando trabajan lo hacen bien, pues no sólo son eficaces, sino que son creíbles en lo que hacen, en todo lo que hacen. Este es el caso de Jean Reno y de esta película, Wasabi. Una película perdida hace un año, y que la volví a encontrar en un pase de la Paramount Pictures.

Wasabi o Wasabi. El trato sucio de la mafia , aunque en su versión original se llamado Wasabi, la petite moutarde qui monte au nez, es una coproducción entre los franceses y los japoneses que combina la acción, con la comedia y el drama, planteado igualmente con toques cómicos y con claras influencias del cine estadounidense.

Fue dirigida a inicios de este milenio por el director de éxito Gérard Krawczyk. Como ya he señalado tiene el toque Besson, pues no sólo Luc Besson es el productor sino que en este caso , además, es el guionista. Al estar Besson en el ajo hay , como decía el oro día un compañero de trabajo, hay taco cerca. La encargada del producto, la productora de Besson, EuropaCorp, encargada de la distribución en Francia con su Europa Corp, así como de otras productoras como TF1 Production Films , Samitose Productions , StudioCanal , Victor Company of Japan , Destiny . Distribution y TriStar Pictures en otros lugares como Estados Unidos invirtió en ella la friolera de 15.300.000 euros, aunque otras fuentes hablen de 18 millones.

Cuenta con la participación de Éric Serra en el apartado musical junto a Julien Schultheis, con la fotografía de Gérard Sterin y el montaje de Yann Hervé. También intervienen Jacques Bufnoir , Jean-Jacques Gernolle y Emma Lebail en el vestuario.


El elenco está integrado por actores franceses y japoneses, entre los que cabe destacar a Jean Reno como Hubert Fiorentini, Michel Muller como Momo, Ryōko Hirosue en el papel de Yumi y Carole Bouquet como Sophie. Junto a ellos aparecen Ludovic Berthillot como los agentes Jean-Baptiste # 1 y Yan Epstein como Jean-Baptiste # 2, así como Michel Scourneau como Van Eyck, Christian Sinniger como Squale, Jean-Marc Montalto como Olivier, Alexandre Brik como Irène, Fabio Zenoni como Josy, Véronique Balme como Betty, Jacques Bondoux como Del Rio, Yoshi Oida como el Yakuza Takanawa y Haruhiko Hirata como Ishibashi.Gerard Krawczyk hace un cameo detrás del actor en la escena del aeropuerto.

La película se inicia con la aparición de Hubert Fiorentini (Jean Reno), en una discoteca para sacar información a una "nancy rubia, un travesti cuyos amigos/as más intimos se dedican a dar golpes en los bancos. De hecho descubrimos a Hubert Florentini (Reno), el comisario de la policía francesa, golpeando bruscamente a una mujer (una travesti) que baila provocativamente para el disfrute de otros clientes de un club nocturnos.

Vemos la particular concepción del trabajo que tiene este duro policía, provisto de un gran corazón, y que ha sido incapaz de olvidar a quien fue su gran amor de juventud, Miko. Se trata de un inspector cuarentón que utiliza métodos nada ortodoxos para conseguir información o solventar sus casos. Florentini Golpea sin misericordia a la gente mientras la arrastra fuera del club esposada, agrediendo a otros clientes que se acercan- .

Como se encuentra afectado por su antigua relación con una chica japonesa, Miko, pues tiene pocas relaciones con las mujeres, al haber quedado marcado por un antiguo amor, veinte años atrás, con una mujer japonesa, Miko (Yuki Sakai), que desapareció bruscamente de su vida, y que le genera olvidos de sus actuaciones. Cuando ha entrado en la discoteca le ha pegado no sólo a la "rubia", sino también a más personas incluidas al hijo de un representante diplomático.

Después él mismo, siguiendo sus métodos impide la concreción del robo tras una toma de rehenes, mientras este se está realizando. Por cierto, el robo tiene lugar en el mismo banco que el policía tiene - o no-  el dinero.

Tras el  grave altercado durante una detención del sospechoso, su jefe toma la decisión de obligarle a tomar unas vacaciones, en parte para librarse de él, y en parte para hacerle un favor. Aburrido, a pesar de que le gusta jugar al golf y una noche invita a cenar a Sophie (Carole Bouquet), una chica que trabaja en un banco, el Banco de Francia , donde Hubert tiene su dinero, aunque suele presentar números rojos. Vemos que Sophie es una mujer enamorada de Hubert, pero que es incapaz de atravesar la coraza con que éste se reviste ante el recuerdo de su gran amor.

Al final de la cena, y a pesar de sus insinuaciones, de dice que debe replantearse su vida y se marcha de la casa. a los dos días vuelve al despacho y poco después recibe la llamada de un abogado, Ishibashi (Haruhiko Hirata) , para la lectura de su testamento. desde Tokio, que le comunica que Miko, la mujer de su vida, ha muerto, nombrándole en su testamento, por lo que debe acudir sin demora, en un plazo de dos días, a Japón.

Así que vemos que Hubert regresa pues a Tokio, veinte años después de dejar la capital japonesa, y nada más bajar del avión, ya tiene un primer altercado en el aeropuerto de Narita en Tokio,con un agente de aduanas al que acaba agrediendo, por lo que es detenido.

Al lugar se persona un viejo compañero de trabajo en los servicios secretos franceses , que hace 20 años era su amigo de nombre Maurice, alias Momo (Michel Muller). Conocemos entonces que Hubert, Momo y Miko habían sido no sólo amigos, sino compañeros de trabajo de la Embajada francesa en Japón, ya que los tres habían trabajado para la Dirección General de la Seguridad Exterior, los servicios secretos franceses, trabajo que Momo sigue desempeñando.

Cuando Momo lo saca se lo lleva en su antiguo coche, un tiburón de color marrón. Personado en el despacho del abogado japonés que le había citado, Hubert descubre que la herencia de Miko es extraña: una llave, una fotografía, una nota en la que le habla de que todo se cumplirá una vez que marche al origen de todo, así como una cuenta en el banco cuyo saldo es una incógnita. Se me olvidaba, igualmente le hace entrega de una enorme sorpresa: una hija de 19 años y mucho cuya existencia él desconocía y que tampoco sabe que Hubert es su padre.

Yumi (Ryōko Hirosue), la hija de Miko y Hubert, manifiesta un profundo rechazo hacia la figura de su desconocido padre, con lo que Hubert decide no confesarle por el momento que él mismo es su padre, diciéndole que es un antiguo amigo de su madre. Hubert decide por el momento acudir al tanatorio donde tendrá lugar la cremación del cadáver de Miko. Mientras la observa se da cuenta que en la nariz hay unos cristales extraños, que pide a su amigo Momo, que utilice sus contacto para que lo analicen.

Hubert , por un lado, quiere satisfacer a la chica y como padre de una adolescente se la lleva a su gran pasión , la compra compulsiva de ropa de moda. Pero también, en ese momento, descubre que los dos son seguidos por unos hombres enchaquetados, que el va eliminando o quitando del medio sin piedad. Eso sí, sigue sin decirle a la chica que es su padre, aunque le da una buena cantidad de dinero, que le promete seguir dando de manera sistemática, aunque con su ritmo de compra sabe que se arruinará.

Poco después, descubrirá que en la cuenta de Miko hay 200 millones de dólares estadounidenses, a la vez que llega a la conclusión de que Miko no había fallecido de muerte natural, sino que había sido asesinada. Todo ello queda claro cuando los dos, padre e hija, se reúnen una sala de juegos con los amigos de ella, unos frikis de las máquinas y de los videojuegos en concreto del "Dance Dance Revolution".

