El tren

Hay películas que te remiten a momentos concretos de tu vida. Es posible que en su momento sean absolutamente irrelevantes, pero , por el motivo que sea, se te quedan en la memoria. Recuerdo que estábamos en quinto de carrera y una compañera, hoy profesora titular de la Universidad de Granada, me preguntó si tenía una película, puesto que ella era conocedora de mi interés por grabar películas,  especialmente de cine clásico. La película que me pidió era El tren, una película de 1964 que yo había podido ya disfrutar con anterioridad, aunque en ese momento no estaba en mi mano. Le comenté que en ese momento no la tenía, y ahí quedó la cosa. 

Treinta y cinco años después he vuelto a ver esa película. Por supuesto que cuando la vi por primera vez conocía algunos de los autores de los que habla la película como Picasso, Van Gogh, incluso Utrillo. Pero indudablemente ver esta película con esa perspectiva de tiempo y con un mayor conocimiento histórico y artístico pues me he hecho recordar esta anécdota. Una tontería como otra cualquiera.

El tren (The Train) es una coproducción italofrancoestadounidense del año 1964 distribuida por la Metro Goldwyn Mayer del género bélico dirigida por John Frankenheimer, quien contó con la colaboración de los ferroviarios y el Ejército de Francia. 

De hecho la película comienza con el reconocimiento de los productores de esta película a aquellas personas que trabajaron en los ferrocarriles franceses dando su vida para conseguir la victoria ante los nazis, y que inspiraron esta historia. 

Casi de inmediato la película se trata las puertas del Museo de Jeu de Paume, en París, donde vemos que la entrada está prohibida al público por orden del comandante Von Gross

Ambientada en agosto de 1944 - comienza el 2 de agosto de 1944, el día 1511 de la ocupación alemana, durante la Segunda Guerra Mundial, la película enfrenta al miembro de la Resistencia francesa Paul Labiche (Lancaster) contra el coronel alemán Franz von Waldheim (Scofield), el hombre que decidió que las obras de arte de los pintores franceses que podrían calificarse según el régimen nazi como prototipo de arte degenerado, obras que por otro lado el admira, han de  trasladarse a Alemania en tren a Alemania. Su entrada en el museo encendiendo. 

El militar alemán va iluminando y focalizando las obras, inicialmente, una a una. Descubrimos un Picasso, un Renoir, un Gauguin,.. Mientras las admira aparece la señora Valland  que igualmente admira la obra de Gauguin, procedente de una colección privada. 

El oficial alemán insiste de que se trata de un arte degenerado. Por eso debería detestarlo, pero reconoce que no puede estar de acuerdo con aquellos que imponen su gustos por decreto. Ella indirectamente le da las gracias por haber conservado estas obras. Ahora tienen menos reparar en decírselo puesto que la liberación del París es inminente. 

Ella le intenta decir que se ha conservado por su amor al arte, pero el habla del valor económico de las obras. Casi de inmediato da la orden a sus subordinados que entran y les ordena empaquetar los cuadros que han de ser llevados a un lugar segura, según él, Alemania, aunque ella insiste que París va a ser un lugar más seguro pues se ha declarado ciudad abierta y no será bombardeada. 

Mientras se llevan cuadros de Renoir, Cezanne, obras cubistas,... Y mientras suena la música de Maurice Jarre y se informa que la película está basada en la obra, Le Front de L' Art de Rose Valland. Índice momento vemos que sobre las cajas se pintan 2 Gauguin, , 7 Renoir, Van Gogh, 2 Manet, 2Picasso, 4 Degas, 4 Miro, 8 Cezanne, pero también algunas obras de Matisse, Braque, Seurat, Utrillo,...

Tras esto nos llevan a las vías del tren, y nos presenta al otro protagonista, Paul La iche ( Burt Lancaster). El enfrentamiento entre uno y otro ha comenzado. Y desde allí hasta el final. 

Señalar que Arthur Penn fue el director original de El tren , pero fue reemplazado por Frankenheimer tres días después de que comenzara el rodaje. El director de la película, nacido en 1930, será el responsable de otros títulos memorables como Los Jóvenes Salvajes, El Mensajero del Miedo, El Hombre de Alcatraz, Siete Días de Mayo o El Plan Diabólico 

El guion de la película, escrito por Franklin Coen, Frank Davis y Walter Bernstein , está basado libremente en el libro de no ficción Le front de l'art de Rose Valland , quien documentó las obras de arte almacenadas que habían sido saqueadas por la Alemania nazi de museos y colecciones de arte privadas.

La película es una producción de la United Artist en la que se involucró Jules Bricken que contó con la música Maurice Jarre, la fotografía de Jean Tournier y el montaje de David Bretherton y Gabriel Rongier. El presupuesto de la película alcanzó los $5.8 millones, recaudando tan sólo $6 800 000

El cuidado vestuario fue de Jean Zay y como protagonistas tenemos a Burt Lancaster, Paul Scofield,  Jeanne Moreau, Michel Simon,   Richard Münch,   Suzanne Flon,   Wolfgang Preiss, Albert Rémy,  Helmo Kindermann y Paul Bonifas.

En agosto de 1944, las obras maestras del arte moderno robadas por la Wehrmacht están siendo enviadas a Alemania; el oficial a cargo de la operación, el coronel Franz von Waldheim, está decidido a llevar las pinturas a Alemania, sin importar el costo. 

Después de que las obras que selecciona son retiradas del Museo Jeu de Paume 148 cajas, la restauradora y conservadora del Museo, Mademoiselle Villard, busca la ayuda de la Resistencia francesa . Dada la inminente liberación de París por parte de los Aliados , los trabajadores de la SNCF (Ferrocarriles Nacionales Franceses) asociados con la Resistencia solo necesitan retrasar el tren durante unos días, pero es una operación peligrosa y debe realizarse sin arriesgar la inestimable carga. En la historia real el aviso de la conservadora con una lista detallada de las mismas permitió a la Resistencia evitar que el tren partiera, aunque para ello se sumó la "mala gestión" del papeleo, la alteración de las rutas ferroviarias y el sabotaje evitaron este robo a gran escala.  