Siguiendo con sus investigaciones, descubre que, aparentemente, Miko trabajaba para la mafia japonesa, los Yakuza, pero que, en realidad, Miko había continuado en los servicios secretos, habiéndose infiltrado en los yakuza, pero trabajando como agente secreta, por lo que había tenido que abandonarlo a él, y por lo que será asesinada tras ser descubierta. El agente llega a la conclusión de que Miko había robado una pequeña fortuna de la Yakuza , una fortuna ahora destinada a Yumi al llegar a la edad adulta.

Tras eso padre e hija van al lugar donde Miko y el francés comenzaron su relación desplazándose a un santuario de Kioto y allí consiguen el número de una cuenta bancaria secreta.

Poco después tiene lugar una reunión entre el jefe de los yakuza y Hubert en unas instalaciones urbanas de golf. Durante la conversación ellos comentan que su objetivo es recuperar esos 200 millones de dólares que había desviado Miko de la organización, pero ademas la hija es informada que Hubert es su padre, algo que le repatea por haberlo ocultado durante tantos años.

Entonces, la mafia japonesa decide que hay que secuestrar a Yumi y matar al imspector francés, pero éste usa pelotas de golf para noquear a sus posibles verdugos y eliminar al resto en combate cuerpo a cuerpo. Tras ser secuestrada Hubert y Momo deciden preparar una contraofensiva contra los yakuza. Para ello lo hacen en un bar donde Hubert vuelve a probar algo que en su momento le encantaba, el wasabi.

A pesar de que Momo lleva muchos años en Japón, nunca le había dado por probarlo. Y en ese momento, su boca echa fuego. Al día siguiente cumple con lo trazado por los Yakuza. Hubert va al banco y allí se le suma la hija de Miko.

Actúan como en un asalto, aunque antes de nada la chica hace una transferencia a la cuenta del policía - y vemos que la noticia en París casi infarta al director de su banco tras el aviso de Sophie de la recepción- y cuando se personan los yakuza Hubert responde a su manera, la tradicional a golpes y con su arma, aunque , de inmediato, es auxiliado por Momo que va con muchos refuerzos. De cualquier manera, Florentini mató a todos los Yakuza

Poco después, Hubert ha de abandonar el país. Tras despedirse de los policías japones, de Momo y de su hija , a la que le promete que regresará en un mes, retorna a su país. En el aeropuerto lo atiende el agente de aduanas que lo recibió y poco después se monta en el avión, aunque , ante de salir, alguien pregunta por unas maletas que han aparecido llena de armas. Un grupo de oficiales de aduanas entran en la cabina con dos maletas metálicas preguntando por su dueño.

Al estar ambientada principalmente entre París y Japón, el rodaje se efectuó en julio del 2001, principalmente en dicho país, incluyendo numerosas escenas en lugares reconocibles de Tokio, Chiba - en concreto en su Narita International Airport- y Kioto. En esta última ciudad se rodó en Kyoto Station y Kiyomizu-dera Temple, mientras en la capital Tokyo Jumbo Golf Center en Adachi, en el Imperial Hotel. Según Jean Reno, el rodaje de Wasabi se debió al deseo que tanto él como Luc Besson sentían de rodar una película en Japón, para corresponder al aprecio que en dicho país se siente por sus películas.​ De hecho, no habían trabajado allí desde 1990, con Nikita, dura de matar.

Decir que la cantante Ryōko Hirosue, muy popular en Japón, en aquel momento no hablaba ni una palabra de francés y aprendió sus réplicas fonéticamente.

La película estuvo por debajo de o esperado consiguiendo una taquilla de $ 10.4 millones. En cuanto a las críticas decir que Rogert Ebert del chicago Sun Times dijo de ella que ""Reno hace lo que puede en una situación ingrata, la película rebota del humor a la violencia una y otra vez, y Ryoko Hirosue nos hace pensar si ella siempre fue así ". Del diario Es País dos críticas , una peor y la otra mala. Ángel Fernández Santos dice "Seudo thriller lleno de vaciedad, escrito con sosería, dirigido de manera plana y interpretado con insinceridad" y Miguel Ángel Palomo agrega que "El actor Jean Reno presta su poderosa presencia, Luc Besson escribe el sencillo guión y el director agita mucho la cámara." La película es una tontería como la copa de un pino pero no podemos quejarnos, pues  está bien hecha. Lo que la reblandece es la historia que es poco o nada consistente. A favor sus toques de humor o el trabajo eficaz de un Jean Reno, profesional desde la primera escena, acompañado de alguna cara habitual del cine cómico francés. Para echar un rato con tu hijos, no está mal. Pero tampoco es una maravilla. 


lunes, 7 de mayo de 2018

Las balas del clan marsellés


Son 22 balas las que recibe el protagonistas, Jean Reno, al poco de comenzar la película. Una película que se desarrolla en la bella Marsella. Marsella aparece bella, sucia, luminosa, peligrosa, inmensa e intensa. Pocos veces he visitado una ciudad que me haya generado tanto contraste. Nunca he visto un puerto como Port Vieux, una joya de la natutaleza y en regalo que los griegos supieron aprovechar en la fundación de Massalia. 

Desde siempre, incluso cuando estuve pude ver el contacto entre el mundo mediterráneo en la bueno y en lo malo. En lo bueno, la naturaleza feraz, en lo malo, la aparición de organizaciones mafiosas que van dejando negocios para asumir otros , cada vez más lucrativos, pero cada vez más inmorales.

Así que la historia del clan de los marselleses, llevada al cine en varias ocasiones, no es un dislate. Supongo que siempre ha existido una "French Connetion" y esta película del año 2010 , 22 balas, habla de esa Mafia y de su brutalidad.

Tanto la película como el libro de los que está adaptada se basan libremente en una guerra de bandas que tuvo lugar en la ciudad costera francesa en los años setenta. Los protagonistas de la misma fueron Jacques Imbert, también conocido como "Jacky Le Mat" (considerado el último "Don" de Marsella) y Tany Zampa. Al igual que Charly Matteï en la película, Jacky fue dejado por muerto en un estacionamiento con 22 balas en su cuerpo por Zampa, pero sobrevivió milagrosamente con solo su brazo derecho quedando paralizado. 

La película en francés se llama L'immortel (22 Bullets) y en España 22 balas. Fue responsabilidad del director y actor Richard Berry que en ocasiones también ha sido guionista. Este  parisino nacido en 1950 contó con el apoyo del más importante , creo yo productor europeo, el francés Luc Besson y de Pierre-Ange Le Pogam , estando en la producción ejecutiva Didier Hoarau y como productoras asociados Robert Benmussa y Jean-Bernard Fetoux bajo las productoras EuropaCorp  , una compañía cofundada por el director Luc Besson  , TF1 Films Production  y Marie Coline Films . Tuvo un presupuesto de € 18,000,000.

Los responsables del guión son Eric Assous, Richard Berry, Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte  partiendo de la novela homónima de  Franz-Olivier Giesbert.

La banda sonora fue responsabilidad de Klaus Badelt con la supervisión musical de  Michael Wijnen, mientras que la fotografía fue de Thomas Hardmeier . Los responsables del maquillaje fueron  Olivier Afonso y Frédéric Lainé, mientras que de los efectos especiales Kevin Carter . Del sonido fue Arthur le Roux , siendo su asistente Olivier Mur . El montaje fue de Camille Delamarre . Otros técnicos en la película fueron el escenógrafo Philippe Chiffre apoyado por Catherine Werner-Schmidt y en el vestuario Carine Sarfati y Sandrine Douat.

El reparto lo encabeza Jean Reno como el mafioso Charly Matteï (personaje inspirado en la vida de Jacques Imbert «Le Mat») que tiene como principal opositor a Kad Merad como  Tony Zacchia (el jefe de la mafia, personaje inspirado en la vida del mafioso Tany Zampa) .

Junto a ellos aparecen Marina Foïs como  Marie Goldman (la policía que investiga el caso) , Jean-Pierre Darroussin como  Martin Beaudinard , el mismo Richard Berry como  Aurelio Rampoli , Max Baissette de Malglaive como Anatole Matteï , Claude Gensac como la Señora Fontarosa , Grégory Gatignol como  Martin Beaudinard (de joven) .

Aparecen igualmente Fani Kolarova como Christelle Mattei , Venantino Venantini como Padovano , Joséphine Berry como  Eva , Moussa Maaskri como Karim , Sandra El Ouni como  Zohra, la hija de Karim , Mélèze Bouzid como  Nadia, la segunda hija de Karim , Carlo Brandt como Fontarosa , Denis Braccini , Daniel Lundh como  Malek Telaa , Gabriella Wrigh como Yasmina Telaa , Christian Mazzuchini como Bastien , Dominique Thomas como Papalardo , Philippe Magnan como Pothey , Catherine Samie como Stella Matteï , Jessica Forde como Clothilde , Joey Starr como el pistachero , Xavier Lemaitre como un policía , Fanny Delaporte como la mujer en el estacionamiento .

Además aparecen Guillaume Gouix , Luc Palun, , Lucie Phan, Martial Bezot,  Jean-Jérôme Esposito: , Boris Baum,  Laurent Casanova, Cédric Appietto, Charlotte Marcoueille, Florian Marcaillou

La película narra la historia real de Jacques Imbert, cuyos apodos fueron «Jacky Imbert» y «Jacky Le Mat» (le mat, en provenzal, significa «el loco»). Imbert trató con la mafia marsellesa de los años 1970, decepcionándola tras decidir dejar de trabajar con ella para poder vivir el resto de su vida sin problemas y dedicado a su esposa y sus dos hijos. . 

La película comienza una mañana de invierno cuando el exmafioso Charly Matteï  (Jean Reno) se despide de su madre que vive en la Corniche marsellesa. Allí Charly ha ido acompañado de su hijo pequeño. Tras bajar de la Corniche va al centro de la ciudad. Justo cuando llegan el hijo ve a unos titititeros on su cabra y le pide permiso a su padre para verlos en una plaza cercana a un establecimiento público situado en el área del antiguo puerto de Marsella, Port Vieux. Mientras su hijo se queda el padre entra en la cochera con el fin de aparcar el coche en el momento en que se baja del vehículo es atacado por un grupo de hombres , hasta 8 hombres, que se bajan de unos coches. Charly recibe la friolera de 22 balas. Parece que ha muerto, pero no es así ya que se salva milagrosamente  tras ser atendido en urgencias. Contra todo pronóstico, no morirá. 

Este antiguo miembro de la mafia que lleva 3 años retirado, viviendo una plácida vida dedicado a su mujer y a sus hijos. Lo primero que se plantea es averiguar el quien y el por qué.

En este momento la película inicia un flashback sobre  cómo un joven Charly se mete en ese mundo muy joven tras conocer a un capo en la cárcel con el que ha compartido celda y que le dice que si se mete le costará la vida salir del mismo.

También muy joven se introduce en el mundo del hampa junto a su amigos Tony Zacchia (Kad Merad) y su consejero permanente  y más cercano Martin Beaudinard (Jean-Pierre Darroussin).  

Tras el atentado los dos van a visitarle al hospital, pero el es consciente que Tony Zacchia, es el único hombre capaz de atreverse a matarlo. Tony ha cometido solo un error, fallar en su intento.

El caso es adscrito a Marie Goldman, una agente de policía que investiga el intento de asesinato del estacionamiento. Su esposo, también un policía, fue asesinado estando de servicio y su asesino nunca fue aclarado, pero sospecha que posiblemente fue la Mafia.

A pesar de la indiferencia de sus superiores, no deja de tratar de identificar al asesino de su marido el cual podría estar involucrado en este caso.

En busca de sus agresores, Charly Matteï es consciente que la razón del mismo es su pasado criminal y que, por lo tanto, lo que más valora, su familia, está amenazada. Mattei sospecha desde el principio que el responsable puede ser alguien de su entorno y se plantea que , posiblemente esté en la persona a la que ha dejado la gestión de su "negocio" , su viejo amigo Tony Zacchia.

Este al igual que él intenta salvaguardar a su familia , pero continúa en el hampa sobre todo en el mercado de las drogas y de la extorsión. Por su parte, el lleva alejado estos tres años en su  vida familiar tranquila, pero ahora se marca como prioritario identificar a los atacantes, inicialmente sin "derramamiento de sangre". Averigua que son los hombres de Zacchia los que están implicados.

Pero  aunque les hace saber que lo sabe , el grupo aprovecha esta "debilidad" para matar a amigo Karim , un hombre también que tiene a su familia muy en el centro de su vida que es brutalmente asesinado.

A partir de ese momento, decide vengarse matando al equipo de asesinos. Visita a todo el equipo en un restaurante mientras celebran un cumpleaños. Él los amenaza y les dice que los matará a todos uno por uno y comienza con el primero de ellos en el restaurante.

Tras este irán cayendo todos, entre ellos algunos de sus viejos colaboradores. Pero Charly no tiene piedad, más aún después de que maten a otra  de sus colaboradores y atenten contra sus dos hijos. Al pequeño incluso lo llegan a secuestran, pero el padre lo recupera.

Desde ese momento es implacable y , aunque la policía, siempre está cerca. En su venganza llega hasta los dos máximos responsables que resultan ser el consabido Zacchia - autor del asesinato del marido de la inspectora Goldman- y el inesperado y más cercano colaborador, Martin Beaudinard  que estuvo presente incluso en el intento de asesinato.

Al final, vemos a Charly paseando con su familia por la playa y sobre esa imagen acaba la película

El guión de la película está basado en la novela de Franz-Olivier Giesbert L'Immortel . La película está inspirada en un episodio de la guerra que hubo en Marsella entre los reales mafiosos Jacques Imbert ,  Jacky el Mat  contra Tany Zampa

Para la redacción del guión, Richard Berry solo usó parte de la novela y luego comenzó una investigación personal. "Conocí a mucha gente con la máxima discreción", señaló. Me quedé semanas y semanas en el lugar y, una cosa llevó a la otra, conocí a alguien que me refirió a un caballero ... Reuniones discretas en cafés donde me contaron detalles que aparecen en esta adaptación o permite construir ciertos personajes 

El rodaje comenzó el 23 de febrero de 2009 en Marsella y prosiguió allí durante seis semanas, continuó en Avignon a principios de abril de 2009, y siguió durante 8 semanas en París.  El rodaje duró unas 14 semanas.

Como ya he señalado se rodó en Aviñón, en concreto en diversos espacios de la ciudad como Rue Frédéric Mistral, Collège Frédéric Mistral, 2 rue d'Annanelle,Pont Saint-Bénezet, Aviñón,  Avenue du 7e Génie, Rue du Rempart Saint-Dominique, Rue Saint-Michel, todo ello en el Departamento de Vaucluse, en diversos lugares del departamento de las Bocas del Ródano como Marsella  y en sus cercanías como  la Corniche du Président John Fitzgerald Kennedy o en la ciudad en la Quai de Rive Neuve,Place aux Huiles, , Quartier du Panier, Marsella, en el Parking du Vieux Port,  Hôpital de la Timone, , Rue Saint-Pierre, Boulevard Baille, Rond-point de Castellane,  Rue de la Belle de Mai,  Boulevard Burel, Prison des Baumettes,  Port autonome, Escalier du Vallon des Auffes, Boulevard André Aune, , Viaduc de Dunkerque, , Comisaria  de policía, 2 rue Antoine Becker, Marsella,, Cathédrale Major, ,  Avenue Robert Schuman, Avenue Vaudoyer, , Quai du port, Vieux Port, así como otros espacios del Departamento de las Bocas del Ródano como Lavéra en Martigues , en la Vieille ville de La Ciotat, en el Auberge de jeunesse de La Fontasse en Cassis, en las cercanías de la Ferme aquacole, Île de Pomègues sito en el archipel du Frioul,  así como en la Ancienne maternité de Pontoise en el Departamento de Val-d'Oise y , por último, en París.