El líder de la célula de la Resistencia e inspector de zona de la SNCF, Paul Labiche (Burt Lancaster) , niega inicialmente el plan y le dice a Mademoiselle Villard y al líder de la Resistencia Spinet: "No voy a desperdiciar vidas en pinturas" . Y Mientras Mademoiselle Villard defiende su caso ante los trabajadores de la resistencia en el astillero, Labiche responde: “Los nazis dispararían a unos cuantos rehenes, pero ese es el precio que hay que pagar. ¿Son sus cuadros tan importantes, mademoiselle?”. 

Éste cambia de opinión después de que su antiguo mentor, Papa Boule (Michel Simon) , es ejecutado sumariamente por sabotear el tren por su cuenta. 

Después de ese sacrificio, Labiche se une a sus compañeros de equipo de la Resistencia, Didont y Pesquet, que han estado organizando su propio plan con la ayuda de otros miembros de la Resistencia de la SNCF. 

En una elaborada artimaña, desvían el tren, modificando temporalmente la señalización de la estación de tren para hacer creer a la escolta alemana que se dirigen a Alemania cuando en realidad han dado la vuelta hacia París. 

Dos colisiones deliberadas bloquean el tren en la pequeña ciudad de Rive-Reine sin dañar la carga. Labiche, aunque recibió un disparo en la pierna, escapa a pie con la ayuda de Christine, la viuda propietaria de un hotel de Rive-Reine, mientras que otros miembros de la Resistencia implicados en el complot son asesinados, entre ellos Pesquet y Jacques, el jefe de estación de Rive-Reine.

Esa noche, Labiche y Didont se encuentran de nuevo con Spinet, junto con el joven sobrino de Jacques, Robert, y planean pintar de blanco las partes superiores de tres vagones para advertir a los aviones aliados de que no bombardearían el tren de arte. 

Robert recluta a trabajadores del ferrocarril y amigos de su tío y prepara una falsa alarma antiaérea manipulando una sirena, para distraer a los alemanes y poder comenzar la operación. Sin embargo, la pintura es detectada y Robert y Didont son asesinados a tiros, pero debido a la pintura, el tren se salva del bombardeo al día siguiente cuando los bombarderos medianos aliados rugen sobre Rive-Reine.

Labiche, que ahora trabaja solo, sigue retrasando el tren después de que se despejan las vías, lo que aumenta la ira de von Waldheim. 

Labiche intenta usar explosivos plásticos para destruir la locomotora, pero descubre que lleva rehenes franceses colocados por los alemanes. 

Para salvar a los rehenes, hace estallar los explosivos antes de tiempo, dañando las vías delante del tren. Mientras los alemanes arreglan las vías, Labiche corre hacia delante, luchando por mantenerse alejado de los soldados que lo buscan. 

Finalmente, logra descarrilar el tren desatornillando y aflojando uno de los rieles, lo que hace que los rieles se abran y la locomotora caiga suavemente sobre el balasto sin dañar a los rehenes.

No hay ninguna grúa disponible para encarrilar el tren, por lo que Von Waldheim hace señas a un convoy del ejército que se retira por una carretera cercana, y se entera de que una división blindada francesa no está muy lejos. El coronel ordena que se descargue el tren e intenta apoderarse de los vagones para recoger las obras de arte, pero el comandante del convoy se niega a cumplir la orden. El contingente alemán del tren mata a los rehenes y se une al convoy que se retira.

Von Waldheim se queda atrás con el tren abandonado. Entre las vías y la carretera hay cajas con los nombres de artistas famosos. Aparece Labiche y el coronel lo regaña por no tener ningún interés genuino en el arte que ha salvado. 

En respuesta, Labiche se da vuelta y mira a los rehenes asesinados y luego, sin decir palabra, se vuelve hacia von Waldheim y lo mata de un disparo. Después, Labiche se aleja cojeando, dejando los cuerpos y los tesoros artísticos donde yacen.

El tren está basado en el libro Le front de l'art : Défense des collections françaises, 1939-1945 . de 1961 de Rose Valland , la historiadora de arte del Jeu de Paume, quien documentó las obras de arte almacenadas allí que habían sido saqueadas por los alemanes de museos y colecciones de arte privadas en toda Francia y que estaban siendo clasificadas para su envío a Alemania en la Segunda Guerra Mundial. La inspiración para las escenas de la interceptación del tren surgió de los hechos reales que rodearon al tren n.º 40.044 cuando fue incautado y examinado por el teniente Alexandre Rosenberg de las fuerzas de la Francia Libre en las afueras de París.

Una película basada en este acontecimiento fue realizada por el director francés René Clément - en su más memorable película, según Fausto Fernández, titulada La bataille du rail, contando para ello con actores n o profesionales, y que según el crítico catalán le debe mucho. 

En contraste con la acción y el drama representados en la película, el envío de arte que los alemanes intentaban sacar de París el 1 de agosto de 1944 fue detenido por la Resistencia francesa con un aluvión interminable de papeleo y burocracia, y no llegó más allá de una estación ferroviaria a unas pocas millas de París. 

La interceptación real del tren se inspiró en los eventos de la vida real que rodearon al tren No. 40,044 cuando fue incautado y examinado por el teniente Alexandre Rosenberg de las fuerzas de la Francia Libre en las afueras de París en agosto de 1944. Cuando sus soldados abrieron las puertas del vagón, vio muchas piezas de arte saqueadas que alguna vez habían estado exhibidas en la casa de su padre, el comerciante de arte parisino Paul Rosenberg , uno de los principales comerciantes de arte moderno del mundo. 

Las obras de arte que se ven en las escenas iniciales de la película incluyen de manera destacada pinturas que no fueron saqueadas por los alemanes, como ¿Cuándo te casarás? de Paul Gauguin y La joven con la mandolina de Pablo Picasso .

Frankenheimer heredó la película de otro director, Arthur Penn . Lancaster despidió a Penn después de tres días de rodaje en Francia, y le pidió a Frankenheimer que asumiera el papel de director. Mientras viajaba para Francia desde los Estados Unidos leyó la obra y  el guion y pensó que tenía que cambiar bastante, puesto que el tren no aparecía hasta más allá de la página 100. Además exigió a los productores un deportivo que le hacía ilusión y era una de sus grandes aficiones. 

Penn había imaginado una película más íntima que reflexionaría sobre el papel que desempeñaba el arte en el personaje de Lancaster y por qué arriesgaría su vida para salvar el gran arte del país de los nazis. No tenía la intención de dar mucho enfoque a la mecánica del funcionamiento del tren en sí. Pero Lancaster quería más énfasis en la acción y no lo que pretendía Arthur Penn , un estudio de personajes a pequeña escala para asegurar que la película fuera un éxito después del fracaso de su magnífica película El gatopardo de Visconti. 

Newsweek argumentó que Penn "no satisfizo a [el productor Jules] Bricken, quien dijo que nunca había llegado al punto esencial de la película: su fisicalidad". 

El director declaró que “ El tren era una película que yo no tenía intención de hacer nunca. Había otro director en la película, pero se fue al cabo de unas dos semanas. Hasta el día de hoy no sé exactamente qué pasó. Hubo un conflicto de personalidades, un conflicto sobre el tipo de película que se estaba haciendo. Creo que el director, Arthur Penn, quería hacer una película, mientras que el productor y Lancaster querían hacer otra.

Acababa de terminar Siete días en mayo y estaba bastante cansado. No quería hacerlo, pero él me pidió que lo hiciera como un favor para él. Y también quería ir a Europa. En el camino leí el guion. Me lo entregaron justo cuando subía al avión. Pensé que era bastante espantoso. No era ni pez ni ave. “El maldito tren no salió de la estación hasta la página 140. Cuando llegué a París, paramos la producción y reescribimos el guion. Traje a Ned Young y Howard Infell y lo reescribimos. Quería incluir un punto de vista que me apasionaba, que era que ninguna obra de arte vale una vida humana. Pero decir que la película es una declaración de un tema como ese es realmente injusto con la película porque, en mi opinión, también es una película de acción importante. No creo que sea una película en la que haya que leer un gran significado social, pero es fiel a las personas y a su entorno”.

La producción se detuvo brevemente mientras se reescribía el guion y el presupuesto se duplicó. Como relata en el libro de Champlin, Frankenheimer utilizó la desesperación de la producción a su favor en las negociaciones. Exigió y se le dio lo siguiente: su nombre se hizo parte del título, "El tren de John Frankenheimer".

Al codirector francés, obligado por las leyes fiscales francesas, no se le permitió poner un pie en el set; se le dio el montaje final total; y un Ferrari. Gran parte de la película se rodó en exteriores.

El tren contiene múltiples accidentes de tren reales. El bombardeo aliado de un patio de maniobras se llevó a cabo con dinamita real, ya que la autoridad ferroviaria francesa necesitaba ampliar el ancho de vía. Esto se puede observar por las ondas de choque que viajan a través del suelo durante la secuencia de acción. 

Los productores se dieron cuenta después de filmar que la historia necesitaba otra escena de acción y reunieron a algunos miembros del elenco para una escena de ataque con Spitfire insertada en el primer tercio de la película. Más adelante en la película también se ven aviones Douglas A-26 Invader del ejército del aire francés . 

La película incluye secuencias que involucran largos planos secuenciales y lentes gran angular con fotografía de enfoque profundo . Entre los planos secuenciales dignos de mención se encuentran Labiche intentando detener un tren y saltando sobre la locomotora en movimiento, un largo plano con plataforma de von Waldheim viajando a gran velocidad por un patio de clasificación en un sidecar de motocicleta y Labiche rodando montaña abajo y cruzando una carretera, para finalmente llegar tambaleándose a una vía de tren. En las escenas que implican a Lancaster reconocemos a ese hombre en forma permanente que fue. 

Frankenheimer comentó en el comentario del DVD: "Por cierto, creo que ésta fue la última gran película de acción jamás filmada en blanco y negro, y personalmente estoy muy agradecido de que se haya filmado en blanco y negro. Creo que el blanco y negro aporta mucho a la película". 

A lo largo de la película, Frankenheimer a menudo yuxtapone el valor del arte con el valor de la vida humana. 

Un breve montaje termina la película, intercalando las cajas llenas de pinturas con los cadáveres de los rehenes franceses antes de que una toma final muestre a Labiche alejándose por la carretera. 

El rodaje se llevó a cabo en varias localizaciones, entre ellas: Acquigny ( Calvados) ; Saint-Ouen, Seine-Saint-Denis ; y Vaires, Seine-et-Marne . Las tomas abarcan desde París hasta Metz. Gran parte de la película se centra en la ciudad ficticia de "Rive-Reine".

Las locomotoras principales utilizadas fueron ejemplares de la antigua serie 11s 4-6-0 de Chemins de fer de l'Est , que la SNCF clasificó como 1-230-B. Es ella la locomotora que lleva Papa Boule y ocupa un lugar particularmente destacado, flanqueada por las locomotoras hermanas 1-230.B.739 y 1-230.B.855. 

Una locomotora fuera de servicio se utilizó como 517 para la escena del accidente (una imagen de producción de las secuelas desde la parte trasera muestra el número de identificación del ténder que dice 1-230.B.754), y a otra se le dio una carcasa blindada de madera contrachapada para representar una locomotora del ejército alemán para la escena de las maniobras y el asalto en el patio. 

Un antiguo "Bourbonnais" tipo 030.C 0-6-0 (N° 757), aparentemente fuera de servicio por la SNCF, fue destrozado deliberadamente para bloquear la línea; se movió más rápido de lo que el equipo de filmación anticipó y destrozó tres de las cinco cámaras colocadas cerca de la vía en el proceso. [ 9 ] 

Otras locomotoras de varias clases se pueden ver en las vías secundarias de fondo en las escenas de paso y vistas aéreas del patio, entre ellas las locomotoras SNCF Clase 141R 2-8-2 , que no fueron suministradas a Francia hasta después de la guerra como parte de la reconstrucción del ferrocarril, así como las locomotoras de tanque USATC Clase S100 0-6-0T , designadas por la SNCF como 030TU, que fueron utilizadas por las fuerzas aliadas que se acercaban.