Del rodaje en Marsella hubo polémica  porque restos del rodaje quedaron en los alrededores de Marsella , coincidiendo con una huelga de los recolectores de basura en el momento de la filmación. Algunos residentes y el ayuntamiento se quejaron de la imagen negativa que podría regresar de la ciudad.

Para las escenas de las persecuciones se contrataron además de actores de doblaje algunas especialistas en acrobacias como Frédéric Makowiecki , campeón de la Copa Porsche  en 2010 , y Alexandre Rambure.

Desde el principio se contó con el actor francés de origen almeriense  Jean Reno para el proyecto. El director declaró que después de varias proyectos quería trabajar con Jean Reno señaló Richard Berry. "Me tomé un momento en la adaptación de Little Girl del Sr. Linh, que lamentablemente no se hizo. Y luego, cuando llegó esta historia L´inmortel, inmediatamente pensé que podría ser un personaje para Jean. Porque él tiene la humanidad de quien está en redención y uno puede creer desde el principio que en el pasado, él podría ser un gran matón. Jean tiene este espesor humano impregnado de historia y esta fuerza potencialmente muy peligrosa. Una fuerza silenciosa. "

Para el otro papel optó por  Kad Merad que interpreta por primera vez en su carrera un  papel de " malo" del cine. "Preferí tomar a un actor con la apariencia de un chico agradable y empujarlo hacia la locura en lugar de elegir una mala boca a la que iba a tratar de darle un grosor humano",  declaró Richard Berry. Es realmente muy interesante describir todas estas fases en la misma persona. Donde podemos creer por un segundo que podríamos haber sido amigos con él antes, y que el próximo momento, él nos aterroriza. Kad fue realmente la persona adecuada para jugar con esta diversidad de sentimientos. " 

Karin Viard fue originalmente la que iba asumir el papel de Marie Goldman, pero no pudo debido a problemas de programación. Marina Foïs ocupó su lugar.  Interviene el propio Richard Berry.

En un principio la música corría a cargo del compositor James Newton Howard, conocido por trabajos como "La boda de mi mejor amigo" o "Fugitivo". Sin embargo, el director se sorprendió tras escuchar la banda sonora de una película de 2008 que llevaba por título "Cruzando el límite", y contrató al mismo compositor, Klaus Badelt, para realizar la música de este largometraje.  Después de reunirse con Badelt y mostrarle la película cuando supo que el compositor estaba en París, Berry se sorprendió gratamente al escucharlo decir que era él quien le pedía que marcara la película, y no al revés.

La película tiene muchos elementos de cine francés y se nota la presencia de Luc Besson por medio de su EuropaCorp y por referencias a sus películas anteriores, en concreto,  Léon , y su idea de ser un protector o como declara Charly Matteï de "no tocar a mujeres o niños" .

Los créditos finales son un extracto de Lucia Di Lammermoor , idéntico al interpretado por la diva Plavalaguna en El Quinto Elemento / The Fifth Element . 

La película fue estrenada en marzo de 2010. En el sitio Allociné , se le da un valor de promedio de 2.4 sobre 5.

La película estuvo nominada en el Festival d 'Agde obteniendo el Premio The Heralds of Cinema de 2011 en la categoría "Largometrajes" ; sin embargo, a pesar de esto, la película recibió el "Gerard de la peor película del año (y probablemente de la década)" durante la Ceremonia de Gerard del cine 2011 . También Jean Reno y Richard Berry  fueron nominados en la categoría de "Gerard de la desesperación masculina" y Claude Gensac y Venantino Venantini en la categoría "Gérard del actor que se pensó muerto desde 1985, y que, de hecho, vuelve a girar"

En Epaña el crítico Miguel Ángel Palomo desde las páginas de El País afirma que se trata de  "Un thriller que apuesta por los esquemas de acción convencional, sostenido por un buen trabajo de su reparto."

En el bonaerense Clarín Diego Lerer escribió que la  "Acción bien dosificada y una dureza típica de policial francés clásico."

Para Fernando López del diario La Nación  destaca que "Como falta imaginación pero sobra violencia y vértigo, es probable que haya quien prefiera ignorar que lo que ofrece 'El inmortal' ya ha sido visto en otras películas (y mejor), y se entretenga."

Horacio Bernades del Página 12 dice que es una "Copia empeorada de los peores thrillers “a la americana”, no hay golpe bajo o muestra de demagogia, convencionalismo, oportunismo y efectismo que 'El inmortal' no abrace con chocante determinación."

Por último, Santiago García de Tiempo Argentino la describe como un "Policial francés de acción, más cerca de la espectacularidad y de la violencia que de la construcción de climas o la profundización de temas. Sencilla y concreta."

Por mi parte decir que sin ser un "polar" en ocasiones te deja frío y por momentos , indiferente. Es una película que has visto en otras ocasiones . Tiene elementos de Taxi, de León, casi Fast & Furious, pero muy al gusto francés. Lo mejor sin duda los espacios del Departamento de las Bocas del Ródano en el que estuve y disfruté como un niño. Una lugar que nos muestra una Francia luminosa, muy mediterránea, con espacios increíbles y con el puerto histórico más bonito de los que yo he visto, el Vieux Port, en lugar espectacular. La película, prescindible. 


jueves, 8 de marzo de 2018

Ronin


Como película durante mucho tiempo pensando en Ronin, he dicho Heat pero lo único que tienen en común una y otra es el trabajo de Robert de Niro. No tiene nada que ver la una con la otra. Bueno sí, son estadounidenses y de acción. Pero una , Heat, es del año 1995 , mientras que la otra fue estrenada en 1998. 

La primera fue labor de Michael Mann, mientras que la segunda fue dirigida por John Frankenheimer, un director que en sus 72 años de vida fue el autor de algunos clásicos como El hombre de Alcatraz de 1961 con Burt Lancaster , The Manchurian Candidate del año 1962 , el thriller político con Siete días de mayo en 1964, El tren (The Train) también con Burt Lancaster del año 1964, Seconds (Plan diabólico en España de 1966 con Rock Hudson o una de sus producciones más espectaculares, Grand Prix de 1966, película ambientada en las carreras de coches de Europa y protagonizada por James Garner y Eva Marie Saint. Posiblemente con ella llegó a una de sus películas más representativas, su ¿cénit? , pero siguió trabajando durante los sesenta, ochenta y noventa, donde combina película de salas de cine y películas para canales como la TNT como Andersonville (1996) y George Wallace (1997) o la HBO con títulos como The Burning Season (1994) o Path to War (2002). 

Su última película para la gran pantalla pasó ya por aquí ya que fue Reindeer Games conocida como Operación Reno del 2000 con Ben Affleck, Gary Sinise y Charlize Theron. 

La película que he visto, Ronin, fue  escrita por J. D. Zeik y David Mamet (bajo el seudónimo de Richard Weisz)  siendo una producción Frank Mancuso Jr. y de la productora United Artists con distribución de la Metro-Goldwyn-Mayer y United Artists y contó con un presupuesto de $55 millones de dólares. 

La banda sonora fue labor de Elia Cmiral , mientras que la fotografía lo fue de Robert Fraisse y el montaje de Tony Gibb.