La producción contó con el apoyo de los ferroviarios franceses y de la guardia fronteriza de Francia e Italia.

Burt Lancaster tuvo que aprender a usar una máquina locomotora de vapor y la maestranza para desarrollar con credibilidad su papel. 

Destacan en la película la actuación de Paul Scofield representando al frío y voluntarioso coronel Von Waldheim y la del actor suizo Michel Simon encarnando a un maquinista francés que odia a los nazis que ocupan su país.

La película obtuvo algunas nominaciones pues fue candidata al Golden Laurel de 1965 al mejor actor: Burt Lancaster, que quedó en segundo lugar, también fue candidata al BAFTA de 1965 a la mejor película: quedó en segundo lugar y fue Candidata al Oscar de 1966 al mejor guion: Franklin Coen y Frank Davis.

El historiador de arte Kenneth Lindsay describió las actividades de la restauradora Valland tan improbable: “Nadie sabía que todas las noches, cuando volvía a casa, llevaba un diario secreto de qué cuadros franceses, de propiedad pública o privada, se habían llevado quiénes y a dónde los habían enviado”. Las anotaciones reales de su cuaderno se pueden ver brevemente en la película de 1995 El rapto de Europa , basada en el libro del mismo nombre de Lynn H. Nicholas, que documenta los robos de arte al por mayor de los nazis. Los nazis no sólo codiciaban el arte, sino que creían que podían vender piezas “degeneradas” en el mercado negro para apuntalar su debilitada maquinaria de guerra. Por proteger el arte, Valland fue considerada inicialmente como colaboradora, pero finalmente recibió la Legión de Honor. Newsweek señaló que haber sido fiel a la historia real habría sido algo decepcionante (como lo demostró la película bien intencionada pero aburrida de George Clooney).“Haber seguido la modesta historia de Valland habría sido desbaratar la película. Imaginemos a Burt Lancaster como un ayudante de contabilidad con visera verde y elegantes ligas en las mangas. Hubo bravuconería y acción en los ferrocarriles durante la resistencia, pero con trenes de municiones y envíos de material vital. Y fue este tipo de incidente sobre el que Frankenheimer injertó la exótica historia del envío de obras de arte”.

En cuanto a la crítica la película ha sido valorada de forma unánime como una gran película. El crítico Matt Zoller Seitz describe bien la fructífera colaboración entre actor y director al decir que “… debido a que Frankenheimer hacía películas de la misma manera que Lancaster se movía por la pantalla –de manera económica, elegante, mezclando extravagancia con una contundencia sensata– creó el vehículo definitivo para el actor físico definitivo”.

Para Bosley Crowther, crítico habitual que fuese del The New York Times la película, "Una vez que el espectador está totalmente convencido del compromiso personal y la determinación de Lancaster (...) se siente cautivado por la emoción de los sucesos melodramáticos". 

Para Tim Pelan en la web Cinephilia ¬ Beyond afirma que "La versión de Frankenheimer naturalmente expande la persecución y eleva el suspenso y la emoción" y añade que "Frankenheimer le había dicho a William Millinship, del Washington Post, que “estaba tratando de decir dos cosas [con el final]. Primero, que ningún arte vale la pena matar gente por él. Segundo, que una sucesión de pequeños incidentes puede inducir a las personas a hacer sacrificios que su sentido común rechazaría”. Con los muchos “pequeños incidentes” ejemplares que contribuyen al lienzo de El tren , cada toque es una obra maestra, cada cuadro una pintura. ". Y Tim Pelan añade que "El escritor Harlan Ellison, siempre una voz entretenida aunque controvertida, admitió con cansancio: “Puede actuar, sin duda, pero no puedo concebir en qué nivel por encima del de capa y espada… La personalidad intrusiva de Lancaster, el acróbata, haciendo sus trucos especiales de salón bajando escaleras, saltando muros de jardines, magníficamente musculoso y molesto como el infierno cuando nos dicen una y otra vez: 'En realidad no soy Labiche, soy Lancaster'”. ¿Muy celoso? ¡Lancaster tenía cincuenta años cuando logró todo esto! El director hace un uso excelente de lentes gran angular, planos secuencia largos y primeros planos extremos, manteniendo al mismo tiempo la profundidad de campo; el ojo puede detenerse aparentemente en una miríada de detalles a medida que avanza la narración. Frankenheimer, con sus cámaras Jean Tournier y Walter Wottitz, y el montador David Bretherton, se asegura deliberadamente de que los elaborados movimientos de cámara y los cortes estén planificados de modo que “logísticamente se sepa dónde está cada tren” en relación con la acción. Una minucia de detalles revela las sutilezas de la resistencia: una moneda en los engranajes de un tren para cortar el suministro de petróleo, una tubería en los engranajes, etc. 

Frankenheimer dice en el comentario del DVD: “Creo que al público le gusta saber cómo funcionan las cosas”. 

La reseña de The New Yorker afirmó: “Desde la comedia perfecta de Buster Keaton, El general, la cámara nunca se había entregado con tanto entusiasmo al mundo humeante, lleno de hollín, negro y plateado, silbante y estridente del material rodante, las torres de señales, los patios, los talleres, las grúas, los túneles, los puentes y las vías”.  

Ya en España, la crítica ha hablado igualmente bien de ella. En  El País, Miguel Ángel Palomo escribió que se trata de una "Imprescindible obra maestra (...) película febril e intensa (...) una clase magistral de cine espectacular, riguroso e inolvidable"; mientras que en El Mundo", Francisco Marinero  comentó de ella que era una "Película más que aceptable con un excelente reparto".

Fausto Fernández que nos recomienda verla junto con The Monuments men , en Twitter- ahora X- en catalán nos dice que es "Una lección magistral de cine a cargo de su director con una magnífico Burt Lancaster tratando de parar el tren y con un memorable plano final" Y añade que "Burt Lancaster no para ni un segundo en su frenético objetivo de impedir el expolio artístico nazi de los museos parisinos en El Tren), tal vez (o no tal vez) la obra maestra de John Frankenheimer". 

Para terminar señalaré el delirio final del militar alemán que le echa en cara a Labiche  que  ante el arte "No siente ninguna emoción al estar cerca de ellas. Un buen cuadro significa para usted lo mismo que un collar de perlas ... No le ha acompañado la suerte. Me ha vencido sin saber que estaba haciendo ni el por qué. Finalmente le dice el culto y esnob coronel Von Waldheim al inspector ferroviario engañosamente impasible y que al principio se muestra reacio al riesgo humano " no es usted nada, Labiche, un simple bruto". 

Y termina diciendo que " las pinturas son mías. No podrá arrebatármelas. La belleza pertenece a los hombres que saben apreciar esos cuadros. Volverán a mí o a hombres como yo . Labiche tras mirar los muertos que quedan atrás, comienza a disparar. 

Mientras se intercalan las cajas de las obras de arte con los franceses asesinados. Así que volvemos a ver cajas que contienen obras de Rouault, Braque, Renoir, Cezanne, Picasso, Dufy, Lautrec con los números de obras correspondientes a cada caja. Como señala Mademoiselle Vallard en la película “Todo lo que Von Rundstedt puede perder son hombres”. “Este tren es más valioso” El arte y la muerte. 

No toquéis la pasta

 

Grisbi

*EC: En construcción

Felices los tres , o los cuatro

Jules et Jim, plus Catherine et, quelque fois, Albert. L´adiction est claire: quatre. No y no pienso en Maluma, sino en la soberbía película francesa de 1962 dirigida por François Truffaut,un ejemplo más de ese movimiento cinematográfico denominado Nouvelle vague. 

La película, hoy todo un clásico, está basada en la novela homónima de Henri-Pierre Roché. La historia, se basaba en el relato 'del otro', el tercero en liza, Henri-Pierre quien fue uno de los dos amigos íntimos que se enamoran de la misma chica. Uno antes, el otro después, pero los dos con sentimientos honestos y tiernos. En vez de enfurecerse y de dirigirse al desastre, los tres amantes se acompañan, se quieren y se divierten. No hay transgresiones sexuales ni momentos dramáticos. Aparece la guerra que los separa (Jim y Catherine son franceses y Jim, austriaco ), pero su amistad es tan sólida que sobrevive a la distancia, a la edad. Hessel padre fue el primer traductor al alemán de 'En busca del tiempo perdido'. 

Con esa historia François Truffaut junto a Jean Gruault y lo narrado en Jules et Jim por de Henri-Pierre Roché proyectaron el guión de la película. Una historia así llegó a las manos de François Truffaut quien junto a Marcel Berbert deciden producir la película por medio de con el apoyo de la Productora Les Films du Carrosse y SEDIF y la distribución de Cinédis, Gala y Janus Films. 

La banda sonora contará con la música de Georges Delerue, que ya había compuesto la música para el largometraje anterior del director francés ; la fotografía en blanco y negro de Raoul Coutard, el montaje de Claudine Bouché y la narración de Michel Subor. El sonido fue responsabilidad de Florence Malraux. 

En cuanto al elenco la película cuenta con Jeanne Moreau como Catherine, Oskar Werner como Jules, Henri Serre como Jim. Junto a ellos aparecen Vanna Urbino como Gilberte, la prometida de Jim, Serge Rezvani acreditado bajo el nombre de Boris Bassiak como Albert, el amante de Catherine en algún momento. También aparecen Marie Dubois como Thérèse, la ex novia de Jules, Sabine Haudepin como Sabine, la hija de Jules y Catherine, Kate Noëlle como Birgitta, Anny Nelsen como Lucy, Christiane Wagner como Helga, Jean-Louis Richard como un cliente en café, Michel Varesano como otro cliente del café, Pierre Fabre como el borracho del café, Danielle Bassiak como compañera de Albert, Bernard Largemains como Merlin, Elen Bober como Mathilde, Dominique Lacarrière como una mujer y Michel Subor como el narrador (voz). 

La historia se desarrolla antes, durante y después de la I Guerra Mundial . En 1907, en el barrio parisino de Montparnasse , viven dos amigos. Desde que se conocieron, Jules (Oskar Werner) , un intelectual de origen austriaco instalado en París, y Jim (Henri Serre) , un escritor y periodista francés , se hacen amigos inseparables. La amistad en cierto sentido "espiritual", hecha de leer poesía y grandes discursos sobre arte, pero también "práctica", ya que las dos se intercambian voluntariamente las chicas que siempre consigue Jim. Jules ( Oskar Werner ) es un escritor tímido natural de Austria que forja una amistad con un francés mucho más extrovertido, Jim ( Henri Serre ). 

Los dos comparten un interés en el mundo de las artes y el estilo de vida bohemio . Son amigos de frecuentar cafés y tertulias en las que hablan de arte y poesía- Jim , además, tiene mucho éxito con las mujeres no así Jules, mucho más tímido. Jules, de cultura alemana, es el más inocente, entrañable e impresionable de los dos; Jim, francés, es más reflexivo, observador y prudente. Ambos se complementan a la perfección, soñando siempre con la mujer perfecta. 

De vez en cuando mantienen un relación con chicas, la de Jim, nunca es estable salvo cuando da con Gilberte (Vanna Urbino), mientras que Jules más tímido en alguna ocasión contacta con alguna chica como ocurre con Thérèse (Marie Dubois ) una chica a la que conoce en un bar , que es tremendamente voluble y entre sus virtudes está el saber echar humo como una locomotora y la belleza, pero nunca la fidelidad , pues abandona a sus amantes con velocidad de vértigo. 

Después de encontrarse con varias mujeres, y tras una presentación de diapositivas, en casa de un artista se fascinan con el busto de una diosa y su sonrisa serena y sus labios. Le preguntan al artista dónde está la escultura que deciden viajar a verla "in situ" la antigua estatua en una isla en el mar Adriático. 