El elenco está integrado por  Robert De Niro como Sam , Jean Reno como Vincent,  Natascha McElhone como Deirdre,  Stellan Skarsgård como  Gregor , Skipp Sudduth como  Larry y Sean Bean como Spence. Junto a ellos aparece Jonathan Pryce como Seamus O'Rourke , Michael Lonsdale como  Jean-Pierre , Jan Triska como el contacto de Gregor,  Féodor Atkine como el mafioso ruso Mikhi , Katarina Witt como la patinadora  Natacha Kirilova y Bernard Bloch como Sergi.

La película comienza explicándonos quiénes son los Ronin- En el Japón feudal los hombres sin honor, llamados "Ronin" eran samurais que habían perdido su honor ante la pérdida o asesinato de su señor.

Ahora los nuevos "Ronin" son hombres que trabajaban para organizaciones secretas , que se manejan en peligrosas operaciones secretas y que venden sus servicios al mejor postor. Estos mercenarios se limitan a cumplir la misión que les han encomendado, pero ignoran para quién trabajan y cuáles son los verdaderos objetivos de su actividad. Son soldados de a pie en la guerra fría y algunos de ellos conocen secretos que harían tambalearse a más de un gobierno. El destino de este tipo de profesionales es incierto, dada la relajación de la tensión internacional tras la caída del bloque soviético , y su lealtad está en venta al mejor postor.

La película comienza en Montmatre. En un bar bajando para Pigalle se reúnen seis extraños, expertos en municiones, seguridad y operaciones secretas. En ese restaurante de Montmartre, la irlandesa Deirdre (Natascha McElhone)  se encuentra con los ex-agentes especiales convertidos en mercenarios Sam y Larry, ambos estadounidenses, y Vincent, un francés.

Tras ponerse en contacto con ella  se reúnen en un viejo caserón. Al inicio de la reunión Deirdre les informa de que han sido contratados para robar un misterioso y bien protegido maletín. Ninguno de estos hombres sabe para quién trabaja, ninguno conoce los verdaderos propósitos de los demás, ninguno intuye cuál es el contenido del maletín metálico de un convoy fuertemente armado , cuyo contenido nunca revelado.

Cada  uno de ellos cumple una misión en el grupo. Este equipo está compuesto por Sam (Robert DeNiro), un americano experto en el lenguaje de las armas, anteriormente asociado con la CIA ; un conductor estadounidense de nombre  Larry (Skipp Sudduth); un  inglés especialista en armas de fuego llamado Spence (Sean Bean); Gregor el especialista en electrónica alemán de Europa del Este anteriormente asociado con la KGB (Stellan Skarsgård); un coordinador y pistolero francés (Jean Reno) así como  Deirde (Natasha McElmore), una agente de IRA encargada de robar un maletín  que corresponde a Seamus O'Rourke y el único contacto que tienen con quien les ha contratado. Todos ellos soldados de fuerzas especiales o agentes de inteligencia trabajando ahora como mercenarios.

Deirdre informa a todos acerca de la misión para la que ella les ha contratado, que es atacar un convoy armado y robar un maletín, cuyo contenido es desconocido.

Después de la reunión, el equipo, salvo Gregor,  va a un puerto fluvial con el fin de comprar  las armas a unos hombres que se encuentran allí. Spence es el encargado de la compra;  pero Sam , que no se fía, y se queda rezagado y  ve a un francotirador en un puente oculto y preparado para disparar.

Sam le dispara y comienza un tiroteo contra los vendedores de armas, acabando todos ellos muertos, y el equipo ileso.

Posteriormente, Deirde se encuentra con su jefe, un irlandés llamado Seamus O'Rourke (Jonathan Pryce), un agente deshonesto  quien revela que los gánsteres rusos que están intentando comprar el maletín.

Más tarde en el almacén, Deirdre explica la operación para el asalto de los coches que llevan el maletín. En ese momento, Sam se da cuenta de que Spence es un fraude y se le obliga a abandonar el equipo.

Tras eso marchan a Niza, donde durante varios días observan el convoy y la casa donde está el maletín, y planean una emboscada. Sam y Deirdre desarrollan una atracción el uno al otro durante los preparativos .

El día señalado , el equipo intercepta al convoy en La Turbie y persigue a los supervivientes por las carreteras circundantes a mi querida  Niza.

Después de una persecución de coches muy larga y de múltiples disparos, ellos consiguen hacerse con el maletín. Sin embargo, Gregor traiciona al equipo y roba el maletín, y antes de desaparecer, simulando que está herido, entrega un falso maletín que explota, lesionando seriamente al conductor , a  Larry.

Gregor intenta vender el maletín a los rusos, pero  dispara a su contacto cuando éste intenta traicionarlo.

Después contacta con Mikhi (Féodor Atkine), el líder de la mafia rusa que y amenaza con vender el maletín a los irlandeses, a menos que Mikhi pague un precio muy alto por él.

Mientras tanto, el resto del equipo le sigue la pista a Gregor gracias a un contacto de Sam, que le informa de que Gregor está en Arlés, en el anfiteatro romano de la ciudad.

Después de una tenso encuentro y un frenético tiroteo con Gregor y los rusos que negociaban con él, finalmente Gregor escapa del anfiteatro, pero es capturado por Seamus, quien mata a Larry y escapa con Deirdre, justo cuando Sam y Vincent salen del edificio. Sam ha recibido un disparo salvando la vida de Vincent.

Sam, gravemente herido durante el tiroteo, va con Vincent a ver a su amigo Jean-Pierre (Michael Lonsdale) en una villa rural francesa  en Les Baux-de-Provence, propiedad de un amigo de Vincent, Jean-Pierre.

Tras sacar la bala y dando tiempo a que se recupere Sam, Vincent le pide a Jean-Pierre que le ayude a localizar a Gregor, Deirdre y Seamus.

Mientras tanto, en un suburbio de París, Seamus interroga brutalmente a Gregor . Este declara que  se el maletín fue enviado a una oficina postal de la ciudad de donde recuperan el  maletín.

Después, cuando ellos recuperan el maletín, Sam y Vincent les tienden una emboscada. Después de una persecución en coche a toda velocidad por las calles y túneles de París, Vincent dispara a uno de los neumáticos del coche de Deirdre, Sam frena y lo golpea mandándolo por un elevado de una autopista en construcción.

Antes de que el coche explote, Gregor huye de nuevo con el maletín, y Deirdre y Seamus son sacados del coche por los trabajadores de la construcción salvándolos de un vehículo en llamas.

Vincent y Sam, considerando sus opciones, descubren que el maletín es igual a los que se usan para guardar patines de hielo. Sam y Vincent deciden rastrear a los rusos y por medio de uno de los contactos de Jean-Pierre llegan a la conclusión de que el ruso está vinculado con una patinadora artística , Natacha Kirilova (Katarina Witt), la novia de Mikhi, que se presenta en Le Zénith y que  además actuará en esas fechas en la pista de hielo de ese espacio  de París.

Vincent y Sam aparecen en las gradas del Zénith cuando Mikhi, ya con Natacha, recibe una llamada de Gregor, que demandaba encontrarse con él en el vestuario.

En el encuentro, Mikhi cambia el dinero por el maletín. Gregor, preparado para irse, le revela a Mikhi que tiene un francotirador en algún lugar del estadio y que le disparará a Natacha si él no llama al francotirador dentro de 45 segundos. Cuando finaliza el tiempo, Mikhi dispara a Gregor a pesar de todo, sin tener en cuenta que Natacha sería asesinada. Tras eso , Mikhi se prepara para irse con el maletín y su dinero.