Tras unas relaciones diversas Jules recibe a una amiga alemana que se hace acompañar de otros dos chicas, siendo una de ella la libre y caprichosa Catherine ( Jeanne Moreau ), un chica que les recuerda la hermosa serenidad de la estatua con la sonrisa clásica. Además de ser juguetona con los dos.

A ella le gusta , en ocasiones, vestirse de chico, competir con ellos en carrera o quemar cartas aunque esto casi le cuesta la vida al igual que cuando se tira al río de forma inesperada, salvándole de la muerte Jim quien se lanza a por ella. 

Los tres pasan el rato juntos, y ambos se enamoraron de la misma mujer . Jules, como tiene menos éxito con las chicas, le pide permiso a su amigo Jim para comenzar una relación con Catherine y , tras algún viaje a una casa de campo cercana a la costa, le propone su casamiento con ella. 

Catherine, aunque comienza una relación con Jules, ambos hombres se ven afectados por su presencia y su actitud hacia la vida. Jim continúa involucrado con Gilberte, generalmente viéndola separada del resto. Unos días antes de que se declare la guerra, Jules y Catherine se mudan a Austria para casarse. 

Pero la guerra estalla y ambos hombres son movilizados durante la guerra, en bandos opuestos; a pesar de que Jules, se siente francés de alma y espíritu ha de ir al frente aunque previamente se casa con Catherine. 

Ambos se escriben cartas durante el conflicto , aunque saben que nunca llegarán a su destinatario. En las mismas se refieren que cada uno teme a lo largo del conflicto la posibilidad de enfrentarse al otro o aprender que podría haber matado a su amigo. Después de la separación en tiempos de guerra y la victoria francesa en el conflicto, los tres amigos reanudan su amistad. Jim, que ahora trabaja en un periódico, decide visitar a la pareja en Alemania. 

Cuando se baja del tren, encuentra una situación bastante inesperada: su amigo Jules ha cambiado profundamente, ha abandonado la poesía, el arte e incluso la cama matrimonial, ya que él y Catherine duermen en habitaciones separadas. Tras reencontrase con ellos se queda una temporada con Jules y Catherine en su casa en la Selva Negra . Jules y Catherine para entonces tienen una hija pequeña, Sabine ( Sabine Haudepin ) .

Parecen revivir su felicidad de antaño, pero Jules le comenta , cuando tiene un rato de intimidad a Jim, las realidad de su matrimonio. Le dice que desde el principio entre ellos existe una auténtica tensión. Él le dice a Jim que Catherine lo atormenta y lo castiga a veces con numerosos infidelidades, y que una vez lo dejó a él y a Sabine durante seis meses. Jules le dice a Jim: «Daría cualquier cosa por no perder a Catherine. Y a usted le sucederá lo mismo». Entre sus amantes hay uno de ellos que es recurrente. 

Se trata de un amigo de ambos, músico, que vive en una casa de campo cercana. Su nombre es Albert (Serge Rezvani acreditado bajo el nombre de Boris Bassiak ). Le confiesa que, de cualquier manera, él no puede vivir sin ella y sin su hija. 

Una noche Catherine coquetea e intenta seducir a Jim, quien nunca la ha olvidado. Catherine es tan hermosa y alegre como siempre, y Jim ahora encuentra el coraje de declararle sus sentimientos. Jules, desesperado por que Catherine pueda dejarlo para siempre, da su bendición para que Jim, quien sigue manteniendo una relación con Gilberte, se case con Catherine para que pueda seguir visitándolos y verla. 

De cualquier manera, Jim retorna a París, no sin antes escuchar a Albert y Catherine cantar una inolvidable canción: Le Tourbillon de La Vie, uno de los momentos que vibran en la película. 

Una vez en París, Jim vuelve a encontrarse con Thérèsa en un café quien le cuenta sus peripecias vitales y sus encuentros con muchos otros hombres , al igual que con la bella y dulce Gilberte, que sigue enamorado de él. 

Tras un tiempo alejado, Jim decide volver. Durante un periodo, los tres adultos viven felices con Sabine en el mismo chalet en Austria, hasta que surgen tensiones entre Jim y Catherine a que ella quiere tener un hijo con él, pero ella se muestra incapaz para concebir ese hijo. Jim deja a Catherine y regresa a París. 

Después de varios intercambios de cartas entre Catherine y Jim, deciden reunirse cuando se entera de que está embarazada. La reunión tiene lugar después de que Jules escriba para decirle a Jim que Catherine sufrió un aborto espontáneo. 

Tras estar con ambos, deciden salir a dar un paseo y , finalmente, entrar en casa de Albert. Tras tener una conversación los cuatro, Albert les dice que tiene una cita. Después de esto parten Jules y Jim, pero Catherine decide quedarse pues la cita es con ella. Nada parece haber cambiado. 

Una vez pasado un tiempo, Jim se encuentra con Jules en París. Se entera de que Jules y Catherine han regresado a Francia. Catherine intenta recuperar a Jim, pero él la rechaza, diciendo que se va a casar con Gilberte. Furiosa, ella le apunta con un arma, pero él se la quita y huye. 

Más tarde se encuentra con Jules y Catherine en el cine Studio des Ursulines en el Barrio Latino de París. A la salida los tres se detienen en un café al aire libre. Catherine le pide a Jim que suba a su auto y le dice que tiene algo que decirle. Ella le pide a Jules que los mire y conduce el auto por un puente que se encuentra roto sobre el río; ella lanza el coche hacia el puente y el coche cae matándose a sí misma y a Jim. Jules se queda para recoger las cenizas de sus amigos. Tras depositar las cenizas Jules se marcha solo pensando en una Catherine, eternamente insatisfecha con la vida y el amor. 

Truffaut dejó escrito que, en 1955, cuando descubrió la novela de Henri-Pierre Roché entre los libros de ocasión de una librería, le llamó la atención el título, Jules et Jim , por la sonoridad de su título "J et J". Con él descubrió a un autor cuya primera novela la escribe con setenta y seis años. 

Truffaut quedó seducido por un triángulo amoroso en el que el lector se enamora de los tres personajes, y escribió unas elogiosas líneas sobre la novela, que había pasado desapercibida. Enseguida recibió una nota de agradecimiento del anciano autor, cuya amabilidad le animó a conocerlo y con el que tuvo contacto hasta su muerte. El joven crítico y el viejo autor novel se escribieron cartas.

El autor, para Truffaut un hombre interesado por todas las facetas del mundo artístico, aprobó el interés del joven director por adaptar su trabajo a otro medio como era el cine. Truffaut estaba entusiasmado con la idea de llevar a la pantalla su novela, algún día, y la idea entusiasmaba a su vez a Roché. 

Truffaut invitó a Roché a ver su primer cortometraje, Les Mistons (1958), y este acudió, con ochenta y ocho años, y tuvo un gran detalle: Truffaut le contó que estaba a punto de abordar su primer largometraje, que finalmente sería Los 400 golpes, porque le parecía una empresa más factible para debutar.

Roché le entendió perfectamente y le escribió esta conmovedora y bellísima nota que, confiesa Truffaut, “el egoísmo de mis veinticinco años no me dejó leer con la suficiente atención”. Decía así: “Me encantaría estar todavía aquí el día que usted acometa el rodaje de Jules et Jim. Deseo seguirle tan de cerca como me sea posible. Si encuentra alguna razón o algún pretexto para vernos, dígamelo”.

Truffaut adaptó y modificó algunos elementos de la novela en la película. Además de añadir la voz en off, para darle un tono literario, el personaje de Kathe se convierte en Catherine y ella pasa de la nacionalidad alemana en la novela a la nacionalidad francesa en la película. Igualmente , en la novela, Kathe tiene dos hijos, mientras que solo tiene una niña en la película. 

Tras los 400 golpes llegó Jules et Jim. " Jules y Jim es un himno a la vida y la muerte, una demostración de la alegría y la tristeza de la imposibilidad de cualquier combinación de amor fuera de la pareja", escribió Truffaut un año antes de la filmación. El escritor debería haber escrito los diálogos del guión, pero murió en abril de 1959 . Nueve años después, Truffaut adaptará otra novela de este viajero y amante del arte que era el escritor francés: Los dos ingleses .

La película se rodó del 10 de abril al 28 de junio de 1961 en París , en la Riviera francesa y en Alsacia . Entre los lugares de rodaje destacan el chalet, a orillas del Rin en Austria en la historia, donde Jim se une a Jules y Catherine, es de hecho la cabaña Sihlbach del Molkenrain. El cementerio militar que Jim visita antes de visitar a Jules y Catherine es el cementerio de Old-Armand (Hartmannswillerkopf), ubicado en Haut-Rhin .

Se rodó en la Pasarela Valmy, ubicada al final de la calle Valmy y que abarca las vías del tren en Charenton-le-Pont , y que sirvió de telón de fondo para la famosa escena de carreras entre los tres protagonistas. Desde entonces se ha reconstruido y ya no tiene la rejilla cerrada visible en la película. El molino en el que viven Catalina y Jules es el molino de Andé ubicado en el Eure. La escena del automóvil se rodó en el viejo puente de Limay en Mantes-la-Jolie (Yvelines) . La secuencia de la corta caminata hacia una presa y su lago en la niebla se convirtió en el lago Lauch. La secuencia de trincheras se rodó en las ruinas de las murallas y el castillo medieval de Beaumont-sur-Oise.

El argumento en sí está basado en hechos reales. El personaje de Catherine está inspirado en Helen Grunt, mujer alemana que al viajar a París conoció a Franz Hessel y a su amigo Henri-Pierre Roché, dos amigos vinculados con la literatura. Se casó con Franz mientras le era infiel con su amante Henri-Pierre Roché, autor del libro en el que se basa Truffaut. En la vida real, Franz y Helen no tuvieron una hija, sino un hijo, que resulta ser el diplomático Stéphane Hessel, autor del ensayo-exprés "¡Indignaos!" 

Años después del estreno Truffaut recibió una carta de la verdadera Kathe, ya anciana, agradeciéndole que le hiciera “revivir, cautivada por su poder mágico y el de Jeanne Moreau, lo que antaño experimenté ciegamente”. 

Recientemente, Marie-Françoise Peteuil ha publicado un libro titulado Helen Hessel: la mujer que amó a Jules y Jim, que relata la verdadera historia de este relato de amor, infidelidad, traición y libertad. 

Truffaut estrenó su película y ésta fue muy bien acogida, pero era aún muy joven y le atormentaba que un ser tan extraordinario como Roché, capaz de escribir ardientemente sobre una pasión cincuenta años después de los acontecimientos, siguiese siendo un desconocido. 

Durante mucho tiempo, Truffaut recuperó y publicó parte de sus diarios y le citó y recordó siempre que tuvo ocasión, además de adaptarle otra de sus novelas, Deux anglaises et le continent. 

Con el tiempo, Truffaut reconocería que Jules et Jim era su recuerdo más “luminoso”. Porque, confesaba con sinceridad, “al acabar una película siempre me doy cuenta de que es más triste de lo que quería. Siempre me pasa lo mismo”.

La película fue un éxito de público . Se proyectó por primera vez en público el 24 de enero de 1962 . Asistieron durante su etapa en cartel 1,595,379 espectadores sólo en Francia. 

La película consiguió diversos premios entre ellos los Premios BAFTA pues , al menos, fue nominada a Mejor Película y Actriz Extranjera (Moreau).

La película ganó el Gran Premio de 1962 de los premios del cine francés, el Étoile de Cristal, y Jeanne Moreau ganó el premio de ese año a la mejor actriz.

Tuvo el Premio de la puesta en escena en el festival de Mar del Plata y en otros latinoamericanos como el Premio a la dirección en el Festival de Acapulco, el Premio Cantaclaros en Caracas y Premio de la Crítica en el Festival de Cartagena.