Mientras tanto, Vincent y Sam siguen a la asustada muchedumbre fuera del estadio a tiempo para ver a Seamus disparando sobre Mikhi  para robar el maletín. Sam corre por delante de Seamus y encuentra a Deirdre sentada en el coche de huida. Éste le revela que él es agente de la CIA actualmente persiguiendo a Seamus.

Deirdre huye, dejando a Seamus, con Sam persiguiéndole.  En el tiroteo final, Seamus hiere a Sam y se prepara para matarlo, pero Vincent le dispara desde un andamio, matando a Seamus.

Días después, Sam y Vincent hablan en el restaurante donde se conocieron por primera vez en el café de París, una transmisión de radio anuncia un acuerdo de paz entre el Sinn Féin y el Reino Unido. Sam es consciente de que el mismo ha sido posible por la muerte de Seamus. Sam mira hacia la puerta expectante, pero Vincent le dice que Deirdre no volverá. Sam y Vincent han quedado para despedirse en el bar en el que comenzó la historia.

Se separan como amigos antes de que Sam se marche con su contacto de la CIA y Vincent  paga la cuenta y se va  del bar hacia las calles de París. Termina así la película.

El escritor David Mamet es presentado en los créditos finales de la película como "Richard Weisz", según se informa debido a una desilusión que él tuvo debido a compartir el crédito con J. D. Zeik (el escritor original).

Según la producción, las contribuciones de Mamet fueron "menores, limitadas al personaje de Deirdre y a algunas de las escenas de Sam (Robert De Niro)".  Hay que señalar que John Frankenheimer se embarcó en esta historia un año antes, en 1997 , cuando se le encargó dirigir el guión original de Zeik, que el dramaturgo Mamet reescribió significativamente para  adaptar el papel de De Niro y desarrollar detalles en la historia.

John David Zeik, un recién llegado a la industria del cine,  y concibió la idea de Ronin después de leer la novela Shōgun de James Clavell a los 15 años.  Le dio suficiente información sobre quiénes eran los rōnin e incorporó este concepto en un guión que escribió años más tarde.

Al elegir a Francia como el lugar clave de la historia, Zeik dijo: "Durante muchos años en Niza, miré al sol y vi las siluetas de cinco gendarmes fuertemente armados cruzando la Promenade des Anglais . Esa imagen me hizo darme cuenta de que quería establecer el película en Francia ".

Según el abogado de Zeik, el dramaturgo David Mamet fue llevado justo antes de la producción para ampliar el papel de De Niro, así como introducir el  interés amoroso femenino y reescribir varias escenas, aunque sus contribuciones fueron menores. Frankenheimer, sin embargo, dijo que las contribuciones de Mamet fueron mucho más significativas. Según Frankenheimer, "Los créditos deberían decir: Argumento por J. D. Zeik, Guión por David Mamet. Nosotros no tomábamos una línea del guión de J.D. Zeik". Esto fue confirmado por una copia del guión de Zeik mostrando sus contribuciones menores.

Al saber que tendría que compartir el crédito de guiones cinematográficos con Zeik, Mamet insistió en que se lo acreditara con el seudónimo de Richard Weisz, ya que había decidido antes que solo adjuntaría su nombre a proyectos en los que era el único escritor.

La fotografía principal comenzó ese mismo año, en el período comprendido entre el 3 de noviembre y el 3 de marzo de 1998, integramente en Francia. Duró 78 días, comenzando el rodaje en un taller abandonado en Aubervilliers .

En concreto se rodó en distintos puntos de París como el Blue Sky, en la Rue des Trois-Frères, donde está el Restaurant de la secuencia inicial, o en el Pont Alexandre III, en Porte des Lilas, La Poste de Rue Singer, Rue Drevet, o Le Zenith; en Niza , en la Rue du Pont Vieux, en la Allée François Aragon,en la Rue y Place Rossetti, Rue de la Loge, Place Saint-François, Rue Saint-François, Rue Mascoinat, Rue Jouan Nicolas, Boulevard Stalingrad, Rue Saint-Joseph, Rue Sainte-Reparate, Rue du Lazaret, Quai des Docks, Quai des Deux Emmanuels y su La Barque Bleue, en Traverse Lympia, ; en Place du Forum, Rue de la Calade, Arènes d'Arles, 33 Rue de l'Amphithéâtre, Rond-Point des Arènes y Rue des Arènes de Arles, en el Departamento de Bouches-du-Rhône; en Quai de l'Amiral Courbet de Villefranche-sur-Mer; en La Croisette y Hôtel Majesticde Cannes, Les Baux-de-Provence también en Bouches-du-Rhône; Route du Mont-Agel en La Turbie, al igual que en Avenue du Général de Gaulle de La Turbie , Avenue de la Victoire en los Alpes-Maritimes.

Las escenas de Porte des Lilas y el histórico Anfiteatro de Arles se filmaron en noviembre de 1997. La producción se suspendió para Navidad el 19 de diciembre de 1997 y se reanudó el 5 de enero de 1998 en Épinay , donde la tripulación construyó dos decorados interiores en escenarios de sonido.: uno para el bistrot en Montmartre y otro para la granja rural,  ambos tienen tomas exteriores separadas hechas en el lugar.

Para la secuencia  en Le Zénith se contrató a unos 2.000 extras . Se rodó igualmente en la zona de  La Défense .

El título es derivado del nombre japonés rōnin, usado para el samurái que no tiene señor al que servir, y cuyas motivaciones son, en gran medida, de dinero y supervivencia en lugar del honor y el deber. Muchos de los personajes de la película son agentes desempleados que están a la deriva al fin de la Guerra Fría. La película hace referencia con el nombre Ronin a la leyenda japonesa de los 47 rōnin, aludiendo a las identidades de los protagonistas de la película.

La leyenda japonesa de los rōnin , contaba como un samurai cuyo jefe fue asesinado y no tuvo a nadie a quien prestarle servicio; quedó deshonrado, y fue vagando por el campo y , finalmente, se contrató como espadas de alquiler y bandidos para encontrar un sentido de propósito.

En la película, los rōnin son representados como antiguos agentes de inteligencia que se encuentran desempleados al final de la Guerra Fría ; carentes de propósito, se convierten en mercenarios bien pagados. A mitad de la película, el personaje de Michael Lonsdale elabora la analogía con una anécdota de los 47 rōnin a través de miniaturas , que se relaciona con los personajes como una manifestación del rōnin .

En su ensayo "Acción y abstracción en Ronin ", Stephen Prince dijo que la metáfora de rōnin explora temas de "servicio, honor y obligación de formas complejas al mostrar que el servicio puede implicar traición y que el honor puede medirse de acuerdo con términos dispares"  ;   mientras que Stephen B. Armstrong escribió que " podría decirse que Frankenheimer usa esta historia para resaltar y contrastar la debilidad moral y social que caracteriza a la banda de rōnin en su película ".

Según el director John Frankenheimer, en su penúltimo trabajo, De Niro "siempre estuvo soñando" con trabajar en la película. Frankenheimer intentó  que la amistad personal entre los personajes de Reno y De Niro se manifestara en la película, ya que consideró fundamental para la progresión de la historia, y quería fortalecer el vínculo entre los dos actores fuera de la pantalla.

Para la actriz Natascha McElhone , el director le puso un profesor para entrenar en habla  dialectal  y ayudarla a hablar con acento de Irlanda del Norte. Algo similar ocurrió con el galés Jonathan Pryce que fue entrenado para perfeccionar su acento de Irlanda del Norte.

En un momento de la producción, Frankenheimer no tenía idea que hacer con el personaje de Sean Bean de lo que deparaba el futuro para el personaje y pensó en matarlo, ya sea disparándole fuera de la pantalla después de que el equipo saliera del almacén, o arrebatado de una calle parisina a un van montado por el IRA. Finalmente, eligió despedirlo del equipo.

Como era ávido admirador de Skarsgård, Frankenheimer elogió al actor sueco por "asumir  [tanto] al papel".

Sudduth, que había aparecido en la Frankenheimer, George Wallace (1997),   realizó la mayoría de sus acrobacias de conducción en la película. Uno de los acróbatas fue el ex piloto de Fórmula 1 Jean-Pierre Jarier.

Para el personaje de Michael Lonsdale , Frankenheimer intentó convertir a este personaje en un artista en miniatura debido en parte a su amor por crear miniaturas en su tiempo libre.

Para Katarina Witt , ganadora de dos campeonatos olímpicos y cuatro mundiales en patinaje artístico, que aspiraba a convertirse en actriz a pesar de haber hecho una carrera como patinadora artístico en la vida real fue su estreno en el cine. Por cierto, Frankenheimer siempre había querido filmar una secuencia de patinaje sobre hielo en una de sus imágenes y ponerla en la película.

Como ya he señalado John Frankenheimer se incorporó como director de Ronin en 1997.  Describió el proyecto como "una película dura ... algo que hay que prestar atención, porque de lo contrario, sales a almorzar".

Frankenheimer decidió dirigir la película en gran parte debido a su amplio conocimiento de Francia, especialmente París,  debido a qué vivió y trabajó en este país durante un tiempo. Sus películas The Train (1963), Grand Prix (1966), Impossible Object (1973) y French Connection II (1975) habían sido filmadas en Francia.

Según Frankenheimer, las autoridades francesas lo ayudaron a sortear una estricta ordenanza de París que prohíbe a las producciones de cine disparar armas de fuego en la ciudad. Esto se había promulgado después de largas denuncias civiles de disparos de armas de fuego producidos por equipos de producción que filmaban tiroteos en el lugar. Dos factores influyeron en la decisión: los funcionarios habían anhelado que se realizara en París una película de acción estadounidense como Ronin, ya que no muchos habían dejado de rodar en la ciudad  desde que se aprobó la ley, y querían mejorar la reputación de Francia como el principal lugar para filmar películas.

Muchos de los principales miembros del equipo de Ronin habían trabajado antes con Frankenheimer en películas de televisión que dirigió como Tony Gibbs , su editor de películas sobre George Wallace ; Michael Z. Hanan, su diseñador de producción en Wallace y The Burning Season (1994), y May Routh , su diseñador de vestuario en Andersonville (1996).

Frankenheimer eligió al cineasta francés Robert Fraisse para ayudarlo a lograr la apariencia y el estilo que imaginaba para la película tras ver su trabajo en el thriller policial Citizen X (1995),muy adecuado para que Fraisse pudiera  manejar las más de 2,000 configuraciones individuales que planeaba para Ronin . Frank Mancuso Jr. aparece como productor.

Ronin es notable por el número de persecuciones en coches, especialmente una bastante larga a través de las calles y túneles de París, tanto así que algunas escenas requirieron hasta 150 especialistas. El trabajo realizado en las persecuciones con coches ha sido una especialidad de Frankenheimer, que fue antiguo piloto de carreras, desde entonces hasta su película filmada en 1966, Grand Prix.

Aunque las secuencias de acción eran a menudo tomadas por un segundo director, Frankenheimer lo hizo todo él mismo. Aunque era consciente de las muchas innovaciones en efectos especiales desde entonces, eligió filmar estas secuencias de forma real, sin efectos especiales, para obtener un mayor nivel de autenticidad. De hecho, en muchas de las escenas a alta velocidad estuvieron los actores en los vehículos.

Frankenheimer y el director de fotografía Robert Fraisse los supervisaron por otros 30 días después de que la unidad principal se había envuelto. La primera secuencia de persecución se rodó en La Turbie y Niza (en las calles estrechas de la ciudad de Niza ) y el resto a través de París, en áreas como La Défense y el puente Pont Garigliano .

Las escenas de túnel se filmaron por la noche porque era imposible bloquear sus carreteras durante el día.   La persecución de la autopista, donde los actores esquivan los vehículos que se aproximan, se realizó en cuatro horas en una carretera cerrada. Las acrobacias con los vehículos fueron coordinadas y realizadas por conductores profesionales de autos de carrera. Skipp Sudduth solicitó hacer su propio truco de conducción durante las persecuciones en coche, y John Frankenheimer estuvo de acuerdo. Frankenheimer le dijo a Sudduth: "No quiero ver ninguna luz de freno".

Skipp Sudduth hizo casi todo conduciendo él mismo, mientras que otros coches eran conducidos por especialistas con el volante en el lado derecho del vehículo y los choques eran realizados también por un especialista.

La película, caracterizada por sus persecuciones automovilísticas a través de Niza y París, fue producida en Hollywood a finales de la década del pasado siglo. La película fue producida con un presupuesto de $ 55 millones.

A pesar de que en temas técnicos nunca suelo entrar porque no me encuentro muy cómodo he de señalar que para conseguir la profundidad de campo el director optó por   filmar la película enteramente con lentes gran angular (que van de 18 a 35 mm) y el formato Super 35 .  Además, evitó los colores primarios brillantes en el set a favor de preservar la calidad de la primera generación de la película . Para lograr este objetivo, recomendó a los actores que no usen colores primarios brillantes y, durante la postproducción , procesaron la película usando Color Contrast Enhancement (CCE) de Deluxe , que es "una retención de plata", un método de procesamiento de película que profundiza los negros, reduce el color y aumenta la apariencia visible del grano de película ".

Fraisse dijo que utilizó una variedad de cámaras para facilitar las ambiciosas demandas fotográficas del director, incluyendo Panaflexes para escenas de diálogo, y Arriflex 435s y 35-IIIs para las secuencias de persecución en automóvil.  El uso de Steadicam, un estabilizador de cámara, constituyó la mitad del rodaje completo y fue operado por el colaborador de Frankenheimer , David Crone.

Según Frankenheimer,  se filmaron un total de 2,200 tomas individuales. Al filmar las escenas de persecución, Frankenheimer evitaba los efectos especiales, los previsualizaba a través de guiones gráficos y utilizaba los mismos montajes de cámara que los de Grand Prix . Para la secuencia de persecución final, que usó un total de 300 controladores de acrobacias,  el equipo de producción compró cuatro BMW M5 y cinco Peugeot 406s ,  cortando uno por medio y remolcándolos con un Mercedes-Benz 500 E mientras los actores estaban en ellos. También se compraron versiones de estos automóviles con el volante a la derecha, instaladas con un volante falso en el lado izquierdo donde los actores simulaban conducir mientras los conductores de acrobacias conducían los vehículos a alta velocidad. Las escenas peligrosas fueron coordinadas por Joe Dunne. Ocho automóviles fueron destruidos durante el rodaje.

Para la música John Frankenheimer eligió a Jerry Goldsmith para componer la música  de Ronin , pero abandonó el proyecto por razones desconocidas. El vicepresidente ejecutivo de música de MGM, Michael Sandoval, reunió a los compositores de " lista A " como un reemplazo.  De los elegidos por Sandoval, Frankenheimer contrató al compositor checo Elia Cmiral ,  quien recordó que "estaba muy lejos de ser incluso un compositor 'B' en ese momento".  Después de asistir a una proyección privada de la versión final de la película, Cmiral pensó en escribir su tema principal que, a instancias de Frankenheimer, incorporaría cualidades de "tristeza, soledad y heroísmo".

Para lograr este objetivo, Cmiral realizó con el duduk , una antigua flauta de madera de caña doble originaria de Armenia , y Cmiral envió un demo a Frankenheimer que "le encantó" y obtuvo la plena responsabilidad como compositor de la película.  El tema se mantuvo en las escenas de apertura, titulado "Tema de Ronin".  Ronin marcó el primer proyecto de puntuación de Cmiral para un gran estudio.  Fue orquestado y dirigido por Nick Ingman , editado por Mike Flicker , y grabado y mezclado por John Whynot .