Además fue Nastro d´Argento (Cinta de plata) otorgada por el sindicato nacional de periodistas cinematográficos italianos, aunque hay que decir que en Italia se arriesgó a no ser distribuido, salió solo gracias a los buenos oficios de Roberto Rossellini y Dino De Laurentiis ; y , por último, fue premiada como Mejor película europea en los Premios Bodil de Dinamarca.

La película ocupó el puesto 46 en "Las 100 mejores películas del cine mundial" de la revista Empire en 2010. La banda sonora de Georges Delerue fue nombrada como una de las "10 mejores bandas sonoras" por la revista Time en su lista "All Time 100 Movies" . 

Con ella Truffaut, realizaba una nueva incursión del cine en lo que se denomina Nouvelle Vague , rodando en gran medida al aire libre pero incorporando elementos externos al cine como las imágenes de noticieros sobre todo vinculados con la Gran Guerra, imágenes fotográficas, fotogramas congelados , tomas panorámicas ,  enmascaramiento , tomas de dolly y narraciones en off , en este caso narrados por Michel Subor.

Hay 40 fragmentos de duración variable entre 12 y 190 segundos distribuidos de manera diferente entre la primera y la segunda parte de la película: más cortos y numerosos en el primero, más dispersos y más largos en el segundo.  

El director de fotografía de Truffaut fue Raoul Coutard , colaborador frecuente de Jean-Luc Godard , quien empleó las últimas cámaras livianas para crear un estilo de película extremadamente fluido. Por ejemplo, algunas de las escenas de la posguerra fueron filmadas con cámaras montadas en bicicletas con las que los tres protagonistas más Albert recorren los caminos de la Selva negra por la que se mueven. 

La partitura musical es de Georges Delerue y una de sus canciones quedará como inolvidable en la historia del cine. Se trata de "Le Tourbillon" de Serge Rezvani , que resume la turbulencia de las vidas de los tres personajes principales, se convirtió en un éxito popular. Serge Rezvani había escrito esta canción unos años antes, con referencia a la pareja Jeanne Moreau y su compañero Jean-Louis Richard (quien en la película interpreta al cliente del café), y quién era también el mejor amigo de Serge en la vida real. 

El diálogo es predominantemente en francés, con líneas ocasionales en alemán y una línea en inglés. La película se basa en un trabajo del trío, pero si hay que destacar a alguien la que brilla con luz propia es Jeanne Moreau , que rie, llora, canta, se disfraza, corre, trasmite encanto y dolor. 

La crítica Ginette Vincindeau ha definido su trabajo como "hermosa, pero de una manera natural; sexy, pero intelectual al mismo tiempo, una especie de sexualidad cerebral: este era el sello distintivo de las mujeres de la nouvelle vague". Aunque no está en el título de la película, Catherine es "la ausencia estructurante. Reconcilia dos ideas de feminidad completamente opuestas". Para el crítico Dave Kehr del Chicago Reader estamos ante "Una obra maestra de la 'nueva ola'." 

Para Juan Marsé, Jules et Jim “es el recuerdo más luminoso de Truffaut” siendo François Truffaut un "hombre para compartir mesa y charla” 

Luis Alemany y Luis Martínez en El Mundo entienden que " Truffaut, por un lado muy libre y ligera, por el otro, muy formal y clásica (al menos, en comparación con el de su amigo/enemigo Jean-Luc Godard) y con esa voz en off y ese nosequé de película novelesca francesa de toda la vida." Y continúan diciendo "Casi todo en 'Jules et Jim' descansa en el encanto de los contrastes. El contraste entre ese amor tan contracultural y ese atrezzo belle èpoque. El contraste entre la frescura de la relación entre Jules, Jim y Catherine (los nombres de los personajes en la novela y en la película) y la prosodia de un relato contado un poco a la antigua, casi con naturalismo. El contraste, también, entre el esfuerzo por ser alegórico (de nuevo, volvemos a la escena del puente, cuando Catherine y sus chicos intercambian sus papeles) y la sencillez con la que ocurren sus cosas. Y acaban diciendo " Jules et Jim' ha quedado como el gran icono en la obra de Truffaut, su equivalente de 'Al final de la escapada'. Su complemento, lírico, sentimental y en el fondo, optimista. Truffaut dejó caer en alguna película que sabía que 'Jules et Jim' no era su mejor película, pero... Pero estaba Jeanne Moreau, claro. Moreau es tan inolvidable o más que Jean Seberg en la película del cineasta suizo. Puede que para disfrutar en plenitud de 'Jules et Jim' haya que tener 20 años; para enamorarse de Jeanne Moreau, no." 

Un aspecto interesante en la película está en los cuadros de Picasso que aparecen de fondo. François Truffaut colocó en la película trece reproducciones de pinturas de Pablo Picasso ( El abrazo en el ático , Familia acróbatas con mono , Niña con mandolina , Estudio para los caminantes - niña con perro , En el ágil conejo , Mujer desnudo sentado , árboles frutales, vasos, botellas, fruta , el italiano , las dos terrazas de café , Pierrot , el arlequín sentado , los amantes , madre e hijo). Según Martin Lefèbvre, las pinturas de Picasso son marcadores temporales en una película cuya acción tiene lugar durante más de 20 años sin que los personajes lleven signos de envejecimiento e índices que reflejen el estado del arte. espíritu o las transformaciones de los personajes en primer plano.

Hay además ciertas influencias de directores norteamericanos. El mismo Truffaut habló de la influencia de una película, Sérénade avec trois, cuyo título original era Desing for living , una comedia de Ernst Lubitsch algo que señaló el productor y director francés Claude Berri en alguna ocasión. Pero donde Lubitsch ve en la historia del trío una comedia, Truffaut entiende que la historia del trío es un drama.

Desde luego estamos ante una obra muy representativa del cine francés de los sesenta, un canto al amor y la pasión con una peculiar mujer de la cual ambos, Jules et Jim, un Quijote y un Sancho Panza, como se definen en un par de momentos de la película, se enamoran. Es mucho más que una canción de Maluma.