Frankenheimer filmó dos versiones del final de la película. En la primera, Deirdre (McElhone) espera en las escaleras al lado del restaurante y considera unirse a Sam (De Niro) y Vincent (Reno). Decidiendo no hacerlo, ella sube las escaleras. Mientras sube a su automóvil, unos hombres del IRA la atrapan y la llaman traidora. Se implica que ella más tarde es asesinada. Sam y Vincent terminan su conversación y se van, sin darse cuenta de lo que acaba de suceder. Frankenheimer dijo que la audiencia de la prueba "odiaba" este final porque no estaban a favor de ver morir a Deirdre. A pesar de esto, él lo prefiere y pensó que "realmente funcionaría".

El segundo final simplemente muestra a Deirdre caminando hacia su auto después de que Sam y Vincent se van del restaurante. Esto también fue rechazado porque estaba a punto de ser "demasiado Hollywoodiense", apareciendo como si estuviera insinuando una secuela . Finalmente, cedió a la respuesta de la audiencia de prueba y no mantuvo ninguno de estos finales.

Ronin se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 1998  el 12 de septiembre antes de realizarse un gran lanzamiento el 25 de septiembre.

Aunque le fue bastante bien en taquilla, la película recibió una cálida recepción por parte de los críticos, algunos de los cuales reconocieron el regreso a la forma de Frankenheimer. Numerosos críticos se entusiasmaron con el retorno del director a la gran pantalla, con el reparto y especialmente con  Robert De Niro. Del mismo modo, las escenas de acción -particularmente las persecuciones en automóvil- fueron en general elogiadas.

El agregador de comentarios Rotten Tomatoes da a la película una puntuación del 68% basada en las críticas de 62 críticos y una calificación promedio de 6.3 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Esto es comparable a French Connection con una gran acción, escenas dinámicas de persecución en carretera y actuaciones sólidas". En  Metacritic se le da un valor de  67% indicando "revisiones generalmente favorables".  En Imbd se le da un valor de 7'3 sobre 10.

Para el crítico Chicago Sun-Times, Roger Ebert, el contenido de este maletín es tan   misterioso como el ideado por Quentin Tarantino en  Pulp Fiction (1994)

Para Michael Wilmington del Chicago Tribune afirmó que Ronin es un homenaje a The French Connection (1971), The Parallax View (1974) y Three Days of the Condor (1975): películas de suspense conocidas popularmente por su ausencia de efectos visuales. Wilmington también señaló similitudes entre la escena de apertura de Ronin   y la  de  Tarantino en Reservoir Dogs (1992), donde un grupo de asesinos profesionales que no se conocen antes también se ensamblan.

Maitland McDonagh en TV Guide generalmente comparaba esta película con El día del chacal (1973).

Para el citado Stephen B. Armstrong  la trama de Ronin responde a las convenciones de películas de robo . En este caso el director apuesta por una estética hiperrealista en sus películas "para que parezcan más reales que reales, porque la realidad en sí misma puede ser muy aburrida", y los veía como si tuvieran un matiz de semi-documental  Atribuyó la obra de Gillo Pontecorvo , La batalla de Argel (1966), una película que consideró impecable y muy influyente que ninguna otra imagen que haya visto, por la implementación de este estilo.

También el citado Stephen Prince argumentó que "el éxito de Frankenheimer al trabajar en este estilo realista, evitando el engaño de los efectos especiales, coloca la persecución en Ronin en la misma clase enrarecida que la célebre persecución en Bullitt (1968)".  Frankenheimer también atribuyó el crédito a la película rusa The Cranes Are Flying (1957) por emplear algunos cortes invisibles en la película.

Para Janet Maslin en  The New York Times "'Ronin' representa un agradable regreso a la clase de thriller internacional descarnado y artesanal que fue un hito en los años 60"

Según Todd McCarthy en  Variety sostiene que "Aunque espolvoreada con adrenalina y sazonada con aires noir, el 'Ronin' de Frankehheimer es un thriller decepcionantemente convencional"

Para Rita Kempley del  The Washington Post se trata de "Una carrera de obstáculos soberbiamente ejecutada (...) Al contrario que los ronin -los héroes de la leyenda japonesa- estos chicos aún están buscando una historia"

Richard Schickel para Time elogió a Ronin como "una obra maestra astuta". Variety argumentó que Ronin requiere un "hastío existencial , un cansancio del mundo" . La historia fue criticada por el Chicago Reader por inducir el aburrimiento . otro diario de Illinois , el Chicago Tribune fue más indulgente y lo llamó "cuento familiar pero tenso". El mismo Tribune continuó argumentando que Ronin había sido la  mejor película  de Frankenheimer en décadas a pesar de carecer del fervor creativo de The Manchurian Candidate ,  mientras que críticos como Peter Travers en Rolling Stone lo consideraron como un regreso a la forma para el director .

En 2014, Time Out encuestó a varios críticos de cine, directores, actores y actores para enumerar sus mejores películas de acción.  Ronin fue incluido en el lugar 72 en esta lista.

Ya en España  Guillermo Altares en las páginas de El País dice que "Muchos tiros y poca trama (...) Fallida pese a momentos de calidad". Para Carlos Boyero en  El Mundo "Empieza con magnetismo, pero su argumento acaba siendo diarreico".   Un locánico, pero claro Javier Ocaña en Cinemanía dice "Pasable" . Y Miguel Ángel Palomo en  El País se trata de "Un thriller sólido y complejo (...) impecables escenas de acción rodadas a la antigua usanza, con especialistas, sin asomo de tecnología digital."

En filmaffinity Pablo Kurt entiende que "Puede que Frankenheimer pusiera el "listón" de su primera media hora demasiado alto, pero un director de su oficio no debería dejar que una historia interesante se le escape de las manos por la vía del estruendo.

Y , por último, Alberto Abuín en Espinoff " ‘Ronin’, que lejos de ser una gran película, sí es muy disfrutable —uno de los principales objetivos del séptimo arte creo que es hacer disfrutar al espectador—, y sirve de lección a otros directores con más millones en el banco, pero que de filmar acción no saben absolutamente nada". Y concluye "Sin embargo, no hay demasiada inspiración cuando se trata de dosificar cierto suspense en relación a algunos de los personajes y sus motivaciones, las cuales no quedan demasiado claras, haciendo que por momentos la historia sea algo incomprensible a pesar de su simpleza. Menos mal que el retrato de cierta forma de vida y el buen hacer de Frankenheimer detrás de la cámara logran que obviemos esas deficiencias de guión. O mejor dicho, no impiden el disfrute de un excelente producto de acción". "Espectáculo bien entendido, sin pomposidad ni mil planos por segundo. Genuino".

La película obtuvo algunos premios. En los Premios  Saturn , los Saturn Awards, del año fue nominada a la Mejor Película de Acción/Aventura/Thriller y la Asociación de Editores de Sonido de EEUU la nominó a los Mejores Efectos Sonoros y los Young Hollywood Awards lo fue a la mejor Banda Sonora para Elia Cmiral. 

Película muy al gusto del director, por su acción, por sus coches, por su espectacularidad, por sus espacios, creo que John Frankenheimer adoraba y conocía muy bien Francia, y que cuenta con un elenco espectacular y una trama de interés , eso sí, con el maletín como McGuffin.  Y el resultado final es una película de suspense, un thriller en el que la sospecha, las dudas y las desconfianzas, así como traición cuestionan todo lo que tiene que ver con la ética, con el sentido del honor. Un trabajo tan bien hecho como eficaz. Se deja ver, sin mucho más.